0049: Rama Lama Ding Dong - The Edsels

 

Conocidos hoy en día principalmente por su sencillo "Rama Lama Ding Dong", los Edsels se formaron en Ohio a mediados de la década de 1950. El grupo estaba compuesto por George Jones, Jr. James Reynolds, Marshall Sewell, Harry y Larry Greene. En un principio se llamaron The Essos, por la compañía petrolifera Esso que tenía muchos intereses comerciales en su localidad de Ohio, pero cuando los de coches Ford sacaron el nuevo modelo Edsel decidieron tomar ese nombre. Las primeras grabaciones de los Edsels fueron "Bone Shaker Joe", "What Brought Us Together", "Do You Love Me" y "Rama Lama Ding Dong", la última de las cuales se lanzó en 1958. The Edsels se convertirían en el primer grupo de doo-wop en firmar con un sello importante (Capitol), mientras que el resto de grupos encontraron éxito en sellos pequeños, pero fue "Rama Lama Ding Dong" lo que realmente puso a los Edsels en el mapa. Y esa canción resistió la prueba del tiempo y eclipsó la fama momentánea de la banda.

 

"Rama Lama Ding Dong", fue escrito por Jones Jr. y lanzada originalmente en 1957 con el título incorrecto de "Lama Rama Ding Dong". En cualquier caso, fue un éxito a nivel local pero no llegó a ningún otro lado, si exceptuamos que les permitió salir en el programa televisivo American Bandstand y que la discográfica Roulette les ficharon solo para editar una canción similar, "Rink-A-Din-Ki-Do", que fue un fracaso diluyéndo la fama del grupo. En 1961, un disc jockey local de Nueva York empezó a poner en la emisora "Rama Lama Ding Dong" ya que por aquel entonces estaba de moda una canción de The Marcels (Blue Moon) que tenía un sonido idéntico. Gracias a ese disc jockey, todo el mundo empezó a solicitar ese tema lo que llevó al relanzamiento de la canción como single. Y esta vez, "Rama Lama Ding Dong" fue lanzado en su título correcto. Desafortunadamente, los Edsels no habían seguido adelante (se disolvieron en 1961) y no pudieron aprovechar el que fue su único éxito catalogándolos como una de las primeras bandas con el sobrenombre de “One Hit Wonder” (cantante de un solo éxito). Sin embargo, hay han dejado su legado, la canción se volvió bastante influyente y ha sido objeto de varias versiones de artistas. Se ha llegado a escuchar en el Show de los Muppets, donde “Rama Lama Ding Dong” fue cantada por un gran elenco que incluía a Mark Hamill, C-3PO, R2-D2 y Chewbacca de Star Wars asi como en distintas películas y programas de televisión convirtiéndose en el paradigma del doo-wop. Fue versionada por multitud de grupos vocales entre los que cabe destacar a Rocky Sharpe & the Replays, que la auparon al número uno de las listas de media Europa en 1979, cuando estaba en todo lo alto el punk.

La música en el cine: Who Wants To Live Forever (Queen) - Los Inmortales

 

Who Wants To Live Forever, Queen

     En 1986 se estrenaba la película Los Inmortales, una producción estadounidense y británica dirigida por el director de cine australiano Russell Mulcahy, y protagonizada por Christopher Lambert, Sean Connery y Clancy Brown entre otros. 

La película cuenta la historia de los inmortales, seres humanos que ha existido a lo largo de los tiempos y que sólo pueden morir si son decapitados. La trama se desarrolla en este contexto, y el protagonista, Connor McLeod (Lambert), mientras intenta llevar una vida común, debe hacer frente a su destino, combatir con los demás inmortales que hay en la tierra, pues el destino de los inmortales es combatir entre ellos hasta que únicamente quede uno, el cual será recompensado con un poder y sabiduría que permitirá guiar al mundo a una nueva era, ya sea de paz u oscuridad, dependiendo de la naturaleza del vencedor. 

En la banda sonora de la película se encuentra el tema Who Wants To Live Forever, el cual aparece publicado en el décimosegundo álbum de estudio de la banda británica Queen, A Kind of Magic. El tema se gesta cuando Queen recibe el encargo de escribir un tema para la película Los Inmortales. El encargado de escribirla fue Brian May, que la escribió después de ver el primer corte de la película. De regreso a casa en taxi después de ver la película escribió la primera línea, Who wants to live forever (¿Quién quiere vivir para siempre?), y la inspiración le vino al ver la escena en la que el protagonista Connor McLeod tiene a su esposa entre los brazos mientras a ésta se le apaga la vida. De hecho la canción fue colocada precisamente en ese instante de la película.

Para la grabación del tema, Mercury, Deacon, May y Taylor fueron respaldados por las orquestaciones del co-compositor de la banda sonora de la película Michael Kamen. Hay una curiosidad más, en la versión de la película Freddie Mercury interpreta todo el tema, mientras que en la versión del disco Brian May canta el primer verso y Mercury se encarga de cantar el resto. La canción obtuvo el puesto número 24 en las listas de ventas del Reino Unido. 

There's no time for us

There's no place for us

What is this thing that builds our dreams

Yet tips 'em 'way from us

Who wants to live forever?

Who wants to live forever?

There's no chance for us

It's all decided for us

This world has only one sweet moment

Set aside for us

Who wants to live forever?

Who wants to live forever?

Who?

Who dares to love forever? (Oh, whoa!)

When love must die

But touch my tears with your lips

Touch my world with your fingertips

And we can have forever

And we can love forever

Forever is our today

Who wants to live forever?

Who wants to live forever?

Forever is our today

Who waits forever anyway?

0048: La bamba - Ritchie Valens

La corta vida de Richard Steven Valenzuela Reyes, nombre de pila de Ritchie Valens, dejó un gran legado para el rock and roll, ya que fue el punto de partida para que se diera origen a lo que llamamos hoy en día Rock en Español. Hijo de unos inmigrantes mexicanos cuya pasión por la música popular de su país de origen, su padre pronto sembró la semilla en Ritchie del cariño a la tradición, y la música, animándole a que aprendiera a tocar algún instrumento. En la casa paterna aprendió los ritmos populares de sus ancestros, que combinó con el rock and roll y las melodías de Little Richard, el roquero que más influyó en su estilo musical. Su fulgurante fama solo le duró nueve meses, pero fue tan intensa que todavía hoy, 56 años después, su recuerdo sigue vivo entre quienes lo consideran el padre del rock latino. 

La canción la bamba es una canción folclórica Mexicana del genero musical “son Jarocho”, el cual es muy popular en el sur de México y es reconocida como un himno popular de la ciudad de Veracruz. La versión realizada por Ritchie Valens, fue una idea que se le ocurrió a este artista al viajar a Tijuana con su hermanastro Bob, entraron a un prostíbulo donde se estaba interpretando esta canción, la cual él quiso seguir con su guitarra para aprenderse sus acordes. A su regreso le comenta la idea a su manager y productor Bob Keane, que pensaba que aquella canción, cantada en español, no sería bien aceptada por el público norteamericano y hundiría la carrera de su joven estrella. Sin embargo, para sorpresa de todos obtuvo en éxito fulgurante y alcanzó en poco tiempo los primeros puestos de las listas. "La Bamba" aparece citada con frecuencia entre las mejores canciones de la historia del rock & roll, y ha sido versionada por multitud de artistas. Incluso en 1987 se hizo una película con el mismo nombre que cuenta la vida Ritchie Valens.

