El disco de la semana 234: Marquee Moon, Television

 

Me gusta hablar de discos de "culto", porque eso implica elevar la música a la categoría de "religión", termino quizá excesivo pero que da buena fe de la importancia que puede tener en la vida de las personas. Y aunque podamos asegurar, casi a ciencia cierta, que Eric Clapton no es Dios, y que Robert Johnson no hizo realmente un pacto con el diablo, también podemos aventurarnos a decir que hay discos que, en su perfección, nos hacen creer en la existencia de los milagros, o en el embrujo mágico de la luna, que afecta a las notas musicales casi tanto como lo hace con las mareas oceánicas.

Uno de esos discos que parecen tocados por una misteriosa varita mágica es Marquee Moon (1977), el primer álbum de estudio de los neoyorkinos Television. En lo que podría denominarse como el año clave del punk, optaron por un sonido experimental y de vanguardia, más cercano al art rock que en la época practicaban totems musicales como la Velvet Underground o David Bowie, que se sustentaba en las efectivas e imaginativas guitarras de Tom Verlaine (guitarra y voz principal) y Richard Lloyd (guitarra), y en el destacable trabajo de Fred Smith (bajo) y Billy Ficca (batería).

Con esas armas, se convirtieron de la noche a la mañana en la banda del momento de la escena underground de Nueva York, y en particular del CBGB, el club más emblemático de aquel movimiento, haciendo incluso sombra a grupos punk de la talla de los Ramones o los Stooges, cuando en realidad estaban plantando la semilla del post punk con un disco experimental que fue considerado por el New Musical Express como el cuarto mejor álbum de la historia, y la revista Rolling Stone la incluyó en el puesto 128 de los 500 mejores discos de todos los tiempos.

La declaración de intenciones es evidente ya desde See no evil, un tema que combina la actitud revolucionaria del punk con el que se codean, pero al tiempo muestra estructuras musicales más bizarras y una limpieza de sonido en las guitarras que la alejan de los arquetipos del por entonces nuevo estilo dominante. Con Venus y Friction siguen pisando el pedal a fondo y manejando el volante con firmeza, y aportando líneas melódicas y trabajadas letras que de nuevo les diferencian de la aspereza punk reinante. Tenían claro el sonido que querían para el disco, y en su camino para conseguirlo se permitieron incluso el lujo de rechazar a Brian Eno como posible productor, lo que seguramente les crearía más de una "fricción".

Tras el efectivo trío de arranque, llega el momento de deslumbrar con Marquee Moon, el tema que da título al disco, una suite rock de diez minutos con ritmos y estructuras que beben del jazz experimental y la improvisación, en largos tramos de guitarra en los que la habilidad de Verlaine y Lloyd queda en un nítido primer plano, mientras la base rítmica trazada por Smith y Ficca lleva en volandas al oyente a través de las diferentes partes de esta bohemia y decadente obra de arte.

Temas como Elevation, Guiding Light o Prove it mantienen el disco en un nivel de calidad tan alto como homogéneo, redundando en un sonido que suena fresco y a la vez intenso. Capítulo aparte merece el colosal cierre que supone Torn Curtain, que junto a Marquee Moon son las dos piezas en las que la improvisación y la experimentación son más evidentes, los máximos exponentes de un sonido que no sólo fue pionero en el momento, sino que influenció después a muchas bandas posteriores, y entre ellas cabe mencionar a otros ilustres neoyorquinos como Sonic Youth o The Strokes.

"Dios está en la televisión..." decía Marilyn Manson en "Rock is Dead". Probablemente se equivocaba, y al igual que Eric Clapton nunca fue realmente Dios, y Robert Johnson no hizo un pacto con el diablo, la "caja tonta" no tiene poderes sobrenaturales, salvo que en realidad se estuviera refiriendo a un grupo llamado Television, que en su debut fueron capaces de crear un disco de culto, que bajo el embrujo mágico de la luna sigue haciendo que seamos cada vez más fanáticos y creyentes, con cada nueva escucha de Marquee Moon.

0196: Don't Let Me Be Misunderstood - The Animals

 

Don't let Me Be Misunderstood

     

el 25 de enero de 1965, bajo el sello discográfico Columbia Graphophone en Reino Unido, y en febrero de 1965 bajo el sello MGM en Estados Unidos, The Animals publican el sencillo Don't Let Me Be Misunderstood. El tema es grabado en una sola sesión el 16 de noviembre bajo la producción de Mickie Most, conocido productor de la época y que produjo multitud de sencillos de éxito para artistas de la talla de los mencionados Animals, Suzi Quatro, Donovan, Hot Chocolate y Jeff Beck Group entre otros muchos.

El tema fue escrito por Bennie Benjamin, Horace Ott y Sol Marcus para la cantante y pianista estadounidense Nina Simone, quien graba el tema por primera vez en 1964. Benjamin y Marcus eran un dos compositores que solían trabajar juntos desde los años 40, y que habían escritos canciones para Elvis Presley o Sara Vaughan entre otros; y Ott era un arreglista que que había trabajado en temas para artistas de la talla de Nat King Cole y Aretha Franklin. La melodía y la línea de coro fue ideada en un principio por Horace Ott después de una pelea con su novia, y a la postre futura esposa Gloria Caldwell. Posteriormente éste presentó el material a Benjamin y Marcus, y juntos acabaron de componer y arreglar el tema. Según los expertos, este tema lleva implícito un mensaje en pro del Movimiento de los Derechos Civiles de la época, y es fiel reflejo de la vida y obra de Nina Simone, no en vano el tema fue escrito originariamente para ella.

El tema grabado por The Animals se convirtió en un auténtico éxito, traspasando fronteras y llegando Estados Unidos. En el Reino Unido llegó al puesto número 3 en las listas de ventas UK Singles Chart, en Estados Unidos alcanzó el puesto número 15 en la lista U.S. Pop Singles Chart, y en Canadá alcanzó el puesto número 4 en sus listas de ventas. Cuando el grupo interpretaba el tema en directo solía respetar y ajustarse a la versión grabada por el grupo, aunque a veces Eric Burdon ralentizaba la línea vocal llegando casi a ser hablada, recuperando así un poco el toque de Nina Simone en la canción.

0195: I can't explain - The Who

No puedo explicar lo que, siendo adolescente, supuso para mí ver la película Quadrophenia. Aquel film sobre el despertar del sexo, drogas y rock and roll en un grupo de adolescentes mods marcó la línea divisoria entre el tipo de cine que había visto y el que optaría por ver después, pero sobre todo abrió la puerta a otro tipo de música, la de los discos de los tíos y hermanos mayores, y que era muy distinta a la que se escuchaba en los ochenta. Con los rescoldos de la banda sonora de The Who en la memoria, me lancé a buscar material de aquella banda, y así fue como di con I can't explain.

No puedo explicar que tiene este tema de The Who en particular, que se editó como sencillo en diciembre de 1964 en Estados Unidos, y en enero del año siguiente en el Reino Unido, pero el que fue segundo sencillo de la por entonces emergente banda británica supuso el verdadero pistoletazo de salida a una brillante carrera que les posicionaría por derecho propio entre las míticas bandas de los años sesenta y setenta.

No puedo explicar cómo una canción que en realidad se basaba en los esquemas rítmicos de temas como Louie Louie o All day and all of the night puede sonar a la vez tan característica del grupo de Townsend y Daltrey. Tampoco tiene explicación que en uno de los primeros temas de una banda primeriza, se acaba descubriendo que el músico de sesión que tocó la guitarra rítmica​ era ni más ni menos que Jimmy Page.​ Pero en el fondo nada de eso importa, porque basta con poner I can't explain en el tocadiscos para que sobren las explicaciones, y sólo quede espacio para disfrutar de la música de The Who en estado puro.​

0194: What a shame - The Rolling Stones

Tras la publicación de su primer álbum con el título England's Newest Hit Makers y de ese experimento cargado de versiones titulado 12 x 5, The Rolling Stones estaban empeñados en conquistar el mercado americano y para eso iban a brindarles la oportunidad de descubrirlos mediante dos canciones originales publicadas en un single en diciembre de 1964. Las canciones fueron tos temas originales de Jagger y Richards, “Heart Of Stone” (de la que ya tenemos un artículo en el blog) y “What A Shame“.

