Modern Life Is Rubbish - Blur (Mes Blur)

 

Modern Life Is Rubbish, Blur

      Todavía andaba enfrascado dentro de la maquinaria de las grandes ligas del britpop Blur cuando publicó Modern Life is Rubbish, su segundo álbum de estudio. Dicho trabajo fue grabado entre octubre de 1991 y marzo de 1993, bajo la producción del propio grupo, y de John Smith, Steve Lovell y Stephen Street, y publicado el 10 de mayo de 1993 bajo el sello discográfico Food Records en Reino Unido, y de SBK Records en Estados Unidos. . Aunque su álbum debut Leisure (1991) había sido un éxito comercial, Blur produjo una severa reacción de los medios poco después de su lanzamiento y cayó en desgracia del público. Después de que el grupo regresara de una gira infructuosa por los Estados Unidos, las actuaciones en vivo mal recibidas y la creciente popularidad de la banda rival Suede disminuyeron aún más el estatus del grupo en el Reino Unido.

El álbum debut de Blur, Leisure (1991), fue un disco que llegó al Top 10 del Reino Unido, Sin embargo, el efecto del álbum pronto comenzó a desvanecerse, y el grupo fue rápidamente expuesto como falsos saltadores de tendencias, recibiendo la ira y la reacción violenta de las escena musical de Manchester. Además, tras la pérdida del favor del público, el grupo descubrió que tenía una deuda de 60.000 libras, principalmente debido a la mala gestión. Blur contrató a un nuevo manager, Chris Morrison, y para recuperar las pérdidas, su sello discográfico Food los envió a los Estados Unidos como parte de la gira Rollercoaster.  Para coincidir con el inicio de la gira, el grupo lanzó el sencillo Popscene. El nuevo lanzamiento mostró un cambio significativo en la dirección musical, ya que Blur cambió su sonido derivado del género shoegaze (subgénero de indie y rock alternativo caracterizado por su mezcla etérea de voces oscurecidas, distorsión de guitarra y efectos, retroalimentación y volumen abrumador) por uno influenciado por el pop de guitarra británico de los años 60. Sin embargo, el sencillo no logró entrar en el top 30 del Reino Unido, lo que disminuyó aún más el perfil del grupo en las islas británicas. 

Por si esto no fuera poco, la gira de 44 fechas por los Estados Unidos fue un completo desastre. Consternado por la fascinación del público estadounidense con el grunge y la respuesta mediocre a su música, el grupo bebía con frecuencia y los miembros a menudo se peleaban a puñetazos entre ellos. Empezó a surgir la nostalgia, así por ejemplo, el líder Damon Albarn,  comenzó a extrañar cosas realmente simples sobre su Inglaterra, y escuchó una cinta del grupo pop inglés The Kinks durante la gira. Más tarde declaró que el único recuerdo agradable que tenía de la gira fue el tiempo que pasó escuchando el sencillo de 1967 de los Kinks  "Waterloo Sunset".  A su regreso a Inglaterra, el grupo descubrió que la atención de la prensa musical se había desplazado hacia Suede. Esto disgusto mucho al grupo, pues consideraba que cada disco que Suede vendía era una "afrenta a la decencia humana". Después de muchos shows en vivo dando una imagen poco más que pobre, ya que los miembros de Blur a menudo actuaban borrachos (en particular uno en un concierto de 1992 que incluyó una actuación bien recibida de Suede en el mismo cartel), no era de extrañar que el sello discográfico Food Records se planteara la posibilidad de prescindir de ellos.

Ante la amenaza de ser despedidos por Food Records, para su siguiente álbum Blur se sometió a un cambio de imagen impulsado por el líder Damon Albarn. La banda incorporó influencias de grupos tradicionales de pop de guitarra británicos como The Kinks y Small Faces, y el sonido resultante fue melódico y producido de manera exuberante, con instrumentos de viento, de madera y coros. Las letras de Albarn en Modern Life Is Rubbish utilizan un hilarante humor para investigar los sueños, las tradiciones y los prejuicios de la Inglaterra suburbana. Damon Albarn, en una entrevista con Mojo en 2000 , dijo que "Suede y América alimentaron mi deseo de demostrarle a todos que Blur valía la pena... No había nada más importante en mi vida". Sintió que la popularidad que la música grunge estadounidense disfrutaba en Gran Bretaña en ese momento pronto se desvanecería, y argumentó que Blur encarnaría un renacimiento del pop británico clásico en su próximo álbum. El dueño de Food Records, David Balfe , no estaba tan de acuerdo y discutió con Albarn sobre el cambio propuesto en la imagen de Blur. Al final Balfe, todavía escéptico, acabó cediendo, y Food le dio cautelosamente el visto bueno a Blur para trabajar en su segundo álbum con un productor elegido por Albarn, el líder de XTC, Andy Partridge. Partridge dijo que no estaba satisfecho con las canciones, pero que aceptó porque Blur le  gustaba musicalmente, además de "por las razones equivocadas, los halagos y el dinero". 

Blur comenzó a trabajar en el álbum con Partridge en The Church, el estudio situado en Crouch End propiedad de David A. Stewart. Sin embargo, las sesiones terminaron prematuramente. El bajista Alex James describió las sesiones como un "desastre"; agregando además que "mientras se juntaba todo, todas eran buenas partes, pero simplemente no era ... sexy". Partridge recordaba: "Me sentí bastante paternal y creo que hice un trabajo excelente. Hicieron que Dave Balfe escuchara algunas mezclas y él se movía por ahí diciendo, 'Esto es fantástico, tú eres George Martin y ellos son The Beatles'. Al día siguiente decía, 'Francamente, Andy, esto es una mierda'". La banda grabó con éxito cuatro canciones, pero se mostraron cautelosos sobre trabajar en las mismas condiciones nuevamente. Las pistas producidas por Partridge fueron abandonadas; tres de ellas se incluyeron más tarde en el box set de 2012 Blur 21.