 La inclusión de ritmos latinos, que hoy se hace con bastante frecuencia en distintos subgéneros del rock, hizo de Ritchie Valens el gran pionero del rock en español, un adolescente de 17 años que con solo 8 meses de carrera obtuvo la fama que en mucho tiempo muchos artistas no ha podido obtener y que pudo haber sido mayor, pero el 3 de febrero de 1959, en medio de la gira Winter Dance Party el bus en el que los músicos viajaban se rompió y decidieron trasladarse en avión, pero solo había tres plazas. Para definir quién viajaría, (Buddy Holly y "The Big Bopper" ya tenían su lugar reservado), Ritchie tiró la moneda con su colega Tommy Allsup y ganó… o perdió. Al poco tiempo de despegar, en medio de una tormenta de nieve, la avioneta se estrelló en Iowa. Todos los pasajeros murieron: Valens, los músicos Buddy Holly  y "The Big Bopper" y el piloto Roger Peterson. Ninguno de los cuatro llegaba a los treinta años. Años más tarde, aquella triste fecha seria recordada como "el día que murió la música".

Gary Moore - Still got the blues (Mes Gary Moore)

 

El álbum Still Got The Blues de 1990 fue un cambio de juego abrupto y arriesgado que reavivó la tradición de la guitarra de blues británica, y es Gary Moore quien fue el encargado asumir ese riesgo. Fue en 1989, cuando empezaría a tomar forma un álbum de blues, si llegaba a publicarse ya que todo estaba muy en el aire. Bob Daisley (bajista de entre otros Ozzy Osburne) tenía entre ceja y ceja hacer un álbum de blues. " Esa idea fue planteada a la compañía discográfica por el manager de Moore, Steve Barnett. Según John Wooler, integrante del equipo de Virgin Records A&R, uno de los primeros pensamientos fue hacer un álbum conceptual de Fleetwood Mac con el productor de Blue Horizon , Mike Vernon, y tratar de que tocara parte de la banda original. Pero Moore pronto abandonó ese plan y se dedicó a formar un equipo de músicos con su propio nombre. Dentro de Virgin, la conversación se centró inicialmente en que se trataba de un proyecto paralelo, en otras palabras, no un álbum que contara como parte de los compromisos contraídos de Gary Moore para ello se acercó primero al bajista Andy Pyle, con quien había tocado en 1980, que tenía sólidas actuaciones de blues con varias bandas, incluidas Savoy Brown y Blodwyn Pig. Moore y Pyle se conocieron y comenzaron a trabajar en algunas ideas. La actividad luego se trasladó a un pequeño estudio en un granero reformado en Woodcray, Berkshire, no lejos de la casa de Gary en Henley. Andy trajo al ex baterista de Blodwyn Pig, Clive Bunker, y cuando eso no funcionó, recurrió a Graham Walker, que no era específicamente un baterista de blues, y el pianista Mick Weaver. Se pusieron a tocar algunos temas y de ahí nació el embrión del álbum. Steve Barnett llevó las demostraciones a Virgin. "La gente reaccionó muy bien dentro de Virgin a algunas de las canciones más comerciales", dice Wooler. “la gente no era muy experta en blues y pensaron que tal vez las canciones tenían un potencial mayor que un simple disco de blues. La interpretación era genial, por lo que aún atraería a los fans de la guitarra y podría atraer a un público más amplio ya que eran muy melódicas ". Con esta presentación Virgin decidió darle a Gary Moore la oportunidad de ser la cabeza del álbum. Tras muchos meses de trabajo el disco estaba listo, Moore estaba extremadamente nervioso por la reacción de los fans y los críticos. Temía defraudar a sus fans del rock y no impresionar a la comunidad del blues, que se burlaría de sus credenciales. Pero Bob Daisley ya le aviso que: "Esto va a ser lo más grande que hayas hecho". Qué razón tenía. 

Abre el álbum Move On, un hard rock que el irlandés traía como marca registrada, acompañado de ciertos ramalazos de blues, empezamos de forma genial, desde el principio descubres que vas a navegar por lugares inmensos. Oh Pretty Woman cuenta con la guitarra y la voz de Albert King, quien popularizó esta composición de A. C. Williams, compositor estadounidense que trabajó en la emisora de radio WDIA de Memphis, Tennessee, desde principios de la década de los 50 hasta 1980. El riff inicial te coge por sorpresa dando paso a toda la banda para acompañar el estilo elegante de Moore. Las trompetas y el saxofón entran en escena para crear una sólida base que aportan riqueza a la aparentemente sencilla labor de bajo y batería sobre la que Moore extiende sus magistrales solos, hay un sobresaliente contrapunto entre King y Moore. al parecer cuando Moore le enseñó el tema a King, éste le hizo parar en el acto, horrorizado por el volumen y cantidad de notas tocadas por Moore. Debieron llegar a un acuerdo, pues el tema es una auténtica delicia, sobre todo por el contraste entre los punteos clásicos y puristas de King y la demostración hard rockera de Moore, un tema que pasaría a formar parte de su habitual repertorio: nacía un clásico de clásicos. El enorme Jimmy Rogers, conocido por su participación en los trabajos de Muddy Waters durante las décadas de 1950 y 1960 y que fue uno de los mentores y precursores del blues de Chicago, jamás se hubiese imaginado que su Walking By Myself seria llevado a un extremo tan soberbio entre el blues y el rock, tres minutos brutales con cambios de melodía y tono constantes, pero compacto, que consigue llevarte al éxtasis. 

Y llegamos a la obra maestra incontestable del álbum Still got the blues, que podría compararse al “Still Loving You” de Scorpions, para nada en estilo y temática, pero sí en el sentido de canción universal que todo el mundo conoce y relaciona con el artista, es el tema que no dejó de sonar en las radios y que consiguió que este fuera el disco más vendido de la discografía del irlandés. Una balada bluesera made in Gary Moore donde hace llorar su Les Paul al estilo de Parisienne Walkways o Empty Rooms, los increíbles sostenidos de Gary Moore te harán llorar. Bella y a la vez desgarradora, Still got the blues consigue erizarme la piel y aflorar lágrimas en los ojos con cada una de las notas que extrae de su guitarra. ¿Canción perfecta? Para el resto no sé, para mí está incluida en mi lista. Fuera de lo estrictamente musical contaros el “lunar” por todos conocidos, en 2008, la banda alemana de rock progresivo Jud's Gallery grabó una sesión en una radio, uno de sus temas, "Nordrach" llama particularmente la atención, un tema de 12 minutos en el que, en las secciones intermedias, el guitarrista ejecuta una línea similar a la del emblemático tema del norirlandés. Moore negó haber siquiera conocido la canción. De hecho, el juez aleman encargado del caso afirmó que la canción solo podía escucharse en vivo o en la radio en aquella época, pues no había lanzamiento en CD de "Nordrach", es más: la banda alemana jamás lanzó un álbum. Finalmente, el 3 de diciembre de ese año el juzgado determinó que, pese a no existir pruebas de que el solo fue tomado deliberadamente, sí existía infracción a los derechos de autor. Por ello, ordenó que el guitarrista y su sello discográfico debían indemnizar a Juergen Winter, líder de Jud's Gallery, quien presentó el caso.

