Un país, un artista: Estados Unidos - Robert Johnson

 

Robert Johnson

     El país elegido por nuestros amigos y seguidores en esta ocasión ha sido Estados Unidos. Se me ocurren, a bote pronto, cientos de artistas y bandas que merecen ser elegidos en esta sección, y me encuentro ante la encrucijada de tener que elegir únicamente uno. Después de darle no pocas vueltas, elegí para esta sección al legendario bluesman Robert Johnson, al cual elegí por varias razones, concretamente 29, que fueron las grabaciones que el artista hizo en vida.

1. kind Hearted Woman Blues (23/11/1936). Robert nace en 1911 en Hazlehurst, Mississippi, hijo de Julie Ann Majors, hija de de esclavos, y de Noah johnson, un jornalero que estaba de paso por el poblado. Al parecer Julie tuvo a Robert cuando estaba temporalmente separada de su esposo, Charles Dodds Jr., un próspero fabricante de muebles. Julie abandona Hazlehurst al poco de tener a Robert, y acaba dirigiéndose a Memphis para que Robert se crie con su esposo Charles, el cual se había cambiado el apellido a Spencer, apellido con el que Robert crece sin saber que este no es su apellido real y que charles no es su padre biológico. 
2. I Believe I'll Dust My Brown (23/11/1936). Robert pasa su infancia en Memphis,  donde asiste a la escuela, recibiendo formación en aritmética, lectura, lenguaje, música, geografía y ejercicio físico. Es allí en Memphis, durante su infancia, donde descubre su interés por la música, concretamente por el blues y la música popular. Comienza entonces a tocar el arpa y posteriormente la armónica. 
3. Sweet Home Chicago (23/11/1936). Entre 1919 y 1920 vuelve con su madre, y tras vivir una temporada en una plantación, acaban finalmente instalados en Commerce, localidad situada en el Delta del río Mississippi. Todo esto hace que la música pese más que los estudios, los cuales acaba dejando en 1927 alegando tener problemas de visión. En 1929 ya ha adoptado el apellido de su padre biológico, Johnson, pues su madre, Julie, ya le ha contado la verdad.
4. Ramblin' on My Mind (23/11/1936). En 1929 contrae matrimonio con Virginia Travis. virginia queda embarazada, y en abril de 1930 fallece durante el parto junto al bebé que ambos están esperando. Robert se casará una segunda vez, concretamente con Esther Lockwood, quien era la madre de Robert Lockwood Jr., quien se convertirá posteriormente en guitarrista de blues. 
5. When You Got a Good Friend (23/11/1936). Tras la muerte de su primera esposa, Virginia Travis, se extiende el rumor de que aquello es un castigo divino por la decisión de Robert de cantar canciones seculares y profanas
6. Come on My Kitchen (23/11/1936). El propio Robert Johnson al parecer aceptaba el dicho de que había vendido su alma al diablo como una descripción de su determinación de la abandonar la vida estable de marido y granjero para convertirse en músico de blues a tiempo completo.
7. Terraplane Blues (23/11/1936). El guitarrista y cantante de blues del Delta Son House recordaba por aquel entonces a Robert Johnson como un músico muy competente y como un guitarrista vergonzosamente malo.
8. Phonograph Blues (23/11/1936). Es durante la época que permanece en el área de Martinsville, cerca de su lugar de nacimiento, donde se cree que se muda para buscar a su padre biológico, donde perfecciona su estilo y técnica con la guitarra, aprendiendo de artistas como el guitarrista de blues Isaiah "Ike" Zimmerman, considerado el principal profesor de guitarra de Robert.
9. 32-20 Blues (23/11/1936). El hecho de que se rumoreara que Ike Zimmerman había aprendido a tocar la guitarra visitando cementerios a medianoche, sumado a las confusas respuestas de Son House sobre si Robert Johnson había aprendido su técnica de guitarra producto de un pacto con el diablo, alimentaron la leyenda.   
10. They're Red Hot (23/11/1936). Entre 1932 y hasta 1938, la fecha de su muerte, Robert ejerce como músico ambulante, viajando habitualmente entre las ciudades de Memphis y Helena.                                                                                       
    
    
    
