Disco de la semana 397: Congratulations - MGMT

 

No quiero subir mucho el hype pero nada falla en Congratulations de MGMT, desde las magníficas interpretaciones vocales hasta la composición de las canciones, encuentra una mezcla perfecta de producción electrónica e instrumentación más tradicional, no tiene ni una sola canción mala, y aunque siento que muchos dirían que se podría considerar que Lady Dada's Nightmare es un punto débil en el álbum lo disfruto. A medida que la banda se adentraba más en esta región más psicodélica de su música, evolucionaron no solo como compositores, sino también como cantantes, productores y músicos en general, este fue el primer gran paso de la banda para alejarse de lo que originalmente habían hecho muy temprano en sus carreras, con los lanzamientos principalmente electrónicos hasta Oracular Spectacular. Este álbum también tiene bastantes elementos de rock progresivo, así como rock psicodélico y pop psicodélico, que se muestran más obviamente en Siberian Breaks, una canción de 12 minutos con 6 secciones, todas sumadas para formar una obra maestra de una canción.

El álbum comienza con It's Working de forma intensa, pero una vez que termina esa introducción a la canción, te deja con los tambores golpeando junto con una hermosa melodía vocal, así como mucha otra instrumentación, que conduce a un breve descanso con las voces aisladas antes de volver a los versos, que eventualmente se acumulan y hacen la transición, trayendo algo así como un coro, separado de sus repeticiones por un breve descanso instrumental más lento. En cuanto a la letra, esta canción habla de drogas, lo cual es apropiado para el sonido de la canción. Las letras de MGMT han sido algo crípticas durante un tiempo, pero la forma en que escriben incluso sobre temas que podrían parecer algo contundentes, como la ansiedad que conlleva consumir drogas, especialmente por primera vez, puede parecer poética, de alguna manera. Esta canción combina de forma hermosa diferentes géneros de rock, como el surf rock, el rock psicodélico y el rock artístico, lo que da como resultado este gran tema de apertura, un tono perfecto para el álbum. Song For Dan Treacy, es una canción alegre sobre el cantante y compositor de Television Personalities y amigo de MGMT, Dan Treacy. La canción es bastante enérgica y un gran instrumental, si bien comienza de manera bastante simple, con voces, algo de percusión y guitarra, evoluciona rápidamente, con una instrumentación más compleja que contrasta con el contenido lírico, la canción cambia a voces más parecidas a un coro que repiten "He made his mind up" respaldando la voz principal, que luego cambia a una sección más tranquila hasta que retoma el ritmo, conduciendo a la parte final, donde la canción llega a lo que tal vez podríamos llamar un pico, explotando, casi, con una línea final, antes de que la canción se desvanezca. Someone's Missing es la canción más corta del álbum, al comienzo es una canción muy tranquila, que poco a poco va construyendo sobre sus voces simples y un paisaje sonoro más ambiental, creando una sensación muy interesante, con sintetizador, órgano, un tambor silencioso pero contundente en un punto, y guitarra. En el final de la canción encontramos un sonido más animado, que suena extrañamente menos dudoso, como si la canción finalmente hubiera llegado a algún tipo de final no solo musicalmente sino temáticamente, la interpretación vocal en esta canción es muy interesante y se suma a la atmósfera cuestionadora y cautelosa del principio, es verdad que la brevedad de esta canción la obstaculiza un poco, sigue siendo una buena escucha atmosférica. Flash Delirium es una canción increíble, casi todo en ella es genuinamente lo más cercano a la perfección posible, esta canción comienza de manera simple, pronto evoluciona para estar repleta de diferentes conceptos, empaquetados juntos en una sola canción. El hecho de que esta canción pueda mantenerse unida y al mismo tiempo presentar tantas ideas diferentes en una sola canción es impresionante por sí sola, y es aún más impresionante que no solo se mantenga unida, sino que forme una canción increíble. Desde algo como un solo de flauta, hasta el magnífico verso que es esencialmente dos hermosos versos diferentes entrelazados, aún manteniendo un tema consistente, hasta la explosión de sonido final, es como un equivalente musical de tomar partes de toneladas de casas diferentes y pegarlas simplemente con madera y clavos, y aún así lograr hacer una casa no solo con un valor increíblemente alto, sino también algún tipo de comodidad para quienes viven allí y un diseño que es agradable desde todos los ángulos. Los conceptos poco convencionales para hacer la transición entre ideas encajan perfectamente en una canción fuera de lo estandar. Concluye con una explosión de sonido, gritos y luego una parada abrupta. Aunque esta canción sigue siendo bastante críptica en cuanto a la letra, hay un tema anti-redes sociales a lo largo de la canción, con la línea más directa de la canción, y posiblemente la única, siendo "Stab your Facebook". Sin embargo, la canción todavía deja mucho que debatir, ya que esa letra está en la parte más caótica y confusa de la canción. I Found a Whistle es otra canción críptica, sin embargo, a diferencia de la pista anterior, no hay líneas que indiquen un tema claro, otra canción atmosférica que se construye lentamente y finalmente explota en un final increíble. Esta canción comienza con solo un órgano y una percusión ligera, pero las voces y la guitarra entran rápidamente, continúa, hasta el cuarto verso, donde se calma por un momento, con solo voces, dando un mensaje lírico más amenazante, la canción termina con un simple "ooh, ooh, ooh", antes de desvanecerse. Esta canción tiene un gran órgano y un concepto musical muy interesante, así como un final impresionante, que tiene una de mis interpretaciones vocales favoritas del álbum, ya que el sentimiento que evoca en mí simplemente me hace sucumbir. 