El trabajo en el álbum se reanudó debido a un encuentro casual con el productor Stephen Street, quien había trabajado previamente con la banda en su sencillo de 1991 "There's No Other Way". Con Street ahora produciendo el álbum, Blur grabó una mezcla de material que abarcaba tanto el período inmediatamente posterior al lanzamiento de Leisure como su gira de 1992. Si bien los miembros de la banda estaban satisfechos con los resultados de la sesión de grabación, el jefazo de Food  Records, Balfe, después de escuchar las canciones, le dijo a la banda que estaban cometiendo un suicidio artístico. Aunque abatido por su respuesta, Blur le dio a Food el álbum completo en diciembre de 1992. El sello rechazó el álbum y le dio instrucciones a la banda para grabar más sencillos potenciales. Albarn cumplió, y el día de Navidad escribió la canción "For Tomorrow".  Aunque esta canción calmó las preocupaciones de Food, el sello estadounidense de Blur, SBK Records, el otro sello discográfico con intereses en el otro lado del charco, expresó su descontento al escuchar las cintas terminadas del álbum. Para apaciguar a SBK, la banda grabó "Chemical World", pensando que aplacaría al sello discográfico y aumentaría el atractivo estadounidense del disco. Sin embargo, SBK  instó al grupo a volver a grabar el álbum con el productor estadounidense Butch Vig, quien era popular en aquel momento por su trabajo con Nirvana. Lógicamente Albarn y compañía se negaron. En este difícil contexto nació Modern Life Is Rubbish, obteniendo un moderado éxito en las listas de éxitos del Reino Unido; el álbum alcanzó el puesto número 15, mientras que los sencillos extraídos del álbum se posicionaron en el Top 30. El álbum rejuveneció la suerte del grupo después de su caída posterior a Leisure. Modern Life Is Rubbish acabó siendo considerado como uno de los lanzamientos que definen la escena del britpop, y sus siguientes álbumes que encabezaron las listas de éxitos, Parklife y The Great Escape, vieron a Blur emerger como uno de los principales grupos de la escena britpop de Gran Bretaña.

El título del álbum deriva de un grafiti pintado con plantilla a lo largo de Bayswater Road en Londres, creado por un grupo anarquista. Para Albarn, la frase reflejaba la "basura" del pasado que se acumulaba con el tiempo, sofocando la creatividad. Albarn pensaba que era "el comentario más significativo sobre la cultura popular desde ' Anarchy in the UK '". Debido a la difícil relación de Blur con Estados Unidos en ese momento, el título provisional del álbum fue Britain Versus America. La pintura de la locomotora de vapor Mallard en la portada del álbum era una imagen de archivo que se obtuvo de una biblioteca de fotos en Halifax. La pintura "evocaba la sensación de la Gran Bretaña de antes de la guerra de un colegial de Just William ". Dentro del embalaje del álbum había un óleo sobre lienzo de la banda vestidos como skinheads en un tren subterráneo. Las hojas de letras del álbum también presentaban las progresiones de acordes de las canciones, escritas a mano por el guitarrista Graham Coxon. Mientras que Albarn explicaba que era un intento de hacer saber a la gente que, por anticuado que parezca, escribimos canciones",  la revista Total Guitar creía que era por otro motivo, la inclusión de los acordes eran debidos al "entusiasmo de Coxon por desmitificar la forma de tocar la guitarra".

El álbum era una respuesta al predominio del grunge en el Reino Unido y a su propio perfil decreciente en su tierra natal, y también una respuesta a la repentina popularidad de Suede. Blur se reinventó con este segundo álbum, Modern Life Is Rubbish, abandonando las influencias shoegazing y baggy (género de baile alternativo británico popular a finales de la década de 1980 y principios de la de 1990 y generalmente asociado con la escena del norte del Reino Unido. En este estilo, las bandas de rock alternativo se inspiran en la psicodelia y en la música de baile) que dominaron Leisure, y apostando por un pop más tradicional. A primera vista, este disco puede parecer un homenaje a los Kinks, David Bowie , los Beatles y Syd Barrett, pero no es una reafirmación, es una revitalización. Blur utiliza el pop de guitarra británico desde los Beatles hasta My Bloody Valentine como base, tejiendo historias de desesperación contemporánea. La guitarra de Graham Coxon abre cada canción, ya sea con líneas melódicas impredecibles o con capas de efectos translúcidos e hipnóticos, proporcionando a Albarn un fondo vibrante para sus sátiras sociales y sus comentarios mordaces. 

Casi todas las canciones están cuidadosamente construidas, comenzando por For tomorrow, una oda a Londres y la vida cotidiana. Esta canción surgió en respuesta a la presión del sello para tener un sencillo exitoso. Destaca por su ambiente melancólico y su referencia al Primrose Hill, un parque icónico en la capital británica. Continúa con Advert, que habla sobre el consumismo desenfrenado y la influencia de la publicidad en la sociedad moderna. Musicalmente, tiene un ritmo frenético que refuerza su mensaje satírico. Colin Zeal es un retrato de un hombre promedio obsesionado con la conformidad y la autoimagen. La canción mezcla ironía con un ritmo pesado y repetitivo. Turno para Preassure on Julian, tema más experimental que combina guitarras distorsionadas y letras crípticas. Se cree que hace referencia a Julian Cope, una figura excéntrica en la escena musical británica. Star Shaped es toda una crítica a la rutina laboral y a la falta de autenticidad en las ambiciones modernas. Musicalmente, es alegre, pero las letras tienen un tono sarcástico. Blue Jeans es una de las canciones más suaves del álbum, con un aire nostálgico. Trata sobre la simplicidad de los momentos cotidianos y la alienación. Cierra la cara A Chemical World, que habla sobre la monotonía y los problemas sociales en la Inglaterra de clase media. Tiene una melodía pegadiza y un tono un tanto sombrío.