11. Dead Shrimp blues (23/11/1936). Si bien su radio de acción estaba entre Memphis y Helena, en ocasiones viajó a otros lugares más lejanos, como Chicago, Texas, Nueva York, Canadá, Kentucky o Indiana.
12. Cross Road Blues (23/11/1936). Los músicos que conocían a Robert Johnson, decían de él que era un buen tipo, una persona normal con deblidad por el whisky y las mujeres, y dotado con un talento excepcional para la música, y con un gran compromiso con la carretera.
13. Walking Blues (23/11/1936).Cuando Robert llegaba a una ciudad nueva , solía tocar en las esquinas, frente a la barbería local ó frente a los restaurantes. En vez de tocar sus complejas composiciones, solía complacer al público con los temas más populares de la época, temas que no eran necesariamente de blues.
14. Last Fair Deal gone Down (23/11/1936). Además de su asombroso talento, tenía una gran habilidad para conectar con la audiencia y establecer lazos con la comunidad local donde se encontraba tocando, lo que le servía para ser bien recibido siempre que volvía.
15. Preaching Blues (Up Jumped the Devil) (23/11/1936). Robert Johnson, según sus contemporáneos, además de por su pasión por el blues, también se interesó por otros estilos como el jazz o el country.
16. If I Had Possession Over Judgement Day (23/11/1936). En 1936, en Jackson, Mississippi, Robert Johnson contacta con el cazatalentos y propietario de una tienda de discos, HC Speir, quién a su vez le pone en contacto con el vendedor Ernie Oertle, que trabajaba para el sello discográfico ARC Records, y éste a su vez le presenta al productor de discos Don Law. Es con Don Law con quién realiza la primera de las dos sesiones de grabación que realiza en su vida, en la habitación 414 del Hotel Gunter de San Antonio, Texas.
17. Stones in My Passway (19/6/1937). Para las grabaciones en San Antonio, que se llevan a cabo entre el 23 y el 25 de noviembre de 1936, Brunswick Records crea un estudio temporal en la habitación del hotel donde se llevan a cabo dichas grabaciones.
18. I'm a Steady Rollin' Man (19/6/1937). De entre los 16 temas grabados en su primera sesión de grabación en San Antonio, es Terraplane Blues la que más éxito tiene en vida del artista, convirtiéndose en un modesto éxito local y vendiendo unas 5.000 copias.
19. From Four Until Late (19/6/1937). La segunda y última sesión de grabación de Robert Johnson se realizó en un improvisado estudio en el edificio Vitagraph (Warner Bros.), en 508 Park Avenue, en Dallas, Texas, en el tercer piso del edificio, donde se encontraba Brunswick Records. Dichas grabaciones se realizan entre el 19 y e 20 de junio de 1937.
20. Hellhound on My Trail (19/6/1937). El 16 de agosto de 1938 fallece Robert Johnson cerca de la localidad de Greewood, Mississippi, sin que se llegue a conocer la causa exacta de su muerte. Hay hipótesis que hablan de una sífilis congénita como factor que contribuyó a su muerte, mientras que hay otras que apuntan al envenenamiento como la causa de su muerte. También hay quien apunta que sufría un trastorno genético conocido como el síndrome de Marfán.                                                                                                                                  
    
    
    
