Grandes exitos y tropiezos: Rosendo

 

Con Grandes éxitos y tropiezos iniciamos una nueva sección en 7días7notas, en las que os ayudaremos a elegir los mejores discos de los grupos y artistas más relevantes de la historia de la música, casi como si os estuviéramos acompañando en una de esas viejas tiendas de discos de segunda mano, esas pequeñas y escondidas anomalías que aún pueden encontrarse dentro del Matrix en el que se está convirtiendo este mundo en el que vivimos. Y nos vamos a detener en uno de los grandes iconos del rock en nuestro país, Rosendo Mercado. Después de nuestros #MesRosendo en el blog queremos dedicarle otro pequeño artículo, si quereos deteneros más en los discos podéis pasaros por el blog, pero a modo de resumen os dejamos nuestras elecciones si el dinero solo te da para un álbum o dos Rosendo (Madrid, 1954) empezó en esto de la música en Fresa tocando la guitarra es una de esas bandas que van y vienen, que tocan versiones de grupos conocidos, que sus integrantes van cambiando cada poco tiempo y sin posibilidad aparente de echar raíces, allí conoce a José Carlos Molina, con el que deciden darle un nuevo aire a la banda y forman Ñu, que se mira en el espejo de Jethro. Pero Rosendo necesitaba algo más, su admiración a otro estilo de música y su tensa relación con Molina hace que abandone el grupo y forma Leño del que sin duda nos queda ese mítico “Maneras de vivir” que refleja a la perfección la forma de Rosendo de ver el mundo y esa misma forma de ver el mundo hizo que iniciara su carrera en solitario:

 

Estás tardando en comprarlo:

Sin duda alguna hay que quedarse con “Loco por incordiar” el debut de Rosendo en solitario tras disolver Leño. Un discazo sin una sola mala canción, a pesar de que Callejones fuese coescrita con Ramoncín, el único defecto es que se nos queda corto, necesitaríamos más material del genio de Rosendo, pero si encontramos en el álbum Agradecido, quizá la canción más versionada del rock español, una de las básicas de Rosendo y por supuesto una de mis preferidas del disco, pero también encontramos Pan de Higo, Crucifixión a la que tengo en un pedestal o Buenas noches una instrumental sin pretensiones que ni ayuda ni molesta. Este álbum es la prolongación natural de lo mucho bueno que Rosendo había fabricado con Leño, quizás con un toque algo más pop pero con la misma intensidad de siempre, un disco con el que dejo boquiabierto a aquellos que solo querían derribarle, y base de lo que iba a ser su sonido durante unas cuantas décadas.

 

Si te queda pasta, llévate también:

Tenemos que seguir su senda y si quieres repetir compra pilla la continuación de su apabullante estreno, “Fuera de lugar” con el que mantiene el nivel de la entrega anterior. De nuevo Rosendo se las apaña para no soltar el acelerador y aprieta los dientes para armar otra gran colección de temazos. Incluso diría que el sonido mejora, no sé si sería la incorporación de Chiqui Mariscal al bajo, antiguo compañero de batallas en Leño, la cuestión es que el sonido tan puramente ochentero que lastraba un poco al disco anterior queda aquí mucho más diluido. Si olvidamos, por supuesto, esos teclados que hunden cosas que podían haber sido maravillosas como "Aguanta el tipo".  Son sólo treinta minutos pero muy intensos, en ellos se apelotonan un puñado de canciones que se iban a convertir en auténticos clásicos por derecho. Quizás falten los himnos imperecederos de su predecesor pero la calidad y la pegada no se resienten en absoluto…. "Fuera de lugar", "El ganador", "Entonces duerme" o "Navegando" son top del Rock en España.

 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Era el fin de una época, Listos para la reconversión es un buen álbum, pero el proyecto estaba dando señales de agotamiento, llámenlo modas, y había que cambiar, pero no solo en la música, la política en España también iba a girar y Rosendo nos preparaba para lo que se avecinaba. Este álbum supuso un punto de inflexión en su carrera, él sabía que no iba a ninguna parte con este sonido y buscó un cambio radical que funcionó para algunos y fue un fracaso para otros, pero esa es ya otra historia. El caso es que estamos ante un álbum muy flojo con un trabajo vocal que intenta ser diferente, lo peor es el sonido de la batería, parece de juguete, así de claro. Se deja de teclados y es que le dejó su teclista italiano con el que estuvo un par de años, y se transforma en un pop rock durante muchos momentos, con unos coros flojos y endebles y un trabajo de guitarra muy discreto. El disco supuso el fin de una etapa en la carrera de Rosendo, le seguirían un cambio radical en el sonido y la composición de su banda, pero para eso habría que esperar un poco.

 

Si lo que buscas son canciones sueltas:

Estas son las cinco canciones top que no pueden faltar en tu colección o en tu playlist:

1.- Agradecido

2.- Flojos de pantalón

3.- Navegando

4.- Pan de Higo

5.- Majete

Grandes éxitos y tropiezos: The Police

Grandes éxitos y tropiezos: The Police

Vamos a conocer esos éxitos y tropiezos de una banda británica que fue éxito indiscutible en las décadas del 70 y 80, estamos hablando de The Police un trío británico de rock, que tuvo sus presencia durante los últimos años de la década de los '70 hasta mediados de la década de los '80, esta formación de super trio, formo parte de la cultura creciente de la música​ new wave británica, su estilo musical estuvo marcado por influencias del rock, pop, reggae, funk y jazz; quedando muy influenciados por la música jiennense. 

Se formó en 1976 en Londres, tocaron oficialmente hasta 1986, con una pausa entre marzo de 1984 hasta julio de 1986 y nunca emitieron un comunicado sobre su separación,​ la banda ha vendido casi 200 millones de copias por el mundo.

Y dentro de los álbumes que vale la pena tener de la banda, debemos destacar Reggatta de Blanc, que es el segundo álbum de estudio de la banda británica, y uno de los álbumes que destacan una de sus mejores canciones, que llevarían al éxito a The Police

De este álbum la banda editaría un impresionante sencillo que llegó al número uno en la lista británica Message In A Bottle. Otros temas que destacaron fueron Reggatta De Blanc que recibió el premio Grammy en 1981 a mejor interpretación instrumental.​ Deathwish emotiva canción New Wave, Bring On The Night, una canción que trata sobre la ejecución de Gary Gilmore. Así como, It's Alright For You que muestra plenamente la influencia punk en la música de The Police. Y por último, The Bed's Too Big Without You, impecable fusión de Reggae y gran aportación policiaca al mundo del Rock.

En cuanto a la estructura y composición de las canciones, es el disco de The Police en donde mejor participan sus tres integrantes de forma equitativa y brillante. Podemos escuchar a un Sting con gran voz y ejecución del bajo, a un Stewart Copeland con una batería mágica, fenomenal y bestial (su mejor trabajo de estudio con la banda) y a un Andy Summers con una guitarra creativa, atrevida y rockera, aún más que en el primer álbum Outlandos d' Amour.

Pero no nos debemos de olvidar de Outlandos d'Amour es el álbum debut de la banda The Police, este fue su primer álbum el cual fue lanzado en 1978, y es otro de los álbumes de la carrera de esta gran banda británica que no debes dejar de tener en cuenta.