Siberian Breaks es la canción más larga del álbum y la segunda canción más larga de MGMT con más de 12 minutos. Hay mucho que analizar aquí, pero antes de llegar a los detalles, en general, esta canción es realmente buena, se mantiene fresca y emocionante durante su duración y tiene algunas líneas realmente hermosas. Comencemos con la sección uno de la canción, se inicia con solo una guitarra acústica, pero pronto tenemos un bajo y luego muchas más capas. Comienza tranquilamente, pero aproximadamente al minuto y medio, se acelera y adquiere un sonido más oscuro y triste, terminando con la línea "los brazos abiertos pueden sentirse tan fríos". La siguiente sección llega de manera ligeramente abrupta, se abre con un sonido más animado, pero las voces son más tranquilas y la melodía vocal principal también es muy tranquila, en su mayor parte. La transición entre esta y la siguiente sección es mucho menos abrupta, esta tercera sección tiene una batería más potente, con una buena guitarra y una melodía es corta, de poco más de un minuto, lo que coincide con la letra final, "estar aquí siempre cambia de tono". Sigue siendo una buena parte de la canción, pero su brevedad hace que sea un poco difícil comentarla, sin embargo, cumple bien su propósito. La siguiente sección es más larga, comienza con una buena parte instrumental, con una mezcla genial de instrumentos y sonidos, que continúa a lo largo de la sección, finalmente aparecen voces tranquilas y melancólicas, que llevan el tono de un sentimiento mayormente neutral a un sonido más triste. La siguiente sección entra enérgicamente, con un tambor rápido que interrumpe la sección anterior, con un instrumental mucho más fuerte y con un ritmo más rápido. Esta sección es posiblemente mi favorita, desde la transición hacia ella hasta todo el contenido que contiene. La siguiente sección calma la canción nuevamente, haciendo una transición suave desde la sección anterior, y vuelve a la guitarra y las voces más tranquilas (obviamente junto con otros elementos, solo que esos no son tan prominentes como esos dos), antes de desvanecerse. Ahora volviendo a la canción en general, es realmente buena y es definitivamente una de las mejores pistas del álbum. Musicalmente, está bien hecha, la composición es buena, la producción y la mezcla son buenas, todo en ella es simplemente genial.

La canción que sigue a esta, que podrías pensar que tendría dificultades para no verse eclipsada por la canción anterior, es Brian Eno que enfrenta bien el desafío y logra no verse eclipsada por Siberian Breaks. La canción en sí es similar a Song For Dan Treacy, una canción alegre sobre una influencia para la banda. Líricamente, no difiere mucho de eso, pero musicalmente, es una canción muy extraña, ya que tiene una sensación muy enérgica, pero la melodía vocal y la entrega no siempre encajan muy bien con esa sensación, lo que extrañamente encaja con la canción. El instrumental de la canción es complejo y cambia mucho, y el estribillo de la canción es breve, solo dos líneas, pero fluye muy bien dentro y fuera de los versos, lo que hace que funcione muy bien en la canción. Acercándose al final del álbum, tenemos Lady Dada's Nightmare, que comienza con un enfoque en el piano, y un poco más de instrumental para respaldarlo, con melodías tocadas por cuerdas tranquilas, a pesar de la sensación inquietante, casi trágica de la canción. Puedes comenzar a escuchar gritos, y cuando entran los tambores, se convierten en el foco de la canción, lo que hace que esta sea una canción realmente inquietante. Los gritos son aterrorizantes, pero eventualmente se desvanecen, y volvemos a donde comenzamos, solo el piano y algo de acompañamiento, con algunos ruidos adicionales esta vez, lo que hace que la sensación de aprensión con la que comenzamos se sienta más inquietante, el piano se desvanece y nos quedamos con una instrumentación tranquila. Esta canción es realmente buena después de que te acostumbres a los gritos, que es lo que encontré más desagradable al principio, además de crear esta sensación inquietante, ralentiza el ritmo del álbum desde la energía de Brian Eno hasta la más tranquila Congratulations, la amarga conclusión de este increíble álbum, una reflexión sobre la fama que alcanzaron con su primer álbum, presentada en forma de una hermosa canción. Esta canción es una en la que las letras son increíblemente importantes, abordan su fama de manera simple pero efectiva, con letras como "Mientras la gente se esfuerza por convertirla en una historia/Y cincelar una palabra de mármol, todo se pierde si nunca se escucha” las líneas en el segundo estribillo, hablan de cómo la gente espera que tomen lo que les ha dado éxito, incluso si no están necesariamente felices por ello, y lo acepten como la banda ahora y lo repitan. Musicalmente, esta canción es bastante simple, pero, al igual que la letra, esta increíblemente bien. Las voces son agradables, es un buen y tranquilo cierre, no solo líricamente, la melodía es muy bonita y el instrumental es tan pacífico y está bien elaborado, contrastando con la letra algo enojada, sino solo amarga. Es el cierre perfecto para este increíble álbum.

 

En general, este disco logra maravillosamente tanto una odisea psicodélica fuera de lo común como una poderosa reflexión contra el estado actual de la cultura popular. Incluso con algunas desviaciones atmosféricas, estoy enamorado de prácticamente todo lo que hace este disco. Una declaración artística colorida, alocada y sorprendentemente brillante hecha por una banda que demostró con éxito a la industria musical, y principalmente a ellos mismos, que son mucho más que una banda de maravillas de un solo éxito.

Disco de la semana 387: Giles Corey - Giles Corey

 

La depresión es un estado en el que a una persona se le hace muy complicada la vida, las mantas de desesperanza, desesperación y apatía son aparentemente insuperables, cuando llegas al punto en el que estás buscando quitarte la vida, es realmente el peor sentimiento del mundo y ese es un estado aparentemente imposible de capturar en la música, aunque supongo que si alguien estuviera a la altura de la tarea sería Dan Barrett, El único trabajo suyo con el que estaba familiarizado antes de escuchar esto era su proyecto Have a Nice Life, en particular su álbum Deathconsciousness, que es uno de mis favoritos por su ambición, mezcla de estilos y emoción aplastante dentro de su composición. Creo que, sorprendentemente, Dan toma esos muchos atributos y los usa para hacer un álbum que es casi tan potente como Deathconsciousness, de hecho, en todo caso, este es probablemente un álbum más aplastante líricamente que Deathconsciousness.

El álbum comienza con “The Haunting Presence”, que presenta una producción similar a muchas pistas de Deathconsciousness, pero las diferencias también son muy evidentes, como el piano siniestro en la introducción o los gritos al final. La pista pierde lentamente toda apariencia de melodía a medida que avanza, con una inmensa distorsión que dificulta descifrar el coro, seguido por el sonido de una cadena arrastrándose por el suelo y luego gritos incomprensibles. Pasajes de drones extraños subyacen a todo y la instrumentación de vanguardia remata todo al final mientras el hablante lucha por decir "joder". Es una espiral loca que te absorbe directamente en los tonos realmente oscuros que este álbum tiene. La pista también establece la metáfora del álbum, Giles Corey históricamente fue una persona dentro de Salem, Massachusetts, durante los infames juicios de brujas en la década de 1690. Fue acusado de brujería, pero se negó a declararse inocente o culpable, y la ciudad lo sepultó hasta la muerte bajo pesadas rocas. Las únicas palabras que se dice que pronunció durante su muerte fueron "Más peso" y una maldición a la ciudad de Salem inmediatamente antes de su último aliento. Usarlo como símbolo de impotencia, rechazo de todo y todos los que te rodean y, en última instancia, de estar aplastado por la depresión es una alusión realmente poderosa, y se repite a lo largo de todo el álbum. En esta canción en particular, líneas como "We will redress your wrongs" y "There's a devil on my chest" son particularmente poderosas para impulsar la metáfora. “Blackest Bile” tiene una instrumentación acústica más folklórica, es la primera canción de muchas que tocan el tema del pensamiento suicida, la imagen principal es la de una nube negra que rodea al hablante y viaja con él a donde quiera que vaya, mientras acepta la idea de que nadie lo deseará nunca ni nada de lo que posee. Hay un baile interesante entre los instrumentos cálidos y el lirismo realmente oscuro que crea esta quietud en la música y la narrativa, que puede ser realmente difícil de llevar, y, sin embargo, a pesar de todo eso, honestamente es una canción bastante hermosa, que casi me provoca los mismos sentimientos que “How to Disappear Completely” de Radiohead.

