Black and White America #Mes Lenny Kravitz

Black and White America es el noveno disco de estudio de Lenny Kravitz, publicado en el verano de 2011. Las expectativas eran muy grandes para este disco, a raíz de noticias que iban surgiendo sobre la grabación de un disco que sería un alegato antirracial y una vuelta al funk más puro. El proyecto nació con el nombre de "Negrophilia", y con esa idea en la cabeza Lenny se trasladó a su casa de las Bahamas, para centrarse en la composición y la grabación de los temas, y allí el proyecto fue mutando del Negrophilia original al Black and White America que finalmente vio la luz.

Es imposible saber cómo habría sido ese (a priori) interesante proyecto llamado Negrophilia, pero lamentablemente poco parece haber quedado de aquello en Black and White America. Paradójicamente, la canción que sustituye al título original cumple con todos los requisitos de canción de protesta social y de sólida estructura funky, siendo uno de los títulos más inspirados del álbum y un chorro de aire fresco en el cancionero de Kravitz. Suenan trompetas, saxos, y un espectacular bajo que sustenta el ritmo de una canción que rememora el sueño de Martin Luther King y recuerdos del racismo de los 60 y de la infancia de Kravitz. Y es la canción de Lenny Kravitz que más les gusta a mis hijos, así que poco más que decir. 

Algo parecido podría decirse de Come on get it, el primer single extraído del disco, una pieza de funk abrasivo y guitarras rockeras que recuerda al Kravitz de los primeros discos, con ásperos riffs de guitarra y letras sexuales combinados en un tema brillante. Tan prometedor arranque se ve truncado por canciones más comerciales como la melódica y popera In the Black, con cierto toque new wave y power pop, o la apagada e intimista Liquid Jesus, interpretada en falsete y con una ambigua letra que oscila entre el mensaje religioso y el sexual. Siendo temas correctos, no aportan la clarividencia y la luz que los temas anteriores habían mostrado, y que de no haberse apagado habrían llevado a Lenny a entregar su mejor disco en años.

Pero Lenny decidió tirar por otra senda distinta, la de temas más directos y digestibles de pop rock para el gran público, como el efectivo rock melódico de Rock Star City Life, de guitarras y estribillos pegadizos pero algo ligeros y carentes de ese alma funk que estábamos esperando en este álbum. Habríamos perdonado sin problema estas pequeñas cucharadas de edulcorante rebajando la carga funk del disco, porque en conjunto estamos ante un buen disco de un artista que de talento va sobrado, pero Lenny dio un paso más hacia el abismo en temas como Boongie Drop, en el que se cuelan Jay Z y Dj Military para cocinar un pastel de electrónica y rap-funk de difícil digestión. Al escucharla, tengo claro que acerté al no decirle a Kravitz dónde estaba la sección de hip hop de la FNAC de Callao, pero es evidente que acabó encontrándola por su cuenta y riesgo.

A estas alturas del disco, el sueño de Martin Luther King, y el de todos los que esperábamos con ansia Negrophilia ha muerto, pero eso no hace que el disco merezca ser enterrado. Stand mejora algo la cosa, y fue el segundo single que se extrajo del álbum, pero transita de nuevo en la vertiente comercial y pegadiza de los últimos tiempos del artista estadounidense. Tiene un riff rockero destacable, y de nuevo la producción vira hacia el power pop efectivo y los sintetizadores edulcorados.

El siguiente tramo del disco está a la altura de lo mejor del principio, y es con la sexual y rítmica Superlove, una pieza de funk sugerente y elegante, y muy especialmente con Everything, en la que vuelven los mejores riffs, las melodías efectivas y los ritmos energizantes, con las que el disco despega y resucita, y mantiene el pulso con baladas efectivas como I Can’t Be Without You, que demuestra que el genio sigue estando ahí. En Looking Back On Love se acerca de nuevo al soul-funk clásico de Marvin Gaye e Isaac Hayes, y la guitarra funky y el solo de teclado salvan una buena canción de complemento, un buen entremés para el bombazo funk que viene a continuación, un Life Ain’t Ever Better Than It Is Now en el que no oculta las influencias de James Brown.

De nuevo nos habíamos ilusionado, pero en la parte final nos topamos con The Faith Of A Child, correcta canción romántica que suena igual que muchas de sus baladas más comerciales, y no aporta nada nuevo a lo que ya nos dieron las anteriores, y especialmente con Sunflower, en la que junto al rapero Drake, asesta el segundo y definitivo puñetazo en las costillas con el que este disco se convierte en otro prometedor púgil que acaba besando la lona, en un extraño e innecesario cocktail de rap y de algo parecido a la samba que hacen que cada vez que escucho el disco me salte este corte, para encontrar rápidamente en Dream el consuelo orquestal y espiritual que en ese momento necesito, y en Push (tercer single del disco) el toque de pop-rock de aires gospel necesario para terminar el disco en positivo, pero no lo suficiente como para no echar de menos lo que habría sido ese idealizado Negrophilia, que se quedó en un buen disco que sufre demasiado en los tramos en los que Lenny se alejó del blanco y negro original, para pensar en el comercial color verde de los billetes.

0667.- Roadhouse Blues - The Doors

 

Roadhouse Blues, The Doors

     El 9 de febrero de 1970 el grupo californiano The Doors publica el que  sunpondrá su quinto álbum de estudio, Morrison Hotel. El disco es grabado entre noviemebre de 1969 y enero de 1970 en los Elektra Sound Studios de Los Ángeles, bajo la producción de Paul A. Rothchild, y publicado por el sello discográfico Elektra Records.

Morrison Hotel significa la vuelta del grupo a sonidos como el blues y el rock psicodélico, marcado en parte por la fría recepción de los fans a su anterior trabajo, The Soft Parade, disco con un enfoque más hacia el jazz. En este disco la banda también hizo alguna que otra incursión en sonidos como el hard rock, el raga rock e incluso el jazz, y las letras que Morrison compuso fueron más profundas. El disco fue todo un éxito comercial, alcanzando el puesto número 4 en la lista estadounidense Billboard 200, el puesto número 12 en las listas del Reino Unido, y el 6 en las listas de ventas de Países Bajos.

Incluido en este disco se encuentra Roadhouse Blues, toda una declaración de intenciones y un decálogo de modo de vida al más puro estilo Jim Morrison. Roadhouse Blues se convertiría con el tiempo en uno de los temas más redondos e inspirados del grupo, llegando a trasladar con éxito las ideas y textos de Morrison al formato de canción de rock. Cuando Jim Morrison se emborrachaba le gustaba cantar blues en jam sessions, y esta canción surgió en una de esas sesiones. Joan Sebastian, del grupo Lovin' spoonful, tocó la armónica, y el gran guitarrista Lonnie Mack el bajo. The Doors por lo general no solían usar bajista.

The B-52's - Wild Planet. #Píldora 8

Wild Planet es una continuación muy interesante del primer trabajo de The B-52's, aunque no tiene pistas muy memorables, realmente es un gran disco donde las guitarras post-punk ásperas aún dominan el sonido, y la interacción vocal entre los tres cantantes que sigue siendo muy divertida. Al igual que con su debut, este es un disco alocado, bailable, vagamente surfero y extremadamente cursi, pero que resulta muy divertido, el hecho de que contenga canciones antiguas que el grupo ya tocaba en directo desde sus comienzos, hace que la conexión se multiplique. The B-52 caen en manos de los "conspiradores" Brian Eno y Rhett Davies, y los resultados, aunque no son exactamente Eno si muestran a la banda moviéndose en una dirección un poco más artística, más "seria" de lo que su tonto debut podría haber sugerido. Empezando por esa estética de The B-52’s que estaba muy influenciada por el pop art y el placer por lo kitsch. Las portadas glamorosas y monocromáticas de sus primeros dos álbumes parecen pinturas de Andy Warhol, pero también encontraban en la ciencia ficción una fuente estética.

