Mostrando entradas con la etiqueta 2010's. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta 2010's. Mostrar todas las entradas

domingo, 28 de enero de 2024

Wasting Light - #MesFoofighters

 

Wasting Ligt, Foo Fighters


     Wasting Light es el séptimo álbum de estudio de la banda estadounidense Foo Fighters. Fue grabado entre septiembre y diciembre de 2010 en la residencia de David Grohl en Encino, California, bajo la producción de Butch Vig, quien había trabajado en el álbum Nevermind de Nirvana, y del propio grupo, y publicado el 12 de abril de 2011 por los sellos discográficos Roswell Records y RCA Records. El grupo quería evitar la artificialidad de la grabación digital, por lo que fue grabado en el garaje del líder de la banda, David Grohl, de su residencia en Encino, California, utilizando exclusivamente equipos analógicos. Estos equipos analógicos antiguos no permitían muchos errores, por lo que el grupo pasó tres semanas ensayando las canciones, y el productor Butch Vig tuvo que aprender técnicas de edición obsoletas. Buscaban un sonido más pesado y crudo en contraste con la experimentación de sus discos anteriores. 

La idea de Grohl era crear un álbum que definiera a Foo Fighters al igual que otras bandas tenían ese disco que las definía, como podía ser el caso del Back in Black definía a AC/DC o el Black Album a Metallica. Grohl afirmaba sobre esto: "Puede que no sea su mejor álbum, pero es con el que la gente identifica a la banda... Tomas todas las cosas que la gente considera características distintivas de tu banda y simplemente las amplificas y haces un álbum simple con eso". Grohl contrató a Butch Vig porque consideraba que tenía la habilidad de "recortar la grasa y darle sentido a todo". La mayoría de las letras fueron escritas mientras Grohl, y en ellas reflexionaba sobre su vida y su posible futuro. Fueron invitados músicos de la talla de Bob Mold, Krist Novoselic, Jessy Greene, Rami Jaffe y Fee Wabill.

 

Durante la gira de 2010 con Them Crooked Vultures, Grohl escribió canciones y grabó demos, que luego llevó al baterista de Foo Fighters, Taylor Hawkins, para su desarrollo. También se hizo miembro de pleno derecho de la banda al guitarrista Pat Smear, quien había dejado el grupo en 1997, pero había sido parte de la banda de gira desde el año 2006. Grohl consideraba que la grabación digital se estaba saliendo de control: "Cuando escucho música estos días, y escucho baterías que suenan como una máquina, le quita un poco de vida a la música". Según Grohl, la estrategia analógica haría que el disco sonara "más crudo e imperfecto". Al principio, el productor Vig pensó que la idea era una broma, más tarde al ver que era cierto, advirtió al grupo que tendrían que tocar bien, ya que los errores no se corregían fácilmente sin la tecnología digital. El grupo pasó tres semanas ensayando en su estudio habitual donde se completó la composición de las canciones, pasando de cuarenta a catorce escogidas. Ensayaron las canciones escogidas con la intención de grabarlas en vivo en el garaje de la casa de Grohl, comprometiéndose a no cambiar nada de lo grabado; según Pat Smear: "Hiciéramos lo que hiciéramos, no lo cambiaríamos. Si una voz distorsionada pasaba por un pedal, eso es lo que iba a ser".

Wasting Light supuso el explosivo retorno a sus raíces, y consiguió capturar la esencia cruda y enérgica de la banda gracias a su proceso de grabación único. Un poderoso sonido que podemos disfrutar en temas como Bridge Burning, que abre el álbum, una poderosa introducción que nos establece lo que nos espera durante el resto del viaje musical; RopeDear Rosemary, esta última donde colabora Bob Mould, que continúan con esa explosión de energía inicial fusionando poderosos riffs de guitarra con emotivas letras; o Walk, una emocional balada que se ha convertido con el tiempo en todo un himno de superación personal.

Wasting Light no sólo revitalizó la carrera de Foo Fighters, su enfoque y su energías cruda y la habilidad de David Grohl como letrista para ofrecernos letras sinceras e introspectivas colocó este disco en un privilegiado lugar en la discografía de la banda, convirtiéndose en un duradero testimonio del impacto de la banda en la escena musical. Y parte del mérito también hay que atribuirlo a su productor Butch Vig, quien recogió el guante y se arremangó para trabajar con antiguas técnicas de grabación, convirtiéndose también una pieza clave en el feroz sonido del grupo.

viernes, 12 de enero de 2024

El disco de la semana 360: Kingfish - Christone "Kingfish" Ingram

 

Kingfish, Christone "Kingfish" Ingram


     Para la recomendación de esta semana traemos a un joven bluesman estadounidense que viene pegando fuerte, Christone "Kingfish" Ingram. A pesar de ser joven, pues tiene 24 años (nacido en 1999), sus raíces y gustos por el blues del Delta y de Chicago, con guiños hacia el hard rock y el soul de los 70, ha hecho que consiga un estilo muy característico y personal. Han quedado atrás ya sus primeros pasos tocando la guitarra con diez años para un grupo de gospel en la iglesia, a los once años ya había pisado un escenario y a los 18 años ya había realizado giras por Estados Unidos y otros seis países. Con un estilo muy personal, sus influencias pasan por artistas de la talla de Robert Johnson, Muddy Waters, Lightnin' Hopkins, B. B. king, Jimi Hendrix, Buddy Guy e incluso Prince, del cual suele hacer una increíble versión en vivo de su mítico Purple Rain. Lo que este músico está consiguiendo cobra mucho más valor si tenemos en cuenta que padece Síndrome de Asperger (Caracterizado por padecer importantes dificultades en la interacción social y la comunicación no verbal combinadas con patrones de comportamiento e intereses restringidos y repetitivos).



La familia de este joven bluesman nacido en Clarksdale, Mississipi, cantaba y tocaba música en la iglesia, por lo que creció asistiendo a presentaciones de música gospel. Ya desde muy pequeño tocaba en la iglesia y se unía a grupos para tocar la guitarra. Kingfish se interesó en el blues, con apenas 5 años, cuando su padre le mostró un documental sobre Muddy Waters, y al mismo tiempo le prometió que le llevaría al Delta Blues Museum (Museo de Blues del Delta) de Mississippi, y allí aprendió a tocar en el programa de arte y educación del museo de la mano de Bill "Howl -N- Mad" Perry y Richard "Daddy Rich" Crisman. Será Perry quien le ponga a Ingram el apodo de "Kingfish" en honor a un personaje de la comedia The Amos 'n' Andy Show. Kingfish comenzó a tocar la batería a los seis años, a los once años ya tocaba el bajo y luego se pasó a la guitarra. A los quince años ya había recibido ofertas para tocar y para tener guitarras personalizadas. 

