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lunes, 22 de enero de 2024

1117.- Candle in the wind - Elton John


La mayoría de oyentes relacionara esa canción del maestro Elton John con la princesa Diana, más concretamente con el fallecimiento de la princesa Diana de Gales, ya que en 1997 hubo un resurgimiento de este tema publicado 24 años antes a causa de este luctuoso acontecimiento.

La canción original “Candle In The Wind” no tenía nada que ver con la princesa Diana, que tenía 12 años cuando salió la canción por primera vez. Elton y su antiguo colaborador Bernie Taupin escribieron “Candle In The Wind” sobre Marilyn Monroe, que había muerto cuando Elton tenía 15 años. La canción es un conmovedor tributo a alguien a quien no se le concedió mucha dignidad durante su vida, y es también una especie de meditación sobre la fama. Años más tarde, Taupin le dijo a Rolling Stone que nunca se había sentido especialmente atraído por Marilyn Monroe, pero que ella constituía un vehículo eficaz para expresar lo que quería decir con la letra de la canción: “En realidad se trataba de los excesos de la celebridad, la temprana desaparición de celebridades y 'vive rápido, muere joven y deja un cadáver hermoso'”. Había tomado el título de algo que Clive Davis había dicho una vez sobre Janis Joplin. Bernie Taupin quedó impresionado por la personalidad de Marilyn Monroe tan accesible que parecía extenderse más allá de cualquier barrera en particular. Después de coescribir "Tiny Dancer", publicada en el álbum de estudio de 1971, Madman Across the Water , cuyo vídeo se realiza un homenaje a Monroe, Taupin siempre había querido escribir una canción sobre ella, le dijo a BBC News, “pero nunca encontré la manera correcta de hacerlo sin ser increíblemente vulgar”. Por mucho que “Candle in the Wind” sea sin duda una dedicatoria a Marilyn Monroe, habla de una tema mucho más punzante, ya que habla sobre las presiones que se ejercen sobre las celebridades. “Creo que el mayor error acerca de [esta canción] es que yo era un fanático rabioso de Marilyn Monroe, lo cual realmente no podría estar más lejos de la verdad”, ha dicho Taupin. "Es sólo que la canción fácilmente podría haber sido sobre James Dean o Jim Morrison, Kurt Cobain". También sugirió que fácilmente podría haber representado las vidas trágicas de autores tan innovadores como Sylvia Plath y Virginia Woolf. “Me refiero, básicamente, a cualquier persona, cualquier escritor, actor, actriz o músico que murió joven y se convirtió en esa imagen icónica de Dorian Gray, esa cosa en la que simplemente dejó de envejecer. Es una belleza congelada en el tiempo”, dijo.

 A Elton John le pidieron que cantara en el funeral de Diana en la Abadía de Westminster y él quería cantar una nueva canción. El libro de Bronson afirma que Elton llamó a Taupin a Los Ángeles y le pidió que escribiera algunos textos nuevos, y también mencionó que “Candle In The Wind” había estado recibiendo mucha difusión en la radio desde la muerte de Diana. Taupin “no entendió” y pensó que Elton le estaba pidiendo que escribiera una nueva letra para “Candle In The Wind”, así que eso fue lo que hizo. Taupin pasó dos horas adaptando “Candle In The Wind” para hacer frente a estas circunstancias cambiantes. Una canción sobre una celebridad corrosiva se convirtió en una despedida cariñosa y sentimental, y "adiós, Norma Jeane" se convirtió en "adiós, la rosa de Inglaterra".

Marilyn Monroe y la princesa Diana eran damas blancas bonitas y glamorosas que murieron a la edad de 36 años, pero no tenían mucho en común más allá de eso. En cierto nivel, es bastante cómodo reescribir una vieja canción querida, eliminando todos los matices y aplicando todo el sentimiento a una persona completamente diferente. Pero a la princesa Diana siempre le había encantado “Candle In The Wind” y había llegado a identificarse con la imagen de fama de la canción. Desde esa perspectiva, entonces, la reescritura fue Elton honrando a un amigo reutilizando una de sus canciones favoritas. Podría haber sido cómodo, pero no fue cínico.


miércoles, 13 de diciembre de 2023

1077 - Steely Dan - My old school



1077 - Steely Dan - My old school

Steely Dan, una banda icónica de jazz rock fundada por Donald Fagen y Walter Becker en 1972, ha dejado una marca indeleble en la historia de la música. Su enfoque sofisticado y su fusión única de jazz, rock y pop los distinguen. Uno de sus temas más destacados es "My Old School", una joya musical que refleja la habilidad magistral de la banda para contar historias a través de su música.