21. Little Queen of Spades (19/6/1937). La ubicación exacta de la tumba de Robert Johnson se desconoce oficialmente, encontrándose su localización según los expertos, en alguno de los tres cementerios de tres iglesias locales en las afueras de Greenwood.
22. Malted Milk (19/6/1937). Cuenta la leyenda, que Johnson, ante el ferviente deseo de convertirse en un gran músico de blues, fue citado para llevar su guitarra a un cruce cercano a la plantación de Dockery a medianoche. Es allí donde le recibió el Diablo, quién tomó la guitarra, la afinó, tocó algunas canciones, y luego se la devolvió a Robert Johnson dotándole de un completo dominio del instrumento. 
23. Drunken Hearted Man (19/6/1937). Robert Johnson es considerado como uno de los más grande e influyentes maestros de blues del Delta. 
24. Me and the Devil blues (19/6/1937). Hay tres constantes en las letras de las canciones de Johnson, lo efímero de las relaciones humanas, el vagabundeo constante, y los terrores irracionales. Las letras además entremezclan motivos religiosos, sexuales y festivos.
25. Stop Breakin' Down Blues (19/6/1937). La singular poética de las letras, sumado al uso del bluesman de la microtonalidad, ayudan a explicar la poderosa emoción que Robert Johnson transmitía cuando cantaba. Eric Clapton llegó a describir la música del bluesman como "El grito más poderoso que puedes encontrar en la voz humana".
26. Traveling Riverside Blues (19/6/1937). También es conocido por usar una técnica con la guitarra conocida como "El otro vocalista de la canción", de modo que la guitarra simula otra voz complementaria. 
27. Honeymoon Blues (19/6/1936). Cuando el músico Keith Richards conoció la música de Johnson de la mano de su compañero de banda en los Rolling Stones, Brian Johnson, preguntó al escucharlo "¿Quién era el otro chico que tocaba con él?", sin darse cuenta que Robert Johnson era el único que estaba tocando la guitarra. Su revolucionaria forma de tocar la guitarra le ha llevado a ser considerado como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.
28. Love in Vain (19/6/1936). El legado e impacto de la música de Johnson es enorme, llegando hasta nuestros días y siendo imprescindible tanto en la historia de la música como en los músicos que llegaron tras él. Tal es su influencia, que ha estado presente en géneros que se desarrollaron después de su muerte, como el rock and roll y el rock.
29. Milkcow's Calf Blues (19/6/1937). Brian Jones, Eric Clapton, Robert Plant, Fleetwood Mac, Bob Dylan, John Fogerty, Jimi Hendrix, Johnny Winter, The Allman Brothers Band, Slash, Queen, The White Stripes, The Black Keys, Neil Young y Jeff Beck son sólo algunos de los innumerables artistas y grupos que han estado marcados por la influencia de Robert Johnson. 

Como comentaba al principio de éste artículo, Estados Unidos es cuna de infinidad de artistas, grupos y estilos musicales dignos de ocupar esta sección, pero no se me ocurren 29 mejores razones como las anteriormente mencionadas, por las que Robert Johnson no merezca estar.

El disco de la semana 7: Joe Bonamassa, The ballad of John Henry

The ballad of John Henry 

     Joe Bonamassa nació en Nueva York en 1977, a los cuatro años ya tocaba la guitarra, a los siete era capaz de tocar blues, a los diez ya daba conciertos, y a los doce recibió la bendición y fue apadrinado por el mismísimo B. B. King. Hijo de un comerciante de guitarras, estando todo el día rodeado de ellas, y teniendo como referentes de la guitarra a gente como Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton, Gary Moore, B. B. King, Peter Green, John Mayall o Rory Gallagher, el resultado no podía ser otro.



      Ahora mismo es uno de los mejores bluesmans que hay en la actualidad, envuelto en multitud de proyectos (Muy destacables sus contribuciones en "Black Country Communion" y sus colaboraciones con "Beth Hart"), es capaz de editar hasta tres discos al año.


 Llegó a involucrarse en un proyecto orientado a perpetuar el blues como estilo musical y hacerlo llegar a los jóvenes. Mediante la lectura, se les mostraba a los jóvenes los inicios y la historia del blues, que iban acompañadas de una actuación de Joe.




     The ballad of John Henry ve la luz en 2008, y contiene 12 temas, 7 composiciones propias y 5 versiones. Disco que tiene mezclas de estilos blues, Rock y country que tan bien domina Joe, y con un sonido constante de guitarras sucias que le da un toque muy muy americano.
El resultado es para mí uno de sus mejores discos.




     Abre el disco "The ballad of jonh Henry", tema contundente con raíces sureñas que ya hace que se te abran los sentidos con unos riffs muy contundentes.


 "Stop", versión del famoso tema de Sam Brown, donde es capaz de hacer una versión más que aceptable metiendo como entre líneas una guitarra que parece estar llorando, con mucho feeling.

     Y llegamos a la primera joya del disco, "Last Kiss", tema donde recrea el famoso efecto tren, y donde los riffs de guitarra simulan el sonido de una armónica haciendo el sonido de un tren. El resultado es sencillamente espectacular.


 "Jockey full of bourbon", compuesta por Tom Waits, Tema que te traslada directamente a un antiguo salón de cualquier pueblo del oeste, con una apertura típica de la música que solía sonar en dichos salones, y que tiene unos arreglos con la guitarra slade muy buenos.


"Story of a Quarryman" uno de los temas más rockeros del disco, guiño al hard-rock, con una aire muy Hendrixiano, con un sonido de guitarras sucias, con un solo de guitarra que siempre que lo escucho me deja hipnotizado.


 "lonesome road blues", buen tema, mantiene el tipo, aunque he de reconocer que no es de las que más me gusten del disco.