Turno para la cara B, que abre con Sunday Sunday, con una mirada satírica a las tradiciones británicas de los domingos, como los asados familiares y las caminatas por el parque. Es una de las canciones más enérgicas del álbum. pasamos a la oscura y atmosférica Oily Water, que aborda temas como la contaminación y la deshumanización. Tiene un sonido más cercano al grunge, y nos recuerda algo a su álbum anterior. Miss America, canción lenta y minimalista que mezcla melancolía con observaciones sobre la cultura estadounidense. Villa Rosie trata sobre una experiencia en un club nocturno. Su sonido es alegre, pero hay un trasfondo de caos en las letras. Coping nos invita a lidiar con la presión y la ansiedad. Es una de las canciones más directas y optimistas del álbum. Turn It Up, con una energía despreocupada, es una de las canciones menos complejas del álbum. Habla de la necesidad de escapar de los problemas cotidianos. Resigned, la canción que cierra el álbum, retoma la nostalgia y la oscuridad para actuar como gran cierre del disco, aunque aún haya espacio para la anecdótica Commercial Break, tan breve como peculiar, y que sirve como comentario final sobre el consumismo y la superficialidad de la vida moderna, que hacen de ella una auténtica basura, tal y como reflejaba la popular pintada con la que empezó el concepto de todo el disco. 

The King of Limbs - #MesRadiohead

 

The King of Limbs, Radiohead

     El 14 de febrero de 2011 Radiohead informaba a través de su página web del nombre de su nuevo trabajo, The King of Limbs, el cual podría ser descargado en menos de una semana a través de la web. Cuatro días después aparecía en la página oficial del grupo el vídeo del tema Lotus Flower, uno de los temas del nuevo álbum. El 28 de marzo salía el disco en versión CD y vinilo. El 16 de abril lanzaba el sencillo Supercollider/The Butcher, dos temas que habían sido concebidas durante las sesiones de The King of Limbs, y que finalmente no fueron incluidas. Los archivos digitales de ambas canciones fueron puestas sin coste alguno a disposición de todos aquellos que habían adquirido el álbum. Pero además, el 6 de junio de 2011 la banda anunciaba el lanzamiento de una serie de remezclas de canciones de The King of Limbs, realizadas por varios artistas, en vinilos de 12 pulgadas y de naturaleza limitada, que se irían editando de forma eventual en varias tandas a lo largo de aquel verano.

Este fue el ambicioso proyecto ideado por la banda inglesa de rock alternativo para su octavo álbum de estudio, donde la banda vuelve a experimentar con los sonidos, explorando ritmos y texturas más tranquilas y calmadas que en sus anteriores trabajos, utilizando mucho las técnica del looping (consistente en uno o varios samples sincronizados que ocupan generalmente uno o varios compases musicales exactos y son grabados o reproducidos enlazados en secuencia una y otra vez dando sensación de continuidad) y del sampling (muestra de sonido grabado en cualquier soporte para reutilizarla posteriormente como un instrumento musical o una diferente grabación de sonido). 

Las versiones The King of Limbs en formato físico fueron publicados por la discográfica Ticker Tape en Estados Unidos, por la discográfica Hostess Entertainment en Japón y por la discográfica XL en el Reino Unido. Aunque hubo todo tipo de opiniones, el disco recibió por lo general críticas bastante positivas por parte de la crítica especializada, siendo nominado el disco para cinco categorías en los Premios Grammy, incluyendo la de mejor álbum alternativo. En febrero de 2012, la banda culminaba con la que sería su primera gira norteamericana en 4 años, incluyendo además de Estados Unidos, Canadá y México. Una gira que se vería empañada por el trágico suceso en el Downsview Park de Toronto, Canadá, el 16 de junio de 2012. Una hora antes de que se abrieran las puertas, el techo del escenario se derrumbó, causando la muerte del técnico de percusión de la banda Scott Johnson e hiriendo a otros tres miembros del equipo técnico del grupo. El grupo rendiría homenaje a Johnson y a su equipo técnico en el primer concierto tras el derrumbe, el cual tuvo lugar en julio en Nimes, Francia. 

La experimentación con los loopings y sampleados es evidente en temas como Bloom, Tom Yorke se inspiró en un programa de televisión de historia de la BBC para escribir este tema; Morning Mr. Magpie, la cual había sido titulada antes Morning M'Lud y Good Morning Mr. Magpie. Este tema había sido estrenado durante una retransmisión web en 2002 en formato de balada acústica, y Yorke se propuso que la canción estuviera incluida en todos los discos de la banda desde entonces; y Lotus Flower, tema que significó el primer sencillo del álbum. La flor de loto es una planta perenne acuática, y es la flor nacional de India y Vietnam. Desde la antigüedad ha sido un símbolo divino en las tradiciones asiáticas que representan la virtud de la pureza sexual, y en la literatura clásica de muchas culturas asiáticas. El loto era usado a menudo en verso como una alegoría de los tributos femeninos ideales. 

También encontramos espacio para temas con un formato más sencillo, en concreto dos baladas que harán que nos estremezcamos, Codex, una inquietante balda a piano donde Yorke nos invita ha sumergirnos en "un lago claro", prometiendo que "nadie sale lastimado". La parte donde entra la sección de cuerdas interpretada por The London Telefilmonic Orchestra es sencillamente magistral; y Give Up The Ghost, la otra balada del álbum, con unos coros femeninos brutales que se complementan con un magnífico Tom Yorke. Este tema fue tocado por primera vez en un concierto benéfico llamado Green Party, y que Tom Yorke dio en solitario en febrero de 2010. En Separator también tienen espacio para el amor, aunque con unas letras más que crípticas, donde parecen hablar sobre una fantasía o un sueño sobre un/a amante que fue real.

