






BOB MARLEY & THE WAILERS se convirtieron en uno de los mayores referentes mundiales de reggae jamaicano a lo largo de los años 70, pero principalmente durante los años 1973-80, cuando firmaron con Island Records y permanecieron así hasta la prematura muerte de MARLEY en 1981. Esta banda clásica que probablemente ha sido escuchada por todas las personas en el planeta se formó en 1963 en Kingston, Jamaica, cuando Hubert Winston (Peter Tosh), Neville Livingston (Bunny Wailer) y Robert Nesta Marley (BOB MARLEY) se conocieron y crearon una de las primeras bandas de ska jamaicanas. Esto fue antes de que el ska evolucionara hasta convertirse en el efímero rocksteady, que finalmente se convirtió en el estilo reggae más familiar.
De todas las primeras pistas, algunas fueron compiladas y lanzadas en 1965 bajo el sobrenombre de The Wailing Wailers y el trío con varios músicos y vocalistas de respaldo no lanzaría el primer álbum bajo el nombre más familiar de BOB MARLEY & THE WAILER hasta 1970, que debutó con SOUL. REBELDES. Este fue un período interesante para la banda que tuvo lugar después de localizar al famoso productor e inventor Lee “Scratch” Perry, quien llevó a la banda al siguiente nivel de su carrera. Si bien el equipo solo colaboraría durante unos pocos años, los resultados fueron bastante productivos, ya que BOB MARLEY & THE WAILERS habían comenzado a desarrollar el sonido único y conmovedor del reggae que la mayoría solo ha escuchado en álbumes como “Exodus” o “Natty”. SOUL REBELS estrena el formato clásico de reggae de escasa instrumentación que implementa sólo una guitarra, un bajo, una batería y un órgano junto con el estilo vocal medio cantado característico de MARLEY. Considerado uno de los mejores álbumes de reggae de raíces de todos los tiempos, SOUL REBELS, liderado por Scratch Perry pusieron en la picota a THE WAILERS con una serue de sencillos que los impulsaron a través de los años 60 y que se centraron en un concepto basado en la rebelión y la justicia social. La banda contó con el respaldo recién configurado de los Upsetters, quienes luego formarían sus propios álbumes de reggae clásico mientras los WAILERS seguían su propio camino.
Las dos primeras canciones del disco, "Keep on Moving" y "Don't Rock My Boat", muestran una de las aspectos mas reconocibles de The Wailers: su habilidad instrumental suave y segura. La batería es excelentemente perezosa y las guitarras se abren paso a través de las canciones con su estilo relajado de manera impecable, las líneas de bajo suaves subrayan la música maravillosamente, emitiendo el ritmo tradicional del reggae con facilidad. Las canciones "Kaya" y "African Herbsman" fueron escritas por Marley sobre la marihuana, los sentimientos que siente por ello están muy bien reflejados en el lienzo proporcionado por la música. La voz de Marley, una de las más reconocibles en el mundo de la música, es especialmente conmovedora en el disco, con Peter Tosh y Bunny Wailer proporcionando un excelente refuerzo, como siempre. Todo esto hace que el disco sea muy fácil de escuchar, pero también muy divertido de escuchar. La guinda de todo, sin embargo, son las letras, escritas por Bob Marley, con un par de versiones de improvisaciones de reggae tradicionales. También está la pieza 'No Sympathy' cantada por Peter Tosh en el álbum y versionada por el cantante unos años más tarde en su primer álbum en solitario, el clásico 'Legalize it'.
Si eres fanático de la música country Outlaw y de Waylon Jennings, entonces probablemente conozcas la historia de su histórico álbum de 1973, Honky Tonk Heroes, con todas las canciones de Billy Joe Shaver excepto una, es uno de los álbumes definitorios de la era Outlaw, puso a Billy Joe Shaver en el mapa y sigue siendo tremendamente influyente incluso hoy en día siendo posiblemente uno de los álbumes country más importantes de todos los tiempos. Pero sin dar por sentado que algunos no conocen la historia, aquí hay un repaso rápido: Billy Joe Shaver estuvo en la reunión Dripping Springs de Willie Nelson en las afueras de Austin en 1972, también conocido como Hillbilly Woodstock, mientras pasan el rato detrás del escenario, Shaver interpreta “Willy the Wandering Gypsy and Me” y Waylon Jennings lo escucha, quedó tan impresionado que invita a Billy Joe a Nashville para escribir canciones juntos. Waylon Jennings pasó los siguientes seis meses esquivando al viejo Billy Joe Shaver, hasta que Billy Joe, que se empeñó tanto en mostrarle a Waylon sus canciones, lo aborda en el pasillo del estudio y le dijo a Waylon que si no escuchaba sus canciones, le patearía el trasero allí mismo, delante de Dios y de todos. Waylon intentó darle 100 dólares para que se fuera, pero Shaver persistió. Finalmente, después de que Shaver lo derribara, Waylon escuchó y decidió grabar un álbum completo de canciones de Billy Joe Shaver. Pero este no fue el final de la historia, Waylon Jennings acababa de ganar el control creativo de RCA Records después de años de estar bajo el control opresivo del productor Chet Atkins. Ahora que Waylon podía hacer lo que quisiera (que en ese momento era grabar un álbum de canciones de Billy Joe Shaver), pensaba que estaba libre de que la gente le dijera qué hacer. Pero Billy Joe Shaver tenía otras ideas.