"Happier Times", llegamos a otra de las joyas absolutas del disco, tema blusero que entremezcla ritmos africanos. Tema de los que hay que escuchar sentado en la mecedora mientras degustamos un buen Bourbon.


"Feelin' Good", versión del tema que tan famoso hizo "Nina Simone".


"Funkier Than a Mosquito's Tweeter", otro tema de los que realiza una interesante versión, tema muy guitarrero con una mezcla de ritmo funky pero más acelerado. El resultado es de lo más interesante.


"The Great Flood", otra de las maravillas del álbum, blues lento,  triste, con una voz desgarradora, con acompañamiento de una sección de viento que le da un aire lúgubre, y todo aderezado con una guitarra que se está lamentando, magnifico tema.


"From The Valley", acompañado prácticamente solo con la guitarra, el resultado es un tema de raíces americano.

     Cierra el disco con la última de las cinco versiones, "As The Crow Files", otro de los temas mas rockeros del disco con un toque muy sureño.

   
      Destacar el trabajo vocal de Bonamassa, que si es un gran guitarrista, también esta dotado de una voz muy cuidada y trabajada, elemento que ha cuidado tanto cómo su práctica constante con la guitarra.
   
      Resumiendo, si os gusta el blues electrico no podéis dejar de escuchar "The Ballad Of Jonh Henry", blues eléctrico aderezado con  toques del más puro blues de raices, rock y country. Por eso es un disco que no debéis perderos.

El disco de la semana 5: Booker T & the MG's, McLemore Avenue

En la semana 5 nos dimos una vuelta por la Avenida McLemore en Memphis, Estados Unidos.

Allí se encontraban los estudios STAX, donde Booker T. & the MG's grabaron en 1970 un disco que recreaba el "Abbey Road" de los Beatles, pasado por el tamiz de la música afroamericana de los M.G's a lo largo de 4 cortes instrumentales totalmente deslumbrantes.

Una apuesta arriesgada y un tributo inmediato si tenemos en cuenta que el disco de los Beatles es de 1969, publicado tan solo unos meses antes.

Tanto el título como la portada son un guiño divertido al mítico album de los Beatles.

Si Abbey Road era el nombre de la calle en la que estaban los estudios en los que grababan sus discos los de Liverpool, los MG's grababan en el 926 East McLemore Avenue. Y si los Beatles cruzaban en la portada el icónico paso de cebra de Abbey Road, los MG's cruzaban la Avenida McLemore en un homenaje para la posteridad.

Parece un juego de los de "encuentra las 7 diferencias"

El propio Booker T. Jones comentó al respecto que cuando escuchó Abbey Road se sintió impresionado por la valentía de los Beatles en el cambio musical que habían realizado en los últimos discos, superándose y reinventándose cuando habrían podido seguir explotando su vena comercial. 

La música le pareció increible y decidió que a su manera podía rendirles tributo con este disco, uno de los favoritos de mi colección por su sonido y la calidad de las interpretaciones.

De la calidad de las canciones ya se habían encargado los Beatles, pero los MG's le dieron un toque diferente y una calidad interpretativa que todavía me tiene de vez en cuando cruzando de Abbey Road a McLemore y después otra vez de vuelta. Gran homenaje orquestado por músicos de primer nivel, que no tuvieron reparos en reconocer la excelencia de otros músicos que habían sacado un disco mayúsculo solo unos meses antes.

Cada uno de los cortes funciona como un "popurri" de varias canciones del disco de los Beatles, a excepción del tema que consideraron más relevante y al que le dieron un tratamiento individual, es el caso de "Something". Además en mi opinión es el mejor tema del disco, la versión que hacen de la canción de George Harrison va más allá de lo que sería una simple versión instrumental. Hay mucho oficio y mucha calidad, como en todo el disco en conjunto.

No es el disco más comercial del mundo al ser instrumental, ni el más original teniendo en cuenta que son versiones de canciones de otro disco, pero es una auténtica rareza y una curiosidad que merece la pena escuchar. Espero que si os genera interés y lo buscáis os guste tanto como a mí.

El disco de la semana 4: Freddie King "Woman across the river"



      EL turno para el disco nº 4 fue para el blues, de la mano de uno de mis bluesman favoritos, Freddie King, con su disco editado en 1973 "Woman across the river".