“Grave Filled With Books” es una canción menos densa que las dos anteriores, pero eso no la hace menos impactante, la instrumentación sombría continúa y las letras, aunque mantienen su franqueza, quedan abiertas a cierto grado de interpretación, ya que contienen varios significados diferentes, lo que creo que habla del talento de Barrett para transmitir estas emociones a través de la escritura de manera tan potente. El último minuto se convierte en un breve momento de felicidad, y creo que es importante señalar que, a pesar de la naturaleza implacablemente oscura de este álbum, no siempre se pierde toda la emoción positiva. "Empty Churches" comienza con una larga grabación de un investigador paranormal que describe eventos que, la verdad sea dicha, no entiendo del todo, pero que se refieren a las ideas de la vida después de la muerte, una idea a la que se enfrentan quienes intentan quitarse la vida. Si realmente sería una liberación o si su sufrimiento puede extenderse, destaca la cantidad de obstáculos diferentes que tienes que superar antes de que el suicidio realmente se sienta justificado. Cuando la grabación termina, aparecen estos drones experimentales que toman el control y son realmente emocionales y mantienen fluyendo los tonos sombríos y depresivos.

 

Después de cuatro temas brutales, uno podría pensar que el álbum comenzaría a aligerarse un poco, o a tomarse un descanso de ser tan emocionalmente agotador, pero entonces te golpea con "I'm Going to Do It". Un vistazo al título de la canción te dice exactamente hacia dónde va este álbum. El estribillo es realmente escalofriante y el lirismo de esta canción es brutalmente directo y perturbador. Cuando el álbum parece tranquilizarse nos encontramos con "Spectral Bride", una de las canciones con mas elementos de folk del álbum, así como posiblemente la más atmosférica. Dan habla de un ser querido que teme que la muerte lo abandone, y aunque quiere sobrevivir y permanecer con él, se asegura de que siempre lo tendrán rondando como un fantasma. Ver la depresión y el amor unirse de esta manera crea una experiencia realmente poderosa, y eso se presta a ser una de las expresiones de amor más profundas e impactantes que he escuchado. "No One Is Ever Going to Want Me" se construye alrededor de una simple melodía que ocupa todo menos la sección final sobre una letra increíblemente deprimente. Es cierto que no es nada fuera de lo común en comparación con la mayoría de las pistas aquí, pero es en esta pista donde todo se une en la oferta más potente que el álbum tiene para ofrecer. Iguala y supera la belleza trágica de pistas como "Blackest Bile" y "Spectral Bride", antes de explotar en el clímax del álbum. Dan grita “One two fuck you” como un rechazo total al mundo del que se siente abandonado y la sección “I wanna feel like I feel when I'm sleeping” es uno de los momentos emocionalmente más poderosos que he experimentado en cualquier canción. “Sleeping Heart” y “Buried Above Ground” sirven como el relax de este álbum, siendo el primero un lamento simple y hermoso, y el segundo siendo la gran conclusión. La inclusión de trompetas en “Buried Above Ground” me recuerda a una canción de Godspeed You! Black Emperor, particularmente las de Lift Yr Skinny Fists . Me encanta lo triunfante que suena, especialmente cuando recita líneas de la canción de apertura que concluyen la metáfora de Giles Corey. Suena como si hubiera niveles de aceptación y mejora a medida que el álbum llega a sus notas finales.

 Al terminar este álbum, creo que lo obvio es compararlo con Deathconsciousness, porque si bien este álbum es muy propio, comparten muchas similitudes, creo que Giles Corey es un álbum mucho más devastador que su predecesor, principalmente debido a que es más directo e introspectivo. En 2009, un año después del lanzamiento de Deathconsciousness, Dan Barrett intentó suicidarse, acto que inspiró la mayor parte de este álbum. El suicidio nace de la desesperación y la desesperanza totales, pero al quitarse la vida, se abandona la esperanza de cualquier recuperación. Es una de las peores formas de morir, porque uno queda atrapado en una depresión total por el resto de la vida, perdiendo toda esperanza de volver a experimentar la felicidad. Es una trampa en la que es muy fácil caer. Aplaudo a Dan por explorar sus emociones de esta manera y encontrar una salida para ellas. Si estás luchando con estos pensamientos, habla con alguien. El hecho es que cada vida tiene valor y hay algo de alegría esperándote en alguna parte. Este álbum es una gran representación de esa idea. Sin embargo, una gran parte de lo que hace que este álbum resuene tanto conmigo tiene que venir también con un contexto externo. 

No importa cuán implacablemente oscuro pueda ser este álbum, el hecho es que Dan Barrett sigue vivo y, por lo que sé, está viviendo una vida muy feliz. Hay una luz al final de ese túnel, este álbum es una descripción muy precisa de esa parte de su viaje, pero no abarca el final…. Ese final abrupto nunca debe llegar sino que tenemos que volver a la luz, y si estas en ese túnel no dudes siempre debes marcar el 024 y seres como tu y yo pondrán luz a tu oscuridad.

Linea contra el suicido: 024, llama a la vida

Disco de la semana 332: Belle and Sebastian - If You're Feeling Sinister

Mi relación con If You're Feeling Sinister no fue amor a primera vista, me gustó el disco durante años antes de que se elevara a ese nivel más alto de favoritismo, pero recuerdo el momento exacto en que sucedió: sentado con la que sería mi mujer en un dormitorio pequeño y tenuemente iluminado tarde, tarde en una fría noche de invierno, los dos desconsolados y confundidos por diferentes razones, escuchando este álbum juntos, consolándose uno en la compañía del otro. Dije en ese momento que parecía exactamente el escenario en el que el álbum fue diseñado para ser escuchado. If You're Feeling Sinister me ha hechos sentir casi al extremo, es un disco que adoro, puede que mi reseña este altamente influenciada por ese momento.