El 21 de febrero de 1973, Waylon Jennings estaba en el estudio grabando la canción principal de Honky Tonk Heroes . Billy Joe Shaver también estaba en el estudio y no estaba nada contento con lo que Waylon estaba haciendo con su canción, “Honky Tonk Heroes”, necesita un enfoque muy poco convencional del ritmo para una canción country, la canción comienza de manera bastante tradicional para una canción country, pero 90 segundos después, se lanza a un sonido de estilo rock más agresivo y eléctrico, al final, la canción desciende a un tiempo de medio tiempo. Ese ritmo del medio tiempo al final de “Honky Tonk Heroes” fue quizás una de las partes más históricas e influyentes de todo el álbum. Pero Billy Joe Shaver no quería saber nada de eso, se acercó y dijo: '¿Qué estás haciendo? Estás jodiendo mi canción. Las cosas no son así, Waylon y Billy Joe se ponen a gritase el uno al otro”. Billy Joe Shaver había consegudo que un importante artista country grabara un álbum completo con sus canciones, y corre el riesgo de arruinarlo "Billy Joe no entendía la forma en que lo estábamos armando..." explica Richie Albright. Waylon Jennings en su autobiografía. “Así surgió el concepto de 'Honky Tonk Heroes'. Billy Joe hablaba como hablaría un vaquero moderno, si saliera del Oeste y viviera hoy. Dominaba la jerga de Texas, su mundo era tan realista y realista como el día era largo, y llevaba su estrella solitaria como una insignia”. Más tarde, a medida que avanzaba la sesión, Billy Joe Shaver finalmente vio la visión más amplia que tenían en mente, y quedó deslumbrado. La historia tanto de la canción “Honky Tonk Heroes” como del álbum ilustra cómo a veces a través del conflicto puede surgir una gran creatividad. Si Billy Joe Shaver nunca hubiera abordado a Waylon Jennings en ese pasillo, quién sabe qué pudo haber pasado con el movimiento Outlaw. Y si “Honky Tonk Heroes” nunca se hubiera grabado como lo fue con los inusuales cambios de hora, tal vez el álbum no habría sido tan bien recibido e influyente como finalmente lo fue y sigue siendo.
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| Cosmic Slop, Funkadelic |
Cosmic Slop es el quinto álbum de estudio de Funkadelic, la banda liderada por George Clinton, la cual se dedicaba a la rama más psicodélica del funk, ya que de la parte más tradicional siempre corría a cargo de su banda hermanada Parliament, también liderada por George Clinton. Ambas bandas daban forma al llamado sonido P-Funk. Dicho disco es grabado entre 1972 y 1973 entre el United Sound Studio de Detroit y el Manta Sound Studio de Toronto, bajo la producción del omnipresente George Clinton, y publicado en julio de 1973 por el sello discográfico Westbound Records.
El disco fue un fracaso comercial, llegando a alcanzar únicamente el puesto 112 en la lista de ventas Billboard Pop Chart de Estados Unidos, y el puesto 21 en la lista también estadounidense R&B Chart. Sin embargo, con el tiempo el disco ha sido reevaluado muy faborablemente por la crítica especializada. Para este álbum George Clinton, al contrario que con su antecesor álbum, America Eats its Young (1972), contó con una formación más pequeña para su grabación, limitada a dos guitarristas, Garry Shider y Ron Bykowsky, el percusionista Tyrone Lampkin, el teclista Bernard Worrell, y el bajista "Boogie" Mosson. Contó también con la colaboración en las voces de Mallia Franklin y Debbie Wright, ambos miembros de Parliament, y del baterista Tiki Fulwood en el tema Nappy Dogout.