Será en 2019, con apenas veinte años, cuando Kingfish debute  con su primer álbum de estudio, titulado Kingfish, disco recomendado para esta ocasión. Este trabajo fue grabado en el Ocean Way Studio de Nashville, bajo la producción del compositor, cantante de country y baterista ganador de un grammy Tom Hambridge, quien coescribió la mayoría de las canciones con el joven guitarrista, porque sí, amigos, además de ser un gran guitarrita también compone. El álbum fue publicado el 17 de mayo de 2019 por el sello discográfico Alligator Records. Con este primer trabajo Kingfish consigue el puesto número uno en las listas estadounidenses Billboard Blues Chart y Billboard Heatseeker, llamando inmediatamente la atención tanto de la crítica como del público, y llegando incluso a ser nominado en la categoría de "Mejor álbum de blues tradicional" para la 62 edición de los premios Grammy. En mayo de 20220 recibió cinco premios de Blues Music Awards, icnluido el de "Álbum del Año" por su disco debut. Estamos sin duda ante un joven prodigio con una habilidad excepcional impropia de su edad, y que transmite el legado del blues a nuevas generaciones. Su pasión y respeto por la raíces del blues, su excelente voz y su gran dominio de la guitarra quedan patentes a través de los doce temas que podemos disfrutar en este álbum donde el blues tradicional y otros elementos más contemporáneos de la música son entremezclados con gran maestría por Kingfish



Kingfish nos va a enganchar ya desde sus primeros acordes en Outside of This Town, donde el guitarrista nos revela la influencia que ha tenido en él Billy Gibbons de ZZ Top. Canción con un potente riff de guitarra donde realiza toda una declaración de independencia, un grito de liberación magistralmente llevado de la mano de su guitarra. Fresh Out es una balada de combustión lenta donde Kingfish intercambia solos con uno de sus héroes, Buddy Guy, con el cual ya ha llegado a compartir escenario. En It Ain't Right es capaz de combinar una emotiva y profunda voz con unos sutiles matices de blues clásico a la guitarra para expresarnos brillantemente un lamento hacia una situación injusta. Been Here Before es la muestra de que el guitarrista también nos puede ofrecer otros matices, esta vez a través de una balada totalmente acústica. If You Love Me es una de las únicas canciones que no está compuesta por el dúo Kingfish/Hambridge, pues está acreditada a Kingfsh y Jontavious Willis. Musicalmente el tema es una balada que explora temas como el amor y la lealtad, mostrando una vez más la versatilidad del artista para interpretar temas enérgicos y temas más emotivos y suaves. Cierra la cara A Love Ain't My Favorite Word, canción que vuelve a dejar clara la influencia que ha tenido en el artista Buddy Guy, con unos solos mordaces y agudos mientras reflexiona sobre las complejidad del amor y las relaciones. 

La cara B comienza con Listen, un country-blues donde destaca sobremanera la magnífica voz de Ingram. En Before I'm Old hace gala de su dominio del slim guitar mientras no canta sobre la juventud y la importancia de aprovehcar al máximo el tiempo. En esta canción es capaz de combinar con maestría la energía juvenil con la sabiduría reflexiva que se adquiere con el paso de los años. En Believe These Blues vuelve a las raíces del blues combinándolas con toques de funky Shuffle. Ingram demuestra en este tema su respeto por la historia del género mientras los reinventa con su propio estilo. Trouble está inspirada en el sonido del R&B de Nueva Orleans y modernizada al estilo Kingfish, un claro ejemplo de como pueden combinar la autenticidad del blues con la innovación y frescura que Ingram aporta al género. Hard Times cuenta con la colaboración de la guitarra acústica de Keb Mo'. Estamos ante un shuffle acústico de combustión lenta empapado de blues del Delta, mientras Kingfish reflexiona sobre las dificultades de la vida y de mantener la esperanza ante las adversidades. Cierra este más que recomendable álbum That's Fine By Me, un blues de esos que resuenan cuando cae la noche, donde los toques de guitarra de Ingram nos recuerdan a B. B. King en su comienzos. La canción destaca por su ritmo contagioso, su optimista naturaleza, por la frescura y por la alegría que el guitarrista imprime a la canción.

Cada canción del álbum Kingfish aporta una capa única al disco, mostrando la versatilidad musical de Ingram y su habilidad para abordar una amplia gama de emociones, mostrando un enorme respeto por el blues tradicional, sabiendo llevarlo a su terreno, dándole un toque de frescura y adaptando este género a los tiempos actuales. Estamos ante el sensacional debut de un joven guitarrista que lo tiene todo para convertirse en uno de los grandes referentes del ǵenero.


viernes, 28 de abril de 2023

El disco de la semana 325: Renaissance - Polyphia

Renaissance, Polyphia



     El Virtuosismo viene definido como una gran habilidad para hacer una cosa, especialmente para tocar un instrumento musical o para desarrollar el arte. Comenzamos con esta definición porque es la mejor manera de presentar el grupo de esta semana, cuatro virtuosos músicos que componen Polyphia, una banda instrumental fundada en la localidad de Plano, Texas, Estados Unidos, en el año 2010. La banda está conformada en la actualidad por los guitarristas Tim Henson y Scott LePage, el bajista Clay Gober y el baterista Clay Aeschliman.

Polyphia es una banda que ha evolucionado a partir de innumerables estilos musicales, si bien su sonido se basa principalmente en el rock instrumental, rock progresivo y rock matemático. Éste último, el llamado math rock o rock matemático fue un estilo de rock progresivo que surgió a finales de la década de los 80, principalmente en Estados Unidos y Japón. Dicho estilo se caracteriza por la complejidad de sus ritmos y la extraña composición de sus estructuras, siendo unos de sus grandes referentes bandas como King Crimson o Rush

El nombre de la banda, según ellos, mismos proviene de la palabra "Polyphony", que significa "música cuya textura se define por el entrecruzamiento de varias línas melódias". Jugando con esta definición, la banda aporta aporta el virtuosismo musical que cada uno atesora para entremezclar y transmitir un sonido con un gran potencial. Dicho sonido destaca por incorporar partes virtuosas de guitarra con otros estilos de música. Es cierto, que en sus comienzos, la banda se basó en un sonido orienado hacia el metal, para ir evolucionando hacia un sonido más progresivo, combinando, con el tiempo, otros estilos tan dispares como la música electrónica o el hip hop.  

El grupo ya tiene en su haber cuatro discos de estudio, dos EP y numerosos sencillos, y su fama y reputación ha ido creciendo de forma continuada y solida, hasta llegar a alcanzar con su cuarto álbum de estudio, Remember Taht You Die, publicado en 2022, el puesto número 33 en las listas estadounidenses Billboard 200, siendo ademas el  primer disco de la banda en conseguir colarse en dichas listas. Su primer éxito comercial fue al poco de formarse y llegó de la mano del tema Impassion, incluido en su EP Inspire, el cual se haría viral en el famoso canal de Internet Youtube

La recomendación para esta semana es su segundo álbum de estudio, Renaissance, publicado el 11 de marzo de 2016 bajo el sello discográfico Equal vision. Es precisamente en este disco donde la la banda comienza a alejarse del sonido metal para abrazar el rock progresivo y el math rock, comenzando también a jugar y mezclar otros elementos musicales como la música electrónica, jazz, funk, metal y hip hop entre otros. en Renaissance vamos a encontrar muchas partes melódicas con auténticas virguerías instrumentales y partes de música electrónica my bien integrada. Todo encaja desde el principio hasta el final con variedad de sonidos diferentes, pero todos bien conectados los unos con los otros. Estamos, para mí, ante uno de esos grandes discos de la música instrumental moderna, donde no sólo destaca el virtuosismo individual de la banda, sino la conexión y compenetración de todos para regalarnos una experiencia musical de grandes kilates. Vamos a encontrar grande temas como Culture Shock, donde las guitarras y la percusión nos atraen y nos va avanzando de lo que esta por llegar; Florence, con su juguetona y optimista melodía con toques funky; Paradise, que muestra la gran destreza técnica de la banda al unísono, y Euphoria y Light, que son, en mi opinión, dos de los mejores temas que la banda ha hecho hasta el momento. Renaissance es, en definitiva, una auténtica experiencia auditiva y sensorial, no sólo para los oídos, también para todos los sentidos.

miércoles, 29 de marzo de 2023

Scorpions - Hour I (Mes Scorpions)

 

Humanity Hour I, Scorpions


     Mientras el mes de marzo va llegando a su fin, vamos a despedirlo dentro del ciclo que estamos dedicando este mes a Scorpions, con un álbum conceptual basado en la literatura de autores de ficción como Isaac Asimov y Philip K. Dick. A su vez, estas fueron mezcladas con la visión apocalíptica de humanos y androides del director de arte Liam Carl. Así cocinó Scorpions Humanity: Hour I en 2007, el decimosexto álbum de la banda germana, donde a través de todas esa ideas anteriores crean un cóctel y nos cuentan la historia de los supervivientes al final de la humanidad, y como estos, para organizarse nuevamente deben rescatar los valores más significativos de la raza; el amor, el compañerismo o la amistad entre otros. Según Klau Meine, querían hacer un álbum que estuviera actualizado, con un sonido más moderno pero sin perder la esencia del sonido del grupo. También afirmaba que "No era tanto experimentar, todavía queríamos un disco de Scorpions, pero no tanto un álbum de rock clásico como volver a los viejos tiempos, los años 80. Realmente queríamos que el disco sonara como ahora, en 2007".



