Disco de la semana 348: American III: Solitary Man - Johnny Cash

No creo que haya un regreso en la historia de la música que sea tan sorprendente como el de Johnny Cash en 1994, pero escribiré más sobre eso cuando revise American Recordings. Solitary Man sigue formando parte de su racha de grandes discos que provienen directamente de la mejor etapa musical de su vida, los últimos 10 años antes de su muerte. Lo que vemos aquí en este álbum es a un hombre consciente de que es viejo y que su cuerpo no funciona tan bien como antes. Los días del forajido y héroe country Johnny Cash han quedado atrás, aquí está la versión frágil de sí mismo en la que se ha convertido a lo largo de los años (en la que la mayoría de nosotros llegaremos a ser algún día), pero claramente su mente y su espíritu están tan vivos como siempre. American III: Solitary Man, el tercer álbum de Johnny Cash que fue producido y lanzado en el propio sello discográfico de Rick Rubens. En este punto, el 'regreso' de Johnny Cash estaba en pleno apogeo y surtiendo efecto no sólo en los fanáticos de toda la vida sino también en las generaciones más jóvenes de MTV y Grunge. Puse comillas sobre su regreso porque Johnny realmente nunca se fue, aunque la calidad y la honestidad de su música pueden haber sido comprometidas en los años 1980, todavía se vendía muy bien, al menos entre el campo country. En las notas de esta tercera entrega de la serie American Recordings, Johnny Cash escribió: "La canción es lo que importa. Antes de poder grabar, tengo que escucharla, cantarla y saber que puedo hacer que se sienta como mi propia, o no funcionará. Trabajé en estas canciones hasta que sentí que eran mías". Aunque es difícil escucharlo en las canciones más populares que versiona (las apariciones especiales de Tom Petty y Sheryl Crow tampoco ayudan mucho), las oscuras canciones carcelarias y las baladas country que Cash eligió interpretar suenan tan honestas y sinceras como las suyas. La continuación del decente pero algo decepcionante Unchained de 1996, American III: Solitary Man fue ampliamente criticado por los críticos tras su lanzamiento, alegando que el álbum estaba sobreproducido y que las voces a menudo sonaban tensas.

La canción que abre Solitary Man, Won't Back Down de Tom Petty, de hecho suena como más de lo mismo. Quiero decir, es una pista de Tom Petty con Tom Petty cantando coros. Sin embargo, escucha y hay un cambio importante... no hay guitarra eléctrica ni batería. Y eso esencialmente crea la plantilla para la tercera salida de Cash y Rubin juntos. Al igual que los dos primeros, hay una mezcla de canciones modernas de fuentes inusuales, junto con gemas ocultas del catálogo anterior de Cash y números tradicionales que moldearon a Johnny como artista. Pero lo nuevo de este álbum es el énfasis en los arreglos acústicos y un mayor número de duetos, incluida la incorporación de algunos personajes sorprendentes. En las creíbles manos de Cash, la canción principal, “Solitary Man” de Neil Diamond, se reinstala exuberantemente como una balada de country alternativo sin tonterías, recordándonos que su autor alguna vez fue capaz de esto, sin las fanfarronadas exageradas del mundo del espectáculo. El enfoque funciona con una amplia gama de opciones de canciones, quizás lo mejor de todo sin caretas como “Lucky Old Sun”, previamente manejada en versiones desde Broadway hasta bluegrass y Deadhead, pero dulce y contundente desde una mecedora vestido de cowboy. Llega el momento del plato principal, One, la clásica y quizás mejor canción de todos los tiempos que U2 haya grabado queda completamente destruida aquí cuando 'Man in Black' una vez más la hace totalmente suya, es como si el original nunca hubiera existido, la versión de Cash está hecha perfectamente en su estilo tradicional de guitarra acústica, con una voz que brilla de sabiduría y motivación. "Nobody" es la canción perfecta para Cash, considerando especialmente su edad. Aunque Cash no se sentía solo ni miserable como el personaje de la canción, hace un buen trabajo al interpretar a un anciano solitario y gruñón en este tema arropada en una manta de ironia: “¡Y hasta que no obtenga algo de alguien, en algún momento/no tengo la intención de hacer nada por nadie, en ningún momento!” un devastador y afectuoso golpe contra la invisibilidad y el olvido ofrecido por primera vez por otro maestro del disfraz de cantante, The Man In Blackface, Bert Williams. Will Oldham canta junto con Johnny Cash en el coro de "I See a Darkness". Líricamente, esta canción de Bonnie Prince Billy (Will Oldham) del álbum del mismo nombre es una de mis favoritas. Cash y Oldham realmente tienen un gran impacto emocional juntos, es increíble lo que hacen, canciones que han sido antiguas desde antes del nacimiento de Cash, tranformadas en canciones cantadas por esta persona, y que hacen que todas y cada una de ellas resulten brillantes y actuales, tan llena de melancolía que es difícil no quedar atrapado en él mientras lo escuchas, debo admitir que tenía los ojos ligeramente húmedos cuando la escuché por décima vez. Creo que Will Oldham todavía es propietario de esa canción, pero su dueto aquí con Cash hace que sea cosa de dos desde el segundo uno. Otro de los momentos más destacados es "The Mercy Seat" de Nick Cave, que aquí es mucho mejor que el ya excelente original, con su desarrollo oscuro hacia el final que crea magistralmente una atmósfera inquietante y sombría, esta versión de Cash suena claramente diferente a la original, la guitarra acústica, el órgano y el piano son todos oscuros y misteriosos, Cash es muy convincente interpretando el papel de un hombre condenado a muerte. Esta no es la primera vez que Cash canta sobre la pena capital, quizás de manera más memorable a través del humor negro de 25 Minutes to Go. Pero también está la cara 1 de The Sound of Johnny Cash en la que el personaje de cada canción muere al final. La muerte ha estado siempre presente en las canciones de Cash, por lo que, si bien estos álbumes estadounidenses han sido criticados por ser demasiado oscuros, su morbilidad no carece de precedentes.  

La revitalización irónica (y conmovedora) que una lectura madura puede darle a una canción de un joven no es más evidente que en la lectura de Cash de “Would You Lay With Me (In A Field Of Stone)”. Escuchar a este hombre de 68 años probar un posible amor por ser verdadero antes de entregarse a ella es más convincente y de alguna manera más “inocente” de lo que podría haber sido la versión adolescente de Tanya Tucker y David Allan Coe (el autor de la canción). estado. De todos modos, la canción es casi una canción de cuna infantil, y aquí es inolvidable. Luego viene una aparicion de un invitado notable, Sheryl Crow y June Carter Cash cantando junto con Johnny en Field of Diamonds. Cash me rompe el corazón una y otra vez cada vez que escucho 'Before My Time', en ella encuentra puntos en común con aquellos que vinieron antes que él y cantaron sobre “sangre sobre sangre”, y con aquellos que han venido desde entonces, algo menos común para los viejos campesinos. "Nada ha cambiado excepto los nombres", nos dice. Es la única canción original nueva que se encuentra aquí y es un tema sombrío y pacífico. La guitarra de Johnny pasa a un segundo plano aquí y su voz es lo más destacado aquí, lo que la convierte en una de las mejores del álbum. "Country Trash" y "I'm Leavin' Now" provienen de sus álbumes olvidados de los años 70 y 80, y ambos son muy divertidos, el primero autocrítico y el segundo desafiante, ambos manteniendo un gran sentido de humor, calidez y personalidad sobre ellos, es prima de “Million Dollar Bash” de Dylan y de las fuentes antiguas que lo inspiraron. Si bien es un poco floja, también es absolutamente encantador y tradicional. Luego, escondidos al final hay dos números aún más antiguos que los tradicionales del primer lado. En el final encontramos Mary of the Wild Moors, una canción británica de principios del siglo XIX sobre una mujer traicionada que se queda sola con su hijo. El otro original que se destaca es “I'm Leaving Now”, que reúne, por fin, a Cash y su amigo y compañero, el viejo Merle Haggard. Me vienen a la mente los enfrentamientos en pantalla “por fin, años después” de Charlie Chaplin y Buster Keaton en Limelight, o el Pato Lucas y el Pato Donald en Roger Rabbit. Esta vez no es una batalla de chicos malos, sino una cómica doble sacudida de lucha “a la salida”, y no parece que ninguno de los dos lo sea. Y el tema final, Wayfaring Stranger, es un himno estadounidense del siglo XIX que recupera el tema tan visitado de Cash de cruzar el Jordán hacia la paz después de la muerte.

