No es la música típica de cualquier cantautor a solas con su guitarra, ni las letras típicas de amor. Aparte de la guitarra tenemos unos sonidos eléctricos que le dan un toque modernetea acompañado por el aspecto metafísico de algunas de las letras. La voz de Drexler es como una niña si la comparamos a las de Ricardo Arjona o Joaquín Sabina, pero esto no es una pega, sólo una peculiaridad. Estamos ante un álbum que todo oído hispano debe disfrutar alguna vez. Drexler ganó el Oscar por la canción principal con Al otro lado del río, de la película Diarios de motocicleta, una melodía muy suave y tranquila, del género folk alternativo, su voz canta en las notas altas de una manera nostálgica y de esperanza para el futuro y en las bajas es muy fluida, como la característica del agua. Destaca también La Milonga del moro judío, una de mis canciones favoritas de Jorge Drexler, que aprovecha para reflexionar sobre la importancia de la tolerancia hacia la diversidad y de esta manera sentirnos parte de la gran familia de la humanidad. Con Eco, Jorge Drexler nos entrega una colección de canciones Pop hábilmente escritas y arregladas, para cantar mientras conduces por la ciudad, es Pop pero ese Pop es moderno, déjate embaucar por su voz suave pero expresiva, su articulación clara, con ese encantador acento uruguayo/argentino.
sábado, 19 de noviembre de 2022
viernes, 18 de noviembre de 2022
El disco de la semana 302 - Re - Café Tacvba
0687-. The Devil's Triangle - King Crimson
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| The Devil's Triangle, King Crimson |
Después de la gira por Estado Unidos en 1969, Ian McDonald y Michael Giles abandonan King Crimson, camino que seguiría unos meses después Greg Lake. Esto deja a Robert Fripp como único miembro que queda en la banda, quien tiene que asumir el papel de tocar teclados y guitarra a partir de entonces. Es entonces cuando un desconocido Elton John es fichado para que se ocupe de cantar en las sesiones de grabación del siguiente álbum, In the Wake of Poseidon, pero Fripp se lo piensa mejor y finalente descarta su fichaje.
Al final Greg Lake acepta cantar en las grabaciones, pero negociando recibir como parte del pago el equipo de megafonía de King Crimson. Esa negociación le llevaría a grabar todas menos una de las pistas del disco, Cadence of Cascade, que sería cantada por el antiguo compañero de escuela de Fripp, Gordon Haskell. Para la grabación de este disco Fripp también contaría con la colaboración de Peter Giles (bajo), Michale Giles (batería), Mel Collins (saxofón y flauta) y Keith Tippett (piano).
El disco es grabado entre enero y abril de 1970 en los Wessex Sound Studios de Londres, bajo la producción de Robet Fripp y Peter Sinfield, y publicado el 15 de mayo de 1970 por el sello discográfico Atlantic Records. Incluido en este disco se encuentra The Devil's Triangle, una adaptación de una pieza ajena, titulada Mars: Bringer of war, la cual fue compuesta por Gustav Holst, un compositor, arreglista y profesor británico, y que forma parte de The Planets (los Planetas), siendo el primer de los siete movimientos de dicha composición del artista. The Planets fue compuesta por Holst entre 1914 y 1917. La naturaleza innovadora de la música, y en especial de este pieza de Holst, provocó cierta hostilidad inicial entre una sección de la crítica del momento, pero la suite pronto se popularizó y a día de hoy sigue siendo muy influyente y ampliamente interpretada. No es extraño que Ian Mcdonald y Robert Fripp se inspiraran en dicha composición para componer The Devil's Triangle, un tema de casi doce minutos dividido en tres partes, Merday Morn, Hand of Sceiron y Garden of Wurm. Realmente, Ian Mcdonald sólo constaría acreditado en la primera parte de la pieza, Merday Morn.