Dirty Back Road” esta influenciada por la aurora retro futurista de los alemanes Kraftwerk pero la razón por la que esta es una obra maestra de la música dance de los 80 es la simbiosis vocal entre las dos cantantes femeninas del grupo, Kate Pierson y Cindy Wilson. El sonido narcótico de la banda encuentra su mejor forma en “Private Idaho”, un hit esquizofrénico que alterna paranoia y locura. Devil In My Car: es simplemente una de las mejores canciones que jamás escribieron los B-52, y es el mejor indicativo de la excelente dinámica del rock and roll de la banda. Runnin’ Around y Strobe Light son canciones más sencillas pero no por ello menos intensas, es una pena que los B’52 nunca hayan intentado más cosas de este estilo porque se adapta muy bien al camino inspirado en el punk de la banda. Creo que Wild Planet a menudo se pasa por alto injustamente, realmente vale la pena escuchar este álbum, entregarse a sus voces, a sus sonidos, a su fiesta y sus ganas de ponerlo todo por la música

0666.- Instant Karma - John Lennon

Instant Karma! (We All Shine On) es una canción publicada por John Lennon en formato single en 1970. Lennon se despertó una mañana con la idea de una canción sobre el concepto de que las consecuencias de las propias acciones fueran inmediatas, en lugar de irse desarrollando durante la vida. Escribió la letra y trabajó en el piano de su casa una melodía que encajara con aquella primera composición, y quiso después grabarla de inmediato, así que llamó a George Harrison, y acto seguido al productor Phil Spector, al que le dijo simplemente: "Ven a Apple rápido, acabo de escribir un monstruo".

La canción fue creada, escrita, grabada y lanzada en tan solo diez días, convirtiéndose en una de las canciones más rápidas en ver la luz en la historia de la música, algo que Lennon resaltó durante la promoción del single, comentando que "se escribió para el desayuno, se grabó para el almuerzo y se sacó para la cena". Fue grabada en los estudios de Abbey Road, con John Lennon a la voz y la guitarra acústica y con la contribución de George Harrison (guitarra eléctrica), Klaus Voormann (bajo), Alan White (batería) y Billy Preston (órgano) en la pista básica de la canción, a la que después se añadieron los múltiples overdubs característicos del "muro de sonido" de Spector.

Lennon pidió a Spector que Instant Karma! tuviera el sonido y el eco de las viejas grabaciones de los 50, y para crear el efecto deseado y el muro de sonido con tan solo cinco músicos, Lennon añadió un piano de cola, mientras Harrison y White compartían otro piano y Voormann hacía lo propio a las teclas de uno eléctrico. El que fuera ayudante de los Beatles, Mal Evans, tocó unas campanillas, y se incluyo una segunda parte de batería amortiguada. En lugar de un solo instrumental, Lennon soltó una serie de ruidos y gruñidos, y para grabar los coros invitaron a los clientes de un pub cercano a que se unieran a la grabación. Spector quiso después agregar sus habituales secciones de cuerda y orquesta, pero Lennon insistió en que Instant Karma! estaba ya completa.

La canción recibió críticas muy positivas y es considerada como una de las mejores grabaciones de la carrera en solitario de Lennon, elogiando que tenía un sonido retro único y decadente que nunca antes había conseguido en sus grabaciones con The Beatles. Comercialmente fue también un éxito, llegando al nº 3 del Billboard y el nº 5 de las listas británicas. Todo un "Instant hit!" en palabras de Chris Welch de la revista Melody Maker. Un éxito directo e inmediato, como el Karma del que todo el mundo hablaba, que para Lennon era como el café de los anuncios de televisión. Lo pensó, lo grabó y lo presentó al mundo en muy poco tiempo, para que su idea del Karma instantáneo nos atrapara en un abrir y cerrar de ojos.

Disco de la semana 299: Tres Hombres - ZZ Top

 

Tres Hombres, ZZ Top

     Año 1973, y los componentes de la formación de rock sureño ZZ Top, Billy Gibbons (guitarra y voz), Dusty Hill (bajo y coros) y Frank Beard (batería y percusión) se embarcan en una nueva aventura que se materializa en julio de 1973 con la publicación de su tercer álbum de estudio, Tres Hombres.

     El álbum es grabado entre los Brian Studios y Ardent Studios de Memphis, Tennessee, y publicado por el sello London Records bajo la producción de Bill Ham, el productor de confianza del grupo hasta el año 1996 donde las funciones de producción las empezaría a realizar el mísmo Gibbons. El título del disco es una clara alusión a los tres componentes de la formación, con un sonido basado en el blues rock con toques de rock & roll y boggie rock. En su momento fue declarado por la crítica especializada como el mejor álbum de la formación de la década de los años 70, teniendo también una buena repercusión comercial, la mejor de la banda hasta el momento, alcanzando el puesto número 8 en la lista estadounidense Billboard 200.

Tres Hombres es un álbum de rock sureño donde también tiene cabida el blues rock e incluso el hard rock. Gran parte de culpa de este magnífico álbum, además del conjunto de buenas canciones que trajo bajo el brazo el grupo, la tiene el productor Bill Ham, quien supo entender y descubrir como grabar de una manera tan simple pero a la vez tan eficaz al trío de Houston para que sonara tan contundente y poderoso. Ese sonido sucio, las guitarras de Billy Gibbons, el empuje del bajo de Dusty Hill y la sección rítmica llevada a la perfección por Frank Beard, hace que todo encaje a la perfección y nos regalen un señor álbum con mayúsculas, 

Abre la cara A Waitin' for the Bus, compuesta por Gibbons y Hill, un tema que durante años las estaciones de radio estuvieron tocando junto con el siguiente corte,  Jesus Just Left Chicago, manteniendo la transición natural del disco. Dusty Hill afirmaba que la canción trataba sobre gente trabajadora, y contaba que una vez fue a Austin desde Houston, decidiendo ir en autobús, algo que no había hecho en mucho tiempo. Aquel viaje fue muy enriquecedor, pues conoció a gente muy singular durante aquel viaje; Jesus Just Left Chicago, acreditada a Gibbons, Hill y Rube Beard, también conocida como Jesus Done Left Chicago, y como hemos comentado anteriormente, el tema que sigue a Waitin' for the Bus, que solía pincharse seguido y sin cortes por las emisoras de radio. Ambas canciones se escribieron por separado, y en el proceso de compilar las pistas para el álbum hubo un "afortunado" error de cálculo del ingeniero que hizo que las dos canciones parecieran una sola. Esta canción tiene una dimensión ciertamente espiritual, y Gibbons relataba que se le ocurrió la idea de esta canción cuando era un adolescente. Se encontraba hablando por teléfono con un amigo conocido como R&B Jr. Este particular amigo tenía en su léxico muchos dichos raros y extraños, y un día estaban hablando cuando éste soltó Jesus Just Left Chicago! (¡Jesús acaba de salir de Chicago!). Beer, Drinkers & Hell, una de las pocas pistas donde la parte vocal corre a cargo del bajista Dusty Hill. Fue compuesta inspirándose en un viaje después de un concierto en Phoenix. Iban conduciendo a través de una tormenta de viento y buscaban un lugar seguro, cuando de repente surgieron las luces nocturnas de un antro al borde de la carretera. Según Billy Gibbons, aquel lugar estaba repleto de gente como ellos, su tipo de gente, no podían estar en mejor sitio. Master Of Sparks, basada en una historia real de Billy Gibbbons en su juventud. El y algunos amigos soldaron una bola con una jaula de acero que ataron a la parte trasera de un camión. Uno de ellos de subía al interior y luego ponían el camión a una velocidad de unas 60 millas por hora. Lo mejor de todo es que dentro de aquella jaula iba alguien siempre en el interior. Tenían que pasar por aquella aventura para recibir el título de Master of Sparks. Indudablemente uno de los que se doctoraron fue Billy Gibbons. Cierra esta trepidante cara A Hot, Blue and Rightheous, un blues cocinado a fuego lento con el que podemos cargar fuerzas para lo que nos espera en la segunda parte.

La cara B comienza con Move Me on Down The Line, un portentoso Rock and Roll que por momentos nos recuerda a los mismísimos Rolling Stones. Precious Grace, donde cuentan la historia en la que Gibbons y Hill tuvieron un encuentro un viernes por la noche con un par de mujeres autoestopistas que acababan de salir de la carcel. Shiek, tema que contiene uno de los mejores trabajos solistas de guitarra, a cargo de Giboons, del álbum. Have Your Heard?, tema que se encarga de cerrar el disco, es un cálido tema de corte sureño. 

