0115: Wipe Out - The Surfaris

 

Wipe Out, The Surfaris

     1963 va a ser el año que vea nacer Wipe Out uno de los grandes clásicos del surf rock y uno de los dos grandes éxitos del grupo The Surfaris junto a Surfer Joe. El tema fue grabado en 1962 en el Pal Recording Studio de Cucamonga, California, y publicado en 1963 por el sello discográfico Dot. Originalmente el grupo estaba compuesto por Ron Wilson (batería), Jim Fuller (guitarra), Bob Berrihill (guitarra) y Pat Connolly (bajo), a los que se uniría el saxofonista Jim Pash justo después de la grabación de wipe Out. 

Una de las características del tema es el potente solo de batería de Wilson, que hace que sea uno de los temas más recordados de la época, como también es característico y reconocible la presentación del tema con ese crujido inicial que imita el sonido de una tabla de surf rompiéndose, y al que sigue una voz balbuceando "ja ja ja ja ja, Wipe out". Dicha voz era la de Dale Smallin, el dueño del estudio y a la postre mánager de la banda.

En aquel momento el grupo estaba en sus inicios y sus miembros buscaban un lugar donde ensayar, es entonces cuando se encuentran y conocen a Dale Smallin, quien resulta ser el propietario de un pequeño estudio de grabación en Cucamonga, California, donde el grupo acabaría grabando este exitazo. Smallin se convertiría más tarde en el mánager de la banda. Es en ese estudio, Pal Recording, donde The Surfaris graban el tema Surfer Joe. Una vez grabado el tema, el ingeniero de sonido del estudio les recuerda a Wilson y los demás que para hacer un sencillo necesitan dos temas, les faltaba uno. Acuciados por la premura, Bob Berryhill, Pat Connolly, Jim Fuller y Ron Wilson se pusieron apresuradamente a escribir un tema, pues necesitaban rellenar la cara B. El resutado fue Wipe Out, un tema instrumental que ellos mismos consideraban desechable, de relleno. No podían estar más equivocados, aquel surf rock de relleno acabó convirtiéndode en uno de los grandes exitos del grupo y en un clásico del surf rock de la historia. El tema logró permanecer cuatro meses en las listas de éxitos Billboard de Estados Unidos, llegando a alcanzar el puesto número 2, sólo superado por el famoso Fingertips de Stevie Wonder.

Prince - Graffiti Bridge (Mes Prince)

Con la seguridad de un maestro, Prince ha reafirmado su reputación como uno de los innovadores más brillantes del pop con su nuevo álbum, "Graffiti Bridge". Utópico, desafiante, expresando un compromiso recientemente decidido con el cambio social y lidiando de nuevo con la dicotomía entre los deseos terrenales y la espiritualidad, Prince cubre un terreno temático impresionante además de divertirse seriamente. Y mientras tanto, profundiza desde su característico ritmo estrecho y funk-rock profundamente en las raíces musicales negras. La década de 1980 había sido una década increíble para Prince. Comenzó la década como un prodigio misterioso justo a punto de lograr un éxito disco crossover y luego procedió a lanzar una serie de álbumes que obtuvieron éxito tanto de crítica como comercial y lanzaron o impulsaron las carreras de varios otros artistas. Fue una de las décadas más creativas y prolíficas que jamás haya producido ningún músico. ¿Qué le depararía la década de 1990 a Prince? Pues a principios de la década de 1990, la estrella de Prince se estaba desvaneciendo. A pesar del aumento (temporal) de las ventas debido sobre todo a la banda sonora de Batman, la prensa se cebo con él. Así se metió en proyecto mayúsculo que estaba seguro que iba a reportarle una resurrección a nivel mundial, la fecha señalada en el calendario era el 21 de agosto de 1990, el duodécimo álbum de estudio de Prince iba a ser lanzado en los Estados Unidos, previamente y a modo de aperitivo, el 23 de julio de 1990 el primer sencillo del álbum, Thieves In The Temple, salió a la venta como adelanto de un trabajo que se iba a componer de 17 canciones y una película el órdago estaba sobre la mesa.

Arranca el album con Can't Stop This Feeling I Got una canción que se grabo por primera vez en 1981, y fue regrabada en 1986 con The Revolution, una gran canción, quizás una de las mas optimistas de su carrera hasta ese momento que conecta sin fisuras con su siguiente tema New Power Generation que evoluciona hacia una nueva generación de energía, una gran canción funky, "Dejen su arma original / Vengan y únanse a nosotros en el suelo / Hacer el amor y la música son las únicas cosas que vale la pena luchar", esencialmente declarando el amor y los elementos musicales de una fe que busca reescribir reglas corruptas, con Prince presentando de manera audaz su nueva banda al mundo. Una melodía fina, esta es una de las mejores canciones que se aleja de las críticas de este álbum. Release It es la primera canción del álbum que no es interpretada principalmente por Prince, sino por The Time otra canción funky que se construye rítmicamente en torno a una muestra de Squib Cakes de Tower Of Power. Canción gloriosa, originalmente destinada al álbum Corporate World de The Time que tomo un lugar en el disco de Prince dándole un valor añadido, los motivos un bucle de batería rápido (piense en Eric B. y Rakim) con un pequeño bajo debajo y Morris Day hablando por encima, no es nada que te sorprenda, pero Day es lo suficientemente entretenido como para que la canción valga la pena y que da paso a The Question Of U, una canción bellísima con una hermosa melodía, originalmente estructurada y con una letra conmovedora, casi frágil. Un blues lento al que se le da un brillo tecnológico y contemporáneo, con unos increíbles solos de guitarra de blues rock de Prince y trabajo de teclado como un clavicémbalo. 

Elephants & Flowers es de octubre de 1988 y se hizo un trabajo adicional antes de terminar en este álbum. Una buena canción, sin conseguir ir mas alla, una canción que, si bien puede atraer a la gente, se vuelve demasiado sermoneadora. Eso no quiere decir que sea una mala canción, ya que ciertamente no lo es, pero es un poco ligera en comparación con la pista anterior. Round And Round es una canción innecesaria e indescriptible cantada por Tevin Campbell, lo que hace que la canción sea la verdadera desviación sonora del álbum, es quizas el primer gran batacazo del album, te corta el rollo Prince y parece que esta un aprendiz queriendo imitarle, un motivo para que te venga a la cabeza lo que hubiera sido el disco con menos canciones y eliminando este tipo de ladrillos. We Can Funk se grabó por primera vez a finales de 1982 como We Can Fuck. Después de que Prince modificara la grabación según sus deseos, invitó a George Clinton a hacer sobregrabaciones de la canción. La voz de Prince realmente se destaca, especialmente hacia el final cuando se desata por completo con una voz apasionada. La batería suena fuerte, el sonido valiente de la guitarra le da una calidad y un toque a Medio Oriente (en línea con algunos de sus otros trabajos), y la disposición de las múltiples voces contribuye mucho a hacerlo. sonando como una auténtica pista de P-Funk. Llegamos a Joy In Repetition, la más rara de todas las bellezas, proporciona una atmósfera relajante para que Prince cuente uno de sus muchos cuentos imaginativos, la historia de un visitante a un club (nocturno) donde una mujer está interpretando una canción (el ya mencionado Soul Psychodelicide), que tiene una duración de un año; ella ha estado tocándola durante meses. A las 01:10 minutos de la canción se pronuncia la siguiente letra. La forma en que estas palabras se entrelazan en la canción es pura genialidad, dándole un enfoque poético. Esta pista también cuenta con un solo de guitarra (a partir del minuto 3), que es aclamado por muchos fans como uno de sus mejores. 

Love Machine es una canción interpretada por The Time, que originalmente era un dúo con Jill Jones, pero su voz fue reemplazada por la de Elisa Fiorillo. Una canción sexualmente explícita con un gran ritmo de batería. Tick, Tick, Bang fue originalmente una canción de rockabilly de 1981. Fue regrabada en 1989 con una muestra de la pista de batería de Jimi Hendrix ' Little Miss Lover ' (usando una fuente inferior). El original es genial, pero la versión que terminó en el álbum es mala, muy mala para ser exactos ... ritmo abrasivo del hip hop que no encaja para nada con la canción. A continuación la tercera canción de The Time titulada Shake! , una canción pop bastante suave dando resultado a una canción lejos del nivel de Prince, pero se lo pasamos por alto porque llega otra joya, Thieves In The Temple, tambores fuertes, gran melodía y un príncipe apasionado que suena enojado y herido. La canción contiene una muestra de armónica de I Can't Stand It de The Chambers Brothers, una canción pop fantásticamente elaborada con una de las metáforas más ingeniosas de Prince, escucha la forma en que dice "tú y yo podríamos haber sido una obra de arte". Bailable y con evidente gancho, lo cierto es que fue el único éxito del álbum. La canción fue la última en ser grabada para el álbum, el 11 de febrero de 1990.