Incluido en este álbum encontramos la canción que da nombre al mismo, Cosmic Slop, la cual tiene un potente ritmo y una letra muy incisiva que nos cuenta la historia de un mujer con cinco hijos que trabaja como prostituta para alimentar a su familia. Ella es una mujer temerosa de Dios que reza justificando sus pecados y que ruega por sus hijos, pero el diablo también le está escuchando y le responde: "Would you llike dance with me ? We're doing the cosmic slop" (¿Quieres bailar conmigo? Estamos haciendo el desastre cósmico). En una entrevista, el líder de la banda George Clinton afirmaba haberse inspirado en "mujeres que tienen que prostituirse para cuidar a sus hijos y se sienten avergonzadas de sí mismas, o sienten que no están haciendo lo que deben hacer". También afirmaba que "El instinto de tener que cuidar a tus hijos es un instinto fuerte, así que es un asunto mental. Crees que estás bailando con el diablo y tienes que hacer algo así para mantener a tu familia... Eso es lo que es Cosmic Slop". Clinton escribió esta canción con Bernie Worrell, el teclista del grupo. De las voces en esta canción se encargó el guitarrista Garry Shider, que solía llevar un pañal en las actuaciones en vivo.
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| Catch a Fire, Bob Marley |
Catch a Fire es el quinto álbum de estudio de Bob Marley and The Wailers. Este fue el primer disco lanzado por la discográfica Island Records. Depsués de una gira por el Reino Unido, la banda había comenzado a grabar pistas para un nuevo disco, paro no tenía dinero para regresar a Jamaica y encima estaban en medio de una disputa contractual con CBS, por lo que su mánager Brent Clarke consigue que el productor Chris Blackwell, de Island Records, les adelante dinero para la grabación del álbum. En lugar de eso, Marley y compañía usaron el dinero para regresar a casa, donde completaron las grabaciones de Catch a Fire. El disco cuenta con nueve canciones, de las cuales siete fueran escritas por Bob Marley y las dos restantes por Peter Tosh (400 Years y Stop That Train). Una vez completadas las grabciones, Marley envió estas a Londres, donde Blackwell reelaboró las mismas, con contribuciones del musico de sesión de los famosos Muscle Shoals, Wayne Perkins, quien tocó la guitarra en tres pistas sobregrabadas.
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| Portada de la primera edición original |
Catch a Fire fue lanzado originalmente bajo el nombre The Wailers, y la portada era un encendedor Zippo, diseñado por los artistas gráficos Rod Dyer y Bob Weiner. Los lanzamientos posteriores tuvieron una portada alternativa diseñada por John Bonis, que representaba un retrato de Esther Anderson de Bob Marley fumando un porro. En dicha funda se acreditaba a la banda como Bob Marley and the Wailers. El disco fue grabado entre mayo y octubre de 1972 en Jamaica, mezclado en los estudios Island de Londres, bajo la porducción de Crhis Blackwell y Bob Marley, y publicaco el 13 de abril de 1973 por el sello discográfico Island Records.
La gira de promoción del álbum, que cubrió Inglaterra y Estados Unidos, ayudó a generar interés internacional por la banda, y el disco llegó a alcanzar el puesto 171 en las listas Biilboard 200, y el puesto 51 en las listas Billboard Black Albums, ambas estadounidenses. La revista Rolling Stone situó Catch a Fire en el puesto 126 d su lista de los "500 mejores ábumes de todos los tiempos", solo superado por su disco Legend (1984). Estamos ante un álbum clásico que define y trasciende dentro del género reggae, y que además consigue llegar a una audiencia más amplia. Este álbum sería el comienzo del camino de Bob Marley para convertirse en toda una estrella mundial. Catch a Fire es toda una creación grupal, donde la banda, los cantantes y los compositores trabajaron juntos para crear algo grande que esta muy por encima de las individualidades.