The King of Limbs, con una duración de poco más de 37 minutos, se convertía en el álbum más corto de la banda hasta la fecha, y con las letras del último tema, Separator que venían a decir cosas como "Si crees que es el final estás equivocado", parecían dar a entender que habría una segunda parte del álbum. Al final no fue así, pues tardarían unos cinco años en sacar su siguiente trabajo, el último hasta la fecha, A moon Shaped Pool. Pero eso es otra historia...

The Bends - #MesRadiohead

 

The Bend, Radiohead

     La banda brtiánica Radiohead, con su álbum debut, Pablo Honey, y con el sencillo del mismo, Creep, habían saboreado las mieles del éxito. Uns mieles que a punto están de tener consecuencias dramáticas, pues su larga gira de promoción y estar tocando las mismas canciones durante tanto tiempo hizo, según ellos mismos, que estuvieran atrapados en una especie de túnel del tiempo. La difícil adaptación a una gira que hizo que sólo en 1993 tocaran en más de 150 conciertos, sumado al repentino éxito de Pablo Honey, a punto estuvo de acabar con la separación del grupo.

La banda había comenzado a trabajar en su segundo álbum en 1994, de la mano del productor John Leckie, de los Abbey Road Studios. Existía mucha presión dentro del grupo, pues se esperaba que igualaran o incluso superaran el éxito de Creep. Las canciones de su nuevo disco, The Bends, no acababan de gustar a los miembros de la banda, les parecían antinaturales debido a que el grupo había estado ensayándolas quizás en exceso. Para disminuir el sentimiento de presión sobre el nuevo álbum realizaron una gira por Europa, el Lejano Oriente, Australia y México, algo que les vino de perlas para coger confianza. El grupo se había adelantado al lanzamiento de The Bends con la producción del Ep My Iron Lung, con el objetivo de demostrar que Radiohead debía ser conocido no sólo por el tema Creep.

The Bends fue grabado entre agosto y noviembre de 1994 entre los estudios Abbey Road y RAk de Londres y The Manor de Oxfordshire, bajo la producción de John Leckie, Nigel Godrich, Jim Warren y el mismo grupo, y publicado el 13 de marzo de 1995 bajo el sello discográfico Parlophone Records. El disco es considerado como uno de los mejors álbumes de la década y uno de los grandes pilares del rock alternativo. Pero tardó bastante tiempo, varios años, para que asi fuera considerado. El disco tomó el título de su segundo corte, y se refiere al síndrome de descompresión, un enfermedad aguda que afecta a la sangre y que se solía presentar en los buzos y los pilotos de aviones de la Segunda Guerra Mudial. Sin embargo Thom Yorke se sintió en parte desilusionado con el resultado de The Bends, pues esa gran fama adquiridad le hacía estar "en el filo del estilo de vida atractivo, descarado y acramelado de MTV", y sintió que estaba ayudando al consumismo. 

The Bends fue el primer disco del grupo que presentó en su potada ilutraciones de Stanley Donwood, quien se convertirá en el creador de todas sus ilustraciones desde entonces. Yorke y Donwood alquilaron una cámara de csete y filmaron objetos como señales de tráfico, empaques y farolas. Inspirados en la canción My Iron Lung, se metieron en un hospital donde acabaron grabando imágenes de un maniquí de RCP, el cual acabaron utilizando, y que según Donwood reflejaba "una expresión facial como la de un androide que descubre por primera vez las sensaciones de éxtasis y agonía, simultáneamente". Para crear la imagen, proyectaron el metraje de la grabación en un televisor y fotografiaron la pantalla. 

Comienza el disco con Planet Telex, Thom Yorke se encontraba ebrio e improvisando cuando grabó las voces. La banda había llegado  estudio después de habr bebido bastante y Yorke se tumbó en el suelo y empezó a cantar. Se hizo una única toma. El título original era Planet Xerox, pero Xerox era un nombre protegido por derechos de autor y no se le permitió usarlo, por lo que acabaron cambiándolo. The Bends, es un término muy utilizado en buceo y que se refiere a lo que le puede pasar a un buzo cuando sale a la superficie demasiado rápido. La canción cuyo nombre original era The Benz, fue escrita allá por 1992 antes de completar su álbum debut, Pablo Honey. El sonido del principio proviene de un alboroto sucedido fuera de un hotel en Estados Unidos, donde un hombre tenía un pequño micrófono en su jersey y no dejaba de gritar, y Yorke decidió grabarlo. Johnny Greenwood probó muchas combinaciones de guitarra y amplificador antes de volver a su Fender original y acabar de completar la pista en los estudios The Manor en Oxfordshire. High & Dry, delicada canción acústica que se burla de la vanidad machista. Un tema ue originalmente nunca fue pensada para el disco y fue incluida finalmente debido a su potencial atractivo comercial. Fake Plastic Trees, una canción que trata sobre un área en este de Londres llamada Canary Wharf, que fue construida en un terreno junto a los muelles del río Tamesis. Se suponía que iba a ser una importante zona comercial, pero acabó siendo afectada por la recesión. La zona fue ajardinada con muchas plantas artificiales, de ahí el título. Yorke grabó la canción acompañándose de una guitarra acústica, en una sola toma y luego la banda completó las demás partes a su alrededor. Bones, fue pensada incialmente con un ritmo de blues-boogie. Después de muchas pruebas acabron finalizando la canción en su segundo periodo de grabación en los estudios The Manor de Oxfordshire. Nice Dream se encarga de cerrar la cara A. Un tema que se grabó cuando los cinco miembros de la banda estaban tocando guitarras acústicas en una terraza de los estudios The Manor durante un soleado día de verano. La intención del productor John Leckie con esta canción era crear unambiente muy al estilo de "My Sweet Lord" de George Harrison. 