 

 

El lento inicio de Texas Strut sirve para coger impulso tras el “one, two, three, four de Moore y recorrer de nuevo la carretera, aroma total a ZZ Top que aquí rebosa toda su esencia, con sonido Stratocaster, un homenaje a los sonidos de blues blanco contemporáneo. Los guiños a “The Grange” de los barbudos tejanos está más que presente, sólo hay que escuchar el “ho ho ho” al minuto veinte de canción o el riff que suena a los tres minutos y quince segundos. Blues, country y rock se fusionan perfectamente. Orgía musical concentrada en casi cinco minutos. Trompeta, saxo y piano vuelven a aparecer en Too Tired y la espectacular batalla guitarrera junto a Albert Collins, que con su sonido Telecaster y pinzando las cuerdas con los dedos vuelve a crear un bonito contraste con el estilo de Moore. Con King of the Blues, te viene a la cabeza la icónica imagen de los locales de jazz y blues, con el humo en el ambiente y bourbon servido en las mesas. El teclado flota mezclado con los instrumentos de viento, los dedos de Moore se mueven ágiles sobre las seis cuerdas extrayendo gritos de placer apoyado por la imponente base de bajo y batería.  As the years go passing by es un tema de casi 8 minutos ejecutado de forma lenta y melancólica, ideal para los nostálgicos días de lluvia gracias a la atmósfera que consigue crear Gary, consiguiendo hacer suyo esta composición de Deadric Malone, apodo de Don Deadric Robbey, y que ya habían grabado antes Fenton Robinson (1959) y Albert King (1967). Más que destacable el fantástico piano del veterano Nicky Hopkins que se funde con una gran exquisitez con los lamentos de la guitarra de Moore. Midnight Blues es otra pausada y bonita canción de tempo moderado, que como muy bien indica su título es muy apropiada para escuchar a medianoche, debido a su sonido elegante y relajado. Moore nos regala unos solos intimistas y muy personales, cargados de un sentimiento impregnado de nostalgia, con otro paseo de Moore por su Gibson Les Paul.

 

Pero no está todo dicho ya que en la edición especial encontramos otros tres temas muy potentes, empezamos por That kind of Woman, esta vez es el ex-beatle George Harrison, el que regala a Moore una canción diferente en el conjunto del disco, además de que Harrison se encarga de un personalísimo slide y de los coros. All Your Love original de Ottis Rush, es otro de los homenajes que Moore hace a los músicos que le han influenciado, aportando una ligera versión alejada de la tosca producción de la original. Dinámica y guitarrera canción. Cierra los extras con Stop Messin’ Around, original de Fleetwood Mac, escrita por su mentor Peter Green un blues rock que ya tocaba Gary en sus directos desde mediados de los 80.

0047: C'mon Everybody - Eddie Cochran

 

C'mon Everybody, Eddie Cochran

     C'mon Everybody es uno de los temas más exitosos de Eddie Cochran. El tema es compuesto por el compositor y director musical estadounidense Jerry Capehart y por el mismo Eddie Cochran. Este imponente rock and roll es grabado el 10 de octubre de1958 en el estudio por Eddie Cochran, quien se encarga de las tareas vocales y la guitarra, y es apoyado por Connie "Guybo" Smith al bajo, Earl Palmer a la batería, Ray Johnson al piano, y el mismísimo jerry Capehart a la pandereta.

C'mon Everybody es publicado como single ocupando la cara A, siendo acompañdo en la cara B por el tema Don't Ever Let Me Go, y publicado el mismo mes de octubre por el sello discográfico Liberty Records para el mercado estadounidense, y por el sello London Records para el mercado británico. Cochran además graba una versión alternativa de la canción a la que titula Let's Get Together, y que será publicada en un recopilatorio en la década de los 60. El único cambio en la nueva versión fue en la frase "C'mon everybody", que sustituye por "Let's get together". El tema alcanza un un gran éxito en las listas de ventas británicas, alcanzando en 1959 el puesto número 6 en dichas listas. Éste tema sería el último gran éxito antes de su muerte en un accidente automovilístico en 1960, precisamente en el Reino Unido, Cochran tenía únicamente 21 años. 

Treinta años después, en 1988, el tema es reeditado consiguiendo situarse en el puesto número 14 en las listas británicas y en el 35 en la lista Billboard Hot 100 en Estados Unidos. Parte de la culpa del resurgir del tema la tuvo la compañía Levi Strauss & Co., que utilizó éste tema para promocionar su gama de jeans 501. El anuncio fue dirigido por Syd Macartney, y contaba la historia ficticia de como la narradora, Sharon Sheeley (Sharon tenía una relación con Cochran y viajaba junto a éste y Gene Vincent en el vehículo accidentado que costó la vida al artista) había atraído a Cochran usando dichos pantalones. 

PULSA PARA ESCUCHAR EN SPOTIFY

Un país, un artista: Estados Unidos - Robert Johnson

 

Robert Johnson

     El país elegido por nuestros amigos y seguidores en esta ocasión ha sido Estados Unidos. Se me ocurren, a bote pronto, cientos de artistas y bandas que merecen ser elegidos en esta sección, y me encuentro ante la encrucijada de tener que elegir únicamente uno. Después de darle no pocas vueltas, elegí para esta sección al legendario bluesman Robert Johnson, al cual elegí por varias razones, concretamente 29, que fueron las grabaciones que el artista hizo en vida.

1. kind Hearted Woman Blues (23/11/1936). Robert nace en 1911 en Hazlehurst, Mississippi, hijo de Julie Ann Majors, hija de de esclavos, y de Noah johnson, un jornalero que estaba de paso por el poblado. Al parecer Julie tuvo a Robert cuando estaba temporalmente separada de su esposo, Charles Dodds Jr., un próspero fabricante de muebles. Julie abandona Hazlehurst al poco de tener a Robert, y acaba dirigiéndose a Memphis para que Robert se crie con su esposo Charles, el cual se había cambiado el apellido a Spencer, apellido con el que Robert crece sin saber que este no es su apellido real y que charles no es su padre biológico. 
2. I Believe I'll Dust My Brown (23/11/1936). Robert pasa su infancia en Memphis,  donde asiste a la escuela, recibiendo formación en aritmética, lectura, lenguaje, música, geografía y ejercicio físico. Es allí en Memphis, durante su infancia, donde descubre su interés por la música, concretamente por el blues y la música popular. Comienza entonces a tocar el arpa y posteriormente la armónica. 
3. Sweet Home Chicago (23/11/1936). Entre 1919 y 1920 vuelve con su madre, y tras vivir una temporada en una plantación, acaban finalmente instalados en Commerce, localidad situada en el Delta del río Mississippi. Todo esto hace que la música pese más que los estudios, los cuales acaba dejando en 1927 alegando tener problemas de visión. En 1929 ya ha adoptado el apellido de su padre biológico, Johnson, pues su madre, Julie, ya le ha contado la verdad.
4. Ramblin' on My Mind (23/11/1936). En 1929 contrae matrimonio con Virginia Travis. virginia queda embarazada, y en abril de 1930 fallece durante el parto junto al bebé que ambos están esperando. Robert se casará una segunda vez, concretamente con Esther Lockwood, quien era la madre de Robert Lockwood Jr., quien se convertirá posteriormente en guitarrista de blues. 
5. When You Got a Good Friend (23/11/1936). Tras la muerte de su primera esposa, Virginia Travis, se extiende el rumor de que aquello es un castigo divino por la decisión de Robert de cantar canciones seculares y profanas
6. Come on My Kitchen (23/11/1936). El propio Robert Johnson al parecer aceptaba el dicho de que había vendido su alma al diablo como una descripción de su determinación de la abandonar la vida estable de marido y granjero para convertirse en músico de blues a tiempo completo.
7. Terraplane Blues (23/11/1936). El guitarrista y cantante de blues del Delta Son House recordaba por aquel entonces a Robert Johnson como un músico muy competente y como un guitarrista vergonzosamente malo.
8. Phonograph Blues (23/11/1936). Es durante la época que permanece en el área de Martinsville, cerca de su lugar de nacimiento, donde se cree que se muda para buscar a su padre biológico, donde perfecciona su estilo y técnica con la guitarra, aprendiendo de artistas como el guitarrista de blues Isaiah "Ike" Zimmerman, considerado el principal profesor de guitarra de Robert.
9. 32-20 Blues (23/11/1936). El hecho de que se rumoreara que Ike Zimmerman había aprendido a tocar la guitarra visitando cementerios a medianoche, sumado a las confusas respuestas de Son House sobre si Robert Johnson había aprendido su técnica de guitarra producto de un pacto con el diablo, alimentaron la leyenda.   
10. They're Red Hot (23/11/1936). Entre 1932 y hasta 1938, la fecha de su muerte, Robert ejerce como músico ambulante, viajando habitualmente entre las ciudades de Memphis y Helena.                                                                                       
    
