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sábado, 25 de enero de 2025

1486.- California Sun - Ramones



En 1977 a los Ramones les surgió un problema y unos rivales, aunque ellos habían interpretado el clásico California Sun en sus actuaciones desde el principio, la amigable competencia vecinal (y primos estéticos) THE DICTATORS les había robado protagonismo al incluir una versión en su álbum debut de 1975 Go Girl Crazy. No dispuestos a dejarlo pasar, siguieron adelante obstinadamente con su propia lectura de la canción, esto reveló que incluso si la banda pudiera rebajarse a grabar material ya notablemente versionado, al menos se encargarían de dejar pasar un tiempo lo suficientemente largo como para que cualquier posible conflicto pudiera ser anulado -o al menos eludido-. La versión de Ramones llegó demasiado pronto después de la de sus rivales, todavía podrían decir que llegaron a la canción primero. Más importante aún, la banda socavó una parte sustancial de la controversia potencial simplemente produciendo una interpretación superior.

Originalmente grabada por el cantante de R'n'B Joe Jones en 1961, pero que se hizo famosa poco después en una versión surf de los Rivieras, CALIFORNIA SUN es una canción aparentemente hecha a medida para seguir el corte del álbum debut de los Ramones de Let’s Dance, la melodía parecía perfecta para que la banda se la apropiara, solo la figura de la guitarra de anclaje resultó un posible obstáculo. Aunque simple, el riff puede ser engañosamente difícil de dominar, sorprendentemente, Johnny siguió dispuesto a ponerse las pilas, y durante años el riff astuto continuó representando su toque más desafiante en sus presentaciones en vivo. Ignorando la versión de los Dictators, los Ramones se centran en los versos de los Rivieras que, a su vez, están alterados del original de Joe Jones, y la instrumentación desnuda, además añaden un toque único a su arreglo al prescindir de la estrofa introductoria no cantada (presente en todas las demás versiones), permitiendo en su lugar que Deedee cuente directamente hasta el estribillo. Esto acorta el tiempo transcurrido antes de que comiencen las voces, y también hace que la estrofa acompañada de tambores tribales y riffs sea más intrigante cuando finalmente llega, la batería exhibe un eco y una presencia potentes, y las guitarras tienen un tono delicioso (especialmente el riff principal sobregrabado). La interpretación de Joey es perfecta, y su decisión de no imitar los coros de llamada y respuesta de Dictators fue acertada. (Naturalmente, también evitan sus numerosas sobregrabaciones de guitarra principal, uno de los otros aumentos que en última instancia hacen que la versión de Go Girl Crazy suene bastante inflada en comparación con la versión minimalista de los Ramones. El hecho de que la estética de la banda pudiera transformar un tema tan antiguo y destartalado en una explosión tan impactante y feroz de rock moderno puso de manifiesto algo que no siempre fue evidente en su momento: Los Ramones representaban menos un retroceso reaccionario al progresismo del rock and roll y más una herencia natural (incluso inconsciente) y la perpetuación de sus verdaderos ideales.


lunes, 20 de enero de 2025

1481.- Living next door to Alice - Smokie

Smokie (llamada originalmente Smokey) es una banda musical de música rock británica que se hizo popular en Europa en los años 1970. Inicialmente se denominaron The Yen y posteriormente Essence. El grupo se formó en 1965, y estaba compuesto por Chris Norman (Redcar, Yorkshire, Reino Unido, 25 de octubre de 1950), Terry Uttley (Birkenshaw, Reino Unido, 9 de junio 1951), Alan Silson (Birkenshaw, 21 de junio 1951) y Ron Kelly (1952). En mayo de 1968 se rebautizaron como The Elizabethans y en otoño de ese mismo año, en agosto de 1969 realizaron dos canciones para un programa de la BBC. En 1973 Ron Kelly abandona la banda, es entonces cuando llega el baterista Pete Spencer (Bradford, Reino Unido, 13 de octubre 1948). No sería hasta 1975 que graban su primer álbum, Pass it Around, alcanzando la popularidad. Pero en 1982 con su poco exitoso álbum, Strangers in Paradise comenzaría su declive y en 1986 Chris Norman, una de las piezas clave, abandona la banda. A día de hoy, el único miembro original de la banda es Terry Uttley. Chris Norman sigue en activo en una carrera en solitario. La discografía de Smokie consiste en veintiún álbumes de estudio, cuatro en directo, diecisiete recopilatorios, dieciocho canciones en bandas sonoras y cuarenta y nueve sencillos.