Es posible que If You're Feeling Sinister no cause una gran impresión en su primera escucha, pero la segunda vez, alguna letra inteligente o floritura melódica se te pegará en la cabeza, y te verás obligado a volver a escucharlo y descubrirás una colección casi incomparable de canciones que compensan lo que podría faltarles de ambición innovadora, brillantemente diseñadas, meticulosamente arregladas e interpretadas con amor. No hay una sola canción en este álbum que no sea genial, no solo buena, genial. No se me ocurre ningún otro disco sobre el que pueda decir eso. Todo esto se debe al genio de Stuart Murdoch, se ha hablado mucho de su capacidad para construir estudios de personajes conmovedores y relacionados que no carecen de humor ni de sarcasmo mordaz. Con la excepción de Alex Turner de Arctic Monkeys y posiblemente Stephen Malkmus, así como Will Toledo de Car Seat Headrest, Stuart Murdoch es mi letrista favorito en el mundo, porque cuando está en su apogeo nadie hace un mejor trabajo describiendo la confusa experiencia de ser un adolescente, y especialmente de ser un adolescente que no encaja del todo. Los personajes que nos presentan aquí son un grupo ecléctico, pero casi todos ellos comparten la incapacidad de encontrar un lugar entre sus compañeros, un sentimiento con el que cualquier buen chico indie debería poder identificarse. Temáticamente no hay nada nuevo, es casi una ley por la cual cualquier álbum de indie rock o indie rock adyacente tratará sobre estar solo/deprimido/distanciado de alguna manera, pero la verdadera magia de Murdoch es su capacidad para incluir toda la gama de la experiencia humana, la felicidad y la tristeza, en estas canciones, aunque en general tratan básicamente sobre la soledad. El protagonista de "Like Dylan In The Movies" al principio teme caminar solo hasta su casa por el parque, pero finalmente encuentra la paz en su soledad, el personaje principal de "Judy and the Dream of Horses" es una paria totalmente rara, pero encuentra la felicidad después de abrazar sus propias excentricidades. Aquí radica la diferencia entre Murdoch y tantos otros chicos tristes independientes, como probablemente se los llamaría hoy, mientras que algunos artistas languidecen en su depresión y lo convierten en el tema definitorio de su música (Elliott Smith) o, lo que es peor, solo lo usan con fines estéticos (demasiados para nombrarlos), la profunda tristeza de las historias y los personajes de Murdoch en realidad solo se usa como exposición o trasfondo, por así decirlo, y es a donde van esas historias a partir de ahí, en eso radica la mayor parte del impacto de la letra. Ese enfoque hace que la composición de canciones sea más interesante y, en mi opinión, revela una visión del mundo matizada y más madura en general, una que preferiría escuchar en lugar de simplemente ventilar las quejas. Aunque incluso una simple exposición de agravios podría elevarse a la grandeza cuando la poesía es tan buena como aquí.

Una de las críticas más comunes dirigidas a Belle & Sebastian es que la instrumentación es aburrida o anticuada y realmente no agrega nada a la experiencia auditiva general, creo que esos críticos realmente no tienen razón aquí, donde casi todas las canciones tienen arreglos exuberantes y están llenas de pequeños detalles melódicos: la viola en " Fox In The Snow", uno de los aspectos más destacados del álbum y quizás su momento más conmovedor que se nos viene a la mente, es la forma en que los instrumentos en "A Fox in the Snow" que tienen cuidado de nunca dominar la voz de Murdoch, que se tensa bajo la emoción de las palabras a cada paso, "Se dice en la calle que te estás muriendo de hambre" o “Decirle a alguien toda la verdad antes de que te mate ”. Escuche, por ejemplo, cuán perfectamente se ejecutan esos crescendos y decrescendos en "The Stars of Track and Field", prestando a esa canción pop casi perfecta una calidad dinámica que incluso podría llamarse épica, o cómo un arpegio de campanas suaves introduce las cuerdas en el verso final de "Get Me Away From Here, I'm Dying”. Hay una plenitud y calidez en el sonido de este álbum que complementa a la perfección las letras y la voz de Murdoch, y la sobriedad de la instrumentación es absolutamente esencial para establecer el ambiente íntimo. Claro, es una gran razón por la que tal vez nada salte a la vista en la primera escucha, pero esa sutileza no es una debilidad, es una de las mayores fortalezas del álbum. En realidad, la música es prácticamente un escenario perfecto para la letra, es un poco de meta en "Like Dylan in the Movies" cuando la línea de bajo que rebota se detiene con la línea "When the music stop"; es la forma en que la muestra de apertura de un parque infantil en "If You're Feeling Sinister" desmiente por completo de qué se trata la pista real; es la forma en que las cosas se separan para el coro de "If You're Feeling Sinister" o las últimas líneas de cada verso en “I'm Dying", y es la forma en que los acordes en "Judy and the Dream of Horses” cambia a la mitad de los acordes principales, adecuado para cuando la canción se recupera tanto instrumental como líricamente.

If You're Feeling Sinister es una recomendación casi infalible, es el punto de partida obvio para empezar a explorar el trabajo de Belle & Sebastian. Si prefiere algo más ligero de lo que puedas encontrarte aquí pruba con Tigermilk o Push Barman para abrir viejas heridas. Si deseas escuchar más temas como "Get Me Away from Here", también deberías disfrutar mucho de Dear Catastrophe Waitress.

The Beta Band: The Three E.P.'s (Píldora #21)

The Beta Band es un colectivo bastante extraño, para empezar, son escoceses y son increíblemente inacesibles, dan la impresión de que viven en algún lugar de las tierras altas, deambulando ocasionalmente solo para grabar un EP o tres, prácticamente no se prodigaban en la prensa, ni siquiera para anunciar sus nuevos trabajos, parecían decididos a dejar que su música, y sólo su música hablara por ellos. Ni siquiera sabemos cuántos miembros componen la banda, ya que el folleto de este álbum no contiene información sobre la banda o las canciones (más allá de la información de derechos de autor, nombres de las pistas y agradecimientos). Sin embargo, este disco es bastante interesante por derecho propio, ya que es una colección de todas las portadas originales e ilustraciones de discos