Humanity: Hour I
es grabado entre octubre de 2006 y febrero de 2007 entre varios estudios, los Little Big Guy Studios, Gentelmen's Club, Glenwood Place Studios, Track Record Studios, The Village y los estudios Record Plant. El disco fue lanzado en Europa el 14 de mayo de 2007 por el sello discográfico RCA / Sony BMG, y en Estados Unidos y Canadá el 28 de agosto de 2007 por el sello discográfico New Door / UME. Según Rudolf Schenker, la intención de este disco es que continuara donde su anterior disco, Unbreakable (2004) lo había dejado. El grupo tenía en mente contar para la producción del disco con Dieter Dierks, pero la cosa no cuajó debido a un desacuerdo sobre el contrato. Durante los conciertos del grupo en 2006, el grupo invitó a varios productores a venir a Alemania para una entrevista, pero los miembros de la banda no estaban muy contentos con lo que los productores ofrecían, por lo que al final eligieron al productor y compositor estadounidense Desmond Child y al productor, músico, compositor, cantante, ingeniero de sonido y mezclador estadounidense James Michael.

A finales de 2006, concretamente en octubre, la banda se trasladó a Los Ángeles para comenzar a grabar el material que comprendería este álbum. Estuvieron trabajando durante mes y medio en la grabación de pistas básicas para el disco. El grupo había llegado allí con 30 canciones ya escritas y poco después comenzaron el proceso de composición. Muchas de esas canciones tenían un tono demasiado oscuro desde el punto de vista lírico, por lo que optaron por eliminar muchas de esas canciones más oscuras y trabajar en temas más optimistas. Para que las canciones encajaran en el concepto del disco, los compositores tuvieron que reescribir las letras y los coros de las canciones. En el periodo comprendido entre octubre de 2006 y febrero de 2007 la banda consiguió grabar trece canciones, de la cuales fueron incluidas en el Humanity: Hour I. Una vez terminado el proceso de grabación, la banda comenzó inmediatamente la gira promocional, y dado que en ese periodo el material aún no estaba mezclado, el grupo tuvo que colaborar con Desmond Child a través de Internet en el proceso de mezcla, y para hacerlo tuvieron que descargar todo el álbum, obtener el sistema de altavoces apropiado y luego enviar comentarios a Child a través de la red. 

La portada del disco presenta a un robot humano con el logotipo de Scorpions en la parte posterior de su cuello. El disco recibió en general muy buenas críticas, destacando que el disco mostraba a una banda potente y poderosa como antaño, que su creatividad y musicalidad estaba aún intacta o que las ondas de la radio necesitaban mucho a Scorpions. Hay quien incluso catalogó este álbum como el mejor del grupo germano desde Crazy World (1990). Tampoco se libró de alguna que otra crítica negativa, hay quien afirmó que el disco sonaba más como si hubiera sido escrito para Aerosmith en vez de para Scorpions, o que era un disco plano y sin complicaciones. 

Humanity: Hour I me parece un disco más que interesante, nos encontramos ante un disco conceptual en el que curiosamente las canciones no están conectadas entre sí. Según Klaus Meine: "Es conceptual en el sentido de que 'Humaniti' es como un tema global que ronda y se repite a lo  largo de todas las canciones, pero no es conceptual en el sentido de que cada canciónestá conectada entre sí, como si fuese una historia". En cuanto al sonido, todo está en su sitio y se nota en el equilibrio que logran mantener entre el sonido nu metal y las melodías de los años 80 que tan bien saben manejar. Encontramos colaboraciones como la del multinstrumentista, compositor, cantante y fundador de The Hooters, Eric Bazilian, que toca la  guitarra en Love Will Keep Us Alive, o la de Billy Corgan (The Smashing Pumpkins) colaborando en las voces en The Cross. La banda suena compacta y contundente y Klaus Meine está a la altura, como podemos comprobar en temas como The Game of Life o We Were Born to Fly, temas que nos recuerdaa a esa poderosa banda de los 80 cuando estaban en pleno apogeo. Quizás uno de los momentos más planos del disco sea The Future Never Dies, donde el piano acústico de esta balada no es suficiente para hacerla despegar. Pero no importa, no deja de ser anecdótico, pues las guitarras de Matthias Jabs y Rudolf Schenker en You're Lovin' Me to Death hace que no enganchemos de lleno, en 321, un tema de corte nu metal, las melodías y el estribillo te contagia, o The Cross y Humanity, que se mantienen en una gran línea y hacen de este disco más que recomendable su escucha.

miércoles, 22 de febrero de 2023

Björk - Utopia (Mes Björk)

 

Utopia,Björk


     "Resueltamente vaguardista y absolutamente hermoso", "Utopía evita en gran medida lo austero y en cambio se remonta al amor por la naturaleza de álbumes más angustiosos como Biophilia y Vespertine", "Tan idílico como su título implica, pero su mezcla de idealismo y realismo lo convierte en un éxito aún  mayor como manifiesto para el amor radicalmente abierto y como documento de próspero amor", "teatro musical completo y diferente a todo lo que Björk ha hecho hasta ahora", "Casi completamente una experiencia sensorial. Así se rendía y definía parte de la crítica al noveno álbum de estudio de la artista islandesa Björk, Utopia, un trabajo donde el epicentro del mismo es el amor, al contrario que su anterior disco, Vulnicura, el cual se centraba en la ruptura, y que estuvo marcado precisamente por la que había sufrido la artista, después de una década juntos, con el artista y cineasta Mathew Barney.



El material que compone este disco fue grabado entre 2015 y 2017, bajo la producción de la propia Björk, de la música y productora discográfica venezolana afincada en Barcelona Arca, y del productor estadounidense de música electrónica experimental Rabit en algún tema, y publicado a través de todas las plataformas digitales el 24 de noviembre de 2017 por el sello discográfico One Little Indian. Utopia llegó a alcanzar el puesto 75 en la lista estadounidense Billboard 200, el puesto 25 en las listas del Reino Unido y el puesto 48 en las listas de ventas de Japón. El resultado de tanta alabanza de público y crítica se vería recompensado con la nominación a Mejor Álbum de Música Alternativa de los premios Grammy, siendo además la octava nominación consecutiva de Björk en la categoría. 

Utopia fue descrito por Björk como su "álbum de Tinder" afirmando que se trataba de la búsqueda de estar enamorado, de pasar tiempo con la persona que amas. También comentaba que si con su anterior trabajo había hecho el infierno, ahora tocaba hacer el paraíso. Björk produjo el disco con Arca, con quien ya había colaborado en Vulnicura (2015), y con quien firma 5 de los 14 temas que componen el álbum. Björk había comenzado a trabajar en Utopia poco después de lanzar Vulnicura. De hecho, el estar tan ocupada, sería la razón por la que ni siquiera apareciera en la entrega de los Brit Awards de 2016 para recoger el premio a Artista solista femenina internacional. La portada del disco fue realizada por el artista Jesse Kanda, habitual colaborador de Arca, quien incorporó a la portada una máscara de silicona diseñada por el fabricante de máscaras James Merry.