La cara B comienza de la misma forma en la que acabamos la Cara A, con una romántica canción sobre avivar el amor y la pasión, Stir It Up. Un himno romántico que celebra el amor y la pasión. La canción tiene un suave y relajante ritmo típico reggae, y las letras hacen referencia, de forma metafórica, al hecho de hacer el amor. Kinky Reggae tiene un ritmo pegajoso que nos habla de la influencia del género reggae en la cultura. La letra se centra en la diversión y el ambiente festivo que podemos encontrar en la música y en las personas que disfrutan del reggae. El término "Kinky" en el título no esta asociado a nada sexual, más bien a la manera distintiva en la que el reggae cautiva y mueve a la gente. No More Trouble nos vuelve a conducir a la parte poderosa del disco, una llamada a la paz y la justicia en un mundo lleno de conflictos y problemas. Una llamada a la unidad y a la resolución pacífica para abordar los conflictos que enfrentan a la humanidad. Cierra la cara B, y por tanto este disco fundamental, Midnight Ravers, una canción con una intensa y enérgica atmósfera donde las letras se suman para crear una sensación de misterio mientras nos hablan sobre la vida nocturna, la fiesta o la euforia. Esta canción capta la esencia de la vida nocturna y la energía vibrante que se encuentra en esos momentos.
Catch a fire está considerado como uno de los mejores álbumes de reggae de todos los tiempos. Con este disco comenzo el ascenso al Olimpo musical de Bob Marley, y fue además el primer álbum de la banda que fue lanzado fuera de jamaica. Estamos ante un disco fundamental para entender el género reggae.
Mott the Hoople fue una banda marcada por la tragedia, pero no porque les pasara algo grave, la tragedia radica en que con demasiada frecuencia se pasa por alto si trabajo. Durante su mejor momento en la década de 1970, fueron un elemento anónimo del rock and roll, un gusto adquirido. El tiempo no les regaló nada más que un estatus de culto. Antes de ser Mott the Hoople, eran Silence, la banda de rock inglesa, compuesta formalmente por el líder Ian Hunter, el guitarrista Mick Ralphs, el organista Verden Allen, el bajista Pete Overend Watts y el baterista Dale “Buffin” Griffin, se llamó por primera vez Silence cuando se formaron en 1968, cambiaron su nombre a regañadientes a Mott the Hoople en 1969 con la promesa de un contrato discográfico. Su nombre fue tomado de una novela de 1966 del mismo nombre escrita por Willard Manus. En el libro, el personaje principal, Norman Mott, se considera un “grosero”, una palabra que el propio Manus tomó prestada de una tira cómica de un periódico llamada Our Boarding House."Hoople" es un término del argot para referirse a alguien que no lo hace bien. Consiguieron un fan en el gran David Bowie que acepto producir su álbum de 1972, Bowie también ofreció a la banda su recientemente escrita “All the Young Dudes”, una canción que se convertiría en la canción principal del álbum y en su mayor éxito.
All the Way From Memphia podría haber sido simplemente otra historia sobre una banda en la carretera que se dirige a Memphis para un concierto cuando se dan cuenta de que se han dejado us guitarras, pero Ian Hunter siempre tuvo la habilidad de no contar una historia de la manera ordinaria, y mientras menciona lo embarazoso de la situación ("¡Hombre, ese es tu instrumento!", le dice un tipo, y cuando agrega, "Me sentí tan ¡avergonzado!", se nota que no cubre ni la mitad), pronto Hunter comienza a asociarse libremente con el lento ascenso de Mott the Hoople hacia el éxito de la noche a la mañana ("De los muelles de Liverpool al Hollywood Bowl"), sus propias dudas sobre éxito ("Tu nombre se calienta mientras tu corazón se enfría") y su obstinada negativa a hacerse ilusiones sobre el estrellato del rock ("Pareces una estrella, pero todavía estás en el paro"). Pero nadie se habría atrevido jamás a argumentar que a Ian Hunter no le encantaba el rock & roll (Hunter incluido), y desde el áspero pisotón de los primeros acordes de piano (tocados por el propio Hunter) hasta el solo de saxo al final. (cortesía de Andy Mackay de Roxy Music), "All the Way From combina el rock & roll de la primera ola que hizo famoso a Memphis con la arrogancia glamorosa del rock británico de alrededor de 1973 de una manera que sólo un verdadero fan podría haber evocado.


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| Fire and Water, Free |
Free fue una banda británica fundada en 1968, y compuesta originalmente por Paul Rodgers (Voz, guitarra y teclados), Paul Kossoff (Guitarra), Andy Fraser (Bajo y teclados), y Simon Kirke (Batería). Este grupo se convirtió en una influyente banda dentro del panorama británico rockero, y sólo los problemas internos impidieron que esta banda perdurase más en el tiempo y se hiciera más grande, como varios de sus integrantes reconocerían posteriormente. Dejaron tras de sí 6 discos de estudio, siendo con el tercero Fire and Water, editado en 1970, con el que consiguieron despuntar, consiguiendo todo un éxito de ventas con su clásico tema All Right Now. Pero los problemas de algunos miembros con las drogas y la rencillas internas avocaron al grupo a realizar algunos cambios en la formación, que no llegó a cuajar y por tanto su disolución. Paul Rodgers fundaría Bad Company junto con Simon Kirke. Paul Kossoff lo intentó con Back Street Crawler, pero desgraciadamente fallecería poco después a causa de una sobredosis a la edad de 25 años.