Con estos temas ya tendríamos un disco más que redondo, y si encima le añadimos el que falta, el cual me he saltado ha proposito, convenientemente colocado entre Precious Grace y Shiek, pasa a la categoría de obra maestra, La Grange, toda una oda al boogie rock cuyo ya memorable riff de guitarra se inspiró en el tema Shake your Hips de Slim Harpo. Compuesto por los tres componentes, Gibbons, Hill y Beard, el tema hace referencia a un burdel que exisitió de verdad en llamado Chicken Run, el cuál se encontraba situado en las afueras de la ciudad de La Grange, Texas. El burdel Chicken Run también era conocido como La casa de huéspedes de la señorita Edna. Al parecer las señoritas de compañía del burdel tenían visitas semanales con el médico para prevenir cualquier tipo de enfermedad, pues a la señorita Edna le gustaba llevar el negocio en condiciones, preocupándose también por el futuro de la comunidad, pues cuando la ciudad necesitó dinero para la construcción de un nuevo hospital, Edna también fue la primera en hacer una donación, siendo ésta la más grande con diferencia del resto. El burdel Chicken Run fue abierto en 1905, y sería definitivamente cerrado en 1973, ya que un Reportero de televisión de Houston puso su objetivo sobre éste local, iniciando una cruzada personal hasta conseguir que el Gobernador de la ciudad ordenara su cierre definitivo. En la actualidad, el edificio que albergara Chicken Run, y que fue motivo de inspiración para Gibbons y compañía, se encuentra abandonado.

0665 - Moondance - Van Morrison

0665 - Moondance - Van Morrison

Moondance se grabó en Mastertone Studio en la ciudad de Nueva York en agosto de 1969, con Lewis Merenstein como productor.

La canción se toca principalmente acústicamente, anclada por una línea de bajo, el bajo eléctrico es tocado por John Klingberg, con acompañamiento de piano, guitarra, saxofones y flauta con los instrumentos tocados con un suave swing de jazz. 

Es una canción sobre el otoño, la estación favorita del compositor. Hacia el final de la canción, Van Morrison imita un saxofón. La canción también presenta un solo de piano, interpretado por Jef Labes, seguido inmediatamente por un solo de saxofón alto de Jack Schroer. La canción termina con un trino de la flauta durante la cadencia que se desvanece. El solo de Schroer a menudo se destaca como uno de los solos de saxofón más influyentes en la música popular. 

El periodista musical Erik Hage escribió que la importancia de la canción "está en su enfoque directo del jazz", ampliando esa observación con "Astral Weeks tenía sugerencias de jazz, pero esta canción tomaría el género de frente. Se convertiría en la canción más exitosa y exitosa de Van Morrison". composición de jazz definitiva". El crítico musical Johnny Rogan describió Moondance como una "celebración de la naturaleza", "expresada a través de una unión de amantes en el aire nocturno". 

 Moondance fue escrito y desarrollado mientras Van Morrison vivía en Cambridge, Massachusetts. Comentó: "Con 'Moondance', escribí la melodía primero. Toqué la melodía en un saxo soprano y sabía que tenía una canción, así que escribí la letra para acompañarla. Esa es la forma en que la escribí. Realmente no tengo palabras para describir particularmente la canción, sofisticado es probablemente la palabra que estoy buscando. Para mí, 'Moondance' es una canción sofisticada. Frank Sinatra no estaría fuera de lugar cantando eso".

El guitarrista de su banda en ese momento, John Sheldon, recuerda que durante el verano de 1968, en un ensayo, la banda tonteaba con un tema de Broadway llamado “Lazy Afternoon” lanzado en 1967 en una versión de jazz de Grant Green. Van Morrison solicitó algunos cambios y comenzó a cantar una melodía que eventualmente se convertiría en "Moondance".

Daniel 

Instagram storyboy 

0664.- Gwendolyne - Julio Iglesias

 

Julio Iglesias ganó sorpresivamente en el año 1968 el Festival Internacional de la Canción de Benidorm con el tema "La vida sigue igual", que compone durante su convalecencia tras un accidente automovilísticos, lo que le valió la firma de un contrato con la sección latina de Columbia Records, Discos Columbia. En febrero de 1969 participó en el Festival Internacional Ciervo de Oro de la ciudad rumana de Brașov. Durante este año, también grabó su primer disco «Yo canto», en los estudios DECCA en Londres e hizo su primera gira en España. Participó en el X Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, en Chile. También actuó en el Festival de la Canción de San Remo y protagonizó su primera película, un filme autobiográfico que llevaba por título el nombre de su primer éxito musical, La vida sigue igual, pero faltaba el escaparate final el festival por el que han pasado miles de artistas de talla mundial, nos referimos al Festival de Eurovisión, y fue en 1970, un año en el que el madrileño se enfundó un traje azul chillón para cantar uno de los temas más aclamados de la época, ‘Gwendolyne’, con la que quedó en cuarta posición a pesar de que fue considerado el ganador moral de la edición y conquistó a toda Europa.

 

La canción de ‘Gwendolyne’ le abrió las puertas de la fama, y es que se mantuvo como el número uno en ventas durante nueve semanas y fue elegida la mejor canción en el programa ‘El gran musical’. De hecho, tal fue su éxito que Julio editó la canción en varios idiomas. El tema de Julio Iglesias fue el más escuchado de todo el Festival de Eurovisión, y ello le llevó a que las discografías se peleasen por él. Sin embargo, los problemas empezaron a llegar para Julio, y es que el artista español tuvo que enfrentarse a diferentes quejas por plagio, pues muchos asemejaban ‘Gwendolyne’ a ‘Je reviens te chercher’, la canción que publicó Gilbert Bécaud dos años antes, en 1968. Unos problemas que no hicieron que la canción desapareciese, sino que lo hizo su vida sentimental, tal y como lo contó después el artista en sus propias memorias, ‘Entre el cielo y el infierno’, asegurando que Gwendolyne fue su primer amor: “Gwendolyne fue muy importante en mi vida. Mi primer amor en libertad. Gwendolyne era hermosa, muy hermosa. Era de una familia noble de exiliados rusos. Quizás la sobrina de un príncipe de tipo eslavo: con pómulos marcados, ojos grises, rubia. Debo decir que jamás he amado a una mujer más bella”. Fue precisamente ese amor olvidado el que hizo que Julio también olvidase la canción. Igual que Gwendolyne desapareció de vida, también lo hizo ‘Gwendolyne’, una canción que casi nunca incluye en su repertorio y que quizás esta tan asociada a ese primer gran amor que prefiere olvidarla para no remover heridas, aun asi, en su biografía tuvo un recuerdo para ella, la canción y su amor perdido. “Gwendolyne fue seleccionada para representar a España. De esa chica rubia con la que iba a casarme no me quedaba más que una canción. Recuerdo el Festival de Benidorm, Gwendolyne en el aeropuerto de París... Sus rasgos se han borrado un poco en mi memoria, pero le debo esta canción que me ha permitido darme a conocer en Europa, estar en Eurovisión, aunque no haya ganado. Por todas estas razones, querida Gwendolyne, te doy las gracias"

 

It Is Time for a Love Revolution - Lenny Kravitz #mesLennyKravitz

It Is Time for a Love Revolution - Lenny Kravitz #mesLennyKravitz

Vamos a hablar de un álbum que en su primera semana de debut vendió más de 73 mil copias, hablamos de It Is Time for a Love Revolution que es el octavo álbum de estudio del cantautor, multiinstrumentista, productor y arreglista estadounidense Lenny Kravitz, su fecha de lanzamiento fue el 5 de febrero de 2008.  

El álbum produjo cuatro sencillos lanzados entre 2007 y 2008. Y fue el último álbum de Lenny Kravitz bajo la discográfica Virgin Records.