Utopia es un  disco donde Björk pone todo su esfuerzo en mirar hacia adelante, una mirada esperanzadora hacia el futuro. Disco musicalmente denominado de Avant-garde (Vanguardia) y folktrónica (género que mezcla elementos de música folklórica y electrónica). Sobre este trabajo, la propia Björk decía que al contrario que su anterior disco, donde todo giraba en torno a la angustia, aquí cubría sus preocupaciones personales, políticas y ambientales, desde un punto de vista emocional y completamente distinto. 

La implicación de Arca en este disco va más allá que en su colaboración en Vulnicura, donde llegó cuando ya se habían escrito las canciones y realizado todos los arreglos de cuerdas, por lo que pudo trabajar desde el comienzo del mismo con la cantante islandesa. Björk quedó tan encantada de dicha colaboración que la definió como "Una conversación musical intergeneracional, transatlántica". Todo en el disco está en su sitio, perfectamente meditado y estudiado, los arreglos de cuerdas, la sección de flautas islandesas de 12 piezas con la que Björk había pasado meses grabando y ensayado, la incorporación de sintetizadores que tuvieran muchos sonidos aéreos, flautas que sonaran sintetizadas o los sonidos de los cantos de los pájaros que conectan varias de las pistas. 



Si con Vulnicura descendemos hasta lo infiernos de la amargura y la angustia, con Utopia llega la redención en forma de redescubrimiento de un amor que es aún mayor, pero de una manera espiritual, y que podemos comprobar en temas como Arisen My senses, tema que abre el disco y que fue además el tercer sencillo del mismo. Björk reveló que esta canción fue además el punto de partida de todo el disco, y la primera canción que hizo junto a Arca, una canción de la que la artista afrimaba: "La melodía es como un constelación en el cielo", "Es casi como una rebelión optimista contra la melodía narrativa normal. No hay una sola melodía. son como cinco melodías. Realmente me encantó eso". Una canción que trata, al igual que todo el disco, del redescubrimiento del amor; Blissing Me captura la inocencia, la incertidumbre y el vértigo del nuevo amor. Es una balada electrónica que habla sobre dos nerds de la música que se unen y se enamoran como resultado de intercambiar música en MP3. Nerd es una palabra del inglés empleada para designar el estereotipo de la persona de alto coeficiente intelectual, muy estudiosa, pero de escasas habilidades para la socialización; The Gate es una canción electrónica ambiental, una reflexión sobre las posibilidades del amor trascendental, tanto desde un punto de vista especulativo como enfático. La canción es considerada como una transición directa entre la angustia de su disco anterior, Vulnicura, y el esperanzador y amoroso Utopia; Body Memory, que nos relata como nuestro cuerpo puede ayudarnos a superar un trauma cuando nuestra mente y nuestras emociones están muy tocadas. Björk representa en este tema la determinación de disfrutar de la vida en lugar de revolcarse en el dolor; Courtship, donde Björk analiza los efectos secundarios emocionales de las citas en línea; o Losss, una canción que la cantante islandesa definió como una extensión de una canción de su disco Vespertine (2001), concretamente "Pagan Poetry". Esta canción fue coproducida por Rabit, quien afirmaba que era una canción que hablaba de la fuerza suprema de la fuerza de voluntad de uno mismo, de la capacidad de uno mismo de poder elegir.

domingo, 27 de noviembre de 2022

The King of Limbs - #MesRadiohead

 

The King of Limbs, Radiohead


     El 14 de febrero de 2011 Radiohead informaba a través de su página web del nombre de su nuevo trabajo, The King of Limbs, el cual podría ser descargado en menos de una semana a través de la web. Cuatro días después aparecía en la página oficial del grupo el vídeo del tema Lotus Flower, uno de los temas del nuevo álbum. El 28 de marzo salía el disco en versión CD y vinilo. El 16 de abril lanzaba el sencillo Supercollider/The Butcher, dos temas que habían sido concebidas durante las sesiones de The King of Limbs, y que finalmente no fueron incluidas. Los archivos digitales de ambas canciones fueron puestas sin coste alguno a disposición de todos aquellos que habían adquirido el álbum. Pero además, el 6 de junio de 2011 la banda anunciaba el lanzamiento de una serie de remezclas de canciones de The King of Limbs, realizadas por varios artistas, en vinilos de 12 pulgadas y de naturaleza limitada, que se irían editando de forma eventual en varias tandas a lo largo de aquel verano.

Este fue el ambicioso proyecto ideado por la banda inglesa de rock alternativo para su octavo álbum de estudio, donde la banda vuelve a experimentar con los sonidos, explorando ritmos y texturas más tranquilas y calmadas que en sus anteriores trabajos, utilizando mucho las técnica del looping (consistente en uno o varios samples sincronizados que ocupan generalmente uno o varios compases musicales exactos y son grabados o reproducidos enlazados en secuencia una y otra vez dando sensación de continuidad) y del sampling (muestra de sonido grabado en cualquier soporte para reutilizarla posteriormente como un instrumento musical o una diferente grabación de sonido). 



Las versiones The King of Limbs en formato físico fueron publicados por la discográfica Ticker Tape en Estados Unidos, por la discográfica Hostess Entertainment en Japón y por la discográfica XL en el Reino Unido. Aunque hubo todo tipo de opiniones, el disco recibió por lo general críticas bastante positivas por parte de la crítica especializada, siendo nominado el disco para cinco categorías en los Premios Grammy, incluyendo la de mejor álbum alternativo. En febrero de 2012, la banda culminaba con la que sería su primera gira norteamericana en 4 años, incluyendo además de Estados Unidos, Canadá y México. Una gira que se vería empañada por el trágico suceso en el Downsview Park de Toronto, Canadá, el 16 de junio de 2012. Una hora antes de que se abrieran las puertas, el techo del escenario se derrumbó, causando la muerte del técnico de percusión de la banda Scott Johnson e hiriendo a otros tres miembros del equipo técnico del grupo. El grupo rendiría homenaje a Johnson y a su equipo técnico en el primer concierto tras el derrumbe, el cual tuvo lugar en julio en Nimes, Francia. 

La experimentación con los loopings y sampleados es evidente en temas como BloomTom Yorke se inspiró en un programa de televisión de historia de la BBC para escribir este tema; Morning Mr. Magpie, la cual había sido titulada antes Morning M'Lud y Good Morning Mr. Magpie. Este tema había sido estrenado durante una retransmisión web en 2002 en formato de balada acústica, y Yorke se propuso que la canción estuviera incluida en todos los discos de la banda desde entonces; y Lotus Flower, tema que significó el primer sencillo del álbum. La flor de loto es una planta perenne acuática, y es la flor nacional de India y Vietnam. Desde la antigüedad ha sido un símbolo divino en las tradiciones asiáticas que representan la virtud de la pureza sexual, y en la literatura clásica de muchas culturas asiáticas. El loto era usado a menudo en verso como una alegoría de los tributos femeninos ideales. 



También encontramos espacio para temas con un formato más sencillo, en concreto dos baladas que harán que nos estremezcamos, Codex, una inquietante balda a piano donde Yorke nos invita ha sumergirnos en "un lago claro", prometiendo que "nadie sale lastimado". La parte donde entra la sección de cuerdas interpretada por The London Telefilmonic Orchestra es sencillamente magistral; y Give Up The Ghost, la otra balada del álbum, con unos coros femeninos brutales que se complementan con un magnífico Tom Yorke. Este tema fue tocado por primera vez en un concierto benéfico llamado Green Party, y que Tom Yorke dio en solitario en febrero de 2010. En Separator también tienen espacio para el amor, aunque con unas letras más que crípticas, donde parecen hablar sobre una fantasía o un sueño sobre un/a amante que fue real.