"My Old School" es un viaje nostálgico que transporta a los oyentes a la década de 1970. La canción se inspira en los recuerdos de Fagen y Becker durante su tiempo en la Universidad de Bard, donde enfrentaron ciertos desafíos. La narrativa de la canción se desenvuelve con elegancia, retratando la resistencia contra la adversidad y la celebración de la libertad individual.

El distintivo sonido de Steely Dan se destaca en "My Old School" con su uso sofisticado de arreglos instrumentales. La fusión de guitarras pulidas, teclados vibrantes y la característica voz de Fagen crea una experiencia auditiva cautivadora. La habilidad de la banda para incorporar complejas progresiones armónicas y ritmos jazzísticos agrega capas de profundidad a la canción, elevándola por encima de la música convencional.

La letra de "My Old School" no solo captura la esencia de la nostalgia, sino que también aborda temas universales como la superación de obstáculos y la persistencia. La narrativa lírica es rica en detalles, pintando un cuadro vívido de la experiencia de los músicos en la universidad. La incorporación de referencias culturales y personales enriquece la conexión emocional con la audiencia, haciéndola más accesible y personal.

La producción impecable de la canción es un testimonio del perfeccionismo de Steely Dan en el estudio. Cada elemento, desde la instrumentación hasta la mezcla, está cuidadosamente elaborado para lograr un sonido pulido y distintivo. La atención a los detalles se traduce en una experiencia auditiva que sigue resonando con oyentes de todas las generaciones.

"My Old School" también destaca por su capacidad para trascender las etiquetas musicales. Aunque enraizada en el jazz rock, la canción tiene un atractivo universal que ha resistido la prueba del tiempo. Su influencia perdura en artistas contemporáneos, demostrando la atemporalidad de la música de Steely Dan.

En resumen, Steely Dan y su canción "My Old School" representan la culminación de la maestría musical y la narración emotiva. Su capacidad para fusionar géneros, contar historias vívidas y crear una experiencia auditiva única asegura que su legado perdure en la historia de la música.

martes, 12 de diciembre de 2023

1076 - Chicago - Feelin' Stronger Every Day



1076 - Chicago - Feelin' Stronger Every Day

"Feelin' Stronger Every Day" es una joya musical que encapsula la esencia del grupo Chicago y su capacidad para fusionar el rock y el pop de una manera distintiva. Lanzada en 1973 como parte del álbum "Chicago VI", la canción se destaca por su poderosa energía y letras reflexivas.

Desde los primeros acordes, la melodía cautiva con su dinamismo. La introducción, impregnada de guitarras vibrantes y metales resplandecientes, establece el tono optimista que define la canción. La habilidad de Chicago para incorporar elementos de jazz y rock progresivo se manifiesta plenamente en esta pista, creando una amalgama musical única.

La voz característica de Peter Cetera añade una capa adicional de emotividad a la interpretación. Su entrega apasionada se combina perfectamente con la instrumentación rica, llevando al oyente a un viaje emocional. Las armonías vocales, una firma distintiva de Chicago, se despliegan de manera magistral, aportando profundidad y calidez a la experiencia auditiva.

La letra de "Feelin' Stronger Every Day" es un testimonio de resistencia y superación. En medio de la travesía de la vida, la canción comunica un mensaje de fortaleza y esperanza. La repetición del estribillo, con la afirmación de sentirse más fuerte cada día, se convierte en un mantra que resuena en la mente del oyente. La conexión entre la música y la letra es palpable, creando una narrativa cohesiva que eleva la canción a un nivel más profundo.

El puente instrumental es un punto culminante de la pista. Los solos de guitarra y trompeta se entrelazan de manera magistral, demostrando la destreza técnica de los músicos de Chicago. Este interludio musical no solo sirve como una exhibición de habilidades, sino que también intensifica la emoción que subyace en la canción.

La producción de "Feelin' Stronger Every Day" es un testimonio del dominio técnico de Chicago en el estudio. La mezcla equilibrada de los diversos instrumentos permite que cada elemento brille sin eclipsar al otro. La meticulosidad en la producción es evidente, lo que contribuye a la atemporalidad de la canción.

La longevidad de "Feelin' Stronger Every Day" es un testimonio de su impacto perdurable en la escena musical. Su capacidad para trascender décadas y seguir siendo relevante es un testimonio de la maestría artística de Chicago. En resumen, esta canción no solo es un hito en la discografía de la banda, sino también un recordatorio atemporal de la capacidad de la música para inspirar, motivar y fortalecer el espíritu humano.