Abre la cara B Just, que surgió, según Yorke, como una competencia entre él y Johnny Greewood para obtener el mayor número  posible de acordes en una canción. A pesar de la gran variedad de sonidos de guitarra, la canción fue grabada en el estudio sin sobregrabaciones. De esta canción se realizó un vídeo donde vemos a Radiohead tocando en un piso con vistas a la calle, mientras aparecen subtítulos debajo. Un hombre decide tumbarse en medio de la acera, otro hombre tropieza con el que está tumbado y comienza a hablarle. Después de un rato, hay una multitud reunida alrededor del hombre que está tumbado y todos quieren saber porqué se encuentra así en medio de la acera. El hombre decide contarles algo y advertiles del peligro, y en ese momento los subtítulosde apagan. Lo que este hombre les cuenta hace que todos los demás le sigan y se acuesten. Radiohead nunca ha desvelado lo que dice el hombre para que él y todos los demás se acuesten y ha sido tema de debate durante años. My Iron Lung, cuyo significado es pulmón de hierro, y es un dispositivo que usaban las enfermeras en los años 50 para ayudar a respirar. La letra refleja como de afligida se sentía la banda cuando se hicieron conocidos simplemente por su tema Creep. Bulletproof... I Wish I Was, canción que como su título indica, alude a un Thom Yorke deseando no ser tan sensible. Johnny Greenwood y Ed O'Brien imporvisaron los efectos de sonido silvante y los alullidos fantasmales utilizando el canto de las ballenas. Black Star, según Yorke "la canción trata sobre tener sexo por la mañana, pues es el mejor momento para tenerlo, especialmente si te has cepilllado antes los dientes". Sulk, fue el último tema concebido para The Bends y fue escrita por Yorke originalmente en 1987 como respuesta al tiroteo del pistolero suicida Michael Ryan en Hungerford, del condado de Berkshire, al oeste de Londres, quien mató a 16 personas. Street Spirit, cierra lacara B y pr tanto este disco. Una de las canciones más oscuras y tristes, con unas letras extrañas y un mensaje premonitorio. Aunque Yorke no disfrutaba especialmente tocando este tema en vivo, se convirtió en una de las más esperada y solicitadas durante los conciertos.

The Bends era el segundo álbum de estudio de la banda británica y su fama crecía exponencialmente. Lo mejor estaba por llegar... 

Disco de la semana 288: The Stone Roses

El disco debut de The Stone Roses, lanzado en mayo de 1989, está considerado uno de los mejores álbumes británicos de la historia, y catapultó a la banda a un estrellato que, contra todo pronóstico, solo se prolongó un álbum más (The Second Coming), con el que echaron prematuramente el cierre a una prometedora carrera, lo que no evitó que la relevancia de la banda se haya mantenido hasta nuestros días, siendo considerados como un grupo de culto que fue clave en el llamado sonido "Madchester", y una clara influencia para movimientos musicales posteriores como el britpop, que reinó durante la década posterior al lanzamiento de "The Stone Roses".

Un disco que comienza con un tema de la talla de I Wanna Be Adored, con el brillante riff y la pretenciosa y lisérgica atmósfera que lo componen, tiene ya medio camino andado hacia el Olimpo de los mejores álbumes de todos los tiempos, y si a continuación suena un tema como She Bangs The Drums, temazo incombustible con una línea de bajo que se te clava en el subconsciente y  te hace desear que la canción no tenga fin, la cima del famoso monte heleno esté ya casi al alcance de la mano. Y como no hay dos sin tres, con la brillante guitarra y el pegadizo ritmo de Waterfall llegan definitivamente a los más alto.

El resto del disco está también lleno de las atmósferas lisérgicas y el sonido eléctrico del post-punk de los ochenta, y de las típicas voces insinuantes y ritmos cadenciosos de la banda. Decir que es imposible mantener el nivel de los tres primeros temas no es desmerecer o quitar valor a canciones en las que los Stone Roses transitan entre la ligereza de temas como Don't Stop, las referencias al mayo del 1968 en Bye Bye Badman, los guiños al estilo de canción tradicional a lo Simon & Garfunkel en Elizabeth My Dear, o los alardes y la grandilocuencia instrumental de la impactante (Song For My) Sugar Spun Sister.

Más luminoso y accesible es ese himno que responde al nombre de Made Of Stone, uno de los momentos álgidos de un disco, con un estribillo para enmarcar y colgar en un lugar relevante de la pared de piedra de la historia del grupo. Esta canción podría ser el colofón perfecto de este laureado primer disco, pero es que aún queda tiempo para mucho más. Tras las correctas Shoot You Down y This Is the One, llega el turno de una canción imprescindible que, con permiso del triunfal trío de arranque, se proclama altiva y orgullosa como la auténtica joya del disco: I am The Resurrection, una impactante obra de más de ocho minutos de pop rock elegante e irresistible, de lo mejor que el grupo nos llegó a dar.

La versión estadounidense incluía además los clásicos Fool’s Gold y Elephant’s Stone, y reediciones posteriores del disco no se resistieron tampoco a complementar los once temas originales con estas joyas perdidas, más madera de la buena para un disco que ya ardía por si solo en la versión original para el Reino Unido. Querían ser adorados, y con esta obra maestra se podría decir que lo consiguieron.

