1426.- Amelia - Joni Mitchell

 

Amelia, Joni Mitchell

En el mundo del folk, el trabajo de Joni Mitchell se incluye en la narración de historias, y las versiones de su material se consideran activos preciados. Su interés por las afinaciones alternativas estimuló a algunos guitarristas a explorar más a fondo y crear sus propias piezas. Las melodías de Mitchell fueron seminales para aquellos que la estudiaron por su perspicacia compositiva, y su técnica de fingerstyle se ganó el respeto de sus compañeros. Sus atrevidas incursiones en el jazz atrajeron a los aficionados al jazz y a algunos músicos al ámbito del pop/rock. A finales de la década de 1960 y principios de la de 1970, Mitchell era una individualista, y era algo más, era su propia mujer, independiente y una superviviente. Todos estos atributos sugieren por qué Joni Mitchell es una artista muy admirada.

El 22 de noviembre de 1976, Joni Mitchell publica Hejira, su octavo álbum de estudio. Este trabajo es grabado en los A&M Studios de Hollywood, bajo la producción de Henry Lewy y de la propia Joni Mitchell, y publicado bajo el sello discográfico Asylum Records. Su material fue escrito durante un período de viajes frecuentes a finales de 1975 y principios de 1976, y refleja las experiencias de Mitchell en la carretera durante ese tiempo. Se caracteriza por canciones líricamente densas y extensas y el acompañamiento musical de varios instrumentistas orientados al jazz, entre los que destacan el bajista sin trastes Jaco Pastorius, el guitarrista Larry Carlton y el baterista John Guerin.

Según Mitchell, el álbum fue escrito durante o después de tres viajes que realizó a finales de 1975 y la primera mitad de 1976. El primero fue una temporada como miembro de la Rolling Thunder Revue de Bob Dylan a finales de 1975. Durante este período de tiempo, se convirtió en una consumidora frecuente de cocaína. En febrero de 1976, Mitchell tenía programado tocar unas seis semanas de conciertos en los Estados Unidos promocionando The Hissing of Summer Lawns. Sin embargo, la relación entre Mitchell y su novio John Guerin (que actuaba como su baterista en la serie de conciertos) se había agriado y surgieron tales tensiones que la gira tuvo que ser abandonada a mitad de camino El tercer viaje se produjo poco después, cuando Mitchell viajó a través de Estados Unidos. Este viaje inspiró seis de las canciones del álbum. Mitchell se reunió con el maestro budista tibetano Chogyam Trungpa en Colorado, atribuyendo a aquella visita la curación de su adicción a la cocaína, dejándola en un "estado despierto" desinteresado que duró tres días.

Incluido en este álbum se encuentra la canción Amelia, inspirada en la ruptura de Mitchell con John Guerin, y fue descrita por ella como un relato casi exacto de su experiencia en el desierto. La canción entreteje la historia de un viaje por el desierto con la famosa aviadora Amelia Earhart, quien desapareció misteriosamente durante un vuelo sobre el Océano Pacífico. En la canción, cada estrofa con la cual termina el estribillo "Amelia, fue solo una falsa alarma", cambia repetidamente entre dos tonalidades, lo que le da una sensación de inquietud constante. Mitchell confesaba sobre la canción: "Escribí el álbum mientras viajaba solo a través del país y hay una sensación de inquietud a lo largo de todo el tiempo... la dulce soledad del viaje solitario. En esta canción, estaba pensando en Amelia Earhart y la abordaba de un piloto en solitario a otro, una especie de reflexión sobre el costo de ser mujer y tener algo que debes hacer". Amelia Earhart fue una aviadora pionera que en 1932 se convirtió en la primera mujer en volar sola a través del Océano Atlántico.