Daniel 
Instagram storyboy 

sábado, 16 de septiembre de 2023

0989.- Ben - Michael Jackson

 


El 14 de Octubre de 1972, Michael Jackson fue número 1 en Billboard, una fecha para recordar pues era la primera vez que el cantante ocupa ese puesto en solitario, años mas tarde escribiría la historia sobre todo con dos de sus albums. Este primer numero 1 fue gracias a la canción “Ben”, una emotiva balada que retrata la amistad entre un niño y una rata, pero lo que esconde este single es que fue hecho originalmente para una película de terror sobre una rata sanguinaria. El filme que tiene el mismo nombre que la afamada canción es la secuela de Willard (1971). En esta película, Ben es una rata entrenada por un humano, Willard Stiles, para que actúe a su voluntad, al igual que los otros roedores que habitan en su casa. Es así como estos animales matan cuando se le ordena, pero al final se vuelven contra él. En la segunda parte de este thriller, un niño, Danny Garrison, se vuelve amigo de Ben, quien es una enorme rata. Sin embargo, se vuelve malvada y recluta a más roedores asesinos que atacan y matan a los ciudadanos de Los Ángeles. Ciertamente, una trama que se aleja de la ternura de la balada interpretada por Jackson. Si bien Ben no le fue muy bien taquilla, la canción fue un éxito superó 1.7 millones de copias solo en Estados Unidos. Con este track el joven Michael ganó un Globo de Oro a Mejor Canción y estuvo nominada a un Oscar a Mejor Canción Original en 1973. La canción de mayor éxito del segundo álbum en solitario de Michael Jackson fue "Ben" que también da título al álbum, ganó el Globo de Oro por mejor canción original y estuvo nominada para un Óscar por mejor canción original.

 

“Mi primera relación con el cine llegó cuando interpreté la canción que daba título a la película ‘Ben’ de 1972. ‘Ben’, significa muchísimo para mí. Nunca antes había hecho nada me emocionara tanto como ir al estudio a poner mi voz en el filme. Me lo pasé fenomenal”, mencionó Michael Jackson en su libro Moonwalk. Pocos fans del músico sabían realmente el trasfondo de la historia de Ben, ya que se comercializó independientemente de la película y nunca supieron que estaba dirigida a una rata… violenta y asesina. En contraste al horror descrito en la película, Ben es una tierna balada, una canción sobre la amistad, emotiva y tierna, no hay referencia alguna a los roedores: "Ellos no te ven como lo hago/ Me gustaría que lo intentaran/ Estoy seguro que lo pensarían otra vez, si tuvieran una amiga como Ben". En su libro biográfico, Jackson señalaba: "Me encanta la canción y adoro la historia". Y comparaba la trama de 'Ben' con la del filme de Steven Spielberg 'E.T., el extraterrestre', en la que él cantaba el tema Someone in the dark. Jackson explicaba: "la gente no entendió el amor del chaval por esta pequeña criatura. Él estaba moribundo, aquejado de alguna enfermedad, y su única amiga verdadera era Ben, la lideresa de las ratas de la ciudad en la que vivían. Mucha gente pensaba que la película era un poco extraña, pero yo no era uno de ellos".

viernes, 14 de mayo de 2021

0134: Surfer girl - The Beach Boys



Nos enfrentamos al tercer álbum del grupo The Beach Boys que iba a empezar a marcar las características del grupo y su pieza fundamental, salvo dos temas tradicionales, Brian Wilson compone todas las canciones del disco (rarísimo en 1963, los Beatles también lo harían con “A hard day’s night” un año después, pero era muy poco habitual), pero, además produce el disco. Con 21 años tiene absoluto control sobre su obra, caso único en la época. ”Brian es los Beach Boys, nosotros somos sus mensajeros”, dijo Dennis tiempo después.


El disco se abre con la excelsa Surfer Girl, una canción de una belleza increíble que se eleva aún más por las extraordinarias armonías del grupo, la voz de Brian y el arpa tocada por la hermana de Mike, un clásico imprescindible dentro de la discografía del grupo, y una osadía, cuando todos el mundo demandaba hits para que la juventud surfer de California la cantara y disfrutara, Wilson, ni corto ni perezoso ofrece una balada en un movimiento de maestro que marca un atrevimiento relevante y una ambición distinta y ya casi desatada de Brian Wilson por darle una personalidad a la banda basada en la belleza melódica. Wilson pasó de cantar 'Cuckoo clock' en su primer álbum de forma no tan pulida y como excepción a cantar tres canciones en su segundo álbum 'Surfin' USA', transformándose en segundo vocalista de la banda de forma más clara exhibiendo un estilo vocal será directamente excelente, así 'Surfer girl' completa el circulo y sitúa de forma completa al Brian Wilson que veremos crecer de aquí en adelante como el líder absoluto del grupo. Este tema también es de su sola autoría y cumple con todos los requisitos estilísticos y melódicos para definir y resolver un estilo propio para el grupo, las armonías del final son de otro planeta e invitan al escuchante a reconocer a Wilson como un cantante excepcional que se está tomando el protagonismo de la banda.