Con este single el grupo no sólo consigue llegar al fin al top-20 en Estados Unidos sino que empiezan a demostrar que son mucho más que un excelente grupo de covers. “Heart Of Stone” y “What A Shame” son dos canciones fantásticas y, sobre todo la primera, pero no está muy lejos la segunda, una especie de blues donde la guitarra de Brian Jones brilla muy fuerte y alto y la vez dejan muy a las claras que tras el aspecto canallesco del grupo había mucho talento. El segundo de los temas también seria incluido un mes después en el segundo lanzamiento del grupo en Gran Bretaña, y se incluiría en el álbum The Rolling Stones nº2.  

Un país, un artista: Panamá - Billy Cobham

Billy Cobham

     William Emanuel Cobham Jr., más conocido como Billy Cobham es un baterista de jazz panameño-estadounidense que saltó la fama a finales de la década de los 60 y principios de los 70 por acompañar primero a Miles Davis y posteriormente por ser uno de los fundadores de la maravillosa banda de jazz fusión The Mahavishnu Orchestra.

Billy nace en Colón, Panamá el 6 de mayo de 1944, y se muda con su familia a Nueva York cuando tiene únicamente tres años. El padre de Cobham trabaja como estadístico en un hospital y toca el piano los fines de semana, por lo que no es raro que Billy comience a tocar la batería a los 4 años y con 8 ya se una y acompañe a su padre en sus actuaciones. A la edad de 14 años es aceptado en la prestigiosa The High School of Music & Art de Nueva York y recibe su primera batería como regalo.

 

En 1965 es reclutado por el ejército estadounidense y toca en una banda de dicho ejército. Después del ejército fue miembro del quinteto del pianista, compositor y arreglista de jazz Horace Silver. Por aquella época también fue músico de sesión para los sellos discográficos Atlantic Records y CTI (sello discográfico de jazz). Por aquellos años Billy funda un grupo de jazz rock llamado Dreams, y realiza una gira con Miles Davis, grabando dos de sus álbumes Bitches Brew (1970) y A Tribute to Jack Johnson (1971). 

Es en 1971 cuando Billy y el guitarrista John McLaughlin, quienes tocan con Miles Davis, deciden dejar a éste para fundar The Mahavishnu Orchestra junto al bajista irlandés Rick Laird, el teclista checoslovaco Jan Hammer y el violinista estadounidense Jerry Goodman. El grupo abarca un amplio espectro de sonidos que abarcan jazz fusión, jazz rock, rock progresivo y funk entre otros. 

En 1973 Billy deja The Mahavishnu Orchestra y debuta con su primer disco en solitario, Spectrum, álbum que sorprende tanto a su sello discográfico como al propio Billy, ya que consigue alcanzar el puesto número 1 en la lista Billboard de álbumes de jazz y el el puesto 26 en la lista Billboard 200. El legendario baterista, a partir de ahí, inicia una brillante carrera en solitario que compagina con proyectos paralelos y que sigue hasta día de hoy. Una carrera que abarca 38 álbumes en solitario además de innumerables colaboraciones con artistas de la talla de Stanley Turrentine, Mose Alisson, Ray Baretto, George Benson, The Brothers Johnson, James Brown, Ron Carter, Stanley Clarke, Miles Davis, Richard Davis Gil Evans, Roberta Flack, Peter Gabriel, Quincy Jones, John McLaughlin, Carly Simon, Gábor Zsabó, y Randy Weston, Jack Bruce, New York Jazz Quartet, Jazz is Dead, Mark Almond y George Duke entre otros muchos. 

En 7dias7notas creemos que es un digno representante del país panameño este descomunal baterista que además de tocar la batería imparte clases en línea desde el año 2011 en Billy School of Drums, escuela englobada en la ArtistWorks Drum Academy. Grandes son la influencia y legado que Billy ha dejado a lo largo de los años con su magnífico estilo a la batería, y muchos son los músicos que le han señalado como claro referente, entre los que se encuentran, sólo por citar algunos, Keny Aronoff, Danny Carey, Jimmy Chamberlain, Thomas Lang, Opeth, Chris Pennie, Mike Portny, Sivamani, Bill Stevenson, Jon Theodore y Tony Thompson. 

0193: I’ll Follow the Sun - The Beatles

0193: I’ll Follow the Sun - The Beatles 

I’ll Follow the Sun es una canción de la banda británica The Beatles y que está incluida en su disco Beatles For Sale.

   

Beatle For Sale marca un periodo en que las discográficas querían lanzar discos en las fiestas de fin de año, así que las sesiones de grabación de este disco empezaron en Agosto de 1964, y Lennon y McCartney tuvieron que ir en búsqueda de esas viejas canciones que tenían guardadas cuando simplemente eran una banda que tocaba en Pubs y bares de Hamburgo y en Liverpool, una de esas canciones rescatadas fue la balada I’ll Follow The Sun, que era del año 1959 y que era uno de los primeros canciones con la firma de  Lennon - McCartney.

La historia cuenta que esta canción fue escrita por Paul McCartney mientras pasaba unas vacaciones en familia un invierno en la casa de su familiar en Allerton, Liverpool. Paul McCartney comentaría en una entrevista que le harían "La escribí en un salón que daba de frente con el camino a Forthlin. Yo tenía apenas 16 años, y escribí I’ll Follow The Sun una mañana en que me levanté temprano. Recuerdo que venía saliendo de un fuerte cuadro gripal, y que tenía un cigarrillo – Yo fumaba desde los 16 años- de esos de algodón. Mientras estuve enfermo no fumé, pero cuando me sané y probé nuevamente un cigarro fue terrible, más si era de algodón. Bueno, recuerdo estar mirando por la ventana en ese salón, con mi guitarra y escribí la letra de una".

Finalmente un 18 de Octubre de 1964, la canción de McCartney se grabo en los estudios de Abbey Road, de manera oficial, I’ll Follow the Sun, se grabo en tan sólo ocho tomas, donde la ultima versión fue la elegida ya que era la que usaba las guitarras eléctricas.

Si bien la canción no fue lanzada como single por The Beatles en los 60’s, es considerada una pieza importante dentro del catalogo musical de esta gran banda que cambió todo en el aspecto musical.

Daniel 

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0192: Eight days a week - The Beatles

Eight Days a Week, acreditada a la dupla Lennon/McCartney, incluida en la versión inglesa del disco Beatles For Sale y publicada como sencillo en 1965 en Estados Unidos (dónde alcanzó el número 1 en las listas de ventas), era en realidad una composición de Paul McCartney en respuesta al tema de John Lennon "A hard day's night", una canción de su compañero que le parecía brillante.

Siguiendo la misma temática de trabajar duro para ganarse el amor de su amada, Paul McCartney dio con el título y el estribillo de la canción durante un trayecto en coche hacia la casa de John Lennon en Weybridge, a poca distancia del Sur de Londres. Cuando preguntó al chófer qué tal estaba, éste le respondió que estaba "trabajando duro, ocho días a la semana". A McCartney se le quedó aquella frase grabada en la cabeza, y construyó con ella uno de los estribillos más reconocibles de la banda: Eight days a week (Ocho días a la semana), I loo-o-o-ve you (Te quiero), Eight days a week (Ocho días a la semana), Is not enough to show I care (no es suficiente para mostrarte que me importas)

El grupo interpretó sólo una vez la canción en directo, el 28 de marzo de 1965 en el programa Thank Your Lucky Stars de la televisión inglesa, y 48 años después McCartney la incluyó en su gira de 2013, pero no volvió a ella en giras posteriores, en un extraño ejemplo de como ignorar una canción nº1, pero le perdonamos porque tratándose de los Beatles, y teniendo tanto entre lo que elegir, las semanas tendrían que tener ocho días para poder dar cabida en los conciertos a todos los temas memorables del grupo.