jueves, 17 de noviembre de 2022
0686: Maybe I'm amazed - Paul McCartney

Grandes exitos y tropiezos: The Replacements
The Replacements combinó la intensidad del punk con ganchos
melódicos y letras suaves para ese estilo musical y proporcionó un puente
importante entre el movimiento punk de finales de la década de 1970 y el rock
alternativo de finales de la década de 1980. Los miembros principales fueron el
guitarrista y vocalista Paul Westerberg (n. 31 de diciembre de 1960,
Minneapolis, Minnesota , EE. UU.), el baterista Chris Mars (n. 26 de abril de
1961, Minneapolis), el guitarrista Bob Stinson (n. 17 de diciembre de 1959,
Mound , Minnesota—m. 15 de febrero de 1995, Minneapolis), y el bajista Tommy
Stinson (n. 6 de octubre de 1966, San Diego , California). Formado en 1979 por
Westerberg, Mars y Bob Stinson, todos adolescentes, y el hermano de 12 años de
Stinson, Tommy, The Replacements surgieron de la próspera escena musical de
Minneapolis de principios de la década de 1980 que también produjo a Prince y
la influyente banda de hardcore. Hüsker Dü , con quien se comparó a The
Replacements en virtud del sonido punk directo de su álbum debut, Sorry Ma,
Forgot to Take Out the Trash (1981). Con una actitud tan petulante como la de
sus primeras canciones, The Replacements eran famosos por sus actuaciones en
vivo erráticas que iban desde la anarquía inspirada hasta el caos ebrio .
Estás tardando en comprarlo: Let it be
Si te queda pasta, llévate también: Tim
Vuelve a dejarlo en el expositor: All shock Down
miércoles, 16 de noviembre de 2022
0685: Man we was lonely - Paul McCartney

Amnesiac - #MesRadiohead



martes, 15 de noviembre de 2022
0684.- Te quiero, te quiero - Nino Bravo
Te quiero, te quiero es el título del álbum debut del
cantante español Nino Bravo y fue editado por Fonogram en junio de 1970. En
este álbum él se compilaron la totalidad de los sencillos que había grabado
hasta la fecha, sumados al tema grabado en 1969 "No debo pensar en
ti" y otros tres más. En primer lugar, fue editado simplemente con el
nombre del cantante, pero dado el éxito de la canción "Te quiero, te
quiero" se hizo una reedición a finales de 1970 donde ya se tituló así.
Fue conocido en los círculos más cercanos al cantante como el disco negro y en
su portada se mostraba una fotografía del cantante en una de sus actuaciones.
Nino no cosecharía buenas críticas entre los periodistas musicales del país,
muestra de ello es el siguiente artículo, publicado en el diario La Vanguardia,
que reproducimos a continuación:
«Nino Bravo es uno de los cantantes solistas españoles en
quien más se puede confiar. Todo el mundo ve en él posibilidades de auténtica
primera figura y todo el mundo, también, lamenta que Nino Bravo no haya sabido
dar con un repertorio que ponga en evidencia la verdad de sus virtudes
interpretativas. Esto ha durado largo tiempo y se ha convertido ya en tópico, a
fuerza de permanente unanimidad. Y ahora aparece este «long play», que hemos
escuchado ávidamente, deseando en lo más profundo que ese fatídico problema de
repertorio se haya resuelto por fin. Y no. Con todo el dolor de nuestro corazón
hemos de admitir que todavía no. Es el mismo tipo de repertorio de siempre,
cancioncillas «de Benidorm» por dar un indicativo, con el que ni Nino Bravo ni
el lucero del alba sería capaz de producir un impacto verdadero en la masa
consumidora a nivel internacional. Lástima, una vez más».
Augusto Algueró había compuesto “Te quiero, te quiero” para
que Lola Flores la incluyese en una de sus películas, La Faraona la grabó, pero
el compositor y la productora tuvieron conflictos y la canción fue retirada de
la banda sonora y del disco, fue entonces cuando Augusto ofreció a Nino Bravo
esa canción y aunque a la discográfica no le gustaba fue el cantante, sin
embargo, al cantante le gustó desde el primer momento. El amor es la temática
de la letra, y mas que el amor es de las consecuencias que tiene sobre las
personas cuando el amor nos atropella, es un sentimiento que nos traspasa, que
necesitamos y que en todo momento condiciona nuestra vida a una persona, a un
placer que queremos tener siempre a nuestro lado. Esta temática y los años 70
cuando los jóvenes de este país habían dado un paso adelante hizo que la
canción fuera un superéxito, a eso hay que sumar la increíble voz de Nino Bravo
que si bien llevaba mas de 8 años en los escenarios, empezando con 18 años en el
conjunto Los Hispánicos junto a dos amigos que se dedicaban a actuar en
presentaciones falleras y ferias locales,
mas tarde se incorporaría a Los Superson que fue donde le descubrió Miguel Siurán, que lo bautizó con el nombre
artístico Nino Bravo, con quien consiguió hacer algunos recitales en solitario
y participar en el festival de Barcelona de la canción con un mal resultado,
pero esa actuación y la voz que pudieron comprobar muchos productores fue clave
para que le presentaran la canción e iniciar un despegue a la fama y el éxito
que fue abruptamente cortado por un accidente de tráfico.