“Living Next Door to Alice” nos cuenta la historia de alguien que lleva toda la vida enamorado de una chica, que siempre ha vivido en la casa de al lado; un buen día, su amiga Sally le comunica que Alice, el amor de su vida, se marcha en una limusina y sin despedirse; él se lamenta de no haberle dicho nunca que la ama y se ve incapaz de vivir separado de ella pero, como se dice coloquialmente, siempre hay un roto para un descosido y su fiel amiga Sally, que también ha estado esperando veinticuatro años, enamorada en secreto de él, se ofrece como paño de lágrimas y solución para olvidar a Alice. Pero este tema tendría una segunda vida cuando el grupo holandés Gompie hizo su versión introduciendo un cambio, la versión de Smokie, sonaba habitualmente en un bar de Nimega (Holanda); allí la escuchó Rob Peters y se dio cuenta de que el pinchadiscos bajaba el volumen en el estribillo, cuando se mencionaba el nombre de Alice, mientras los clientes del local coreaban: “Alice, who the fuck is Alice?” Rob decidió ponerse en contacto con Peter Koelewijn para grabar este tema incluyendo esta frase. Visto el éxito que tuvieron, incluso grabaron un Lp (“Who the X is Gompie!, 1995) en el que, por supuesto, incluyeron este tema, que titularon “Alice (Who the X is Alice?)”. La versión de Gompie pronto se hizo famosa, incluso se cantaba en los conciertos de Smokie por el público; los británicos no lo dudaron, poco después volverían a grabar este éxito al estilo Gompie. Aquí en España Jose Antonio Abellan se subio al carro e hizo su versión en Español, la canción era uno de los principales atractivos de su programa “La jungla”.


lunes, 9 de diciembre de 2024

1439.- Telephone Line - Electric Light Orchestra

Lynne tenía un don para combinar melodías beatlescas, instrumentación clásica y técnicas de producción impecables para crear un deleite para el oído al que era imposible resistirse. Su técnica funcionaba bien en los temas de ritmo rápido y con sabor a rockabilly de la banda, pero era realmente excelente en las canciones lentas. De New World Record de 1976, “Telephone Line” fue la balada que dio el salto a la fama a ELO y se coló en el Top 10 en ambos lados del charco.

La introducción telefónica de la canción ha llamado mucho la atención a lo largo de los años. Hay dos cosas notables al respecto. Primero, el tono de llamada que se escucha (como el que se escucha cuando se espera que la línea responda) es un tono de llamada de América del Norte que es bastante distinto del que se escuchaba en el Reino Unido en ese momento. La banda estaba teniendo mucho más éxito en Estados Unidos en ese momento y esto los inspiró a usar el sonido norteamericano en lugar del sonido británico. Para lograr el sonido perfecto, la banda llamó a una oficina en Estados Unidos cuando sabían que nadie respondería. El otro detalle interesante de la introducción es el sonido monofónico apagado, como si el oyente estuviera escuchando a través del teléfono la introducción de la canción. Esta fue una adición muy tardía a la canción. La grabación estaba terminada y Jeff estaba trayendo las cintas de Inglaterra a California cuando tuvo la idea de agregar el efecto a la canción que suena normalmente hasta la primera línea vocal del primer verso, cuando entra el efecto monofónico de escucha por teléfono. Esto continúa, junto con el tono de llamada, hasta la línea "lonely, alone, alone, alone, alone nights" cuando la versión estéreo completa de la canción entra lentamente y el tono de llamada se detiene. 