La producción del álbum fue grabado con cintas usadas en consola de 16 canales, en los estudios Surrey Sound Studios. La mayor parte de las canciones que aparecen en este álbum habían sido ensayadas y presentadas en vivo con anterioridad, por tal razón, varias canciones se grabaron en una sola toma. De inmediato, Outlandos d'Amour se convirtió en todo un éxito de ventas, por ser un disco que mezcla estilos variados como reggae y rock, la esencia del sonido de The Police.

Este álbum contiene una de las canciones más aclamadas de la banda, Roxanne, canción inspirada en una prostituta que Sting habría visto de paso por Francia, además de otro éxitos como So Lonely, Can't Stand Losing You, Next To You, Hole In My Life y Truth Hits Everybody.

Hasta el día de hoy, del álbum Outlandos d'Amour se han vendido casi nueve millones de copias por todo el mundo, si no lo has escuchado aun no te lo tienes que perder.

The Police, tiene oficialmente cinco álbumes de estudio editados, ya hemos destacado dos de sus grandes éxitos donde para mi estan las mejores canciones de la banda, pero el trio perfecto para tener en casa, que puedes tener con esta banda de rock, es si sumarias a tu colección su cuarto álbum Ghost in the Machine Ghost in the Machine es el álbum de estudio con mejor grabación de sonido en la historia de The Police. Además, está claramente influenciado por la situación socio-política mundial en sus letras y es el más oscuro de los cinco editados en estudio por el trío británico.

Durante las sesiones fueron grabadas las canciones Flexible Strategies y Low Life, las cuales fueron incluidas como Lados-B de los sencillos Every Little Thing She Does Is Magic y Spirits in the Material World, Fue un éxito a ambos lados del Atlántico, además de que cuenta con varios éxitos de la banda.

Pero los rumores de pelea entre los integrantes de la banda, hacen que la banda separase, el último concierto oficial de The Police en su etapa original fue el 4 de marzo de 1984 en Australia en la última fecha de la gira del disco Synchronicity. Las tensiones y egos entre los distintos componentes provocaron la disolución del trío aunque nunca emitieron un comunicado sobre su disolución. Sting inició una carrera en solitario en 1985 llena de triunfos comerciales en donde había lugar para el pop con influencias jazz, soul.

The Police una de las mejores bandas británicas de los años '80 se vio atrapada en sus propios egos lo cual produjo su mayor tropiezo que llevo a la disolución de la banda, una banda que logro en tan pocos años una catarata de éxitos que hoy en día aun suenan. 

Daniel

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Grandes éxitos y tropiezos: Creedence Clearwater Revival

 

Creedence Clearwater Revival

     Para la siguiente entrega de la sección de Grandes éxitos y tropiezos traemos a una de las bandas considerada como una de las mejores, más populares y más influyentes de la historia, Creedence Clearwater Revival. Un grupo que supo combinar como nadie el blues de raíces con el blues pantanoso, el blues-eyed-soul (música soul interpretada por blancos) y el rock psicodélico, un estilo que les hizo tener un sonido único y peculiar. El grupo está considerado como uno de los precursores del Grunge que surgió a finales de los años 80. Estuvieron en activo entre 1967 y 1972, y durante esos años publicaron 7 álbumes de estudio. En esta sección recomendamos por que discos empezar, por cuales seguir y cuales desechar de la banda en cuestión, aunque ya avisamos que el caso de la Creedence Clearwater Revival es un tanto especial, pues lo que se dice, disco malo no tiene, aún así te puede resultar muy útil si te quieres iniciar en la escucha de la banda y así saber por cual empezar y cuales dejar para el final:

Estás tardando en comprarlo:

Sin dudarlo puedes comenzar por Cosmo's Factory (1970), para algunos, entre los que nos encontramos nosotros, considerado como el mejor disco de la banda. Desde que el disco comienza con Ramble Tamble, un increible temazo con tintes folk rock de siete minutos, pasando por la genial versión del tema de Bob Diddley Before your Accuse , la marchosa Travelin' Band, versión del clásico de Roy Orbison Ooby Dooby, Lookin' Out My back Door con un toque más clásico y folk, la espeluznante y brutal Run Throug the Jungle, el optimista Up around the Bend, la contagiosa My Baby Left Me, la hermosa y maravillosa Who'll Stop the Rain con toques country, la versión de I Heard It Through the Grapevine con ese solo improvisado que extiende el tema hasta los once minutos, hasta que termina Long As I Can See the Light, un tema lento, nostálgico y conmovedor, el nivel es increíble, se mantiene en lo más alto. Willy And The Poor Boys (1969), considerado por otros tantos como el mejor disco de la historia de la banda, y razón no les falta, pues podría serlo perfectamente por temas como Down On the Corner, Fortunate Son, la versión de Cotton Fields de Lead Belly o la gran Midnight Special. John Fogerty estaba "on fire" y lo demostraba escribiendo éxito tras éxito, y con el tiempo todos esos éxitos se convertían en clásicos. Green River (1969) es el disco que comenzaba la exitosa trilogía de grandes álbumes donde al menos tres temas incluidos en los mismos alcanzarían la gloria. Temazos como el que da nombre al disco Green River, Lodi Y Bad Moon Rising no hacen más que refrendar este hecho y dan lugar a otro discazo de los hermanos Fogerty, John y Tom y Stu Cook y Doug Clifford.

Si te queda pasta, llévate pasta llévate también: 

Bayou Country (1969), el segundo de estudio de la banda y que significó el punto de inflexión de la misma. El grupo necesitaba sacar otro buen disco que se reflejara en las ventas y se jugaba su continuidad, y el resultado no pudo ser mejor. John Fogerty se saca de la manga unas omposiciones que son el resultado de la fusión de sus influencias con el rock, el blues y el rock sureño. Un disco donde el grupo encontraba su estilo y ese sonido tan característico que les acompañaría durante toda su influyente carrera. Creedence Clearwater Revival (1968), el álbum debut, y que debut. Nos encontraremos temazos como la versión de Suzie Q de Dale Hawkins y quee Fogerty se llevó a su terreno dándole su toque y estilo y nos regala este temazo de más de ocho minutos, la maravillosa versión de I Put a spell On You de Screamin' Jay Hawkins, o The Workin Man, temazo que John Fogerty se saca de la manga, una canción al más puro estilo del mítico sello Stax Records.

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Aclarar primero y como comentamos al iniciar esta reseña, que en el caso de esta banda no es porque en absoluto estos álbumes sean malos, así que vamos a mirarlo desde el prisma de que te has quedado sin pasta y alguno/os tienes que dejar ya que no puedes llevártelos todos. Pendulum (1970), un buen álbum en el que además todos sus temas están compuestos por John Fogerty y no contiene ningún cover. La banda venía de una época gloriosa y aunque se marcan temazos como Hey Tonight, y Have Your Ever Seen The Rain, en su conjunto está un escalón por debajo de sus anteriores discos. No obstante es un disco de escucha agradable. Mardi Gras (1972), el último disco de una banda donde se habían quedado en tres componentes, Doug Clifford, Stu Cook y John Fogerty, ya que Tom Fogerty abandonaría la banda tras la grabación de su penúltimo álbum, Pendulum. Tiene una curiosidad, cada componente de la banda compuso tres canciones que además serían cantadas por su compositor original. No es un mal álbum, pero si tenemos en cuenta todos los anteriores álbumes de la banda y el nivel que la banda venía desarrollando, que era espectacularmente alto, este álbum es de largo el que menos calidad atesora de los siete.