lunes, 14 de noviembre de 2022
0683 - Teddy Boy - Paul McCartney
domingo, 13 de noviembre de 2022
0682: Funky Drummer - James Brown

Kid A - #MesRadiohead
sábado, 12 de noviembre de 2022
0681: Big Yellow Taxi - Joni Mitchell

This Mortal Coil - It'll end in tears Píldora #10
This Mortal Coil es el esfuerzo colaborativo de Ivo Watts-Russell y una lista de superestrellas post-punk de los 80, Ivo es conocido por cofundar el sello discográfico británico 4AD, que ha sido el hogar de artistas como Bauhaus, Dead Can Dance, Cocteau Twins o Pixies. It'll End In Tears es una colección inquietante de ambient, dream pop, devastadores paisajes sonoros industriales y evocadores arreglos a cappella. Cada canción adopta un enfoque ligeramente diferente para crear el mismo estado de ánimo y creo ese es uno de los aspectos más notables del álbum. “Kangaroo” es una composición de Alex Chilton, cantante de Big Star, grupo norteamericano de cierto éxito a principios de los años setenta, la interpretación corre a cargo de Gordon Sharp acompañado por Simon Raymonde aunque la presencia del violonchelo de Martin McCarrick es muy notable. La canción estrella tiene como protagonista a Elizabeth Fraser, de Cocteau Twins, proporciona su gran voz para la impecable versión de "Song to the Siren" de Tim Buckley, Fraser interpreta con absoluta maestría una canción extraordinaria que ha conocido muchas versiones sin que ninguna haya conseguido acercarse a ésta, llena de sensibilidad y elegancia Destaca la conmovedora interpretación al piano de Howard Devoto de "Holocaust" de Alex Chilton, y la sensación inquietante de Watts-Russell, los espeluznantes ruidos industriales de Fryer en "Fyt", o la deslumbrante aventura de olas etéreas en "Dreams Made Flesh", de Lisa Gerrard de Dead Can Dance. El álbum sigue explorando sonidos de ensueño, a la deriva, ambientales e inquietantes, en una aventura bastante inspiradora con pistas como “Another Day” o “Waves Become Wings” otras grandes canciones que disfrutar.
viernes, 11 de noviembre de 2022
0680-. Every Night - Paul McCartney
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| Every Night, Paul McCartney |
El 17 de abril de 1970 se produce el debut en solitario de Paul McCartney tras la separación de The Beatles con el disco titulado McCartney. El disco fue grabado entre el 1 de diciembre de 1969 y el 25 de febrero de 1970 entre la casa de Paul McCartney en Londres, los Morgan Studios de Willesden, Londres y los EMI Studios también de Londres, bajo la producción del mismo artista y publicado bajo el sello discográfico Apple Records.
McCartney llevó la grabación del disco en secreto utilizando equipos básicos de grabación en su casa de St John's Wood, en Londres. La mezcla y las grabaciones se llevaron a cabo en los estudios anteriormente citados. A parte de alguna que otra contribución ocasional de su esposa Linda, Paul grabó él sólo todo el disco, sobregrabando una cinta de cuatro pistas. El disco recibió en un principio críticas en su mayoría negativas, además de ser el artista vilipendiado, pues se le acusaba de haber acabado aparentemente con los Beatles. Posteriormente sería reconocida la importancia de este disco para los llamados músicos DIY (autogestionados) y los estilos musicales lo-fi (baja fidelidad).