La publicación de este trabajo es tan extraño como el grupo, no es realmente un álbum, sino (sorprendentemente) una compilación de los primeros tres lanzamientos de EP de Beta Band, reunidos en un solo lugar. Esto trae a primer plano uno de los mayores problemas de inmediato; es difícil escucharlo como un todo, y no recomendaría hacerlo. Cada tercio del álbum fue concebido como su propio EP, y en sí mismos, cada uno puede darnos una escucha diferente. En conjunto (aunque, para su crédito, ninguno de los estilos de las pistas de los EP choca demasiado), se convierte en una experiencia auditiva peligrosamente tediosa, simplemente porque las 12 pistas juntas apenas alcanzan el valor de un CD completo de música (78 minutos). La música en sí también es poco predecible, la palabra que siempre me viene a la mente para describirlo es "ecléctico", ya que contiene elementos de rock alternativo/indie en general, pero también folk, en cierta medida, y hip hop (incluidos samples), todo ello con un marcado carácter. Gran parte de la eficacia de la música se basa en la repetición, creando un efecto bastante fascinante y relajante, casi hipnótico, a veces. Me tomó mucho tiempo realmente sentarme y escucharlo más allá del gran single "Dry the Rain", especialmente el EP espacial, a menudo casi experimental, The Patty Patty Sound, pero cuando finalmente lo hice, me encantó lo que encontré. Porque afortunadamente, dada la naturaleza tenue y repetitiva de la música, Beta Band es realmente buena en lo que hace. Todas las canciones encajan en un ritmo desde el principio y se aferran a él en todo momento. El resultado son tres EP maravillosos, aunque uno de ellos demasiado largo.

Fleet Foxes - Fleet Foxes (Píldora #19)

 

Fleet Foxes es una de las mejores bandas surgidas en la década de 2000 y este álbum es también uno de los mejores debuts que he escuchado, es algo es muy diferente a todo lo demás, igual que sucede con el grupo, un sonido nuevo que es emocionalmente hermoso que debería ser amado por todo el mundo.

En el comienzo de Sun It Rises, parece que todos están borrachos cantando melodías de espectáculos, después hay variedades extremas de música, como las guitarras en el medio y las armonías vocales del final, quizás no es su mejor canción, pero comienza el álbum con una nota inquietante y misteriosa. White Winter Hymnal es una verdadera joya, una de las mejores que he escuchado, aunque la canción es muy corta, cada segundo es genial, especialmente al final, cuando Pecknold aúlla más fuerte y los instrumentos alcanzan su clímax junto con el rápido ritmo de la batería, luego tranquilidad mientras las voces se desvanecen maravillosamente. Quiet Houses es en cambio, ruidosa y con algo punk, pero consigue transmitir belleza, además esta muy bien escrita, les sale muy bien agregar un poco de punk ya que en ningún momento arruina las raíces folks indie, y consigue que el ritmo de esta canción te haa aplaudir como si estuvieras cantando en un estadio. Heard Them Stirring, es una canción rockera y las armonías son muy poderosas, aun así, es un tema relajante ideal para cualquier amante de la naturaleza, el sonido te puede llegar a adormecer mientras viajas con las armonías para luego despertar con lágrimas en los ojos.. Blue Ridge Mountains es mi canción favorita de este álbum con diferencia, bellísimo comienzo con la guitarra suave y la voz pegadiza y cargada de nubes de Robin Pecknold, la canción se vuelve más rápida y adorable, emotiva y celestial con la gran historia de su hermano y cómo lo ama, el coro también es fenomenal y sorprendente.

El disco de la semana 311: Lift Yr. Skinny Fists Like Antennas to Heaven! - Godspeed You Black Emperor!

 

Debido a que es un álbum principalmente instrumental, excepto por algunas grabaciones de campo de personas hablando, la composición es el pan y la mantequilla de este álbum y es increíble. Es abstracto y por ahí, es post rock después de todo, por lo que podría ser un impedimento, pero realmente creo que te va a gustar (aunque podría ser muy pretencioso). Es lo más parecido a una sinfonía clásica que puede tener un álbum de rock y si eso es lo tuyo, te va a encantar. Como dije, es un álbum instrumental prácticamente sin letra, por lo que claramente la interpretación será un poco más difícil de entender y quizás más abierta de lo que estoy acostumbrado, pero definitivamente hay un significado en esta música poderosa y urgente. ¡Siéntate y disfruta del viaje! Es abstracto y por ahí, es post rock después de todo, por lo que podría ser un impedimento para ti, pero realmente me gusta Esta canción se siente como anticipación de descubrir algo; arañando la tierra, cavando, tratando de poner tus manos en cualquier tesoro que haya quedado generaciones atrás. Mientras los címbalos resuenan y patean el tambor en cada latido, los cuernos en su registro más alto, las cuerdas gritando, llegamos al crescendo de esta sección solo para descubrir que no había nada bajo tierra. Nos quedamos en una mezcla vacía, llena de nada más que llanto, cuerdas distantes y un zumbido sutil.

Storm

Tiene probablemente la música más hermosa que he escuchado. El movimiento inicial expresa un asombro infantil ante las maravillas del mundo, una vulnerabilidad inocente ante la belleza y la ignorancia ante el sufrimiento. Una larga secuencia de cuerdas y metales acompañada por tambores para crear seis minutos de opulencia musical orgásmica. Todo es perfecto, todo es feliz, comienza en voz baja, lentamente, solo con el sonido de una guitarra y una trompeta. Obtienes una sensación de pureza e inocencia, como un niño pequeño que da sus primeros pasos en el mundo, lleno de asombro y asombro. Parece que el niño no ha sido tocado por la oscuridad que existe en la vida, aún mantiene su ignorancia de cómo es el mundo. Luego, lentamente, más y más cuerdas y cuernos comienzan a unirse a la imagen, puedes escuchar la batería y todos los instrumentos juntos en esta increíble acumulación de 6 minutos que solo puedes entender si escuchas la canción. Este movimiento musical representa la felicidad, la esperanza para la humanidad y la paz. El siguiente segmento comienza con un tono más oscuro y siniestro que el anterior. Las percusiones y las guitarras toman protagonismo señalando el alejamiento de la inocencia. Sin embargo, todavía queda un elemento de esperanza mientras los instrumentos luchan entre sí. Todo esto para representar la adolescencia. La ignorancia infantil se ha ido, ahora conocemos las dificultades y el sufrimiento de la vida: la ansiedad, la ira y la incertidumbre reemplazan lo que una vez fue felicidad y asombro. Una perfecta representaciom del estado de la juventud en los años 90, angustiado y enojado con el mundo. Estados Unidos había estado en un estado de paz y prosperidad, pero en una sociedad posterior a la Guerra Fría, la vida es incierta y las tensiones aumentan. Finalmente, se puede escuchar la primera “letra” del disco en forma de anuncio hecho en una gasolinera:

“Bienvenidos al minimercado Arco AM/PM. Nos gustaría informar a nuestros clientes que cualquier persona que se ofrezca a bombear gasolina, lavar ventanas o solicitar productos no es empleada ni está asociada con esta instalación. Desaconsejamos cualquier contacto con estas personas y le pedimos que informe cualquier problema al personal uniformado que se encuentra dentro. Gracias por comprar en Arco AM/PM, y que tenga un feliz día”

El siguiente y último segmento presenta algunas conversaciones indistinguibles acompañadas de un piano sombrío. Lo único que puedes entender de todas estas divagaciones es "va a ser un largo tiempo", que se repite dos veces. Esto parece significar el estado en el que nos encontramos en medio del sufrimiento, o cuando estamos pasando por una lucha. Lo único que anhelamos es el final de esta lucha, deseamos desesperadamente que nuestro sufrimiento termine, y así todo lo demás pierde importancia, tenemos una visión de túnel esperando la luz al final del túnel, incluso si esa luz nunca aparece. Esa es la triste realidad de la vida a veces.

Static

Confusión, ansiedad e incertidumbre son el comienzo de la segunda canción. Los instrumentos en realidad crean lo que dice el título, No hay un camino claro, ninguna decisión distinta que el adolescente deba tomar. Todo es brumoso, el futuro parece incierto y la búsqueda de sentido es oscura. Pero luego, de repente, cuerdas lúgubres se apoderan de la pieza y nos llevan al siguiente segmento que se combina con un sermón. No intentaré analizar todas las palabras y su significado porque, francamente, hay demasiado que analizar, pero si me voy a detener en estas frases:

“Se necesitan detalles minuciosos

Se necesita una vida santa

Se necesita dedicación

Se necesita dedicación

Se necesita una muerte

Y solo Dios puede permitirlo...”

 

Estas son las primeras palabras distinguibles del sermón. Note que dije distinguibles, porque no son el comienzo real. El sermón habla de otras vías para ver a Dios. Las drogas, las drogas te mostrarán a Dios, pero no de una manera pura. Te hace creer que sientes plenitud, como si pudieras ver el significado, pero no es real. Cuando verdaderamente veas el rostro de Dios, “Creerás que estás loco. Creerás que te has vuelto loco”, ya que el fenómeno de la perfección, de la actualización, es demasiado extraño para nosotros ahora. Si bien la grabación de este sermón realmente habla de Dios, en un contexto religioso, el álbum no lo es. El álbum está usando a Dios, usando el cielo al que levantamos nuestros puños, como símbolo. Un símbolo de un mundo puro de unión, pureza, virtud y propósito que alguna vez conocimos, pero no más. Cuando Nietzsche dijo “Dios ha muerto”, no se refería a la figura religiosa, sino a lo representado en la idea. La pureza del espíritu humano y las virtudes que sostienen la sociedad para prosperar. Eso es lo que ha muerto.

Sleep

La canción se abre inmediatamente con otro monólogo. Esta vez es un anciano que recuerda Coney Island, también conocido como "el patio de recreo del mundo", como él dice.

 “No hay lugar en el mundo como este (Coney Island), y fue tan fabuloso. Ahora se ha reducido a casi nada, ya ves. Y, eh, todavía recuerdo en mi mente cómo solían ser las cosas, y eh, ya sabes, me siento muy mal...”

Nuevamente aquí podemos ver claramente la representación de un mundo que alguna vez fue hermoso y puro. Todos estaban felices, unidos unos con otros “aquí venía gente de todo el mundo... era el patio de recreo, lo llamaban el patio de recreo del mundo, por aquí...”

“Y solíamos dormir en la playa aquí, dormir toda la noche. Ya no hacen eso. Las cosas cambiaron, ya ves. Ya no duermen en la playa...”

La canción continúa en un torbellino oscuro y tumultuoso de drones, batería y guitarra distorsionada. Esta es musicalmente una de las partes más intensas del álbum y representa la destrucción de “Dios”. La música continúa y busca emular la idea de la nostalgia. La nostalgia es una idea abrumadora para las personas cuando miramos hacia atrás a los momentos más significativos y agradables de la vida con asombro de los recuerdos que apreciamos. Lo triste de la nostalgia es que esos recuerdos se han ido. Como si pasara un año, la curiosa esperanza de la primavera y el paraíso del verano llegan a su fin, pasando al otoño, el período de la humanidad en el que la banda cree que estamos ahora.

Antennas to Heaven:

La canción comienza con otra canción sonando en ella. Cuyas letras son dementes y absurdas.

¿Qué haremos con el bebé?

¿Qué haremos con el bebé?

Envuélvelo en un mantel

Tíralo en el viejo pajar...

Cada vez que el bebe llora

Dale a mi bebe otra botella de ginebra

Eso es lo que hacemos con el bebe...

Cada vez que el bebe llora

Ponle mi dedo en los ojos del bebe

Eso es lo que hacemos con el bebe...”

 

Una vez más, lo que significa nuestro contentamiento con hacer lo fácil en lugar de lo justo. ¿El bebé está siendo una molestia? Tíralo al granero. ¿Está llorando? Sácale los ojos para que se detenga. Mata la inocencia. Después de que termina esta parte, la música toma un giro oscuro por un rato, hasta que se escucha el sonido del glockenspiel. Junto a ello, podemos escuchar a unos niños cantando en francés ya uno de ellos decir “C'était un idiot” que significa “era un imbécil”. Esto podría tratarse de muchas personas, pero creo que se refería a la canción que sonaba al principio, al hombre que elige silenciar al bebé en lugar de cuidarlo. Por fin, podemos ver que todavía hay pureza en el mundo, todavía hay belleza en este mundo oscuro. No todo el mundo es resentido y amargado, la inocencia se puede encontrar en las personas. Y la triste realidad es que nos hemos desviado de eso. De la belleza, la maravilla, la falta de odio y resentimiento, la honestidad. El camino de menor resistencia nos ha sacado del camino de la rectitud.

 

Y esto es lo que el álbum intenta decirnos. Es un álbum de luto, de añoranza por un mundo perdido en el pasado. Pero también, es un álbum de esperanza. Esperanza por el regreso de ese mundo perdido. El odio, la incertidumbre y la codicia nos han consumido. Nuestro enfoque e interés están en lo fácil, en la gratificación instantánea. Con un clic en nuestras computadoras, o un toque en nuestros teléfonos inteligentes, queremos que el producto llegue a nuestra puerta. No en un mes, o una semana, sino en el mismo día. Constantemente buscamos “secretos” o “maneras fáciles” de hacer algo. “Aprenda este truco secreto para perder peso a la velocidad del rayo” o “Aquí está esta guía para hacerse rico rápidamente”. ¿Son éticos? ¿Son moralmente correctos o autodestructivos? A quién le importa, siempre y cuando sean rápidos y fáciles de hacer. Sin embargo, hay luz al final del túnel, como sugiere el final del álbum con su tono esperanzador y edificante. Al final, podemos esperar volver a experimentar lo que una vez fue, para algún día poder volver a dormir en la playa de Coney Island.         