Wilson ha declarado a lo largo de los años que fue la primera canción que compuso, era tanto su amor por la música que nunca estaba lejos de un piano, pero en realidad como declaro más tarde, escribió la canción mientras conducía en dirección a un puesto de perritos, de repente la melodía se le metió en la cabeza y la dibujo por completo sin la ayuda de un instrumento, me la canté a mí mismo, ni siquiera la canté en voz alta en el auto. Cuando llegué a casa ese día, terminé la canción, escribí el puente, armé las armonías y la llamé 'Surfer Girl'. Más tarde confesaría que para crear la melodía se inspiró en "When You Wish Upon A Star", de la película de Disney Pinocho. A pesar de que es una canción de amor y sobre una chica, Wilson nunca ha confesado en quien se inspiró para realizar el tema, todos sospechamos que fue en su novia por aquel entonces Judy, pero él ha dejado claro una y otra vez que está dedicada a todas las chicas surfistas que disfrutan encima de la tabla.


sábado, 1 de mayo de 2021

0121: Please Please Me - The Beatles

 

Please Please Me, The Beatles


     El 11 de septiembre de 1962, los Beatles realizaron en los EMI Studios una primera grabación del tema Please Please Me, tema que daría título a su primer álbum de estudio, y que sería lanzado como sencillo para promocionar dicho disco. Esta primera grabción no convenció al productor George Martin, que emplazó al grupo a intentarlo más adelante.

John Lennon era un gran seguidor de Roy Orbison, y escribió Please Please Me inspirándose en el estilo de canto dramático que Roy Orbison solía imprimir a sus temas. En cuanto a la letra del tema, John Lennon le pide a una chica que le complazca al igual que él hace con ella. Muchos asumieron que se refería al sexo oral, algo que los Beatles siempre negaron y que iba en contra de la impoluta imagen que aquellos chicos tenían en aquel entonces.

El 26 de noviembre de 1962 el grupo regresó a los EMI Studios para otra sesión de grabación, y George Martin no faltó a su palabra en cuanto a la grabación del tema, pero sugirió que grabaran el tema más acelerado y le añadieran armonías vocales. Justo al finalizar la regrabación del tema, George Martin quedó tan entusiamado que cogió el micrófono del intercomunicador y le dijo al grupo "Chicos, acabáis de grabar vuestro primer número 1.", y no se equivocaba.

Please Please Me fue publicado como sencillo por Parlophone en Reino Unido el 11 de enero de 1963, y posteriormente el 30 de enero de 1964 por Vee-Jay Records en Estados Unidos. El tema sería incluido en el primer álbum  de la banda, al que además da título, y que fue publicado el 22 de marzo de 1963. El sencillo alcanzó el puesto número 1 el 22 de febrero de 1963 en las listas de sencillos del Melody Maker y del New Musical Express, la lista de éxitos más reconocida del momento, y el puesto número 2 en la lista del Record Retailer, lista que acabaría evolucionando hasta convertirse en la Lista Oficial del Reino Unido.

viernes, 30 de abril de 2021

0120: Twist and shout - The Beatles

 


Twist and shout además de una de las canciones mas conocidas de la primera etapa de The Beatles fue el título del primer EP del grupo de Liverpool que incluían las canciones “Twist and Shout” y “A Taste of Honey” por la cara A y “Do you Want to know a secret?” y “There’s a Place” por la cara B. 

Estamos ante una de las grandes joyas del repertorio de los cuatro de Liverpool y, de hecho, solía ser el tema con el que abrían sus intervenciones cuando todavía tocaban en los salones de baile de su ciudad y en el emblemático Cavern Club. Entró en el repertorio en vivo de The Beatles en 1962, existe una versión grabada en vivo del Star-Club de Hamburgo en diciembre de ese año aunque nunca se ha editado. La primera versión conocida, sin embargo, fue grabada para el programa de radio Talent Spot de la BBC el 27 de noviembre de 1962 en el Paris Studio de la corporación en Londres. La canción había sido originalmente compuesta por Bert Berns, un pionero del rock and roll y de la música soul en los años sesenta y luego popularizada por los Isley Brothers en 1962.