Incluida en este álbum se encuentra la canción Every Night, una canción que Paul escribió durante unas vacaciones en Grecia, y donde refleja la depresión que sufrió tras la ruptura de los Beatles. La canción también es toda una declaración de amor por su esposa Linda. McCartney llegó a declarar como se sentía: "Tienes que imaginar cómo te sentirías si tus tres mejores amigos de repente están en tu contra. Y sí, debo admitirlo, bebía alcohol y tomaba sustancias. Ese fue un periodo muy difícil para mí".
Disco de la semana 301: Skeleton Tree - Nick Cave and the Bad Seeds
Nick Cave ha tenido una gran carrera, que abarca más de 40 años, experimentando con más estilos que la mayoría (incluidos el punk blues, el cabaret oscuro, el rock gótico, la electrónica, etc.) y nunca rehuyendo la exploración de algunos muy incómodos, retorcidos, y temas deprimentes. En julio de 2015, Arthur, el hijo de 15 años de Nick Cave, murió tras caer por un acantilado en Brighton, Inglaterra. Nick no quería (no podía soportar) hablar con la prensa al respecto, así que grabó un documental, una entrevista de dos horas en sus propios términos, un día antes del lanzamiento de Skeleton Tree titulado One More Time With Feeling estrenado en cines de todo el mundo, donde vemos a Cave volviendo a grabar cortes vocales y hablando de su incapacidad para comprender la muerte de Arthur, es una película no sobre la muerte que sobre vivir después de ella pero la muerte, es la sombra que se cierne sobre Nick Cave tanto en One More Time with Feeling como en Skeleton Tree. Estamos ante un trabajo simple, crudo y fácil de gustar dadas las circunstancias, pero yo no lo llamaría un triunfo, no tiene como objetivo complacer a la multitud y conmover a los extraños.
Tiene la belleza idiosincrásica de lo que no está
cargado de expectativas. Skeleton Tree no es un triunfo, no es inmortal,
simplemente lo es y debe ser apreciado en consecuencia. El resultado es un disco
bastante simple e íntimo. Si bien Nick Cave sigue siendo su yo colorido y
original, parece estar lidiando con el dolor de una manera muy humana, la
producción es matizada y sutil, pero la música y las atmósferas nunca son complejas,
hay un instrumento que domina por encima de todos, es el piano donde resulta totalmente
dominante, pero a menudo se toca solo un puñado de notas largas y persistentes
a la vez.
jueves, 10 de noviembre de 2022
0679 - Who Knows - Jimi Hendrix
miércoles, 9 de noviembre de 2022
0678 - Crosby, Stills, Nash & Young - Our House
The Bends - #MesRadiohead
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| The Bend, Radiohead |
La banda brtiánica Radiohead, con su álbum debut, Pablo Honey, y con el sencillo del mismo, Creep, habían saboreado las mieles del éxito. Uns mieles que a punto están de tener consecuencias dramáticas, pues su larga gira de promoción y estar tocando las mismas canciones durante tanto tiempo hizo, según ellos mismos, que estuvieran atrapados en una especie de túnel del tiempo. La difícil adaptación a una gira que hizo que sólo en 1993 tocaran en más de 150 conciertos, sumado al repentino éxito de Pablo Honey, a punto estuvo de acabar con la separación del grupo.
La banda había comenzado a trabajar en su segundo álbum en 1994, de la mano del productor John Leckie, de los Abbey Road Studios. Existía mucha presión dentro del grupo, pues se esperaba que igualaran o incluso superaran el éxito de Creep. Las canciones de su nuevo disco, The Bends, no acababan de gustar a los miembros de la banda, les parecían antinaturales debido a que el grupo había estado ensayándolas quizás en exceso. Para disminuir el sentimiento de presión sobre el nuevo álbum realizaron una gira por Europa, el Lejano Oriente, Australia y México, algo que les vino de perlas para coger confianza. El grupo se había adelantado al lanzamiento de The Bends con la producción del Ep My Iron Lung, con el objetivo de demostrar que Radiohead debía ser conocido no sólo por el tema Creep.