Nuestro TOP 5: 

1.- Fortunate son

2.- Proud Mary

3.- Green River

4.- Run Through To The Jungle

5.- Down On The Corner

Grandes éxitos y tropiezos: Blur

Toca el turno en Grandes Éxitos y Tropiezos de analizar la discografía de una de las bandas más míticas del denominado "brit pop" de los años noventa. A lo largo de su trayectoria, y como corresponde a músicos tan inquietos como Damon Albarn o Graham Coxon, se han alejado de las restricciones de esa etiqueta, y ese esfuerzo por ampliar la paleta de colores y estilos ha tenido también diferentes resultados. Estas son nuestras recomendaciones para todo aquel que quiera adentrarse en el "borroso" universo musical de una de las mejores bandas que nos ha dado el Reino Unido:

Estás tardando en comprarlo:

Parklife (1994),

el segundo disco de la "trilogía inglesa" es una ácida descripción social de las costumbres, los estereotipos y las contradicciones de la Inglaterra de los noventa. Los textos de Albarn rezuman ironía, y están además apoyados en una brillante envoltura musical que lleva a la excelencia la mezcla entre el particular estilo de la banda, heredero de las propuestas conceptuales y sonoras de The Kinks en los setenta, con tramos en los que, ya sea de manera satírica o como homenaje a la tradición y el folclore ingleses, suenan como si el circo ambulante acabara de hacer su entrada triunfal en Londres. Considerado de manera casi unánime como la obra maestra del grupo por temas tan rotundos como Girls & Boys, Tracy Jacks, End of a Century, This is a low o la propia Parklife. Disco imprescindible para acercarse por primera vez al grupo, salvo que queráis escuchar la destacable trilogía en orden, empezando con el prometedor Modern Life is Rubbish (1993), que ya contenía los ingredientes que después se perfeccionaron en Parklife, y terminando con The Great Escape (1995) un buen disco con incluso con algunos hits comerciales relevantes (Country House, Charmless man, The Universal), pero en el que quizá la fórmula empezaba a dar algunos síntomas de agotamiento en otras canciones más prescindibles.

Si te queda pasta, llévate también:

Blur (1997) marca el comienzo de la huida del grupo de la etiqueta de grupo de "brit pop" impuesta por la prensa, y la búsqueda de nuevos horizontes y temáticas para su música. Influenciados por bandas como Pavement, endurecen su sonido y encriptan sus letras, entregando grandes temas como Beetlebum y Song 2, nuevos himnos imprescindibles de la banda, y un disco que está entre los más populares y destacados de la banda. Pueden incluirse aquí también otros discos interesantes como Think Tank (2003) que sin ser de los mejores álbumes del grupo, y adoleciendo de la ausencia del guitarrista Graham Coxon, tiene una atmósfera conceptual antibélica y apocalíptica bastante interesante, y el hasta ahora último disco de la banda, The Magic Whip (2015), con el que sorprendieron a propios y extraños cuando ya no se esperaba una nueva entrega de Blur. La cancelación de algunos conciertos de la gira en la que se habían embarcado, entre proyectos de Damon Albarn con Gorillaz y de Graham Coxon en solitario, les dejó unos días libres en Hong Kong. Pasaron el tiempo ensayando e improvisando, y Coxon se llevó las cintas y trabajó con ellas en solitario, para después reunir a los demás y convencerles de que tras aquellas sesiones se escondía un gran disco. Albarn se puso entonces a trabajar en las letras y después entraron al estudio para hacer realidad un disco de cuidada producción y canciones de gran calidad y madurez compositiva. Un gran regreso, y un digno final, si no se animan a retomar la nave nodriza de nuevo.   

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Caen en esta casilla negativa dos discos de la banda. Empezaremos mencionando el insulso debut que fue Leisure (1991), no es un mal disco pero el sonido es demasiado espeso y carente de sorpresas, y se nota que la banda anda buscando su identidad y su sitio en el mundillo discográfico. Influenciados por la por entonces ya moribunda escena shoegazer, no aportan nada nuevo en un disco correcto pero en el que es demasiado evidente que no tienen un rumbo claro. El segundo disco a dejar en el expositor es "13" (1999), que paradójicamente contiene algunos grandes éxitos de la banda como Tender o Coffee & TV algunas de las mejores canciones de la banda, pero salvo en contadas excepciones (Trimm Trabb, No distance left to run) el enfoque oscuro y experimental resulta difícil de digerir, y la extraña y lisérgica instrumentación de las canciones no pasa de ser la maraña en la que ocultar un conjunto de temas más flojos y en general poco trabajados. Así que vuelve a dejarlo en el expositor, y llévate los que de verdad interesan.

 

Nuestro TOP 5

 

1.- Girls & Boys

2.- The Universal

3.- Beetlebum

4.- Out of time

5.- Tender

Grandes éxitos y tropiezos: Mecano

 

Con Grandes éxitos y tropiezos iniciamos una nueva sección en 7días7notas, en las que os ayudaremos a elegir los mejores discos de los grupos y artistas más relevantes de la historia de la música, casi como si os estuviéramos acompañando en una de esas viejas tiendas de discos de segunda mano, esas pequeñas y escondidas anomalías que aún pueden encontrarse dentro del Matrix en el que se está convirtiendo este mundo en el que vivimos. Y nos vamos a detener en uno de los grupos que más éxito ha tenido en nuestro país: Mecano. El grupo surge en Madrid, en la década de los ochenta, como un grupo surgido de lo que se denominó la movida madrileña, pero nadie les ha englobado en esa corriente, tampoco se les puede equiparar en lo que en Europa se denominó New Romantic. Mecano iban por libre, se les tildaba de demasiado comerciales, pero en el fondo eran gente joven, con ganas de hacer cosas y con hambre de música con un inicio muy situado en el tecno-pop, aunque a lo largo de los años fueron capaces de transformarse y adaptarse a los tiempos cambiantes. El trío Mecano estaba compuesto por los hermanos José María y Nacho Cano, además de la vocalista Ana Torroja. Su ambición por hacerse un hueco en el mundo de la música les lleva rápidamente a contactar con distintas discográficas, despertando el interés de la CBS, con la que firman un contrato. Tras algunas audiciones graban su primer sencillo, "Hoy no me puedo levantar". Tras lanzar el sencillo y darle muy poca promoción, la CBS se desentiende un poco del grupo, sin estar muy convencidos de que la historia pueda funcionar, pero ellos no iban a tirar la toalla, ellos mismos compran varias copias del sencillo y empiezan a promocionarlo por su cuenta en emisoras de radio y gente relacionada con el mundillo. La reacción del público es muy positiva y la canción comienza a sonar en todos los locales de moda de Madrid. Y por fin, en 1982 Mecano publica su primer álbum, titulado "Mecano", tras una presentación espectacular y una promoción masiva por parte de la compañía, el disco se convierte en un auténtico éxito, vendiendo más de 100.000 copias en pocas semanas. Mecano aparecía en todas las fiestas que se celebraban en Madrid y aparecían en infinidad de programas de televisión, aumentado espectacularmente el caché del grupo e iniciando una carrera imparable hasta su disolución en 1992.