La música en historias: Neither Fish Nor Flesh - #MesTerenceTrentD'Arby

Neither Fish Nor Flesh, Terence Trent D'Arby

Después de ser coronado como el nuevo príncipe del pop por diversos medios de comunicación y de ganar un premio Grammy a la mejor interpretación vocal masculina de R&B y otro premio Soul Train al mejor nuevo artista por su álbum Introducing the Hardline According to Terence Trent D'Arby, el sello discográfico que tiene los derechos del artista, Columbia Records, reedita apenas unas semanas antes del lanzamiento de su nuevo trabajo The Touch, el disco de actuaciones de Terence con la banda The Funk en Alemania, y del cual ya hemos hablado en 7dias7notas.

Apenas unas semanas después, concretamente en octubre de 1989, Columbia Records publica Neither fish Nor Flesh, el segundo álbum en solitario del artista estadounidense. El disco es un compendio de temas donde Terence abarca géneros como el pop psicodélico, el rock, R&B o el funk. Si con su anterior disco Terence había ascendido al Olimpo de los grandes artistas, con éste iba a iniciar el descenso a los infiernos, pues supuso una gran decepción comercial, pasando únicamente cuatro semanas en las listas de ventas del Reino Unido, y gran parte de la crítica fue implacable, definiendo Neither Fish Nor Flesh como un disco autoindulgente y exagerado entre otras muchas cosas.

En mi opinión, la crítica fue implacable y desmedida hacia el artista, pues para Terence, lo fácil y cómodo hubiera sido seguir la línea de su álbum de debut, pero decidió arriesgar, no acomodarse y evolucionar, sacando un disco más intimista y  oscuro y duro en cuanto a sonido. El disco esconde muy buenas canciones, como I Have Faith in These Desolated Times, It Feels so Good to Love Someone Like You, To Know Someone Deeply is to Know Someone Softly, o This Side of Love, tema con un gran ritmo de garaje que ha sido comparado con trabajos de Prince, Grand Funk Railroad o Sly & the Family Stone.

En un principio Terence convence a la compañía discográfica, Columbia, para que no publique ningún sencillo del álbum, pero pasado un mes las ventas no iban como esperaban y la compañía veía como su gallina de los huevos de oro se desangraba, por lo que decide lanzar el tema This side of Love como sencillo del disco para paliar la mala recepción en ventas. 

 

Neither Fish Nor flesh es en líneas generales un buen disco, tuvo la mala fortuna de ser comparado con su antecesor, Introducing the Hardline According to Terence Trent D'Arby, una obra maestra. Otro de los factores que no ayudó nada en absoluto fue la poca predisposición de una compañía discográfica que desde un principio mostró su rechazo a este disco, pues esperaba material en la línea del anterior para seguir engordando la saca. De hecho, la maniobra de reeditar The Touch apenas unas semanas antes del lanzamiento de Neither Fish Nor Flesh da una clara idea del escaso apoyo por parte de la discográfica con el el que iba a contar Terence. Como afirmaría posteriormente Terence Trent D'Arby, "Neither Fish Nor Flesh fue el proyecto que literalmente mató a TTD, y de cuyas cenizas fundidas, comenzó la vida de Sananda". Pero eso es otra historia...

0191: Words of love.- The Beatles

En el álbum Beatles for Sale encontramos una canción escrita por Buddy Holly y grabada por él mismo en el 8 de abril de 1957. La canción no fue precisamente un éxito para Holly, aunque sea considerada como una de sus grabaciones más importantes y esté disponible en la mayoría de las compilaciones de Buddy Holly. “Words of Love” se remonta a marzo de 1957; Holly grabó la pista en Clovis Studio del productor Norman Petty en Clovis, Nuevo México. Un elemento importante de la canción es el uso de sobre grabaciones, una rareza en ese momento en el rock 'n roll. Según la biografía de John Gribbin Not Fade Away: The Life and Music of Buddy Holly , el cantante tenía dos partes de guitarra diferentes que quería tocar en un disco. Para lograr el efecto, Holly tuvo que grabar un segmento primero, luego la otra parte esencialmente encima. En otras palabras, la técnica implicaba "reproducir la primera grabación de una máquina de cinta a otra mientras las voces o instrumentos adicionales se grababan simultáneamente en la segunda cinta".

Lennon y McCartney eran unos auténticos fanáticos del sonido de Buddy Holly, “John y yo comenzamos a escribir gracias a Buddy Holly. Fue como, '¡Guau! ¡Él escribe y es músico! '”. La primera canción que Harrison, Lennon y McCartney grabaron en un disco fue “That’ll Be the Day” de Buddy Holly. Entonces conocido como los Quarrymen, el trío (junto con John “Duff” Lowe y Colin Hanton). Más tarde, cuando decidieron cambiar su apodo, se llamaron the "Beatles", en parte a una obra de teatro con el nombre del grupo de Holly "The Crickets". Tal era la admiración que este tema ya se encontraba en el repertorio del grupo cuando daban sus primeros pasos en The Cavern, aunque lo cierto que en aquella época los que interpretaban el tema eran Lennon y Harrison. Para su publicación en el álbum tomaron las riendas John Lennon y Paul McCartney, armonizaron las voces para esta y trataron de imitar la versión de Buddy Holly lo más posible y ser totalmente fieles a la original. Words Of Love fue la última canción grabada el 18 de octubre de 1964, durante la cual grabaron siete canciones en nueve horas en un apuro por terminar el álbum. Los Beatles grabaron la canción en dos tomas, junto con una sobre grabación vocal. Ringo Starr tocó una maleta junto con su batería, en homenaje a la actuación de Jerry Allison en 'Everyday' de Holly.

Canciones que nos emocionan: Soul Finger - The Bar-Kays

 

Soul Finger, The Bar-Kays

     El 10 de julio de 1967 la banda de Funky, soul y r&b The Bar-Kays debuta con su primer álbum de estudio, Soul Finger. El disco fue grabado en junio de 1967 en los míticos estudios Stax Records de Memphis. La banda había comenzado su andadura como banda de respaldo para los principales artistas del sello Stax, y ese año, 1967, también fue elegida por Otis Redding para que fuera su banda de acompañamiento. La carátula del álbum sugería un sentimiento de fiesta interracial, pues no en vano, no todos sus miembros eran de color, Ronnie Caldwell, que se encargaba del órgano, era el único miembro blanco de la banda.

Unos tres meses antes del lanzamiento el disco, la banda ya había lanzado su primer sencillo, Soul Finger, el cual supuso el primer gran éxito del grupo y que posteriormente fue incluido en su disco debut, dando además el título al mismo. El tema fue grabado durante una sesión de grabación en los estudios del sello Stax el 31 de marzo de 1967, y publicado como single por Stax bajo el sello Volt el 14 de abril de 1967. El tema se convirtió rápidamente en un éxito en Estados Unidos, alcanzando el puesto número 3 en la lista de U.S. Billboard R&B Singles. El éxito de este tema y el que ocupó la cara B, Knucklehead, escrito por los componentes de Booker T. & the MG's Booker T. Jones y Steve Cropper,  fue lo que desencadenó que el grupo grabara posteriormente nueve pistas más y lanzara su primer disco de estudio.

La canción fue escrita por The Bar-Kays mientras se encontraban ensayando con Norman West para realizar una versión de la canción But It's Alright de JJ Jackson. Soul finger comienza con la melodía de la popular canción infantil Mary Had a Little Lamb para luego pasar al riff principal, acentuado por el sonido de la trompea. El tema contiene unos coros que fueron realizados por niños. Mientras grababan, había un grupo de niños que se encontraban merodeando en los alrededores del estudio, y les pidieron que gritaran "Soul Finger" a cambio de unas bebidas refrescantes (coca-cola). La idea tanto del titulo como de los gritos de los niños fueron idea de los compositores del sello Stax Isaac Hayes y David Porter. 

0190 No Reply - The Beatles

 

No Reply, The Beatles

     El 4 de diciembre de 1964 The Beatles, bajo el sello discográfico Parlophone, publican su cuarto álbum de estudio, Beatles for Sale. El disco enseguida se posicionó en el puesto número uno de las listas de ventas británicas, permaneciendo en ese puesto durante siete semanas consecutivas.