American III: Hombre solitario es tan digno como cualquier otro álbum de la serie American Recordings para un fanático de Johnny Cash o incluso para alguien nuevo para él. Y aunque puede que no tenga tantas canciones reconocibles al instante como otras suyas, es un álbum excelente en el que Cash obviamente puso todo su corazón y realmente lo demuestra. Ya sean versiones bien hechas, clásicos originales de Cash o canciones nuevas, cada una está llena de pasión y sabiduría, lo que crea una de las músicas más emotivas, inspiradoras y conmovedoras que existen de la leyenda que es Johnny Cash.

Disco de la semana 342 - Small Change - Tom Waits

Small Change ("Pequeño cambio"), el cuarto álbum de estudio de Tom Waits, es como su nombre indica un "pequeño gran cambio" en su discografía. Publicado en septiembre de 1976 con la discográfica Asylum Records, superó con creces las ventas de cualquiera de sus anteriores tres discos, e impulsó a Waits a la altura de los grandes cantautores estadounidenses del momento, una posición de la que ya no se bajaría, convirtiéndose en una figura de culto para muchas generaciones de músicos y oyentes posteriores. Como resultado del espaldarazo comercial del disco, Waits montó The Nocturnal Emissions, una "big band" de apoyo para que el álbum luciera convenientemente en directo, en la consiguiente gran gira por Europa y Estados Unidos.

Con la gira y las ventas del disco, podría decirse que, efectivamente, los tiempos estaban cambiando, y Waits empezaba a jugar en las grandes ligas. Buena culpa del éxito del álbum la tuvo que fuera grabado y producido a imagen y semejanza de las grandes grabaciones de jazz de los años cincuenta, con Tom Waits cantando y tocando junto a una gran orquesta de jazz en la misma sala de grabación, lo que sin duda se refleja en la cercanía y la autenticidad del sonido. La influencia musical del jazz no se quedó solo en el método, sino que impregnó también el estilo de las canciones, que basadas en su mayor parte en piano, bajo, batería y saxofón (con ocasionales arreglos de cuerda) y acompañando a la áspera y taciturna voz de Waits, beben de las fuentes de artistas de la talla de Louis Armstrong, Dr. John o Howlin' Wolf, distorsionadas y retorcidas tras pasar por el tamiz de unas letras y una atmósfera más propias de un relato de Charles Bukowski.

Otra gran responsable del éxito del disco fue la canción con la que da comienzo, el tema "Tom Traubert's Blues (Four Sheets to the Wind in Copenhagen)", basado en la célebre canción australiana "Waltzing Matilda" (1890), y por la pista que nos da el subtítulo (Cuatro sábanas al viento en Copenhage), la letra parece basarse en los recuerdos de una noche de fiesta en la capital danesa junto a la cantante local Mathilde Bondo, según comentarios del propio Waits durante un concierto en Sidney en 1979: "Conocí a esa chica llamada Matilda, y bebí demasiado aquella noche." La propia "Matilda" confirmó en una entrevista de 1998 que acompañó a Waits durante una noche de alcohol y fiesta por los bares de la ciudad, pero en 2006 Waits dio un giro al significado de la canción, declarando que Tom Traubert era un "amigo de un amigo que había muerto en prisión".

Durante la grabación del disco y la gira, Tom Waits bebía cada vez más, y el pesimismo y la depresión resultantes de ese estado de embriaguez bohemia y casi constante se filtran también a lo largo de las canciones de Small Change, especialmente en la cínica y aguda "The Piano Has Been Drinking (Not me)" (El piano es el que ha estado bebiendo, no yo") o en la honesta y casi humorística confesión alcohólica de "Bad Liver and a Broken Heart" (Mal hígado y un corazón roto"). Son dos canciones en las que la broma alcohólica prevalece, pero Waits era consciente de que el camino de la botella no iba a llevarle a un buen destino, y con Small Change buscó en realidad todo lo contrario a la broma fácil, describiendo el oscuro y desolado mundo de privación que iba asociado con la adicción al alcohol, contando las penurias de sórdidos y desafortunados perdedores, prostitutas y strippers. En sus propias palabras: "No hay nada gracioso en un borracho (...) Terminé diciéndome a mí mismo que cortara esa mierda".

Quizá con ese objetivo, y tras "Small Change (Got rained on with his own)", la pieza que da título al disco, la última de las canciones del álbum puede ser vista como un rayo de esperanza. En "I Can't Wait to Get Off Work (And See My Baby on Montgomery Avenue)", minimalista pieza de voz, bajo y piano inspirada en el primer trabajo de Waits en una pizzería de San Diego, el sentimiento y el mensaje son, por una vez, positivos, y el protagonista simplemente está como loco por terminar su jornada, para poder reunirse con su novia y salir por ahí, como si solo fuera necesario un pequeño cambio para que un mal día se convirtiera en uno mágico, o para que la oscuridad le diera al fin paso a la luz. Solo es un pequeño cambio en un gran disco, firmado por uno de los compositores más grandes y más malditos de la historia de la música estadounidense.

Disco de la semana 300: Transformer - Lou Reed

Recuerdo perfectamente el momento en que me compré el Transformer de Lou Reed, un día cualquiera mientras rebuscaba entre los cd's de "Discos La Metralleta" en un sótano del centro de Madrid, cuando podías encontrar allí casi cualquier cosa que buscaras al asequible precio de 6 euros. Al ver a Lou Reed sombreado en amarillo y negro en la carátula pegué un respingo, y emocionado lo abrí para ver si el cd interior estaba en buen estado. Sorprendentemente, el cd era completamente plateado y sin ninguna inscripción o dibujo que demostrara que se trataba realmente del mejor disco del "poeta de Nueva York" y no de otro disco cualquiera, que por equivocación hubiera terminado en esa caja, y aunque la explicación más probable era que se tratara de un cd grabado, yo estaba tan cegado por la emoción que aquello me pareció un mal menor.

Para resolver mis dudas, me dirigí al mostrador de la tienda y le mostré al dependiente el extraño cd plateado y sin leyenda alguna, como si de un platillo volante extraterrestre se tratase. El hombre de la tienda, no sé si disimulando para no perder una venta, o igualmente abducido por el extraño objeto, lo puso en un reproductor de cd's para resolver el misterio. Cuando Vicious empezó a retumbar por toda la tienda, supe que ese disco acabaría en mi mochila, porque original o no, contenía una obra maestra histórica. Con las afiladas y distorsionadas guitarras glam rock de Reed y Mick Ronson aún sonando de fondo, en el que era el tema de sonido más Velvet Underground del disco, el dependiente me ofreció una rebaja para compensar por el cd interior, dejándolo en 5 euros. Quizá eso fuera una prueba más de que el cd era grabado, pero a mí ya me daba lo mismo, era más grande mi "vicio" por aquel disco que cualquier otro pensamiento más coherente al respecto.