The Bends fue grabado entre agosto y noviembre de 1994 entre los estudios Abbey Road y RAk de Londres y The Manor de Oxfordshire, bajo la producción de John Leckie, Nigel Godrich, Jim Warren y el mismo grupo, y publicado el 13 de marzo de 1995 bajo el sello discográfico Parlophone Records. El disco es considerado como uno de los mejors álbumes de la década y uno de los grandes pilares del rock alternativo. Pero tardó bastante tiempo, varios años, para que asi fuera considerado. El disco tomó el título de su segundo corte, y se refiere al síndrome de descompresión, un enfermedad aguda que afecta a la sangre y que se solía presentar en los buzos y los pilotos de aviones de la Segunda Guerra Mudial. Sin embargo Thom Yorke se sintió en parte desilusionado con el resultado de The Bends, pues esa gran fama adquiridad le hacía estar "en el filo del estilo de vida atractivo, descarado y acramelado de MTV", y sintió que estaba ayudando al consumismo.
The Bends fue el primer disco del grupo que presentó en su potada ilutraciones de Stanley Donwood, quien se convertirá en el creador de todas sus ilustraciones desde entonces. Yorke y Donwood alquilaron una cámara de csete y filmaron objetos como señales de tráfico, empaques y farolas. Inspirados en la canción My Iron Lung, se metieron en un hospital donde acabaron grabando imágenes de un maniquí de RCP, el cual acabaron utilizando, y que según Donwood reflejaba "una expresión facial como la de un androide que descubre por primera vez las sensaciones de éxtasis y agonía, simultáneamente". Para crear la imagen, proyectaron el metraje de la grabación en un televisor y fotografiaron la pantalla.
Comienza el disco con Planet Telex, Thom Yorke se encontraba ebrio e improvisando cuando grabó las voces. La banda había llegado estudio después de habr bebido bastante y Yorke se tumbó en el suelo y empezó a cantar. Se hizo una única toma. El título original era Planet Xerox, pero Xerox era un nombre protegido por derechos de autor y no se le permitió usarlo, por lo que acabaron cambiándolo. The Bends, es un término muy utilizado en buceo y que se refiere a lo que le puede pasar a un buzo cuando sale a la superficie demasiado rápido. La canción cuyo nombre original era The Benz, fue escrita allá por 1992 antes de completar su álbum debut, Pablo Honey. El sonido del principio proviene de un alboroto sucedido fuera de un hotel en Estados Unidos, donde un hombre tenía un pequño micrófono en su jersey y no dejaba de gritar, y Yorke decidió grabarlo. Johnny Greenwood probó muchas combinaciones de guitarra y amplificador antes de volver a su Fender original y acabar de completar la pista en los estudios The Manor en Oxfordshire. High & Dry, delicada canción acústica que se burla de la vanidad machista. Un tema ue originalmente nunca fue pensada para el disco y fue incluida finalmente debido a su potencial atractivo comercial. Fake Plastic Trees, una canción que trata sobre un área en este de Londres llamada Canary Wharf, que fue construida en un terreno junto a los muelles del río Tamesis. Se suponía que iba a ser una importante zona comercial, pero acabó siendo afectada por la recesión. La zona fue ajardinada con muchas plantas artificiales, de ahí el título. Yorke grabó la canción acompañándose de una guitarra acústica, en una sola toma y luego la banda completó las demás partes a su alrededor. Bones, fue pensada incialmente con un ritmo de blues-boogie. Después de muchas pruebas acabron finalizando la canción en su segundo periodo de grabación en los estudios The Manor de Oxfordshire. Nice Dream se encarga de cerrar la cara A. Un tema que se grabó cuando los cinco miembros de la banda estaban tocando guitarras acústicas en una terraza de los estudios The Manor durante un soleado día de verano. La intención del productor John Leckie con esta canción era crear unambiente muy al estilo de "My Sweet Lord" de George Harrison.
The Bends era el segundo álbum de estudio de la banda británica y su fama crecía exponencialmente. Lo mejor estaba por llegar...
martes, 8 de noviembre de 2022
0677-. I'll Never Fall in Love Again - Dionne Warwick
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| I'll Never Fall in Love Again, Dionne Warwick |
Dionne Warwick tiene el honor de ser la segunda vocalista femenina, sólo por detrás de Aretha Franklin, con más canciones en la lista de sencillos Pop Hot 100 de la famosa lista Billboard estadounidense durante la segunda mitad del siglo XX. 80 sencillos en total, ya sean en solitario o en colaboración, de los cuales 12 de ellos alcanzaron el Top Ten.