The Latest Fashion es la cuarta canción de The Time en el álbum, a dúo con Prince, una melodía humorística y repetitiva de The Time que sirve de relleno. En el álbum Pandemonium de The Time, que fue lanzado en el mismo año que Graffiti Bridge, la canción fue lanzada con diferentes letras y titulada My Summertime Thang. Melody Cool se grabó por primera vez el 9 de julio de 1987, lo que indica que Prince tenía la idea del personaje (interpretado por Mavis Staples en la película) incluso entonces. Alrededor de 1989/1990 se agregaron a la canción las voces de Mavis Staples. Una deliciosa canción pop que me encanta escuchar, una pista bastante buena, lástima que no veamos más de Mavis Staples en el álbum. Still Would Stand All Time fue grabada en octubre de 1988 y se convirtió en una especie de canción gospel. La canción es genial y sigue construyéndose y construyéndose hacia un clímax impresionante. Graffiti Bridge, la canción principal, que suele ser la canción más fuerte de cualquier álbum de Prince, es una canción horrorosa, no lo vamos a negar..."Todo el mundo quiere encontrar un puente de graffiti, algo en lo que creer, una razón para creer que hay un cielo arriba", pero tío esto ya nos lo habías contado de forma magistral en "The Ladder" y de manera mucho mas solemne, no con tanta estridencia y sonidos que te sacan del tema. En resumen, una canción musical, que se queda en mitad de todos los sitios y no llega a ningún lado, grabada originalmente en 1987. El álbum se cierra con una repetición de la segunda canción del álbum, New Power Generation (Pt. II) . No aporta mucho, pero me gusta de todos modos (y sí, no me importa tanto rapear también).

0114: Rhythm of the rain - The cascades

 

Una de esas bandas cuya música se incrustó en los corazones y las memorias de la generación de los 60 y que los jóvenes posteriores heredaron de sus padres fue The Cascades. Formada en 1960, en San Diego, California, The Cascades comenzó como una banda instrumental orientada al estilo de Surf Rock, muy probablemente influenciada por gente como The Ventures (“Walk, Don't Run”). Sin embargo, al descubrir la música de los entonces también incipientes The Beach Boys ("Surfin 'Safari"), cuyas coloridas armonías atrayeron instantáneamente su imaginación, The Cascades pronto se convirtió en un grupo de Sunshine Pop.

Rhythm of the Rain fue publicada en Valiant Records y capturó el sonido de la exuberancia juvenil, los horizontes soleados y brillantes y los cortes de cabello de aspecto limpio de principios de los años 60. La musica adornada con celestas, que estuvo dos semanas en la lista de audiencias de Estados Unidos en el momento de su lanzamiento y que hasta el día de hoy sigue ocupando un lugar destacado en varias listas de las mejores canciones pop de los 60. Fue escrita por el líder de The Cascades, John Gummoe, que en 2008 se referia a esta cancion en estos terminos: "Escribí 'Rhythm of the Rain' mientras servía en la Marina de los EE. UU. A bordo del USS Jason AR8. Estaba de pie a media guardia en el puente mientras navegábamos hacia Japón. Navegábamos hacia el Pacífico norte, llovía mucho y el mar se agitaba, me gustaba observar el 'anillo' que formaba la lluvia al caer y la forma en que fluía, y esa noche escribí la mayor parte de la letra, era como si la lluvia hablara. Fue más tarde que me senté en un piano y estaba jugando con las teclas negras y comencé a tocar una secuencia de Mi bemol hasta F sostenido, bueno, si lo haces verás que es la melodía que ahora está pegada las cabezas de millones de personas en todo el mundo. Más tarde, cuando hicimos una demostración de la canción, surgió ese pequeño ding ding que dice FC-FC, DA, DA. El gran arreglista Perry Botkin Jr. realzó ese pequeño gancho y fue el productor Barry De Vorzon a quien se le ocurrió la idea de abrir la canción con ese famoso estallido de trueno ".

Es posible que The Cascades no haya sido tan prolífico ni tan influyente como muchos de sus contemporáneos, como The Beach Boys, The Hollies o The Monkees, pero la melodía, la nostalgia lírica y la atemporalidad de las canciones son los rasgos que continúan haciendo que la banda y su música sigan siendo queridos para muchas generaciones en las últimas décadas. ¿Puedes oír el sonido de la lluvia que cae? Creo que puedes ... pero solo si te tomas el tiempo para sentarte y relajarte junto al alféizar de la ventana en tu estado de ánimo más descansado y reflexivo, cierras suavemente los ojos y respiras profundamente unas cuantas veces la neblina fresca de la mañana, dibujas una sonrisa juvenil y vuelva a imaginar la puesta de sol de su vida, mientras escucha de Rhythm of the Rain.

La música en el cine: Eye of the Tiger (Survivor) - Rocky III

 

Eye of Tiger, survivor

     El 29 de mayo de 1982 el grupo estadounidense Surivor publica, bajo las discográficas Emi y Scotti Brothers, la canción Eye of the Tiger. El tema se incluyó en el disco del mismo nombre que fue publicado el 8 de junio de 1982. Esta canción se ha convertido en una de los tema más reconocidos del cine, pues fue escrita a petición de Sylvester Stallone para la película Rocky III. 

Para la música de la película Rocky III, Stallone quería desmarcarse de la música que había utilizado para sus dos anteriores películas de la saga de Rocky, que estaba formada por temas más conocidos. Creía que era el momento de ir a por un mercado más joven, y necesitaba un grupo más moderno y actual. 

Tony Scotti, que era el presidente del sello discográfico de Survivor, Scotti Brothers Records, envía a Stallone algunos temas del disco anterior de Survivor, Premonition. Scotti pensaba que el sonido, el estilo de escritura y el estilo de la banda podían encajar con lo que el actor estaba buscando. Jim Peterik y Frankie Sullivan, los compositores principales de la banda, recibieron con sorpresa días después en sus contestadores automáticos un mensaje de Stallone pidiéndoles que participaran en la composición de la banda sonora de su nueva película, Rocky III.

Una vez aceptado el reto, recibieron una copia de la película, para que viéndola se inspiraran y pusieran música a las escenas requeridas. Había una parte de la película, considerara por Stallone como la más importante, donde quería que la música fuese la coreografía de las imágenes. En la copia que Peterik y Sullivan recibieron, aparecía insertada la canción Another One Bites the Dust, de Queen. Según Peterik y Sullivan, la canción quedaba muy bien con la escena, y así se lo hicieron saber a Stallone, diciéndole que no debería cambiarla. El actor fue sincero con ellos y les contestó que a él también le parecía perfecta, pero le había sido imposible conseguir los derechos de la canción de Queen.

Peterik y Sullivan se pusieron manos a la obra y empezaron creando el mítico riff de guitarra que secuenciaba perfectamente los puñetazos de los boxeadores. Para la letra utilizaron algunas frases de la primera película de Rocky. En un sólo día tenían ya compuesta la mayor parte de una canción que acabaron completando en los dos siguientes días.

En cuanto a la temática que utilizaron, los compositores se vieron perfectamente reflejados, pues al igual que Rocky, que es animado por su amigo Apollo Creed para que deje la mala vida, luche porque vuelva su mirada de tigre y vuelva triunfar, ellos también luchaban por triunfar a pesar de las dificultades que se encontraban por el camino. 