El dependiente siguió probando el disco y saltó a la pista dos. Andy's Chest sonó entonces por los altavoces de la tienda, pero Andy "sacó pecho" solo unos segundos, apenas los necesarios para que la canción, de un corte más acústico que la anterior y aderezada con los coros del propio Bowie, fuera reconocible. Una vez comprobada, el dependiente saltó a la tercera pista, y el solemne y taciturno piano de Perfect Day inundó de notas el viejo sótano. Una canción tan tremenda es capaz, por si sola, de salvar el peor de los días y hacerlo perfecto, y no puede ser rechazada por la simple sospecha generada por un cd más plateado de lo normal. Los arreglos de violines y la solemnidad del estribillo tienen la firma del mejor Bowie, pero en la voz de Reed, más melódica que nunca, y en la solemnidad y la épica del estribillo, el tema adquiere una profundidad sin precedentes.

Ya en casa, y escuchando el disco al detalle, la combinación de las guitarras sucias de Lou Reed y el toque brillante que le dan a las canciones la producción y las aportaciones de David Bowie me resultaron todavía más evidentes, y me reafirme en que estaba ante una auténtica joya irrepetible, aunque no exenta de momentos menos inspiradores como en Hangin' Round, que como su nombre indica no es más que un divertido intento de "dar vueltas" sobre el concepto de las estrellas de rock clásico y callejero con las que Reed se relacionaba en The Factory en los tiempos de Andy Warhol y la Velvet Underground. Es solo un respiro más o menos prescindible, antes de llegar a uno de los momentos cumbres del álbum y de la carrera del neoyorquino, la excelsa Walk on the wild side, una historia sobre travestidos, fracasados y otros personajes condenados a transitar por el "lado salvaje de la vida", con una letra que es casi cinematográfica y en la que la intensidad del bajo, los coros femeninos y el solo de saxofón son tan legendarios como la propia letra, sin duda una de las mejores de su carrera.

Make Up aporta el toque cabaretero a un disco canalla y oscuro. Los arreglos de tuba de Herbie Flowers la convierten en otra rareza más del disco y de la obra de Reed, aunque su posición en el disco perjudique a su reputación y su calado, porque a la sombra de dos gigantes como Walk on the wild side y Satellite of love palidece bastante. De esta última destaca sobremanera la progresión que va teniendo, pasando de manera sublime de una austera base de piano y un tema de corte melancólico, a un tramo final en el que la épica vocal de los coros de Bowie la convierten en una odisea espacial y grandiosa. Tras ella, el disco va bajando el ritmo al ver ya cercana la estación de destino del viaje, y la "rueda del vagón" suelta chispas de rock eléctrico y acústico en Wagon Wheel, en la que vuelven a aparecer unos coros femeninos, algo poco habitual en un disco en el que predomina la dupla vocal de Reed en la voz principal y las apariciones esporádicas de Bowie en los coros.

Tras el paréntesis de New York Telephone Conversation, una anecdótica pieza de relleno en clave de comedia teatral con base de piano, sobre la ligereza y los cotilleos de las conversaciones telefónicas, llega la traca final con dos canciones tan contrapuestas como brillantes: I'm So Free es el rock alegre y vitalista, y la libertad y la alegría de su letra y de sus arreglos contrasta con el tono sombrío y bohemio de Goodnight Ladies, más cercana a las canciones ebrias y cabareteras de Tom Waits, en la que la tuba hace de nuevo su aparición en el disco, y el saxofón se luce junto a la voz profunda y deprimida de Reed.

Al ponerlas juntas al final del disco, es como si fueran parte de una misma escena cinematográfica, que comienza en un estado de alegría y optimismo extremos, que a lo largo de la noche se van transformando en decepción y resignación, como si el "día perfecto" de esa otra gran canción del disco no terminara como habríamos esperado, y solo quede volver a casa haciendo eses y apoyándose en cada farola del camino, con la esperanza de que, a la mañana siguiente, el nuevo día sea aún más perfecto, los cd's plateados sean claramente auténticos, y los dependientes sigan haciendo buenos descuentos. Hasta entonces, y como dice el bueno de Lou Reed para cerrar este enorme disco: ¡Buenas noches, señoritas!

Bob Dylan - The Times They Are A-Changin’ #Píldora 7

The Times They Are A-Changin’ esta lleno de sangre hirviendo, crítica las deficiencias de la sociedad y señala con el dedo directamente a una clase dominante injusta que simplemente esta afilando sus cuchillos para el festín industrial militar que están a punto de desatar en el mundo. En 1963 el Sr. Zimmerman estaba experimentando mucha presión indirecta por parte de sus colegas de música folk (y también de la compañía discográfica) que querían que presentara un verdadero álbum de canciones de protesta. y lo que entregó fue su primer álbum compuesto únicamente por canciones originales, y en donde vemos que Dylan esta preparado para todo, no es un álbum tan brillante como el anterior, ya que probablemente adolece de homogeneidad y lo tiñe de un aspecto oscuro que no habíamos visto hasta entonces, el humor de su debut se ha desparecido, ya no hay canciones de amor despreocupadas, aqui solo hay un conjunto de canciones crudas y brillantemente observadas sobre el ambiente tenso en el que Dylan estaba rodeado en los años sesenta.

La letra de 'The Times They Are A-Changin' es excelente y la melodia se convirtió en bandera de un movimiento empeñado en cambiar el mundo para mejor, es un comienzo simple aunque conmovedor del viaje que uno emprende con este álbum. En Girl from the North Country la guitarra es más fina, más cansada, la voz humilde y distante se hace eco del sentimiento lírico de navegar a través de ese océano solitario de alguien a quien amas de verdad, amantes de la larga distancia, prepárense para llorar dulcemente en sus almohadas. The Balad of Hollis Brown es oscura y demoledora hasta la médula, cuenta la historia de un granjero de Dakota del Sur que, abrumado por la desesperación de la pobreza, mata a su esposa, a sus hijos y luego a sí mismo, una canción muy dura y deprimente. Otras destacada es With God on Our Side, de alguna manera es una secuela de Masters of War, criticando la actitud de mente cerrada y desinteresada de la sociedad humana, relacionada con quién tiene el derecho último (en contexto 'Dios') de su lado. Only a Pawn in Their Game advierte sobre los antecedentes de racismo de las élites blancas ricas en los EE. UU., que llevaron al asesinato del activista de derechos civiles Medgar Evers. Dolorosa, honesta y descorazonadora. When the Ship Comes In es una pequeña cancioncilla áspera llena de hermosas imágenes construidas alrededor de la llegada de un barco como metáfora de la victoria, presumiblemente una victoria del movimiento de derechos civiles. Con el disco a punto de acabarse, pasamos a una canción tan trágica como asombrosa, 'La saqué de un periódico y cambié la letra', dijo Bob Dylan sobre esta historia de racismo e injusticia a manos de Billy Zatzinger, un hombre que quitó a una persona de raza negra, de la que habla la canción The Lonesome Death of Hattie Carroll y solo cumplió 6 meses por su crimen, su villanía fue apropiadamente inmortalizada por Dylan. Podiamos seguir mencionando mas canciones pero nos quedamos aqui, si te gustan sus álbumes optimistas, te ofrece varios en su discografía, pero si te apetece algo un poco más sombrío, Dylan lo hace aquí muy bien, puede que resulte un album demasiado serio, y tal vez no haya envejecido tan bien como algunos de sus mejores trabajos, pero sigue siendo una obra genial de Dylan.

El disco de la semana 290 - Freedom, Neil Young

¿Quién no ha escuchado alguna vez la frase: "Hay dos tipos de personas..."? Tras los puntos suspensivos, suelen aparecer dicotomías muy variadas, del tipo: "Los que hacen esto o aquello y los que no", como si realmente fuera posible clasificar a la humanidad en dos categorías opuestas. Sin estar de acuerdo la simplificación que implica, voy a permitirme utilizar esta manida frase para referirme en esta reseña a "dos tipos de personas: Los que conocen a Neil Young y los que no".