Incluido en el disco se encuentra el tema No Reply, escrita por John Lennon y acreditada como era habitual al dúo Lennon / McCartny. El tema fue grabado el 30 de septiembre de 1964 en los EMI Studios de Londres, bajo la producción de George Martin, y con Norman Smith como ingeniero. 

No Reply fue escrita originalmente para Tommy Quickly, otro cantante de Liverpool que al igual que los Beatles también había firmado con el mánager Brian Epstein. Quicly nunca grabó ni lanzo la canción, por lo que Lennon y compañía decidieron usarla ellos mismos. El tema, que fue escogido para abrir Beatles for Sale, fue uno de los primeros de John Lennon en contar una historia completa, una triste historia que encajaba a la perfección con la melodía del tema. La historia nos relata como el chico llama a la puerta de la casa de su novia, pero esta no le abre la puerta, el sabe que ella está en casa y sospecha que le es infiel, pues la ha visto en la ventana. Sobre el tema, Lennon afirmó que se inspiró al venirle a la mente la imagen de estar caminado por la calle y ver a su chica por la ventana, entonces la llama por teléfono pero ella nunca contesta.

El disco de la semana 233: What Lies Beneath - Tarja Turunen

 

What Lies Beneath, Tarja

     Tarja Turunen es una cantante finlandesa con formación clásica con una tesitura de soprano-lírica, con lo que su voz ofrece una gran flexibilidad a la hora de interpretar todo tipo de tonos graves y agudos. Atrás queda el año 1996, cuando junto a sus compañeros Tuomas Holopainen y Emppu Vuorinen funda el grupo de metal sinfónico Nightwish.

Con Nightwish Tarja llegará a la cima, pero algo sucede entre el resto del grupo y Tarja, pues tras 9 años en la formación y cinco álbumes de estudio publicados, Tarja es expulsada por el resto de miembros a través de una carta abierta en 2005. La vocalista finlandesa cree entonces que es el momento de lanzar su carrera en solitario y en noviembre de  2006 aparece publicado Henkäys Ikuisuudesta, disco enfocado en la época navideña y donde todos los temas menos el que da título al disco son temas versionados. A este disco le seguirá My Winter Storm, publicado en noviembre de 2007, y donde Tarja abarca diferentes estilos musicales, tales como rock, metal, música clásica, pop o folk, y todos conectados a través de de su gran voz lírica.

Habrá que esperar casi tres años, concretamente hasta agosto de 2010, para que salga a la luz el tercer álbum de estudio de Tarja, para el que aquí escribe, de momento su ópera prima, su mejor trabajo en solitario, What Lies Beneath, el disco recomendado para la ocasión en 7dias7notas. El disco es grabado entre los estudios Petrax de finlandia y los estudios El Pie ubicado en Buenos Aires, Argentina. Es el primer disco donde Tarja se pone al frente de la producción, algo que repetirá a partir de entonces en todos su álbumes. Para la grabación del álbum Tarja cuenta con Alex Scholpp (Farmer Boys, Tieflader) a la guitarra, Doug Wimbish (Living Colour, Rolling stones, Madonna) al bajo, Christian Kretschmar (Schiller) a los teclados y el gran Mike Terrana a la batería. No se queda sólo ahí el elenco que participa en la grabación pues Tarja cuenta con la colaboración de Max Lilja (Apocalyptca) al Cello, Will Calhoun (Living Colour) a la batería, el grupo de metal a capella Van Canto, Phil Labonte (All That Remains, Shadows Fall) a las voces, Jason Hook (Alice Cooper, Vince Neil) a la guitarra, el trío de violinistas de la Lahti Symphony Orchestra Jyrki Lasonpalo, Pauline Fleming y Rémi Moingeonn, y el ilustre Joe Satriani a la guitarra.

En cuanto a la portada y el trabajo de arte del disco, éste es realizado por el fotógrafo alemán Jens Boldt, quien ya había trabajado en el anterior disco de Tarja (My Winter Storm) y que ya había trabajado con anteriormente con artistas de la talla de Iggy Pop, Tom Jones o Diana Krall entre otros. La foto deportada del álbum capta el rostro sombrío y misterioso de Tarja, el cual podemos ver en un primer momento hermoso y reluciente, pero si nos fijamos  detenidamente está escondiendo cicatrices, quemaduras y heridas que tapan parte de su rostro. La portada del disco capta perfectamente el concepto del mismo, ya que con What Lies Beneath, Tarja pretende descubrir lo que yace debajo de la superficie, lo que realmente hay detrás de las personas, esas cosas que no se ven a simple vista. 

What Lies Beneath es un disco claramente orientado al metal sinfónico, un trabajo más oscuro, metalero y directo que su anterior trabajo, y es que Tarja decide salir de su zona de confort para mostrarnos quien es verdaderamente y de lo que es capaz, y el resultado no puede ser mejor pues nos regala diez temazos. Comienza el álbum con Anteroom of Death, un tema teatral de corte dramático donde los teclados barrocos junto con los coros del coro Van Canto y el potencial desplegado por Tarja en la interpretación con unos cánticos finales en plan ópera, hacen de ésta canción una de las mejores del disco. Until My Last Breath, un medio tiempo sencillo y pegadizo con los teclados y la guitarras como protagonistas y que fue el primer sencillo del disco. Sobre este tema se grabaron dos videoclips, el primero fue grabado por Tarja en finlandia, y muestra escenas de un buceador yendo hacia el fondo del mar, y al ver a una sirena, Naiad, que representa una ninfa en la mitología griega que vive en las aguas de los ríos, océanos, mares o lagos, decide volver a la superficie. El segundo vídeo comienza con Tarja tocando en un bar donde apenas algunas personas le prestan atención, su carrera ha caído y se encuentra en horas bajas. Posteriormente se muestra un noticiario anunciando la muerte de Tarja. I Feel Inmortal, otra de las canciones que fueron lanzadas como sencillo del disco, una bella semi balada  que además tiene un videoclip magnífico grabado en las playas de Islandia. In For A Kill, otro de los momentos álgidos del disco, un tema sombrío y oscuro de corte gótico que contiene una sección orquestal magnífica y donde Tarja exprime todo su potencial lírico. Un tema que nos habla de los tiburones y de como se les acusa injustamente de ser asesinos. Underneath, otra gran balada donde Tarja nos vuelve a mostrar su capacidad para emocionar y crear ambientes con sus líneas vocales. Little Lies, uno de los temas más metaleros del álbum con una muy buenas guitarras.

Rivers Of Lust, otro de los temas lentos del disco, con un gran trabajo de piano y cello que envuelven la voz de Tarja llena de matices operísticos. El tema es una crítica en toda regla a los pedófilos y de como muestran una doble cara hacia la sociedad. Dark Star, tema contundente y cañero cantado a dúo con Phil Labonte, ideal para agitarnos y desgañitarnos. Magnífico el comienzo con aires orientales y las voces guturales de Labonte quedan muy bien insertadas. Falling Wake, magnífico tema donde podemos disfrutar de un sólo espectacular de Joe Satriani que colabora en el tema incluido en el álbum, pues este tema fue grabado por tres guitarristas diferentes, Satriani en la versión del álbum, Jason Hook en la versión del sencillo y el argentino Julián Barrett en la versión de descarga gratuita del disco. The Archive Of Lost Dreams, tema donde Tarja vuelve a basarse en el personaje de Naiad, la ninfa de la mitología griega, y donde los violines crean una maravillosa e intimista atmósfera. Cierra éste magnífico álbum Crimson Deep, tema de más de siete minutos de duración que cuenta con la colaboración del baterista Will Calhoun, y donde Tarja de adentra sin miedo y con mucho acierto en los sonidos del metal progresivo. 

Y si todavía os quedan ganas de escuchar más, pues es lo que a mí me ocurrió con este discazo de Tarja, una de las indiscutibles reinas del metal sinfónico, podéis encontrar una edición limitada que se lanzó de este disco con cuatro bonus tracks, We Are, Naiad, un cover del tema de whitesnake, Still Of The Night y un tema de Scorpions donde Tarja colabora, The Good Die Young. 