El significado de la canción es bastante claro: el cantante está esperando a que su amante al otro lado del teléfono levante la línea y está expresando su soledad mientras espera. La forma en que se describe la historia es inteligente en muchos sentidos. En primer lugar, el efecto de escucha silenciosa por teléfono y el tono de llamada al comienzo de la canción, así como la línea "Hola. ¿Cómo estás?", dejan en claro que está al teléfono esperando una respuesta. La transición al efecto estéreo completo en la línea "noches solitarias, solitarias, solitarias, solitarias" expresa la tristeza y la soledad de la canción. La siguiente línea, "eso es lo que diría", subraya que el oyente de la canción acaba de escuchar la triste llamada telefónica y el profundo dolor del cantante. La suave letra doo-wop del puente evoca el estado de ánimo de las canciones doo-wop sentimentales de los años 1950 y 1960 (como Sincerely de The Moonglows y Only You de The Platters), lo que pinta más una imagen de la canción. El tono de espera en la línea se escucha nuevamente a mitad de la canción, justo después del estribillo (y también al final de la canción en la versión alternativa), lo que produce el efecto de que toda la canción ocurre mientras el cantante está en la línea, esperando que respondan. Todo esto se combina para dar una sensación notable y conmovedora a la canción, como si la persona que llama estuviera esperando y esperando una respuesta mientras vierte el dolor y la soledad que está sintiendo.

Una de las razones por las que la canción fue un éxito es que describía una situación que todos conocían. Como dijo el tecladista de ELO, Richard Tandy, sobre Lynne y la canción en el documental Mr. Blue Sky: The Story of Jeff Lynne and ELO : “Creo que todo el mundo ha tenido la experiencia de tener una mala llamada telefónica con alguien a quien aprecia y cómo te afecta. Y creo que él captó eso”. El inimitable muro de coros que Lynne fue pionero con el tubo ELO en ese momento como una especie de coro griego que detalla el dolor del tipo, hasta que a este triste saco no le queda nada más que hacer que dirigirse a la línea telefónica. Solo hace falta una sola línea en el emocionante coro para describir con maestría la región inferior en la que habita este tipo: "Estoy viviendo en el crepúsculo". En el segundo verso, con cuerdas que comentan sutilmente lo que ocurre, el narrador se ve obligado a suplicar que le den más tiempo con la inútil esperanza de que la chica conteste. ¿Cuánto tiempo necesita? “Que suene para siempre”, canta Lynne. Ha habido algunas canciones clásicas sobre el teléfono en la era del rock, pero pocas han capturado la impotencia de estar en el extremo solitario del receptor tan bien como “Telephone Line”, una obra maestra de melancolía cortesía de Jeff Lynne y ELO.


sábado, 23 de noviembre de 2024

1423.- Steve Miller Band - Fly like a angel

Steve Miller había experimentado con distintos géneros a lo largo de su carrera, pero no fue hasta que recurrió a todas sus influencias pasadas que su sonido se fusionó en algo más grande. Empapada en el blues de sus días en Chicago, Steve Miller Band siempre fue una banda de blues en el fondo que experimentó con la psicodelia hippie. Como pilar de la escena musical de San Francisco a finales de los años sesenta, la banda había alcanzado un éxito temprano tras una actuación impresionante en el legendario Festival Pop de Monterey y llamó la atención de Capitol Records. La banda consiguió un contrato para grabar cinco álbumes en 1967 con un anticipo de 50.000 dólares, el contrato más lucrativo jamás ofrecido a una banda desconocida en ese momento. A partir de entonces, el grupo publicó un álbum al año, pero con resultados mediocres,no fue hasta que la banda decidió alejarse de su estilo de blues psicodélico, reemplazando las melodías blues prolongadas por melodías pop más tradicionales, que se transformaron en una fábrica de éxitos tres años después de The Joker . Después de un descanso prolongado, la banda se reagrupó, cambió su formación y solo quedó Lonnie Turner del álbum anterior, y se pusieron a trabajar en más de dos docenas de temas en San Francisco en 1975. A principios del año siguiente, se dividieron las canciones; la mitad fue para Fly Like An Eagle, mientras que la mayoría de las pistas restantes terminaron en su siguiente álbum, Book of Dreams de 1977, compuesto por una serie aparentemente interminable de sencillos exitosos de diferentes estilos, el álbum es una especie de antología musical, que representa toda la música que Steve Miller había conocido. Desde el blues hasta el hippie-rock, el country y el R&B, casi podría pasar por un álbum de grandes éxitos.