En el grupo de personas que conocen a Neil Young se incluiría, por poner un ejemplo, William Ruhlmann de Allmusic, escribió: "Neil Young es famoso por desguazar álbumes completos y sustituirlos por otros rápidamente grabados con estilos radicalmente diferentes", y la frase describe a la perfección el collage que se despliega al poner el disco Freedom (1989) en el tocadiscos. Por un lado, el hit Rockin' in the free world, un tema musicalmente alejado de otros de los temas que componen el álbum, incluido aquí en sendas versiones acústica (abriendo el disco con un corte en directo) y eléctrica (cerrando magistralmente el disco), en un formato similar al que aplicó en el disco "Rust Never Sleeps" con la canción "Hey Hey, My My (Into the Black)".

Por otro lado, los temas Don't Cry, Eldorado y On Broadway (versión del tema soul escrito por Barry Mann, Cynthia Weil, Jerry Leiber y Mike Stoller) fueron publicados previamente en el EP Eldorado, y son ejemplos del sonido que Young creó a medio camino entre la claridad acústica y la distorsión y el feedback del grunge, mientras que otros dos temas del álbum incluyeron una sección de vientos, algo atípico e inusual en la discografía de Young, y alejado del estilo de las otras canciones del disco.

Publicado por Reprise Records, y pese a notarse en la escucha que se trataba de una selección de canciones de diferentes proyectos, Freedom cosechó críticas muy positivas y supuso un renacimiento comercial para Young tras una década de fracasos comerciales y enfrentamientos con su anterior discográfica (Geffen Records). El single principal (Rockin' in the Free World, versión eléctrica) es el single de mayor éxito de la carrera de Young, que se convirtió además en un himno contra la administración de George H. W. Bush, y una versión de la canción fue incluida en los créditos finales de la película de Michael Moore Fahrenheit 9/11. No more fue el segundo single, cosechando también buenos resultados aunque no a la altura de la canción estrella del disco.

No puedo terminar esta reseña sin hablar del otro grupo de personas, los que no conocen a Neil Young. Parece difícil de creer, pero existen. Un buen ejemplo sería un amigo y compañero que me llamó desde el concierto Rock in Rio el año que se celebró en Arganda. Tras acordar dónde nos veríamos cuando yo llegara al concierto, le pregunté quién estaba actuando en ese momento, porque se escuchaba de fondo y no conocía la canción que estaba interpretando. Su respuesta fue: "No sé. Es un abuelo tocando la guitarra". El abuelo era Neil Young y el tema era Rockin' in the Free World, versión acústica. Si os parece, le perdonamos a mi amigo el pecado cometido, y nos quedamos con el recuerdo de esa mítica canción, incluida por partida doble en un disco de imprescindible escucha.

Grandes éxitos y tropiezos: Lou Reed

Vamos con una nueva entrega de "Grandes éxitos y tropiezos", el manual perfecto para enfrentarse a la primera compra de un disco de ese grupo o artista que, por avatares del destino, acabes de descubrir. Hoy te daremos algunas pautas sobre que disco elegir del "poeta de Nueva York" en solitario. Ladies and Gentleman, estos son los grandes éxitos, y algún que otro tropiezo, de Lewis Allen Reed, más conocido como Lou Reed:

Estás tardando en comprarlo:

Transformer (1972), su segundo disco en solitario, es sin duda su obra maestra, un álbum a la altura de los mejores discos de su etapa anterior con la Velvet Underground. Buena culpa del resultado recae en David Bowie, que produjo el disco y participó en los coros, y de algunos de sus músicos de acompañamiento, como el guitarrista Mick Ronson o el bajista Herbie Flowers, que participaron en la grabación del disco. En Transformer, Lou Reed se aleja del rock oscuro y experimental, acercándose con éxito al glam rock en temas como Vicious, y entregando algunos de sus mayores éxitos como la descomunal Walk on the wild side, la melancólica Perfect Day o la excelsa Satellite of love, en la que los coros de Bowie son simplemente grandiosos.

Si te queda pasta, llévate también:

Berlín (1973), su tercer álbum publicado en solitario, producido por Bob Ezrin, que años más tarde produciría el disco The Wall de Pink Floyd, contó con la colaboración de músicos como Jack Bruce o Steve Winwood, entre otros, y aunque no tiene la fuerza y la inmediatez de Transformer, es una ambiciosa e interesante obra conceptual sobre una pareja de drogadictos. Temas como Lady Day, How Do You Think It Feels, Oh, Jim, Sad Song o Caroline Says II (en la que se encuentra el verso "It's so cold in Alaska" por el que Olvido Gara adoptó su famoso pseudónimo) se cuentan entre las mejores canciones de su discografía y eran habituales en sus conciertos.

Vuelve a dejarlo en el expositor: Vuelve a dejarlo en el expositor: 

Lulú (2011), grabado por Lou Reed junto a los todopoderosos Metallica en el que sería el último trabajo del músico en vida, y basado en la ópera Lulú y en la obra del dramaturgo alemán Frank Wedekind, se resiente por la falta de entendimiento y de química entre dos estilos musicales completamente diferentes. El artista y la banda nunca llegaron a encajar en este trabajo, dando como resultado un batiburrillo sonoro totalmente deslavazado e incoherente, en el que cada uno parece ir por su lado, como en aquella actuación de los Oscar de Hollywood en la que Antonio Banderas y Santana parecían estar interpretando cada uno una canción diferente mientras juntos versionaban "Al otro lado del río" de Jorge Drexler.

Y como "Lulú" podría entenderse como una colaboración con Metallica más que un disco propio, incluimos en esta sección también a Metal Machine Music (1975), su quinto álbum de estudio, considerado uno de los peores discos de la historia, y hay que decir que Reed se trabajó ese apelativo a conciencia, ya que su intención era precisamente entregar por compromiso una auténtica colección de distorsiones y ruidosos acoples de guitarra, una auténtica cacofonía abstracta y carente de toda lógica que para muchos oyentes fue una auténtica burla. A pesar de todo, Reed siempre defendió que no era un disco con el que buscara defraudar a los que lo compraran o burlarse de la compañía discográfica (RCA), que le obligaba por contrato a publicar un disco más,  y que se vio obligada a editarlo, pero lo hizo con solo 1.500 copias. La escasez de ejemplares disponibles lo convirtieron rápidamente en un objeto de culto, por el que a día de hoy se pagan cantidades astronómicas. Pero insistimos, esa es solo una razón más para que vuelvas a dejarlo en el expositor, y no dañes tu bolsillo y, lo que es peor, tus oídos con semejante artefacto sonoro.

Por último, si lo que buscas son canciones sueltas, este es nuestro "top five" de Lou Reed en solitario:

1- Walk on the wild side

2- Sweet Jane (versión en directo de Rock and Roll Animal)

3- Perfect Day

3- Satellite of love

5- Street Hassle (con Bruce Springsteen)

Disco de la semana 224: Songs of Leonard Cohen - Leonard Cohen

 

Este álbum debut de Leonard Cohen es uno de mis álbumes favoritos y es quizás el álbum más perfecto jamás grabado. Es perfecto en el sentido de que prácticamente no hay pasos en falso y cada canción es genial y memorable (al menos). Como ha señalado el propio Bob Dylan, lo que la gente tiende a olvidar con Cohen es su talento para la melodía, así como su lirismo, y ese es un factor importante en el éxito de este álbum. Su poesía no tiene rival, como sabemos, pero piensa en la progresión melódica de Sisters of Mercy , o en el optimismo melancólico que irradia Master Song, donde las palabras informan el tono, pero la música también dirige sutilmente esas emociones…. aunque la mayoría de sus cualidades están más allá de toda descripción, y realmente solo necesitan ser escuchadas y sentidas por ellos mismos. Solo hablaré de todas las canciones.