Estás tardando en comprarlo:

La repercusión que tuvo Mecano en España con Descanso dominical fue impresionante; se sacó casi entero en singles. Todo el mundo tarareaba las canciones, representó el cúlmen de una carrera. Abordaron temas diversos, desde el lesbianismo en "Mujer contra mujer" al ligue urbano en "Los amantes", retrataron a los españolitos en "Un año más" y el trato al español en EE.UU. en "No hay marcha en Nueva York" con mucha ironía en ambos casos. Otras canciones importantes fueron "El cine", "Eungenio Salvador Dalí", "El blues del esclavo", "Héroes de la Antartida" y "Laika". Esta última junto con "Hermano Sol, hermana Luna" no aparecieron originalmente en el vinilo. Para mí, a partir de este disco vino la cuesta abajo del grupo, por otro lado, normal, por su edad y la calidad alcanzada en él. También tuvo éxito la canción instrumental "Por la cara" interpretada a la guitarra por Tomatito y que fue usada en algún programa de radio como entrada. Seamos serios: Mecano no fueron los Beatles, pero fueron tan grandes que demostraron que se podía hacer música netamente comercial (nadie más ha vendido como ellos) no exenta de calidad.

 

Si te queda pasta, llévate también:

Con una combinación de letras sublimes que cantan al amor y temas que abordan la crítica social, con este disco subieron varios peldaños de golpe y superaron por mucho lo que habían hecho anteriormente. En Entre el cielo y el suelo canción es como una crónica o un cortometraje con el sello inconfundible de Ana Torroja como vocalista, que, si bien no posee una voz impresionante, le atribuye características definidas al grupo integrado también por los hermanos Cano. En Hijo de la luna, Mecano presenta de forma magistral el origen de la leyenda gitana sobre las fases lunares. Cruz de Navajas, un clásico de este trío, es una extraordinaria composición que plantea una historia de amor e infidelidad entre sus protagonistas, Mario y María, dejando a la imaginación del que escucha cuál sería la tercera cruz. Con una manera particular y poética de contar las cosas, Ana, Nacho y José María saben llevar a su público por un fascinante viaje que dura entre 2 a 4 minutos. Me cuesta tanto olvidarte es una de las canciones más hermosas que jamás haya presentado Mecano.

 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Ya viene el sol se lanzó y publicitó como el disco "arriesgado" de Mecano. Los notables primeros singles del disco: 'No pintamos nada' y 'Japón', se acercaban un sonido tecnopop más contundente y rompedor con incluso algún tímido flirteo semi-industrial en el caso de Japón, aunque por supuesto las melodías ultrapegadizas marca de la casa, odiables o adorables, o ambas cosas a la vez, seguían estando allí. Aún así, el disco fue inicialmente un fracaso total, no vendió ni la décima parte que el debut, aunque cuando ya se daba al disco ( y casi al grupo también) por muerto el último single del disco, la anodina 'Hawaii - Bombay', se convirtió inesperadamente en una de las canciones del verano del 85. 'Ya viene el sol' quedó para la historia como disco de transición entre el nuevo y el viejo sonido, no marcó época, pero cerró dignamente su primera etapa.

 

Si lo que buscas son canciones sueltas:

Estas son las cinco canciones top que no pueden faltar en tu colección o en tu playlist:

1.- Hijo la luna

2.- Me cuesta olvidarte

3.- Barco a Venus

4.- Maquillaje

5.- Mujer contra mujer

Grandes éxitos y tropiezos: Stevie Ray Vaughan

 

Stevie Ray Vaughan

     Hablar de Stevie Ray Vaughan es hablar no sólo de un magnífico guitarrista, también cantante, compositor y productor estadounidense que fusionó como nadie los géneros blues y rock. Desde la creación de su Double Trouble allá por 1978, se foguea por todo el estado de su Texas natal dando infinidad de conciertos, hasta que en 1982 se le presenta la oportunidad de tocar en el mítico Festival de Jazz de Montreux. Aquel concierto dejó impresionados a todos los allí presentes, incluso a David Bowie, quien se encontraba allí presente. Tanto es así que Bowie contrata a Stevie para que toque en su álbum Let's dance (1983), grabando en seis de los ocho temas que contiene el disco. Ese mismo año comenzaba su carrera grabando su primer álbum de estudio e iniciaba su ascenso a la cima del blues rock, una carrera que estuvo marcada por sus altibajos por sus problemas con sus adicciones, las cuales fue capaz de superar. Stevie conseguía susperar sus adicciones y recuperar su forma con la guitarra, y cuando parecía que todo se le ponía de cara el infortunio volvía a cruzarse con él en forma de accidente de helicópero el 27 de agosto de 1990 y se llevaba a uno de los mejores guitarristas de blues y rock de la historia. Con una discografía que se compone de 6 discos de estudio y uno en directo publicados en vida, entre ellos hay algún que otro altibajo, y si lo que que quieres es iniciarte en conocer la discografía de este excelso guitarrista, vamos a intentar ayudarte recomendando por que discos empezar y cuales dejar para el final si tu presupuesto no da para adquirirlo todo de golpe.

Estás tardando en comprarlo:

Tenemos claro que hay que empezar por su álbum debut, Texas Flood. En 1983, depués de su colaboración con David Bowie se le brinda la oportunidad de grabar su primer disco. El disco es grabado en tan sólo tres días y prácticamente casi todo grabado en directo, sin adornos ni florituras, lo que da una muestra de la calidad de Stevie y su Double Trouble, pues llevaban cinco años batiendose el cobre en directo concierto tras concierto. Texas Flood es un disco extraordinario, sin fisuras, donde Stevie demuestra por qué es considerado uno de los mejores guitarristas que han existido, siendo capaz de coger temas de estilos tan diferentes como funky, blues, rock e icnluso temas infantiles y darles su toque personal llevándoselos a su terreno. Un disco considerado todo un clásico entre los amantes del género. Tampoco puede faltar su segundo álbum de estudio, Couldn't Stand the Weather (1984), confirmando la evolución que se esperaba de él y que su disco debut no había sido una casualidad. Un disco a la altura de su primer álbum que además tuvo una gran aceptación de público y crítica y superaba las cifras de ventas de Texas flood, alcanzando el puesto número 31 en la famosa lista estadounidense Billboard 200. 

Si te queda pasta, llévate también:

En noviembre de 1986, después de salir de rehabilitación Stevie se había embarcado en la gira de promoción de su álbum en directo Live Alive. Una gira que comenzó con muchas dudas, aunque pronto quedaron disipadas por su buen hacer en directo. Este hecho, unido a que en esa época estuvo sumido en un proceso de separación de su por entonces mujer Leonora "Lenny" Darlene Bailey, hizo que estuviera casi dos años sin escribir y componer material nuevo. Stevie entraba en el estudio de grabación en 1989 dejando atrás sus problemas de adicciones, pero con una dolorosa separación y con muchas dudas sobre sus habilidades musicales y creativas después de alcanzar la sobriedad. Así nace In Step, grabado en 1989, un álbum que demostró que la calidad seguía ahí y que además supuso una gran exeriencia de crecimiento y que generó gran confianza en el guitarrista. Family Style (1990), lanzado un mes después del fallecimiento del artista. Stevie siempre había comentado que le gustaría hacer un disco con su hermano mayor Jimmie Vaughan, y es precisamente lo que hizo, su última grabación de estudio. A pesar de recibir algunas críticas donde se le echaba en cara la falta de estilos personales propios y que las canciones se alejaban demasiado del blues tradicional es una buena oportunidad para disfrutar de la calidad como guitarristas de los dos hermanos. 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Si apenas te queda dinero o ya te has gastado gran parte de tu presupuesto deja para otra ocasión Soul to Soul (1985). Stevie había llegado a un punto en el que su abuso del alcohol y las drogas empezaban a interferir en su música. A medida que avanzaban las sesiones de grabación de este disco en los estudios Sound Lab de Dallas, el guitarrista, al que se le permitió un ritmo más relajado de grabación, empezó a notar una falta de concentración. Los abusos empezabn a hacer mella en esa época, donde Stevie solía llegar al estudio a drogarse y jugar al ping pong. Todo esto desembocó en que cada vez le costaba más cantar y tocar las partes de guitarra. El álbum consiguió acabarse y alcanzó muy buenas cifras, el puesto 34 en la lista Billboard 200 y su certificación de disco de oro, pero adolecía de esa fuerza y energía de discos anteriores. Live Alive (1986) fue grabado tomando material de conciertos dados en aquella época en Austin y Dallas en julio y publicado en noviembre, y como el mismo reconocería más tarde "No estaba en muy buena forma cuando grabamos Live Alive. En ese momento no me dí cuenta de la condición en la queme encontraba. Hubo más trabajos de corrección en el disco de los que me hubiera gustado". Todo un ejercicio de honestidad y sinceridad. 