Fire and Water contiene una mezcla de blues rock, hard rock y elementos de música soul, y muestra la potente voz de Paul Rodgers, el virtuosismo a la guitarra de Paul Kossoff y el buen hacer compositivo de la dupla Rogers/Fraser. Comienza el álbum con la canción que da título al disco, Fire and Water, tema donde podemos disfrutar de un buen blues rock aderezado con un toque de soul, mostrando ya desde inicio la potente voz y gran clase de Paul Rodgers y la habilidad a las seis cuerdas de Paul Kossoff. Le sigue Oh I Wept, una conmovedora balada donde Rodgers sigue demostrando por qué es una de las grandes voces del rock. Remember es una canción con un ambiente más suave, menos crudo que los temas anteriores, con una melodía muy emotiva y muy efectiva, conteniendo además unas letras muy reflexivas. Cierra la cara A Heavy Load, una canción más potente y enérgica que se encarga de equilibrar la balanza para mantener la intensidad del álbum.
Fire and Water es un álbum fundamental en la historia del rock por varias razones. En primer lugar, este disco fue el punto de inflexión para Free, llevándolos a la fama mundial y convirtiendo All Right Now en un icónico himno del rock; Además, el álbum mostró, con mucha elegancia y clase, una combinación de géneros como el blues rock, el hard rock y el soul, que influenció a multitud de bandas posteriores a la hora de fusionar diferentes estilos musicales; Muy destacables también la poderosa voz de Paul Rodgers y la habilidad con la guitarra de Paul Kossoff; Y por último, el impacto y legado que la banda ha dejado en generaciones de músicos y bandas posteriores, un impacto que a día de hoy todavía perdura.
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| Tubular bells, Mike Oldfield |
Finales de la década de los 60 y principios de los 70, un joven británico llamado Richard Branson se dedica a comprar discos pirata y de saldos para luego venderlos a través de outlets o desde su coche como improvisado punto de venta, y posteriormente se dedica a venderlos por correo bajo pedido. Este joven visionario y emprendedor consigue abrir a principios de los 70 un pequeña y modesta tienda de discos en situada en Oxford Street, Londres. Poco a poco va creciendo, y su siguiente paso es comprar con los beneficios obtenidos un lugar donde instalar un estudio de grabación.
Nos encontramos en 1972, y un joven multiinstrumentista británico llamado Mike Oldfield, había compuesto con tan sólo 17 años una pieza instrumental. Oldfield había ofrecido la maqueta de su composición a varias discográficas, pero no había consguido que ninguna se interesara por ella, la razón, se trataba de una composición instrumental muy extensa, a diferencia de las composiciones de la época, lo cual no hacía su producto atractivo de cara a la venta.
Ese mismo año, 1972, Richard Branson, que poseía ya unas cuantas tiendas de venta de discos a domicilio, funda Virgin Records, su propia discográfica junto a dos amigos más, Simon Draper y Nick Powell. El estudio de la compañía era una mansión llamada The Manor, situada en Oxfordshire, a las afueras de Londres, y era pionero en Inglaterra, pues allí las grabaciones se hacían de manera artesanal. A manos de Tom Newman y Simon Heyworth, que trabajaban por entonces en The Manor, llega la maqueta de Mike Oldfield y quedan fascinados e impresionados. Mike y Simon se la muestran a Richard Branson y hacen que éste se interese por ella.
Richad Branson apuesta entonces por el joven Mike Oldfield, y graban la composición de éste. Al tratarse de una larga sinfonía ejecutada por multidud de instrumentos (Casi todos ellos grabados por Mike Oldfield), tuvieron problemas técnicos para poder grabarlos en The Manor, pues sólo disponian de una mesa de ocho canales para grabar todas las pistas, y tuvieron que recurrir a trucos artesanales para conseguirlo. El 25 de mayo de 1973 se publica la composición de Mike Oldfield, llamada Tubular Bells, bajo el sello discográfico de Virgin Records, convirtiéndose en el primer lanzamiento de la joven discográfica. Parte de la música de Tubular Bells también se usa para la banda sonora original de la película El Exorcista (1973), dirigida por William Friedkin.