Este tema siempre ha estado mal vista entre los miembros del grupo, creando polémicas que el tiempo y el éxito borraron, la más trascendente la protagonizaba Lennon ya que decía que se sentía incómodo por tocar ese tema cuando había un artista negro en el mismo evento que ellos. Al respecto, llegó a declarar públicamente en 1963: "No parece correcto. Me siento un poco avergonzado... Siempre siento que ellos podrían hacer la canción mucho mejor que nosotros". Y es que Twist and Shout nos pudo costar la existencia del grupo más grande de la historia, ya que cuando Lennon y sus compañeros finalmente grabaron la canción en 1963 como parte del disco Please Please Me, la interpretación vocal de John prácticamente desgarró sus cuerdas vocales, la historia es que estaban al final de la sesión de grabación y el cansancio hacia mella en músicos y cantante, nadie puede recordar quién lo hizo pero alguien sugirió cerrar la sesión con "Twist And Shout" (posiblemente George Martin), pero a pesar de que la voz de John se había ido especialmente en ese momento, accedió a regañadientes a cantarla. Lennon chupo un par de Zubes (dulces para la garganta), hizo gárgaras con un poco de leche, se quitó la camisa (por alguna razón) y regresó con la banda para grabar la última canción del día.  Debido al mal estado de la garganta de Lennon, todos sabían que tenían que hacerlo bien la primera vez, incluso en la cabina de control… y salió, no obstante, empezaron a grabar una segunda toma pero la voz de Lennon se quebró sin haberla terminado, con lo que esa primera toma seria la que incluirían en el álbum, The Beatles tocaron aquella noche en vivo exactamente lo que escuchas en el disco hasta el día de hoy, no se necesitaron sobregrabaciones. Esa actuación legendaria de aquella noche aproximadamente a las 10:15 pm tuvo un efecto tremendo en todos los presentes. Richard Langham, uno de los ingenieros presentes ese día histórico, calificó esta toma como "una demostración asombrosa". El propio George Martin exclamó asombrosamente en ese momento: “No sé cómo lo hacen. Hemos estado grabando todo el día, pero cuanto más avanzamos, mejor se vuelven”, para McCartney es una de las actuaciones vocales más memorables de la historia del grupo.

 

La versión fue publicada como sencillo en los Estados Unidos el 2 de marzo de 1964, con «There’s a Place» en la cara B, por el subsello discográfico Tollie, de Vee-Jay Records. En las listas de éxitos alcanzó el segundo puesto el 4 de abril de 1964, la semana en que los primeros cinco puestos del Top-Ten fueron ocupados por canciones de The Beatles.

jueves, 29 de abril de 2021

0119: I saw her standing there - The Beatles

 

 

"Ella me miró, y yo pude ver que, en poco tiempo, me enamoraría de ella. Y ella no bailaría ya con otro, desde que la vi parada allí" cantaba Paul McCartney en el primer tema de "Please Please Me", el disco de debut de The Beatles en 1963. La canción, compuesta principalmente por McCartney, pero acreditada como todas al dúo Lennon-McCartney, es una celebración de los típicos guateques sesenteros, en los que las chicas esperaban en un rincón a que alguno de los chicos se atrevieran a sacarles a bailar.

Pese a ser una de las mejores canciones del disco, y la elegida para encabezar el listado de canciones del mismo, quedó relegada a la cara B del sencillo de "I want to hold your hand", uno de los temas de los Beatles que alcanzaron el número 1 en Estados Unidos, lo cuál no impidió que I saw her standing there estuviera durante más de tres meses en el Billboard Hot 100 en 1964, llegando a alcanzar el puesto 14. La revista Rolling Stone la situó en el puesto 139 en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, publicada en 2004. La canción se titulaba originariamente "Seventeen", en referencia a la edad de la chica, mencionada en el primer verso del tema. McCartney se inspiró en la canción tradicional "As I Roved Out", una versión a su vez del tema "Seventeen Come Sunday", y en la línea de bajo del "Talkin' About You" de Chuck Berry.

Tras darle varias vueltas a la letra y los acordes, terminó de completarla en la casa de los McCartney en Forthlin Road, con la ayuda de John Lennon, siguiendo el "modus operandi" con el que el dúo solía componer, en el que uno de ellos llevaba una canción casi acabada, y el otro sugería cambios y aportaba propuestas añadidas. Con I saw her standing there y la voz de McCartney contando "1,2,3,4" para que sus compañeros entraran al unísono, comenzaba la carrera discográfica de The Beatles, y desde ese momento en que les vimos parados allí, ya no quisimos bailar con ninguna otra banda.

miércoles, 28 de abril de 2021

0118: Love Me Do - The Beatles

 

Love Me Do, The Beatles


     Nos encontramos a finales de 1962, el año en el que aparece publicada la primera grabación en forma de sencillo de Los BeatlesPaul MacCartney y John Lennon compusieron Love Me Do cuando tenían 16 y 17 años respectivamente, en uno de eso días en los que se solían saltar las clases para componer canciones. Paul McCartney escribió la letra de la canción inspirándose en la que era su novia en aquel momento, Iris CaldwellJoh Lennon contribuyó en la composición del puente musical.

Love Me Do fue un tema que Los Beatles grabaron hasta en tres ocasiones, la pimera fue grabada el 6 de junio de 1962 con Pete Best a la batería, como parte de la audición que hicieron para los EMI Studios de Londres. La segunda vez que grabaron el tema fue el 4 de septiembre de 1962, ya que al productor del grupo, George Martin no le habia convencido la interpretación a la batería de Best en la anterior grabación, por lo que en esta segunda ocasión fue Ringo Starr el que se ocupo de la batería. 

