La música en el cine: (Everything I Do) I Do It For You - Robin Hood: Príncipe de los ladrones

 

(Everything I Do) I Do It ForYou, Bryan Adams

     En 1991 se estrenaba la película de aventuras Robin Hood: príncipe de los ladrones, dirigida por el director y guionists estadounidense Kevin Reynolds, y portagonizada entre otros por Kevin Costner, MOrgan Freeman, Elizabeth Mastrantonio, Alan Rickman y Christian Slater. La película, bajo la producción de Warner Bros. Pictures, fue estrenada concretamente el 14 de junio de 1991 en Estados Unidos, llegando a la gran pantalla en España una semana despues, el 21 de junio.

La trama de la película gira en torno al personaje de Robin de Locksley, más conocido como Robin Hood, interpretado por Kevin Costner. Robin es un noble inglés que, unido al rey Ricardo, Corazón de León en la tercera cruzada, es encarcelado en una prisión de Jerusalén. En su huida de la prisión conoce al también preso Azeem (Morgan Freeman), quien agradecido porque Robin le ha salvado la vida, decide quedarse con él hasta devolverle el favor. Cuando Robin y Azeem llegan a la tierra del inglés, ésta está gobernada por el déspota sheriff de Nottingham, quien está ayudado por su primo Guy de Gisborne y la bruja Mortiana. Robin descubre que su padre, Lord Locksley, ha sido asesiando por no querer juntarse con el malvado sheriff, por lo que decide urdir una venganza ayudado por Azeem, y empieza a robar a la nobleza y la iglesia para repartir su riqueza con los más desfavorecidos.

La sonora de la película fue compuesta, orquestada y dirigida por el compositor británico Michael Kamen. Incluida en la banda sonora de la película se encuentra la canción (Everything I Do) I Do It For You, interpretada por el canadiense Bryan Adams. El tema fue un auténtico éxito, alcanzando el puesto número uno en una treintena de países, incluyendo Reino Unido, donde permaneció en ese lugar durante dieciseis semanas, y Estados Unidos, donde permaneció durante siete semanas. 

El tema forma parte del álbum que se comercializó de la banda sonora de la película. El tema se basó en la música orquestal de Kamen y fue escrita y arreglada por Bryan Adams y Robert "Mutt" Lange, siendo éste último también el productor de la canción. El tema fue escrita en Londres, en el estudio en el que trabajaba Bryan Adams, quien tardó unos 45 minutos en escribir la letra junto a Lange. fue grabada en el estudio por Bryan Adams (voz principal, coros y guitarra rítmica), Bill Payne (piano), Mickey Curry (batería), Larry Klein (bajo), Keith Scott (guitarra solista y coros) y Mutt Lange (sintetizadores). La canción, que no hace referencia alguna a la película, funcionó a las mil maravillas fuera de ésta, convirtiéndose en todo un éxito como Bryan Adams nos cantaba su devoción por  una chica, haciéndole saber que valía la pena morir por su amor. 

La música en el cine: Bang Bang (My Baby Shot Me down) - Kill Bill: Vol. 1

 

Kill Bill

     Kill Bill: Vol. 1 es una película de acción y suspense escrita y dirigida por el genial Quentin Tarantino. La película fue estrenada a finales de 2003 y seguidamente a comienzos de 2004 sería lanzada la segunda parte, Kill Bill: Vol. 2. La película comenzó con una dedicatoria al director japonés Kinji Fukasaku, y estuvo inspirada en la película de animación Blood: The Last Vampire, de hecho en Japón se estreno varias semanas más tarde la película con una edición algo diferente.

Las dos películas siguen a un personaje femenino, inicialmente identificado como "La novia", un antiguo miembro de un equipo de asesinos que busca venganza de sus excolegas que masacraron a los miembros de su fiesta de boda e intentaron matarla. En la película también se puede apreciar el homenaje de Tarantino a géneros cinematográficos como las películas de artes marciales de Hong Kong, los spaghetti western y las películas de samuráis.

Incluida en Kill Bill: Vol. 1 se encuentra la canción Bang Bang (My baby Shot Me Down). La canción fue escrita por Sonny Bono para Cher, quien por entonces era su mujer, e incluida en el segundo álbum de la artista, The Sonny Side of Cher de 1966. Pero la versión que podemos escuchar en la película es la que hizo Nancy Sinatra y que incluyó en su segundo álbum de estudio How Does That Grab You?, publicado también en 1966. En este cover de Nancy Sinatra podemos escuchar el particular efecto de trémolo en la guitarra en su introducción, y que es realizada por Billy Strange, reputado músico de sesión que formó parte de la gran agrupación de músicos de sesión conocida como Wrecking Crew. 

La temática del tema nos relata a una mujer jugando juegos de infancia con un niño, y concretamente cuando él solía disparar su pistola de juguete. Los niños Crecen juntos y se acaban casando, pero él al final acabará dejándola. Ella ha sido derribada como cuando él la disparaba de niños con la pistola de juguete y ella caía, pero esta vez es real. La versión de Nancy Sinatra a pesar de no entrar en ninguna lista de ventas fue número 1 en todas las emisoras de radio de Estados Unidos en su época, y acabaría convirtiéndose en una de las canciones más representativas de Nancy Sinatra.

La música en el cine: I Disappear (Metallica) - Misión Imposible 2

 

I Disappear, Metallica

     En el año 2000 se estrena la segunda parte de la saga de películas Misión Imposible, dirigida por John Woo y protagonizada por Tom Cruise, Dougray Scott, Thandie Newton, Ving Rhames, Richard Roxbourgh, John Polson, Brendan Gleeson, Rede Serbedzija y Anthony Hopkins. La película, a pesar de obtener una buena aceptación por parte de la crítica y de obtener gran reconocimiento para el director, no la obtuvo por parte un público que se mostró bastante decepcionado con el resultado.

La trama de la misma se desenvuelve en torno al personaje de Ethan Hunt, interpretado por Tom Cruise, quien esta vez tiene que luchar por hacerse con el control de un virus llamado Quimera, y de su cura, Bellorphon, que han caído en manos de los malos de la película.

Incluido en la banda sonara de la película se encuentra el tema I Disappear, escrito y grabado por Metallica. El tema fue publicado incluido en el disco de la BSO de la película Misión imposible 2 el 9 de mayo de 2000, y lanzado como sencillo el 2 de junio de 2000, ambos por el sello discográfico Hollywood. El tema fue escrito por James Hetfield y Lars Ulrich, y producido por el ingeniero de sonido y productor canadiense Bob Rock. 

En cuanto a la temática de la canción, le iba como anillo al dedo a la película, pues trata de un hombre que desaparece sin dejar rastro antes de que podamos conocerlo. La canción había sido escrita un tiempo antes por Hetfield y Ulrich, pues la intención de la banda era publicarla con sus álbumes Load (1996) o Reload (1997), y además fue una de las últimas canciones que fueron grabadas por el bajista Jason Newsted antes de abandonar Metallica. 