Tubular Bells, el primer lanzamiento de la joven compañía, se convierte en uno de los discos más vendido de la historia del rock, vendiendo más de 16 millones de copias en todo el mundo, encaramándose en las listas británicas de éxitos durante 279 semanas seguidas, y además da un espaldarazo fundamental tanto a Mike Oldfield como a la compañía, que crecerá hasta convertirse en una de las más potentes del mercado mundial.
El álbum de divide en dos partes, parte I y parte II, cada una de algo más de veinte minutos de duración. Nos vamos a centrar en la Parte I, llamada originalmente por Oldfield como "Opus One". Fue grabada durante una única semana, que era la que tenía asignada el músico en The Manor. Oldfield estaba muy interesado en comenzar la pieza con un riff repetido e ideó la secuencia de piano de apertura después, mientras experimentaba. El músico grabó el riff inicial en un piano de cola Steinway, pero tuvo problemas para tocar el tiempo, y uno de los productores, Symon Heyworth, resolvió el problema colocando un micrófono junto a un metrónomo en otra habitación y conectándolo a los auriculares de Oldfield. La breve sección de piano honky-tonk se incluyó como homenaje a la abuela de Oldfield, que había tocado el instrumento en clubes antes de la Segunda Guerra Mundial. Otro de los problemas a los que el músico se enfrentó fue a la hora de reproducir el sonido con las campanas tubulares, ya que quería una nota fuerte de dichas campanas, pero tanto los martillos estándar cubiertos de cuero como los de metal no producía el volumen que deseaba. Al final se obtuvo el sonido con un martillo de garra más pesado (usado en carpintería para clavar clavos). El martillo era tan pesado que Oldfield rompió las campanas durante el proceso. La pista se cierra con un segmento de Vivian Stanshall, miembro del grupo de rock cómico Bonzo Dog Doo-Dah Band, que presenta cada instrumento que se toca uno por uno. Al músico le gustó la forma en que Stanshall introducía los instrumentos uno por uno en la canción "The Intro and The Outro" del álbum Gorilla (1967), y le dijo al otro productor del álbum, Tom Newman, que le gustaría que Stanshall hiciera lo mismo en su álbum. Stanshall aceptó, pero dicho trabajo fue más complicado de lo que parecía, pues Stanshall olvidó los nombres de los instrumentos a incluir y los introdujo equivocadamente, por lo que Oldifeld tuvo que apuntarlos en una lista en el orden correcto para que Stanshall los introdujera en el orden correcto. La forma en que Stanshall dijo "más... campanas tubulares" a la hora de introducir los insturmentos, inspiró a Oldfield para usarlo como título del álbum, Tubular Bells y sus dos partes, Part I y Part II.
1070 - Paul Simon - Kodachrome
La canción "Kodachrome" de Paul Simon es una pieza musical que ha dejado una profunda impresión en la historia de la música popular. Lanzada en 1973 como parte de su álbum homónimo, esta canción es un claro ejemplo del talento lírico y musical de Paul Simon.
"Kodachrome" es una canción que celebra la nostalgia y la evocación de recuerdos a través de la lente de una cámara. La canción comienza con un ritmo alegre y pegajoso que inmediatamente capta la atención del oyente. La letra refleja la idea de cómo la fotografía puede congelar momentos en el tiempo, permitiendo a las personas revivir esos momentos una y otra vez. La canción es un homenaje a la cámara Kodak Kodachrome, un producto emblemático de la fotografía analógica en su época.
El estribillo, con su icónica línea "Mama don't take my Kodachrome away," se convierte en un reflejo de la resistencia al cambio y la pérdida de la autenticidad en un mundo que está en constante evolución. La voz distintiva de Paul Simon se destaca, transmitiendo emoción y un sentido de añoranza.
La instrumentación de la canción es igualmente cautivadora, con una mezcla de guitarras acústicas y eléctricas que crean un sonido vibrante y alegre. La canción también incluye coros pegajosos que invitan al público a unirse en el canto.
"Kodachrome" ha perdurado a lo largo de los años y se ha convertido en una de las canciones más queridas del repertorio de Paul Simon. Su habilidad para combinar letras conmovedoras y una melodía inolvidable hace que la canción sea un clásico atemporal que sigue resonando con las audiencias de todas las edades. Es un recordatorio de la importancia de la música en la preservación de momentos y emociones, y sigue siendo una joya en el legado de Paul Simon.