    
    
11. Dead Shrimp blues (23/11/1936). Si bien su radio de acción estaba entre Memphis y Helena, en ocasiones viajó a otros lugares más lejanos, como Chicago, Texas, Nueva York, Canadá, Kentucky o Indiana.
12. Cross Road Blues (23/11/1936). Los músicos que conocían a Robert Johnson, decían de él que era un buen tipo, una persona normal con deblidad por el whisky y las mujeres, y dotado con un talento excepcional para la música, y con un gran compromiso con la carretera.
13. Walking Blues (23/11/1936).Cuando Robert llegaba a una ciudad nueva , solía tocar en las esquinas, frente a la barbería local ó frente a los restaurantes. En vez de tocar sus complejas composiciones, solía complacer al público con los temas más populares de la época, temas que no eran necesariamente de blues.
14. Last Fair Deal gone Down (23/11/1936). Además de su asombroso talento, tenía una gran habilidad para conectar con la audiencia y establecer lazos con la comunidad local donde se encontraba tocando, lo que le servía para ser bien recibido siempre que volvía.
15. Preaching Blues (Up Jumped the Devil) (23/11/1936). Robert Johnson, según sus contemporáneos, además de por su pasión por el blues, también se interesó por otros estilos como el jazz o el country.
16. If I Had Possession Over Judgement Day (23/11/1936). En 1936, en Jackson, Mississippi, Robert Johnson contacta con el cazatalentos y propietario de una tienda de discos, HC Speir, quién a su vez le pone en contacto con el vendedor Ernie Oertle, que trabajaba para el sello discográfico ARC Records, y éste a su vez le presenta al productor de discos Don Law. Es con Don Law con quién realiza la primera de las dos sesiones de grabación que realiza en su vida, en la habitación 414 del Hotel Gunter de San Antonio, Texas.
17. Stones in My Passway (19/6/1937). Para las grabaciones en San Antonio, que se llevan a cabo entre el 23 y el 25 de noviembre de 1936, Brunswick Records crea un estudio temporal en la habitación del hotel donde se llevan a cabo dichas grabaciones.
18. I'm a Steady Rollin' Man (19/6/1937). De entre los 16 temas grabados en su primera sesión de grabación en San Antonio, es Terraplane Blues la que más éxito tiene en vida del artista, convirtiéndose en un modesto éxito local y vendiendo unas 5.000 copias.
19. From Four Until Late (19/6/1937). La segunda y última sesión de grabación de Robert Johnson se realizó en un improvisado estudio en el edificio Vitagraph (Warner Bros.), en 508 Park Avenue, en Dallas, Texas, en el tercer piso del edificio, donde se encontraba Brunswick Records. Dichas grabaciones se realizan entre el 19 y e 20 de junio de 1937.
20. Hellhound on My Trail (19/6/1937). El 16 de agosto de 1938 fallece Robert Johnson cerca de la localidad de Greewood, Mississippi, sin que se llegue a conocer la causa exacta de su muerte. Hay hipótesis que hablan de una sífilis congénita como factor que contribuyó a su muerte, mientras que hay otras que apuntan al envenenamiento como la causa de su muerte. También hay quien apunta que sufría un trastorno genético conocido como el síndrome de Marfán.                                                                                                                                  
    
    
    
21. Little Queen of Spades (19/6/1937). La ubicación exacta de la tumba de Robert Johnson se desconoce oficialmente, encontrándose su localización según los expertos, en alguno de los tres cementerios de tres iglesias locales en las afueras de Greenwood.
22. Malted Milk (19/6/1937). Cuenta la leyenda, que Johnson, ante el ferviente deseo de convertirse en un gran músico de blues, fue citado para llevar su guitarra a un cruce cercano a la plantación de Dockery a medianoche. Es allí donde le recibió el Diablo, quién tomó la guitarra, la afinó, tocó algunas canciones, y luego se la devolvió a Robert Johnson dotándole de un completo dominio del instrumento. 
23. Drunken Hearted Man (19/6/1937). Robert Johnson es considerado como uno de los más grande e influyentes maestros de blues del Delta. 
24. Me and the Devil blues (19/6/1937). Hay tres constantes en las letras de las canciones de Johnson, lo efímero de las relaciones humanas, el vagabundeo constante, y los terrores irracionales. Las letras además entremezclan motivos religiosos, sexuales y festivos.
25. Stop Breakin' Down Blues (19/6/1937). La singular poética de las letras, sumado al uso del bluesman de la microtonalidad, ayudan a explicar la poderosa emoción que Robert Johnson transmitía cuando cantaba. Eric Clapton llegó a describir la música del bluesman como "El grito más poderoso que puedes encontrar en la voz humana".
26. Traveling Riverside Blues (19/6/1937). También es conocido por usar una técnica con la guitarra conocida como "El otro vocalista de la canción", de modo que la guitarra simula otra voz complementaria. 
27. Honeymoon Blues (19/6/1936). Cuando el músico Keith Richards conoció la música de Johnson de la mano de su compañero de banda en los Rolling Stones, Brian Johnson, preguntó al escucharlo "¿Quién era el otro chico que tocaba con él?", sin darse cuenta que Robert Johnson era el único que estaba tocando la guitarra. Su revolucionaria forma de tocar la guitarra le ha llevado a ser considerado como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.
28. Love in Vain (19/6/1936). El legado e impacto de la música de Johnson es enorme, llegando hasta nuestros días y siendo imprescindible tanto en la historia de la música como en los músicos que llegaron tras él. Tal es su influencia, que ha estado presente en géneros que se desarrollaron después de su muerte, como el rock and roll y el rock.
29. Milkcow's Calf Blues (19/6/1937). Brian Jones, Eric Clapton, Robert Plant, Fleetwood Mac, Bob Dylan, John Fogerty, Jimi Hendrix, Johnny Winter, The Allman Brothers Band, Slash, Queen, The White Stripes, The Black Keys, Neil Young y Jeff Beck son sólo algunos de los innumerables artistas y grupos que han estado marcados por la influencia de Robert Johnson. 

Como comentaba al principio de éste artículo, Estados Unidos es cuna de infinidad de artistas, grupos y estilos musicales dignos de ocupar esta sección, pero no se me ocurren 29 mejores razones como las anteriormente mencionadas, por las que Robert Johnson no merezca estar.