0113: Maria (West Side Story) - Leonard Bernstein

 

La canción de hoy nos lleva de nuevo al cine, concretamente a uno de los grandes musicales de la historia de este arte, nos estamos refiriendo a “West Side Story” estrenada en el año 1961. La película está ambientada en la ciudad de Nueva York en los años 50 y está basada en una obra de Broadway con el mismo nombre e inspirada en la obra de Shakespeare “Romeo y Julieta” pero en vez de enfrentarse las familias Montesco y Capuleto, los protagonistas son dos bandas callejeras: los Sharks, inmigrantes puertorriqueños y donde está nuestra Julieta latina, María y los Jets, estadounidenses de origen irlandés con nuestro Romeo, Tony. Si bien es cierto que el punto de partido es el de la obra de Shakespeare el posterior desarrollo difiere bastante del original. Los protagonistas del film Tony (Richard Beymer) y Maria (Natalie Wood) no sabían ni cantar ni bailar, por ello se utilizó el playback y no los veremos casi bailar en el film ni sus voces son las que suenan cuando cantan, el papel de Tony en principio iba a ser interpretado por Elvis Presley, pero su manager no acepto, más tarde comentaría que fue uno de los grandes errores en su carrera como manager. Tampoco Natalie Wood era la candidata inicial para el papel de Maria. Este debía ser interpretado por Audrey Hepburn pero la actriz, embarazada de su esposo, el también actor Mel Ferrer, se vio obligada a rechazar la oferta.

Leonard Bernstein fue el encargado de componer las canciones (que no dirigir: para la película se contó con Johnny Green y años más tarde el propio Bernstein grabaría sus propias canciones) y contó con la participación de Stephen Sondheim que fue el encargado de poner letra a la música. La banda sonora contiene un total de 19 canciones en las que se mezcla el jazz con ritmos más latinos. La creación de esta banda sonora en aquél momento supuso todo un reto para sus productores: se necesita un total de treinta músicos para orquestar toda la partitura concebida por Bernstein, debido a la utilización de un gran número de instrumentos de cuerda, viento y percusión imprescindibles para conseguir esa inimitable atmósfera. Es escuchar las primeras notas del "Prologue" y sabemos que estamos ante algo fuera de lo común. Música grandilocuente propia de grandes orquestas, que no obstante se contiene para no mostrar tan pronto de todo lo que es capaz o para dejarnos, muchas veces, en vilo (esos grandes silencios o cortes inesperados que quitan la respiración, correspondientes al descubrimiento de un secreto, a la aparición de los "enemigos"... ¿quién puede olvidar el inquietante chasquido de dedos, tan característico para la presentación de los Jets y los Sharks?), dejando que el espectador descubra poco a poco la fuerza de cada nota, de cada instrumento, y, por ende, de cada fotograma que es acompañado por la sintonía. Porque West Side Story es un claro ejemplo de cuándo la música es tan importante como una buena actuación o coreografía. Es una banda sonora que hay que disfrutar entera, como muestra os dejamos a modo de anzuelo María, una de las canciones más románticas del musical.

Disco de la semana 222: Lovesexy - Prince (Mes Prince)

Lovesexy nace de las cenizas del Black Album, quemado en la hoguera por su propio creador. Corren mil teorías sobre las razones que le llevaron a cancelar la publicación de ese disco, y a preparar un disco nuevo en tan solo 7 semanas. Una de ellas habla de un encuentro en un club nocturno de Minneapolis con la cantautora y aspirante a cantante Ingrid Chávez, que planteó al músico que abandonara la negatividad en su música, y la abriera a mensajes más espirituales y positivos. Prince aceptó el reto y se puso manos a la obra, embarcando además a su nueva musa dentro de su séquito de colaboradores cercanos y de su banda de acompañamiento, inicialmente bajo el sobrenombre de "The Spirit Child" (La chica espiritual).

El resultado es un disco conceptual,  en el que todas las canciones giran (y muchas mencionan) en torno a un sentimiento nuevo llamado "Lovesexy", mencionado en muchos de los temas, y descrito como lo que se siente al estar enamorado, pero no de un hombre o una mujer, sino del más allá. El hecho de ser creado en poco tiempo, y con un hilo conceptual claro uniendo las canciones del proyecto, hace de este disco el más unitario de la carrera de Prince, y el que incluye menos "visitas" a la "bóveda" a repescar canciones escritas previamente. El concepto único del disco, provocó también la excéntrica decisión de publicar el disco con un solo corte, sin posibilidad de escuchar las canciones por separado.

En el mismo año de su publicación (1988), yo acababa de descubrir a Prince con Sign of the Times (1987), y aunque el signo de los tiempos era (y sería finalmente) su cumbre creativa, y Lovesexy un disco bastante más incomprendido por la crítica del momento, en aquel momento el impacto que me produjo la escucha de éste último fue mucho mayor. Nadie hacía discos tan buenos como Sign of the Times en aquella época, pero yo nunca había escuchado un disco como Lovesexy hasta ese momento. Para mí es inevitable, para comentar un disco así, no pensar en la primera vez que lo escuché, en mitad de las semanas de exámenes en el instituto. Un compañero de clase me lo grabó en cassette, y lo puse de fondo mientras estudiaba para un examen.

Ya desde la relajante intro de Eye no, en la que la propia Ingrid Chávez recita suavemente que "Todo el mundo sabe... que cuando el amor te llama, tienes que acudir", supe que no podría resistir la llamada de Prince, invitándome a escuchar aquel disco hasta el final. Eye no es el único tema en el que la banda al completo toca en el disco, siendo el resto de temas interpretados en su mayor parte por Prince, salvo puntuales colaboraciones al saxo (Eric Leeds), percusión (Sheila E), teclados (Dr. Fink) y voces (Boni Boyer, Cat, Sheila E). Todo el disco es un gran viaje desde la negatividad, desde los coros que repiten "No" sin cesar en este tema, hasta llegar a la positividad como punto de destino, reflejada en la suave voz femenina que repetirá "Si" constantemente en Positivity (perdón por el spoiler), el tema con el que cierra el disco. Este primer tema se construyó a partir de partes de un tema antiguo (The Ball), en lo que sería la única excursión a la "bóveda" de todo el disco.

Alphabet St es el tema con el que empezó todo. La canción que, tras ver los apenas tres minutos del vídeo promocional, con el "Thunderbird del 66 o 67, tan glam que resulta ridículo"  atravesando un universo de letras de colores ("pon las letras correctas juntas, y haz un día mejor"), me hizo insistir hasta la saciedad a mi compañero para que se acordara de grabarme el disco, y que lo hiciera mucho antes incluso de pasarme los apuntes de alguna asignatura, de cuyo nombre no quiero acordarme. Prefiero hacerlo de la sensación de satisfacción y sorpresa, al comprobar que, al contrario que en discos anteriores, en los que las versiones largas de las canciones aparecían en los maxisingles, el viaje de Alphabet St se prolongaba en Lovesexy hasta los siete minutos, con rap de Cat y desenfadado final instrumental incluidos. Una irresistible mezcla de dance, rock, rap y funk plagada de divertidas referencias al sexo, a través de la descripción de las cosas que un chico planea hacer con el coche de su padre.

Glam Slam también fue single, una canción de estribillo pegadizo y efectivos arreglos de guitarra en su primer tramo, y adornada con un impactante tramo final de corte sinfónico y clásico, en el que los teclados de Prince emulan a una orquesta de violines. Es la única canción de Prince en la que encontramos un guiño, más o menos explícito, a la música de otro grande como David Bowie, ya que el estribillo de la canción (Glam Slam, thank U ma'am) parece inspirado en la frase "Wham Bam thank you ma'am" de "Sufragette City".

Anna Stesia es otro de los momentos memorables del disco. La canción en la que Prince parece describir el encuentro con Ingrid Chávez, que pudo desencadenar el concepto del disco y el giro hacia la espiritualidad de su música, entendida siempre desde el prisma particular de Prince, que aquí promete abandonar los pecados de la carne y dedicar su vida a Dios, pero que en conjunto entrega un disco de amor y sexo, que en la propia Lovesexy llegará a su máximo clímax, representado incluso con un orgasmo. Antes de este nuevo spoiler que acabo de cometer, llegará el turno para Dance On, quizá el tema que menos encaja en el conjunto, con una poderosa línea de bajo y una letra cercana a la de la canción Sign of the Times.