Daniel

1069 - Pescado Rabioso - Cantata de puentes amarillos
La canción "Cantata de Puentes Amarillos" de la banda argentina Pescado Rabioso es una pieza musical emblemática que ha dejado una profunda impresión en la historia del rock en español. Es importante destacar que esta canción es ampliamente reconocida por su importancia en el panorama musical.
La canción, compuesta por Luis Alberto Spinetta, cautiva desde el primer acorde con su mezcla de poesía lírica y melodía enigmática. La voz de Spinetta guía al oyente a través de un viaje introspectivo, mientras la guitarra acústica establece un ritmo hipnótico que se asemeja a una meditación musical.
Las letras de "Cantata de Puentes Amarillos" son crípticas y enigmáticas, con metáforas que evocan una sensación de misterio y nostalgia. La canción parece contar una historia enigmática, llena de imágenes surrealistas y abstractas. A medida que la canción avanza, la voz de Spinetta se llena de emoción, lo que le da una profundidad emocional única.
El título de la canción se refiere a los puentes amarillos, que se convierten en un símbolo recurrente a lo largo de la canción. Estos puentes pueden interpretarse de varias maneras, como metáfora de conexiones perdidas o como símbolos de transiciones en la vida.
La combinación de la voz única de Spinetta, la poesía introspectiva y la música hipnótica hacen que "Cantata de Puentes Amarillos" sea una experiencia auditiva que trasciende el tiempo y el espacio. Es una canción que ha dejado una marca imborrable en la música en español y continúa siendo una fuente de inspiración para nuevas generaciones de artistas.
En resumen, "Cantata de Puentes Amarillos" es una obra maestra del rock argentino que cautiva a los oyentes con su belleza melódica y su profundidad lírica. Es una canción que merece ser apreciada por su singularidad y su influencia duradera en la música latinoamericana.
Daniel1067 - Carpenters - Yesterday once more

La paradójica realidad de una sección llamada "Canciones que no soporto" es que, ante todo, reconocemos que son canciones de calidad, y no reconocemos que en el fondo no solo soportamos sino que nos encantan, pero por alguna razón se nos han atragantado hasta casi la nausea, cegándonos hasta el punto de no volver a valorar más sus muchas virtudes y aciertos. Un párrafo introductorio de este tipo era necesario para poder decir, sin que sienta que estoy mintiendo, que no soporto "You shook me all night long" de AC/DC. ¿Qué razón oscura podría hacerme casi odiar este temazo del glorioso "Back in Black" (1980) de los siempre brillantes Young y compañía?
Eso es lo que pretendo explicar en un segundo párrafo. Es evidente que son otras las canciones que realmente no soportamos. Tanto es así, que esas canciones nunca aparecerán en este blog, ni siquiera para mencionarlas en una sección llamada "Canciones que no soporto". Pero la paradoja es tan grande que una canción tan grande como "You shook me all night long" sí es digna de ser mencionada aquí. ¿Por qué? Pues porque nos recuerda que en las radiofórmulas de hoy en día ya solo se pueden escuchar canciones de este tipo en Rock FM. ¿Y es eso suficiente para que no la soportemos? No debería ser al contrario, y disfrutar de cada vez que la programen en esta gran emisora?
Pues no. Porque con la vasta trayectoria con la que cuenta un grupo como AC/DC, hay decenas de buenas canciones que podrían sonar además de "You shook me all night long". Hay que decir, en defensa de esta buena emisora (imprescindible además por ser la única), que de cuando en cuando también ponen Back in Black, Highway to Hell o Thunderstruck (y eso provoca en esas canciones el efecto opuesto, convirtiéndolas en candidatas a la sección opuesta de "Canciones que nos emocionan"), pero la que se lleva el premio a la referencia más repetida y machachona, la que haría que un extraterrestre venido de Marte pensara que AC/DC fue un "one hit wonder", es sin duda "You shook me all night long".
Estamos ante un absoluto clásico del country-rock, es difícil negar el talento que tenía esta banda, todos músicos de un gran nivel hasta el punto que podían cantar y escribir grandes canciones, álbum tras álbum... la música resiste la prueba del tiempo, especialmente cuando Desperado se escucha en su totalidad, de principio a fin. Este álbum se nos presenta como una especie de álbum conceptual, con un flujo interesante desde las pistas más suaves/lentas hasta los rockeros de medio tempo, y de ida y vuelta. La naturaleza acústica de este, el segundo álbum de los Eagles, es lo que crea una atmósfera occidental clásica. Desperado es un álbum conceptual lanzado por los Eagles en abril de 1973, una oda al Viejo Oeste que seguía las hazañas de la pandilla Doolin-Dalton. Sin embargo, es casi un álbum de country-rock perfecto. Las armonías, la producción, las letras y la musicalidad son impecables y tienen un pulido sin precedentes en la música country o rock de su época, la banda sonora de una variedad de viñetas de películas del Viejo Oeste. Cada canción tiene su propia pequeña historia (incluso las instrumentales, si usas tu imaginación) y, sin embargo, un hilo común une los temas, a veces líricamente, a veces musicalmente. Me gusta pensar que Desperado es la banda sonora de una eterna noche de sábado en una taberna del sur de Estados Unidos.