Si lo que buscas son canciones sueltas: 

Puedes comenzar con esta selección de cinco canciones propuestas por 7dias7notas para ir abriendo boca: 

1. Pride and Joy

2. Cold Shot

3. Texas Flood

4. Crossfire

5. Change It

Grandes éxitos y tropiezos: Arctic Monkeys

Nuestro siguiente protagonista en la serie de artículos sobre Grandes Éxitos y Tropiezos es el grupo Arctic Monkeys, formado por unos chavales de Sheffield que nos devolvieron la esperanza en el rock alternativo justo después de que el globo de sus admirados The Strokes se nos acabara pinchando un poco. A lo largo de su carrera, los Arctic Monkeys han sufrido una evolución bastante drástica, y son el perfecto ejemplo de por qué esta sección es necesaria. Aquellos que busquen en los últimos discos la fiereza de las guitarras de sus primeras obras se llevarán una sorpresa que podría no resultarles agradable, y lo mismo ocurriría si alguien, enamorado de la sofisticación y los guiños crooner de los últimos discos, buscara esas señas de identidad en sus primeras entregas ¿Quieres comprar un disco de Arctic Monkeys? Esta es nuestra propuesta para que vayas sobre seguro.

Estás tardando en comprarlo: 

Whatever people say I am, that's what I'm not (2006) está considerado uno de los mejores discos de debut de una nueva banda, y en su momento muchos compararon el movimiento sísmico del aterrizaje de los "monos árticos" con el shock que en su momento produjo la aparición de los mismísimos Beatles. Con el tiempo, la euforia se fue rebajando y quedó claro que aquellas comparaciones no eran reales, pero el reconocimiento al talento de los Arctic Monkeys y de sus líder y frontman Alex Turner se ha mantenido casi intacto (a pesar de algún tropiezo que contaremos más abajo). El disco es una sucesión imparable de enérgicas y descaradas canciones de rock urgente y por momentos desenfrenado. Canciones como The view from the afternoon, I bet you look good on the dance floor, fake tales of San Francisco, Still take you home o When the sun goes down siguen haciendo que la adrenalina se dispare cada vez que las interpretan en concierto o suenan en la radio o en los pubs, recordándonos que con este disco dieron un golpe seco y duro sobre la mesa, haciendo saltar todos los vasos. Mi disco favorito de los de Sheffield, el que siempre quiero poner en el coche pero no me dejan, porque mi mujer y mis hijos prefieren poner el Favourite Worst Nightmare (2007).

El título de aquel primer disco era totalmente premonitorio (Lo que sea que la gente dice que soy es lo que no soy), ya que los Monkeys fueron alejándose paulatinamente de la urgencia y las guitarras a máximo volumen que les caracterizaba con cada uno de sus discos posteriores. Esta transformación de violento gusano a virtuosa mariposa se fue cocinando a fuego lento y disco a disco, y los frutos más brillantes se recogieron en el álbum AM (2013), en el que influenciados por bandas como The Black Keys (con los que compartieron gira) entregan un disco de rock con influencias cercanas al blues y a sonidos más propios de bandas estadounidenses. Siguen siendo rotundos en temas como R U Mine, y alcanzan la perfección con Do I wanna know, pero hay temas más pausados como Arabella, Why'd you only call me when you're high o I wanna be yours, en los que una electricidad más comedida combina en su justa medida con la nueva sofisticación reinante.

Si te queda pasta, llévate también:

Favourite worst nightmare (2007), la continuación del excelso disco de debut, refleja las dudas y los miedos al difícil segundo álbum, y como el grupo se debatía entre el continuismo de las canciones de la primera parte (Brianstorm, Teddy Picker, D is for Dangerous, Balaclava y la que para mí es su mejor canción, Fluorescent adolescent) y los primeros signos de evolución y cambio en la segunda parte del disco, que sin embargo y salvo excepciones (Do me a favour y, sobre todo, 505) dan sensación de pérdida de fuelle en un disco que en su primera mitad mantiene el nivel de su predecesor. Las cinco primeras son las favoritas de mis hijos, y suenan siempre en bucle en los viajes en coche. Las otras dos son las favoritas de mi mujer en ese disco, y tienen por tanto también un hueco en cada viaje.

Si Favourite worst nightmare (2007) era una transición evidente y marcada por dos caras bien diferenciadas, en Humbug (2009) esa transición ya se ha producido y el cambio es mucho más impactante. Las nuevas canciones se tiñen de una oscuridad y aspereza que en algunos momentos recuerdan incluso a The Doors (Potion Approaching) y la voz de Alex Turner suena mucho más grave y madura en algunos de los mejores temas de la banda, como My Propeller, Crying Lightning y, sobre todo, Cornerstone, la auténtica joya del disco. Su continuación Suck it and see (2011) no es un mal disco, pero de nuevo Turner y compañía se enfrascan en una nueva búsqueda que no maduraría hasta AM (2013). En el camino, entregan un disco correcto pero que no tiene ni la potencia de los primeros, ni la aspereza de Humbug, ni la calidad del mencionado AM. Quizá no llegue a la categoría de tropiezo, pero no es el mejor disco para adentrarse en el universo de los monos árticos.

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Tranquility Base Hotel & Casino (2018) es un disco controvertido al que los fans de Arctic Monkeys dieron la espalda muy pronto. Tras varios años en los que Turner había estado más pendiente de su proyecto paralelo The Last Shadow Puppets, y planteándose incluso comenzar una carrera por su cuenta, el gran tropiezo fue sacar este disco bajo el nombre de la nave nodriza, cuando en realidad era un proyecto en solitario y unas canciones que estaban compuestas con un piano electrónico en la soledad de su casa de Los Angeles. El resultado es un disco en el que los teclados predominan sobre unas guitarras que se quedan en secundarias o inexistentes en la mayor parte de los temas, con un interesante enfoque conceptual, basado en la vida de una imaginaria y vieja estrella del rock, que vive sus días de decadencia amenizando con su piano a los clientes de un hotel-casino en la Luna.