 

 

Disco de la semana 265: Fin de Siècle, The Divine Comedy

En 1998, en plena cuenta atrás para el final del siglo XX, el siempre inquieto Neil Hannon decidió ofrecer al mundo su particular visión de aquel momento de cambio, combinando a la perfección sentimientos como la angustia y la incertidumbre ante un siempre incierto futuro, con la ilusión y esperanza que también generaba la expectativa de todo lo nuevo que podía traer consigo el nuevo milenio. Y en esa dualidad se movieron de manera brillante las canciones de Fin de Siècle, balanceándose al ritmo de contundentes atmósferas de pop de cámara y de sutiles guiños electrónicos a la modernidad que se atisbaba a la vuelta de la esquina.

Tras el éxito de discos como Casanova o A short album about love, obras a la par románticas y alegres, que consiguieron el reconocimiento de crítica y público, todos esperaban que Hannon entregara un nuevo capítulo del pop ligero y luminoso al que aquellos discos les habían acostumbrado. Y aunque el primer single de Fin de Siecle (The National Express) fuera una canción tan divina y comediante como las anteriores, casi nadie estaba preparado para lo que el resto del disco estaba a punto de mostrar, en canciones mucho más intensas y angustiosas, y acompañadas de un despliegue sonoro sin precedentes, interpretado por un tropel de músicos que superaba con creces la centena, incluyendo la colaboración de una soprano, tres tenores, y de la orquesta Brunel Ensemble y el coro del Crouch End Festival al completo. 

Fin de Siecle fue, en un principio, y a pesar de tamaño esfuerzo y derroche, un disco incomprendido y poco valorado, algo a todas luces injusto porque hablamos de un excelente álbum, en el que los habituales pasajes orquestales de la banda adquieren por momentos una dimensión y grandilocuencia espectaculares, con la genialidad de estar, en ocasiones, engarzadas dentro del armazón de canciones en las que ese derroche instrumental contrasta con temáticas y letras marcadamente ligeras como Generation Sex, el tema con el que arranca el álbum, o la misteriosa Thrillseeker, una de las piezas en las que mejor funciona ese contraste entre la música de cámara y los sutiles y oscuros arreglos electrónicos.

Tras la más que conseguida atmósfera de melancolía y tristeza que impregna Commuter Love, en la que el protagonista describe su pasión secreta por una mujer a la que observa cada día en un trayecto en tren hasta el trabajo, y a la que nunca confesará su amor, llega el que probablemente sea el momento de mayor genialidad del disco con Sweden. En un tono de lo más "naif" y a través de una multitud de simples explicaciones, Hannon relata los motivos por los que piensa retirarse a vivir en Suecia, a ritmo de una, de nuevo, grandilocuente y precipitada orquesta.

Tras este espectacular póker de canciones, y pese a tener tramos en los que las atmósferas de contraste entre lo clásico y lo electrónico son dignas de elogio, los más de ocho minutos de duración de Eric the gardener se hacen algo largos y dejan la sensación de romper de algún modo el ritmo de crucero que el disco ya había tomado. A la vuelta de este largo rodeo, llega el turno de la ya mencionada The National Express, uno de los singles más aclamados de The Divine Comedy. Una luz brillante y fugaz, atrapada entre los que quizá sean los dos temas menos reseñables del disco, porque si a Eric the gardener le sobran minutos, a Life on Earth le falta algo de la chispa de otros temas del álbum, y siendo un buen tema no termina de sorprender durante la escucha.

El momento valle pasa pronto y sin hacer que perdamos la esperanza y la ilusión por la llegada del fin de siglo, porque en The Certainty Of Chance vuelve el genio compositivo y los arreglos orquestales de relumbrón. En este tramo final del disco, Here comes the flood mantiene el listón a un nivel adecuado, preparándonos para el grandioso final de Sunrise, en la que Hannon se abre a contar su difícil infancia en Derry, en mitad del conflicto de Irlanda del Norte, planteándose como pudo "ver esas cosas y aún sonreír". No se como lo consiguió, pero ahora que volvemos a levantarnos cada día con los ecos de los tambores de una nueva e innecesaria guerra, se agradece que haya discos como éste para recordarnos que es mejor tomarse la vida como si fuera una divina comedia.

El disco de la semana 178: Vampire Weekend - Vampire Weekend

Vampire Weekend

     Cuatro jovenes, Ezra Koenig, Chris Tomson,Chris Baio y Rostam Batmanblij se conocen mientras cursan sus estudios en la Universidad de Columbia (Nueva York), y lo que hace que se unan es su amor por el Rock Alternativo, el punk rock y la música africana. En un principio Koenig y Tomson inician un proyecto formando un grupo de rap L'Homme Run. Además Koenig colabora en otros proyectos experimentado con música africana. Todo ello acaba desembocando en la formación de Vampire Weekend, formado por los ya mencionados Koenig (voz, guitarra, piano), Tomson (bajo), Baio (batería y percusión) y Batmanblij (guitarra, teclado y coros). El nombre del grupo lo toma la banda de un proyecto de Koenig en el que trabajó para estudiantes de primer y segundo año en la facultad durante el verano. Dicho proyecto era la realización de un cortometraje cuyo título era precisamente Vampire Weekend.

     El grupo se empieza afoguear tocando en garitos y espectáculos cerca de la Universidad de Columbia. Su estreno fue en la batalla de bandas celebrada en Lenner Hall en 2006. Lenner Hall es precisamente el centro de estudiantes de la Universidad de Columbia, lugar donde se celebran eventos sociales durante todo el año académico. Los chicos de Vampire Weekend se graduan en la universidad y deciden entonces autoproducirse su primer disco. Tiempos duros, pues hacen el disco y los producen mientras se encuentran trabajando a tiempo completo.

     El resultado es el álbum de título homónimo de la banda, Vampire Weekend, el disco recomendado para la semana 178 de la aventura de 7dias7notas. Un álbum donde se entremezclan la música indie, el pop barroco, el arte pop, la música africana ó el rock alternativo entre otros géneros. El disco es lanzado en enero de 2008 y rápidamente obtiene un gran éxito en el Reino Unido y en Estados Unidos, llegando a acupar el puesto número 430 en la lista de los mejores 500 álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone. En Estados Unidos, fue capaz de vender en la primera semana más de 27.000 copias, colocándose esa misma semana en el puesto número 17 de la famosa lista Billboard 200.