The King of Limbs, con una duración de poco más de 37 minutos, se convertía en el álbum más corto de la banda hasta la fecha, y con las letras del último tema, Separator que venían a decir cosas como "Si crees que es el final estás equivocado", parecían dar a entender que habría una segunda parte del álbum. Al final no fue así, pues tardarían unos cinco años en sacar su siguiente trabajo, el último hasta la fecha, A moon Shaped Pool. Pero eso es otra historia...

viernes, 6 de mayo de 2022

El disco de la semana 274: War Eternal - Arch Enemy

 

War Eternal, Arch Enemy


     Para la recomendación de este semana nos vamos a la localidad sueca de Halmstad, donde se formó allá por 1995 la banda de death metal melódico Arch Enemy. Sus primeros componentes provenían de contrastadas bandas como Carcass, Armageddon, Carnage, Mercyful Fate, Spiritual Beggars, The Agonist, Nevermore y Eucharist. El grupo fue fundado por el por entonces guitarrista de Carcass Michael Amott junto con Johan Liiva, que asumirá las tareas de vocalista de Arch Enemy. durante su historia, la banda ha sufrido numerosos cambios en su formación, como la de su vocalista, pues Johan Liiva sería sustituido por la cantante Angela Gossow, que permanecería en la banda hasta marzo de 2014, siendo reemplazada por la cantante canadiense Alissa White-Gluz.

En 2014 Arch Enemy, que en ese momento está conformado por Michael Amott (guitarra), Nick Cordle (guitarra, teclados), Sharlee D'Angelo (bajo), Daniel Erlandsson (batería, teclados) y la recién llegada Alissa White-Gluz (vocalista), publican su noveno álbum de estudio, War Eternal. Alissa llegaba a la banda para sustituir a Angela Gossow, quien había renunciado a sus funciones como vocalista para convertirse en la mánager de la banda. La baja de Angela podría haber supuesto un duro golpe para la banda, pero lejos de montar un drama, el grupo se puso manos a la obra y siguiendo la recomendación de la propia Angela terminaron audicionando a Alissa, que acabaría conectando con la banda de inmediato.

El álbum es grabado entre 2013 y 2014 en varios estudios, los Fascination Street Studios (Varberg, suecia), los West Coast Songs y Sweetspot Satellite (Halmstad, Suecia) y los Riksmixingsverket (Estocolmo, Suecia) bajo la producción de la misma banda, y publicado el 6 de junio de 2014 bajo el sello discográfico Century Media. La portada del álbum fue diseñada por el artista rumano Costin Choireanu, quien según Michael Amott, líder de la banda, fue capaz de captar la visión que tenía sobre lo que debía ser la portada del disco. Las temáticas del grupo suelen las que vienen desarrollando durante su carrera, letras donde nos hablan de rebelión, críticas a la sociedad y a la religión, en concreto la cristiana. 



Una de las dudas de este álbum era sí Alissa encajaría en la dinámica del grupo y si sería capaz de sustituir a Angela. Alissa quizá no tenga ese punto de agresividad que Angela tiene, pero lo suple con creces con una capacidad de moverse por registros mucho más variados que Angela, siendo capaz de pasar de voces guturales a voces nítidas y limpias con una facilidad pasmosa. El grupo liderado por Michael Amott sigue fiel a su estilo dentro del death metal melódico y después de un par de trabajos bastante discretos, The Root of All Evil (2009)  y Khaos Legions (2011), nos regalan un gran trabajo, a la altura de discos como Heartwork, Burning Bridges, Stigmata o Wages Of Sin. Michael Amott parece recuperar la inspiración en un disco donde comparte tareas de composición con Alissa White-Gluz. La banda se atreve, y con muy buen criterio y resultados, a incorporar elementos orquestales en temas como You Will Know My Name, Avalanche o Time Is Black. Tampoco faltan temas llenos de fuerza y velocidad como Tempore Nihil Sanat (Prelude In F Minor), No More Regrets, o Stolen Life, melódicos como War Eternal, Ass The pages Burn o You Will Know My Name, acústicos, como Graveyard Of Dreams o instrumentales, como el tema que además cierra este notable trabajo, Not Long For This World

War Eternal volvía a colocar al grupo liderado por Michael Amott en el lugar que le corresponde. La vuelta de la inspiración de Amott, junto con la llegada de Alissa White-Gluz que además compone, sacaban al grupo del estancamiento en el que estaban inmersos para regalarnos un gran álbum de death metal melódico.

domingo, 27 de marzo de 2022

Cargar la suerte - Andrés Calamaro (Mes Andrés Calamaro)

 

Cargar la suerte, Andrés Calamaro


     En noviembre de 2018 Andrés Calamaro publicaba su demiquinto álbum de estudio en solitario, Cargar la suerte, trabajo que recibió muy buenas críticas por parte de los especialistas en la materia, llegando incluso a ser comparado y poniéndolo a la altura de obras como Honestidad Brutal o Alta Suciedad. No se si se puede realizar dicha comparación, pero lo que si está claro es que Cargar la  Suerte es su mejor disco en los últimos veinte años. Para grabar dicho trabajo Andrés Calamaro se rodea de músicos de sesión consagrados como Mark Goldenberg, Joel Peskin y Brandon Fields, y otros más jóvenes pero con mucha proyección, entre los que se encuentran Aaron Sterling, Eric Kertes o Rich Hinman entre otros.

El disco, tal y como reconocerá el mismo Calamaro, fue grabado de forma urgente, en apenas cuatro días, en los Sphere Studios de Los Ángeles, California. Sin embargo, el hecho de haber sido grabado en tan poco tiempo no es sinónimo de mala calidad, todo lo contrario, pues como el artista argentino reconoce en posteriores entrevistas, esos días fueron memorables, para recordar. Tener en los arreglos a su mano derecha Germán Widemer y en la producción a Gustavo Borner fueron claves para la gran calidad de este trabajo. 

Siempre he dicho que la carrera de Calamaro al igual que el Doctor Jekyll y Mr. Hyde, tiene dos caras, la de sus discos de gran calidad y la de sus discos revirados, largos y excesivos. Por suerte, en Cargar la Suerte nos muestra su mejor cara, la del amable Doctor Jekyll, y nos regala un disco muy compacto y homogéneo, con doce temas donde todo está en su sitio y no sobra nada. El artista argentino nos regala un disco con una producción y un sonido cuidados al máximo, brindando un protagonismo que no suele dar a las guitarras, cosa que se agradece, dotando al álbum de un sonido con tintes de música americana. 



Comienza el disco con Verdades Afiladas, una historia de desazón y desamorel sencillo de apertura que sirve además de presentación para una banda que suena muy compacta. Todo está en sus sitio, un buen tema de corte pop-rock que a la larga se convertirá en uno de los más flojos del disco, lo que da una idea de la calidad de este trabajo. Tránsito Lento, un medio tiempo con tintes de blues rock marca de la casa donde la gran interpretación vocal está muy bien acompañada por el trabajo más que destacable por parte del saxo y de la guitarra slide. Con Cuarteles de Invierno llegamos a uno de los grandes momentos del álbum. Un tema con un toques a Led Zeppelin que ya nos avisan que algo grande está por llegar. Los arreglos de cuerda combinados con las secciones de viento son sencillamente maravillosos. Diego Armando Canciones, un medio tiempo con aires esos toques a música americana que nos acompañarán durante todo el disco y donde el artista hace su particular guiño a los cannabis y al mate. Las Rimas, tema en clave de rap que inmediatamente nos recuerda a temas como su clásico Paloma o Vigilante Medio Argentino. En Siete Vidas vuelve el Calamaro más rockero, con unos riffs muy contundentes y donde las referencias taurinas están presentes. 