      Frederick Christian King , también conocido como "The Texas Cannonball" nace en 1934 en Texas, y a la edad de 6 años su madre y un tío empiezan a enseñarle a tocar la guitarra. Se cuenta de él que se presentó en una tienda cuando era aún un crío para comprarse su primera guitarra, y el dependiente no se la vendió, pues no tenía permiso de sus padres. Ante la negativa, Freddie se puso a trabajar en una plantación de algodón hasta que recaudó el dinero suficiente para comprarse esa ansiada guitarra.

      Freddie como es lógico empieza a tocar blues de raíces de Texas, pero muy pronto se interesa por el sonido del blues de Chicago, que se basa en un sonido más crudo y eléctrico. Y es a la edad de 16 años, cuando para suerte suya, su familia se muda a vivir a Chicago.

      Una vez en Chicago empieza a frecuentar  locales de la escena blusera de Chicago donde solían tocar bluesmans de la época como Muddy Waters o Jimmy Rogers entre otros.

     Freddie que lo tiene claro, forma su propia banda, y ya en 1950 empieza a tocar en los locales bluseros de Chicago haciéndose un hueco.

      En 1960 graba el tema Hide Away, en honor a un club muy popular de Chicago. Este tema se convertiría en uno de los más famosos de Freddie, y versionado por  infinidad de Bandas de blues. Pero sería en el año 1961, cuando Freddie graba (para mí) uno de sus mejores discos: "Lets Hide Away and Dance Away with Freddy King ", que tiene la particularidad de tratarse de un disco enteramente instrumental, una auténtica joya.

     A partir de ahí Freddie graba multitud de discos hasta el año 1974, destacando la crítica de entre todos ellos el editado en 1974 bajo el nombre de "Burglar", otro disco absolutamente recomendable.

     Freddie es considerado junto a Albert King y B. B. King, uno de los tres reyes del blues. Quizás no sea tan conocido como los otros dos, pero fue pionero en fusionar el blues de Texas con el sonido eléctrico de Chicago como nadie.

      Freddie también fue derribando barreras, siendo el primer músico de blues que tubo una banda multirracial, y es que la música no debe entender de fronteras. Pero además, su estilo no paso inadvertido, además de tener seguidores en Estados Unidos, llegó a Inglaterra, influenciando e inspirando a nobles guitarristas como Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton ó Peter Green. Curiosamente sería el mismísimo Eric clapton el que consigue fichar a freddie para la discográfica RSO, y además le produce el álbum "Bruglar", casi nada.
     Pero el disco elegido para la ocasión, no es ninguno de los anteriormente mencionados, es "Woman across the river", editado en 1973, justo un año antes del famoso "Burglar". Me decanté por este disco porque fué el primero que escuche de él, y  desde el principio, cuando suena el primer tema, titulado como el disco "Woman across the river", te das cuenta que estás ante un guitarrista diferente, con un estilo muy personal, explosivo, generando un sentimiento brutal. Después suena "Í'm your hoochie coochie man", tema versionado hasta la saciedad, imprimiéndole mucha fuerza. Los demás temas voy a dejar que los descubráis solos. Únicamente  voy a hacer mención  al tema que para mí es la joya absoluta del disco "Help me trough the day", blues acompañado de orquesta, con un Freddie a la voz que se sale, sencillamente magistral. De este tema, mencionar que la banda Whitesnike en su álbum Lovehunter, editado en 1979, hace una versión muy destacable, con un David Coverdale que le da un rollo más soul.
     Espero que lo disfrutéis como yo lo disfruto cada vez que lo escucho.

Woman across the river

- Woman across the river
- I'm your hoochie coochie man
- The danger zone
- Boogie man
- Leave my woman alone
- Just a little bit
- Look on yonder wall
- Help me trough the day
- I'm ready
- Trouble in mind
- You don't have to go

El disco de la semana 3: Beach House "Depression Cherry"

Porque no solo de rock vive el hombre y ya que yo soy la parte mas ligera del poker que hacemos este blog no os enfadéis demasiado si tras ver este texto las expectativas sobre este blog han decrecido, salvo contadas pildoritas que iré soltando solo me dejan elegir disco cada 5 semanas..