Este tema fue además el que supuso el comienzo del final para la poderosa compañía de distribución de archivos de música en formato MP3 Napster. La compañía lanzó en línea una versión de demostración pirateada de I disappear sin la aprobación de Metallica, lo que causó la ira de la banda que presentó el 13 de abril de 2000 una demanda contra la la compañía por extorsión y violación de los derechos de autor. Metallica ganó el juicio y Napster se vió obligada a prohibir el tema a más de 300.000 usuarios y a pagar por los consiguientes daños y perjuicios a a la banda. Varios artistas siguieron el ejemplo de grupo y demandaron a Napster, lo que acabó provocando que la compañía se declarara en quiebra y cerrara por completo.

0113: Maria (West Side Story) - Leonard Bernstein

 

La canción de hoy nos lleva de nuevo al cine, concretamente a uno de los grandes musicales de la historia de este arte, nos estamos refiriendo a “West Side Story” estrenada en el año 1961. La película está ambientada en la ciudad de Nueva York en los años 50 y está basada en una obra de Broadway con el mismo nombre e inspirada en la obra de Shakespeare “Romeo y Julieta” pero en vez de enfrentarse las familias Montesco y Capuleto, los protagonistas son dos bandas callejeras: los Sharks, inmigrantes puertorriqueños y donde está nuestra Julieta latina, María y los Jets, estadounidenses de origen irlandés con nuestro Romeo, Tony. Si bien es cierto que el punto de partido es el de la obra de Shakespeare el posterior desarrollo difiere bastante del original. Los protagonistas del film Tony (Richard Beymer) y Maria (Natalie Wood) no sabían ni cantar ni bailar, por ello se utilizó el playback y no los veremos casi bailar en el film ni sus voces son las que suenan cuando cantan, el papel de Tony en principio iba a ser interpretado por Elvis Presley, pero su manager no acepto, más tarde comentaría que fue uno de los grandes errores en su carrera como manager. Tampoco Natalie Wood era la candidata inicial para el papel de Maria. Este debía ser interpretado por Audrey Hepburn pero la actriz, embarazada de su esposo, el también actor Mel Ferrer, se vio obligada a rechazar la oferta.

Leonard Bernstein fue el encargado de componer las canciones (que no dirigir: para la película se contó con Johnny Green y años más tarde el propio Bernstein grabaría sus propias canciones) y contó con la participación de Stephen Sondheim que fue el encargado de poner letra a la música. La banda sonora contiene un total de 19 canciones en las que se mezcla el jazz con ritmos más latinos. La creación de esta banda sonora en aquél momento supuso todo un reto para sus productores: se necesita un total de treinta músicos para orquestar toda la partitura concebida por Bernstein, debido a la utilización de un gran número de instrumentos de cuerda, viento y percusión imprescindibles para conseguir esa inimitable atmósfera. Es escuchar las primeras notas del "Prologue" y sabemos que estamos ante algo fuera de lo común. Música grandilocuente propia de grandes orquestas, que no obstante se contiene para no mostrar tan pronto de todo lo que es capaz o para dejarnos, muchas veces, en vilo (esos grandes silencios o cortes inesperados que quitan la respiración, correspondientes al descubrimiento de un secreto, a la aparición de los "enemigos"... ¿quién puede olvidar el inquietante chasquido de dedos, tan característico para la presentación de los Jets y los Sharks?), dejando que el espectador descubra poco a poco la fuerza de cada nota, de cada instrumento, y, por ende, de cada fotograma que es acompañado por la sintonía. Porque West Side Story es un claro ejemplo de cuándo la música es tan importante como una buena actuación o coreografía. Es una banda sonora que hay que disfrutar entera, como muestra os dejamos a modo de anzuelo María, una de las canciones más románticas del musical.

Coque Malla y el cine (Mes Coque Malla)

Los padres de Coque Malla tienen una gran vinculación con el mundo del espectáculo, pero al contrario que su hijo que se decantó por hacer carrera en el mundo de la música, los primogénitos del artista desarrollaron su carrera en el mundo de la escena, empezamos por su madre, Amparo Valle, que desde los años 70 participó en muchas de las películas del cine español, Pim, pam pum… fuego, Espérame en el cielo, Bajarse al moro o Flores de otro mundo fueron grandes éxitos tanto de público como de crítica. También destacó en televisión como integrante del mítico “Estadio 1” o en teatro donde recibió el premio nacional. Su padre Gerardo Malla se dedica principalmente al teatro donde desarrolla una carrera de gran prestigio, y tuvo algún escarceo en el mundo de la televisión y el cine. Con estos precedentes es curioso que el lugar donde Coque Malla haya decidido derrochar su talento haya sido en la música, pero también la tentación de entrar esporádicamente en el mundo que ha vivido desde pequeño estaba ahí, y desde luego no la iba a dejar pasar.

Así su primera incursión fue protagonizar el cortometraje “El columpio” dirigido por Álvaro Fernández Armero, y acompañado por la entonces desconocida Ariadna Gil, el columpio recibió el Goya al mejor cortometraje de ficción y está considerado como la precuela de Todo es Mentira. Este cortometraje le abrió las puertas a pequeñas apariciones en películas como “Madregilda” sobre el dictador Francisco Franco o “Dispara” a las órdenes de Carlos Saura. Estos escarceos y su buen hacer empujaron al cantante a ser el protagonista de “Todo es mentira”, aunque en esta ocasión la pareja protagonista femenina fue Penelope Cruz que empezaba a destacar en el panorama cinematográfico y también está dirigida por Álvaro Fernández Armero. Lo cierto que es una película con una mítica especial, personalmente es una de mis comedias favoritas de los noventa y cuenta con escenas multitud de veces recordadas, como la del “pisto”, “Cuenca” o “El portero” …. os invito a que la disfrutéis. Además, tanto Coque Malla como Álvaro Fernandez Armero fueron nominados a los Goya en su categoría de actor y director revelación respectivamente.

El éxito de Todo es Mentira y su quehacer en la misma hizo que el director de comedia por antonomasia del cine español desde los 90, Fernando Colomo, se fijara en él para protagonizar la comedia “El efecto mariposa”, si bien esta producción personalmente para mi es más irregular y no alcanza las cotas de la anterior. Su siguiente aparición en los cines le sacó de la comedia y le llevó al siglo a la Italia del siglo XVII para protagonizar “La leyenda de Balthasar el castrado”, si bien se había rodado dos años antes, se quedó guardada en un cajón por motivos comerciales, y que finalmente cuando vio la luz no tuvo el éxito que habían esperado de ella tratándose de un drama de época que en pocas producciones nacionales se veían. Cierra el ciclo de los 90 y quizás el de las grandes apariciones en el cine con “Nada en la nevera” recurriendo nuevamente a Fernandez Armero, que le había introducido en el mundo del cine. La verdad que sin llegar al nivel de Todo es mentira, esta obra nos ofrece una comedia muy divertida y con momentos realmente buenos.
La primera década del siglo XX del Coque Malla actor se desarrolla en pequeñas obras que no tenían mucha calidad y ningún éxito, producciones como "SeX" (2004), "Schubert" (2005) o "Íntimos y extraños. 3 historias y 1/2" (2008), apenas tuvieron repercusión. 