Don Henley comenzó a escribir la canción Desperado a finales de los años 60, pero no le dio el toque final hasta que apareció su compañero de composición Glenn Frey, fue la primera de muchas canciones que Henley y Frey escribieron juntos. Henley explicó: "Glenn vino a componer un día y le mostré esta melodía inacabada que había estado guardando durante tantos años. Le dije: 'Cuando la toque y cante' "Pienso en Ray Charles, Ray Charles y Stephen Foster. Es realmente una cosa gótica sureña, pero fácilmente podemos hacerlo más occidental". Glenn saltó a la acción, llenó los espacios en blanco y aportó estructura. Y ese fue el comienzo de nuestra asociación como compositores, fue entonces cuando nos convertimos en un equipo". A primera vista, esta canción trata sobre un vaquero que se niega a enamorarse, para mi es una gran balada porque me identifico mucho con la letra, entiendo por qué algunas personas no entiendan su atractivo, esa canción se dirige específicamente a chicos con problemas de soledad como tenemos muchos, aunque dándole otra visión también podría tratarse de un joven que descubre las guitarras, se une a una banda, paga su precio y sufre por su arte. El estrés de ser una estrella de rock es un tema recurrente en la música de Eagles (por ejemplo, "Life In The Fast Lane"). La canción se abre con una hermosa línea de piano que se puede decir que fue pionera en un sonido que aparecería una vez más en canciones como “Vienna” de Billy Joel. Desperado logra una profunda captura emocional en el oyente a través de su brillante instrumentación usando piano simple y arreglos orquestales. La voz de Don Henley es lo más destacado, llevando la historia y la emoción a la cima del álbum.
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| Entre dos aguas, Paco de Lucía |
En 1973 Paco de Lucía publica, bajo la compañía discográfica Fonogram, su quinto álbum de estudio, Fuente y caudal. Este disco marcará un punto de inflexión en la carrera del artista, mostrando un nivel de perfección técnica y de estilo al que ningún guitarrista flamenco había conseguido acercarse. Con este disco Paco de Lucía conseguirá alcanzar una gran popularidad y proyección tanto dentro como fuera de España, consiguiendo además acercar el flamenco a muchas personas que habían permanecido indiferentes a dicho género. Curiosamente, este disco fue un trabajo surgido de la necesidad de cumplir con el contrato con la compañía discográfica. Una vez grabado siete temas, fue añadido a última hora un último corte, una rumba semiimprovisada llamada Entre dos aguas, una obra que a la postre revitalizará el flamenco.
Entre dos aguas es una rumba flamenca instrumental compuesta por Paco de Lucía, y fue grabada con dos guitarras, paco de Lucía a la primera, y su hermano Ramón de Algeciras a la segunda, el bajo de Eduardo García y con un bongó tocado por Pepe Ébano en lugar de las tradicionales palmas que se solían tocar en las rumbas. En un principio el álbum Fuente y caudal no tuvo mucho éxito comercial, pero esto dará un giro cuando Jesús Quintero, representante de Paco de Lucía por aquel entonces, y varios periodistas más convencen a la discogáfica para que edite como single Entre dos aguas, el cual saldrá publicado como tal en 1974. Una vez editado como single, consigue vender más de 300.000 copias y permanece unas 22 semanas en los primeros puestos de las listas de ventas, llegando a ser "Single de oro" en 1976, lo que ayudará a catapultar aún más la carrera del excelso guitarrista. Al parecer, Paco se inspiró para componer la canción en otros temas: Te estoy amando locamente de Las Grecas y el tema Caramba, carambita de Los Marismeños, del cual el guitarrista era coautor. Musicalmente no es un tema trabajado con tiempo, sino una improvisación que Paco realizó en el momento de la grabación para completar Fuente y caudal, ya que el productor del disco, José Torregrosa, consideraba que el álbum estaba incompleto.
Em definitiva, Entre dos aguas es una obra maestra y una de las canciones más influyentes en la historia del flamenco.