1384.- Edith And The Kingpin' - Joni Mitchell

 

Mitchell saltó a la fama a finales de los años 60 como hippie folkie, después de que estrellas más consolidadas como Judy Collins, Tom Rush y Buffy Sainte-Marie empezaran a hacer versiones de sus canciones. Poseedora de una voz de soprano muy bonita y una amplia gama de afinaciones alternativas para la guitarra acústica, Mitchell pronto se convirtió en una estrella menor por derecho propio, y se consagró como artista pop con su tercer álbum Ladies of the Canyon (que contenía el éxito Big Yellow Taxi y su propia versión de Woodstock, que también había sido versionada por Crosby, Stills, Nash & Young) y Blue , que no tuvo éxito en términos pop, pero la confirmó como una de las cantautoras más destacadas, una favorita de los estudios para siempre.

En realidad, no importa si The Hissing Of Summer Lawns no es el mejor álbum de Mitchell. Lo que importa es que cualquiera que se emocione con, digamos, Blue , como bien podría ser, puede encontrar este aún más emocionante si aún no lo ha escuchado. Mitchell es inusual entre los artistas importantes en el sentido de que poco de su mejor trabajo está entre sus más famosos, con la posible excepción del predecesor de este álbum, Court And Spark. Hejira , el magnífico disco que lo siguió, es más extraño, más exótico, más densamente envuelto en misterios. La gente piensa que Bowie o Prince fueron atrevidos. La gente tiene razón. Pero Mitchell arriesgó todo, perdió gran parte de ello, y no le importó un carajo. Ninguna gran estrella ha sido nunca tan valiente ante el declive de su estrellato. No hay Let's Dance en su catálogo, ni banda sonora de Batman. Si nunca hubiera escuchado otro disco de Joni Mitchell, me parecería una pieza bastante notable en sí misma. En el contexto de su obra, es menos un salto asombroso que un ascenso vertiginoso por el mismo camino que Court And Spark le había indicado. Fue en ese álbum donde comenzó su transformación de diarista/memoirista a compositora de cuentos imaginativos o retratos en canciones. En The Hissing Of Summer Lawns lo perfeccionó. Toda la inmadurez que le quedaba de aquellos engañosos días de ingenua hippie de ojos muy abiertos –siempre dotada de una observación aguda y un talento brillante– había desaparecido. Sus pares ya no eran guitarristas introspectivos (de alguna manera, Mitchell veía el alma humana en ese ombligo, donde muchos de sus contemporáneos encontraban pelusa). Eran la primera fila de músicos, novelistas, cineastas y artistas visuales (a los que ella también pertenecía) que llevaban sus escalpelos a una América cansada.

Una de las joyas que disfrutar en este disco es 'Edith And The Kingpin' una historia corta poética de proporciones épicas, nunca dejamos de sorprendernos por la estatura regia de la canción que recorre una ruta inesperada hacia el mismo conjunto de puntos de vista, que es la vida femenina vista tanto desde dentro como desde fuera. La camarera de 'The Jungle Line' es la hermana en el fondo de la piel de Edith, la de la lánguida y encantadora 'Edith And The Kingpin'. El Kingpin es un señor importante de poca monta, un potentado local, que ha elegido a Edith como su compañera de cama, la última de una serie de mujeres que "envejecen demasiado pronto", aturdidas por la cocaína y los terrores de su incumbencia. Elegida, Edith no tiene elección, tomada, debe tomar lo que se le da, es una mujer como vasalla, no más libre en su pueblo estadounidense que su equivalente que cae bajo la mirada del señor feudal de una aldea feudal, o más libre que la esposa lujosamente mantenida de la canción principal que camina por el perímetro de alambre de púas de su rancho como el animal enjaulado que es. ¿O sí? ¿Es que la libertad es imposible o que ella se encarcela a sí misma? “Él le dio su oscuridad para que se arrepintiera/Y una buena razón para que lo dejara… Aún así ella se queda con algún tipo de amor/Es la elección de la dama”.

1148 - Joni Mitchell - Raised on Robbery

1148 - Joni Mitchell - Raised on Robbery

Joni Mitchell, la incomparable cantautora canadiense, ha dejado una huella imborrable en la historia de la música con su distintiva voz y letras profundas. "Raised on Robbery" es una de las joyas de su extenso repertorio, destacando su versatilidad musical y su habilidad para contar historias con maestría.