El 27 de abril de 1970 se publica el decimotercer álbum de estudio de Dionne, bajo el título I'll Never Fall in Love Again. El disco fue producido por los célebres compositores Burt Bacharach y Hal David, y publicado bajo el sello discográfico Scepter. En 1971, el álbum ganó el premio Grammy a la Mejor Interpretación vocal Femenina.
Incluido en este disco se encuentra la canción que da nombre al mismo, I'll Never Fall in Love Again, la cual se convirtió en el octavo tema de éxito que alcanzaba el Top 10 en la famosa lista estadounidense Billboard Hot 100, llegando a situarse en el puesto número 6.
La canción fue compuesta por el compositor Burt Bacharach, quien se encargó de la música, y por el letrista Hal David, quien se encargó de la letra del mismo. La canción fue compuesta originalmente para el musical de Broadway de 1968 Promises, Promises, la adaptación musical de Neil Simon del guión de Billy Wilder The Apartment (El apartamento). En 1969 se lanzaron varias grabaciones de la canción, pero una de las más populares fue la lanzada por Dionne warwick en diciembre de 1969, siendo incluida en el álbum del mismo nombre en 1970.
Burt Bacharach y Hail David agregaron esta canción en el último momento, ya que se dieron cuenta que les faltaba una canción en el medio del segundo acto.Dionne Warwick grabó las cinco canciones del musical e incluyó tres de ellas en su álbum de 1968 Promises, Promises, dejando I'll Never Fall in Love Again para su disco del mismo nombre en 1970. Debido a que no hubo mucho tiempo para escribir el arreglo musical, y que Bart Bacharach en aquel momento fue hospitalizado por padecer neumonía, la canción fue interpretada con un acompañamiento de guitarra únicamente, algo inusual en las composiciones de Bacharach.
lunes, 7 de noviembre de 2022
0676-. Machine Gun - Jimi Hendrix
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| Machine Gun, Jimi Hendrix |
Band of Gypsys, el cuarto álbum editado de Jimi Hendrix, fue un álbum grabado en vivo que supondría el último trabajo editado del guitarrista. Un proyecto de Hendrix junto al bajista Billy Cox y el baterista Buddy Miles, lanzado antes de su muerte en 1970. Fue el último disco que autorizó en persona. Tras la separación de The Jimi Hendrix Experience, Hendrix tocó en una formación llamada Gypsy Sun and Rainbows en el Festival de Woodstock, donde coincidió con Billy Cox. Tras la llegada a la misma de Buddy Miles, esta pasó a llamarse Band of Gypsys como tributo al gran guitarrista de jazz Django Reinhardt.
Band of Gypsys fue grabado el 1 de enero de 1970 utilizando el material de los dos últimos recitales de cuatro que tenía la formación programada en el mítico Filmore East de Nueva York, un compendio de temas que se movían entre el funk rok, rock psicodélico y hard rock. El álbum fue editado originalmente por el sello discográfico Capitol Records, con quien Hendrix tenía un contrato firmado en 1965, antes de saltar a la fama. En 1966 Hendrix comenzó una disputa sobre un contrato discográfico firmado con anterioridad por él mismo con el productor Ed Chalpin. Después de dos años de litigio, Hendrix y Chalpin acordaron que Chalpin tendría los derechos para distribuir un disco con material original del guitarrista, quien decidió que grabaría el álbum Band of Gypsys con material en directo para satisfacer dicho acuerdo.
Incluido en este álbum en directo se encuentra Machine Gun, que con sus más de doce minutos está considerada como una de las mejores interpretaciones de Hendrix. Los largos solos de guitarra los riffs de percusión se combinan con comentarios controlados para simular sonidos de un campo de batalla, como helicóptero, bombas que caen, explosiones, ametralladoras y los gritos y llantos de los heridos y afligidos. Hasta ese momento la mayoría de las canciones de Hendrix trataban sobre la espiritualidad y el amor, y este tema supuso un cambio de dirección, ya que es una historia contada desde la perspectiva de un soldado atrapado en una guerra. Para su composición, Hendrix se inspiró en la Guerra de Vietnam, el partido de las Panteras negras y los litigios comerciales con los que estaba lidiando Hendrix. Hendrix presentó Machine Gun dedicándosela a "Todas las tropas que luchan en Harlem, Chicago y, oh sí, Vietnam". Nunca se lanzó una versión de estudio de esta canción, pero si fue interpretada en vivo varias veces, la primera vez fue en 1969 en The Dick Cavett Show. La interpretación de la canción podía durar hasta los 20 minutos y la letra era diferente cada vez.