Fly like a angel fue interpretada por primera vez en 1973, mientras la banda actuaba en el Felt Forum de la ciudad de Nueva York junto a The Marshall Tucker Band , Buddy Guy y Junior Wells. La versión de  1973 presenta un ritmo más bluesero y menos inspirado en el funk , con la guitarra tomando las partes del sintetizador (aunque con efectos de retardo similares). La letra es ligeramente diferente, esta versión fue concebida como una declaración política, escrita desde la perspectiva de los nativos americanos y con la justicia social en mente, ya que Miller había visto los efectos de la recesión en las ciudades estadounidenses y lo que indica que el lugar del que el águila quiere volar es una reserva de nativos americanos. En 1976, los arpegios de sintetizador de Miller usando una máquina ARP Odyssey marcan el ambiente para la canción, lenta y conmovedora, la canción presenta musicalmente el riff de guitarra de introducción ligeramente funky de Miller y el órgano Hammond B3 entrecortado de Joachim Young. La voz principal y el gancho de Miller llevan mejor esta canción Top 5 con una sensación vertiginosa que coincide con el título de la canción y los sintetizadores más leves que se repiten para lograr el efecto. Inspirada en el funk, rinde homenaje a " Slippin' into Darkness " de War (1971). El riff de introducción se utilizó por primera vez en una forma ligeramente diferente en la canción de Miller de 1969 "My Dark Hour". ¿Qué representa entonces “Eagle” de Miller? Para muchos sugiere el paracaidismo, una experiencia eufórica con drogas o hasta una proyección astral, ellos nunca lo han aclarado.


domingo, 17 de noviembre de 2024

1417.- Hey Negrita - The Rolling Stones

En 1975 Mick Jagger, Keith Richards, Bill Wyman y Charlie Watts regresaron a Munich, Alemania, para grabar las canciones que formarían la base del álbum Black and Blue. Los Rolling Stones se habían reducido a un cuarteto con la deserción de Mick Taylor, varios guitarristas ocuparían su lugar en este álbum y, finalmente, el amigo de Keith, Ron Wood, se convertiría en su reemplazo permanente. Black and Blue sería el comienzo de la adaptación de los Rolling Stones a los estilos musicales de la época, en este álbum los encontramos girando hacia el rock clásico de los años 70. ¿Es un gran álbum? La respuesta es no. ¿Es este un mal álbum? Nuevamente, la respuesta es no. Es un álbum que no contiene cortes realmente débiles o fuertes y, en muchos sentidos, merece ser pasado por alto y olvidado en su catálogo, pero no deja de ser un disco de The Rolling Stones.