0189.- Be my baby - The Ronettes

0189.- Be my baby - The Ronettes

Be My Baby se publico en el año 1963 y fue escrita y compuesta por Phil Spector, Jeff Barry y Ellie Greenwich, pero no fueron ellos los que interpretaron la canción sino el grupo The Ronettes. The Ronettes fue una banda producida por el mismo Phil Spector a quien se le atribuye grandes éxitos y un estilo.

El sencillo del la canción logro bien ser lanzado alcanzar el puesto número 2 de la lista Billboard Hot 100 en los Estados Unidos, en cambio en la lista británica Record Retailer alcanzo el puesto número 4. 

Be My Baby se asocia como la cúspide del muro de sonido de Phil Spector y llegó hacer una de las canciones más famosas y más admiradas de su época. La critica ha escrito sobre esta canción: "Ni más ni menos Brian Wilson ha declarado que “Be My Baby” es la mejor canción pop grabada en la historia, punto". Según el sitio agregador de listas Acclaimed Music, es la 7.ª canción más aclamada por los críticos de todos los tiempos.

En su autobiografía, la vocalista principal Ronnie Spector cuenta que estaba de gira con Joey Dee and the Starlighters cuando "Be My Baby" fue incluida por Dick Clark en la American Bandstand como "el disco del siglo".

La batería está tocada por Hal Blaine. Darlene Love y Cher fueron parte del coro.

Su vocalista Ronnie Spector, vocalista principal de The Ronettes y exesposa del productor discográfico Phil Spector, junto a su banda logró numerosos éxitos musicales a principios de los años 60. Fue conocida como "la chica mala del rock and roll". 

Daniel 

Intagram Storyboy

0188 Heart of Stone - The Rolling Stones

 

Heart of Stone, The Rolling Stones

     Heart of Stone es una canción de la banda The Rolling Stones, y fue escrita y compuesta por Mick Jagger y Keith Richards. El tema fue grabado el 2 e noviembre de 1964 en los RCA Studios de Hollywood, y fue publicada en diciembre de 1964 como sencillo por la compañía discográfica London en Estados Unidos, e incluida en un EP por la discográfica Decca en Reino Unido. Posteriormente la canción fue incluida en el álbum The Rollin Stones, Now!, publicado en febrero de 1965 para el mercado estadounidense, y también en el álbum Out of Our Heads, publicado en septiembre de 1965 para el mercado británico.

El tema, inspirado en el blues y el R&B de la época, fue grabado por Mick Jagger a los mandos vocales, Keith Richards y Brian Jones a las guitarras, Bill Wyman al bajo, Charlie Watts a la batería y Jack Nietzsche al piano y la pandereta. Jack Nietzsche fue un importante intérprete, productor y arreglista que trabajó para The Rolling Stones y otros muchos artistas de rock. Se hizo famoso trabajando durante los años 60 como arreglista junto a Phil Spector, y ayudo a crear el famoso sonido Wall of Sound que hizo famoso a grupos como The Ronettes, The Crystals y The Righteous Brothers entre otros. 

El tema se convirtió en el segundo éxito del grupo británico en Estados unidos, alcanzando el puesto numero 19 en las listas de ventas de dicho país. En cuanto a la temática del tema, nos habla de un mujeriego que alardea de tener un corazón de piedra y su última conquista tampoco le romperá el corazón, algo de lo que ni el mismo está seguro.

0187.- Venecia sin ti - Charles Aznavour

 

Estáis dispuestos a sentir la tristeza, la melancolía, incluso el dolor, solo tenéis que empezar a escuchar los primeros acordes de este tema, la música arranca por una sección de cuerdas in crescendo y el piano reparte sus notas tristes convirtiéndose en el preludio de una voz perfecta que se abre paso por la música y la entrada de la orquesta… y quien es el protagonista de esa voz, alguien que sin duda nos ha acompañado en muchos momentos, Charles Aznavour, nacido como Shahnourh Varinag Aznavourián Baghdasarian, nace en París en 1924 dentro de una familia de refugiados que habían escapado del genocidio armenio, desde muy pequeño tenía una gran predilección por las artes escénicas, y el canto iba a ser su futuro, ya con 11 años debuta en los teatros hasta que en 1941 y tras un encuentro fortuito conoce a Pierre Roche con el que compondrá alguno de sus mejores temas y formará un dúo, no les iban demasiado bien las cosas en el escenario, y tienen la fortuna seis años más tarde de su andadura de ser teloneros de la gran Edith Piaf, aun así su carrera estaba totalmente estancada, no les espera un futuro muy halagüeño y la desesperación empieza a reinar en el dúo hasta el punto que su compañero decide dejarlo todo y partir a Canadá en busca de un nuevo futuro, Charles decide pelear por su sueño, y en 1955 cambia todo cuando su Sur Ma Vie se convierte en todo un éxito dándole la oportunidad de componer para las grandes divas del momento

 

Hoy no detenemos en Venecia, en una Venecia sin ti, y en una de las más bellas canciones de amor, Aznavour hizo del amor una forma de vida y estaba dispuesto a cantarle de todas las manera posibles, haciendo hincapié en las más dolorosas, quizás porque lo tenemos idealizado, porque detrás de cada amor fracasado hay una historia de dolor y soledad y el Armenio estaba dispuesto a explotar ese filón, esta canción es la demostración, basta detenerse un poco en su letra y a tus oídos llega la tristeza de un amor que muere en Venecia, aún queda tiempo para recordar los buenos momentos, describir ese escenario donde lo disfrutas, pero toda la belleza del lugar no puede compensar el dolor por una relación rota, ya no hay sitio ni para las lágrimas en unos ojos decepcionados. Venecia es patrimonio del mundo, tal y como lo fue Aznavour, por esa razón esta canción ha sido cantada en distintos idiomas (inglés, francés, español y por supuesto Italiano) podemos buscar la canción en cada uno de los idiomas y en todos encontraremos un nexo común, la temblorosa y la melancolía voz de Aznavour clamando por el amor que pudo haber sido, de hecho, que fue, pero que en la actualidad solo queda un amargo recuerdo que pasea en una góndola en Venecia.

Un país, un artista: Nueva Zelanda - Split Enz

 

Split Enz

     Si hablamos de Nueva Zelanda, uno de los grupos que nos vienen a la mente inmediatamente es Split Enz, grupo que mezclaba música rock, vodevil, swing, pop y punk, y que fue además el primer grupo Kiwi que se dió a conocer en Europa y América.

A principios de 1970 Tim Finn conoce a Johnatan Chunn en el Sacred Heart College, donde cursan sus estudios y se hace buenos amigos. Apasionados ambos por la música se dedican a escribir canciones, y cuando tienen un buen puñado de ellas escritas deciden formar un grupo junto a Noel Crombie, Philip Judd y Rob Gillies, todos estudiantes de arte de la Universidad de Aukland, y deciden llamarse Split Enz. En abril de 1973, gracias al amigo de la banda y primer mánager Barry Coburn, consiguen publicar su primer single, For You / Split Ends. El grupo comienza a tocar en diferentes programas de televisión a pesar de que que Philip Judd se muestra reacio. 

En 1974 se incorpora al grupo el tecladista Eddie Rayner "The Proof", quien además de permanecer en el grupo hasta el final fue determinante para la definición del estilo y el sonido del grupo. El grupo a partir de ese momento empieza a elaborar una estética que consiste en peinados, trajes y maquillajes muy llamativos, consiguiendo así provocar un gran impacto visual en sus actuaciones. Tim Finn y Phil Judd eran los encargados de crear canciones y Noel Crombie del diseño de trajes, carteles, insignias, etc,. El grupo empieza a añadir a sus conciertos elementos teatrales inspirados en el cine expresionista, el circo o el mundo gótico. 