Con la ya mencionada Lovesexy, el disco retoma la línea de derroche musical y creativo de los primeros temas. Turno para no privarse de nada, en un despliegue de saxos, teclados y de unas increíbles guitarras casi enterradas en la mezcla, acompañando a un festival de voces y giros que desembocan inevitablemente en ese momento de máxima espiritualidad que, paradójicamente, lo marcan los gemidos de Cat y Prince en el orgasmo que os prometía en el párrafo anterior. Como si del mismo encuentro sexual se tratase, el final de la canción se entremezcla completamente con el inicio de When 2R in love, el único tema rescatado del Black Album, y que encaja mucho más en Lovesexy que en ese disco previo. Los dos amantes se bañan juntos, y el jugueteo amoroso comienza de nuevo ("Báñate conmigo, déjame tocar tu cuerpo hasta que tu río sea un océano")

I wish U heaven es otro gran ejemplo de la dualidad espiritualidad-sexo habitual en la temática de los discos de Prince. Después de un par de temas más o menos explícitos, llega un tema breve y minimalista sobre el agradecimiento y la evocación de ese más allá final ("Por todos tus besos, te deseo amor, te deseo el cielo". La canción es, pese a su aparente sencillez, uno de los mejores temas del disco, y fue el tercer y último single que se extrajo del mismo. En esta ocasión, la versión extendida fue a parar al maxisingle, una larga suite formada por tres partes diferenciadas (tanto que en la "bóveda" se encontró la tercera parte como tema independiente con el nombre de Take this beat) de la que en el disco solo quedó la primera parte de la suite.

El disco termina con Positivity, tema de toques tribales en la percusión, basado en un esquema de recitado cercano al spoken word, incluso con tramos en los que Prince recita mascando chicle, desde la tranquilidad de haber alcanzado el final del viaje hacia el positivismo. A lo largo de la canción, se repite continuamente la pregunta "¿Has tenido tu signo positivo hoy?", hasta que la canción muere en un murmullo de agua corriendo, entre ráfagas de teclado. Justo en ese momento, regresé del viaje mental en el que el disco me había sumergido, con mucho menos tiempo para aprenderme los temas del examen, y en riesgo de hacer el viaje en sentido inverso, de lo que podría haber sido una buena nota a un resultado negativo. No fue así finalmente, porque mis padres habían prometido que un buen resultado me daría derecho a escoger un regalo, y tener Lovesexy original y en vinilo se convirtió esa misma noche en mi gran objetivo.

0112: Boom Boom - John Lee Hooker

 

Boom Boom, John Lee Hooker

     El 1 de mayo de 1962 se publica como sencillo el tema de John Lee Hooker Boom boom. El tema es publicado bajo la discográfica Vee Jay Records, y consigue posicionarse en el puesto número 1 de las listas de ventas del Reino Unidos y en el número 60 de las listas Billboard de Estados Unidos.

En 1948 comenzaba la carrera musical de Hooker con la consecución de su primer éxito, Boogie Chillen. Hooker solía tocar sólo o como mucho acompañado de un segundo guitarrista. En la década de los 50 grabó con varios nombres diferentes antes de hacerlo con el que sería conocido más adelante, John Lee Hooker, entre los que podemos encontrar Delta John o Birmingham Sam entre otros. Esto cambiaría en 1955 cuando acaba contrato con el sello discográfico Modern Records y ficha por el sello Vee-Jay Records de Chicago. Esta compañía disponía de los recursos necesarios tales como músicos de sesión que ponía a disposición de los artistas de su sello para que estos pudieran grabar. Así se gesta la grabación de Boom Boom, un tema que compuso el mismo John Lee Hooker.

John Lee Hooker solía tocar en un bar de Detroit llamado Apex Bar, y siempre solía llegar tarde, cosa que la banda de acompañamiento que llevaba siempre le recriminaba. En aquel bar trabajaba una camarera llamada Luilla (hay quien mantiene que se llamaba Willa) que siempre que veía aparecer llegando tarde a Hooker le decía: "Boom boom, llegas tarde otra vez". Hooker empezó a dar vueltas a aquello que siempre le decía la camarera y pensó que podía ser el título de un tema, pues tenía gancho. Una noche, mientras regresaba a casa se puso a darle vueltas al asunto en cuestión, y al día siguiente se puso a escribirla. Una vez que la tuvo compuesta se la mostró a cierta gente, y ésta alucinó, por lo que lo siguiente que hizo fue enviarla a Washington DC y registrar los derechos de autor. Una vez registrado como autor del tema ya podía tocarla en el bar y mostrársela a Luilla, que en cierto modo y sin saberlo le había inspirado para la composición de uno de los grandes clásicos del blues.

La musica en canciones: Canciones reseñadas de 1961

La música es como el amor, bueno, es amor, todos tenemos el nuestro y no a todos nos tiene que gustar lo mismo, esta lista no son las mejores canciones, ni siquiera tus favoritas o nuestras favoritas (bueno eso casi que si), simplemente nuestras elegidas, y a modo de índice os dejamos una lista de todas las canciones de 1961 reseñadas para que puedas conocer mas sobre la canción, además de una lista creada en Spotify con todos los temas para escucharlas.

Clickea sobre el titulo de la canción y te llevara al articulo de cada una de las 8 canciones reseñadas de 1961. Disfrútenlas

Can´t help falling in love with you - Elvis Presley
Crazy - Patsy Cline 
Gin house blues - Nina Simone
Hit the road jack - Ray Charles 
Let´s Twist again - Chubby Checker 
Moon river - Henry Mancini
Please mr postman - The Marvelettes 
Runaway - Del shannon 
Stand by me - Ben E King
Surrender - Elvis Presley

0111: Surfin' Safari - The Beach Boys

 

Surfin' Safari, The Beach Boys

     Entre octubre de 1961 y septiembre de 1962 el grupo estadounidense Beach Boys graba entre los Capitol Studios y los Hite Morgan Studios de California el material que se incluirá en su álbum debut, Surfin' Safari. El disco es publicado el 1 de octubre de 1962 bajo el sello discográfico Capitol, alcanzando el puesto número 32 en las listas de ventas del país, y se le atribuye tanto a este primer álbum como al grupo la creación del llamado género musical California Sound, un género que giraba en torno a la juventud y la cultura del surf. Un género que muchos críticos pensaban que sería pasajero, no podían estar más equivocados.

Incluido en el álbum se encuentra el tema que da título al mismo, Surfin' Safari, compuesto por el vocalista, bajista y tecladista Brian Wilson y el vocalista Mike Love. El tema fue publicado antes del lanzamiento del disco, concretamente en junio de 1962 por el sello Capitol. 

La banda había realizado una primera grabación del tema el 8 de febrero de 1962 en los World Pacific Studios, durante una de las primeras sesiones de grabación en la historia de los Beach Boys. Sin embargo, esta grabación y las acaecidas en aquellas sesiones, permanecerían inéditas. Posteriormente se realiza el 19 de abril de 1962 otra sesión de grabación de este tema que se convertirá en el oficial. Dichas sesiones se realizan en Western Recorders con Carl Wilson a la guitarra, Brian Wilson al bajo, Dennis Wilson a la batería, y Mike Love a la voz principal, mientras que los coros son obra de Carl Wilson y el resto de la banda.

Surfin' Safari era el segundo sencillo lanzado en la corta vida de la banda, y el primero lanzado con la compañía Capitol. El sencillo alcanzó el puesto número 14 en las listas Billboard de Estados Unidos, y el puesto número 1 en países como Suecia o Canadá, sin embargo el tema fracasó en las listas de ventas del Reino Unido. En Alemania se editó y publicó la primera versión grabada en los World Pacific Studios en lugar de la oficial. 

Como muchas de las canciones del grupo, Surfin' Safari trataba la temática del surf, concretamente era un diario de viaje por algunos de los lugares más populares de California donde se practicaba el surf, tales como Huntington, Malibu, Dohny State Beach, Rincon y Laguna Beach, aunque también hacen referencia a Cerro Azul, ubicada en Perú. Esta fue la primera canción de los Beach Boys donde se mostraba las distintas armonías de contrapunto pos las que el grupo acabaría haciendose famoso. 

Mike Love, el cantante de la banda, también acreditaba como padre del característico sonido de guitarra de este tema a Murry Wilson, quien era el productor del sencillo además de ser el padre de Brian, Carl y Dennis Wilson. Cuando Brian dejaba la sala de control para grabar sus partes de bajo, Murry se dedicaba a cambiar los sonidos de las guitarras hasta dejarlo en un sonido agudo a su gusto. Mike Love creía que ese particular sonido de guitarra influyó en gran medida y ayudó a que Surfin' Safari se vendiera tan bien. 