En la década pasada tuvo apariciones en dos obras, la brillante “Gente en sitios” de Juan Cabestany, una película de episodios donde Coque Malla, donde el cantante protagoniza una la cháchara afónica con un mendigo que busca un regalo para su novia en un desguace. Cierra su carrera en largometrajes de ficción con “Bite” una producción británica…. Y he puesto ficción porque falta el plato fuerte y es que a principios de 2019 pudimos disfrutar en las pantallas de un documental, “Mujeres, de Coque Malla” de la que podéis encontrar artículo en el blog y donde el cantante conversa por separado con varias mujeres sobre la vida y su música.

Pero no solo como actor tiene presencia en el cine, sino que su faceta musical se ha visto representada en diversos proyectos, que culminaron con el premio Goya a la mejor canción con la premiada “Campeones”. Antes sus canciones habían sonado en películas como la comedia “Las ovejas no pierden el tren” la terrorífica “Rec 3”, y el musical “El otro lado de la cama”.

La musica en el cine: Studio 54 (2018) el documental.

Hoy toca reseñar el gran documental Studio 54 que se puede ver en el canal de Movistar CineDoc&Roll hasta el 31 de Enero de 2020.

El documental está dirigido por Matt Tyrnauer que ya había dirigido otros documentales de una estimable calidad como fueron Scotty y los secretos de Hollywood sobre Scotty Bowers que se dedicaba a facilitar encuentros sexuales entre las estrellas de Hollywood o Valentino: The Last Emperor, sobre la figura del diseñador de moda Italiano. En esta ocasión nos lleva al mundo de la noche y nos enseña el recorrido que tuvo la que es quizás la discoteca más famosa de la historia, y que fue el símbolo de Nueva York a finales de los años 70, un legendario situado en Manhattan donde se reunían las grandes celebridades de la época. Ubicada en una de las peores zonas de la gran manzana, y creada por Ian Schrager y Steve Rubell, dos emprendedores amigos de la universidad de Brooklyn que, en el transcurso de 33 meses, se convirtieron en los reyes de Nueva York.

La película nos cuenta la historia desde el principio, cuando siendo apenas veinteañeros Ian y Steve coinciden en la Universidad, donde surge la idea de crear una discoteca para ganarse la vida, el director nos muestra con gran acierto la sociedad en que se desarrolló la creación de la discoteca. Hipotecados hasta el infinito, pero con la seguridad de que si llevaban a cabo su proyecto, Ian y Steve compraron la antigua sede que la televisión CBS contaba en Nueva York y tras una reforma realizada sin escatimar dinero ni talento (muchos de los mejores profesionales de la noche de Nueva York fueron contratados para llevar a cabo las ideas de los dos) y a toda velocidad la discoteca abrió sus puertas y desde el minuto uno y sin saber en realidad porque sucedía fue bendecida por la afluencia del público, al punto de que los dueños mismos eran los que decidían quien podía entrar o no de la multitud que se agolpaba en sus puertas, así como invitar a los personajes más famosos de la escena de los años 70 que se estaban encantados de pasar una noche allí.


En el documental podemos ver imágenes y fotografías de personalidades como Liza Minelli, Mick Jagger, Elton John o Michael Jackson de sus andanzas por la discoteca y expresando a los cuatro vientos lo fenomenal que lo pasaban allí. Pero no solo de baile y música vivía la discoteca, ya que podemos descubrir en carne viva como la droga era consumida por la mayoría de las personas que entraban, como aquel sitio se convertía en una auténtica Sodoma y Gomorra y se aprovechaba cualquier hueco para tener relaciones sexuales, era la época de la libertad, de las drogas, de vivir el día a día y Studio 54 se había convertido en el lugar donde mejor se podían desarrollar. El dinero entraba a espuertas la fama de los dueños estaba en todo lo alto, y como cuando te crees el rey del mundo piensas que puedes hacer lo que quieras y te crees intocable, una falta de control sobre el dinero y el hecho de no declarar todo lo que se generaba, llevo al FBI a una investigación donde se descubrió que habían incurrido en el delito de evasión de impuestos y que iban a ser juzgados por ello, además durante el registro se descubrió drogas en la misma caja fuerte de los dueños, con lo que el problema se multiplicó, hasta el punto de provocar el cierre de la discoteca y la encarcelación de los propietarios, que hasta el último minuto antes de entrar en la cárcel disfrutaron en primera persona de la noche en Studio 54. Esa

encarcelación por un periodo de tres años y medio, más las sanciones como la imposibilidad de la venta de alcohol, provoco el cierre inmediato de la discoteca y los años oscuros de Ian y Steve. El documental va más adelante, y nos muestra como después de la salida de prisión ellos siguen tan unidos como al principio y como tienen nuevos proyectos a desarrollar, en esta ocasión en el mundo de los hoteles, ya que la llegada al poder de Ronald Reagan y la crisis en la que estaba sumido el país había cambiado por completo la sociedad y en especial la juventud en esos 4 años. El documental aborda la desaparición de Steve Rubell y lo hace sin concesiones y sin ocultar nada.

El documental cuenta con el testimonio directo de Ian Schrager que ira desgranando la historia mientras nos muestra imágenes de la época y multitud de fotografías que hasta ahora no se habían visto, también nos hablara desde el corazón de la particular personalidad de su socio y sobre todo, como queda demostrado en sus palabras amigo Steve Rubell, cuarenta años después de los acontecimientos que se relatan está preparado para contar su historia y desde luego lo hace de manera franca y sin esquivar ninguno de los aspectos que rodearon a la discoteca durante su época de mayor esplendor, no oculta en ningún momento los aspectos más sucios de la misma, desde la denuncia por evasión de impuestos, las drogas que corrían por allí, el libertinaje sexual que se había convertido el local o los choques personales que tuvo con su socio debido a la particularidad personalidad de este. Es un documental muy sincero, que nos descubre la creación y desarrollo de un icono de los años 70 y de la corriente artística y social que giraba a su alrededor desentrañando todo aquello que queremos saber, una buena oportunidad de conocer uno de los locales más famosos de la historia.

La música en el cine: Blaze of Glory, Jon Bon Jovi

     En 1990, debido al éxito de la película Arma Joven, se estrenaba en las salas de cine de todo el mundo la secuela de ésta, titulada Arma Joven II (intrépidos forajidos). La película, filmada en la localidad de Los Cerrillos, Nuevo México, fue dirigida por Christopher Cain, con guión fue escrito por John Fusco y protagonizada entre otros por Emilio Estévez, Kiefer Sutherland, Lou Diamond Phillips, Christian slater ó Viggo Mortensen entre otros.

     Ambientada en el oeste, para la banda sonora de la película, al parecer Emilio Estévez había solicitado que apareciera el tema Wanted Dead or Alive de Bon Jovi, tema que estaba incluido en el álbum de la banda Slippery When Wet, publicado en 1986. Un tema que había sido compuesto por Richie Sambora y Jon Bon Jovi, y que fue lanzado como tercer sencillo de la banda en 1987. El tema es un homenaje a a los héroes del Viejo Oeste, pues según Jon Bon Jovi la vida de estos era similar a la de las bandas de rock, pues ambos cabalgaban y viajaban de ciudad en ciudad, en busca de fama, chicas y dinero y bebían hasta el amanecer.