En 1975 el grupo decide dar el salto a Australia, obteniendo una acogida irregular, pero para entonces ya se han convertido en un grupo de culto entre sus seguidores. La compañía discográfica Mushroom Records, sello independiente australiano, se fija en ellos y los contrata. Bajo este sello discográfico publican su primer álbum de estudio, Mental Notes, el cual sólo consigue alcanza un discreto séptimo puesto en las listas de ventas de Nueva Zelanda. A pesar de no conseguir despegar, el guitarrista y productos británico Phil Manzanera se ha fija en ellos y se muestra impresionado, ofreciéndose a producir su siguiente álbum en Londres. Así ve la luz su segundo disco, Second Troughs, publicado en Reino Unido y Australia. La extraña apariencia y sus controvertidas actuaciones desconciertan a la crítica y público británico mientras que en Australia y Nueva Zelanda van ganando cada vez más adeptos. 

En 1977 el grupo se embarca en una gira de 23 días por Estados Unidos con la idea de consolidar el grupo, pero sucede todo lo contrario, pues dos de los miembros fundadores, Phil Judd y Mike Chunn, deciden abandonar el grupo. Tim Finn decide entonces asumir más responsabilidad en el grupo. Los músicos son sustituidos por el bajista Neil Griggs y por el vocalista y guitarrista Neil Finn, hermano menor de Tim, quien con el tiempo acabará cogiendo las riendas del grupo junto a su hermano. Ese mismo año, 1977, el grupo publica su tercer álbum de estudio, Dizrythmia, grabado también en Londres, consiguiendo nuevamente un mayor éxito en Australia y pasando ciertamente de puntillas en Reino Unido. 

1978 es un año difícil para la formación, pues tienen muchas deudas y no pueden conseguir actuaciones ni contratos de grabación, sin embargo continúan ensayando y componiendo temas. El premio a tanta persistencia les llega con una subvención de parte del Consejo de las Artes de Nueva Zelanda. Gracias a esto consiguen grabar varios sencillos y publicar su cuarto álbum de estudio, Fenzy (1979), grabado en los Manor Studios de Oxford, Inglaterra. 

Pero será en 1980, con la publicación de su quinto álbum de estudio, True Colors, cuando consiguen un gran éxito. El disco es considerado como uno de los álbumes pop más importantes e influyentes de la historia de Nueva Zelanda. Incluido en True Colors se encuentra el sencillo I Got You, tema compuesto por Neil Finn y que además de su gran éxito en Australia y Nueva Zelanda sería el que les situaría en el plano internacional consiguiendo un gran éxito. La portada del disco fue editada en distintos colores, y la más reconocida en verde, naranja, blanco y negro. Para el diseño del dibujo del vinilo se utilizó la técnica llamada "laser-etching", que hacía que se reflejara la luz alrededor de la habitación donde sonara el LP, y además dificultaba su falsificación.

El grupo edita en 1981 su siguiente trabajo, Waiaita/Corroboree, el cual obtiene buenas ventas pero no se acerca a True Colors, que ha dejado el listón muy alto. A este disco le seguirá en 1982 Time and Tide, disco que se ve envuelto en cierta polémica, pues al tema incluido Six Months In A Leaky Boat, fue retirado de las radios inglesas al creer que era una crítica a la Guerra de las Malvinas, algo que el grupo siempre negó. En 1984 publican Conflict Emotions, disco que sería el último donde uno de los hermanos y fundador del grupo, Tim Finn, decide abandonar Esplit Enz, quedando al frente de una banda donde no quedaba ya ningún miembro fundador Neil Finn. Con Neil al frente el grupo publica Se Ya 'Round, disco concebido para ser la despedida de grupo. Éste útimo trabajo de la banda no obtiene demasiado éxito y es publicado únicamente en Australia, Nueva Zelanda y Canadá. Una vez acabado el proyecto de Split Enz, Neil Finn forma una nueva banda llamada Crowed House junto a  los australianos Paul Hester y Nick Seymour. 

Tras la separación, Split Enz han tenido varias reuniones a lo largo de los años 90, y posteriormente en 2006 y en 2008. La reunión de 2008 contó con la formación más exitosa de la banda, Neil Finn, Tim Finn, Noel Crombie, Eddie Rayner, Malcolm Green y Nigel Griggs. Durante los aproximadamente 12 años de vida, Split Enz consiguió convertirse en uno de los grupos más importantes de Nueva Zelanda y Australia, donde son considerados como un grupo de culto, además de conseguir abrir fronteras internacionalmente en países como Reino Unido, Estados Unidos y Canadá. 

0186.- Don't Let Me Be Misunderstood - Nina Simone

Siempre es un placer regresar a Nina Simone, en esta ocasión nos detenemos en el album Broadway Blues Ballads, y el tema que abre este gran álbum, sin duda una de las grandes canciones de la cantante. Don't Let Me Be Misunderstood, escrita y compuesta por Horace Ott, dedicada a su novia y futura esposa Gloria Caldwell, y se la presentó a los otros dos compositores, Ben Benjamin y Sol Marcus, para el disco de la gran que estaban preparando para Nina Simone, y por motivos contractuales no podía figurar su nombre junto a los de Benjamin y Marcus, así que puso el de la pareja. Horace Ott, se encargó de la producción del tema, de los arreglos y de organizarlo absolutamente todo, pero los otros se llevaron la gloria. Nada mas escucharlo quedaron hechizados por la música y el tono que le podia dar Nina Simone haria el resto, decidieron que iba a ser la estrella del disco que iban a publicar... pero se equivocaron, la versión original aparece en el álbum Broadway-Blues-Ballads, y es muy lenta, con orquesta, arpas, coros a lo gospel y una introducción prácticamente hablada más que cantada. Aunque Simone ya era conocida entonces, este tema no tuvo prácticamente ningún éxito, sin embargo la esencia estaba ahí y llegaron The Animals, que venían del éxito absoluto de "The house of rising sun" y trasformaron la canción, dotándola de un etilo mas rockero, y que es la que empieza con el riff que seguramente os suene. A raíz de esta versión la fama del tema se hizo eterna y ha sido versionado por artistas como Joe Cocker, The Animals, Gary Moore, Elvis Costello, Cindy Lauper ó Dire Straits entre otros. Si antes no la habíais escuchado, se hace extraño el tempo tan tranquilo que tiene el tema y nos costara valorarla, pero desde luego es una gran interpretación de la misma, y tiene un arreglo de cuerdas realmente bueno.

La temática de la canción versa sobre alguien que ha hecho una tontería que ha ofendido a su pareja, y entonces le pide perdón argumentando que, como ser humano que es, tiene sus fallos y sus defectos, sin embargo, otras personas han querido ver una interpretación ulterior en la voz de Simone, relativa al Movimiento de Derechos Civiles, Según los expertos este tema representa y es fiel reflejo de la vida y la carrera de Nina Simone pero algunos van mas allá y ven en ella un implícito mensaje por el Movimiento de los Derechos Civiles ya que en la época en la que fue publicada la gran cantante estaba muy comprometida con este movimiento, quizás no sea así o si, pero dado que las canciones son susceptibles de interpretaciones y reinterpretaciones no descartamos ninguna de las dos versiones. Este single está catalogado por la revista Rolling Stone en el puesto nº 322 de su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

The Touch With Terence Trent D'Arby - Early Works Album #MesTerenceTrentD'Arby

The Touch With Terence Trent D'Arby - Early Works Album

Este mes hablamos de un artista muy particular, hablamos de Terence Trent D'Arby, que ha nacido bajo el nombre de Terence Trent Howard en el barrio de Manhattan en el año 1962.

Su madre Frances Howard, cantante de gospel, maestra y consejera. Frances Howard se casó con el obispo James Benjamin Darby, quien se convirtió en su padrastro y lo crió. Tomó el apellido de este padrastro y luego agregó el apóstrofe.

Terence antes de convertirse en un musico, paso por diferentes experiencias se entrenó como boxeador en la ciudad de Orlando y con el esfuerzo en el año 1980 ganó el campeonato de peso ligero Florida Golden Gloves. Esto le permitió recibir una oferta para asistir a la escuela de boxeo en el ejército de los Estados Unidos, pero fue a la universidad.