En esta ocasión Lenny Kravitz, quien repite una fórmula de éxito de su carrera y recicla ritmos y riffs de previos trabajos, el hard rock psicodélico de finales de los 60 y comienzo de los 70, el funk o el soul de la misma época, y con todo ello Lenny Kravitz logra este magnífico álbum repleto de referentes, que comienza con Love Revolution, dominado por un potente riff distorsionado de hard-rock, que reclama, a un John Lennon, como uno de sus máximos refereremte, una revolución.

Seguimos con Bring It On que conecta claramente con Led Zeppelin en su hard-blues-rock, sin perder aportes psicodélicos. Y en su letra afirma que la fe y las alabanzas a Dios le ayudan a enfrentarse con sus demonios.

Good Morning, con grandes arreglos de cuerdas, que se muestra más optimista en su letra, que toma esa inspiración de The Beatles como del boogie rock.

Love Love Love es un dinámico corte funk-rock con calcos de nuevo de Led Zeppelin, sin olvidar a James Brown, George Clinton o el propio Prince. Dice que no necesita televisión, ni drogas, ni políticas, ni joyas, ni cirugía estética, ni modas de París, ni revistas, ni islas privadas, que estando con su novia y con Dios ya es suficiente, la referencia a dios se repiten en sus letras, dios es de nuevo el centro de If You Want It, corte blues-gospel-rock con sonidos de órgano y combinación de acústica en las estrofas y eléctrica en el estribillo y la intro en donde ya hace proselitismo con consejos de liberación de cadenas y levantamientos de cruces, con invitaciones a que Jesus marque tu camino.

El single I’ll Be Waiting es una hermosa balada de piano, que recuerda demasiado a otros cortes previos de Kravitz, aquí se centra en una mujer que ha sido abandonada por su pareja, y un tercero, el narrador, espera entra en su vida, a destacar la intensidad del estribillo, el crescendo y el puente enfático con uso de cuerdas.

El final del disco es bastante pesado. Will You Marry Me y Dancin’ Til Dawn es funk rutinario; I Love the Rain, balada melancólica con crisis de pareja y paseos por el Sena con estallido emocional en su tramo final, A Long And Sad Goodbye redunda en su baladerismo de piano, ahora casi a lo Lionel Ritchie, con una reprimenda a su padre por abandonarlo cuando era un niño, de nuevo John Lennon flota en el ambiente, This Moment Is All There Is, elegante pero aburrido pop-soul; A New Door, de nuevo con Dios como centro; o Back in Vietman, hace un llamado al belicismo y sus consecuencias con intro de la canción Street Fighting Man de The Rolling Stones.

Un álbum cargado de referencia y guiños a grandes artistas del rock por otro grande y referente del rock como Lenny Kravitz, podría agregar que es un tributo a esos grandes artistas. 

Daniel 

Instagram storyboy 

Grandes éxitos y tropiezos: Helloween

 

Heloween

     Esta semana cambiamos radicalmente de estilo, y para ello traemos a una de las bandas más grandes de Metal de todos los tiempos, considerada como los padres del power metal, siendo además una de las bandas más influyentes para el desarrollo de éste género musical, Helloween. Si en sus comienzos su estilo estaba orientado hacia un sonido como el speed metal, fueron virando en su estilo hasta convertirse en una de las bandas más influyentes de la historia del power metal. Como siempre, en esta sección vamos a indicar nuestras recomendaciones si queréis navegar por la amplia discografía de esta banda alemana, que atesora nada menos que 17 álbumes de estudio y 6 en directo. 

Estás tardando en compralo:

Keeper of the seven keys: part II (1988); Estamos hablando de uno de los discos más importantes de la historia del power metal, un álbum en el que muchas bandas se inspiraron posteriormente. Este brutal trabajo está repleto de himnos como Rise And Fall, March Of Time, Dr. Stein,  I Want Out, Eagle Fly Free o Keeper Of The Seven Keys. Keeper of the seven keys: Part I (1987); Si la segunda parte de éste álbum está considerado como la obra cumbre, no menos importante es este primero de la saga. No olvidemos que el I y II fueron concebidos como un álbum doble y no llegó a salir por la negativa del sello discográfico, por lo que el material salió dividido en dos partes. Un gran disco con mucho peso e influencia en el Metal de los años 80, con temazos como Future World, A Little Time, I'm Alive o Twilight Of The Gods, éste último tema caracterizado por la utilización de sólos de guitarra de gran técnica donde Kai Hansen incluye por primera vez en la historia del power metal la técnica del barrido, llamado sweep Picking, consiguiendo que los 17 sólos de guitarra a dúo de esta canción la conviertan en una obra maestra.  The Dark ride (2000); Es el disco más oscuro y potente de la carrera del grupo, con una excelente producción que corrió a cargo de Roy Z y Charlie Bauerfeind. La banda apostó por un sonido más agresivo que sus anteriores trabajos. Contiene temazos como Mr Torture, I Live For Your Pain y If I Cold Fly. Este disco marcó el final de una época, pues ese sonido potente, rápido y oscuro del álbum generó disputas internas que acabó con la expulsión de la banda de Uli Kusch y Roland Grapow.

Si te queda pasta, llévate también:

Better Than Raw (1998); Un disco con una producción muy cuidada y con un sonido muy atípico para lo que venía haciendo el grupo. El grupo explota muy bien la creatividad con un sonido crudo y unas muy buenas composiciones, entre las que encontramos I Can y Hey Lord entre otras, que hacen de este disco muy apetecible y recomendable. Master Of The Rings (1988); Disco en el que debutaron el vocalista Andi Deris y el baterista Uli Kusch. Una época de cambios no sólo en la formación, también en el sonido del grupo que regresó a las raíces del power metal, estilo que habían abandonado en los trabajos anteriores y que dominan a la perfección. Straight out of hell (2013); Trabajo con un excelente producción, grabado en los estudios Mi Sueño en Tenerife, donde ya habían grabado anteriormente. Contiene otros tantos buenos temas como Nabatea o Wanna Be God, este último dedicada a la figura de Freddie Mercury. 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Chameleon (1993); El último trabajo de la primera etapa de Michael Kiske en la formación, y la salida del baterista Ingo Schwichtenberg. Un disco donde la tónica fue la experimentación musical. Dicha experimentación musical pasaría factura, ya que no fue del agrado de gran parte de la crítica ni de los fans de la banda, donde no gusto ni siquiera la portada del disco. Abandonar el power metal y apostar por otros estilos como el rock, el funk o incluso el pop, no fue una idea muy buena. Keeper Of The Seven keys: The Legacy (2005); Estar a la altura de la las partes I y II de Keeper Of The Seven Keys no era tarea fácil, y con esta tercera parte no se acercaron ni de lejos. Esta tercera parte, concebida más de quince años después, con otro cantante y en una etapa en claro declive de la banda, sólo puede ser entendida con un objetivo puramente comercial. El tema Light The Universe, cantado por Andi Deris a dúo con Candice Night, integrante del grupo Blackmore's Night, es de lo poquito salvable del álbum. Gambling with the devil (2007); Un disco no puede ser juzgado por su portada, pero en este caso no se cumple esa premisa. Este álbum, con esa portada no ayuda, y está relleno de temas normalitos. Esta banda sabía hacerlo mucho mejor, como ya habían demostrado en tantas ocasiones, y así había que exigirle.

Si por otra parte te interesan temas sueltos de la banda, amén de la infinidad de listas que circulan por ahí, recomendamos nuestras cinco canciones top:

1. Eagle Fly Free

2. If I could Fly

3. Ride The Sky

4. I Want Out

5. Dr. Stein

0663.- Into The Mystic - Van Morrison

 

Into The Mystic, Van Morrison

     El 28 de febrero de 1970 se publica el tercer álbum de estudio del aritsta norirlandés Van Morrison, titulado Moondance. Este disco es grabado entre agosto y noviembre de 1969 en los A&R Studios de Nueva York, bajo la producción del propio Van Morrison y de Lewis Merenstein, y publicado bajo el sello discográfico Warner Bros Records.