Mi primera propuesta es un dúo de Baltimore (patria de personajes conflictivos y transgresores como John Waters o Frank Zappa) que se llama Beach House fundado en 2004 y compuesto por Victoria Legrand y Alex Scally. Victoria es sobrina del compositor de cine Michel Legrand, ganador de tres oscars (Yentl, Verano del 42 y El caso de Thomas Crown) pero no solo eso, si os digo que compuso la sintonia de Erase una vez... el espacio y Erase una vez... la vida, automáticamente se están reproduciendo en vuestra cabeza.... por donde íbamos... ah si, Beach House...  sus componentes, pues ella es la voz "cantante" y toca el teclado, mientras que Alex Scally se encarga de la guitarra.
La banda en estos tiempos tan rimbombantes que vivimos esta etiquetada como "Dream Pop" que es descendiente directa de lo que se llamo New Wave y que se considera al grupo Cocteau Twins como los creadores de este género.
El disco elegido es el quinto de su discográfica y sin ser de los mejores es quizás uno de los intensos y a la vez menos retorcidos de escuchar, y según palabras de los autores “Para nosotros Depression Cherry es un color, un lugar, un sentimiento, una energía… que describe el lugar al que llegas mientras te mueves por los variados e interminables viajes de la existencia”. Como novedad en este disco el grupo decidió meter una batería en vivo, realzando la percusión y dándole mas importancia.

1.- Levitation: por momentos nos recuerda a la música que se escucha en la mítica película Lost In Translation, nos sume en una melancolía agradable con los teclados reinando en la canción con una letra muy potente, comienzan con Chill en el órgano y te hace flotar

Tú y yo con nuestro largo cabello en la pared dorada
Después de la medianoche podemos sentirlo todo
Y yo iré a donde tú quieras
Deberías ver el lugar al que quiero llevarte
Y cuando el tren llegue te abrazaré
Porque me dejas maravillado
Levitando en el puente porque nos queremos
Cuando lo desconocido te rodea

2.- Sparks: Este tema fue seleccionado como el primer single que se lanzo del álbum, un comienzo con la estridente guitarra de Alex inunda la canción hasta que los teclados y la voz toman protagonismo mientras la guitarra gime en segundo plano.. se vuelve una canción muy áspera, demasiado tras el inicio del disco, pero al final de la canción con la letanía de la voz ( Hazlo, Agítalo,
Vive) y esa guitarra dominante te deja un buen sabor de boca.

3.- Space Song: Personalmente uno de los temas mas brillantes del disco, gimen las guitarras dándole mas empaque a la melancolía que marca el teclado a una voz suave y andrógena de Victoria Legrand que pone el resto, acompañada de una letra que versa sobre lo complicado que es procesar una ruptura.... "En algún lugar de esos ojos, estoy a tu lado". Tristeza, mucha tristeza desparradamada en los cinco minutos, "Suave es la noche, para un corazón roto, ¿Quién te secará los ojos cuando estos estén llorando?  y resignación... "Vosotras, chicas de ojos grandes, lo hacen bien" Es una barbaridad de canción.

4.- Beyond Love: Se ha comentado que la voz y la música consiguen meterte en trance, no quiero exagerar, pero esta canción es ideal para escucharla con los ojos cerrados desde tu casa pegada a la playa mientras las olas complementan el sonido del teclado. Se vuelve un poquito mas popera sin abandonar la mística, es otra canción de desamor. Música fúnebre.

5.- 10:37: Empieza mandando la percusión metiéndonos en una especie de canto místico, la voz de Victoria te envuelve y si te paras en la letra quien no dice que es una oración...

Dónde tu vas
Ella no proyecta sombra
Aun así sabes que esta cerca
Aquí viene ella...
Es todas las partes de todo
Estrellas en la mano de madre
Con la oscuridad,
truenos sobre ti
Ven a nosotros volando

6.- PPP: Vuelve la mística al álbum y los teclados se adueñan de la canción, mientras que al final nos espera la sorpresa de escuchar un riff surfero muy al estilo de Beach Boys. Al curioso titulo no hay que darle mas vueltas, según la propia Victoria " PPP era realmente una cosa psicodélica, y también un título de trabajo que nunca quiso dejar estaba destinado a ser el título como es". De nuevo una canción de desamor toma el álbum, una ruptura .... "No puedes seguir aferrándote, a todo lo que ha muerto y se ha ido, de haberte creado un mito a ti mismo, sabrías exactamente qué entregar ¿Mientes? Oh, que las cenizas vuelen"

7.-Wildflower: Con pausa empieza el séptimo tema, para mi uno de los mas flojos del mismo, con su frugal base rítmica exquisitamente programada, y envuelta por capas de sintetizador que no resuelven la tensión, va creciendo, no rompe en un estribillo pegadizo y se cierra de repente, convertida en un paradigma de esta vuelta a la sencillez

8.- Bluebird: Con un inicio mas movido que el resto, casi discotequero, empieza este tema y de nuevo potencia de percusión para meternos dentro y obtener un tono tribal, bellisimos coros

9.- Days of Candy: Tiene unos tres primeros minutos prodigiosos donde la voz de Victoria, junto con los coros que se apilan uno sobre otro se hace dueños de la canción y del mensaje, se ha llegado a decir que es de una de las canciones ideales para cuando te reciban en el cielo.. porque sin ir mas lejos es una canción de despedida, de muerte, de desolación.