     Si embargo Jon Bon Jovi creía que Wanted Dead or Alive no quedaría bien para la banda sonora, pues la letra del tema no hablaba exprésamente del Viejo Oeste. Jon Bon Jovi por entonces se encontraba tomándose un descanso de la banda, y tenía proyectado mientras grabar su primer álbum en solitario. Así que Jon se presentó un día en Los Cerrillos, Nuevo México, donde se estaba grabando la película, y armado con una guitarra acústica tocó el tema Blaze of Glory delante del guionista de la película, John Fusco. John Fusco quedó maravillado y decidió que ese tema sería el que se incluiría en la banda sonora de la película. Jon Bon Jovi aparte de escribir el tema de la banda sonora, también hizo un cameo apareciendo en la película.

     El argumento del tema versa sobre un forajido que está decidido luchar con todo hasta su muerte, sabiendo que será recordado por su enorme valentía. El tema fue nominado para los premios Oscar en la categoría de mejor canción original de 1991, pero el premio se los acabo llevando Sooner or Later, tema de la banda sonora de Dick Tracy e interpretado por Madonna.

I wake up in the morning

And I raise my weary head

I've got an old coat for a pillow

And the earth was last night's bed

I don't know where I'm going

Only God knows where I've been

I'm a devil on the run

A six gun lover

A candle in the wind

When you're brought into this world

They say you're born in sin

Well at least they gave me something

I didn't have to steal or have to win

Well they tell me that I'm wanted

Yeah, I'm a wanted man

I'm a colt in your stable

I'm what Cain was to Abel

Mister catch me if you can

I'm going out in a blaze of glory

Take me now but know the truth

I'm going out in a blaze of glory

Lord I never drew first

But I drew first blood

I'm no one's son

Call me young gun

You ask about my conscience

And I offer you my soul

You ask if I'll grow to be a wise man

Well I ask if I'll grow old

You ask me if I've known love

And what it's like to sing songs in the rain

Well, I've seen love come

And I've seen it shot down

I've seen it die in vain

Shot down in a blaze of glory

Take me now but know the truth

'Cause I'm going down in a blaze of glory

Lord I never drew first

But I drew first blood

I'm the devil's son

Call me young gun

Each night I go to bed

I pray the Lord my soul to keep

No I ain't looking for forgiveness

But before I'm six foot deep

Lord, I got to ask a favor

And hope you'll understand

'Cause I've lived life to the fullest

Let this boy die like a man

Staring down a bullet

Let me make my final stand

Shot down in a blaze of glory

Take me now but know the truth

I'm going out in a blaze of glory

Lord I never drew first

But I drew first blood

And I'm no one's son

Call me young gun

I'm a young gun

Young gun, yeah yeah yeah

Young gun

     Jon terminaría grabando su primer álbum (titulado Blaze of Glory) y proyecto en solitario con temas inspirados en la película Arma joven II. El álbum fue lanzado una semana después del lanzamiento de la película, y vendió la nada despreciable cantidad de dos millones de copias.
Blaze of glory fue el primer sencillo que Jon bon Jovi lanzaría en solitario y alcanzó el puesto número 1 en la lista estadounidense Billboard Hot 100. También alcanzó dicho puesto durante seis semanas en Australia.

     Al parecer, Jon escribió la letra en una servilleta del restaurante del set de rodaje de la película mientras cenaba junto a algunos actores y personal entre los que se encontraba Emilio Estévez. La servilleta se encuentra enmarcada en una pared de la casa de Emilio.

La musica en el cine: Amazing Grace

Hoy os hablamos sobre una pelicula, mas bien documental, para ello hemos contado con Christopher Laso colaborador del blog sobre cine filmdreams.net, integrante del grupo de Habladecine en esta ocasión vamos a descubrir las sensaciones que tuvo tras ver el documental Amazing Grace.

SINOPSIS:
En enero de 1972, la gran Aretha Franklin actuó durante dos días dando un concierto de góspel en la Iglesia Bautista Misionera New Temple en Watts, Los Ángeles, grabando lo que se convertiría en su álbum más vendido, "Amazing Grace". Las sesiones fueron filmadas por un equipo de rodaje liderado por el director Sydney Pollack, pero el material de archivo terminó en una bóveda y ha sido durante 4 décadas uno de los tesoros cinematográficos perdidos de la música del siglo XX.
Antes de la muerte de Pollack en 2008, el director expresó su deseo de que se completara la película, y el productor Alan Elliott lo abordó con un equipo de gente apasionada con el proyecto.
 ( Fuente sinopsis, cartel e imágenes: Caramel Films )
 ( Fuentes de la información de la película: Filmaffinity, Caramel Films, Zinemldia, IMDb )

CRÍTICA:
A principios de 1970 Aretha Franklin tenía 30 años y era ya una leyenda en el mundo de la música. Anteriormente en los años sesenta ya había revolucionado el mundo del Soul y muchas de sus canciones habían sido números uno. Fue en ese preciso momento cuando decidió grabar uno de los álbumes de góspel más famosos de la historia: Amazing grace. Se encerró durante dos noches en una pequeña iglesia católica baptista de los Ángeles para interpretar los temas religiosos que marcaron su niñez. El disco que salió de aquellas dos noches, sigue siendo hoy en día el álbum de góspel más vendido de la historia y el más popular de la cantante.

Sydney Pollack grabó los conciertos, pero por razones técnicas, las imágenes no salieron a la luz y no pudieron ser montadas, ni compartidas. 47 años después y gracias al productor musical Alan Elliott hoy podemos verlas. Ya en 2008 tras la muerte de Pollack se hizo un intento por proyectar las imágenes pero la propia Aretha Franklin lo prohibió vía judicial. Ahora que la cantante ya he fallecido todo fue más fácil, aunque los fans más próximos no estén muy contentos. A pesar de la fama que tenia la joven cantante, el lugar que eligió para sus conciertos, fue un sitio humilde. La primera de las dos noches ni siquiera lleno todas las butacas. Llama la atención como el reverendo va explicando a los fieles como deben actuar en cada momento.

La cinta puede resultar interesante por la expectación que provoca todas las imágenes inéditas que vamos viendo, pero para mi, más que una película lo que estamos viendo es la grabación de un concierto, en ningún momento se profundiza sobre el personaje, ni nos muestran nada de su vida. Aunque la duración no supera los 90 minutos se hace muy pesada y aburrida, sobre todo si el tipo de música y canciones que se interpretan no te gustan, como es mi caso. Valoro todo el material que archivo que han conseguido recuperar, pero tengo que reconocer que se me hizo insoportable en ciertas partes su visionado.