La música en historias: La hoja roja de Delibes y los últimos CDs de Prince

La metáfora de "La hoja roja" siempre me ha fascinado. Solo un monstruo literario de la talla de Miguel Delibes podía reflejar con tanto acierto lo que debe sentirse al acercarse a esa edad en la que hay que aprender a vivir con la certeza de estar apurando los últimos sorbos de la vida. En el libro, un anciano mantiene la costumbre de fumar tabaco liado, tiene un paquetito con hojas de papel de fumar, y va liando cigarrillos hasta que, un buen día, se encuentra con una hoja de papel de color rojo, que los paquetes de la época llevaban para alertar al fumador de que a partir de ahí quedaban pocos papeles para liar.

El anciano relaciona la hoja roja con un aviso que va más allá del cercano final del paquete de fumar. Lo que se le está acabando es el tiempo y le quedan pocas páginas de su vida por escribir. Debe ser difícil afrontar ese momento, pero al mismo tiempo ese aviso es una oportunidad que todos deberíamos tener, para aprovechar de la mejor manera posible hasta el último instante de nuestras vidas. Yo no pienso todavía demasiado en la hoja roja, pero la relaciono inevitablemente con una foto y una noticia que encontré en Internet sobre los días anteriores a la repentina muerte de Prince el 21 de Abril de 2016.

En la foto, si es que es él realmente, aparece un Prince sorprendentemente sencillo, volviendo a su casa en una bicicleta no demasiado glamourosa, después de hacer unas compras en Chanhassen, la pequeña localidad anexa a Minneapolis donde se alza majestuoso su "Paisley Park", el complejo arquitectónico que albergaba su residencia, su estudio de grabación e incluso un auditorio en el que celebraba sus famosos conciertos sorpresa para los fans más afortunados. El edificio se ve al fondo de la foto, en un contraste mágico entre la grandiosidad del edificio y la sencillez de su habitante y su bicicleta.

Prince en una tienda de discos

En la historia que relata la noticia, el contraste es también evidente. Los mismos que en su momento criticaron el aislamiento al que se sometió en "Paisley Park", son los que le persiguieron hasta sus últimos días en salidas ocasionales como la de la foto, hasta el punto de que por ellos sabemos que visitó una farmacia y una tienda de discos. El nivel de detalle es tal, que conocemos incluso los seis cd's que, según ellos, adquirió. Al contrario que el anciano de Delibes, Prince no sabía que esos 6 cd's serían los últimos que escucharía, si es que llegó a escucharlos todos, ya que pocos días después lo encontraron muerto en uno de los ascensores de su torre de marfil, por una sobredosis accidental de opiáceos. No hubo ninguna hoja roja al retirar el envoltorio de plástico, ni al sacar el libreto para ver las letras de las canciones o los agradecimientos de los artistas. Él no tuvo esa oportunidad de plantearse un cambio, de aprovechar aún más el tiempo que le quedara.

O quizá sí la tuvo y no supo verla. Quizá el aterrizaje de emergencia el 16 de Abril de 2019 en Moline (Illinois), para ser atendido de urgencias en el hospital y estar 3 horas en observación, tras las que se le dio el alta, fue el equivalente a la hoja roja. Si hubiera hecho caso a este aviso, habría intentado cambiar su destino, sus hábitos, su enfoque ante la vida. Incluso así parece que fue, si atendemos a los datos que dicen que, al día siguiente de su muerte, tenía cita con un reputado médico experto en tratar adicciones.

Sea como fuere, ya nunca lo sabremos, ni hay ya vuelta atrás. Sólo espero que el ingente material inédito que acumuló en su famosa "bóveda" sea tratado con el respeto y el cuidado que se merece un artista que puso banda sonora a momentos relevantes de mi vida, para que el suministro de buenas canciones de Prince no cese y se nos administre en pequeñas y regulares dosis. Al fin y al cabo, todos tenemos nuestras adicciones.

Y mientras esperamos que nuestra propia hoja roja llegue algún día, y lo haga lo más tarde posible, quizá podamos abrir una botella de buen vino y escuchar alguno de los últimos cd's que un genio de la música quiso comprarse para escuchar tranquilamente en su casa. Aún estamos a tiempo.

"Talking Book" - Stevie Wonder (reseñado en nuestro blog, disco de la semana

"The time has come" - Chambers Brothers

"Hejira" - Joni Mitchell

"Inspirational gospel classics" - Swam Silverstones

"The best of" - Missing Persons

"4" - Santana

0110: Return to Sender - Elvis Presley

Return to Sender ("Devolver al remitente") es una canción escrita por Winfield Scott y Otis Blackwell, y grabada y publicada por Elvis Presley en 1962, como sencillo promocional de la película Girls!Girls!Girls! en la que la interpretaba. Fue uno de los muchos éxitos del cantante de Memphis, pero tiene como curiosidad, o factor de interés añadido, la particular temática "epistolar" de la letra, en la que un hombre envía una carta a su novia después de que hayan tenido una discusión de pareja.

Las esperanzas de reconciliación del hombre se van desvaneciendo cada vez más, porque ella devuelve continuamente la carta, indicando que se debía "Devolver al remitente". El sigue enviando la carta de nuevo, negándose a asumir que todo haya terminado, pero ella la sigue devolviendo, al tiempo que da a entender que está "desapareciendo" de su vida, con mensajes de respuesta como "dirección desconocida" o "persona desconocida".

La curiosidad de la letra no quedó ahí, ya que la cantante y actriz Gerri Granger grabó el tema "Don't Want Your Letters" ("No quiero tus cartas"), que era la respuesta femenina a la carta del personaje de la canción de Elvis Presley. Fue publicada también como sencillo a finales de 1962, momento en el que quedó sellado, y con acuse de recibo, el final definitivo de la historia de amor entre los dos ficticios personajes.

La música en historias: Pescado Rabioso y la censura argentina

 

Me gusta este tajo, Pescado rabioso

     1971 es el año que ve nacer en Argentina a la banda de blues rock y hard rock Pescado Rabioso. La banda estaba integrada por el mítico Luis Alberto Spinetta (voz y guitarra), Black Amaya (batería) y Osvaldo "Bocón" Frascino (bajo).

En 1972 el trío compone la que se convertirá en una de las canciones memorables de la banda argentina, Me gusta este tajo. La canción fue compuesta por Spinetta, Amaya y Frascino, y lanzada por el sello discográfico Microfón como sencillo ocupando la cara A, y siendo acompañada en la cara B por Credulidad.

Me gusta este tajo es un blues con una pegadiza melodía, y contiene unos magníficos solos tanto de guitarra como de piano. En cuanto a la letra del tema, está repleta de fuertes y directas connotaciones sexuales. La palabra "Tajo" se utiliza en argot argentino para referirse a la vagina, y dicha expresión fue propuesta por Black Amaya, después Spinetta trabajó en la letra de la canción y Bocón y Amaya en la música del tema. La letra nos habla de las relaciones sexuales libres, sin ningún tipo de connotación amorosa. 

La canción tuvo que convivir con la dictadura militar argentina, lo que hizo que el tema tuviera serios problemas con la censura en el país, quedando fuera del repertorio del primer álbum de estuio de la banda, Desatormentándonos. El tema fue compuesto durante el segundo trimestre de 1972, y el disco fue pulbicado en septembre de 1972. Posteriormente, el tema en cuestión fue incluido durante la ultima dictadura militar argentina (1976-1983) en la lista de temas censurados por la COMFER (Comité Federal de Radiodifusión). No ayudó tampoco mucho el hecho de que además de las connotaciones sexuales del tema se usara la palabra "mierda", una palaba inusual que ayudaba a reforzar el lenguaje transgresor y agresivo del tema y que se vinculaba a la libertad sexual y la rebeldía social.

Finalizada la dictadura, y recuperada la democracia, el tema fue agregado como bonus track en la reedición del disco Desatormentándonos de 1985. 