 

Empieza el álbum con Suzanne, la canción perfecta, es difícil encontrar a alguien que no le guste este tema, pero tiene su lógica, con ese aire cadencioso al cantar/recitar y esa guitarra que de fondo acurruca la voz como las olas del mar. Estamos quizás antes una de las mejores canciones sobre el amor y la amistad nueva ¿cómo no podría ser así con letras de amor como "Ha tocado tu cuerpo perfecto con su mente" envuelto en mística de este estilo “te enseña dónde buscar entre la basura y las flores" y por supuesto ese verso demoledor "Jesús era un marinero".  Toda en ella roza la excelencia. Con Master Song pasa a un estado más intenso, es un tema mucho más difícil de descifrar líricamente, pero me gusta casi tanto como Suzanne, nos entregamos a ella con un estado de ánimo destruido, con esa melodía y, sobre todo, de nuevo por la poesía. Es difícil describir qué tiene de genial esta canción, pero se destaca incluso en este álbum perfecto. Winter Lady es ligera y corta en comparación con la mayoría de las canciones del álbum, pero es igualmente inquietante. "Señora viajera, quédate un rato hasta que termine la noche / Solo soy una estación en tu camino, sé que no soy tu amante".

 

The Stranger Song es una tapada entre tantas obras maestras en el álbum y lo hace de manera sencilla, solo con la voz, unos pequeños toques de guitarra, pero adornada con una letra realmente desgarradora e inquietante, hay que detenerse con delicadeza en el tema y saber disfrutar de esta pequeña obra oculta, prepárate a sentir con la voz de Cohen. Sister of mercy, podría ser mi segunda canción favorita del álbum y es que te detienes en la letra y te abrumas " Se tumbaron a mi lado, me confesé ante ellas, Tocaron mis ojos y yo toqué el rocío en sus ropas, Si tu vida es una hoja que las estaciones arrancan y condenan, Te cegarán con un amor que es delicado y verde como un tallo ".

Letras como esa son la razón por la que la poesía en la música es tan genial. El mensaje llega de una manera que puede aplicarse a la vida de casi cualquier persona y las palabras en sí mismas están tan perfectamente sintonizadas con la música que las palabras se convierten en música. El arreglo musical, con zanfona, acordeón y cuerdas ligeras, realmente lo hace interesante y hace un buen trabajo al aumentar la melodía sin abrumarla. También le dan un cierto tono de celebración a la pieza, aunque no estoy seguro de si pretendía ser irónico o no. Escuchar algo así de feliz de Cohen sería simplemente extraño, ya ves... So Long Marianne es la canción más "optimista" del álbum, lo que significa que cuando no tengo cuerpo para la tristeza del resto de las canciones, esta es la que me da por cantar al viento- Parece tener un toque escocés, y tiene cantantes de coros femeninas que se suman a la canción perfectamente. "Te fuiste cuando dije que tenía curiosidad / nunca dije que era valiente".

Hey, that's no way to say goodbye, es una de las canciones más conocidas del álbum aunque reconozco que personalmente no me parece de lo mejor, quizás la aúpa que sea un tema más “fácil” y por momentos puede parecer cursi, pero Cohen ha sabido darle su toque y convertirla en un una canción inquietante, espiritual y honesta. Stories of the Street puede ser también una de las canciones que a priori te puede atraer menos del álbum, quizás una de las más planas, si bien hay que entender que venimos de un nivel muy alto, pero, aun así, basta bucear un poco en su letra para terminar estremecido… “Con una mano en un hexagrama, y una mano en la chica, hago equilibrio sobre el pozo de los deseos al que todos los hombres llaman el mundo. Somos muy pequeños entre las estrellas, muy largo es el cielo; y perdidos entre las multitudes de los subterráneos, intento llamar tu atención”.  Teachers es otra joya escondida. Nunca una canción sobre tener problemas para conocer mujeres, parecía tan dolorosa, profunda y honesta. One of Us Cannot Be Wrong, es probablemente la canción más "deprimente" de este álbum ya de por sí deprimente. Es un gran acercamiento a los dolores y frustraciones del amor. La letra de cierre y la dolorosa armonización del tono desafinado al final, ponen un gran remate a este álbum perfecto.

 

 

 

 

Un país, un artista: Italia - Franco Battiato

 Italia es un país donde la canción ha estado presente en toda su historia, pero nos vamos a detener en una de las personalidades más eclécticas y originales en la escena italiana en las últimas décadas, ha pasado por múltiples estilos musicales: inicios románticos, música experimental, vanguardia culta, ópera, música étnica, rock progresivo y música pop siempre logrando plasmar un gran éxito de público, construyendo una carrera inigualable, que también lo ha visto probar suerte en la dirección cinematográfica. 

Nacido el 23 de marzo de 1945 en la provincia de Catania, después de la muerte de su padre decide mudarse a Roma y posteriormente a Milán en 1965, donde publica dos singles para la revista de rompecabezas Nuova Enigmistica Tascabile, que incluía discos de canciones famosas interpretadas por cantantes poco conocidos, que hoy tienen un valor de colección muy alto. En estas dos ocasiones, el artista aparece con el nombre de Francesco Battiato.

Dos años después, en 1967, auspiciado por Giorgio Gaber se incorpora a la línea musical de "protesta" que estaba muy de moda en ese momento. El primer single que grabó oficialmente fue “La torre” seguido de “El mundo va así” y fue presentado en el Festival de San Remo en 1967. En 1968 cambió de compañía discográfica, se mudó a Philips y también abandonó el género de la protesta para grabar discos románticos más inmediatos y fáciles de usar. En 1969 participó con excelentes resultados en la Disco para el verano con la canción "Bella ragazza" (con él también estaba otra cantante destinada a hacerse famosa, Fiorella Mannoia). Será el encuentro con el músico de vanguardia Juri Camisasca para dar un primer giro brusco a su carrera. En 1970 colaboró ​​en uno de los pocos experimentos de rock psicodélico italiano con el grupo Osage Tribe, autor de un solo álbum del mismo nombre, pero legendario, cuya portada (que representa la cabeza de una muñeca con la boca sangrando) hizo historia. Desde 1971 se dedicó a la música experimental con un amplio uso de la electrónica con una serie de álbumes legendarios para el sello Bla-Bla: Fetus (1972), Pollution (1973), On las cuerdas de Aries (1973), Clic (1974) y M.elle le Gladiator (1975).  En 1976 se traslada a Ricordi y se dedica a la vanguardia culta con tres discos muy poco vendidos pero apreciados por la crítica: Battiato (1977), Juke Box (1978) y L'Egitto prima delle sabbie (1978). Con Zâ, un experimento con un solo acorde repetido en el piano, en 1977 ganó el premio Stockhausen de música contemporánea.

Con el paso a EMI en 1979 vuelve a la canción con ecos orientales sin ceder nunca al gusto imperante, y obtiene un extraordinario y merecido éxito de público en álbumes como La era del jabalí (1979 ), Patriots (1980), La voce del padrone (1981, las primeras 33 rpm italianas en superar el millón de copias vendidas), Noah's Ark (1982), Lost Horizons (1983), Mondi faranissimi (1985), Fisiognomica (1988), Giubbe rossa (1989, su primer disco en directo), Like a camel in a gutter (1992), Cafè de la Paix (1993) y El paraguas y la máquina de coser (1994), último disco de EMI, realizado sobre textos de la el filósofo Manlio Sgalambro, quien luego se convertirá en su colaborador más cercano.

 

Varias de sus canciones han entrado de lleno en la historia de la música, no solo la italiana: basta mencionar La era del jabalí, El rey del mundo, Up patriots to arms, Nevskji Prospect, White flag, Permanent center of gravity, Cuccuruccuccu, Radio Varsovia, quiero verte bailar, Los trenes de Tozeur (con el que en 1984 ocupó el quinto lugar en el Eurofestival emparejado con Alice), La temporada del amor, La Cura y muchas otras, incluida la famosa Patria Povera, una acusación muy dura contra poder político y poder en general. En su música hay una búsqueda profunda y constante de la espiritualidad: ser mencionado sobre todo Y vengo a buscarte, El océano del silencio y La sombra de la luz.