La canción, lanzada en 1973 como parte del álbum "Court and Spark", fusiona el folk característico de Joni Mitchell con elementos de jazz y rock. La instrumentación rica y variada establece el tono desde el principio, con un toque de saxofón que introduce una atmósfera cautivadora. Esta amalgama de géneros es una muestra del talento visionario de Mitchell para romper barreras musicales.

"Raised on Robbery" narra la historia de una mujer en busca de amor en una sociedad moderna y complicada. Mitchell utiliza su habilidad para la observación detallada y la narrativa rica para pintar un retrato vívido de la escena urbana. La lírica ingeniosa y mordaz resuena con una crítica sutil a la superficialidad y a las complejidades de las relaciones en la ciudad.

La voz única de Joni Mitchell añade capas de complejidad emocional a la canción. Su capacidad para transmitir vulnerabilidad y fortaleza simultáneamente crea una conexión profunda con el oyente. Cada matiz en su entrega vocal parece capturar la esencia misma de la experiencia humana, haciendo de "Raised on Robbery" más que una simple canción; es una ventana a las complejidades del amor y la vida moderna.

El coro pegajoso y el ritmo contagioso de la canción hacen que sea imposible resistirse a su encanto. A medida que avanza, la narrativa se desenvuelve con giros inesperados, manteniendo la atención del oyente. Joni Mitchell demuestra su destreza como cuentacuentos, llevándonos por calles oscuras y rincones emocionales con cada verso.

El saxofón distintivo, interpretado por Tom Scott, se convierte en un personaje musical por derecho propio. Su presencia a lo largo de la canción agrega un toque de sofisticación y melancolía, acentuando las emociones transmitidas por las letras de Joni Mitchell. La interacción entre la voz y el saxofón crea una dinámica única que eleva la canción a nuevas alturas artísticas.

"Raised on Robbery" es un testimonio del genio creativo de Joni Joni Mitchell y su capacidad para explorar temas universales a través de la música. La combinación de letras inteligentes, una melodía cautivadora y una ejecución magistral establece esta canción como una obra maestra atemporal. A medida que resonaba en la década de 1970, sigue siendo relevante hoy en día, sirviendo como recordatorio de la atemporalidad de la música de Joni Mitchell y su impacto duradero en la escena musical global.

Daniel 

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1010.- You Turn Me On I’m a Radio - Joni Mitchell

Joni Mitchell es una de las intérpretes más veneradas e influyentes de su tiempo, pero su prodigiosa producción contiene muy pocos éxitos en las listas, en gran parte porque no escribió canciones del gusto popular aunque tiene varios álbumes clásicos en su haber y quizás sea mejor conocida por su melancólica obra maestra Blue , seguramente uno de los mejores álbumes de cantautores en una época repleta de ellos, pero un año después, escribió y grabó el subestimado For the Roses, una mirada íntima y poética a la desaparición de una pareja de celebridades, décadas antes de que Internet hiciera tan transparentes los altibajos de tales relaciones.

You Turn Me On, I'm a Radio' nació por el interés de su discografica por conseguir un éxito y, si bien carece de estribillo o ganchos obvios, la tematica de la canción que habla sobre locutores y emisoras de radio, lo que la ayudó a obtener una gran difusión. El tema se incluiría en el álbum For The Roses de Mitchell de 1972 y fue lanzado como el primer sencillo del LP y fue el primer gran éxito de Mitchell, alcanzando el puesto 25 en el Billboard Hot 100 y entre los diez primeros en su Canadá natal. Con una duración ordenada de 2:40, contiene una introducción de 19 segundos, lo que les da a los locutores mucho tiempo para hablar sobre la canción (¡y mencionar ese increíble título que tanto les gustaría) la canción cumplió su objetivo y se convirtió en el primer éxito Top 40 de Mitchell en Estados Unidos como artista. Había llegado a las listas como compositora, con la versión de Judy Collins de "Both Sides Now" en el puesto número 8 en 1968 y la versión de Crosby, Stills, Nash & Young de "Woodstock" alcanzando el puesto 11 en 1970. Graham Nash, David Crosby y Neil Young participaron en las sesiones de la canción, pero en el lanzamiento final solo se utilizó una parte de armónica de Graham Nash. La letra de la canción es una metáfora en la que la narradora se compara con la radio de un automóvil y una estación de radio, con la esperanza de complacer a su oyente La estación siempre está ahí para servirle y, aunque no siempre tenga una señal clara, sabe lo que usted quiere escuchar, esta emisora de radio también podría verse como otra metáfora de una persona que también busca agradar. Vale la pena indicar que la canción se parece a "You've Got a Friend", una canción que recientemente había sido un éxito número uno para James Taylor (de quien algunos escritores han sugerido que es la persona a la que se dirige este tema) 