Después de inscribirse en la Universidad de Florida Central, renunció un año después y se alistó en el Ejército de los Estados Unidos. Estuvo destinado en Fort Sill, Oklahoma, y ​​luego sirvió en la 3.ª División Blindada, cerca de Frankfurt, Alemania Occidental. Fue formalmente sometido a consejo de guerra y dado de baja deshonrosamente por el ejército en abril de 1983 después de ausentarse sin permiso.

Mientras estaba en Alemania Occidental, trabajó como líder de banda con la banda The Touch, lanzando un álbum de material llamado Love On Time (1984). Más tarde fue reeditado en 1989 como Early Works después de su éxito mundial como solista. En 1986, se fue de Alemania Occidental a Londres, donde tocó brevemente con The Bojangles. En Londres firmó un contrato de grabación con CBS Records.

Este álbum fue editado en el año 1984, y estaba compuesto de 10 canciones, y tuvo una re- edición en el año 1989.

1 - Don't Call Me Up
2 - I Want To Know (International Lady)
3 - Cross My Heart
4 - Eggs + Coffee
5 - Weekend
6 - Passion
7 - Long Way
8 - Immaterial
9 - Somebody Else
10 - Get Up And Run

Daniel
Instagram Storyboy

0185 Sapore di Sale - Gino Paoli

 

Sapore di Sale, Gino Paoli

     En 1963, el músico y cantautor italiano Gino Paoli, uno de los grandes representantes de la música italiana de los años sesenta y setenta, escribe la famosa canción Sapore di Sale. La canción contó con los arreglos hecho nada menos que por el gran Ennio Morricone. El tema fue publicado por el sello discográfico RCA Italiana como sencillo en 1963, ocupando la cara A, y siendo acompañado en la cara B por La Nostra Casa. El año siguiente, 1964, Gino Paoli publica también con RCA Italiana su tercer álbum de estudio, Basta Chiudere Gli Occhi, y el tema Sapore di Sale es incluido en dicho disco.

El tema  rápidamente se convirtió en el mayor éxito de Gino Paoli, y también en una de las canciones más importantes de la música contemporánea italiana. El sencillo lanzado en 1963 alcanzó el puesto más alto en las listas de éxitos italianas y traspasó fronteras convirtiéndose en un éxito internacional. El tema, cuya letra narra un típico día de vacaciones en el mar durante el cual un hombre toma el sol en la playa mientras su pareja se baña en el agua y donde los días transcurren ajenos e indiferentes a la realidad del mundo real, es considerado como un "Himno del verano", que simboliza el acceso de la gente corriente al turismo del sol y la playa gracias al milagro económico que sucedió en Italia tras las penurias de la posguerra. 

Gino Paoli se inspiró en la actríz italiana Stefania Sandrelli, para componer el tema. Gino, en 1962 y mientras estaba casado y con una hija, comenzó una relación sentimental con Stefania cuando ella contaba únicamente con 16 años de edad, y de aquella relación nació en 1964 la hija de ambos, Amanda Sandrelli. Mientras el tema escalaba en las listas de ventas y  se asentaba como uno de los  mejores de la música italiana, Gino Paoli tuvo un fallido intento de sucidio en julio de 1963 mediante un disparo a la altura del corazón. Milagrosamente sobrevivió, pero fue imposible extraérle el proyectil de la cavidad torácica, donde quedó alojado el resto de su vida.

La música en historias: Comienza el #MesTerenceTrentD'Arby

 

Uno de mis primeros recuerdos asociados a la música es un reproductor y grabador de cassettes que mi padre me regaló cuando tenía apenas trece años. Era uno de esos reproductores horizontales, de apariencia similar a la de una vieja grabadora, en el que se pulsaba el botón "stop/eject" y se levantaba una tapa para poder meter la cinta de cassette. Después empujabas la tapa hacia abajo y pulsabas el botón de "play", y entonces, entre un efecto de sonido distorsionado que parecía simular el buen hacer de la aguja entre los surcos de un vinilo, una voz desgarrada bramaba a través de los pequeños altavoces internos del reproductor: "If you all get to heaven...". Tras un breve silencio, el coro y la banda estallaban al unísono, en una intro que hacía honor al título de aquel cassette: Introducing the hardline according to Terence Trent D'Arby.

Hoy, varios trece años después, y con la espina clavada de no haber conservado aquel reproductor de cassettes que tantas veces llenó mi cuarto de coloridas e intensas notas, sigo escuchando los discos de Terence Trent D'Arby en muchos otros formatos y situaciones, y no he encontrado aún un cantante que se acerque a lo que este controvertido artista me aportaba con una voz capaz de los registros más ásperos y desgarrados de un James Brown (para ejemplo literal no hay más que escuchar la versión extendida de Dance Little Sister, que acaba convirtiéndose en Sex Machine), y al tiempo capaz de desenvolverse también en los tonos más suaves y delicados de un Sam Cooke (aquí el claro ejemplo sería la impactante versión de A change is gonna come, con el respaldo de Booker T. and the MG's como banda de acompañamiento).

Una voz privilegiada y un compositor excelente, multi-instrumentista al igual que su coetáneo Prince, por el que siempre profesó una gran admiración (el vídeo de Sign your name es todo un guiño al motorizado The Kid de Purple Rain), que llenará de color y de ritmo el mes de Julio en 7días7notas. "Conocer a alguien en profundidad, es conocer a alguien suavemente" decía en una de sus mejores canciones, y eso es lo que intentaremos hacer durante el #MesTerenceTrentD'Arby. Tomad asiento, poneros cómodos, porque la cinta de cassette ya está dentro del reproductor. Hemos bajado la tapa, y estamos a punto de pulsar "play". Al hacerlo, los cabezales giran y la voz desgarrada vuelve a sonar, una vez más, a través de los pequeños altavoces: "If you all get to heaven...".Los pelos como escarpias. El #MesTerenceTrentD'Arby.

0184: Time is on my side - The Rolling Stones

Time is on my side es un tema escrito por Jordan "Jerry" Ragovoy (bajo el pseudónimo de Norman Meade), conocido por crear las letras de varias canciones relevantes del rock y el soul en los sesenta, como "Piece of My Heart", grabada originalmente por Erma Franklin y popularizada después por Janis Joplin, para quien también escribió "Cry Baby".

Los Rolling Stones realizaron dos versiones de Time is on my side. La primera versión se publicó como sencillo en 1964, apareciendo además en el disco 12 x 5, y se diferencia de la versión posterior en la intro de órgano y por contar con la aportación de Brian Jones en las partes vocales, mientras que la segunda versión, incluida en el disco The Rolling Stones Nº2, tiene una intro de guitarra.​

Time is on my side fue la primera canción de los Rolling Stones que llegó a las primeras posiciones de las listas estadounidenses, llegando hasta el puesto nº 6. Habitual en los conciertos de la banda durante los años sesenta, desapareció de las giras durante las décadas posteriores (salvo las giras del 81 y 82). La banda la repescó para la gira de "Bridges to Babylon" en 1998, quizá para aprovechar el impulso comercial de la inclusión del tema en la película Fallen, protagonizada por Denzel Washington ese mismo año. En el film, un diablo que tenía la capacidad de saltar de una persona a otra con solo tocarla, cantaba inquietante la canción de sus satánicas majestades, confiado en que el tiempo estaba realmente de su lado. 

0183: There, but for fortune - Joan Baez

 
En Octubre de 1964, Joan Baez grabó There, but for Fortune (Ahí, pero por fortuna) para su disco Joan Baez / 5, y fue lanzado como single en 1965. El tema había sido escrito originalmente por Phil Ochs en 1963, pero el éxito de la versión de Baez eclipsó la versión que el músico folk estadounidense grabó para el disco recopilatorio New Folks Volume 2 en 1964. "Ahí, pero por fortuna, puede que vayas tú o yo" dice la letra de la canción, y en esa especie de duelo Joan Baez resultó ser la ganadora en las listas de éxitos, hasta el punto que en 1966, en el disco en directo Phil Ochs in Concert, que recogía grabaciones en el Carnegie Hall de Nueva York y el Jordan Hall de Boston, Phil Ochs presentó irónicamente There, but for Fortune como una canción escrita para él por Joan Baez.