La tercera grabción que existe de Love Me Do, fue realizada el 11 de septiembre en los EMI Studios. En dicha sesión ya habían grabado también P.S. I Love You y el grupo estaba entusiasmado con el resultado, por lo que llegaron a valorar la posibilidad de utilizarlo como cara A. Dicho entusiasmo no fue el mismo que mostró George Martin, consideró que estaba bastante bien pero sugirió que intentaran otra vez la grabación de Love Me Do, pero esta vez con el baterista de sesión Andy White, que ya se había ocupado de la percusión tambien en P.S. I Love, quedando Ringo Starr relegado en ese tema al uso de unas maracas. En Love Me Do White volvería a hacerse cargo de la percusión y a Ringo en esta ocasión le pidieron que se uniera a la grabción del tema usando una pandereta.

La grabación de Love Me Do con Ringo Starr a la batería se convirtió en el primer sencillo de la banda, publicado por la discográfica Parlophone el 5 de octubre de 1962, siendo acompañado en la cara B por P.S. I Love You. La versión grabada con Andy White aparecería publicada en el prime álbum de estudio de la banda, Please Please Me, publicado el 22 de marzo de 1963. La primera versión del tema con Pete Best a la batería permaneció inédita hasta el año 1995, cuando es incluido en la recopilación del grupo llamada Anthology I

martes, 27 de abril de 2021

0117: Surfin' USA - The Beach Boys


Hablar de Surfin' USA, escrita por Brian Wilson para sus Beach Boys, es hablar también de "Sweet Little Sixteen", el mítico tema de Chuck Berry del que ya hemos hablado a lo largo de estas páginas, y de la polémica surgida entre ambos "genios" (entre comillas por el doble sentido que esta palabra adquiere, cuando la utilizamos para referirnos a estos dos irascibles y a la vez geniales músicos) por estar la primera inspirada en la melodía de la segunda.

Brian Wilson reconoció haber compuesto el tema influenciado por Chubby Checker (Twistin' USA) y el propio Chuck Berry (Sweet Little Sixteen), pero no consideró que esa influencia fuera tan relevante como para incluir a Berry en los créditos de la canción. Berry la reclamó como suya, y se le acabó reconociendo como autor tanto de la melodía como de la letra, a pesar de que ésta última era obra de Wilson, inspirado en el mundo del surf (en la canción se mencionan hasta 16 enclaves surferos, la mayoría en California, pero también en las no menos surferas Hawai y Australia).

Pese a ser obra de Wilson (o de Berry, si hacemos caso a sus reivindicaciones de derechos), la canción está interpretada por Mike Love, el otro vocalista de la banda, que también acabó reclamando su parte en la autoría de la misma. Sea de quién fuere, se convirtió al momento en uno de sus temas de mayor éxito, y uno de los clásicos más reconocibles de "Los chicos de la playa". Además de su publicación como sencillo, Surfin' USA dio nombre a su álbum de 1963, en el que los cinco músicos asumieron la totalidad de los instrumentos del disco, prescindiendo de la ayuda de músicos de sesión. Ellos sólos se bastaban y sobraban para surfear aquellas olas solos, al ritmo de temas como "Shut Down", "Lonely Sea" o, especialmente, Surfin' USA.

lunes, 26 de abril de 2021

Prince - Come (Mes Prince)


 

EL MANUSCRITO EN LA BOTELLA

A las orillas de 7días7notas ha vuelto a llegar un manuscrito en una botella, firmado en esta ocasión por Charly "El Druida" (@CatCarlus), uno de los grandes amigos que hemos hecho gracias a nuestro blog y las cuentas asociadas del mismo en Twitter y Telegram. Dentro de la botella, Charly nos envía una reseña del disco Come (1993) de Prince, que publicamos hoy íntegramente dentro del #MesPrince. Hasta ahora, hemos hablado de Prince desde la admiración que nos genera a los cuatro aficionados a la música que formamos 7días7notas, pero con esta reseña damos un paso más allá, para conocer como vive un disco de Prince un músico como Charly que, como buen druida, nos desgrana los matices y detalles técnicos de la poción mágica utilizada por el genio de Minneapolis, que logró que incluso discos menos accesibles fueran admirados y reconocidos por sus propios compañeros de profesión. Así que, desde 7días7notas cedemos la palabra a Charly, y le decimos "Ven" (Come) para que nos hable de uno de sus discos favoritos de Prince. 

 

¡Y Prince hizo "Come"!...