La musica en el cine: Tina Turner.- "Goldeneye"

Ya tuvimos ocasión de hablar de la música de James Bond cuando hicimos el artículo sobre la sintonía que acompaña al agente en cada una de las películas y en aquellos momentos de más tensión en la pantalla, pero al agente 007 no le ha acompañado solo esa sintonía, sino que sistemáticamente los productores se han sabido rodear de grandes estrellas de la canción y que compusieran una canción para los títulos de crédito de la película, ya sea al comienzo o al final de la misma. Han sido múltiples los artistas que han llevado a cabo esta labor, y amenazo con traer a esta sección alguna canción más de la serie Bond, pero la primera elegida es sin duda alguna una de las más brillantes que ha sonado en las salas de cine para cualquier película de la saga, nos estamos refiriendo a Goldeneye, una canción interpretada por Tina Turner y el tema homónimo de la película de James Bond de 1995 del mismo título.
Lanzado como single en noviembre de 1995, la canción fue un gran éxito en Europa, encabezando la lista de singles húngara y alcanzando los cinco primeros en Austria, Finlandia, Francia y Suiza, así como el número 10 en la lista de singles del Reino Unido . Tuvo menos éxito fuera del continente, alcanzando el número 43 en Canadá, el número 63 en Australia y el número dos en el Billboard Bubbling Under Hot 100 de EE.UU.

La canción fue escrita por Bono y The Edge of U2 para Tina Turner cuando supieron que había sido invitada a cantar el tema de la próxima película de Bond . La canción fue producida y mezclada por el británico Nellee Hooper , mejor conocido por su trabajo con Massive Attack , Madonna , U2 y Björk. "GoldenEye" se lanzó por primera vez en la banda sonora original de la película y al año siguiente se incluyó en el álbum Wildest Dreams de Tina Turner y alcanzó el número 10 en la lista de singles del Reino Unido y se convirtió en un éxito entre los 5 mejores en la mayoría de los demás países europeos.

La profundidad de la voz de Tina Turner no tiene comparación. La cantante estadounidense, con un don especial, fue capaz incluso de superar con una versión propia a todo un éxito de ventas como 'Proud Mary' de la Credence Clear Water Revival. Por cosas como esta fue la elegida para poner voz a la canción de GoldenEye, una voz legendaria para un tema legendario. Tina Turner no solo habría podido ser una digna chica Bond por sus piernas de infarto, sino que su torrente de voz fue el hilo conductor de la canción.
Goldeneye era la casa de vacaciones del inventor de James Bond, el novelista Ian Fleming, en Ocho Ros (Jamaica), actualmente la casa es un hotel y como la nueva película se iba a llamar 'Goldeneye', a todos se les ocurrió que U2 escribiera el tema central ya que tanto Bono como The Edge iban al auténtico Goldeneye a pasar sus vacaciones, en una especie de guiño.

See reflections on the water
More than darkness in the depths
See him surface and never a shadow
On the wind I feel his breath

Goldeneye, I found his weakness
Goldeneye, he’ll do what I please
Goldeneye, no time for sweetness
But a bitter kiss will bring him to his knees

You’ll never know how I watched you from the shadows as a child
You’ll never know how it feels to be the one who’s left behind
You’ll never know the days and the nights, the tears, the tears I’ve cried
But now my time has come and time, time is not on your side

See him move through smoke and mirrors
Feel his presence in the crowd
Other girls they gather around him
If I had him I wouldn’t let him out

Goldeneye, not lace or leather
Golden chain take him to the spot
Goldeneye, I’ll show him forever
It will take forever to see what I’ve got

You’ll never know how I watched you from the shadows as a child
You’ll never know how it feels to get so close and be denied
It’s a gold and honey trap I’ve got for you tonight
Revenge is a kiss

This time I won’t miss
Now I’ve got you in my sight
With a goldeneye
Golden, goldeneye
With a goldeneye, goldeneye

La musica en el cine: ROCKETMAN ( 2019 )

Nueva entrega de nuestro colaborador Guillermo Navarro, creador del blog sobre cine filmdreams.net, integrante del grupo de Habladecine en esta ocasion vamos con el biopic de Elton John que acaba de llegar a los cines.

SINOPSIS:

La película sigue el fantástico viaje de transformación del tímido prodigio del piano Reginald Dwight a la superestrella internacional Elton John. Esta historia inspiradora, ambientada en las canciones más queridas de Elton John e interpretada por la estrella Taron Egerton, cuenta la historia de cómo un chico normal de un pueblo pequeño se convirtió en una de las figuras más icónicas de la cultura pop.

 ( Fuente sinopsis: Paramount Pictures )

 ( Fuente cartel e imágenes: Image.net-Paramount Pictures )

 ( Fuentes información de la película: Filmaffinity, Paramount Pictures, IMDb )

CRÍTICA:

En los últimos años se están rodando bastantes películas sobre grupos musicales o cantantes famosos, y uno de esos ejemplos es esta película, coproducción del Reino Unido y Estados Unidos, que nos muestra la vida del cantante, compositor y pianista británico Elton John, desde su infancia hasta un momento clave en su carrera profesional y su vida personal. Para la dirección han confiado en el aparentemente inexperto Dexter Fletcher, ya que el actor inglés hasta la fecha había dirigido únicamente tres largometrajes, pero uno de ellos tiene bastante relación con esta película, ya que " Amanece en Edimburgo ( 2013 ) " es un original largometraje sobre la banda escocesa " The Proclaimers ", y esa película funciona bastante bien tanto a la hora de contar las vidas de los componentes del grupo musical, los hermanos Craig y Charlie Reid, conocida por temas como " Letter from America ", " I'm On My Way " y " I'm Gonna Be - 500 Miles ", y al mismo tiempo nos daba a conocer la evolución de su carrera profesional mientras escuchamos las canciones con unas coreografías muy complejas. 

Centrándonos en " Rocketman ", que tiene muchas cosas en común con el trabajo del director citado anteriormente, la propuesta se inicia con un prólogo en donde el protagonista acude a su primera sesión en un grupo de desintoxicación de alcohol y drogas, y lo que vemos a partir de ahí es los aspectos fundamentales de su vida, que va contando a los asistentes a ese grupo de terapia. La película funciona bastante bien en cuanto al guion, la puesta en escena y el aspecto musical, ya que es valiente a la hora de contar lo fundamental de la vida de Elton John sin rehuir temas escabrosos ni dulcificar lo que nos están contando. Llama la atención que siendo el cantante uno de los productores principales accediera a dar a conocer su vida, sin ningún tipo de cortapisas, y me alegro de esa decisión, ya que es una de los sellos de identidad del proyecto, junto a las excelentes coreografías, y por supuesto poder escuchar las canciones de uno de mis cantantes favoritos de las últimas décadas en la voz de Taron Egerton, que pone su voz a las canciones y lo hace muy bien, con una similitud asombrosa con la voz del compositor y cantante británico.

La película tuvo una presentación en el pasado festival de cine de Cannes, en donde tuvo una buena acogida por parte de la prensa asistente a la Croisette, y después de esa introducción nos presenta al joven Reginald Kenneth Dwigh, que vive con sus padres, que no se llevan bien, lo que le afecta a la infancia del protagonista. La constancia y tozudez de Reginald y su talento para tocar el piano y cantar es lo que hará posible su sueño de un futuro profesional en el mundo de la música. Hay una gran recreación de época, que es otro de los aspectos positivos del proyecto, y de vez en cuando la historia vuelve a ese centro de desintoxicación en donde los asistentes escuchan atentamente lo que está contando el novato en ese escenario.