A partir de 1985, abrumado y quizás sorprendido por el colosal éxito que llegó de repente (no solo en Italia, sino también en España y en la mayor parte de Europa, mientras que en los países anglosajones no es tan apreciado) se dedicó a la implementación de numerosos proyectos ajenos a la música ligera, acogidos con interés. En 1985 fundó su propia editorial L'Ottava que, en colaboración con Longanesi, publica catorce libros de diversos autores, algunos de los cuales han sido reeditados por la editorial Neri Pozza. En 1989 también fundó un sello discográfico homónimo de su editorial, que publicará seis títulos de música étnica y música culta. También compone tres óperas, Génesis (1987), Gilgamesh (1992) y El caballero del intelecto (1994). Es el primer músico occidental en actuar en Irak, en 1992, bajo el régimen de Saddam Hussein (Concierto de Bagdad, lanzado en 2006 en DVD).

En 1994 comienza a colaborar con el filósofo Manlio Sgalambro y la discográfica Virgin en álbumes de gran éxito como L'amboscata (1996), Gommalacca (1998), Ferro battuto (2000) y Ten stratagemmi (2004). Las canciones de esta época son menos utilizables, quizás con un sonido más difícil para el gran público que, sin embargo, siguen sin abandonarlo, y con razón, partiendo de la extraordinaria La cura (declarada en 1996 mejor canción del año y en 2005 votada como mejor canción de amor de los 90), luego Strange days, Shock in my town, The dance of power, Running contra la corriente (cantada con Jim Kerr de la banda Simple Minds) Hermenutics y Between sex and chastity. Continuando con su investigación sonora en territorios del rock y la electrónica, el artista publicó Gommalacca, estrenada en otoño de 1998, que representa uno de los mayores éxitos del artista y, al mismo tiempo, uno de sus experimentos musicales más atrevidos. Con el fin del milenio, el artista vuelve a huir del formato de canción y por encargo del Teatro del Maggio Musicale Fiorentino graba para Sony los siete movimientos experimentales que componen el disco Magnetic Fields . La obra es un regreso momentáneo a las tendencias de vanguardia de principios de los setenta, ahora filtradas por el uso de la tecnología digital moderna. El disco se alterna con continuos flujos y muestreos electrónicos, ataques de percusión repentinos que dejan espacio para grabaciones líricas y de piano. No faltan las partes recitadas que tratan en particular de la ciencia empírica. 

En el otoño de 1999, el cantautor siciliano lanzó un nuevo álbum titulado Fleurs , totalmente apoyado solo por piano y cuarteto de cuerdas. Es un "álbum de portadas conceptual" compuesto (además de dos canciones inéditas) de otras diez canciones, la mayoría de las cuales datan de los años cincuenta y sesenta, todas arregladas para conjuntos de cámara. Repetiria en 2002 con Fleurs 3 y en 2008 con Fleurs 2 a pesar de no desearlo (si, Battiato decidió nombrar al segundo con el número 3 para evitar sacando discos de esta colección, pero no le sirvió de nada). La segunda década del siglo XXI, Battiato la dedico a la experimentación más agresiva con Open Sesamo y Grupo experimental de Joe Patti para cerrar en 2019 con un disco recopilatorio grabado con la Royal Philharmonic Orchestra de Londres.

El final del Mes John Lennon (Mes John Lennon)

 

Todo tiene un principio y un final. Hasta las cosas más impensables, como que los Beatles fueran a separarse, o que después de hacerlo, no volvieran a reunirse. Todo el mundo albergó esa esperanza desde principios de los setenta, ese "es cuestión de tiempo", "se sentarán a hablarlo y lo solucionarán" o "volverán por una oferta suculenta e irrechazable". Pero en realidad, el final de los Beatles había sido simple y rotundamente eso: El final de los Beatles.

En la vida hay que quedarse siempre con los bueno, y lo bueno en este caso es que los cuatro tuvieron la oportunidad de expresarse en solitario, de probar otras cosas, y en el caso de John Lennon esa experiencia le llevó a Nueva York, a concienciarse sobre los problemas sociales, las desigualdades y el racismo todavía imperante en muchos aspectos de la sociedad estadounidense. Y cuando por fin más integrado estaba en la sociedad y en la ciudad que nunca duerme, el 8 de diciembre de 1980 un tipo llamado Mark David Chapman truncó cualquier esperanza de poder ver hacia dónde se habrían dirigido el Lennon músico y, simplemente, el John persona. No hay marcha atrás posible en la muerte, ni segundas oportunidades. No hubo "solución con el paso del tiempo", ni se le pudo hacer volver del más allá por una "oferta suculenta e irrechazable".

 

John Lennon ya no está con nosotros, aunque siempre estará en nuestro recuerdo. Y podremos traerle de nuevo, siempre que queramos, en iniciativas como este #MesJohnLennon que también, estos días, toca a su fin, y gracias al cual hemos hecho un extenso y emotivo repaso a todos sus discos en solitario, para recordar una vez más tanto la brillantez de sus momentos más álgidos, como los arriesgados desvarios sonoros en los que se sumergió en ocasiones, con los que fuimos indulgentes y comprensivos como lo seríamos con un hijo pródigo en el que siempre creeremos, porque le vimos crecer y deslumbrarnos con la irrepetible magia de sus canciones.

En unos días desvelaremos la identidad del nuevo protagonista del mes de 7días7notas, otro genio indiscutible de la música, con curiosas conexiones con el último Lennon y su trágico final. De hecho, cuenta la leyenda que el asesino de Lennon manejaba como alternativa, en el caso de que el plan de matar a Lennon no fuera factible, asesinar a este otro gran mito de la música, con el que Lennon había colaborado en uno de sus discos recientes, y que se encontraba precisamente en Nueva York haciendo su propia transición hacia el exilio de la Gran Manzana, protagonizando una obra teatral sobre la desdichada vida del conocido como "Hombre Elefante".

John Lennon - Milk and Honey (Mes John Lennon)

 

Estamos ante un álbum muy interesante, más si te gustan las canciones de Yoko Ono, ya que las que hizo para éste álbum están un escalón por encima de las que publicó en Double Fantasy, ya que en sus apariciones poco a poco vas sintiendo ese dolor que proviene de lo más profundo de su alma, haciendo hincapié en la muerte de John, su voz frágil y defectuosa y sus composiciones retorcidas en este álbum realmente te atrae, ya que refleja con precisión el abandono total y el dolor que debe haber sentido después de la desgarradora experiencia de la muerte de John. Uno de los ejemplos es "You are the one", una vez que has superado los extraños efectos vocales y las densas capas de sonido, se convierte en una de las canciones de amor perdido más emotivas que he escuchado. El resto de canciones de Yoko Ono fueron escritas mientras John aún estaba vivo, así que, aunque no tratan de su fallecimiento, adquieren una extraña sensación agridulce en lo que respecta al tema. "Let Me Count the Ways" es una cancioncita de amor perfecta en cuanto a melodía, pero la calidad del sonido no es demasiado buena, como en el resto del álbum. “Your Hands”, es otra de las grandes, una canción con un sentimiento y letra japoneses muy especial, realza su figura y demuestra sin duda alguna, que estamos en los picos más altos de su talento. "Sleepless Night" demuestra que realmente la voz de Yoko Ono tenía un gran potencial y haciendo ostentación de esa voz temblorosa que se te clava. "Don't Be Scared" es una canción donde se ve claramente la influencia de su estancia en las Bermudas dentro, con un acompañamiento que recuerda levemente el trabajo de Bob Marley. El mensaje de Yoko de no "tener miedo de amar" es saludable, pero las voces susurrantes amortiguan el atractivo de la canción.