Las palabras 
viven en tu mente
Como la arcilla, se fue
Como la arcilla, se fue
Como la arcilla

Sé que vendrás muy pronto
El universo esta viajando contigo
Lo esperó, lo siento, lo se
Un poco de ti, lo tengo cerca de mí
Sé que viene muy pronto
El universo esta viajando contigo
Sé que viene muy pronto
Se que permanecerá por la eternidad
Quiero saber si estas ahí
El universo esta viajando contigo

No quiero despedirme sin dejar mis tres temas favoritos, si no os atrevéis con el disco entero escuchar si o si estos tres temas que para mi son maravillosos.

1.- Space Song
2.- Days of Candy
3.- Levitation

El disco de la semana 2: The Meters "Rejuvenation"

Tras el disco de Thin Lizzy, el segundo disco recomendado fue "Rejuvenation" de The Meters, grupo de New Orleans considerado como una de las bandas más influyentes del funk.

"Rejuvenation" salió en 1974 y es su cumbre creativa. Tras la publicación de este disco les llegó la fama a nivel internacional, y llegaron a colaborar con Paul McCartney y a ser teloneros de los Rolling Stones.

Pero eso fue después y nosotros nos centramos en "Rejuvenation", según la revista Rolling Stone el número 138 de los 500 mejores discos de la historia.  Si tenéis ocasión de escucharlo podéis comentar aquí si estáis de acuerdo con esa evaluación y si habéis disfrutado del funk pegadizo de estas 9 canciones como nosotros lo hicimos en la semana en que fue disco recomendado:

"People Say" es el primer tema y te traslada directamente a la pista de baile o a una fiesta en un apartamento de Harlem, sensación que se mantendrá a lo largo de casi todo el disco, no hay lugar para la tregua y la calidad de los temas es muy alta porque se trata de músicos muy experimentados en su género.

"Love is for me" tiene un tono más alejado del funky y más cercano al soul de Sam Cooke o Marvin Gaye. Medio tiempo con ritmo apoyado en piano, metales de fondo y coros soul femeninos.

"Just kissed my baby" Segundo gran trallazo funky con guitarras wah wah estilo blackxplotation, ritmo dance en la batería, teclados de fondo estilo jam-session y en conjunto un tema muy muy funky aderezado con los imprescindibles metales rítmicos del género.

"What'cha say", teclados rotundos al más puro estilo de las películas de Shaft y coros al estilo de "The Jacksons", otro buen tema para la pista de baile setentera.

"Jungle Man", Sabes que es una canción sobre un malote de barrio ya desde el principio con la sensación que da la batería solitaria a la que se enganchan unos teclados sucios estilo Stevie Wonder.

"Hey Pocky A-Way" la guitarra y la batería predominan en el ritmo, guiando una melodía de letra algo más comercial que en los temas anteriores, con toques Sly and the Family Stone.

"It ain't no use". Si hay que destacar una canción en especial, esta es la joya que nos ofrece este disco, obra maestra de larga duración que empezaréis a bailar desde el primer minuto hasta el último. Llena de ritmo y buen rollo, es una canción que debería haber tenido más repercusión, como todo el disco en realidad.

"Loving you is on my mind", pegadiza melodía de piano sobre una base de batería con mucho ritmo. Escasa letra de estilo Sly & The Family Stone y un mini solo de guitarra acelerado y fresco.

"Africa" cierra el disco devolviéndole a la senda más funky de temas anteriores. Otro temazo funk.

Cualquiera de las canciones mas marcadamente funkys habría sido un éxito en la voz de un James Brown por poner un ejemplo.

En resumen, los Meters te transportan a una pista de baile con una bola de espejos suspendida del techo, y despliegan todo su arsenal artístico en un disco al que es imposible no engancharse por la calidad de las interpretaciones y los temas.