La dirección de Fletcher es solvente, ya que además de ser clave en que el reparto esté bastante bien por su buena labor de dirección de actores, sabe imprimir el rimo necesario al proyecto e imprime su sello personal a esas coreografías muy bien trabajadas. 

Sabe conjugar de manera acertada una mezcla entre cine comercial y cine de autor, según lo que requiere la trama, aunque en el fondo se acerca más a lo segundo, lo que agradezco, pero que puede hacer que el gran público, especialmente el más joven se aburra, y este detalle importante es uno de los tres que la diferencian con una película de gran éxito estrenada a finales del año pasado, y me refiero a " Bohemian Rhapsody ". 

La película que aborda parte de la vida de Queen y Freddie Mercury es muy convencional y más asequible para el público asiduo a multisalas, las canciones de esa banda son más conocidas que las de Elton John, y el protagonista, y reciente ganador del Óscar, Rami Malek no canta en directo los temas, a diferencia de Taron Egerton. Aquí se queda mi comparación de los dos proyectos, y seguiré analizando " Rocketman " sin citar a la otra película ( me gustan las dos, pero me quedo con la de Elton John ).

A nivel interpretativo el protagonista hace la mejor actuación de su carrera, y está muy bien en las escenas dramáticas y en las musicales. El director vuelve a confiar en él, después de ser el protagonista de su anterior proyecto " Eddie el águila ( 2016 ) ", y el joven actor inglés saltó a la fama con las películas de " Kingsman ", dirigidas por Matthew Vaughn ( uno de los productores de " Rocketman " ). Completan el reparto Jamie Bell, un secundario de lujo, en el papel del letrista y cantante Bernie Taupin ( como pasa el tiempo desde que este actor interpretaba al niño de " Billy Elliot " ), John Madden como el mánager musical John Reid, y Bryce Dallas Howard como la madre del joven Reginald. Tema aparte son los dos niños que interpretan al personaje protagonista, Matthew Illesley en la etapa infantil y Kit Connor en la adolescente, y que están magníficos, cantando incluso las canciones y bailando en las coreografías, y ambos tienen un futuro prometedor.

Hay muchos detalles muy bien insertados, y en algunos casos sobre situaciones que sucederán a continuación o sobre canciones importantes en la vida del cantante, y que en algunos casos sucederán en la etapa posterior de la vida de Elton John, y que este largometraje no aborda ( como ejemplo cuando le escuchamos de adolescente componer el tema candle in the wind ).

Otros aspectos destacados son el montaje de Chris Dickens, por supuesto la música y las canciones, y el diseño de vestuario de Julian Day. Por poner una pega es que nos encontramos ante uno de los casos en donde una mayor duración hubiera favorecido a poder contar mejor algunos aspectos y etapas en la vida del protagonista que se pasan de puntillas.

Una obra cinematográfica magnífica que merecería tener éxito, y que recomiendo a los fans de Elton John, a los que disfrutan con los musicales, a los que quieran conocer su vida personal y profesional, y en general a los aficionados al buen cine.

LO MEJOR: El riesgo argumental a la hora de abordar ciertos asuntos. La interpretación de Taron Egerton. El montaje.

LO PEOR: Es uno de los casos en donde una mayor duración no perjudicaría a la película.

La musica en el cine: BOHEMIAN RHAPSODY (2018)

Segunda entrega de nuestro colaborador Guillermo Navarro, creador del blog sobre cine filmdreams.net, integrante del grupo de Habladecine en esta ocasión y con motivo de su estreno en televisión en la Plataforma Movistar, recuperamos la reseña que realizó para la película Bohemian Rhapsody. Os animamos, seáis fans o no a disfrutarla desde el Viernes 31 de Mayo si aun no tuvisteis la ocasión de verla.

SINOPSIS:
Bohemian Rhapsody es una celebración de Queen, su música y su extraordinario cantante, Freddie Mercury. Freddie desafió los estereotipos y las fracturadas convenciones para convertirse en uno de los artistas más queridos del planeta. La película muestra el ascenso meteórico de la banda a través de sus canciones icónicas y su sonido revolucionario. Alcanzan un éxito sin precedentes, pero en un giro inesperado, Freddie, rodeado de influencias más oscuras, deja Queen en pos de su carrera como solista. Después de haber sufrido mucho sin la colaboración de Queen, Freddie logra reunirse con sus compañeros de banda justo a tiempo para Live Aid. Haciendo frente a una enfermedad potencialmente mortal, Freddie lidera la banda en una de las mejores actuaciones en la historia de la música rock. Queen consolida un legado que continúa inspirando a extraños, soñadores y amantes de la música hasta el día de hoy.
 ( Fuente sinopsis, cartel e imágenes: Fox Spain )
 ( Fuentes información de la película: Filmaffinity, Fox Spain, IMDb, Wikipedia )

CRÍTICA:
El productor y director norteamericano Bryan Singer saltó a la fama con su segundo largometraje, una excelente película titulada " Sospechosos habituales ( 1995 ) " que fue premiada con dos Óscar, y a partir de ese momento ha ido alternando su faceta en la producción de películas y series de televisión, con la dirección de algunas películas entre las que destacan la mayoría de la saga de superhéroes " X-men ", y a nivel personal le considero uno de los mejores de las últimas décadas en cuanto al cine de acción y ciencia ficción. En la actualidad su vida privada está siendo puesta en entredicho al haber recibido denuncias de supuestos maltratos dentro de la lucha por terminar con los abusos sexuales dentro de la industria cinematográfica.
En esta ocasión el director ha sido el encargado para trasladar a la gran pantalla el drama biográfico sobre Freddy Mercury, una de las figuras más importantes del mundo de la música de la segunda mitad del siglo XX y que este proyecto cinematográfico recrea en una película de ficción su faceta personal y profesional, sin rehuir de los aspectos más polémicos y con una evolución cronológica de su carrera desde el momento que se inicia en el mundo de la música hasta el concierto Live Aid que se celebró en el estadio londinense de Wembley en 1985 con la presencia de los grupos y estrellas más populares de la época cuyo objetivo era recaudar dinero para ayudar a terminar con el hambre en África.



El joven actor norteamericano Rami Malek, conocido por ser el protagonista de la serie " Mr. Robot " por la que logró dos nominaciones a los premios Emmy, ha sido el escogido para interpretar al protagonista, y me parece un acierto su elección ya que, además de su parecido físico, está intenso, irónico y hace que durante todo el metraje su interpretación sea creíble y en muchos momentos parece que estamos viendo al cantante real. La película va de menos a más y no se hacen largas sus más de dos horas, que en esta ocasión me parece una duración adecuada teniendo en cuenta todas las cosas que podía contar tanto en la vida personal como profesional del cantante, el resto de miembros de la banda, y las personas que están a su alrededor, ya sean familiares, amigos o los productores o managers que intentan sacar el máximo partido al talento del grupo.