Me gusta ese Tajo

Que ayer conocí

Me gusta ese Tajo

Que ayer conocí

Ella me calienta

La quiero invitar a dormir

Me gusta ese tajo

Que ayer conocí

Me gusta ese tajo

Que ayer conocí

Ella me calienta

La quiero invitar a dormir

Con sus lindas piernas

Ella me hace pensar

Debo destruir la mierda

De mi gran ciudad

Me gusta ese tajo

Que ayer conocí

Ella me calienta

La quiero invitar a dormir

0109: Fingertips - Stevie Wonder

 

Fingertips, Stevie Wonder

     Nos encontramos en el año 1962, año en el que un jovencísimo Stevie Wonder con 12 añitos graba un tema que le catapultará al año siguiente, con la grabación de una segunda parte, hacia uno de sus primeros éxitos, Fingertips.

Fingertips fue compuesto originalmente por el compositor, productor y cantante Clarence Paul y por el compositor, arreglista, productor  y músico Henry Crosby. El tema fue grabado originalmente como un instrumental de jazz para el primer álbum de estudio de Stevie Wonder, The Jazz Soul Of Little Stevie, quien en aquel momento debido a su edad era conocido como Little Stevie Wonder. El disco fue lanzado en septiembre de 1962 por el sello discográfico Tamla Records, y ya nos da muestras del enorme talento musical de aquel chiquillo que con tan sólo 12 años ya componía y tocaba la percusión, la armónica y los teclados.

Sería un año más tarde, en 1963, cuando Fingertips se convierte en un éxito tras la grabación de una versión en vivo compuesta por dos partes, la primera parte, la original que es instrumental, y la segunda parte donde Stevie Wonder alienta al público cantando unas pocas estrofas mediante el conocido método musical de preguntas y respuestas. 

La edición de ese poterior sencillo compuesto por Fingertips part I en la cara A, y Fingertips part II en la cara B, fue publiado en mayo de 1963 por Tamla Records, y recoge la versión que hizo Little Stevie durante un concierto en el Regal Theatre  de Chicago en junio de 1962. La segunda pate empieza cuando Stevie grita: "Everybody Say 'Yeah", inciando un intercembio con el público de llamadas y respuestas. Sería esta edición lanzada en 1963 de aquel concierto de 1962 la que asomaría al artista por primera vez a las famosas listas Billboard de éxitos de Estados Unidos. 

0108: Green Onions - Booker T. And The MG's

 

Green Onions, Booker T. & The MG's

     Nos encontramos a mediados de 1962, y Booker T & The MG's, la banda de respaldo de los estudios Stax, se encuentran respaldando a Billy Lee Riley, por entonces una de las estrellas de Sun Records. En aquel momento los músicos de respaldo eran el joven tecladista de 17 años Booker T Jones, el guitarrista de 20 años Steve Cropper, el bajista Lewis Steinberg y el baterista Al Jackson Jr.

Durante uno de esos ratos de inactividad y mientras se encontraban esperando a Billy Lee, comenzaron a improvisar sobre unos acordes de blues que Booker tocaba con un órgano Hammond M3. Jim Stewart, uno de los propietarios junto a su hermana de los estudios, que además era el productor e ingeniero de aquellas sesiones de Billy Lee, se encontraba en la cabina de control en aquel momento y comenzó a grabar aquella improvisación, pues le estaba gustando. El tema es una melodía instrumental, un blues de 12 compases simple pero inusual, de hecho Booker T. Jones comentaba al respecto que a pesar de ser un tema aparentemente sencillo, siempre que lo tocaba debía prestar mucha atención, pues tenía que recordar constantemente el orden de las teclas ya que no era tan simple como parecía.

Jim Stewart decide lanzar aquella pieza, Green Onions, como Cara B del single Behave Yourself, cuyo tema surge en aquella misma sesión al recordar el guitarrista Cropper un riff que Booker T. había ideado unas semanas antes. Así es como ve la luz Green Onions por primera vez, como cara B de otro sencillo en mayo de 1962, pero el tema resulta ser un auténtico pelotazo y obtiene un gran éxito, por lo que es reeditado como sencillo ocupando la cara A en septiembre de 1962.

Según Booker T., el tema iba a ser llamado en un principio Funky Onions, pero Estelle Axton, la hermana de Jim Stewart y copropietaria de los estudios, pensaba que el título sonaba como una palabrota, por lo que el título acabó modificándose y llamándose Green Onions. Según Steve Cropper, el título del tema no hacía referencia a la marihuana en absoluto, y fue sacado del gato llamado Green Onions, un gato de una conocida marca de productos para gatos llamada Green Gadget. Por otro lado, y según Booker T., Jim Stewart le preguntó como se llamaba el tema, y el respondió Green Onions, al preguntarle Jim por qué ese título, Booker respondió que era los más desagradable que se le había ocurrido en aquel momento, ya que aludía a algo que desechabas y tirabas. Al principio, al escuchar la grabación del tema por primera vez, Booker T., Cropper y compañía no quedaron tan impresionados como Jim Stewart, pero en esta ocasión Jim no se equivocaba y el tema se ha convertido a día de hoy en un clásico imprescindible.

Prince - The Black Album, (Mes Prince)

La música en historias: The Black Album, #MesPrince

Hace poco leí en el periódico que un disco de Prince se vendió a través de una subasta por la suma de 27.000 dólares, este disco de Prince es uno de los discos más particulares del artista, el mismo señalo que este disco era una critica a quienes criticaban al artista por ser su música con un estilo muy Pop. Este particular disco se llama The Black Album y como el mismo artista destaco en una entrevista en la revista Rolling Stones, antes de la publicación del disco Prince comento que llego a la revelación que la muerte te puede llegar en cualquier momento, y no quería ser recordado por un disco como el de The Black Album.

Así que tras esta revelación Prince decide destruir gran parte de las copias del disco, porque el mismo decía que no quería ser recordado por tal disco, pero no a llegado a destruir todos ellos, y esto nos ha permitido conocer esta obra tan particular.

Y de tan particular es como su nombre lo indica The Black Album, no tiene ningún titulo impreso, ni nombre del artista, créditos de producción o fotografías, sólo una simple funda negra que acompañaba el disco, el cual es el decimosexto álbum que Prince planeaba originalmente dar a conocer el 7 de diciembre de 1987. Pero el disco fue retirado una semana antes de su lanzamiento, y fue reemplazado por Lovesexy, un álbum orientado más hacia el pop, con ciertos elementos religiosos. Si bien Lovesexy es muy distinto a The Black Album, se los relaciona por compartir un mismo tema, la balada When 2 R In Love.

The Black Album, es un disco lleno de funk, pero sobre todo su historia le dio un aura legendaria a sus canciones, el disco comienza con Le Grind que es un tema en el que predomina el bajo y un sonido extraño que marca el ritmo durante todo el tema continuando con Cindy C, una canción que habla de una supermodelo a la que intenta sexo al parecer sin éxito.

Dead on it es una canción en la que insulta a los raperos, continúa con When 2 r in love que volverá a editar en el disco Lovesexy, para seguir con Bob George sobre un proxeneta que maltrata a mujeres hasta el punto de matarlas, seguimos con Superfunkycalifragisexy parafrasea la canción de Mary Poppins en un tema algo aburrido, pero por último remonta con el extraño e hipnótico instrumental 2 nigs united 4 west Compton y acabando muy arriba con Rock hard in a funky place, un temazo con alma funky, buenos vientos y un solo de guitarra que quita la respiración.

The Black Album es una pieza sé que creyó perdida, pero no del todo, al menos para quien tenga 27.000 dólares.

 
Daniel
Instagram Storyboy

0107: You can't judge a book by the cover - Bo Diddley

"No puedes juzgar un libro por su portada" cantaba el estadounidense Bo Diddley en uno de los temas de su álbum homónimo de 1962, y "no puedes tampoco juzgar un single solamente por su cara A", debió pensar cuando, al publicarla como sencillo, una reseña en la revista Billboard le dio más puntuación al tema de la cara B (I Can Tell, también incluida en el disco) que a You can't judge a book by the cover.

No tardó en imponerse la lógica y, finalmente, fue You can't judge a book by the cover la que acabó apareciendo en las listas de éxitos de la misma revista, llegando al puesto 21 en R&B y al 48 en el Billboard Hot 100. Este tema clásico, firmado por el gran Willie Dixon, se basa en una estructura de blues a la que en esta versión se le incorporó un ritmo más acelerado, como base de acompañamiento para la voz y la guitarra rítmica de Diddley.