Uno de esos temas que sin ser una joya destaca es Hey negrita, que tiene un gran riff de guitarra y una letra que la sitúan junto a canciones como "Bitch" y "Brown Sugar", aunque en este tema encontramos estilos musicales latino, reggae y funk ya que Mick Jagger había estado pasando mucho tiempo en la ciudad de Nueva York y absorbiendo nuevos elementos de la música de baile, concretamente se intereso por los ritmos latinos. "Negrita", era el apodo que había acuñado para su esposa de entonces, Bianca, la canción, sin embargo, es innegablemente sexy, y Jagger está jugando con los enfoques estereotípicos de América Central y del Sur sobre la batalla de los sexos: "Solo un momentito, no tan rápido/Necesito dinero para mi dulce trasero/Digo, 'Escucha, soy un hombre pobre, mi salario es bajo/Aquí tienes un último dólar y luego nos vamos'/'¿Un último dólar?'/Ella dice 'Tengo mi orgullo/Te voy a cortar las pelotas, muchacho/Te voy a broncear el pellejo'". Aunque en su mayor parte, la letra está destinada a trasceder por encima de la música no quedado mas que como una excusa para lanzar algunas frases en español que suenen frescas. Una de las partes mas interesantes es la de Billy Preston que toca una parte de piano con un sonido afrocubano muy percusivo sobre el riff de "Hey Negrita", interpretada y aparentemente escrita por Ron Wood, el guitarrista de los Faces que estaba haciendo una audición informal para el puesto vacante de segundo guitarrista en los Stones. La canción también está gobernada por la percusión latina de Ollie Brown, un músico que luego haría una gira con la banda. Jagger nuevamente elige no eludir la polemica, provocada previamente en otras canciones de Sticky Fingers y que siguieron alimentando con este tema, ya que promocionaban Black and Blue con vallas publicitarias con la imagen sadomasoquista de una mujer atada a una silla con hematomas en todo el cuerpo. Black and Blue fue un disco con problemas sintomáticos de la banda en general a mediados de los 70. Jagger lo calificó de "malestar general", señalando que consumían demasiadas drogas, se dejaban llevar por su propia popularidad y no prestaban tanta atención a la música como deberían haber hecho. De hecho, canciones como "Hey Negrita" suenan más como melodías glorificadas que como canciones bien elaboradas. Black and Blue pasaría cuatro semanas en la cima de las listas estadounidenses y vendería rápidamente un millón de copias. Los Stones, sin embargo, vivían de éxitos pasados ya que el álbum tenía poco enfoque y, en su mayor parte, incluso menos pasión. Pasarían dos años antes de que The Rolling Stones lanzaran otro álbum de estudio.


miércoles, 23 de octubre de 2024

1392.- Dance Sister Dance - Santana

Supongo que en realidad sólo hay dos formas de escuchar Amigos, el séptimo álbum de estudio de Santana. La primera opción sería recordar estar allí de pie en el concierto, o incluso en un club, con esta música dominando la escena a todo volumen. Hay humo por todas partes, y tu último intento de rendirte ha fracasado cuando alguien te pasan uno, Santana está en plena forma, como siempre, dejando que su guitarra y sus habilidades como líder de banda funcionen para permitir que la música impregne la atmósfera. A pesar de los que ya saben que se trata de otra fase de cambio, esperas que la música se mantenga. La atmósfera y la música son así de buenas.

Si no estuviste presente, entonces tu experiencia será diferente. Compararás el álbum con la música de otros artistas; otros géneros; otras experiencias, tal vez por primera vez. "Rock latino" es realmente un nombre inapropiado desde el principio. Si has pasado de la cultura anglosajona a la española, y aparece un artista, y una banda, del calibre de Carlos Santana, sabes que has experimentado algo que realmente no tendrá fin. Si escuchas el trabajo de guitarra en el tema "Europa", entonces podrás adivinar algo. Para mí, este es simplemente el trabajo de guitarra que me ha dado uno de los mayores placeres musicales que jamás tendré. Incluso los músicos de Londres estaban de acuerdo. Este tipo, y esta banda, tenían (tienen) un talento enorme, influyente y duradero. Un gran talento, por favor escuchen Europa (Earth's Cry, Heaven's Smile) y díganme que no es bueno. Puede que no te atraiga en absoluto el lado espiritual del disco, pero eso no le quitaría nada a un análisis objetivo.