      Un disco donde encontramos temas tan dispares como por ejemplo Oxford Comma, tema donde critican a aquellas personas que para difmar a otras hacen uso de las letras usando una mala ortografía; A-Punk, donde juegan con los ritmos punk y donde utilizan varias refrencias literarias; Cap Cod Kwassa Kwassa, donde los bongos y las percusiones de ritmos africanos de entremezclan con riffs de guitarras; ó Campus, tema de corte más popero donde el protagonista describe el dolor que le causa cruzarse por la universidad con una chica con la que tuvo sexo casual y por la que siente algo más pero no es correspondido.

     Gran parte de la crítica especializada coincidió en catalogar Vampire Weekend como unos de los trabajos inide - pop más frescos y entretenidos de la década de los 2000. Por otro lado otra parte de la crítica no dudo en catalogar este trabajo como pop para millenials universitarios de un grupo de pijos para pijos.
Desde 7dias7notas os proponemos la escucha de este disco y que vosotros mismos seáis los que saquéis vuestras propias conclusiones. Unas conclusiones que esteremos encantados de recibir a traves del blog o de la redes sociales.

El disco de la semana 12: Arcade Fire - "Neon Bible"

Arcade fire es un grupo indie de Canada, compuesto por el matrimonio Win Butler y Régine Chassagne, que saltó a la fama en 2004 con su primer álbum, Funeral, un autentico pelotazo debido al extraña música y fue altamente aclamado por la critica. El disco que vamos a reseñar es el segundo, Neon Bible, siempre avidos de nuevas fronteras se alejan de ese primer sonido de Funeral. Como curiosidad os diremos que para grabar Neon Bible, Arcade Fire se compraron una iglesia, abandonada. En el sonido no dejan de experimentar y se han utilizado entre otros instrumentos: órgano, zanfonía, trompa militar y toda una orquesta húngara.



Black Mirror

Primera canción del album, que tambien fue el primer single de este Neon Bible. Acompasado mediante fuertes sonidos de percusión que marca el ritmo de la canción, estos se amplifican durante su estribillo, mientras Win Butler va cambiando la intensidad de la voz y su esposa, Régine Chassagne realiza unos magníficos coros. Especial atención a ese final de canción con un gran crescento y que posteriormente la deja caer por un acantilado. Una buena puesta en marcha para este segundo disco de Arcade Fire.

Keep the car Running

Con un comienzo mas Popero, alejándose de la oscuridad del primer tema, nos encontramos ante el segundo single del Album y como podréis comprobar el cambio es absoluto, una muestra mas de la versatilidad que el grupo hace gala. Aquí se nos presentan copiando descaradamente el estilo

Springsteen de los años 80. La canción versa en que nunca se debe tirar la toalla y como dicta el titulo, tenemos que mantener el coche siempre encendido. Buen tema.

Neon Bible

Canción que da titulo al álbum y que se desarrolla durante 2 minutos como una letanía, evoca a algún tipo de culto religioso jugando con el titulo "Biblia de Neon", de nuevo vemos como con cada tema Arcade Fire nos propone algo distinto.

Intervention

Este es para mi el tema estrella del disco. Canción compuesta antes del creación del disco neon bible, es casi un himno, Win y Regine se turnan para ir recitando el mensaje de la canción, combinando sus voces de forma inmejorable, la dureza de él y el casi susurro de ella. Un órgano apocalíptico que domina toda la canción, una letra vomitada con un final que te lleva al paraíso Una verdadera joya.


Ahora no podemos encontrarte
Pero ellos van a recuperar su dinero de algún modo
Cuando finalmente desaparezcas
Diremos que nunca estuviste aquí

Has estado trabajando para la Iglesia
Mientras tu vida se desmorona
Cantando aleluyas con temor en tu corazón
Cada chispa de amistad y amor
Morirá sin un hogar

Oye el gemido del soldado "Iremos allí solos"
Oye el gemido del soldado "Iremos allí solos"


Black Wave / Bad Vibrationes

En esta ocasión toma el control de la canción Regine con su particular tono y cargada de melancolía  en esta primera parte encontramos un ejercicio armónico muy conseguido, para posteriormente en la segunda parte Win deshaga todo esa melodía a golpe de percusión y con su voz. Una curiosidad.

Ocean of Noise

Nos inunda la tristeza con esta canción, perfectamente recitada con una música envolvente que te hace disfrutar con los ojos cerrados, mística, dolor, es imponen con un climax al final de la misma totalmente devastador y con una letra brillante, otra gran demostración de lo que es capaz de hacer el dúo Canadiense, disfrútenla....


Me fuí por la mañana,
mientras dormías profundamente,
hacia un océano de violencia.
Un mundo de calles vacías.

Tenía mis motivos.
Tú tenías los tuyos.
Pero los mías, no eran más
que mentiras para comprar
algo de tiempo.


The Well and the lighthouse

Estamos quizás ante el tema mas luminoso del disco, han dejado la transcendencia para meternos en la canción mas comercial del disco, es por ello que seguramente sera la canción mas digerible del disco, sobre todo con esa parte final que brilla con una percusión que toma protagonismo. Un gran tema aunque quizás no tenga el sello autentico de Arcade Fire


Antichrist Television Blues

Aquí tenemos una canción bastante convencional, si bien el tema esta cargado de una critica hacia la religión brutal, la voz de Win Butler se mueve constantemente por distintos estados y la aceleración que lleva es magnifica. Asombroso final abrupto...

Querido Dios, me enviarías un niño?
Oh Dios, me enviarías un niño?
Porque quiero ponerlo en la pantalla de la TV.
Así el mundo podrá saber lo que tu Palabra significa verdaderamente.
Señor, no me enviaras una señal?, 
porque tengo que saber si estoy malgastando mi tiempo.




Windowstill

Canción pausada después del ritmo que teníamos en los temas anteriores, con un tono que recuerda a su antiguo disco, funeral. No es de las mejores canciones del disco aun así dejan su sello.

No cars go

Una canción valiente que apenas esta acompañada de música y que su parte casi a capella acompañada de un teclado, la hace especial, luego como en tantas ocasiones la canción rompe en altura. Una autentica rareza anticomercial, una apuesta que no salio todo lo bien que ellos esperaban y que tiene por partes iguales a detractores y entusiastas, a mi personalmente de deja un poco frío.