En Mi Ranchera nos encontramos al Calamaro más desgarrador, una balada donde el artista se desnuda tan sólo como él sabe hacerlo, y lo hace acompañado de unos magníficos arreglos de cuerda y metal. Falso LV, otros de los grandes momentos del disco, un tema de corte blues rock con unos verso afilados y contundentes donde el artista realiza una soberbia crítica a la intolerancia que rodea al mundo actual. My Mafia con unas guitarras acústicas maravillosas es todo un canto a ese  círculo más cercano que a uno le rodea, ese que nunca falla. En Adán Rechaza vuelve a la senda del rock con riffs afilados y distorsionados, una canción que nos recuerda a esos grandes temas del rock argentino. Egoístas, con un sonido muy americano donde la base del tema está construido por el órgano Hammond y la brillante melodía vocal. Calamaro tiene en este corte por momentos ese sonido tan característico que hizo tan famoso a Los Rodríguez. Cierra este disco Voy a Volver, un tema con toques dylanianos y con un gran final orquestado. Un cierre a la altura de un magnífico disco y toda un declaración de intenciones, pues como bien reza el título del disco, volvería en 2021 para dejarnos su último trabajo hasta la fecha, Dios los Cría, pero eso es otra historia...

domingo, 20 de marzo de 2022

#MesAndresCalamaro: Bohemio - Andrés Calamaro

 

Bohemio, Andrés Calamaro



     Que mejor manera de empezar un álbum que rindiendo tributo a uno de tus maestros y referentes. Eso es lo que Andrés Calamaro hace precisamente en Bohemio rindiendo tributo al gran Luis alberto Spinetta, todo un referente en la música rock argentina y de habla española, y con quien colaboró allá por los años 80.

Así es como Calamaro gesta su decimotercer álbum de estudio, Bohemio. Este trabajo es grabado bajo la producción de Cachorro López, afamado músico, compositor y productor argentino que ha trabajado con grandes artistas latinoamericanos de la talla de Los Abuelos de la Nada, El Cuarteto de Nos, Diego Torres, Julieta Venegas, Miranda! y Biónica entre otros tantos. El disco es publicado en 2013 bajo el sello discográfico WMG, llegando a recibir una crítica muy positiva por parte de la crítica especializada, llegando incluso a ocupar el puesto número 1 en la lista de los 50 mejores discos de 2013 elaborada por la revista Rolling Stone

Tras unos años en los que Calamaro generaba más expectación por lo que generaba y ocurría con su vida personal, y tras dos discos de lo más ecléctico a sus espaldas, La lengua popular (2007) y On the Rock (2010), se saca de la manga Bohemio, un gran disco que nos recuerda que el Calamaro que era capaz de sacarse de la manga grandes obras como Alta suciedad (1997) y Honestidad Brutal (1999) sigue ahí, nunca se ha marchado. Deja de lado su lado más ecléctico y experimental para recuperar su parte más personal, autobiográfico y confesional en un disco que apenas supera los 35 minutos, rareza para un artista acostumbrado a regalarnos producciones mucho más extensas. Atrás quedó el Calamaro más polémico y descarado de finales de los 90 y principios de siglo XXI. 



Bohemio
es un disco al que quizá le falten canciones gloriosas como en Honestidad Brutal o Alta Suciedad, pero en su conjunto es un buen disco, bien cohesionado y con buenas canciones, un disco que va ganando en riqueza y matices según vayamos acumulando escuchas. Belgrano, como el barrio de Buenos Aires, es la canción que abre el disco y todo un homenaje a su admirado Luis alberto Spinetta, quien había fallecido el año anterior. Cuando no estás fue el primer sencillo del disco, un perfecto ejemplo de la vuelta a la desnudez y la melancolía de las letras del artista mientras no habla de amores rotos. Tantas veces, una delicada balada que por momentos crece. Es uno temas que por momentos podría ser autobiográfico. Rehenes, uno de los temas que  rompen el paso marcado por las lentas melodías y los medios tiempos, uno de los temas más dinámicos y rítmicos del álbum. El artista nos recuerda lo importante que es que el corazón vibre y sienta, ya que es un músculo que necesita acción. Nacimos para correr, tema que nos recuerda al gran Bruce Springsteen aunque sólo sea en el título y esos aires de música americana aderezados por el Slide de la guitarra. Un tema donde nos anima a hacer cosas mientras podamos porque nacimos  para correr. Bohemio es la canción que da título al álbum, un acelerado tema con sabor a bolero donde vuelve el romanticismo melancólico que tan bien maneja el artista. Un tema que Calamaro interpreta como si de un tango se tratase, combinando todos estos matices con brillantez. Plástico fino es un medio tiempo donde vuelve con sus influencias del sonido americano y donde en la parte lírica hace un todo un guiño al maravilloso Veneno en la piel de Radio Futura. Inexplicable sorprende al romper la línea del disco, un tema con aires de música disco, rayando el funk. Contiene un más que destacable sólo de guitarra, el mejor de todo el álbum. Dentro de una canción vuelve a recordarnos al Calamaro mas desnudo y sentimental, y es la antesala del tema que cierra el disco, Doce pasos, un rock and roll pausado con unos buenos teclados. La letra, una referencia a los programas de desintoxicación, es obra del gran Marcelo Scornik, creador de otras tantas letras de temas de Calamaro

Andrés Calamaro se alejaba de su lado más polémico e irreverente para acercarnos a su lado más íntimo, personal, melancólico y romántico, ese que ya nos enamoró en la década de los 90.

sábado, 17 de julio de 2021

La música en historias: Rammsteim y el disco de la discordia

 

Liebe Its Für Alle Da, Rammsteim


     En octubre de 2009, la banda de metal industrial alemana Rammsteim publica su sexto álbum de estudio, Liebe Its Für Alle Da (El amor está ahí para todos), bajo el sello discográfico Universal Music. El disco fue grabado entre los Henson StudiosSonoma Mountain Studio de California bajo la producción del grupo y del productor musical sueco Jacob Hellner.

La portada del disco es obra del fotógrafo español Eugenio Recuenco, y en ella se muestra a los integrantes de la banda reunidos alrededor de una mesa listos para devorar a la diosa del amor Venus, la cuál está encarnada por la modelo española Cristina Serrato.

Además de la peculiar portada, el disco incluye un par de temas que generaron cierta polémica: Pussy, que fue el primer sencillo del álbum, donde se abordaba la temática de las relaciones sexuales de los alemanes desde un punto de vista humorístico. El videoclip que se hizo del tema fue estrenado en un portal de Internet para adultos debido a su alto contenido sexual. El otro tema que generó polémica fue el segundo sencillo del disco lanzado, Ich Tu Dir Weh, donde el grupo trataba la temática sadomasoquista. 

Todo esto hace que el 5 de noviembre de 2009 el Ministerio Alemán de Protección a la Juventud prohíba la venta de Liebe Its Für Alle Da en alemania a menores de 18 años e incluya el mismo en el "Índice de Materiales Peligrosos" aduciendo que tanto la portada como una fotografía incluida del guitarrista de la banda Richard Kruspe con una joven en sus rodillas, y el tema Ich Tu Dir Weh suponen una representación peligrosa para la juventud alemana, ya que incita a esta a realizar prácticas sadomasoquistas. También consideró el Ministerio que el tema Pussy animaba a los jóvenes a mantener relaciones sexuales sin protección en los tiempos del sida

El sello Universal Music reacciona a toda la polémica generada y el 30 de noviembre de 2009 publica para el mercado alemán una nueva edición del disco donde ya no se encuentra el tema Ich Tu Dir Weh

viernes, 9 de julio de 2021

El disco de la semana 233: What Lies Beneath - Tarja Turunen

 

What Lies Beneath, Tarja


     Tarja Turunen es una cantante finlandesa con formación clásica con una tesitura de soprano-lírica, con lo que su voz ofrece una gran flexibilidad a la hora de interpretar todo tipo de tonos graves y agudos. Atrás queda el año 1996, cuando junto a sus compañeros Tuomas Holopainen y Emppu Vuorinen funda el grupo de metal sinfónico Nightwish.