Con la publicación de su anterior trabajo, Astral Weeks, Morrison obtuvo un amplio reconcimiento por parte de la prensa musical, pero por otro lado los resultados comerciales fueron bastante pobres, llegando a alcanzar el puesto 140 en las listas de Estados Unidos y no llegando a entrar las del Reino Unido. Astral Weeks había sido un éxito creativo, pero por otra parte no daba frutos económicos y Morrison se encontraba entre la espada y la pared. Van Morrison empezó a interesarse por todos los aspectos creativos, artísticos y productivos de su trabajo, desde la grabación hasta la distribución y promoción, lo cual reflejaría en Moondance. 

Con Moondance, Morrison consiguió revertir la situación, consiguiendo alcanzar el puesto número 29 en la lista estadounidense Billboard 200. En 2003 la revista Rolling Stone situó Moondance en el puesto 65 de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos, recolocándolo en el pueso 120 en esta lista editada en 2020. 

Incluido en este disco se encuentra Into The Mystic, una canción escrita por Van Morrison que presenta un tempo tranquilo, a medio ritmo, y que curiosamente se ha convertido en una de las canciones más escuchadas por los médicos mientras operan. La canción habla de un marinero en el mar que piensa en volver con su amante. Más allá de la leera, la canción trata de la busqueda espiritual, temática muy frecuente en el trabajo de Morrison. Hay quien interpreta el tema como una afirmación de que la vida es finita y debe aprovecharse y vivirse al máximo, y una aceptación de su inevitable final. Cuando has visto el mundo y has amado a alguien, no debrías temer el final porque has aprovechado tu vida, has vivido al máximo.

0662 - Cecilia - Simon & Garfunkel

0662 - Cecilia - Simon & Garfunkel

Cecilia es una canción del dúo musical estadounidense Simon & Garfunkel. Fue lanzado en abril de 1970 como el tercer sencillo del quinto álbum de estudio del grupo, Bridge over Troubled Water (1970). 

Escrita por Paul Simon, los orígenes de la canción se encuentran en una fiesta nocturna, en la que el dúo y sus amigos comenzaron a tocar la banca de un piano. Grabaron el sonido con una grabadora, empleando reverberación y haciendo coincidir el ritmo creado por la máquina. Más tarde, Simon escribió la línea de guitarra y la letra de la canción sobre el tema de un amante en el que no se puede confiar.

Simon ha sugerido que la Cecilia del título se refiere a Santa Cecilia, patrona de la música en la tradición católica, y por lo tanto la canción podría referirse a la frustración de la inspiración fugaz en la composición de canciones, los caprichos de la fama musical o en un sentido más amplio. sentir el absurdo de la cultura pop.

La canción generalmente se interpreta como un lamento por un amante caprichoso que causa angustia y júbilo al cantante. Santa Cecilia se menciona en otra canción de Paul Simon, "The Coast" (de su álbum de 1990 The Rhythm of the Saints): "Una familia de músicos se refugió para pasar la noche en la pequeña iglesia del puerto de Santa Cecilia".

La canción fue un sencillo de éxito en los Estados Unidos, alcanzando el puesto número cuatro en el Billboard Hot 100. En el Cash Box Top 100, alcanzó el número uno.

A Cecilia también le fue bien en Canadá, Alemania, los Países Bajos y España, donde alcanzó el número dos, y también en Suiza y Bélgica, donde alcanzó el puesto número tres, aunque no llegó a las listas del Reino Unido, donde fue  lanzado como sencillo unos seis meses después del álbum.  Ha sido objeto de numerosas versiones, sobre todo por parte del cantante Suggs, cuya versión contó con el dúo de ragga Louchie Lou & Michie One y alcanzó el número cuatro en el Reino Unido en 1996.

Daniel 

Instagram storyboy 

0661-. The Boxer - Simon & Garfunkel

 

The Boxer, Simon & Garfunkel

     El 26 de enro de 1970 se publicaba Bridge Over Troubled Water, el quinto y último álbum de estudio del dúo de fol rock estadounidense Simon & Garfunkel. El disco fue realizado durante el mes de noviembre de 1968, donde se grabaron 2 pistas, y durante el mes de noviembre de 1969 donde se grabaron el resto de pistas, entre los Columbia Studio B y E de Nueva York y los CBS Columbia Square de Los Ángeles, ambos propiedad de Columbia Records, quien lanzaría el álbum al mercado. El disco fue producido por el dúo Simon & Garfunkel y por el ingeniero y productor estadounidense Roy Halee.

Simon & Garfunkel, con la ayuda del productor Roy Halee, siguieron el patrón musical de su LP Bookends, apostando por un disco más ambicioso y abandonando en parte su tradicional estilo para incorporar elementos de rock, R&B, gospel, jazz, world music, pop entre otros géneros.

Incluido en éste último trabjo del dúo se encuentra The Boxer, una balada folclórica escrita por Paul Simon, quien ya había escrito parte de la misma en 1968. El tema además de ser publicada en Bridge Over Troubled Water fue lanzado como sencillo en marzo de 1969. La grabación del tema se convirtió quizás en en la más larga y dura del grupo, pues duró más de 100 horas y se llevó a cabo en varios lugares. La segunda parte principal fue grabada en Nashville, en los Columbia Studios enre el 6 y el 8 de diciembre de 1968, la tercera parte final y los metales fueron grabados dentro de la Capilla de St. Paul en la Universidad de Columbia, y las cuerdas en los Columbia Studios. Simon & Grafunkel fueron de los primeros músicos en utilizar grabación de 16 pistas, pero como sólo había dos grabadoras de 8 pistas disponibles, ambas tenían que sincronizarse muy bien de forma manual para producir el sonido de forma correcta y clara. Simon encontró inspiración para esta canción en la Biblia, la cual solía leer a veces en los hoteles. La frases Workman's Wages (salario del trabajador) y Seeking out the poorer quarters (buscar los barrios más pobres) provienen de pasajes de la misma. 

Sobre The Boxer, Paul Simon llegó a afirmar que escribió esta canción cuando los críticos criticaban duramente su música: él era "The Boxer" (El Boxeador). Simon afirmaba que la canción trataba sobre él, y que pasaron unos dos o tres años antes de que la gente se diera cuenta de que eran simplemente dos tipos de Queens que solían cantar rock and roll, y que no eran cantantes puramente de folk.

0660.- El cóndor pasa - Simon and Garfunkel

El cóndor pasa fue en origen una zarzuela peruana escrita por Daniel Alomía Robles en 1913, con libreto en prosa de Julio Baudouin (firmando bajo el pseudónimo de Julio De La Paz). La letra original describe la vida de Frank, un joven que trabaja en un asentamiento minero en los andes peruanos, que no acepta los abusos a los que los mineros son sometidos. “Algo me dice que la vida no es así” se dice a sí mismo. Al final de la obra, la aparición de un cóndor, tras muchos años sin avistar ninguno, es interpretada por los mineros como un presagio de una vida en libertad.

Paul Simon escuchó por primera vez una versión de la melodía de El cóndor pasa en una actuación de "Los Incas" en un teatro de París, en 1965. Simon conectó con los miembros de la banda, llegando a irse de gira con ellos y a producirles su primer álbum publicado en Estados Unidos, y les pidió permiso para usar aquel tema que tanto le había gustado, y que por error consideraban una canción tradicional peruana. Así fue como, en 1970, Simon and Garfunkel grabaron una versión del tema de Los Incas, con el título de El Cóndor Pasa (If I Could) que incluía nuevas letras en inglés y la versión instrumental de Los Incas como base.

La canción aparece en el disco Bridge Over Troubled Water (1970), y el single fue uno de los mayores éxitos del famoso dúo, alcanzando el puesto 18 del Billboard. Debido al error de haberla considerado una canción tradicional y no una zarzuela, Daniel Alomía Robles no aparecía en los créditos de la canción de Simon and Garfunkel, motivo por el que el hijo del compositor interpuso una demanda por derechos de autor, que acabó ganando en un caso judicial de lo más amistoso, porque él era consciente de que la omisión era fruto de un malentendido, y Simon lo asumió con amabilidad y comprensión.