0046: Summertime Blues - Eddie Cochran

Una de las mejores medidas de la relevancia o de la calidad de una composición, además de las inevitables referencias a su posición en las listas de ventas, puede ser el número de versiones que, en busca de repetir el éxito de la canción original, otros artistas contemporáneos o posteriores acaben realizando del mismo tema. Si lo medimos por el criterio más ortodoxo (las listas de ventas), el Summertime Blues escrito por Eddie Cochran y Jerry Capehart, y publicado en 1958, no es más que un pegadizo tema sobre las inquietudes y problemáticas de la adolescencia, que llegó hasta el octavo puesto en el Billboard estadounidense. Pero si lo medimos con el baremo alternativo de los artistas que posteriormente se interesaron en versionar esta canción, entonces estamos, sin duda alguna, ante uno de los temas más relevantes de la historia de la música.

La "tristeza veraniega" ha contagiado a grupos y artistas que ya traían la melancolía "de serie" como Olivia Newton-John, Alan Jackson o los mismísimos Beach Boys, pero también a rockeros y bluseros más agerridos como los Who o los Black Keys. Otras versiones fueron también relevantes, como la del grupo estadounidense Rush, popularizada a través de la WWE (emporio audiovisual de la lucha libre estadounidense) o la que los Stray Cats hicieron para la popular película La Bamba, sobre la vida y obra de Ritchie Valens, pero la lista de homenajes y versiones en directo es todavía más impresionante: Bon Jovi, Bruce Springsteen, The Clash, The Flaming Lips, Joan Jett, Motorhead, T. Rex, Rolling Stones, Van Halen... y un largo etcétera de grupos y artistas que sucumbieron a la tentación de hacer un poco suyo a este auténtico himno generacional de Eddie Cochran, un músico de Minnesota que, siendo solo un adolescente, se convirtió en uno de los pioneros del rock and roll gracias a temas como Twenty-Flight Rock, C'mon Everybody, Somethin' Else o, especialmente, Summertime Blues. 

Quién sabe qué otros temas eternos nos habría regalado este artista, de no haberse cruzado la muerte de manera tan repentina en su camino. Con sólo 21 años, y mientras se encontraba de gira por el Reino Unido, un trayecto en taxi después de una actuación en Bristol fue el último viaje de Edward Ray Cochran. Su muerte sumió al mundo de la música en un estado de profunda "tristeza veraniega" que no hemos logrado superar, por más que lo hayamos intentado miles de veces, en otras tantas y tantas versiones posteriores.

PULSA PARA ESCUCHAR EN SPOTIFY

0045: Fever - Peggy Lee

Huérfana de madre con cuatro años, durante toda su niñez sufrió en silencio el maltrato cruel de una madrastra loca, después de que su padre se fuera del hogar. Se casó cuatro veces sin nunca dar con el amor verdadero. Tuvo que esperar treinta y seis años para que por fin un tribunal de California le diera la razón en su batalla judicial contra Disney, que le negaba royalties por la composición e interpretación de la canción principal de La Dama y El Vagabundo, He’s a Tramp (But i Love Him). Luchó toda su vida contra una salud delicada, pero en 1998 sufrió un derrame cerebral que le quitó el habla.

Peggy Lee, conocida por su entrega sensual, sincronización impecable y entonación de blues, ya se había ganado el respeto de los grandes del jazz, mientras que sus éxitos comerciales ganaron legiones de admiradores. Versátil y prolífica, se ha convertido en una de las voces más reconocidas de la era del swing, famosa por éxitos como “Why Don't You Do Right” y “It's a Good Day”, siendo esta última una de sus muchas composiciones originales. En Estados Unidos, era considerada como una de las más grandes damas del Jazz, codeándose con Ella Fitzgerald o Bessie Smith. Billie Holiday le admiraba, Duke Ellington le llamaba The Queen, Sinatra estaba permanentemente fascinado, y Dios Elvis le consideraba como una de sus principales influencias. 

En julio de 1958, casi 20 años después que empezara su carrera Peggy Lee tuvo la posibilidad de hacer una versión de un tema compuesto dos años antes por Eddie Cooley y Otis Blackwell, este último hizo muchas contribuciones al canon del rock'n'roll temprano, incluyendo "All Shook Up", "Don't Be Cruel" y "Great Balls Of Fire", entre otros. Los dos coescribieron “Fever” y fue grabado por la joven estrella de R&B y rock'n'roll Little Willie John, que tenía solo 18 años en ese momento. El original había vendido un millón de copias, pero a Peggy Lee le pareció poco y que podía tener más recorrido, hizo la canción suya, para ello adaptó la letra, quitó todo lo superfluo, quedándose solo con el contrabajo y la batería, ralentizó el tempo, le metió unos chasquidos de los dedos y le implantó una narración satírica de la que se hizo eco la Generación Beat. Lee tenia las cosas claras y vio la nueva época que se acercaba y quería tener su lugar en esta nueva era aprovechando la creciente audiencia del rock'n'roll, y consiguió que Fever fuera su éxito más grande, dejando una de las grandes canciones de la historia de la música popular y sobre todo un sofisticado espectáculo que destacó entre el mercado juvenil mientras, ya que la canción estaba llena de insinuaciones que incomodaban a los padres. Una brillante culminación de la experimentación y la excelencia del pop, “Fever” de Lee fue la voz subversiva de la sexualidad bajo el espíritu represivo de los conservadores años 50: una señal para la revolución sexual que estaba por venir.

Gary Moore - Wild Frontier (Mes Gary Moore)

Wild Frontier es el séptimo álbum de estudio de Gary Moore, publicado en 1987, y el tercer intento de Jorky, el responsable de que estemos en el #MesGaryMoore, de convencerme de las bondades y virtudes del genial guitarrista irlandés. Conozco a Jorky desde prácticamente el "parvulario" (nombre con el que se conocía a la educación infantil en los años 70). A finales de los 80, ya no eramos precisamente "parvulitos", y Jorky ya había descubierto a Gary Moore. Como buen profeta, se había auto-exigido conseguir más adeptos para la causa, y yo fui uno de los afortunados elegidos. Fueron varios los discos de Gary Moore que me pasó para que fuera escuchando, y recuerdo que, aunque me encantaban varias canciones sueltas de cada uno de aquellos discos, no terminaba de engancharme a su propuesta de heavy-rock de sencillos estribillos y elaborados y brillantes solos de guitarra. Y entonces, en ese tercer intento, me dejó un cassette de Wild Frontier. 

Me bastó con escuchar los tambores de guerra con los que arranca Over the hills and far away, interpretados por The Chieftains, para saber que aquel disco iba a hacer saltar por los aires mi cabeza, y con ella todas mis dudas y resistencias. La colaboración del mítico grupo irlandés va más allá, aportando las gaitas y violines celtas que, combinados con las excelsas guitarras de Moore, elevan al tema a la categoría de obra maestra. Debo tener algo de sangre irlandesa corriendo por mis venas, porque muchos años después, les he puesto esta canción a mis hijos, y el efecto ha sido igualmente impactante. Desde la primera escucha, esta canción sobre un preso en busca de su libertad, huyendo a través de las colinas y más allá, se convirtió de inmediato en una de sus canciones favoritas.

Tras esta musical metáfora sobre la situación política en Irlanda del Norte​, llega el turno del tema que da título al disco, el melódico y rockero Wild Frontier, en el que el músico de Belfast continúa destilando toques celtas e influencias de la música tradicional irlandesa. Un tema que estaba inicialmente planeado para ser cantado junto a  Phil Lynnot, el líder de Thin Lizzy fallecido apenas un año antes. Su repentina muerte impidió esta nueva colaboración entre los dos músicos, y Moore acabó dedicando el disco a su amigo, como quedó reflejado en la contraportada del vinilo original, en la que podía leerse "For Phillip". Phil Lynott cruzó esa clase de "frontera salvaje" de la que ya nunca se puede volver, y la que iba a ser su canción se convirtió en una de las banderas del disco y una nueva ocasión para recordar la situación en Irlanda del Norte.