Disco de la semana 266: Coming up - Suede

 

Después de alcanzar su punto máximo en 1995, Britpop entró en un estado extrañamente tranquilo de limbo comercial a partir de 1996. Suede acababa de perder a su guitarrista principal Bernard Butler y estaba en la cuerda floja por las decepcionantes ventas de (el ahora venerado) Dog Man Star. Sin embargo, a pesar de tener ser los menos estimados de los "Cuatro Grandes" de Britpop, Suede de alguna manera logró entregar el álbum de Britpop más exitoso de 1996 con Coming Up y le valió a la banda su segundo álbum #1 en el Reino Unido. Lo que encontramos en Coming Up es una colección sorprendentemente de melodías que se inclinan fuertemente hacia el extremo radical, lejos del espectro del glam rock. Brett Anderson aludia a que este enfoque tan directo fue una respuesta al fracaso comercial de Dog Man Star, y fue una decisión comercial brillante, pero ha dado lugar a un conjunto de pistas. A pesar de lo buenos que son sus dos primeros álbumes (y de hecho son muy buenos), encuentro el rechazo rutinario del tercer álbum bastante injusto. Coming Up es el álbum que detuvo el patrón de declive que siguieron muchos de los actos de guitarra británicos de los años, un álbum repleto de melodías accesibles que aún resisten el escrutinio hoy en día, pero aparentemente, debido a que Bernard Butler no está involucrado, se considera uno de los trabajos menores de Suede .

 

Arranca el álbum con "Trash", absoluto pelotazo, una canción increíble que contiene letras muy urbanas y que refleja el sentir de la gente que se siente menospreciada, como siempre la temática casi central dentro del género, una gran canción de amor llena del sarcasmo de los 90 que solo se puede encontrarse en una gran canción de amor. La letra es veraz, realistas y poco halagadoras, pero también totalmente sentidas, expresivas y llenas de emoción. Del mismo modo, las guitarras se mueven dentro y alrededor del acompañamiento del bajo y la batería con éxtasis, con velocidad y también con paciencia, creando un tipo único de ritmo que, dependiendo de tu estado de ánimo, puede ser rápido o lento, luego está la armónica a las 2:20 una barbaridad. "Filmstar" es una canción que nos cuenta acerca de la vida de la persona con dicho estado, destaco aquí la percusión que se siente muy profunda y marcada, con un cambio de tiempo espacial increíble en el estribillo y una letra ingeniosa. “Lazy" es una de las canciones más melódicas del disco, nuevamente el énfasis lírico en una vida muy normal y corriente, quizás queda un poco deslucida tras los dos primeros trallazos, mas normalita, y por momentos puede llegar a aburrirte, pero despertaras con el baladon que nos tiene preparados a continuación, “By the sea” es apoteósica desde el comienzo, tiempo de teclados, tiempo de una voz que te hipnotiza con ramalazos de guitarra que te absorben, y un letra devastadora en la que la pareja espera su suicidio, mientras Brett Anderson canta con calidez "Él puede caminar en cualquier momento a través de la arena, hacia el mar, hacia el agua salada”. Tiempo para el glam rockero de medio tiempo "She", es un buen tema con esos coros que te sacan y te despiertan del sueño, cuerdas a mansalva, grandes cambios de ritmo y una guitarra de ataque compiten por su espacio en la canción, el resultado es tan agotador como estimulante, es el equivalente en rock de un excelente éxito de taquilla que casi rezas porque te encante.

 

"Beautiful Ones", escrita por Oakes, que combina guitarras estilo Oasis con una de las melodías vocales glam rock más distintivas de Anderson, lástima que el estribillo relativamente ordinario de la canción no esté a la altura de las alturas gloriosas que definen la carrera de los versos de Anderson, una canción que es imposible no cantarla. Vamos con el tramo más débil del álbum, empieza con “Starcrazy” un corte más Rockero, agresivo, aunque no deja de ser una canción Pop en el fondo. "Picnic by the Motorway" es atrapante, un coro y unos vocales que te quedan totalmente enganchados con la canción. "The Chemistry Between Us" viene a calmar un poco las aguas cerca del final, es una canción larga pero totalmente necesaria, calmada y serena nos conduce a una de las mejores canciones del disco… "Saturday Night" es la mejor balada del álbum, una canción realmente hermosa y uno de los muchos puntos destacados del álbum Coming Up, me encanta el sonido de la guitarra, al principio es suave y conmovedor, mientras que más cerca del final tiene la cantidad perfecta de retroalimentación para darle algo de poder. La melodía es genial, la letra es genial y el video es absolutamente excelente, presenta todas las ventajas y desventajas que puede encontrar en una estación de metro a última hora de la noche del sábado, y hay una gran secuencia de personas que viajan en el vagón y están solos, mientras que antes bailaban borrachos sin preocuparse por nada, el video cuenta con la actriz Keeley Hawes.

Casi dos décadas después de su lanzamiento, todavía escucho Coming Up y todavía me emociono con esos pequeños riffs vibrantes, los coros y las melodías de neón, como mucho de lo que se denomina britpop, está casi completamente enraizado en el período en que fue lanzado, pero en este caso me lleva a una época en mi adolescencia cuando no tenía compromisos, un poco de dinero excedente y una cabellera razonable.

 

Disco de la semana 225: Definitely Maybe - Oasis

En la fría y gris Manchester de finales de los ochenta, unos adolescentes hermanos Gallagher ven pasar el día a día en un humilde barrio obrero, sin saber muy bien que rumbo tomar en la vida. El mayor (Noel) convence al pequeño (Liam) para ir a ver un concierto de los Stone Roses. Ellos no lo saben, pero con esa decisión sin importancia acababan de sembrar la semilla para la creación de Oasis. Noel (el instigador) quedó impresionado con la destreza de John Squire a la guitarra, pero lo curioso es que Liam (el reacio) vuelve del concierto absolutamente fascinado por la manera en la que Ian Brown se manejaba en el escenario, y completamente decidido a montar un grupo.