Lo más curioso del caso es que la zarzuela fue escrita para orquesta de cámara y no para instrumentos andinos, pero la versión de Los Incas y, en especial, la de Simon and Garfunkel, han hecho que El Cóndor Pasa permanezca en el recuerdo popular con ese aire de canción tradicional que tanto nos emociona al escucharla, en una nueva vida que quizá un cóndor anunció en algún momento, con su paso majestuoso por encima de las montañas.

Bob Dylan - The Times They Are A-Changin’ #Píldora 7

The Times They Are A-Changin’ esta lleno de sangre hirviendo, crítica las deficiencias de la sociedad y señala con el dedo directamente a una clase dominante injusta que simplemente esta afilando sus cuchillos para el festín industrial militar que están a punto de desatar en el mundo. En 1963 el Sr. Zimmerman estaba experimentando mucha presión indirecta por parte de sus colegas de música folk (y también de la compañía discográfica) que querían que presentara un verdadero álbum de canciones de protesta. y lo que entregó fue su primer álbum compuesto únicamente por canciones originales, y en donde vemos que Dylan esta preparado para todo, no es un álbum tan brillante como el anterior, ya que probablemente adolece de homogeneidad y lo tiñe de un aspecto oscuro que no habíamos visto hasta entonces, el humor de su debut se ha desparecido, ya no hay canciones de amor despreocupadas, aqui solo hay un conjunto de canciones crudas y brillantemente observadas sobre el ambiente tenso en el que Dylan estaba rodeado en los años sesenta.

La letra de 'The Times They Are A-Changin' es excelente y la melodia se convirtió en bandera de un movimiento empeñado en cambiar el mundo para mejor, es un comienzo simple aunque conmovedor del viaje que uno emprende con este álbum. En Girl from the North Country la guitarra es más fina, más cansada, la voz humilde y distante se hace eco del sentimiento lírico de navegar a través de ese océano solitario de alguien a quien amas de verdad, amantes de la larga distancia, prepárense para llorar dulcemente en sus almohadas. The Balad of Hollis Brown es oscura y demoledora hasta la médula, cuenta la historia de un granjero de Dakota del Sur que, abrumado por la desesperación de la pobreza, mata a su esposa, a sus hijos y luego a sí mismo, una canción muy dura y deprimente. Otras destacada es With God on Our Side, de alguna manera es una secuela de Masters of War, criticando la actitud de mente cerrada y desinteresada de la sociedad humana, relacionada con quién tiene el derecho último (en contexto 'Dios') de su lado. Only a Pawn in Their Game advierte sobre los antecedentes de racismo de las élites blancas ricas en los EE. UU., que llevaron al asesinato del activista de derechos civiles Medgar Evers. Dolorosa, honesta y descorazonadora. When the Ship Comes In es una pequeña cancioncilla áspera llena de hermosas imágenes construidas alrededor de la llegada de un barco como metáfora de la victoria, presumiblemente una victoria del movimiento de derechos civiles. Con el disco a punto de acabarse, pasamos a una canción tan trágica como asombrosa, 'La saqué de un periódico y cambié la letra', dijo Bob Dylan sobre esta historia de racismo e injusticia a manos de Billy Zatzinger, un hombre que quitó a una persona de raza negra, de la que habla la canción The Lonesome Death of Hattie Carroll y solo cumplió 6 meses por su crimen, su villanía fue apropiadamente inmortalizada por Dylan. Podiamos seguir mencionando mas canciones pero nos quedamos aqui, si te gustan sus álbumes optimistas, te ofrece varios en su discografía, pero si te apetece algo un poco más sombrío, Dylan lo hace aquí muy bien, puede que resulte un album demasiado serio, y tal vez no haya envejecido tan bien como algunos de sus mejores trabajos, pero sigue siendo una obra genial de Dylan.

Disco de la semana 298: Grand Prix - Teenage Fanclub

Seguro que conocéis o incluso formáis parte de alguno de esos "clubes de lectura" que se forman de manera informal entre amigos o compañeros de trabajo. El proceso es sencillo y sin un gran coste, basta con crear un grupo de Whatsapp y que cada uno recomiende cada cierto tiempo un libro que los demás deberán leer y comentar. Esa fue la idea de la que partió el "club de escucha" Sound and Vision, el grupo que creamos para compartir, escuchar y comentar discos, y que a su vez desembocó en lo que hoy es 7días7notas cuando uno de nosotros dijo: "¿Y si creamos un blog en el que comentar los discos que recomendamos cada semana en Sound and Vision?

Así es como he conocido recientemente a los Teenage Fanclub, banda escocesa formada en 1989 y de gran popularidad en los años 90, y su disco Grand Prix. La recomendación de este viernes pasado me ha llevado a descubrir una banda y un disco de gran calidad, una perla escondida en los mares del no siempre bien valorado power pop. ¿Y cómo es que cometí la torpeza de no conocerles en su momento? Pues porque en aquella época yo solo le hacía ojitos a Prince, Guns and Roses, Blur y Oasis, y ya me vale la tontería, porque al documentarme para esta reseña descubrí que estos últimos llegaron a decir en la época en que salió este disco que Teenage Fanclub eran "la mejor banda del mundo" aclarando a continuación que lo eran "después de nosotros, claro".

Grand Prix no es su obra cumbre, ese honor hay que dejárselo a Bandwagonesque (1991), pero al abrigo del brit pop de mediados de los noventa, con éste su quinto álbum de estudio alcanzaron su mayor éxito comercial y la repercusión mediática que la banda merecía. La fórmula de Grand Prix es tan clara como efectiva: guitarras suaves y rítmicas, efectivos estribillos y armonías vocales que recuerdan a los Byrds o a los Beach Boys, y el típico sonido ligero de las bandas de surf rock de la costa oeste norteamericana, conformado un puñado de notables canciones, entre las que se encuentran algunas de las composiciones más brillantes del grupo, como Sparky’s Dream, con una efectiva intro de guitarra de slide blues, Neil Jung, una de las mejores canciones del disco y de la banda en general, o la delicada balada Tears, todas ellas dotadas de una cuidada producción e intensas melodías, que apoyaban unas letras generalmente sencillas e inofensivas.

El arranque del disco es estelar con About you, la ya mencionada Sparky’s Dream y la bella melodía pop de Mellow Doubt, dando el genial pistoletazo de salida de un álbum consistente y bien producido. Las perlas van cayendo una tras otra y pasando por la línea de meta de este Grand Prix, joyas sin desperdicio como Verosimilitude, la también mencionada Neil Jung, quizá el punto más alto del álbum, los quilates de Going places, la melancolía de Say No o la belleza de la "beatleliana" I'll Make It Clear mantienen el nivel del arranque y hacen que el tiempo pase volando, llegando al final del disco sin que apenas te des cuenta.

Al llegar a la meta, nos encontramos el que quizás sea el único pero que se nos ocurre ponerle a esta obra, que no es otro que la inclusión del extraño experimento de Hardcore / Ballad con el que cierra el disco, mezclando en la misma pista un inicio de rock intenso con un súbito corte al que sigue un tramo final de balada desnuda de guitarra acústica y voz. El guitarreo inicial queda forzado y la mezcla resulta innecesaria e incómoda, pero es quizá el único lunar digno de mención en un disco compacto y sin fisuras visibles. Es solo un tropezón en el último momento, quizá provocado por la distracción de ver ya la bandera a cuadros ondeando en el horizonte, marcando la llegada triunfal de Teenage Fanclub al panorama musical de los noventa, pisando el acelerador en su particular Grand Prix.