Tras dos temas tan influenciados por Irlanda y su música, Moore retoma su habitual hard-rock efectivo y comercial con Take a little time, un tema directo y contundente en el que, además de la guitarra de Moore, que se marca uno de los mejores solos del disco, destaca especialmente la fuerza de los teclados y la batería. Esta última constituye una auténtica curiosidad en el disco, ya que la extrema exigencia de Gary Moore le llevó a no estar satisfecho con el trabajo del batería, decidiendo finalmente hacer la totalidad del disco con baterías programadas. Esto acabó influyendo en el sonido tan característico y diferencial del disco con respecto a obras anteriores.

Con baterías electrónicas o sin ellas, un tema como The Loner (El solitario) mantiene intacta su belleza y su atmósfera melancólica y ensoñadora. Este tema instrumental, emparentado directamente con el mítico Parisienne Walkways de la época de Thin Lizzy, es sin duda uno de los momentos más intensos y brillantes del disco, y no es el único, porque la versión del Friday on my Mind de los australianos Easybeats tiene un puesto de honor en el podio de canciones "mejores que el original" y es un rotundo single que se convirtió enseguida en uno de sus temas más reconocidos. El disco baja un poco el pistón con Strangers in the Darkness, un tema lento con ciertos aires a los también irlandeses U2. Antes de terminar el disco, con esa peculiar guinda en forma de lamento tradicional celta que es Johnny Boy, Moore nos recuerda que los suyo es el heavy con Thunder Rising, el momento más acelerado y guitarrero de todo el álbum. El toque patrio lo pone aquí la letra, basada en las andanzas de un héroe mitológico irlandés.

La edición en cassette que me pasó Jorky tenía dos canciones más, dos versiones diferentes de Wild Frontier y Over the Hills and far away. Esta última tenía una curiosa intro, en la que se oían los pasos de alguien (yo asumí que era el propio Gary Moore, pero el audio tiene estos misterios insondables) pasando de un auricular al otro. Tras los primeros pasos, se oía una puerta abriéndose, y tras ella sonaba un breve fragmento de Out in the Fields, precisamente una colaboración anterior de Lynnott en un disco de Moore. Tras una nueva tanda de pasos, otra puerta se abría, para que esta vez sonara un fragmento de Empty Rooms, otra de las grandes canciones de Moore. Tras cerrar de nuevo la puerta, empezaba por fin la nueva versión de Over The hills and far away. A la tercera va la vencida, parecía decir el desde entonces proclamado Dios Moore desde el walkman, premiando la insistencia de su profeta Jorky y su esfuerzo por llevar la obra del genial guitarrista a los que no lo conocíamos, aunque eso implicara quemar varias cassettes y caminar incansable "tras las colinas y más allá".

0044: You've Changed - Billie Holiday

You've Changed es un tema del disco Lady in Satin, el último disco publicado en vida por Billie Holiday, que salió al mercado en 1958 a través de la discográfica Columbia Records. Su última grabación fue el disco Last Recording que ya vio la luz en 1959, poco después de su muerte, pero fue Lady in Satin su última obra maestra y el mejor de sus últimos discos. Tras una docena de discos para otras discográficas, no estaba del todo contenta con el sonido que había desarrollado en su carrera, y recurrió al productor Irvin Townsend y a la banda de acompañamiento de Ray Ellis para lograr su objetivo de realizar un álbum de sonido bello y delicado, en el que su voz estuviera arropada por una banda de peso y solvencia. 

Holiday lo vivió como un nuevo comienzo para su carrera, y para Ellis fue un honor que una estrella de su categoría conociera a su banda y la eligiera para la grabación del disco. Ambos se volcaron en el proyecto, y Ellis cumplió el deseo de Holiday de sentirse arropada, adaptando los arreglos de las canciones elegidas a la por entonces ya áspera voz de Holiday, dañada tras años de excesos de alcohol y drogas, y nutriendo su orquesta con con hasta cuarenta músicos, incluyendo trompas, cuerdas y una sección de coros para darle al conjunto el empaque que la ocasión requería.

Todo esto puede escucharse, y sentirse, en You've Changed, una canción escrita por Bill Carey con música de Carl Fischer en 1942. La versión de Holiday tiene la intensidad de la voz y el sentimiento de la venerada cantante, y la banda de Ray Ellis la envuelve en ese satén al que hace referencia el título del disco, meciéndola en un suave lecho orquestal, diseñado para hacer especial esta versión de un clásico que ha sido tantas y tantas veces re-interpretado.

PULSA PARA ESCUCHAR EN SPOTIFY

La música en historias: Los músicos de sesión XX

 

     Los músicos y cantantes fuera del escenario son artistas que tocan instrumentos y / o cantan entre bastidores fuera de la vista del público, durante un concierto. Esto es muy utilizado en la música popular, si bien se extiende también a otros ámbitos. En muchas ocasiones, a estos artistas se les pide que firmen un acuerdo de no divulgación, y en otras como el caso de Ozzy Osbourne por ejemplo, siempre reconocen y acreditan a los músicos fuera del escenario. Vamos con la vigésimo entrega de dedicada a los músicos de sesión. 

Adam Wakeman, teclista y guitarrista rítmico inglés, nacido en Windsor, Berkshire, en 1974. Adam se cría en un ambiente de lo más musical, pues su padre es Rick Wakeman, tecladista del grupo yes, y su hermano mayor Oliver, también es tecladista, y ocupó el puesto de su padre en Yes. Comienza a tocar a los 8 años el piano, y sus grandes influencias provienen de Dr. John, Monty Alexander, Jordan Rudess (Dream Theater) y Mark kelly (Marillion). A los 17 años ya ha obtenido el octavo grado de de la ABRSM ( Junta Asociada de Escuelas Reales de Música) británica grabado su primer álbum junto a su padre. A mediados de la década de los 90 forma la banda Jeronimo Road con la que publica un disco, y en 2000 y 2001 realiza una gira con la antigua banda de su padre The Strawbs. En 2006 forma la banda de rock progresivo Headspace junto  Damian Wilson, Lee Pomeroy y Richard Brook. A través de la empresa WWW.Theperfectmusiclibray, con la que empieza en 2010, ha creado más de 200 piezas musicales para varias bibliotecas de música de reproducción, cine, televisión y otros medios. Además de todo esto, ha tenido tiempo de colaborar con artistas de la talla de Rick Wakeman, Yes, Snakecharmer, Ozzy Osbourne, o Black Sabbath, banda en la que realiza el rol de músico fuera del escenario. 

El bajista estadounidense Matt Bissonette, nacido en 1961. Matt asiste y estudia en el programa de música jazz de la Universidad del Norte de Texas. Durante la primera mitad de los años 80 graba y realiza una gira con el trompetista de jazz Maynard Ferguson, coincidiendo además en esa formación con su hermano, el baterista Gregg Bissonette. Durante esa época también toca y realiza una gira con el músico Caspard McCloud, colaborando en su álbum Self Portrait (1982). En 1987 se reemplaza a Billy Sheenan en la banda de David Lee Roth, coincidiendo allí con Steve Vai, Brett Tuggle y con su hermano Greg. Con Lee Roth permanece hasta 1991, año que abandona la formación  de éste y se une a Joe Satriani, tocando en esa época además con artistas de la talla de Brian Wilson (The Beach Boys), Don Henley (The Eagles), Steve Perry (Journey), Peter Framptom y Julian lennon entre otros. Durante la década de los 2000  ha tocado con Ringo Starr, Bozz Scaggs, Rick Springfield y Globus entre otros. Actualmente es el bajista de Elton John, puesto en el que sustituyó al fallecido Bob Birch.