En los primeros minutos conocemos a la familia de Farrokh Bulsara, un niño nacido en Tanzania, cuando estaban viviendo en Londres e intentaban educar a un hijo rebelde, y con el paso de los minutos, cuando el cantante saltó a la fama, los padres de Freddy tienen poca importancia en el relato y únicamente aparecen en algunas escenas en la parte final.
La película tiene unas buenas interpretaciones, tanto del protagonista como de los secundarios, entre los que destacan los otros tres miembros de la banda: Ben Hardy en el papel del baterista de la banda Roger Taylor, Gwilym Lee como el guitarrista Brian May y Joseph Mazzello en el del bajista John Deacon. Los tres están correctos, y el que tiene una interpretación más contundente es el primero. No me convence la actuación de Lucy Boynton, que interpreta a Mary Austin, la mujer más importante en la vida del cantante, a la que conoció en la sección de ropa de un centro comercial, y cuyo personaje tiene una trascendencia capital en la parte central.

Pero si hay dos actores secundarios que destacan por encima del resto son Allen Leech, que interpreta a Paul Prenter, el mánager personal de Freddy Mercury cuando se separó de la banda y con el que tenía una relación sentimental especial que fue la perdición para el cantante por su vida privada llena de sombras. Ese personaje es egoísta, malo y que engaña al protagonista, y Leech realiza una gran interpretación. Lo mismo podemos decir de Aidan Gillen, en el papel de John Reid, el manager de la banda durante unos años de la década de los 70, un actor más conocido y que vuelve a estar muy bien en un personaje que aunque tiene una menor presencia en pantalla está intenso, sobre todo en una de las escenas claves de la película y de las que más me gustan que se desarrolla en el interior de una limusina.
Una película que tiene bastantes cosas positivos, y me entretuvo, además de disfrutar con una música con las canciones de fondo de uno de los grupos más importantes del siglo XX, y que gustará sobre todo a los fans de la banda, y a los que quieran conocer algo más del personaje y la historia de Queen y al mismo tiempo escuchar casi todos los temas populares, que además están muy bien integrados en la historia, ya sean en conciertos o la grabación de los discos. Los aspectos más negativos son a nivel visual y artístico, ya que tanto la fotografía como la recreación de la época me parecen un poco artificiales, y también falta algo de riesgo a nivel formal. Pero a nivel técnico está muy bien trabajada y destaca por el montaje y sobre todo la música y el sonido de la película.



LO MEJOR: La banda sonora y la actuación de Rami Malek.
LO PEOR: Es bastante mejorable a nivel visual y artístico.

La musica en el cine: LETO (2018)

Este mes damos la bienvenida a un nuevo colaborador en el blog, se trata de Guillermo Navarro, creador del blog sobre cine FILMDREAMS.NET, integrante del grupo de Habladecine con el que iniciamos un proyecto donde reseñaremos las películas que se estrenen en el cine, sobre el mundo de la música sin olvidar algún clásico al que volveremos.

SINOPSIS:
Leningrado, un verano a principios de los 80: la escena del rock de la ciudad está en pleno apogeo. Viktor Tsoï, un joven músico que creció escuchando a Led Zeppelin, T-Rex y David Bowie, está tratando de hacerse un nombre. El encuentro con su ídolo Mike y su esposa, la bella Natacha, cambiará su destino. Juntos construirán una leyenda que les llevará a la eternidad.
 ( Fuente sinopsis y cartel: Avalon Distribución )
 ( Fuentes imágenes: Sensacine, Avalon Distribución, Festival de San Sebastián )
 ( Fuentes información de la película: Filmaffinity, Avalon Distribución, IMDb )

CRÍTICA:

Kirill Serebrennikov es el encargado de estar al frente de un proyecto que se presentó en el pasado festival de cine de Cannes, en su sección oficial, y obtuvo el premio a la mejor banda sonora.
Desde ese momento la película, que tuvo una buena acogida por la prensa asistente a la Croisette, se ha convertido en de culto, ya que siendo compleja y poco accesible para el público medio por su estética, el aspecto formal y su ritmo bastante pausado y porque las canciones, que en mi opinión son tan buenas, se salen del tópico del cine musical clásico. Su presentación en España fue en el festival de San Sebastián, ya que formó parte de la sección Perlas del Zinemaldia 2018, y en ese escenario es donde la pude ver por primera vez, y tengo que reconocer ( ya lo comenté en mis crónicas diarias de Donosti ) que me costó entrar en la historia, que gana con el paso de los minutos y que termina de manera espectacular. Gana en un segundo visionado, ya que he terminado de comprender ese primer tercio en donde se van presentando los personajes, y que parece que sea de manera caótica sin estar bien diseñados esos jóvenes músicos, cantantes, compositores que viven en la región de Leningrado a principios de la década de los 80. La propuesta también formó parte del la sección EFA del festival de cine europeo de Sevilla, y en los premios del cine europeo no se fue de vacío al lograr el galardón al mejor diseño de producción.

La película intenta mostrar las dificultades sociales de esos jóvenes que tienen problemas para sobrevivir en la Unión Soviética de la época, que quieren cumplir su sueño de ser un grupo musical importante en su país, y que se comportan muchas veces en contra de los establecido por ese régimen soviético, que restringía muchas cosas a la población. La historia funciona bastante bien por lo que cuenta y cómo lo cuenta, ya que se plantean relaciones sentimentales y personales entre los protagonistas, hay debates sobre el estilo musical en relación con los grupos de Rock underground y otras variaciones, y salen a la palestra nombres como The Who, Lou Reed, Talking Heads, Bod Bylan, David Bowie, Blondie, Iggy Pop, y otros tantos a los que idolatran esos jóvenes que forman parte de ese movimiento hippie que estuvo tan de actualidad 10 años a partir del festival de Woodstock.
La propuesta tiene muchas cosas positivas, ya que es bastante original a nivel artístico, ya que anima a los personajes cuando escuchamos las canciones, en unas coreografías muy pocas veces vistas ( recuerdo algo parecido en alguna película británica reciente ) que además va dividiendo la pantalla para que en las partes laterales podamos leer las letras de esos temas, en algunos casos ya conocidos, y en otros originales escritos en ruso.

Se recrea bastante bien la ciudad de San Petersburgo de la época y la región de Leningrado, y la fotografía en blanco y negro, sin ser espectacular, encaja muy bien en ese tono cercano al cine de autor en el que se mueve el proyecto, y que únicamente desaparece para dar cromatismo a las imágenes cuando anima esas escenas musicales y en una situación en los minutos finales en donde uno de los personajes atraviesa la pantalla para sumergirse en el mar Báltico captando muy bien el azul, tanto del cielo como del agua. Está inspirada en hechos reales, y algunas escenas, personajes y diálogos son ficticios ( como aparece en un texto al final de la película ), ya que uno de los protagonistas es Viktor Tsoy, el cantante del grupo Kinó.
A nivel interpretativo, sin ser unas actuaciones destacadas, cumplen el elenco de jóvenes actores y actrices.
La música es un elemento fundamental en este proyecto que, sin ser un musical, sino un drama de personajes, y se escuchan las canciones de manera constante, pero también hay música clásica de la banda sonora que escuchamos en algunos momentos en donde los personajes están en su vida privada o disfrutando de su tiempo libre alejados de sus proyectos musicales. Pero entiendo que no gustará a todo el mundo, pero recomiendo que los que disfrutan con la música Rock den una oportunidad a este proyecto interesante, con gran parte de producción francesa, que tiene entre sus cosas negativas su excesiva duración.