Las letras de la canción juegan con diferentes situaciones en las que un juicio basado en las apariencias puede llevarnos a error. Así, nos aconseja no juzgar una manzana por el aspecto del árbol, a la miel por el de la abeja, o a una hija por como sea su progenitora, para acabar volviendo en el estribillo a la metáfora estrella de la canción: "No puedes juzgar un libro por su portada".

La música en historias: El tartamuedeo de Daltrey

 

My Generation, The Who

     En 1965 el grupo británico The Who, compuesto por Roger Daltrey (voz), Pete Townshend (guitarra, coros), John Entwistle (bajo, coros) y Keith Moon (batería), publicaría uno de sus grandes e icónicos temas, que además no estaría exento de polémica al ser censurado por un curioso motivo.

En 1965 el grupo británico publica la canción My Generation, concretamente en octubre de 1965 para el mercado británico y en noviembre de ese mismo año para el mercado estadounidense. El tema alcanzó el puesto número 2 en las listas de ventas del Reino Unido y el puesto número 74 en las listas de ventas de Estados Unidos. Posteriormente este tema sería incluido en el álbum debut de la banda británica, The Who Sings My Generation, publicado en diciembre de 1965. Si bien es cierto que el disco se editó en Reino Unido y Estados Unidos con portadas diferentes y con algunas canciones tambien diferentes, My Generation si se mantuvo en ambas ediciones.

My Generation fue compuesta por Pete Townshend en 1965 cuando tenía apenas 20 años, y básicamente estaba dirigida a la llamada generación mod británica, la juventud rebelde británica, y expresaba la sensación de que las personas mayores no entendían a esta juventud. Según Townshend, el tema trataba de la búsqueda en encontrar su lugar en la sociedad, pues por aquél entonces se encontraba muy perdido, la banda era muy joven y creía que la carrera de The Who sería increíblemente corta. 

El tema se convertiría en obeto de polémica al ser censurada. El motivo: Cuando Roger Daltrey grabó la canción, tartamudeó ligeramente al decir la frase "Fade away", porque al parecer le costaba entender la caligrafía de Townshend. Al parecer aquello llamó la atención del manager de la banda Kit Lambert, quien sugirió dejar aquello así y que tartamudeara más palabras, pues simulaba al típico niño británico con el efecto de la droga llamada speed. Curiosamente, el tema fue censurado por la poderosa cadena británica BBC no por hablar de las drogas. el motivo de la censura fue que la cadena consideró que aquellás líneas donde Daltrey tartamudeaba podían considerarse ofensivas para los tartamudos. 

People try to put us d-down (talkin' 'bout my generation)

Just because we get around (talkin' 'bout my generation)

Things they do look awful c-c-cold (talkin' 'bout my generation)

I hope I die before I get old (talkin' 'bout my generation)

This is my generation

This is my generation, baby

Why don't you all f-fade away (talkin' 'bout my generation)

Don't try to dig what we all s-s-s-say (talkin' 'bout my generation)

I'm not trying to 'cause a big s-s-sensation (talkin' 'bout my generation)

I'm just talkin' 'bout my g-g-g-generation (talkin' 'bout my generation)

My generation

This is my generation, baby

Why don't you all f-fade away (talkin' 'bout my generation)

And don't try to d-dig what we all s-s-say (talkin' 'bout my generation)

I'm not trying to 'cause a b-big s-s-sensation (talkin' 'bout my generation)

I'm just talkin' 'bout my g-g-generation (talkin' 'bout my generation)

This is my generation

This is my generation, baby

My my my generation

People try to put us d-down (talkin' 'bout my generation)

Just because we g-g-get around (talkin' 'bout my generation)

Things they do look awful c-c-cold (talkin' 'bout my generation)

Yeah, I hope I die before I get old (talkin' 'bout my generation)

This is my generation

This is my generation, baby

My my my generation

this is my generation

(Talkin' 'bout my generation) this is my generation

(Talkin' 'bout my generation) this is my generation

(Talkin' 'bout my generation) this is my generation

(Talkin' 'bout my generation) this is my generation

(Talkin' 'bout my generation) this is my generation

(Talkin' 'bout my generation) this is my generation

0106: Tous Les Garçons Et Les Filles - Françoise Hardy

 

Françoise Hardy venia de una familia desestructurada y siendo una adolescente se refugió en el arte, con tan solo 17 años publicó ese tema donde se preguntaba cuándo le llegaría el amor que conocían todos los chicos y chicas de su edad, cuándo brillaría el sol para ella. Y millones de chicos de su edad se morían por darle la respuesta, y es que estamos ante una de las grandes divas internacionales de la música francesa de los años sesenta hasta el punto de que Bob Dylan la inmortalizo en un poema editado en la contraportada de su álbum “Another side of Bob Dylan” y al año siguiente hizo que apareciera la caratula de uno de sus singles, J'suis d'accord, en la portada de su álbum Bringing It All Back Home, pero no solo fue Dylan, también Mick Jagger trató de echar sus redes sobre la cantante deslumbrado por su talento y belleza, y cuando The Beatles visitaban el país galo buscaban cualquier excusa para intentar cenar con ella.

"Tous les garçons et les filles" salió publicada en su primer álbum, la discográfica Vogue no creía demasiado en ella y le dieron una oportunidad si accedía a grabar una canción que Petula Clark había rechazado, ella accedió a condición de poder incluir 3 canciones que había compuesto, donde incluía este tema, que al final fue el que realmente destacó en las radios de toda Europa. El público no daba crédito al ver como en plena ola yé yé y mientras reinaba el twist, la gente hacia peticiones de esta suave balada. Gran parte el motivo podría ser que en unos años en los que se ensancha la brecha entre la juventud y la gente de mediana edad, ambos encuentran en la canción un nexo de unión, ya que mientras los jóvenes se reconocen en la temática del tema (canta sobre lo que supone ser un alma atormentada), sus padres apreciaban su calidad musical. Así la discográfica lo pone todo y consigue que Françoise Hardy aparezca en televisión por primera vez el 18 de noviembre de 1962, el día de la primera vuelta de las elecciones legislativas, pocas horas antes del anuncio de los resultados, mientras toda Francia esperaban los resultados, ella se coló con su delicadeza y voz en los hogares de todos los Franceses que inmediatamente la proclamaron como la primera gran estrella “pop” de la música en Francés, convirtiéndose en la gran representante de un romanticismo revalorizado. 

La canción fue escrita por la misma François y retocada musicalmente con la ayuda Roger Samyn, destaca por encima de todo la letra donde nos habla de una muchacha que nunca conoció el amor, aunque espera encontrarlo algún día, también de desolación y esperanza, y lo hace de un modo juvenil como hasta entonces nadie había sabido expresar: el de una chica adolescente que va por la calle viendo felices parejas de enamorados, mientras continúa sola por la vida sin la oportunidad de poder experimentarlo… En un instante, todos los niños y niñas de su edad, sus hermanos, sus hermanas, sus padres sueñan con abrazarla. Tous les garçons et les filles escaló a la cima de las listas y Paris-Match dedica una de sus portadas a Françoise Hardy, reconociéndola como el nuevo emblema de su generación, un papel del que ella rehúsa. Un año después, el disco había vendido más de 2 millones de copias, un fotógrafo llamaba a su puerta, Jean-Marie Périer, la convenció de que hay alguien que la ama y podía ser como esos niños y niñas a los que ella cantaba.

El disco de la semana 221: Betty Davis - Nasty Gal

 

Nasty Gal, Betty Davis

     Para la recomendación de esta semana traemos bajo el brazo a una mujer que está considerada como una de las reinas del funk a pesar de tener una corta carrera musical y no haber vendido discos a espuertas como otros artistas del género. Uno de los motivos de su corta carrera fue el veto con el que contó esa cantante y compositora, por parte de organizaciones religiosas, radios y televisiones estadounidenses, que vetaron tanto sus salvajes presentaciones en vivo como la mayoría de sus canciones, muchas de las cuales tenían un alto contenido sexual. Esto hizo que decidiera retirarse y llevar una apacible y tranquila vida apartada de la industria musical. Con todos vosotros Betty Davis. Pero ¿Quién es Betty Davis?