El baterista estadounidense de jazz y rock Gregg Bissonette, hermano de Matt, nacido en 1959 en Detroit, Michigan. Una de sus primeras grabciones, al igual que su hermano fue con el legendario trompetista de jazz Maynard Ferguson en 1983. A mediados de la década de los 80 se une a la banda de David Lee Roth, donde coincide con Billy Sheenan Y Steve Vai, y con su hermano posteriormente. con Lee Roth y sus discos consigue aparecer en la famosa lista Billboard 200 de Estados Unidos y realizar importantes giras mundiales. De 1994 a 2004 participa en los interludios musicales de cada episodio de la serie de televisión Friends, y a finales de 2005 sustituye a Simon Phillips en la gira Tambu de Toto, debido a los problemas de espalda de éste. Durante su carrera ha participado con multitud de artistas, entre los que se encuentran Keiko Matsui, Frank Gambale, Joe Satriani, Steve Bailey, Tab Benoit, Robin Zander, Brandon Fields, Gary Hoey, Richie Kotzen, Jason Becker, Larry Carlton, Steve Vai, Steve Lukather, Andy Summers, Paul Anka, Santana, Matt Bissonette, Richard Marx, Ozzy Osbourne, Brian Setzer, Ray Charles, Spinal Tap, Y Barry Manilow entre otros muchos. 

Jimmy Bond, contrabajista, arreglista y compositor estadounidense nacido en 1933 en Filadelfia, Pensilvania, y fallecido en 2012. Grabó con muchos de los principales músicos de la escena de jazz, blues, folk y rock entre las décadas de los 50 y los 80. Jimmy aprende a tocar el contrabajo y la tuba además de estudiar orquestación y composición. Además del contrabajo también se prodigó tocando el bajo en los clubs de Filadelfia con artistas como Charlie Parker, Thelonious Monk Y Gene Ammons. Al finalizar sus estudios comienza a tocar regularmente con los principales artistas de jazz de la época, incluidos Chet Baker, Ella Fitzgerald Y Sonny Rollins, y en 1958 ya está girando con George Shearing. En 1959 se muda a Los Ángeles, donde se convierte en bajista residente del club nocturno Renaissance, ubicado en Sunset Boulevard, donde toca habitualmente con Ben Webster, Art Pepper, Jim Hall y Jimmy Giuffre. En 1962 se convierte en músico de sesión en Los Ángeles, pasando a formar parte del famoso grupo de músicos de sesión Wrecking Crew, y toca con infinidad artistas de jazz, blues, rock, gospel, folk y rock, entre los que se encuentran Randy Newman, Frank Zappa, Tim Buckley, Nina Simone, Lightnin 'Hopkins, Linda Ronstadt, Henry Mancini, Tony Bennett y BB King.

Alan Rubin, también conocido como "Mr. Fabulous", instrumentista americano nacido en Brooklyn, Nueva York en 1943, y fallecido en 2011. Alan dominaba trompeta, fliscorno y trompeta flautín. Con 17 años asiste a la Juilliard School of Music de Nueva York, donde estudia con William Vacchiano, quien era trompeta principal en la Filarmónica de Nueva York. Mientras cursa sus estudios es invitado a tocar con Paul Hindemith en su última gira de conciertos por el país, pero declina la oferta y elige tocar con Peggy Lee en el Village Vanguard. A los 20 años abandona la escuela Juilliard para irse de gira como trompetista principal del cantante Robert Goulet. Fue miembro de la Saturday Night Live Band, con la que tocó en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de 1996, y también de los Blues Brothers, con los que rodó aemás las películas de 1980 y la secuela de 1998. El actor John Belushi sería el que pone a Alan el apodo de Mr. Fabulous. Durante su carrera tocó con gran variedad de artistas, como Frank Sinatra, Frank Zappa, Duke Ellington, Sting, Aerosmith, The Rolling Stones, Paul Simon, James Taylor, Eric Clapton, Billy Joel, BB King, Miles Davis, Yoko Ono, Peggy Lee, Aretha Franklin, James Brown y Ray Charles.

0043: The Everly Brothers: All I Have to Do Is Dream

 

Esta canción, que vendió más de un millón de copias, fue escrita por Boudleaux Bryant, quien era la mitad del mundialmente famoso equipo de compositores de marido y mujer, Boudleaux y Felice Bryant . Juntos, esta talentosa pareja consiguió grandes éxitos para los hermanos Everly y otros artistas, como "Bye, Bye Love", "Wake Up Little Susie” que ya hemos reseñado en el blog, vamos con la tercera:

 

Una dulce balada de rock and roll con un coro de voces extremadamente romántico y ligeramente rockero, la leyenda del country Chet Atkins toca la guitarra en la grabación. La canción se basa en la armonía cerrada de las dos voces y la perfecta coordinación de las dos guitarras, creando un efecto magnífico, siendo apoyados por un leve ritmo de batería. La letra nos habla de un amor que es un sueño, en el que tan sólo precisa soñar par tener a su amante en sus brazos, a quien quiere hasta morirse. Lo único malo es que así puede que pase su vida soñando sin dar el paso al mundo real. Para muchos All I Have to Do is Dream fue uno de los primeros ejemplos del nuevo "sonido Nashville" que dominó la música country en los años 60. La idea era eliminar todos los elementos folklóricos del country (violines, flautas, etc.) para que la música fuera más agradable para el público pop, si lo escuchas detenidamente queda claro que es formalmente una balada country clásica que ha sido afinada para adaptarse a las distintivas armonías pop de Everlys.

 

"All I Have to Do Is Dream" se encuentra entre las pistas más melancólicas y etéreas de la época dorada del rock & roll. El atractivo atemporal de su hermosa melodía la ha convertido en una de las canciones más duraderas del canon de la música pop. Ocupa el puesto 142 en las 500 mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stones

El disco de la semana 212: Elvis Presley - Elvis Presley

 

Mucha gente cree que la era del rock 'n' roll comenzó el 5 de mayo de 1956 cuando el álbum, Elvis Presley, alcanzó el número uno en las listas nacionales y se mantuvo durante diez semanas. Era un sonido muy diferente al de los otros álbumes más vendidos de aquel año, donde encontramos a Harry Belafonte, la banda sonora de The Man With The Golden Arm y Songs For Swingin 'Lovers de Frank Sinatra. Pero bueno, siendo realistas, Elvis no inventó el rock 'n' roll, ya en su momento Bill Haley grabó “Rock Around The Clock” como la cara B de un sencillo en 1954. Haley cogio el lado swing de la música country y añadió un saxo y una guitarra a ese sonido. El disco se convirtió rápidamente en el single más popular del país, permaneciendo en el número uno durante 8 semanas. Chuck Berry también estaba en el estudio incluyendo el sonido único de su guitarra a sus raíces de R&B. El legado musical de Elvis se puede encontrar en el lado rockabilly de la música country. Elvis, sin embargo, tenía algo que ningún otro artista de la época tenía y era un carisma que le daría un atractivo comercial masivo y rápidamente lo convertiría en un ícono cultural duradero. 