0659.- Bridge Over Troubled Water - Simon and Garfunkel

"Bridge Over Troubled Water" no solo es una melodía histórica que demuestra perfectamente el poder de la voz humana, sino que también canaliza algo profundamente espiritual más allá de la naturaleza de su melodía. La mayoría de las otras canciones sobre la amistad y el sacrificio por los demás son insoportablemente empalagosas y a menudo se ven envueltas en tanto fervor nacionalista que se contaminan con los mismos espíritus de intolerancia y odio que profesan disipar (ver "God Bless the USA". "). No le ocurre a "Bridge Over Troubled Water". esta canción tiene la inteligencia y la calidez para reconocer que, mientras que otros tienen una autonomía tal que deseamos respetarlos y no ahogar sus búsquedas de autodescubrimiento, todavía tenemos un placer innato en ayudar a los demás cuando ellos no pueden hacerlo por sí mismos. Dejemos que los cínicos pseudo-filosóficos adoradores de Nietzsche lo denuncien como una debilidad: en algún momento, uno debe aceptar algunos postulados sobre el universo, y elijo aceptar este. "Bridge Over Troubled Water"habla del deseo de la gente de hacer el bien, y es por eso que se ha convertido en el estándar de referencia para los músicos de las tradiciones del jazz, la música clásica, el folk y el teatro musical. Es un monolito musical que está tan perfectamente elaborado como escrito, interpretado y grabado: una de las mejores canciones pop de todos los tiempos. Y es que es increíble, lo primero que te llama la atención es esa construcción lenta durante las primeras cuatro quintas partes, realmente es bellísima, con la voz suave y divina de Garfunkel como núcleo de la canción. El único acompañamiento para esta sección más suave es el piano de Larry Knechtel, que transmite tanta emoción y melancolía a través de su melodía. Para ser honesto, el comienzo del clímax también es fantástico, con esas cuerdas suaves y armonizadas entre el dúo titular. También hay algunos tambores que golpean maravillosamente, tipificando la efusión de sentimientos. Simplemente va un poco demasiado lejos cuando las cuerdas realmente toman el control.

A pesar de una carrera sólida y larga detrás de ellos, y una discografía repleta de múltiples éxitos en las listas de éxitos, "Bridge Over Troubled Water" se destaca como uno de los momentos emblemáticos de Simon & Garfunkel, como uno de los más importantes, sin olvidar que es una de las canciones más reelaboradas (en Jazz, Pop, Classic, lo que sea) que considerando que el duo estaba a punto de desmoronarse tiene un mérito aún mayor. No sé si Simon se dio cuenta de lo enorme que iba a ser esta canción, pero la letra, la melodía y la producción encajan perfectamente. El “niño tenor del coro” encarnado en Garfunkel le da a "Bridge Over Troubled Water" una lectura similar a la de una iglesia, que se vuelve aún más creíble gracias a la interpretación del piano de Larry Knetchel. La canción es extremadamente inspiradora y su sentimiento sobre la necesidad de un verdadero amigo en tiempos difíciles tiene una calidad universal.

0658.- Todo tiene su fin - Los Modulos

 

Los Módulos fueron capaces de reunir en un mismo grupo el pop comercial de los 60 con la música progresiva que era lo que iba a estar en boga en los años 70, así que estamos ante el último gran grupo de los 60 o el primer supergrupo de los 70, no debe extrañarnos, por tanto, que los seguidores del pop español los consideren un grupo pop y los amantes de la música progresiva lo reivindiquen continuamente como uno de los suyos. Lo que parece quedar claro, etiquetas aparte, es que Módulos fue un grupo de gran calidad y estuvo formado por cuatro de los mejores músicos y compositores de su tiempo. Pero a pesar de este cartel, Los Módulos no fue un grupo de unos jóvenes que querían dedicarse al mundo de la música, sino que fue un grupo apoyado desde el principio por una potente casa discográfica. Los Módulos surgen en el Madrid del año 1969, cuando el cantante y guitarrista Pepe Robles (José Robles Martínez, nacido en 1948), quien también se ocupaba de tocar los bongos y de interpretar los instrumentos de viento, como la flauta o el oboe, fue requerido por el productor del sello Hispavox, Rafael Trabuchelli, impresionado por su talento cuando puntualmente formó parte de la banda Los Angeles, para liderar un nuevo conjunto musical. Trabuchelli  apuesta desde el primer momento por el proyecto y proporciona un local de ensayo en los sótanos del mismo edificio Hispavox. Para febrero de 1969, Los Módulos comienzan sus maratonianos ensayos, conformado como un cuarteto con Tomás Bohórquez (órgano Hammond y piano), Emilio Bueno (bajo), Juan Antonio García Reyzabal (batería y violín eléctrico) y el propio Pepe Robles (guitarra y voz). Poco antes del verano del 69 aparece un primer single con “Ya no me Quieres / “Recuerdos” (Hispavox, 1969), el disco se vende bien, está varias semanas en el top 20. Tras el verano se meten en el estudio de grabación para lo que será su primer larga duración. Al final de la grabación Trabuchelli les comenta que el LP queda algo corto de minutaje y el grupo desarrolla rápidamente una nueva canción. Cuando Pepe Robles va a registrar a Autores la nueva canción, se encuentra con que ya ha sido registrada por Reyzabal en solitario. Eso va a producir reclamaciones y pleitos entre ambos músicos. La SGAE toma la decisión salomónica de que aparezca firmada por ambos, aunque Reyzabal siempre reivindicó la autoría en solitario.

El tema en cuestión es “Todo tiene su fin”, seguramente una de las tres mejores baladas del pop español de todos los tiempos. Pura caricia sonora. La cosa se inicia con un órgano eclesiástico al que se une un coro plañidero cargado de eco. La voz destila calidad a cada nota y una complicada línea del bajo la subraya. Un breve solo de guitarra distorsionada que se repite dos veces y un continuo sube y baja en la densidad instrumental que consigue una tensión y reclama la contínua atención del oyente con un final de nuevo con el órgano catedralicio en plena ebullición acompañado por redoble de platos. A destacar la aparición de un par de trompas en el clímax del tema para reforzar al órgano. La letra es un canto a una ruptura amorosa considerada como liberación de una relación en la que se ha dado mucho más de lo recibido. En ella se señala que, aunque el protagonista sigue queriendo a su amante, el alivio obtenido con la separación compensa el dolor. Por favor escuchen esta canción en su versión original. Nunca serán cuatro minutos perdidos, tras escuchar la canción, volverás a tener esperanza, que la realidad existe, y una luz errante ilumina tu habitación. Ya nada importa, déjate llevar como el viento al humo.

Lenny Kravitz "5" - #Mes Lenny Kravitz

Da la sensación de que las críticas nunca han sido del todo benévolas con la música de Lenny Kravitz. Si grababa en analógico, le acusaban de ser demasiado retro y de copiar a los grandes de los 70, y cuando dio el salto a lo digital con este su quinto álbum, le acusaron de querer subirse al carro de la modernidad, cuando el cambio no supuso perder ni un ápice de su particular estilo, y "5" (1998) dejó para la posteridad un buen puñado de singles de éxito, y la sensación de que con aquel disco Lenny había dado un salto hacia la categoría de superestrella llena estadios.

Pero ni con esas. Demasiado irregular, he leído en algún sitio, y os prometo que le he buscado las irregularidades concienzudamente, y lo que he encontrado es una colección de temas de rock, soul y funk con la combinación justa entre su sonido clásico y unos leves y bien escogidos toques electrónicos aquí y allá, para darle al disco un aire mucho más moderno y actual que cualquier cosa que hubiera hecho antes. Eso no me impide reconocer que, como todos los discos, tiene canciones de las que yo habría prescindido, en concreto del innecesario y repetitivo instrumental Straight cold player y algún tema de la parte central del disco (Take time hace especialmente pesada la escucha de esa parte del álbum).

Y ya puestos, habría sido genial que el extra de American Woman, incluido en una reedición del disco menos de un año después, hubiera sido de la partida desde el principio, pero una cosa es pedir más, y otra muy diferente es negar que este disco es uno de los más relevantes de la carrera de Lenny Kravitz, con sus imperfecciones, pero con toda la carga explosiva de temas como el arranque de funk aeroespacial de Live, la fuerza de Supersoulfighter o el ritmo pegadizo y electrónico de Black Velveteen, otro de los singles más destacados del disco.

En contra de mi defensa de "5" podrán decir que no soy objetivo al respecto, y que me dejo llevar por lo que este disco supuso para mí en un momento concreto de mi vida. Y no les faltará razón, pero eso es algo que nos ha sucedido a todos con algunos discos, mejores o peores, que sonaron en el momento justo en el que tenían que sonar. Reconozco que "5" fue la banda sonora de mi primer viaje en pareja (destino Salamanca), y que I belong to you y otras canciones de este disco estaban en la mayor parte de los cassettes que grababa con las canciones que consideraba "nuestras", pero como podéis imaginar, ninguno de aquellos cassettes tuvieron influencia mediática alguna en que Fly Away, la más rockera de las canciones del álbum, fuera número 1 de ventas y se convirtiera desde entonces en una canción imprescindible en sus conciertos, a la altura de hits pasados como Always on the run o Are you gonna go my way.