Betty Davis, con apellido Marby de soltera, nace el 26 de julio de 1945 (aunque ella afirma que nació en 1944) en Durham, Carolina del Norte (Estados Unidos). Es en la granja de su abuela, en Reidsville, Carolina del Norte, donde empieza a escuchar a grandes músicos de blues como BB King, Jimmy Reed y Elmore James entre otros, lo que hace que se interese muy pronto por la música. A los 12 años de edad ya compone su primera canción, I'm Going to Bake That Cake of Love. Es a esa edad cuando se muda con su familia  Pittsburgh. Betty se marcha con 16 años de Pittsburgh y pone rumbo a Nueva York para vivir con su tía. Es en la ciudad neoyorkina donde se inscribe en el Fashion Institute of Technology, que es la parte de la Universidad Estatal de Nueva York que está enfocada en el arte, los negocios, el diseño y todo lo relacionado con la moda.

Mientras cursa sus estudios, durante la década de los 60 se empapa de la cultura y la música folclórica de Greenwich Village. Betty trabaja como modelo, llegando a aparecer en revistas como Seventeen, Ebony y Glamour, y también frecuenta uno de los clubs de moda de la ciudad, The Cellar, un club frecuentado por una multitud artística y multirracial de modelos, estudiantes de diseño, actores y cantantes. En el Cellar solía pinchar discos y charlar con la gente. En su etapa en Nueva York conoce a varios músicos, haciendo gran amistad con Sly Stone y Jimi Hendrix. La influencia de la música de estos dos plantarán la semilla del estilo y la carrera musical de Betty. También hace amistad con el cantante y compositor de soul Lou Courtney, que será quien produzca su primer sencillo en 1963, The Cellar, inspirado en el local donde trabaja. 

Miles & Betty Davis

Mientras trabaja como modelo conoce al músico de jazz Miles Davis, quien es 19 años mayor que ella. Miles Davis se estaba separando en ese momento de su primera esposa, la bailarina Frances Davis, y estaba saliendo con la actriz Cicely Tyson. Bety y Miles comienzan a salir a comienzos de 1968 y en septiembre de ese mismo año contraen matrimonio. En sólo un año, lo que dura su matrimonio, Betty influirá Miles tanto en cuestiones de moda como en tendencias de la música popular de la época, algo que el mismo músico reconocerá posteriormente en su autobiografía. Según Miles, Betty le ayudó a plantar las semillas de sus futuras exploraciones musicales al presentarle al innovador del funk Sly Stone y a un psicodélico guitarrista llamado Jimi Hendrix. El matrimonio dura un año, Miles definía a Betty como "demasiado joven y salvaje", y la acusó de tener una eventua con Jimi Hendrix. Betty siempre lo negó y lo consideró una gran falta de respeto hacia ella y hacia su amigo Hendrix. La influencia de Betty en Miles fue un hecho, pues Miles se mantuvo en contacto con Hendrix, y los dos planeaban grabar algo juntos, pero la muerte de Hendrix lo impidió. Y la influencia de Sly Stone en Miles se puede ver reflejada en el álbum de Miles, Bitches Brew (1970), que marcaría el comienzo de la era del jazz fusión. 

El primer gran logro de Betty lo consigue al escribir para los Chambers Brothers la canción Uptown (to Harlem) en 1967, y en 1968 comienza a colaborar con el trompetista, cantante y compositor sudafricano Hugh Masekela, con quien graba varias canciones para Columbia Records. Posteriormente Betty graba varias demos con Miles Davis y Teo Macero como productores, y son utilizadas por Miles Davis para intentar conseguir un contrato discográfico con Columbia Records y con Atlantic Records para Betty, pero ninguna de las dos discográficas muestra interés. 

Finalizado su matrimonio con Miles Davis, Betty se muda a Londres, alrededor de 1971, para trabajar como modelo, y también se dedica a escribir música. Un año después aproximadamente, regresa a Estados Unidos para grabar con Santana, pero al final graba sus propias canciones con un grupo e músicos de sesión de la Costa Oeste. Así, Betty graba su primer disco, donde todas las canciones son escritas y arregladas por ella, llamado Betty Davis en 1973, bajo el sello discográfico Just Sunshine. Con la misma fórmula y bajo el mismo sello discográfico graba y publica su segundo álbum de estudio en 1974, They Say I'm Different. En 1975 publica su tercer disco de estudio, Nasty Gal con la discográfica Island Records. Ninguno de sus tres disco tuvo apenas éxito comercial, exceptuando un par de temas en la lista estadounidense Billboard R&B. 

Betty se había convertido en un figura de culto como cantante, pero debido a sus letras, descaradas, atrevidas, de alto contenido sexual, y sus actuaciones salvajes, se convirtió en un personaje controvertido. En Europa gozó de éxito, pero en su casa, Estados Unidos le fue prohibido actuar en televisión debido a lo que ellos  llamaban "Una personalidad sexulmente agresiva en el escenario". Tampoco ayudó el hecho de que las organizaciones religiosas presionaran a la vez la organización de Derechos Civiles NCAAP (Asociación Nacional para el Avance de de las Personas de Color), que hizo que su canciones tampoco fueran pinchadas en la radio. De hecho, en 1976 grabó un cuarto disco, Is It Love or Desire?, el cual no sería publicado y se mantendría bajo llave y archivado hasta el año 2009, año en el que vería la luz, todo un misterio. En 1979, Betty, después de realizar algunas sesiones de grabación, decide dejar de hacer música y regresa a su Pittsburgh natal, donde vive tranquilamente desde entonces. En 2019 lanzó su primera canción escrita en más de 40 años, A Little Bit Hot Tonight, interpretada por su amiga la etnomusicóloga y productora Danielle Maggio.

Una vez presentada Betty Davis, en 7dias7notas elegimos para la recomendación semanal su tercer disco de estudio, Nasty Gal (1975). El material que compone este álbum fue grabado en mayo de 1975, y publicado ese mismo año por la discográfica Island Records. Después del clandestino éxito de sus dos anteriores discos, que no se ve reflejado en las lista de ventas, Betty inicia una gira con una banda de respaldo llamada Funk House, donde se encontraban Nicky Neal (batería, coros), Larry Johnson (bajo), Fred Mills (teclados) y Carlos Morales (guitarra, coros). ABC Records compra el sello Just Sunshine, quien tiene los derechos de Betty Davis, y es Island Records quien se interesa por el trabajo de Betty y le hace una oferta para grabar Nasty Gal, el álbum predestinado a ser el despegue de la artista. Si bien en los dos álbumes anteriores, Betty había grabado con músicos de sesión, decide grabar este nuevo disco con Funk House, con ellos se siente a gusto y tiene muy buena conexión. Las críticas de este disco fueron bastante desfavorables, los críticos pensaban que la imagen que Betty proyectaba perjudicaba su talento real, pero Betty era así, su funk era salvaje y lo expresaba no sólo con su voz, también lo expresaba con su cuerpo.

Nasty Gal combina temazos de funk clásico con temazos funk rock, y unas letras de alta tensión sexual. Es un disco donde encontraremos temas como Nasty Gal, un tema donde tanto la música como la letra son brillantemente sucias: "You said i love you every way but your way / And my way was dirty for ya now..." (Dijiste que te amo en todos los sentidos menos a tu manera / Y mi manera era demasiado sucia para tí ahora...); You and I La única balada del disco, coescrita por Betty Davis y Miles Davis, una auténtica delicia; Temas puro funky como Talkin' Trash, donde los teclados nos recuerdan mucho al mismísimo Stevie Wonder; potentes temas de funk rock, como F.U.N.K., con unos riffs asesinos brillantemente ejecutados por Carlos Morales, mientras Betty nos define lo que para ella es el funk, toda una oda al género. Al Green, Tina Turner, Stevie Wonder, Jimi Hendrix, Sly Stone, Funkadelic..., todos ellos lo tienen, ellos son el funk; Volveremos a disfrutar de esos salvajes riffs de guitarra combinados con la arrolladora voz y personalidad de Betty en temas como Shut Out The Light y This Is It. 

Betty dejaba claro con Nasty Gal quien era en aquel momento la indiscutible reina del funk. Valga, para despedir esta salvaje recomendación, una frase del mismísimo Carlos Santana, que definía a Betty Davis como "indomable, no podía ser domesticada. Musicalmente, filosóficamente y físicamente era extrema y atractiva."