Un larga duración que demuestra que "El Artista" podía ir cambiando de registros según le apetecía y siempre impresionaba. Fue el fundador del reconocido "Minneapolis Sound", ganador de muchísimos premios, entre ellos un Óscar por la canción "Purple Rain", un montón de "Grammys", etc. Destacó por como tocaba instrumentos de cuerda, teclados y percusiones, incluida la batería, aunque una vez escuché que tocaba más de 20 instrumentos. El disco "Come" apareció en agosto de 1994, fue su decimoquinto álbum de estudio y consta de 10 grandes canciones. Por cierto, la portada es Prince en la Sagrada Familia de Barcelona.

1 COME: Una letra llena de sentimiento, con una música que nos lleva hacia ella. Escuchamos el mar, y una batería con alma, mientras él nos habla y en ese momento estamos todos situados. Un bajo con sonidos agudos y una batería con caja dura llevan el tema, y una melodía enérgica con arreglos de viento y teclado le dan elegancia. Yo la siento como funk y jazz, son once minutos de calidad y ritmo.

2 SPACE: Un bajo y una batería que lo llenan todo, batería muy presencial y un bajo que camina. Se acompaña con mucho teclado y diferentes recursos de voz, segundas voces y alterna entre suavidad y contundencia.

3 PHEROMONE: Antes de salir el disco, la versión instrumental de esta canción ya había sido utilizada por Prince en otros proyectos. No es un sonido limpio lo que hace destacar muy por encima el golpe de caja de la batería. Queda una base bailable, que da muchas posibilidades a la voz y eso Prince lo aprovecha, marcando mucho la entrada del estribillo.

4 LOOSE!: ¡Buff Loose!! Es brutal. Empieza con un grito muy loco de Prince y entras en bucle, de hecho creo que grita toda la canción. Una batería donde se escuchan muy bien todos sus elementos y un bajo que aguanta la misma nota casi toda la canción, todo con un sintetizador con un sonido muy electrificado. Y cuando estás flipando y crees que no puede haber más, entra la guitarra distorsionada del maestro con un punteo brutal.

5 PAPA: Letra dura, igual que su forma de cantarla, sentida. La música es bastante tétrica y triste, hasta que después de un redoble todo se vuelve más reivindicativo y fuerte.

6 RACE: Funky enérgico. No sé si será por el título, pero es una canción muy negra. Se pone muy vacilón cantando mientras la base trabaja, con unas buenas segundas voces, una guitarra con grandes ritmos y con buen riff y una batería muy clara, donde se aprecia muy bien su charles (chi chi chi chi...), hecha para que tu mente camine mientras la escuchas.

7 DARK: Suave y elegante. Balada donde la voz va evolucionando a medida que avanza el tema sobre una alfombra acústica suave, bajo bien sonante con adornos de teclado. Predominio de viento acompañando al cantante. Si, una balada un poco atípica.

8 SOLO: Letra de David Henry Wuang, escritor de Madame Butterfly. Prince le pidió que le escribiera un poema, éste lo hizo y se lo mandó. Días más tarde, Prince se la devolvió en forma de canción. Esta genialidad se incorporó en la cara B del single Letitgo, que salió una semana antes que el álbum. Poderío máximo a capella, acompañado a ratos por arpas.

9 LETITGO: El primer single del álbum. Una base constante con batería estable y bajo que combina graves con agudos de forma inusual. Medio ritmo bailable, funky, pero yo diría que también soul, tanto en la base como en las guitarras. Canta en falsete, acompañado de voces más graves y buenos solos de teclado y flauta.

10 ORGASM: También conocida como "Poem" por su letra. Partes de este poema se escuchan al principio de varias de las canciones del álbum (Pheromone, Race, Dark y Letitgo) La voz del orgasmo es de Vanity, de una pista inédita (Vibrator) para el grupo Vanity 6, y la guitarra eléctrica apareció 13 años antes en el tema Private Joy de Controversy (1981). Instrumentalmente hay poco más que recalcar.

Teóricamente, excepto Letitgo, son todo temas antiguos. Si lo escucháis, espero que lo disfrutéis como lo hago yo, es un álbum interesante, muy original, y de muchísima calidad musical.

¡Gracias, Buen "venir"!

Charly "El Druida"

@CatCarlus

miércoles, 21 de abril de 2021

0111: Surfin' Safari - The Beach Boys

 

Surfin' Safari, The Beach Boys


     Entre octubre de 1961 y septiembre de 1962 el grupo estadounidense Beach Boys graba entre los Capitol Studios y los Hite Morgan Studios de California el material que se incluirá en su álbum debut, Surfin' Safari. El disco es publicado el 1 de octubre de 1962 bajo el sello discográfico Capitol, alcanzando el puesto número 32 en las listas de ventas del país, y se le atribuye tanto a este primer álbum como al grupo la creación del llamado género musical California Sound, un género que giraba en torno a la juventud y la cultura del surf. Un género que muchos críticos pensaban que sería pasajero, no podían estar más equivocados.