0841.- Blue - Joni Mitchell

 

En ese trayecto de lo particular a lo general, sabemos al menos desde Homero y Shakespeare que, únicamente buceando en el abismo personal, es posible dar forma a sentimientos universales. Las sensaciones, estados de ánimo, miserias, alegrías, gozos, dolores del hombre son las mismas desde que el mundo es mundo. Eso lo han plasmado inmejorablemente escritores, pintores y músicos. Y por supuesto, una canadiense de aspecto frágil y temple de hierro, conocida como una desprejuiciada devoradora de hombres, y dotada con el suficiente talento para captar en sus palabras los sentimientos de millones de personas, desde un punto de vista que, si bien parte de su condición femenina, no se olvida de entender, como pocas mujeres, las inseguridades, frustraciones e idiosincrasia masculinas. La pluma de Joni Mitchell recorre con una enorme perspicacia toda la gama de detalles que conforman la vida cotidiana. Es una mirada desde dentro, que trasciende al exterior y devuelve como un espejo todo aquello que nos condiciona, nos afecta, nos marca y nos salva o destruye. En su album "Blue", asistimos a algo parecido a una sesión de psicoanálisis desde un cómodo sillón en un café. Como voyeurs de vidas propias y ajenas, estas narraciones atrapan nuestra atención en apenas unos minutos, al modo de los mejores relatos. Se me antoja que Joni es de la estirpe de los grandes cuentistas, en realidad, es casi proverbial la capacidad de Joni para penetrar por igual en el mundo de ambos sexos.

Dentro de este álbum me gustaría destacar la canción que da titulo a su trabajo, Blue es una canción de sonido sombrío con notas de piano, es desolación pura. Las canciones son como tatuajes, dice. Y es cierto. Esta se tatúa en tu alma de repente, sin aviso ni defensa posible. Es la respuesta, como todo el álbum, a una serie de sentimientos profundos, un desnudo en público provocado, sobre todo, por dos relaciones. Una tremendamente hermosa, pero inevitablemente rota, con Graham Nash y otra totalmente tormentosa con James Taylor, que la dejaría devastada. Todo eso se imprime en esta letanía que ella canta de manera especialmente profunda acompañada de aquél poderoso piano Stenway que andaba por el estudio y con el que, casi a la vez, grabaron sus mejores discos ella y su buena amiga Carole King. Mitchell describe 'Blue' como una oda a los sentimientos de depresión y desolación, mientras menciona las formas en que las personas pueden adormecer el dolor: "Ácido, alcohol/ Agujas, pistolas y hierba/ Mucha de risas”. Pero no hay risas en 'Blue'. Cuando no queda nada más que tristeza, a veces es todo a lo que puedes recurrir hasta que empiezas a formar un vínculo con ella y dependes de ella. “Azul, te amo”. 'Blue' resuena con una gravedad absoluta que puede consumirlo todo, pero también catártica y limpiadora, como exorcizar un demonio o purgar la oscuridad de ti. Mitchell ha hablado de Blue , el álbum y la canción, como un medio para hacer frente a la infelicidad que estaba sintiendo de una manera saludable.

0681: Big Yellow Taxi - Joni Mitchell

Compuesto por la cantautora canadiense en 1970, Big Yellow Taxi apareció originalmente en el álbum Ladies of the Canyon. Como buena profeta en su tierra, la canción llegó al puesto 14 en Canadá, cosechando además buenas posiciones en Reino Unido (nº 11) y Australia (nº 6). En Estados Unidos no logró tanta repercusión, llegando solamente al puesto 67 de las listas de ventas, pero todo cambió unos años después cuando, en 1974, una versión en directo se convirtió en todo un hit en el país de las barras y estrellas.