Noel no tarda en enrolarse en un grupo llamado The Inspiral Carpets, con los que se sube a la furgoneta y se marcha de gira por los pubs de toda Inglaterra, mientras Liam sigue nadando en la monotonía del deprimido barrio de Manchester, solo mitigada por las visitas al estadio del Manchester City, por entonces el equipo pobre de la ciudad. Sobrevive con el subsidio de desempleo, y cuando puede no pierde la ocasión de ir a rayar los coches de los jugadores del Manchester United, hasta que encuentra por fin la ocupación que estaba buscando, y se hace vocalista de un grupo local llamado The Rain, que para no coincidir con otro grupo del mismo nombre cambian al poco tiempo su nombre por el de Oasis.

Cuando Noel regresa de la gira de los Inspiral Carpets, acude a ver el primer concierto del grupo de su hermano, y según sus propias declaraciones: "Les dije que lo que hacían era una mierda, pero que Liam valía como frontman de la banda". Noel se ofrece entonces a escribirles canciones, y no tarda en pasar a formar parte de la primera formación de Oasis, definitivamente comandada por los dos hermanos Gallagher. Definitivamente, o quizás, tal y como reza el título del que sería su primer y mejor disco, en su momento el álbum de debut de un grupo inglés más impactante desde el Nevermind the Bollocks de los Sex Pistols, con el que además comparte algunas similitudes, como que antes de la publicación del disco ya se rodaran muchas de las canciones en el circuito de conciertos local, y se publicaran varios singles que después formarían parte del disco.

Es el caso, por ejemplo, de Live Forever, la canción que Noel interpretó para el resto como ejemplo de lo que podía aportar si le incluían en el grupo, o Columbia, rotundo tema interpretado ya en el primer concierto de Oasis en el que tocaron juntos los dos hermanos, antes de meterse a un local de ensayo a preparar el resto de canciones del disco. En aquel local de ensayo, empiezan a pulir temas como Rock and Roll Star (el primer fogonazo con el que abrirá el disco), o Up in the sky, temas que pronto formaran también parte de las primeras actuaciones en el circuito de pubs de Manchester, y de la maqueta que grabaron de aquellas primeras sesiones, que incluía  temas como Bring it on down, Married with children o Digsy's dinner. Todos ellos serían parte de lo que después sería Definitely Maybe, una vez conseguido su primer contrato discográfico con el sello Creation.

Con el flamante contrato bajo el brazo, la banda vuelve al local de ensayo y genera nuevos temas como Cigarettes & Alcohol y Shakermaker. Las melodías van surgiendo, pero les cuesta encontrar las letras adecuadas para las nuevas canciones, y para ello contaron con la inesperada ayuda de Elsa, el perro del ingeniero de sonido, que tenía problemas estomacales y no paraba de soltar unos terribles pedos, como si se hubiera tragado un tubo de Alka-Seltzer. Eso les dio las primeras frases de Supersonic, el primer sencillo y uno de los temas estrellas del disco (Conozco a una chica llamada Elsa, adicta al Alka-Seltzer")

El segundo sencillo fue Shakermaker, que nació con polémica por su parecido con el tema "I'd like to teach the world to sing" de los New Seekers para un anuncio de Coca-Cola. De hecho, Noel coló en la letra el slogan de aquel anuncio de veinte años atrás ("Me gustaría comprarle al mundo una Coke") y se negó a modificarla, a riesgo de perder los royalties en una posible denuncia. A este single le siguió Live Forever, convirtiéndose al instante en una de las canciones más relevantes del grupo. Y aún hubo cuerda para otro single más, Cigarettes & Alcohol, y para la publicación de Whatever, otro gran éxito que finalmente no formó parte del disco, salvo en algunas ediciones especiales en las que se le incluía en un disco sencillo adicional dentro del álbum.

Definitely Maybe fue un rotundo éxito de crítica y ventas, y un chorro de aire fresco para el underground británico, en una era dominada por el grunge procedente de Estados Unidos. La crítica elogió la energía y fortaleza del álbum, que combinaba brillantes estructuras melódicas con una producción que saturaba las múltiples guitarras hasta crear un consistente muro de sonido, basado en una acelerada amalgama de rock, pop, punk y psicodelia. La actitud y las inflexiones en la voz de Liam recordaban, una vez más, al Johnny Rotten de Nevermind the Bollocks, al tiempo que se basaban en su admirado Lennon.

En conjunto, un disco directo, valiente e intenso, con guitarras más pesadas que las de otros grupos relevantes de la época como Blur o Suede, y con menos ínfulas artísticas. Dónde otros se esmeraban en pintar sobre lienzo, los Gallagher derribaban la puerta y lo salpicaban todo, repartiendo brochazos a diestro y siniestro, a golpes de guitarra, melodías pegadizas y potentes coros de estadio, que no tardaron en desatar la locura mediática alrededor del disco, alimentada además por el descaro y la chulería de las declaraciones de los díscolos hermanos, que arremetían verbalmente contra todo lo que se les pusiera por delante, en una actitud que les encumbró y, a la vez, les acabaría condenando, porque acabó siendo más ruidosa que las propias canciones, y cuando en discos posteriores rebajaron la intensidad y el brillo de sus propuestas, tenían ya demasiados enemigos esperando a machacarles.

A día de hoy, ambos han desarrollado una correcta trayectoria en solitario, aunque nunca a la altura de Definitely Maybe o What's the Story (Morning glory), sus dos discos clave. Algo esperable, porque ya sabíamos que, fuera de un Oasis, lo que nos espera es una larga travesía por el desierto, hasta el día en que dos hermanos se sienten frente a un par de cervezas y arreglen sus diferencias definitivamente. O sólo quizás.