Las canciones de John también son divertidas y lo bueno es que se complementan perfectamente con las de Yoko Ono. Ahí tenemos a "Grow Old With Me” (que puede hacer un duo perfecto con "Let Me Count The Ways") donde encontramos una melodía muy bella que se trasforma en angustiosa al escucharla hoy, dado que sabemos cómo nos lo arrebataron. "Nobody Told Me" es una canción clásica, animada, divertida y muy agradable donde podemos comprobar como John se estaba divirtiendo haciendo aquello que amaba. "I Don't Want To Face It" y "Borrowed Time" reflejan sus miedos (comprensibles) de enfrentarse al mundo exterior, la idea de que todos "vivamos en un tiempo prestado" junto con la gran narración de John hace de está una canción muy interesante, los toques tropicales de calipso y los ritmos del reggae se sumaron al atractivo de esta pista. "I'm Stepping Out" es realmente una de mis favoritas él, las inflexiones vocales durante la canción son realmente pegadizas, el rango agudo que alcanza en el coro (y en algunas otras canciones también) es bastante impresionante, está entre las mejores canciones del álbum. Además de la maravillosa línea de bajo (que honestamente me recordó a "Silly Love Songs" de McCartney), disfrutas de la energía despreocupada de John en las voces. "(Forgive Me) My Little Flower Princess" es altamente conmovedora.

Lo más impresionante de los temas que componen el disco es que la mayoría son demos inacabadas grabadas unas semanas después de Double Fantasy. El hecho de que la banda y la voz de John suenen tan bien es un verdadero testimonio del talento del hombre. Este álbum muestra que John estaba en un período muy creativo antes de morir y que estaba listo para ofrecer buena música, una nueva era en su carrera había comenzado tras su ausencia de cinco años ¡que lástima! Uno esperaría que este disco hubiera solo los descartes de Double fantasy, pero no, no lo son, las canciones son realmente buenas para ser descartes, estoy seguro de que si estuviera vivo haría pronto un nuevo álbum genial.

Para finalizar y como conclusión quería comentar que tras su audición veo que uno de los platos fuertes del álbum es que retrata a una pareja de clase media ordinaria proyectando su vida, un disco sencillo que muestra sus pensamientos, su amor, sus dificultades, la experiencia que vivieron al envejecer. En pocas palabras están diciendo que no sabemos qué está mal o qué está bien, simplemente vivimos una vida normal y tratamos de estar bien, algo que los separa de la actitud de finales de los 60 y principios de los 70.

John Lennon - Double Fantasy (Mes John Lennon)

 

Hace 40 años, John Lennon y Yoko Ono lanzaron su álbum de regreso, Double Fantasy. Esta publicación marcó el primer lanzamiento de Lennon desde su retiro autoimpuesto de cinco años del negocio de la música en 1975, tiempo durante el cual se describió como un "marido de casa" y paso eso años en Manhattan criando al hijo de la pareja, Sean, mientras Yoko administraba las finanzas de la pareja. Tras el lanzamiento del álbum, Lennon hizo una entrevista en la que dijo que sus canciones en Double Fantasy salieron solas. Contrariamente a lo que Lennon le dijo a la revista, la mayoría de la música de Double Fantasy en realidad data de varios años atrás, y no fue la única música que compuso durante su "retiro". Lennon había comenzado a grabar demos en 1976 para un par de proyectos que nunca vieron la luz del día: un séptimo álbum de estudio no realizado llamado Between The Lines, y un musical basado en su vida con Yoko, llamado The Ballad Of John And Yoko. La música y las letras de ambos proyectos inconclusos se abrieron camino en las canciones firmadas por Lennon en este disco

Cuando Lennon viajo a las Bermudas en junio de 1980, trajo consigo una guitarra acústica y docenas de cintas de casete grabadas, que contenían fragmentos de canciones, que finalmente se convirtieron en "(Just Like) Starting Over" y "Beautiful Boy (Darling Boy)", allí fue también donde compuso "Woman", una canción a la que en broma se refirió como "la pista de los Beatles" debido a sus armonías intrincadas y relajantes. Estas canciones, junto con "Watching The Wheels" ya terminada, se convirtieron en la base de Double Fantasy.Después de varios días de preproducción con los músicos en el apartamento de la pareja en el Upper West Side, el Dakota, y en los estudios SIR, John y Yoko comenzaron oficialmente a grabar Double Fantasy el 7 de agosto de 1980 en Hit Factory en West 54th Street entre las avenidas Ninth y 10th. .

 

Durante esas sesiones, grabaron material suficiente para dos álbumes, uno que se lanzaría en otoño y otro llamado Milk And Honey, que se lanzaría en la primavera de 1981. Para garantizar su libertad artística, los Lennon's decidió financiar el álbum ellos mismos y luego firmar con la compañía discográfica con la oferta más alta. Finalmente firmaron con Geffen Records distribuido por Warner Brothers, por millones menos de lo que ofrecían los sellos principales, únicamente porque el suyo era el único sello que no exigía escuchar primero las cintas completas y Geffen se acercó a Yoko personalmente.

 

Cuando Double Fantasy finalmente se lanzó el 17 de noviembre de 1980, las críticas fueron variadas. Algunos críticos criticaron a Lennon porque creían que las canciones de Double Fantasy mostraban que había perdido su personalidad porque muchas de las canciones trataban sobre las alegrías de la paternidad y la felicidad doméstica. Y, en un extraño cambio, las pistas de Yoko, que en realidad fueron arregladas por Lennon, recibieron muchas críticas favorables por lo que algunos críticos llamaron su uso innovador de ritmos de baile orientados al funk. El 8 de diciembre de 1980, el día en que Lennon fue asesinado, el primer sencillo del álbum, "(Just Like) Starting Over", había alcanzado el número seis en la lista de sencillos y Double Fantasy acababa de llegar a las listas de álbumes. Menos de tres semanas después de la tragedia, el 27 de diciembre de 1980, "(Just Like) Starting Over" encabezó el Billboard Hot 100 durante la primera de cinco semanas, mientras que Double Fantasy llegó a la cima de las listas de álbumes durante ocho semanas.  Después de la muerte de Lennon, se lanzaron otros dos sencillos de Double Fantasy : "Woman", que pasó al número dos, y "Watching The Wheels", que alcanzó el puesto número diez. El 24 de febrero de 1982, Double Fantasy recibió el premio Grammy de 1981 por Álbum del año. La ceremonia marcó la primera aparición pública de Sean Lennon, de seis años, cuando acompañó a su madre al podio para recoger el premio.

 

El primer sencillo, "(Just Like) Starting Over", es una buena canción, pero lejos de lo que Lennon nos había entregado, demasiado contenido lírico. Para compensar encontramos “Watching the Wheels" y "Woman", sin duda dos de sus mejores canciones tras sus trabajos en The Beatles. "Watching the Wheels" es una canción sobre el artista reflexionando sobre la mediana edad (Lennon tenía 40 años cuando se lanzó el álbum y en el momento de su muerte). Y si alguna vez has estado enamorado, me refiero al amor real, entonces conoces el sentimiento que está incrustado en "Mujer". Lennon ha admitido que la canción no era solo para Ono, sino que estaba destinada a todas las mujeres.

40 años después, Double Fantasy es un buen álbum, tiene un par de canciones realmente geniales. Pero el asesinato de John Lennon y Double Fantasy están indisolublemente vinculados. Evaluar el álbum independientemente del asesinato, incluso 40 años después, es imposible.

John Lennon - Walls And Bridges (Mes John Lennon)

La música en historias: Walls And Bridges #MesJohnLennon

En Inglaterra el álbum Walls And Bridges sale a la luz en el año 1974, será el noveno álbum en la carrera en solitario de John Lennon.

El álbum ingreso al ranking el 19 de octubre y llego solo al numero 6, permaneciendo en total durante 10 semanas en las listas de éxitos de Inglaterra.

En Estados Unidos se publico el 26 de setiembre de 1974. Fue número uno en la Billboard y disco de oro, permaneciendo durante 35 semanas en las listas.