LO MEJOR: La dirección y la música.
LO PEOR: Su excesivo metraje.

La musica en el cine: Vangelis - Carros de fuego

En la entrega de hoy nos vamos a Grecia a hablar del que es sin duda uno de sus compositores mas reconocidos a nivel internacional, nos estamos refiriendo a Vangelis, el autor de varias bandas sonoras muy conocidas por el publico en general como son Blade Runner, 1942 la conquista del paraíso, la serie Cosmos de Carl Sagan y sobre todo de la que hablaremos, Carros de fuego.

Vangelis a principio de los años ochenta ya se había hecho un hueco como compositor en el cine, si bien había compuesto la música para mas de diez películas, todas del circuito independiente, y fue a principio de esa década cuando Carl Sagan decidió incluir varios de sus temas en su archiconocido documental, Cosmos, un viaje personal. El éxito de esa serie le catapultó a la fama y el director británico Hugh Hudson que por aquel entonces estaba preparando una película sobre los atletas británicos que estaban preparando los juegos Olímpicos de París 1924 y después de escuchar la música realizada en 1977 por Vangelis en "Ópera sauvage", un documental sobre animales del realizador Frédéric Rossif, pensó que su estilo particular le vendría muy bien a su film, a pesar de que le advirtieron que el sonido de sintetizadores tan particular y tan presente en la obra del compositor, no podría casar muy bien con la época en la que se desarrolla el film, los años 20 del siglo pasado, pero finalmente se impuso el criterio del director y Vangelis compuso con sintetizadores el célebre tema que suena en los primeros minutos de la película donde se muestran a los atletas, en cámara lenta, entrenándose descalzos en la playa. Dicha escena fue filmada en la costa este de Escocia, en una pequeña pero importante ciudad de ese país, St. Andrews, ubicada en el condado de Fife. El tema alcanzó tal popularidad que logró llegar al puesto número 1 en el listado de sencillos de las 100 calientes de Billboard, la semana del 8 de mayo de 1982. Ademas obtuvo el premio Oscar a la mejor Banda Sonora en 1981, derrotando al mismísimo John Williams que estaba nominado por su trabajo realizado para Spielberg para la película "En busca del arca perdida".



Vangelis, nacido el 29 de marzo de 1943 y cuyo nombre real es Evangelos Odysseas Papathanassiou, empezó su carrera en bandas de rock progresivo de su país en los años 60 que tuvieron cierto exito, pero discrepancias provoco su disolución. Ya en los 70 se dio a conocer por su carrera en solitario, especialmente gracias a sus álbumes de música electrónica llegando a construir sus propios estudios de grabación, a los que bautiza como Nemo Studios.20​. Los años 80 fue su época dorada en el cine, pero temiendo la posibilidad de quedar encasillado como músico de bandas sonoras, Vangelis decide no publicar comercialmente todos sus trabajos para el séptimo arte. Ya en los noventa, el músico explora la combinación de ambientes urbanos con el minimalismo electrónico, de su carácter da testimonio la pieza Good to See You que en sus primeros 23 segundos sólo consiste en ruidos de ciudad, pero rápidamente gira y tiene un mayor acercamiento a los esquemas compositivos y la gravedad de la tradición clásica, sin insistir tanto en la creación de música experimental como hiciese previamente. Ya entrado el siglo XXI fue protagonista de la composición de un tema que sirviera de himno para la misión no tripulada a Marte en 2001: Mars Odyssey. En 2002 se publica el single con el himno oficial de la Copa Mundial de Fútbol de 2002 celebrada en Corea y Japón.
Ha desarrollado una carrera paralela como pintor,​ y ha realizado varias exposiciones internacionales.​ Su aporte a diversos proyectos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático especialmente en su Grecia natal. En su honor la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide: el (6354) Vangelis.

La musica en el cine: Nino Rota - El padrino

El padrino es una pelicula de 1972 realizada por Francis Ford Coppola y en casi todas las listas de las mejores películas de la historia aparece entre las 3 mejores. Esta historia de familia basada en la novela de Mario Puzo e interpretada magistralmente entre otros por Marlon Brando tiene en su música uno de los temas mas evocadores que el cine a creado, muchas veces cuando estamos hablando de algún movimiento "mafioso" contra un amigo con solo tatarearle la música el interlocutor se da por enterado de cuales son nuestras intenciones.


Debido a la gran influencia que tiene el mundo Italiano en la pelicula, Coppola estuvo buscando un compositor que supiera reflejar la particularidad de esa sociedad y dio con Giovanni Rota Rinaldi (Nino Rota), que si bien había trabajado en Hollywood, los resultados de sus creaciones musicales no habían sido del agrado de la critica. No obstante pensó que nadie como él podría imprimir ese carácter a la banda sonora de la película y apostó fuertemente por él.

Dentro de la banda sonora existen 2 temas que brillan con fuerza por encima de todos, el primero es "Waltz", para este tema, lleno de una transcendencia sublime en la película, Nino Rota utiliza un vals a sugerencia del propio Coppola ya que el movimiento circular del tema representa muy acertadamente la espiral de crímenes y violencia en el que se ven sumergidos los protagonistas de la película, y para realzar esa idea utiliza un vals lento, triste, melancólico que casa perfectamente con la transcendencia que vemos en pantalla. Es el tema elegido para sonar en momentos claves de la película, escuchándose hasta once veces, con diversas particularidades, en las tres horas de la película, el tema va cambiando y se convierte en la huella de los Corleone, es un tema totalmente repercutido, porque se modela y se modifica en función de la trama argumental, de lo que le esta pasando a la familia Corleone.

El segundo tema archiconocido es Love theme, suena muy melancólico, presagio de una relación que sera complicada y es sin duda el tema mas famoso de toda la banda sonora,  el uso de instrumentos tradicionales, inusuales en el entorno de la banda sonora orquestal como acordeón, trompeta y mandolina nos remiten a los orígenes, a una Sicilia idealizada. Como su nombre deja entrever, suena cuando le esta desarrollando una historia de amor entre los protagonistas.



Nino Rota nacido en Italia en 1911 y fue el compositor de cabecera del maestro del cine italiano, Federico Fellini. Nieto del pianista y compositor Giovanni Rinaldi, en 1923 ingresó en el Conservatorio de Milán, y destacó por su precocidad; a los once años ya compuso un oratorio, y a los trece una comedia lírica en tres actos. El compositor consiguió un particular éxito con sus óperas Il cappello di paglia di Firenze (El sombrero de paja florentino), y La visita meravigliosa (La visita maravillosa) y con sus sonetos Mysterium Catholicum y La vita de Maria (La vida de María). Realizo numerosas bandas sonoras para el cine italiado entre las que destacan La dolce vita, Fellini Roma, Romeo y Julieta, El gatopardo y Amacord. Ganó el Oscar por la banda sonora de El padrino 2, ya que la primera no fue admitida porque uno de sus temas habia salido anteriormente en otra pelicula.