El disco de la semana 157: Kula Shaker - K

La sombra de los Beatles es alargada. Tanto que puede llegar hasta la India, lugar al que un músico de la era del "brit pop" viajó para encontrarse a sí mismo y a la creatividad que creía que le abandonaba. Crispian Mills, sintiéndose estancado con lo que estaba haciendo en el grupo Objects of Desire, comunicó a su amigo y compañero Alonza Bevan y al resto de integrantes de la banda que lo dejaba. Al poco tiempo, comenzó un viaje de peregrinación a La India para encontrarse a sí mismo y comenzar de nuevo.

Volvió, tiempo después, con el zurrón lleno de ideas e influencias de la música y la cultura hindú, e ilusionado hasta el punto de llamar de nuevo a Alonza Bevan y reflotar el grupo bajo el nombre de The Kays, que poco después pasaría a llamarse definitivamente Kula Shaker, en homenaje al rey Kulashekhara, uno de los doce santos del sur de la India. Cuando resultaron ganadores del concurso "In the City" para nuevos talentos (compartiendo el premio con unos desconocidos Placebo), se abrió ante ellos la oportunidad de grabar su primer disco con Columbia Records. Junto a las evidentes influencias musicales que a Mills proporcionó aquel viaje, en las canciones de su disco de debut también quedó patente su predilección por los Beatles. Por relevancia e influencia, los de Liverpool son un género en sí mismos, como el blues o el soul, y su sombra sigue siendo muy alargada.


"K"

Lo primero que nos llega de un disco, al tenerlo entre las manos, es la portada. Es como una tarjeta de presentación, la primera impresión, el primer beso. No debería ser relevante para juzgar lo que vendrá después, porque lo que importa realmente es la música, pero puede ser también un indicio o una ventana abierta a lo que estará por venir. La portada de "K" es un guiño claro al "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", aunque sustituya los retratos de famosos por dibujos de personajes con nombres o apellidos con la letra K, cómo John Kennedy, Karl Marx, Gene Kelly, Katherine Hepburn, Kareem Abdul-Jabbar, Krishna o King Kong, entre otros. Hasta los objetos que aparecen en el resto del conjunto siguen esa regla, como lo demuestra la kettel (tetera) que aparece a la izquierda del collage.


K es precisamente eso, una mezcla de diferentes estilos y sonidos muy dispares, pero la fuerza de las canciones hace que todas las piezas encajen en un brillante conjunto. El disco arranca con Hey Dude, y aunque el título de nuevo nos lleva hacia los Beatles,  no guarda ningún parecido con el "Hey Jude" de Paul McCartney. Estamos ante el primer tema con el que se dieron a conocer antes de grabar el disco, y uno de los temas más potentes por su efectiva combinación de ritmos, que van del pop rock britpopero a cierto sabor a salmos hindúes en las estrofas y en el modo de cantar de Mills, todo ello salpicado de ramalazos de guitarras wah wah y un estribillo con mucho gancho.

Tras este efectivo arranque, el disco irá alternando entre los temas más guitarreros, en los que Mills da rienda suelta a su afición por los riffs con sonido wah wah y el uso del slide (Knight on the town, Smart Dogs, 303), con la mística y la psicodelia de temas en los que juegan con evocadoras líneas de piano e instrumentos indios como el sitar y la tambura (Temple of Everlasting light, Magic Theatre o el breve instrumental Sleeping Jiva). Las referencias hindúes se hacen más evidentes en las geniales Govinda y Tattva, los dos temas del disco que tienen la letra, total o parcialmente, en sánscrito.

Tattva nos sirve también para introducir el bloque de temas claramente influenciados por los Beatles.  La canción tiene dos tramos muy diferenciados, por un lado el mantra de matices psicodélicos recitado en sánscrito,  y por otro un tramo que bebe directamente de las fuentes de los temas alegres y desenfadados de los primeros años de la dupla Lennon-McCartney. En este grupo de canciones "estilo Beatle", entraría tambien la evocadora Into the Deep y la melódica Start all over.

No son los Beatles la única influencia clara o reconocida, la joya Grateful when you're Dead / Jerry was there es, como el juego de palabras de su título indica, un homenaje a la psicodelia y la mística de los Grateful Dead, además de ser musicalmente uno de los momentos más excelsos del disco, tanto en un primer tramo en el que las guitarras se desatan y echan humo al ritmo de la rotunda batería. El segundo tramo gira radicalmente hacia el rock progresivo, gracias a los matices de los teclados y la guitarra.

El disco cierra con Hollow Man parts I & II, uno de los temas más largos y desarrollados del disco. Hollow Man I tiene, a su vez, dos tramos completamente diferentes, primero en forma de semi-instrumental al piano, y después con la entrada de la guitarra acústica y un registro de voz que recuerda a George Harrison, y con la explosión de guitarras posterior. La referencia del título a las dos partes de la canción puede llevar al error de concluir que estos dos tramos diferentes son Hollow Man I y Hollow Man II, respectivamente, cuando en realidad Hollow Man II no es más que una frase que aparece tras más de 10 minutos de pista en silencio. Se trata de una grabación de A.C. Bhaktivedanta Swami Prabhupada, fundador de la "Sociedad Internacional para la conciencia de Krishna". Lo que entendemos se concibió como una sorpresa o mensaje oculto, se convierte en una primera escucha en una incómoda y excesivamente larga espera, que acaba en decepción al no encontrar, al final del camino, la segunda parte del tema que parecía esperarnos oculta.

Después de un disco tan plagado de cambios de ritmo y con tantos sonidos étnicos apareciendo generosamente por diferentes rincones de cada una de las canciones, ¿qué más queríamos encontrar en la pista oculta? Es precisamente un proverbio de la India el que mejor lo explica: "Cuando todo está perdido, aún queda la esperanza". ¡Queríamos más!