John Lennon se inspiró en un encuentro futbolístico entre Arsenal y Newcastle para diseñar
la portada del álbum, la portada es un dibujo hecho por John Lennon en 1952 cuando era un niño. El dibujo es una recreación de la final de la FA Cup de 1952 entre los clubes Newcastle United y Arsenal, cuando el chileno Jorge Robledo anota el gol del partido, cerca del galés Walley Barnes y los ingleses George Swindin y Jackie Milburn.

El álbum fue grabado en los estudios Record Plant de Nueva York entre junio y julio de 1974 durante el periodo en que Lennon estuvo separado de Yoko Ono. A excepción de Nobody Loves You que se grabó en Los Ángeles. Versiones alternativas de varias de estas pistas se publicaron en Menlove Avenue en 1986.

Otras canciones que también se grabaron durante estas sesiones, Goodnight Vienna un demo, escrita especialmente para Ringo Starr. Only You, otro demo para Ringo. Move Over Mrs. L. una canción escrita originalmente para Keith Moon.

En principio la idea de John Lennon era darle un sonido acústico a las canciones de este disco, y aunque Elton John influyo en la inclusión de más instrumentos, el concepto original prevaleció en algunas canciones.

En el disco participaron varios músicos, entre los cuales se destacan Elton John, Arthur Jenkins entre otros.

Las canciones que contiene el álbum son, Lado A: Going Down On Love, Whatever Gets You Thru The Night, Old Dirt Road, What You Got, Bless You, Scared. Lado B: #9 Dream, Surprise, Surprise (Sweet Bird Of Paradox), Steel And Glass, Beef Jerky, Nobody Loves You (When You’re Down And Out), Ya Ya.

John Lennon no sabia cual canción debería ser el sencillo principal del álbum, y solicitó la ayuda de Al Coury, el vicepresidente de marketing de Capitol Records. Lennon quedó impresionado con la actuación de Al Coury que hizo que el álbum tenga un éxito comercial tremendo. Y fue el mismo Al Coury quien eligió Whatever Gets You Thru the Night como primer sencillo.

En la canción Ya – Ya, donde Julian Lennon toca la batería. John sorprendió a Julian al incluir su nombre en los créditos del álbum. Y según recordó May Pang, Julian le dijo a John: ¡Si lo hubiera sabido, lo iba tocar mejor!

La primera edición en CD se publico el 20 de julio de 1987 sin ningún bonus track. El 4 de octubre de 2010, en conmemoración del 70 aniversario del nacimiento de John Lennon, fue reeditado como parte de Signature Box.

Cuando se le preguntó su opinión sobre Walls And Bridges durante la conferencia de prensa de su gira norteamericana de 1974, George Harrison lo describió como un álbum “encantador“. Ringo Starr dijo que admiraba todo el trabajo de Lennon, excepto Some Time in New York City, y elogió a Walls and Bridges como “el mejor álbum de los últimos cinco años“. Paul McCartney dijo que era un “gran disco“, pero agregó: “Sé que puede hacerlo mejor“.

Daniel

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El disco de la semana 204: Richard Hawley - Further

Hablar de Richard Hawley es hablar de su Sheffield natal, al que ha dedicado los títulos y portadas de la mayor parte de sus discos. Con solo diecinueve años fundó su primera banda (Treebound Story), llegando a grabar una de las "Peel Sessions" del afamado disc jockey británico John Peel. Ya en los noventa, Hawley pasó a formar parte de una banda de britpop llamada Longpips, y ya en el año 2000, se embarca en los archiconocidos Pulp, liderados por su amigo Jarvis Cocker, que fue precisamente quién le recomendó que grabara sus propios temas, tras escuchar unas maquetas acústicas en las que Hawley había estado trabajando. Aquellas primerizas canciones derivaron en lo que sería "Richard Hawley", el EP homónimo publicado en 2001.

Ese mismo año, publicó Late night final, titulado así por el grito de los vendedores callejeros del Sheffield Star. Quiero pensar que hay un paralelismo entre la conocida devoción de Richard Hawley por Sheffield, y la querencia de varios miembros de 7dias7notas por el Getafe de nuestros orígenes. Y aunque no fuera así, eso me daría la excusa perfecta, para hacer de este artículo un homenaje a esas calles y parques que nos vieron crecer, y en este primer caso, a aquellos pequeños periódicos locales de Getafe, que a primera hora de la mañana parecían brotar de los buzones de los portales, mezclados con la siempre molesta y abundante propaganda.

En 2003, Hawley lanzó Lowedges, cuyo título hace referencia a uno de los barrios de Sheffield, quizá (¿por qué no?) similar a "Las Margaritas", el humilde barrio obrero en el que se levantaba el primer estadio del Getafe C.F, y en el que, en sus pequeñas calles con nombres de flores, pasamos la eterna primavera de la infancia, y el sofocante verano de la adolescencia. A Lowedges le seguiría Coles Corner, considerado su obra maestra, y llamado así por el lugar de Sheffield en el que los enamorados quedaban siempre al comienzo de sus citas. En este punto, es inevitable el paralelismo con la "Plaza del General Palacio" o, simplemente "La plaza Palacios", obligado punto de partida del Getafe nocturno de los noventa.

Más difícil es encontrar un alma gemela getafense para Lady's Bridge, llamado así por un puente situado en el centro de Sheffield. El enterramiento de la vía del tren, entre las estaciones de Getafe Centro y Las Margaritas derribó todos los puentes que unían estos barrios con el de La Alhóndiga, impidiendo entre otras cosas que este artículo pudiera quedar más redondo. Discos posteriores, como Truelove's gutter (una vieja calle de Sheffield) o Standing at the Sky's Edge (ladera con vistas al centro de la ciudad) continuaron esta tendencia tan marcada de Hawley de homenajear a su ciudad, pero para su octavo disco de estudio, pareció comprender que la evolución era necesaria, y que la nostalgia finalmente acaba por estancarnos, no permitiéndonos crecer e "ir más allá" (Further). Con este disco, realizó su primera entrega sin referencias claras a Sheffield, pero con todas las señas de identidad de sus mejores obras.

Las rotundas guitarras de Off My Mind muestran un esfuerzo por la renovación, y aunque en toda huida hacia el futuro hay momentos en los que nos sentimos solos (Alone), la reconfortante mirada hacia atrás (My Little Treasures) solo tiene sentido si el camino nos lleva hacia adelante. La profunda voz de crooner de Hawley, y su habilidad para las intensas composiciones melódicas, nos terminan de conquistar precisamente en Further, la canción que da título al disco, si es que no lo han hecho ya en los cortes previos. Durante el largo viaje, hay momentos para la sonrisa acústica y agridulce (Emilina Says) o el orquestal y épico deseo de desconectar y trasladarse a momentos más felices (Is there a pill).

 

Hay también encuentros con bellas cocineras (Galley Girl) con las que luchar contra el sentimiento de soledad (Not Lonely), hasta conseguir que la melancolía se desvanezca y que el tiempo esté por fin de nuestro lado (Time is). El viaje de Hawley es elegante, y el tren de la medianoche (Midnight train) camina seguro y firme por los raíles, sin apenas caer en baches creativos, y llegando con entereza al cierre del disco, una paradójica declaración de apertura frontal de las puertas de la mente (Doors). Getafe nunca ha dado al mundo, como Sheffield, músicos de la talla de Pulp, Arctic Monkeys o el propio Richard Hawley, al que agradecemos profundamente que haya dejado este Further sin un origen establecido, para que podamos adoptarlo aunque sea por un momento, y poner con él en nuestras cabezas una bella banda sonora que acompañe a las alicaídas calles de otras ciudades, que como Getafe atravesarán la primera Navidad sin el colorido y el calor de la gente caminando, sin miedo al contagio, por todos esos rincones que habrían merecido poner título al disco de nuestras vidas.