Incluido en el álbum se encuentra el tema que da título al mismo, Surfin' Safari, compuesto por el vocalista, bajista y tecladista Brian Wilson y el vocalista Mike Love. El tema fue publicado antes del lanzamiento del disco, concretamente en junio de 1962 por el sello Capitol

La banda había realizado una primera grabación del tema el 8 de febrero de 1962 en los World Pacific Studios, durante una de las primeras sesiones de grabación en la historia de los Beach Boys. Sin embargo, esta grabación y las acaecidas en aquellas sesiones, permanecerían inéditas. Posteriormente se realiza el 19 de abril de 1962 otra sesión de grabación de este tema que se convertirá en el oficial. Dichas sesiones se realizan en Western Recorders con Carl Wilson a la guitarra, Brian Wilson al bajo, Dennis Wilson a la batería, y Mike Love a la voz principal, mientras que los coros son obra de Carl Wilson y el resto de la banda.

Surfin' Safari era el segundo sencillo lanzado en la corta vida de la banda, y el primero lanzado con la compañía Capitol. El sencillo alcanzó el puesto número 14 en las listas Billboard de Estados Unidos, y el puesto número 1 en países como Suecia o Canadá, sin embargo el tema fracasó en las listas de ventas del Reino Unido. En Alemania se editó y publicó la primera versión grabada en los World Pacific Studios en lugar de la oficial. 

Como muchas de las canciones del grupo, Surfin' Safari trataba la temática del surf, concretamente era un diario de viaje por algunos de los lugares más populares de California donde se practicaba el surf, tales como Huntington, Malibu, Dohny State Beach, Rincon y Laguna Beach, aunque también hacen referencia a Cerro Azul, ubicada en Perú. Esta fue la primera canción de los Beach Boys donde se mostraba las distintas armonías de contrapunto pos las que el grupo acabaría haciendose famoso. 

Mike Love, el cantante de la banda, también acreditaba como padre del característico sonido de guitarra de este tema a Murry Wilson, quien era el productor del sencillo además de ser el padre de Brian, Carl y Dennis Wilson. Cuando Brian dejaba la sala de control para grabar sus partes de bajo, Murry se dedicaba a cambiar los sonidos de las guitarras hasta dejarlo en un sonido agudo a su gusto. Mike Love creía que ese particular sonido de guitarra influyó en gran medida y ayudó a que Surfin' Safari se vendiera tan bien. 

sábado, 13 de marzo de 2021

0072: Only the lonely - Roy Orbison


Only the lonely fue uno de los primeros éxitos del cantante estadounidense Roy Orbison, y en ella encontramos todas las características que distinguieron a este artista, prolífico en la creación de sentidas y a la vez oscuras canciones sobre amores perdidos, afectadas por el derroche de una voz privilegiada que llegaba a las tres octavas, con la que abanderó una forma de cantar tan peculiar como apasionada, con registros e inflexiones que rozaban lo operístico, y que le hicieron ganarse el sobrenombre de "El Caruso del rock".

Los problemas oculares que padeció desde la infancia (que explican sus omnipresentes y míticas gafas) no impidieron que Orbison viera claramente el camino que quería seguir en su vida. Ya desde la escuela secundaria, comenzó a cantar en una banda de música country y rockabilly. Poco después, en 1956, firmaría con Sun Records, pero no saborearía las mieles del éxito hasta su etapa en Monument Records, con la que en 1960 lanzó el sencillo de Only the lonely ("Sólo los solitarios"), escrita por el propio Orbison y Joe Melson. La canción combinaba esquemas del rock and roll y el doo-wop, pero que al contrario que la mayoría de canciones de la época, se alejaba del optimismo y la ligereza de ambos estilos, creando un sonido oscuro y melodramático que resultó absolutamente pionero en el mundo de tipos duros (y tupés engrasados) que imperaba en aquellos tiempos.

Además de los efectivos coros doo-wop, que el ingeniero de sonido dejó en un primer plano, Orbison incluyó una sección de cuerdas, y utilizó el falsete para que su voz sonara aún más poderosa. La sección rítmica quedó de fondo, en un leve segundo plano, y dándole a la canción un sonido muy particular y característico, que Orbison replicaría en muchas canciones a lo largo de su carrera, convirtiéndolo en su marca y estilo personales. Dicen que el mismísimo Elvis Presley, al escuchar Only the lonely, encargó una caja de sencillos de la canción para regalárselos a sus amigos. Y debía de tener muchos amigos, porque la canción llegó al nº 2 en Estados Unidos y al nº1 en el Reino Unido, lugares de privilegio a los que suelen llegar "sólo los solitarios" como Roy Orbison, para emocionarnos desde lo más alto con la infinita sensibilidad de sus historias de desamor y soledad.