"Dance Sister Dance" (Baila Mi Hermana), es una invitación a la celebración universal a través de la música, esta pieza se convirtió rápidamente en un himno de la fusión latina, demostrando una vez más la capacidad de Santana para crear sonidos que trascendieran fronteras culturales. Se abre con una introducción rítmica irresistible, que combina elementos de la música latina con el rock psicodélico característico de Santana. La percusión, con sus congas y bongós, establece un ritmo contagioso que invita a mover el cuerpo, la guitarra de Santana, como siempre, es el corazón de la pieza, tejiendo melodías que se entrelazan con las voces corales, creando una atmósfera de júbilo y celebración. La letra es simple pero poderosa, es una llamada a la unidad y a la alegría. La repetición de la frase "Dance sister dance" (Baila mi hermana) crea un mantra que invita a todos a unirse en la danza, sin importar sus orígenes. Es una celebración de la diversidad y de la capacidad de la música para conectar a las personas. Los años 70 fueron una época de experimentación y fusión, en la que artistas de diferentes culturas se unieron para crear nuevos sonidos. Santana, con su mezcla única de rock, blues y música latina, fue uno de los principales exponentes de este movimiento, la canción refleja el espíritu de la época, con su mensaje de amor y unidad, en un mundo marcado por las divisiones y los conflictos, "Dance Sister Dance" ofrecía una alternativa: una celebración de la vida y de la música como un lenguaje universal.


viernes, 2 de agosto de 2024

1310.- Albuquerque - Neil Young

 

El sencillo Albuquerque pertenece al sexto álbum de estudio de Young, Tonight's the Night, publicado en junio de 1975 por Reprise Records. “La característica más notable de esta canción es lo disciplinada que suena la voz de Young”, escribe Johnny Rogan en The Complete Guide to the Music of Neil Young. “Es como si se hubiera vuelto completamente sobrio, aunque la letra habría sonado igualmente apropiada si la hubiera cantado completamente desafinada”. El álbum se grabó entre agosto y septiembre de 1973, pero su lanzamiento se retrasó dos años. Alcanzó el puesto número 25 en el Billboard 200. En 2003, el álbum ocupó el puesto número 331 en la lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.


"Albuquerque" es más que una simple canción, es un viaje onírico por el desierto estadounidense, una exploración de la mente y un retrato de la América profunda. Musicalmente, "Albuquerque" es un collage de sonidos que evoca tanto la soledad del desierto como la intensidad de un viaje psicodélico. La guitarra de Young, con su distorsión característica, crea una atmósfera densa y opresiva, mientras que la batería y el bajo marcan un ritmo constante y hipnótico. Los arreglos de cuerdas añaden una capa de melancolía, contrastando con la energía cruda de la base rítmica. Líricamente, la canción es un flujo de conciencia que oscila entre la narración de un viaje real y una exploración del subconsciente. Young pinta imágenes vívidas del paisaje desértico, de las ciudades que atraviesa y de los encuentros casuales que tiene en el camino. Sin embargo, estas imágenes a menudo se ven ensombrecidas por una sensación de desorientación y alienación. El protagonista de la canción es un buscador incansable, un alma perdida que busca un sentido en un mundo caótico. Sus reflexiones sobre la vida, la muerte y la naturaleza humana son a menudo oscuras y pesimistas, pero también hay destellos de humor y de una cierta aceptación de la condición humana. "Albuquerque" se ha convertido en un icono de la contracultura, resonando con aquellos que se sienten marginados o desconectados de la sociedad. La canción ha sido interpretada de diversas maneras, desde una crítica a la sociedad estadounidense hasta una exploración de la psique humana. La referencia al consumo de drogas es evidente, pero la canción va más allá de una simple celebración de la sustancia. El viaje a Albuquerque se convierte en una metáfora de la búsqueda espiritual, un intento de trascender los límites de la realidad y encontrar una conexión más profunda con el universo.

 

A pesar de haber sido publicada en 1975, "Albuquerque" sigue siendo una canción relevante en la actualidad. Su poder evocador y su honestidad brutal la convierten en una obra maestra del rock and roll. La canción ha sido versionada por numerosos artistas, lo que demuestra su influencia en la música popular, una obra maestra que ha resistido el paso del tiempo y que continúa inspirando a nuevas generaciones de músicos y oyentes.