No es mi álbum favorito de Presley (de Elvis prefiero en Memphis) pero como disco está muy bien: vocalmente es increíblemente versátil, especialmente si se considera que se grabó cuando Elvis tenía entre 19 y 21 años. Es un álbum que contiene las canciones que hicieron que The Beatles, The Rolling Stones, The Who, Bob Dylan, etc., etc., quisieran hacer música. Su material era crudo y poderoso, motivo por el que los músicos antes mencionados citan este álbum como una gran influencia. El LP de debut de Elvis Presley es sin duda históricamente significativo, se escucha muy bien porque estas ante algo histórico, pero no vamos a negar que es un álbum terriblemente desigual. Consta de tres pistas realizadas para la Sun ("I Love You because", "Just because" y "Blue Moon") y nueve canciones cortadas de sus primeras sesiones para RCA, Elvis Presley muestra todo su estilo aquí.

 

El álbum se abre con uno de mis temas favoritos de Presley, "Blue Suede Shoes", que es superior a la encomiable versión original de Carl Perkins, una rápida revitalización del sencillo que introdujo en la iconografía cultural estadounidense un símbolo de rebelión tan llamativo y vívido como la chaqueta roja de James Dean en la película Rebelde. "One-Sided Love Affair" es otro clásico de Presley acelerado que muestra su rango vocal salvaje e impredecible. Más que nada, estas pistas muestran lo joven que era cuando grabó su LP, ya que su voz es fresca y completamente inmanejable (¡y eso es algo bueno!). La versión de “Tutti frutti” es, para mi gusto, “limpia” respecto a la original de Little Richard, pero tiene algo que llama la atención inmediatamente, no sé si es la interpretación vocal, la rapidez de la canción, o qué, pero tiene algo que no sabría describir, y que no me parece que fuera normal en un cantante blanco de mediados de los 50. “I'm Counting on You” es una de esas baladas vaqueras típicas de Elvis, como también lo es “I love you because” , con lucimiento vocal incluido; “One-sided love affair” o “Just because” podrían ser las canciones que inventaron el rockabilly, pero no pasan de una anécdota. Lo cierto que hay demasiadas canciones muy flojas en su primer LP para que haya alcanzado la elevada posición entre los grandes álbumes de rock que tiene. " I'm Counting on You " o " I'll Never Let You Go (Little Darlin')” muestran que no era emocionalmente sofisticado ni tenía la suficiente experiencia a su corta edad para interpretar realmente estas canciones con poderío, además, encuentras una versión tibia y poco convincentes de elementos básicos del rock / R & B como "I Got a Woman" de Ray Charles

 

Ninguna reseña de este álbum está completa sin un reconocimiento a la gran portada y su diseño. Las letras verdes y rosadas (quizás inspiradas por el gusto de Elvis en la ropa) capturaron el destello de la nueva música. La imagen de Elvis agitando una guitarra con la lengua casi colgando da una idea del artista y de la música contenida dentro de la funda. El escritor Greil Marcus a veces ha dicho que, para los fanáticos de los años 50, Elvis parecía una "criatura de otro planeta". Mirando esta foto, puedes imaginar a muchos fanáticos que vienen de la era conformista McCarthy pensando lo mismo. Por supuesto que no era cierto y hemos visto muchas criaturas aún más extrañas a lo largo de los años, pero eso no significa que esto no fuera y no sea algo completamente diferente. Aunque el disco no es una joya, Elvis fue muy grande y creo que es el mejor lugar de comienzo para descubrir toda su mitología.

La musica en canciones: Canciones reseñadas de 1957

La música es como el amor, bueno, es amor, todos tenemos el nuestro y no a todos nos tiene que gustar lo mismo, esta lista no son las mejores canciones, ni siquiera tus favoritas o nuestras favoritas (bueno eso casi que si), simplemente nuestras elegidas, y a modo de índice os dejamos una lista de todas las canciones de 1957 reseñadas para que puedas conocer mas sobre la cancion, ademas de una lista creada en Spotify con todos los temas para escucharlas.

Clickea sobre el titulo de la canción y te llevara al articulo de cada una de las 17 canciones reseñadas de 1957. Disfrútenlas

All Shook Up - Elvis Presley 

Brilliant Corners - Thelonious Monk

Bye Bye Love - Everly Brothers

Diana - Paul Anka

Everyday - Buddy Holly and the Crickets

Great Balls of Fire - Jerry Lee Lewis

Jailhouse Rock - Elvis Presley 

Long tall Sally - Little Richard

Lucille - Little Richard

Peggy Sue - Buddy Holly and the Crickets

School days - Chuck Berry

The Lady Is a Tramp - Frank Sinatra

Twenty Flight Rock - Eddie Cochran

Venus de Milo - Miles Davis

Wake Up Little Susie - Everly Brothers

Whole Lotta Shakin' Goin' On - Jerry Lee Lewis

You Send Me - Sam Cooke

0042: Johnny B. Goode - Chuck Berry

 

Johnny B Goode,Chuck Berry

     El 31 de marzo de 1958 se publica por primera vez como single Johnny B. Goode, publicado bajo el sello discográfico Chess Records, el sello de los hermanos Leonard y Phil. El tema aparece como cara A, siendo acompañado en la cara B por el tema Around & Around. El tema, recién salido, arrasa tanto en aceptación de la crítica como en ventas, ocupando inmediatamente el puesto número 2 en la famosa lista americana R&B Singles, y la octava posición en la lista Billboard Hot 100. Este tema es considerado como uno de los primeros temas del rock & roll. Debido a su gran éxito, posteriormente el tema es incluido en el tercer álbum de estudio de Berry, Chuck Berry Is On Top, en 1959. 

El tema había sido compuesto por Berry en 1955, y se inspira en su vida para escibirlo. Cuenta la historia de un niño muy humilde con un gran talento para la guitarra. Si bien es un tema autobiográfico, hay algunos detalles que Berry cambia, como la parte que originalmente alude a "un chico de color", que sustituye por "un chico de campo". Y es que Chuck era consciente que si no cambiaba esa frase, era más que probable que contara con el veto de las emisoras de radio estadounidenses.

En el tema también hace referencia a que Johnny apenas sabe leer ni escribir, y Berry no sólo sabía leer y escribir, también se graduó en una escuela de belleza, adquiriendo un título de peluquería y cosmética. En el tema también se refiere a Johnny como un chico de Lousiana, sin embargo él era de St. Louis, y en el título del tema hace referencia a la calle donde vivía, el 2525 Goode Avenue de St. Louis.

Como hemos comentado anteriormente, es un tema autobiográfico de Chuck, aunque en un principio se inspiró en el pianista que tantas veces le acompañó, Johnnie Johnson. Curiosamente hay fuentes que atribuyen la grabación de piano a Johnnie Johnson mientras que otras atribuyen tal honor al pianista Lafayette Leake. El resto del personal que acompañó a Chuck en la grabación fueron los habituales Willie Dixon al contrabajo y Fred Below a la batería, y el lugar donde es grabado, los estudios de Chess Records en Chicago.

Para la introducción del famoso riff de guitarra Chuck se basó en el tema Ain't That Like A Woman, del saxofonista, pianista y cantante Louis Jordan, y para el famoso sólo del tema se inspiró en el tema Strollin' With Bones del famoso guitarrista T-Bone Walker, el cual fue una clara referencia y fuente de  inspiración durante la carrera de Chuck Berry.

PULSA PARA ESCUCHAR EN SPOTIFY