El sonido del disco combina de manera brillante el lado crooner del personaje con la decadente atmósfera de sofisticación electrónica propias de semejante lugar en la Luna, y si esta obra viniera firmada por el David Bowie más experimental, o por el propio Turner como propuesta en solitario, habría sido reconocido y valorado de mejor manera, gracias a buenos temas como Star Treatment, Tranquility Base Hotel and Casino o Four out of five, pero firmado por los Arctic Monkeys dejó a todo el mundo extrañado y con la sensación de estar ante un tropiezo y una caída de la que tendrán que levantarse. Mientras lo hacen, y aunque el destino de nuestro viaje nunca sea la Luna, nosotros seguiremos poniendo sus discos en el coche, hasta que el frío del ártico haga que los monos vuelvan a juntarse al calor de sus guitarras.

Nuestro TOP 5

 1 - Fluorescent Adolescent

2 - I bet you look good on the dance floor

3 - Do I wanna know

4 - Cornerstone

5 - Crying Lightning

Grandes éxitos y tropiezos: Los Rodríguez

 

Como cada semana, toca darnos una vuelta por la sección de Grandes éxitos y tropiezos de 7dias7notas, y aprovechando que estamos en el #MesCalamaro nos vamos a detener en su obra cuando formo parte de Los Rodríguez, una carrera escasa, pero que tuvo una gran repercusión a nivel nacional, un cuarteto afincado en Madrid, compuesto por Andrés Calamaro (voz, guitarra y teclados), Ariel Rot (guitarra), Julián Infante (guitarra) y Germán Vilella (batería), y que protagonizó una carrera breve pero intensa (desde 1990 a 1996), firmando algunos de los mejores discos de la historia del rock & roll en castellano.

 

Estás tardando en comprarlo:

Sin documentos fue el álbum que les llevo a la fama, y se convirtió rápidamente en un clásico del rock en español donde nos encontramos un puñado de buenas canciones con el rock stoniano como unión de ellas, pero con otros estilos conviviendo en algunas canciones como la rumba, el reggae o la clara influencia de la música latina. Cada una de las canciones de “Sin documentos” podría ser un single en potencia: el repertorio es magistral y muestra sobre todo el torrencial talento de Andrés Calamaro, que poco a poco iría ganando protagonismo como líder de la banda. Destacar alguna canción sería estúpido ya que todas tienen un gran nivel y no hay bajones a lo largo de un disco que se escucha bien y combina a la perfección grandes canciones con buenas letras guitarras de gran calidad una gran voz por parte de Calamaro y además son temas bastantes accesibles para radioformulas y el público en general. Como por ejemplo la inolvidable Sin Documentos, la canción, es un hit de lo mejor de los últimos 30 años y Sin Documentos, el disco, está entre los mejores discos del rock de la historia en cualquier idioma

 

Si te queda pasta, llévate también:

En 1995 Los Rodríguez lanzó su cuarto disco de estudio, “Palabras más, palabras menos”, el último escalón para Los Rodríguez, que pusieron punto y final a su trayectoria con la ropa vieja de éxitos de “Hasta Luego” (DRO, 1996) y consigue lo que parecía imposible, mantener el listón que había inaugurado “Sin Documentos” (DRO, 1993). Fue el disco con el que Los Rodríguez alcanzaron el éxito definitivo, una paradoja puesto que a nivel interno las discrepancias entre sus integrantes eran cada vez más evidentes, y la ruptura parecía -y lo fue- inevitable. Con casi la misma cantidad de canciones, este álbum guarda cierta relación con su predecesor, en cuanto a la notoria influencia de Calamaro en la composición. Por supuesto que Rot e Infante en menor medida han aportado sus letras, como en “Mucho Mejor” y “Extraño”; pero el desarrollo que Andrés estaba teniendo por entonces marcaba una de sus mejores épocas de inspiración. El álbum nos deja otras trece joyas al ya extenso repertorio de Los Rodríguez y confirmaba que estábamos ante un grupo imbatible, una colección de talentos que no se volvería a reunir. Por destacar algún tema lo hacemos con “Milonga del Marinero y el Capitán”, uno de los clásicos de la banda, tiene esa melancolía de las desventuras de los hombres de mar, pero con un toque más alegre, “Aquí no podemos hacerlo” se erige como una de las más recordadas del disco. Aunque “Para No Olvidar”, es un verdadero clásico marca Calamaro que tuvo mucha repercusión en la Argentina, especialmente. El resto del disco mantiene el nivel de los primeros temas, como “La Puerta de al Lado” y “Diez Años Después”. Las ventas acompañaron a este material que además se vio favorecido por la presencia de Joaquín Sabina en una gira que la banda realizó por territorio español a mediados de los noventa.

Vuelve a dejarlo en el expositor:

En 1991 publican su primer álbum “Buena Suerte”, un disco que tuvo un gran recorrido en Argentina, especialmente por el tema “Mi Enfermedad”, es un buen debut este de Los Rodríguez, si ponemos alguna pega es que quizás demasiado largo, se marcaron un disco de 16 canciones, quizás con 3 o 4 canciones hubiera quedado un disco más compacto y sin ningún bajón, pero hay que quedarse con los grandes momentos como "a los ojos", "engánchate conmigo" o "mi enfermedad" que daban esperanzas a posteriores mejores discos como así ocurrió. Como recordatorio al año siguiente Los Rodríguez editaron “Disco Pirata” que tuvo un mayor impulso. Buena Suerte pasó sin pena ni gloria por las tiendas españolas (en Argentina sí alcanzó mayor difusión), el nivel de ventas fue pobre y dejó una sensación de frustración entre los integrantes de la banda. Guille Martín abandonó el grupo, que a partir de entonces contaría únicamente con cuatro integrantes. Sin embargo, el álbum es el preferido de muchos seguidores y deja entrever la fuerza del ciclón que vendría después.

 

Si por el contrario, lo que quieres es empezar a conocer a Metallica a través de sus canciones, te recomendamos que empieces por

Nuestro TOP 5:

1.- Sin documentos

2.- Para no olvidar

3.- Mucho mejor

4.- Engánchate conmigo                                                                                                       

5.- Milonga del marinero y el capitán

Grandes éxitos y tropiezos: Los Abuelos de la Nada

Grandes éxitos y tropiezos: Los Abuelos de la Nada

Vamos con una banda Argentina que fue fundada por Miguel Abuelo, cuyo nombre real es Miguel Ángel Peralta, y este un icono del rock argentino.

Quién en la década de los sesenta fue el fundador de la banda Los Abuelos de la Nada, pero esta primera etapa del grupo no tendrá existo, pero tendra una segunda oportunidad en los años ochenta, donde editaron sus mejores álbumes. 

La banda debutaria con el álbum Los Abuelos de la Nada que es el álbum debut de la banda argentina de rock Los Abuelos de la nada, y este fue publicado en 1982.

Luego de grabar algunas demos en 1981, se vio interesado Charly García quien decide producir a la banda. Así es como ingresan a los Estudios Panda en junio de 1982 para grabar un álbum que los presentaría en sociedad como una banda alegre, capaz de fusionar rock con pop y reggae.

La presentación del disco se lleva a cabo en de octubre de 1982 en el Teatro Coliseo. El sencillo de difusión Sin Gamulán compuesto por Andrés Calamaro, sería el éxito que impulsaría las primeras ventas de la banda.

Con este primer disco la banda resurge, y con esto un año más tarde deciden editar un nuevo álbum. 

Vasos y Besos es el segundo álbum de estudio de la banda argentina Los Abuelos de la Nada, publicado en 1983.