La letra de la canción es una intensa descripción de la decadencia de la humanidad, describiendo las penurias de un prisionero en el primer verso, de un vagabundo en el segundo, y relatando en el tercero la triste escena de un borracho saliendo a trompicones de un bar, antes de referirse en el cuarto y último verso a un país destrozado por los bombardeos. Un tema tan impactante no podía faltar en la celebración del final de la guerra de Vietnam en abril de 1975, y se incluyó en el programa del mitin "War is over" que se celebraría el 11 de mayo de ese mismo año en el Central Park de Nueva York. Allí, por fortuna, el "padre biológico" y la "madre adoptiva" de la canción se encontraron por fin, interpretando a dúo There but for Fortune, con la esperanza de que aquello fuera el principio de un mundo muy distinto al que la canción describía.

Disco de la semana 232: Bares y Fondas - Los Fabulosos Cadillacs

Disco de la semana 232: Bares y Fondas - Los Fabulosos Cadillacs

En la Argentina de los años 1986 se estaba dando un recambio generacional en la música, los ya consagrados artistas y bandas ya estaban en la cresta de la ola, el auge de los boliches (discos) y de interminables horas de emisiones radiales y de televisión, avivaban a una generación nacida en los años '60, y criados en plena dictadura militar, comenzar a emerger tomando esa pesada herencia, pero también como cimiento para una nueva movida musical que se avecina.

En esa efervescencia de esos años, fueron naciendo bandas que luego serían la gran relevancia en la historia del rock latinoamericano, que en esos años todavía estaba disperso y escasamente conectado entre sí. Una de ellas fue Los Fabulosos Cadillacs, surgida en 1985, cuyo primer disco, Bares y fondas

Los Fabulosos Cadillacs ya habían tocado en boliches como Blues, Stud Free Pub, La Esquina del Sol, Fire y Látex sitios de la movida de esos años en Buenos Aires. Pero en la segunda mitad de 1985 firmaran un contrato con Interdisc y comenzaron a grabar un álbum producido por Daniel Melingo, que en ese entonces formaba parte de Los Twist. Originalmente se iba a llamar Noches cálidas en bares y fondas, pero finalmente recortaron el nombre.

Este primer disco de Los Fabulosos Cadillacs se nutre en forma directa de la influencia de la segunda ola de ska que a partir de los últimos años de la década del 70 se estaba dando en Inglaterra. y esto se ve reflejado en canciones como “Silencio, hospital” y “Vos sin sentimiento”, la referencia a bandas como Madness y The Specials como influencia, incluso en la forma en que se vestían y hasta en la tapa del disco, que tiene un marco bordeando la foto, con el clásico cuadriculado blanco y negro que caracterizaba esa movida ska británica. También es posible reconocer algo de The Clash (no es casual que años después, en El ritmo mundial, el disco de 1988, hicieran un cover de “Revolution rock”), y del pospunk de Joy Division.

En este su primer disco se puede ver una influencia del rock y el reggae de Sumo un referente ya de la música y del Rock Argentino, que también era cercano, a su modo, a Joy Division en canciones como “Tus tontas trampas” y “En mis venas”, en las que Vicentico la voz del grupo, canta muy a la manera de Luca Prodan voz de Sumo esa influencia local se puede ver reflejada en otras bandas, y temas del disco, “La manera correcta de gritar” y “Bares y fondas” perfectamente pueden considerarse canciones primas hermanas de otras como “El jorobadito”, de la banda Los Decadentes, y del rockabilly del grupo Los Twist en canciones como “Belcha” y “Yo quiero morirme acá”. Toda esta influencia del Rock Argentino en auge de bandas ya consagradas se puede ver como dato ilustrativo en el disco En vivo en Buenos Aires, de 1994 que la banda edita, y que incluye versiones de la banda Sumo (“No acabes”), The Clash (“The guns of Brixton”) y The Specials (“You’re Wondering Now”). Hay un tercer componente del sonido que la banda incorpora en este disco lleno de influencias y es la  corriente de música instrumental de los 60 y 70 a lo Frank Pourcel, Burt Bacharach, Henry Mancini, y esa influencia puede apreciarse en “Galápagos”.

Los Cadillacs fueron una presencia constante en la televisión, principalmente en programas de adolescentes. Sin embargo, este primer disco no tuvo la repercusión que tendría otros discos por venir, pero no por ello hay de dejar en el olvido esta primera obra de la banda. La popularidad creciente de la banda los hizo conocidos en otros países de América Latina, lo que los llevaría a un progresivo cambio en su estilo. La banda pasaría a ser uno de los puntales de ese nuevo fenómeno del rock latino, No dejaron de ser lo que eran, aunque hubo un cambio grande, al punto de que, para muchos de los fans nuevos de la banda, discos como Bares y fondas y otros de sus discos como Yo te avisé son una rareza.

El disco es bastante imperfecto y la banda se oye todavía en formación en este su primer álbum, como en busca de un sonido propio se puede destacar la potencia de los vientos. La crítica les cuestionó la liviandad de su propuesta, otros lo desafinado y desprolijo de su sonido. Pero este disco no deja de ser un valioso documento para entender el momento de transición que se estaba dando en el Rock Argentino y latinoamericano en momentos previos a una internacionalización que, aunque para algunos pueda ser polémica y cuestionable, no deja de ser un hito que cambió radicalmente la música en español.

Daniel

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0182 Downtown - Petula Clark

 

Petula Clark nació en Epsom, Surrey, Inglaterra el 15 de noviembre de 1932, provenía de una familia de artistas y desde muy pequeña cantaba en la parroquia de su barrio. Con 9 años y en plena segunda guerra mundial hizo su debut en la radio, trataba de mandar un mensaje a su tío que estaba en el frente, pero la emisión se retrasó por un ataque aéreo y durante el bombardeo, el productor pidió que alguien se propusiera para entretener al público asustado. Ella se ofreció y dio una representación improvisada que recibió una calurosa acogida y un espaldarazo a su carrera como interprete que inició de forma profesional en 1956, debido a su éxito también tuvo una carrera como actriz de cine y televisión.

 

A pesar de que estaba muy reconocida en su país, le costó bastante dar el salto a Estados Unidos, en esta época la invasión británica de rock se comía al resto de artistas musicales.

Este fue el primer éxito de Petula Clark en Estados Unidos, que tardó en descubrir su talento. A principios de los 60, también se popularizó en Francia cuando comenzó a grabar sus canciones en francés. Curiosamente, no consiguió un contrato discográfico estadounidense hasta finales de 1964 cuando un ejecutivo de Warner Bros. llamado Joe Smith, que estaba de vacaciones en Inglaterra, escuchó la canción y firmó un contrato con ella. "Downtown" fue lanzado en los Estados Unidos, se disparó al # 1, convirtiendo a Petula en la primera cantante del Reino Unido en alcanzar el # 1 en los Estados Unidos durante la era del rock (después de 1955). Sorprendentemente, ni siquiera promocionó la canción antes de llegar al primer lugar, ya que estaba de gira por países de habla francesa en ese momento.

 

Quizás por deformación debido a su carrera de actriz, Petula Clark, tiene como particularidad el tratamiento que hace de sus canciones, ya que esta las transforma y las interpreta como si fuera una mini-película. La temática de Downtown es muy sencilla ya que simplemente habla sobre como pasar un rato agradable, cuando los problemas te agobian en el día a día, la mejor solución es coger un autobús y dirigirte al centro de la ciudad, donde se abre un mundo de diversión en forma de tiendas, lugares de fiestas y bellos paseos, pero, ¿qué pasa cuando termina la noche y la cantante regresa a su vida cotidiana? Después de todo, el viaje a la ciudad es simplemente un escape. En una entrevista comentó que, para ella, la canción no era tan alegre como se había vendido, sino que "Siempre pensé que existía una gran soledad e incluso un ligero sentimiento de desesperación",

 

Para una luchadora por los derechos y la libertad de los hombres, la historia le guardaba una triste casualidad y es que cuando Anthony Warner detono una bomba en la mañana de Navidad en un área del centro de Nashville, el vehículo donde se encontraba las bombas tenían unos altavoces en las que sonaban este tema.