Con Nightwish Tarja llegará a la cima, pero algo sucede entre el resto del grupo y Tarja, pues tras 9 años en la formación y cinco álbumes de estudio publicados, Tarja es expulsada por el resto de miembros a través de una carta abierta en 2005. La vocalista finlandesa cree entonces que es el momento de lanzar su carrera en solitario y en noviembre de  2006 aparece publicado Henkäys Ikuisuudesta, disco enfocado en la época navideña y donde todos los temas menos el que da título al disco son temas versionados. A este disco le seguirá My Winter Storm, publicado en noviembre de 2007, y donde Tarja abarca diferentes estilos musicales, tales como rock, metal, música clásica, pop o folk, y todos conectados a través de de su gran voz lírica.


Habrá que esperar casi tres años, concretamente hasta agosto de 2010, para que salga a la luz el tercer álbum de estudio de Tarja, para el que aquí escribe, de momento su ópera prima, su mejor trabajo en solitario, What Lies Beneath, el disco recomendado para la ocasión en 7dias7notas. El disco es grabado entre los estudios Petrax de finlandia y los estudios El Pie ubicado en Buenos Aires, Argentina. Es el primer disco donde Tarja se pone al frente de la producción, algo que repetirá a partir de entonces en todos su álbumes. Para la grabación del álbum Tarja cuenta con Alex Scholpp (Farmer Boys, Tieflader) a la guitarra, Doug Wimbish (Living Colour, Rolling stones, Madonna) al bajo, Christian Kretschmar (Schiller) a los teclados y el gran Mike Terrana a la batería. No se queda sólo ahí el elenco que participa en la grabación pues Tarja cuenta con la colaboración de Max Lilja (Apocalyptca) al Cello, Will Calhoun (Living Colour) a la batería, el grupo de metal a capella Van Canto, Phil Labonte (All That Remains, Shadows Fall) a las voces, Jason Hook (Alice Cooper, Vince Neil) a la guitarra, el trío de violinistas de la Lahti Symphony Orchestra Jyrki Lasonpalo, Pauline Fleming y Rémi Moingeonn, y el ilustre Joe Satriani a la guitarra.

En cuanto a la portada y el trabajo de arte del disco, éste es realizado por el fotógrafo alemán Jens Boldt, quien ya había trabajado en el anterior disco de Tarja (My Winter Storm) y que ya había trabajado con anteriormente con artistas de la talla de Iggy Pop, Tom Jones o Diana Krall entre otros. La foto deportada del álbum capta el rostro sombrío y misterioso de Tarja, el cual podemos ver en un primer momento hermoso y reluciente, pero si nos fijamos  detenidamente está escondiendo cicatrices, quemaduras y heridas que tapan parte de su rostro. La portada del disco capta perfectamente el concepto del mismo, ya que con What Lies Beneath, Tarja pretende descubrir lo que yace debajo de la superficie, lo que realmente hay detrás de las personas, esas cosas que no se ven a simple vista. 



What Lies Beneath
es un disco claramente orientado al metal sinfónico, un trabajo más oscuro, metalero y directo que su anterior trabajo, y es que Tarja decide salir de su zona de confort para mostrarnos quien es verdaderamente y de lo que es capaz, y el resultado no puede ser mejor pues nos regala diez temazos. Comienza el álbum con Anteroom of Death, un tema teatral de corte dramático donde los teclados barrocos junto con los coros del coro Van Canto y el potencial desplegado por Tarja en la interpretación con unos cánticos finales en plan ópera, hacen de ésta canción una de las mejores del disco. Until My Last Breath, un medio tiempo sencillo y pegadizo con los teclados y la guitarras como protagonistas y que fue el primer sencillo del disco. Sobre este tema se grabaron dos videoclips, el primero fue grabado por Tarja en finlandia, y muestra escenas de un buceador yendo hacia el fondo del mar, y al ver a una sirena, Naiad, que representa una ninfa en la mitología griega que vive en las aguas de los ríos, océanos, mares o lagos, decide volver a la superficie. El segundo vídeo comienza con Tarja tocando en un bar donde apenas algunas personas le prestan atención, su carrera ha caído y se encuentra en horas bajas. Posteriormente se muestra un noticiario anunciando la muerte de Tarja. I Feel Inmortal, otra de las canciones que fueron lanzadas como sencillo del disco, una bella semi balada  que además tiene un videoclip magnífico grabado en las playas de Islandia. In For A Kill, otro de los momentos álgidos del disco, un tema sombrío y oscuro de corte gótico que contiene una sección orquestal magnífica y donde Tarja exprime todo su potencial lírico. Un tema que nos habla de los tiburones y de como se les acusa injustamente de ser asesinos. Underneath, otra gran balada donde Tarja nos vuelve a mostrar su capacidad para emocionar y crear ambientes con sus líneas vocales. Little Lies, uno de los temas más metaleros del álbum con una muy buenas guitarras.

Rivers Of Lust, otro de los temas lentos del disco, con un gran trabajo de piano y cello que envuelven la voz de Tarja llena de matices operísticos. El tema es una crítica en toda regla a los pedófilos y de como muestran una doble cara hacia la sociedad. Dark Star, tema contundente y cañero cantado a dúo con Phil Labonte, ideal para agitarnos y desgañitarnos. Magnífico el comienzo con aires orientales y las voces guturales de Labonte quedan muy bien insertadas. Falling Wake, magnífico tema donde podemos disfrutar de un sólo espectacular de Joe Satriani que colabora en el tema incluido en el álbum, pues este tema fue grabado por tres guitarristas diferentes, Satriani en la versión del álbum, Jason Hook en la versión del sencillo y el argentino Julián Barrett en la versión de descarga gratuita del disco. The Archive Of Lost Dreams, tema donde Tarja vuelve a basarse en el personaje de Naiad, la ninfa de la mitología griega, y donde los violines crean una maravillosa e intimista atmósfera. Cierra éste magnífico álbum Crimson Deep, tema de más de siete minutos de duración que cuenta con la colaboración del baterista Will Calhoun, y donde Tarja de adentra sin miedo y con mucho acierto en los sonidos del metal progresivo. 

Y si todavía os quedan ganas de escuchar más, pues es lo que a mí me ocurrió con este discazo de Tarja, una de las indiscutibles reinas del metal sinfónico, podéis encontrar una edición limitada que se lanzó de este disco con cuatro bonus tracks, We Are, Naiad, un cover del tema de whitesnake, Still Of The Night y un tema de Scorpions donde Tarja colabora, The Good Die Young

lunes, 22 de octubre de 2018

El disco de la semana 15: Aurora - All My Demons Greeting Me as a Friend





Hoy os traemos a 7dias7notas algo exotico, pero a la vez, comercial, pero a la vez no exento de calidad, pero a la vez totalmente audible. Y despues de este galimatias no me queda mas que pronunciar su nombre... AURORA AKSNESS. ¿no os suena verdad? a mi tampoco hasta que cacharreando en una pagina musical dí con ella y me asombró el tema que cantaba.

Aurora es una cantante que nació en Noruega en 1996, actualmente cuenta con 22 años y podría ser el típico caso de artista que puede encandilar a las adolescentes, pero la realidad dista mucho de eso, detrás de su imagen un poco romántica, un poco androgena se esconde toda una virtuosa de la música, con una voz alta y pura que puede sonar un poco infantil pero que inmediatamente notas que se sale fuera de lo común, nos va a sumergir en un viaje emocional, crudo, real y hermoso con momentos de gran poder y vulnerabilidad sin obstáculo. La pasión de Aurora por la música surgió cuando era niña, a través del descubrimiento de un piano que encontró en el ático de su casa. Ella se quedó fascinada con la música que podía crear. Su madre también tuvo un papel muy importante al comienzo de su carrera, diciendo que sus canciones podrían ayudar a muchas personas....  "Para mí, las historias son las cosas más importantes. Quiero que mis canciones tengan algún significado. Espero que hagan a la gente sentir algo, porque a menudo tenemos miedo de llorar. Todos siempre decimos que estamos bien, pero no siempre se está bien, quiero que mi música ayude a las personas a entrar en contacto con sus propias emociones."