Ha sido posicionado en el puesto 199 en la lista de los 250 álbumes esenciales del rock iberoamericano de la revista norteamericana al borde y en el puesto 29 de los 100 mejores discos de rock argentino de la revista Rolling Stone.

La canción Mil horas incluida en el álbum logró el puesto 14° de Los 100 hits del rock argentino por Rolling Stone en 2002, el puesto 77° en un ranking similar hecho en 2007 por Rock.com.ar,​ y el puesto 38° en el ranking de las 500 mejores canciones iberoamericanas de rock por la revista estadounidense Al Borde en 2006.

La popularidad en ascenso de la banda logra por tercer año consecutivo edite su tercer álbum. 

Este Himno de mi corazón es el tercer álbum de estudio de la banda de Rock Los Abuelos de la Nada, publicado en septiembre de 1984.

La canción Himno de mi corazón que dio nombre al álbum se convirtió en una de las más emblemáticas de todo el rock en español: logró el puesto 50° en el ranking de las 100 mejores canciones del rock argentino por la Rolling Stone Argentina y MTV en 2002, puesto 13° en un ranking similar hecho en 2007 por Rock.com.ar,1​ y puesto 213° en el ranking de las 500 mejores canciones iberoamericanas de rock por la revista estadounidense Al Borde en 2006.

Podemos decir que Cosas mías es su cuarto álbum de estudio y último álbum perteneciente al grupo de rock argentino Los Abuelos de la Nada editado en el año 1986. Sería el último trabajo discográfico de la banda y también el de su líder Miguel Abuelo.

Pero la decisión de que este sea su último álbum se debe a que su líder Miguel Abuelo, contragiera el virus del HIV.

Miguel Abuelo tenían arreglada una actuación en el Velódromo Municipal de Buenos Aires, la cual fue suspendida repentinamente por una altísima fiebre que había sufrido Miguel Abuelo. Rumores hablaban de que se encontraba infectado con el Virus de Inmunodeficiencia Humano (VIH). Ese mismo día se retiró definitivamente de la música, viviendo lo que eran sus últimos días de vida.

El 26 de marzo de 1988, Miguel Abuelo falleció en la Clínica Independencia de Munro (provincia de Buenos Aires) sólo cinco días después de cumplir cuarenta y dos años de edad. 

Pero como hemos dicho sus primeros singles no fueron del todos un éxito, y tuvieron que pasar muchos años para que logren el éxito. 

Oye niño / ¿Nunca te miró una vaca de frente? (1968)

Diana Divaga / Tema en Flu sobre el Planeta (1968)

La Estación (1969)

Una banda que se podría decir que sus tropiezos fueron al comienzo de su carrera y tuvieron una segunda oportunidad, y un tropiezo del destino por la muerte de su líder. 

Daniel
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Grandes éxitos y tropiezos: Metallica

Metallica

     Si la semana pasada en la sección de Grandes éxitos y tropiezos estuvimos en Nueva York, en esta ocasión no cambiamos de país pero sí de sitio, concretamente San Francisco, donde esta banda originaria de Los Ángeles, estableció su base allá por 1983, no podía ser otra que Metallica. Allí se forjó y creció una banda que lleva dando caña desde 1981, habiendo vendido hasta la fecha más de 120 millones de copias de sus discos y habiéndose ganado a pulso la consideración de una de las grandes bandas del trash metal, sino la mejor. Metallica nos ha deleitado con su gran calidad no sólo con sonidos trash metal, también con otras vertientes del género, como el heavy metal, speed metal o el hard rock. Tras una trayectoria que abarca ya más de cuarenta años se esconde un amplísimo material, y si estás interesado en comprar algo de ese extenso trabajo, vamos a intentar aportar un poco de luz sobre que discos deberías comprar primero si estás empezando a indagar sobre esta banda y que discos dejar para el final, pues además de grandes trabajos también tiene algún que otro tropiezo.

Estás tardando en comprarlo:

Podemos comenzar tranquilamente con Master Of Puppets (1986), considerado uno de los mejores discos del grupo, sino el mejor, y también uno de los mejores álbumes de metal de la historia. Un disco que supuso además el primer disco de oro de la banda tras vender 500.000 copias, cifra que con el tiempo llegaría a las 6.000.000 millones de copias vendidas. Todo un clásico del trash metal que contiene temas que ya se han convertido en himnos de la banda y del género, tales como Master of Puppets, Orion, Battery o Damage Inc. Otro discazo que deberías llevarte bajo el brazo es ...And Justice For All (1988). Y es que la banda seguía enchufada y en plena ascensión hacia el éxito, pues con este álbum ganó la friolera de ocho discos de platino al vender nada menos que unos ocho millones de copias. Para la historia queda ya la mitica portada donde aparece la estatua de la Dama de la Justicia agrietada, atada con cuerdas, con los pechos al descubierto y con su balanza llena de dólares, y con las palabras "...And Justice For All" escritas en el lado derecho. Con este disco la banda muestra una clara evolución a la hora de la composición, mostrando temas más complejos que los vertiginosos temas a los que nos tienen acostumbrados, temas como ...And Justice For All o la obra maestra One. Kill 'Em All (1983) es otro de esos discos que no nos puede faltar. Este es el disco preferido de muchos de los más fieles seguidores de la banda, quizás porque además de ser el primero fue el que marcó claramente las señas de identidad del grupo, unas señas que a día de hoy todavía se mantienen. Ya desde su publicación llamó la atención de la crítica por su innovación dentro del género trash metal, y es que esa mezcla de punk y metal a un ritmo frenético acabaría marcando escuela para multitud de bandas que llegarían con posteridad. Ride The Lightning (1984) es otro de esos discos que no pueden faltar. Segundo disco de estudio del grupo, es otro de los discos clásicos del grupo, considerado además por la crítica como uno de los mejores álbumes de de metal de todos los tiempos. Con Kirk Hammett asentado como solista del grupo, mantiene la esencia y la velocidad de su álbum debut, Kill 'Em All, y marcaría la esencia y los pasos a seguir de sus siguientes trabajos. Disco que contiene trallazos como Fight Fire With Fire, For Whom The Bell Tolls o Fade To Black.

Si te queda pasta, llévate también: 

Metallica (1991), disco que apostó por un cambio de sonido más contundente, perdiendo parte de esas raíces que provenían del trash metal. Con un cuidado extremo en la producción, el disco contó con varas innovaciones técnicas para aportar un sonido que se acercara lo máximo posible al directo. En un principio este disco recibió malas críticas de un sector que no entendió el cambio de estilo de la banda, más cercano al hard rock, pero con el tiempo se ha convertido en un disco que suele figurar en los puestos más altos en todas las listas que circulan por ahí de los mejores trabajos del grupo. Temas como Enter Sandman, Nothing Else Matters o The Unforgiven han pasado a ser parte imprescindible en la historia de la banda e hicieron que una nueva legión de adeptos se fijaran en la banda y pasaran a seguirla de forma incondicional. S&M (1999), no es un disco de estudio, es en directo, pero merece la pena que te lo lleves si todavía te queda algo de dinero. Estamos hablando de un disco doble en directo grabado con la Orquesta Sinfónica de San Francisco. El título S&M fue elegido por ser un juego de palabras que aludía a Sinfonía (S) y a Metallica (M). La banda demuestra todo su potencial en directo y su perfecta adaptación, que nunca es fácil, para trabajar con una orquesta sinfónica. Muy destacables lo arreglos orquestales, hechos por Michael kamen, director de la Orquesta Sinfónica de San Francisco en aquel momento. 