En palabras de su autora, Big Yellow Taxi' surgió durante un viaje a Hawaii. Al llegar, un taxi la trasladó al hotel y, a la mañana siguiente, al descorrer las cortinas de su habitación contempló un espectacular paisaje de verdes montañas en el horizonte, que contrastaba con lo que se veía al mirar hacia abajo, un gran parking que llegaba hasta dónde alcanzaba la vista. La idea de todo lo que se habría destruido para construir aquel parking fue la que le llevó a sentarse a escribir esta gran canción de concienciación medioambiental, un tema que hoy en día tiene, si cabe, todavía mayor relevancia.

En el verso final de la canción, el trasfondo político muta en una reflexión mucho más personal, cuando Mitchell relata cómo ve partir a su "viejo" en un "gran taxi amarillo", en lo que parece una referencia a la muerte de un ser querido, sin quedar claro si ese "old man" es un novio o un padre. También se ha interpretado el taxi amarillo como un coche de policía de Toronto, porque las patrullas solían tener ese color, y en ese supuesto sería la autoridad la que se estaría llevando al ser querido, para detenerlo o para acompañarlo hacia un lugar sin retorno, ese al que las decisiones medioambientales parecen estarnos llevando.

0654.- Both sides now - Joni Mitchell

Cuando se trata del mundo de los artistas, no hay nadie más misterioso y enigmático que Joni Mitchell. Su vida ha dado algunos giros extraños, ha tenido una buena cantidad de problemas y ha salido del otro lado satisfecha de dónde s encontraba. Es una lástima que los fans la abandonaran desde el principio, porque esta cantante es una de las más talentosas en el negocio hoy en día. No hay una lista que no la incluya como una de las diez mejores artistas femeninas de los últimos cincuenta años, y dudo que no caiga en la mayoría de las listas de las diez mejores sin importar el género. El alcance y el volumen de su material nunca terminan, y la profundidad de su personalidad se desarrolla para siempre... en resumen, Joni es el contrapunto femenino del Sr. Dylan. Joni pagó sus cuotas, tocando en cafeterías y clubes pequeños donde en realidad se pasaban un sombrero cada pocas canciones; cobrar con calderilla, volver a casa después de una actuación, sentarse a fumar un cigarro, contar las noches que tardan antes de acostarse... era un ritual, todos los artistas lo hacían en aquellos tiempos. Y para salir a la ciudad, o a una fiesta después de un espectáculo, significaba cargar con una bolsa de hombro, o bolsillos llenos de monedas sueltas, monedas de diez centavos, cinco centavos y centavos. Algunos artistas en realidad ganaron más dinero al ser insultados con centavos que los buenos actos con monedas de diez centavos y veinticinco centavos.

El magnífico "Both Sides, Now", es quizas uno de sus canciones mas populares, y es quizas una de las canciones mas accesibles de la cantante, es una versión menos majestuosa que la de Judy Collins, pero mucho más íntima y emotiva, de ninguna manera es su mejor composición, pero resume los estados de ánimo y pensamientos de la cantante, es un error pensar que solo escribió sobre experiencias hippies. sigue siendo mi canción favorita de ella por varias razones, aqui tenemos el trabajo de alguien en contacto consigo misma de una manera que pocos artistas traducen en una cancion, carece de la atmósfera helada y ligeramente sombría que hace que sea una experiencia tan resonante e inquietante, y carece de diversidad y experimentación. Todo aqui es muy seco aquí, con los acompañamientos instrumentales adicionales eliminados y la reverberación eliminada por completo para dejar a Joni allí, sola con su guitarra. Es algo íntimo y verdaderamente personal. Joni produce hermosos sonidos con su voz y su guitarra, y están construidas con solidez y cuidado, muy pocas cosas exigen tu atención en la forma en que esta canion lo hace sin esfuerzo.