El disco que vamos a comentar es All My Demons Greeting Me as a Friend

Runaway

Y nada mejor que empezar con un tema delicado, una canción sobre sobre una niña que pide irse a casa, el único lugar al que pertenece, o simplemente el único lugar donde le queda para ir.... la necesidad de escapar y la convicción de que siempre podrás volver a casa. Atentos a las armonías vocales que actúan como un instrumento:

“Y yo estaba corriendo lejos, podría algún día correr más allá del muro? Nadie lo sabe.
Estaba bailando bajo la lluvia, me sentía vivo y no me puedo quejar.
Pero ahora llévame a casa, llévame al hogar donde pertenezco.
No tengo otro lugar a donde ir.
Pero ahora llévame a casa, llévame al hogar donde pertenezco.
No puedo soportarlo más…
Pero seguí corriendo, para  caer en algún lugar blando. Pero seguí corriendo.”


Conqueror

Comienza con su proclama dejandolo claro, "Mañanas rotas, noches rotas y días entrecortados en el medio" y continúa con un coro que proclama su soledad: "He estado buscando el único / Pero no pareces venir en mi dirección ". Sin embargo, la música anula cualquier angustia mientras la voz de Aurora se multiplica por todas partes: armonías de grupos de chicas contestadas por oohs y oh-ohs y la-las y ya-yas, emplea tambores que rompen la tierra y que permiten que su voz flote a través de la pista como un grito de batalla en parte alegres y en parte amenazadora, algo que define el álbum. Es pop puro y duro al servicio del mensaje


Running with the Wolves

Según Aurora la canción habla sobre "Cuando ese instinto animal que llevas dentro toma vida. Corriendo con él, uniéndote a él, el instinto te toma dándote libertad y haciéndote olvidar tu lado humano y las cosas de las que los humanos nos preocupamos en la sociedad moderna. Creo que los humanos necesitan dejarse llevar un poco más, sacudir sus cuerpos más a menudo como lo hacen los animales"


Lucky

Otra canción que trata sobre lo difícil que es este mundo, las dudas que cada uno tenemos sobre lo que hacemos aqui y sobre lo que significa estar vivos, y los miedos, y las dudas, y las luchas... con claros aires a Peter Gabriel, corre el rumor que escribió la letra a la temprana edad de 9 años, en palabras de la artista "Empecé a tocar el piano a los seis y escribir música a las nueve. Mi familia no supo de esto hasta mis quince años. Nunca fue un sueño hacerme Aurora, sólo me gusta componer canciones. La música para mí es la mejor manera de sentir cualquier cosa. Tenemos demasiado miedo a sentir, sobre todo si 'es un sentimiento de tristeza"

No puedo recordar la última vez
Abrí los ojos para ver el mundo como hermoso
Y he construido una jaula para esconderme
Me estoy escondiendo, estoy tratando de luchar contra la noche


Winter Bird

Esta canción dibuja paralelos entre la naturaleza y el alma, lo que sugiere que nuestra visión del mundo que nos rodea está influenciada por nuestras emociones y nuestra historia. Una cancion dolorosa, empieza  muy delicada y la voz de Aurora realiza una exhibición, con un estribillo repleto de pirotecnia musical que se clava en la mente

Mis lagrimas se congelan siempre
puedo ver el aire que respiro
pero mis dedos están pintando una imagen
en el vidrio que esta detrás de mi

Me puse al lado de un río congelado
donde los huesos me pasaron
todo lo que necesito es recordar
como era sentirse vivo

Descanso contra mi almohada como 
el sol de invierno envejece 
solo me despierto cada mañana para
recordar que tu te has ido
así que me desplazo lejos de nuevo
para el invierno donde pertenezco

I Went Too Far

Con esta canción llega el piano, instrumento desde donde se ha desarrollado la carrera de Aurora Aknes, aunque tiene demasiados toques comerciales que llegan a estropear la canción, convirtiendola casi en una canción de discoteca, demasiado sencilla y simple para lo que nos tenia acostumbrados. Por otro lado la letra de la canción se sale de este tipo de obras ya que se refiere a nuestro deseo de aprobación y amor por otra persona, como poner a alguien en un pedestal, sin duda no es su mejor tema.


Through the Eyes of a Child

El susurro, la oración y la turbadora voz de Aurora convierte a este tema en uno de los que mas me gusta del disco, casi una nana que cantamos en la cuna a nuestro hijo advirtiendole de lo que el futuro y la sociedad le deparará. De nuevo el piano se hace dueño de la canción. Es según la artista una de "Por favor, no me abandones aquí". Personalmente, cada escucha me hace sentir algo diferente. Puede ser nostalgia, puede ser tristeza, puede ser arrepentimiento.
las canciones de las que mas cerca se siente y de la que esta mas orgullosa, la canción se convierte hacia el final en un lamento triste, lo dejaría dormir si durara lo suficiente para que no tuviera que pasar por ello, y finalmente sentencia ......


Warrior

Una canción muy al estilo de Lady Gaga, me sigue desentonando muchísimo este tipo de canciones y me quedo con su parte mas intimista, es quizás el tema que mas aceptación ha tenido, pero para mi es un relleno mas.


Murder Song (5,4,3,2,1)

Según la artista esta es la canción que define su música, es una canción indeterminada sobre un asesinato (de ella) haciendo presenta la paranoia persistente en Noruega después de los asesinatos en masa de Brevik hace cinco años y que tuvieron un profundo impacto en esa sociedad. La realidad condiciona el alma del artista que durante algunos momentos del tema su voz se desparrama desesperada por la canción, estamos ante la canción mas desgarradora del disco.

El sostiene el arma contra mi cabeza
Cierro mis ojos y bang estoy muerta
Se que él sabe que me esta matando por misericordia


Home

Este es nuestro hogar, terrible, injusto, pero dulce hogar. Como a lo largo de todo el disco, Aurora no para de hacer referencia al lado oscuro de la vida, pero al mismo tiempo nos presenta una luz al final del camino. Volvemos a la parte mas intimista de Aurora y a otra de sus exhibiciones vocales que nos ha dejado por el disco.

Envueltos en una crisálida de carne y hueso
Realmente no importa de dónde seas tú
Somos el hogar
Somos el hogar
Hogar



Under the Water

Una canción donde el protagonismo recae sobre la percusión, una mezcla entre lo comercial y lo intimista que no quedó todo lo redonda que esperaba, ni a la altura de otros temas del album, si bien los distintos tonos y recorridos que lleva la canción hace de ella una propuesta muy interesante, acompañada de una letra muy potente.









Black Water Lilies

La vida es un viaje, puede que duro en ocasiones, pero siempre se llega a lo más alto, después de la tormenta, de hundirse varias veces, siempre llega la calma, la brisa.
Esta es la canción que cierra la versión estándar del disco, y creo que es perfecta. Durante todo el disco se habla de la vida, la búsqueda de la felicidad, los distintos obstáculos que se presentan, y esta canción representa esa felicidad y calma. Como siempre, una melodía mágica.



Como despedida y fuera del disco mencionar que la cantante ha puesto su voz en diferentes propuestas como un anuncio navideño de los almacenes John Lewis y en la banda sonora de la serie Girls, de HBO, para la que interpreta una version de “Life On Mars” de David Bowie. Os animo a que al menos le deis una oportunidad, es el momento de descubrir nuevas sensaciones.