domingo, 6 de noviembre de 2022
0675.- Fire and Rain - James Taylor
James Taylor fue la encarnación del cantautor en los años 70, suaves composiciones que acariciaban como la brisa de Laurel Canyon y un particular estilo de fingerpickin’ a la guitarra que no solo coloreaba sus propios discos sino que también apareció en alguno de los discos más importantes de aquella década como el Blue de Joni Mitchell o el Tapestry de Carole King. Nacido el 12 de marzo de 1948 en Boston, bajo el nombre completo de James Vernon Taylor, se trasladó, con toda su familia, a Carolina del Norte, conooció a Danny Kortchmar, un aspirante a guitarrista neoyorquino con el que compartía una afinidad por el folk y el blues. A los 14 años Taylor compuso su primera canción y al año siguiente, en 1963, ya estaban tocando en todos los garitos del Vineyard como Jamie & Kootch. Su quebradizo estado emocional le jugó una mala pasada en el año 1965 cuando tuvo que ser internado en el Hospital Psiquiátrico McLean a causa de una fuerte depresión que le tuvo al borde de la muerte. En el año 1966, ya superada la fase depresiva, volvió a la carga con su idea de formar un grupo. Se juntó a su buen amigo Kootch y a Joel O’Brien y creó The Flying Machine, un conjunto que grabó un single (“Night Owl”) y varias canciones posteriormente recogidas en el disco “James Taylor And The Original Flying Machine” (1967). James se convirtió por esa época en un impulsivo consumidor de drogas, especialmente de heroína, sufriendo una intensa adicción que le llevó de nuevo a ingresar en un sanatorio, el Austin Riggs. Al poco tiempo la banda se disolvió y Taylor pasó a cantar en los parques solo con su guitarra, pasando posteriormente la gorra. Su adicción seguía creciendo y el dinero escaseaba, así que un día apareció su padre por Nueva York, le metió en su coche y se lo llevó de vuelta a Carolina del Norte. Alli consiguió que Peter Asher, el pelirrojo componente del dúo Peter & Gordon, en ese momento productor de Apple Records, se fijase en sus posibilidades como cantautor y, tras mantener una entrevista con Paul McCartney, James logró que el sello creado por los Beatles publicara su primer LP en solitario, titulado simplemente “James Taylor” (1968), un estupendo trabajo producido por Asher, quien también se convirtió en su representante. El LP pasó inadvertido en su época, pero por lo menos le sirvió para ser contratado para un buen número de conciertos por tierras estadounidenses que tuvieron que ser cancelados cuando James sufrió un accidente de motocicleta que le rompió algunos huesos de sus manos. Peter le consiguió un contrato discográfico con Warner y en este sello publicaron “Sweet Baby James” (1970), un disco en el que colaboró Carole King y que le convirtió en estrella gracias a singles como “Fire And Rain”, “Country Road” o el homónimo “Sweet Baby James”, todos ellos con rasgos autobiográficos. El álbum llegó al número 1.
Fire and Rain es probablemente la pista más notable en el catálogo de James Taylor. Esta canción muestra un poco más del lado oscuro de la composición de Taylor. El primer verso alude al suicidio de una amiga llamada Suzanne, y el segundo verso pasa a la lucha personal de Taylor con la adicción a las drogas. Fire and Rain eventualmente sería una canción que rompió a Taylor en la radio, pero rara vez tocó temas tan oscuros en los sencillos de radio que siguen. La canción es incluso un caso atípico en el álbum. Carole King ha dicho que su canción You've Got a Friend (que Taylor grabaría en su próximo álbum) fue escrita en respuesta a Fire and Rain. Todos conocemos la canción, la hemos estado cantando desde que éramos niños y estoy seguro de que todos estamos aburridos hasta las lágrimas. Sin embargo, en manos de Taylor, es una canción hermosa, perfectamente reconocible, pero al escuchar a Taylor cantarla siento que la escucho por primera vez. El hombre es verdaderamente un músico dotado.









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