Otros singles de éxito fueron canciones que formaron también parte de aquella selección de temas más melódicos y calmados que formaron aquel ya desaparecido cassette: If You Can’t Say No, Thinking of You... junto con otros temas que por no ser singles no eran menos relevantes: Little Girl’s Eyes, You’re My Flavor y Can We Find a Reason compartían todos cierto aire cadencioso y crepuscular, cerrando con estilo y elegancia uno de esos discos a los que se cuelga la etiqueta de imperfectos, pero que revitalizó la carrera de Lenny Kravitz en el momento justo, y que al mismo tiempo, fue la banda sonora de mi vida en un momento muy concreto y relevante.

Curiosidades de la vida, tuve la oportunidad de pedirle un autógrafo cuando vino a España durante la gira del disco, en una anécdota en la FNAC de Callao que ya conté en el artículo de presentación del #Mes Lenny Kravitz. Quizá eso haga también más subjetiva mi defensa de este disco. No lo sé, pero cuando leo sobre las críticas que recibió por parte de algunos medios especializados, me dan ganas de buscar mi copia de "5" en la que guardo como oro en paño su firma, para grabarles un cassette con sus mejores temas, y hacérsela llegar junto a una postal de la Catedral de Salamanca. Si con eso no logro hacerles cambiar de opinión, tendré que plantearme escucharlo de nuevo, para seguirle buscando imperfecciones, hasta lograr entender que tienen los discos actuales (no quiero nombrar a nadie) que no tenga más y mejor cualquier disco de Lenny Kravitz o, al menos, cualquiera desde el primero hasta el "5".

0657 - Almost in Love - Elvis Presley

0657 - Almost in Love - Elvis Presley

Almost in Love es una canción grabada por Elvis Presley como parte de la banda sonora de su película de 1968 Live a Little, Love a Little. Luiz Bonfa había lanzado previamente una versión instrumental de esta melodía en 1966 llamada "Moonlight in Rio".

En septiembre de 1968 fue lanzado en un sencillo con la canción "A Little Less Conversation" en el otro lado. Su primer lanzamiento en un álbum fue como la canción principal del álbum económico de Elvis Presley, Almost in Love que apopto su nombre en noviembre de 1970.

 El 1 de diciembre de 1970, el sencillo compuesto por "Almost in Love" y "A Little Less Conversation" fue relanzado como parte de la Serie Gold Standard de RCA Victor junto con otros 9 sencillos de Elvis Presley.

La canción está acreditada a Luiz Bonfá y Randy Starr. Presley sólo la grabó el 7 de marzo de 1968.

Daniel 

Instagram storyboy 

Grandes éxitos y tropiezos: Beck

Nueva edición de "Grandes éxitos y tropiezos", en esta ocasión desgranamos la trayectoria de Beck, autor de varios discos tan geniales como irreverentes, pero que en la búsqueda del cambio y de nuevos horizontes también ha dado algún que otro mal paso en su ya extensa y variada discografía. Así que si vas a una tienda de discos en busca de algún álbum del artista angelino, éstas son nuestras recomendaciones:

Estás tardando en comprarlo:

Odelay (1996), irresistible ya desde el riff inicial de Devils Haircut, su single más reconocible, y uno de los mayores éxitos de Beck. Estamos ante un disco que es un auténtico derroche de creatividad y variedad estilística, con cambios constantes de ritmo y estilo que hacen imposible poder encasillarlo en un género. Country, blues, rock, hip hop y otros muchos estilos se combinan en un puzzle multicolor y atípico que te atrapa con cada escucha, y que no ha perdido ni un ápice de su fuerza y su descaro con el paso de los años.

En esta misma sección incluiría también el disco Sea Change (2002), no solo por la calidad que atesoran sus canciones, sino por el increíble cambio estilístico que supone con respecto a Odelay y otras obras de Beck. Tras una ruptura sentimental, el músico californiano se torna reflexivo y profundo, en un disco sosegado y equilibrado en el que destacan los arreglos de cuerda y los ambientes acústicos, arropando a un Beck que canta como un crooner con el corazón abatido.

Si te queda pasta, también puedes llevarte:

Mellow Gold (1994) Quizá haya otros discos en esta categoría que, en conjunto, sean mejores que éste, pero aquí ya se intuía el camino que condujo hacia Odelay, en las imposibles mezclas de estilos en las que tenían cabida tanto el pop como el rap, el folk, mezclados en una dinámica de sonido low-fi y con un single que es historia del post-grunge de los noventa: Loser. ¿Y cuáles son esos discos que, seguramente, son mejores en conjunto que éste Mellow Gold? Pues en nuestra opinión serían tanto Modern Guilt (2008), que podría denominarse como el álbum psicodélico de Beck, como Mutations (1998), otro ejemplo de lo que el californiano es capaz de facturar cuando se muestra contenido y se acerca al pop elegante y calmado, aunque tenga también tramos en los que la cabra tira al monte y saca su abanico de referencias del country y hasta de la bossa nova (Tropicalia)

Vuelve a dejarlo en el expositor:

En este apartado haremos una referencia general a todos sus discos anteriores a Mellow gold, porque el genio del artista angelino no había encontrado aun el cauce adecuado, y es poco o ninguno el interés de discos como Golden Feelings (1993), Stereopathetic Soulmanure (1994) o One Foot in the Grave (1994), seguramente en ese orden. Y de su obra más reciente, discos como The information (2006) o Morning Phase (2014) son también, en cierta manera, tropiezos que palidecen ante sus grandes obras y ante otras publicaciones de la misma época.

Por último, si hablamos de canciones, con una obra tan extensa habrá listas y gustos para todos los colores. Estas son nuestras cinco canciones top:

1. Loser

2. Devil's Haircut

3. Lost cause

4. The golden age

5. Tropicalia

0656.- Octopus - Syd Barrett

Octopus, grabada originalmente con el título de Clowns and Jugglers, y conocida también por la mención que en su letra hace al disco en el que se incluye (The Madcap Laughs) es una de las canciones más reconocibles de Syd Barrett, que en 1970 grabó su primer disco en solitario tras su compleja salida de Pink Floyd en 1968, asumida por el resto de miembros como necesaria por sus problemas de salud mental, lo cual no impidió que tanto David Gilmour como Roger Waters se implicaran en su proyecto en solitario en tareas de composición, interpretación y producción de los temas. Fue precisamente Gilmour quién, al escuchar la letra de la canción, sugirió que The Madcap Laughs fuera el título del álbum

Según el propio Barrett: "Llevé eso en mi cabeza durante unos seis meses antes de escribirlo, así que tal vez por eso salió tan bien (...) Es como una combinación infalible de letras, en realidad, y luego el coro entra y cambia el tempo, pero mantiene todo unido". Los cambios de "tempo" que menciona son la línea predominante de ésta y otras canciones del disco, ya que su deteriorado estado mental hacía bastante complicado al resto de músicos seguirle y mantener la armonía y el tiempo de las canciones, haciendo de The Madcap Laughs un disco difícil, extraño y peculiar, cuyas sesiones tuvieron que interrumpirse temporalmente para que Barrett ingresara en un hospital psiquiátrico.

Octopus es famosa por tratarse de la única canción de Syd Barrett en solitario que fue publicada como single. Fue lanzada el 14 de noviembre de 1969, dos meses antes del lanzamiento del disco The Madcap Laughs. David Gilmour se encargó de la producción, además de interpretar el bajo y la batería durante la grabación de la canción, en un respetuoso y protector segundo plano que dejó a Barrett al mando de la voz y de las guitarras eléctricas y acústicas de una de sus obras más personales y representativas. Bendita locura, cuando producía canciones como ésta, y maldita en todo el sufrimiento que le acarreó en casi todo lo demás.