Vuelve a dejarlo en el expositor: 

El hecho de juntar a dos grandes estrellas no es siempre garantía de éxito, y es precisamente lo que sucedió con Lulú (2011), grabado por la banda junto con el difunto amigo de ésta, el gran Lou Reed. Curiosamente éste fue el último trabajo de estudio de Lou Reed en estudio antes de su fallecimiento en 2013. El disco se basó en la ópera Lulú, la cual estaba inspirada a su vez en los escritos del dramaturgo alemán Frank Wedekind. Los estilos de Lou Reed y de Metallica no acaban de encajar en este trabajo, es como si cada uno hiciese la guerra por su cuenta. A pesar de tener alguna que otra crítica positiva, casi todas fueron en este sentido, negativas. Dos artistas de la talla de Lou Reed y Metallica podían habernos dado más, mucho más. St. Anger (2003), la banda llevaba unos seis años sin sacar nada nuevo desde Reload (1997), y este trabajo era muy esperado por parte de los fans. La banda apostó por un estilo basado en el Metal Alternativo y el Nu-Metal. Esta sería la primera y la última vez que tocaran algo así, no volverían a hacerlo. Casi nadie entendió este cambio de estilo. Para cualquier otro grupo St. Anger podría llegar a ser un disco correcto, incluso bueno, pero no para Metallica si lo comparamos con sus otros grandes trabajos. La baja de Jason Newsted, la falta de guitarras contundentes y de sólos de guitarra, los problemas de alcoholismo y adicciones de James Hetfield que hicieron que se suspendiera indefinidamente la grabación al entrar éste en rehabilitación, y apostar por un sonido más moderno y una producción más cruda, quizás nos da la explicación de este extraño y fallido proyecto. No cabe duda que se equivocaron. 

Si por el contrario, lo que quieres es empezar a conocer a Metallica a través de sus canciones, te recomendamos que empieces por:

Nuestro TOP 5:

1.- One

2.- Creeping Death

3.- Orion

4.- Seek And Destroy

5.- The Unforgiven

Grandes éxitos y tropiezos: The Strokes

 

En esta nueva entrega de Grandes Éxitos y Tropiezos nos vamos hasta Nueva York, para hablar de un grupo que nos devolvió la ilusión por la música garaje rock en los albores del nuevo milenio. Tras comprobar que el mundo, no se autodestruía con el llamado "efecto 2000" de los ordenadores, sólo nos faltaba la irrupción de un grupo de rock que nos devolviera la efervescencia y el descaro que muchos dábamos ya por perdidos, cuando a finales de los noventa se apagaron los ecos del grunge, el brit pop y la nueva ola punk. Cuando parecíamos abocados a un largo camino de transición y decadencia, llamaron a la puerta del nuevo siglo unos descarados e insolentes The Strokes. El grupo que prometía reinar durante las próximas décadas nos regaló momentos fulgurantes, pero el gigante que llevaban dentro no pudo evitar que sus pies de barro les hicieran dar varios tropiezos. ¿Quieres comprar un disco de The Strokes? Esta es nuestra propuesta para que vayas sobre seguro.

Estás tardando en comprarlo: 

Is this it (2001) está considerado uno de los mejores discos de debut de una nueva banda, y muchos lo etiquetaron como el mejor disco de la década del 2000. La revista Rolling Stone le dio la máxima calificación posible (5 estrellas) en su crítica en el momento de su lanzamiento, y lo que es indiscutible es que prácticamente todo en este álbum es impactante, desde la controvertida portada de la cadera femenina y el guante de látex negro, pasando por la inesperada controversia del tema New York City Cops (que tuvo que ser eliminado de las reediciones del disco por criticar a los policías de Nueva York, en una letra sarcástica e inofensiva que se volvió inoportuna tras los atentados del 11-S), y terminando por el sonido áspero y directo de sus 11 temazos, entre los que se encuentran himnos de la banda como Take it or leave it, Last night, The Modern age o Hard to explain, por nombrar solo algunos.

La continuación de un bombazo de este calibre no debió ser fácil para The Strokes, pero si nos abstraemos del éxito de semejante hermano mayor, y consideramos Room on fire (2003) de manera aislada, estamos ante otra obra grande que encajaría en este apartado de recomendaciones. Las canciones de este disco nada tienen que envidiar a las del precedente, y la diferencia principal estriba en el enfoque que en el disco se le dio al sonido. Sin perder la potencia de los temas anteriores, la producción está mucho más cuidada, y con ello se prescinde de la aspereza y la urgencia de un primer disco que prácticamente se había grabado con tomas únicas. Todo está mucho más pulido en Room on fire, y como nunca llueve a gusto de todos, unos criticaron que el sonido fuera más limpio, y otros que el disco siguiera recordando al de debut y no hubieran dado un giro radical en la segunda entrega. Sin embargo, unos y otros estarían de acuerdo en que temas como Reptilia o 12:51 son auténticas joyas atemporales, y no son las únicas que brillan en un disco que es también imprescindible.
 

Si te queda pasta, llévate también:

Si la crítica fue positiva y unánime con Is this it, y ambivalente y bipolar con Room on Fire, fue bastante injusta y negativa con First Impressions of Earth (2006). Con este disco, la banda intentó dar ese giro que algunos sectores les demandaban, y abrir su paleta a nuevos y más variados colores. Cabe darles parcialmente la razón a los críticos en que el disco se hace largo, y que las canciones más alejadas del sonido de los primeros discos no terminan de despegar, pero un disco que contiene temas como You only live once, Heart in a cage y On the other side no baja nunca del notable en cualquiera de sus escucha.

Su último disco hasta la fecha, The New Abnormal (2020), lanzado durante el confinamiento por el Covid-19, es para muchos el esperado regreso del talento en bruto de una banda a la que todos esperamos ver de vuelta, pero quizá ese ansia nos ciega, y donde creemos ver renovadas excelencias solo hay en realidad algunos brotes verdes (The Adults Are Talking, Brooklyn Bridge To Chorus y sobre todo Bad Decisions), que en cualquier caso son de agradecer tras la travesía por el desierto que fueron discos tan extraños y flojos como los que os contamos en la siguiente sección.

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Tanto Angles (2011) como Comedown Machine (2013) son discos tan inexplicables como decepcionantes. En Angles, la obsesión por el innecesario cambio de rumbo en el grupo, les lleva a producir un incómodo disco que suena a tecno-pop ligero de los años ochenta, y del que apenas se salva el tema Machu Pichu, que destaca entre el batiburrillo general y es el único momento en el que brillan como antaño. Siendo un mal disco, les disculpa que al menos parecen tener un objetivo, lo cual no ocurre en Comedown Machine, un disco que transmite dejadez y desgana ya desde la insulsa y genérica portada. Era evidente que estaban agotados y necesitaban un descanso, y el período sabático y los proyectos paralelos les sirvieron para recargar pilas, y recuperar el tono en su reciente regreso con The New Abnormal (La nueva anormalidad). Nunca mejor dicho, porque lo normal hubiera sido que esta banda no se hubiera apeado nunca de lo alto de su, por entonces, merecido pedestal.

 

Nuestro TOP 5

 

1.- Take it or leave it

2.- Reptilia

3.- On the other side

4.-Heart in a cage

5.- Machu Pichu