0849 - James Brown - Super Bad

0849 - James Brown - Super Bad 

Super Bad es una canción de funk del famoso cantante y compositor James Brown, lanzada en 1970. La canción se caracteriza por su ritmo dinámico y energético, con un fuerte énfasis en la sección rítmica compuesta por la batería, el bajo y la guitarra eléctrica.

Super Bad es una de las canciones más emblemáticas del género funk, y ha sido considerada por muchos críticos como una de las obras maestras de James Brown. La canción fue grabada en 1970 en los estudios de grabación de King Records en Cincinnati, Ohio, con la colaboración de su banda de músicos altamente calificados, conocidos como The J.B.'s.

La canción comienza con un riff de guitarra funky y una línea de bajo pegadiza, que establecen el ritmo para el resto de la canción. El resto de la banda se une pronto, incluyendo la batería, los teclados y los vientos, creando un sonido lleno de energía y dinamismo.

La letra de Super Bad se centra en la autoafirmación y la celebración de la música como un medio para la expresión y el movimiento corporal. En ella, James Brown proclama su propio poder y habilidades como artista, afirmando que es "super malo" (super bad), y que puede hacer que la gente se mueva y baile al ritmo de su música.

La canción también presenta varias secciones de coros y vientos, que añaden un toque de complejidad y sofisticación a la estructura musical de la canción. En conjunto, estos elementos hacen que Super Bad sea una canción icónica del género funk y un ejemplo perfecto del estilo distintivo de James Brown como músico y compositor.

Daniel
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0848-. Maggie May - Rod Stewart

 

Maggie  May, Rod Stewart

     En 1971 el cantante británico Rod Stewart publica su tercer álbum de estudio, Every Picture Tells a Story. El disco sale bajo el sello Mercury Records a la venta en el mercado británico en mayo de 1971, y en el mercado estadounidense en julio de 1971. El disco, producido por el mismo Stewart, obtiene muy buenas críticas de la prensa especialzada situando este disco como uno de los mejores de su carrera.

El disco rápidamente se convierte en el más exito de todos los que lleva publicados hasta la fecha, alcanzando el puesto número 1 en la lista británica UK album Charts, y permaneciendo en dicha lista más de ochenta semanas consecutivas. En Estados Unidos alcanza también el número en la famosa lista Billboard 200. Hasta la fecha, el disco ha vendido más de un millón de copias. 

Incluido en el disco se encuentra la canción Maggie May, que fue compuesta por el propio Rod Stewart y por el entonces guitarrista Martin Quittenton, de la banda Steamhammer. Al parecer Rod y Martin se encontraban reunidos en casa del primero, y Martin empezo a tocar unos acordes que llamaron la atención de Rod, que acto seguido comenzó a cantar la canción popular Maggie Mae, un tema folclórico de Liverpool y que trata sobre una prostituta de Lime Street, tema sobre el cuál los Beatles se encargaron de hacer su versión y grabar en su disco Let It Be. 

Aquella situación le hizo pensar a Rod sobre un encuentro que tuvo 10 años antes, un encuentro en el que perdió la virginidad. La letra de Maggie May está inspirada en aquél primer encuentro sexual que tuvo el cantante durante el Fetival de Jazz de Beaulieu en julio de 1961, cuando tenía sólamente 16 años. Según comenta el propio Rod, a los 16 años se fue con unos amigos al Festival de Jazz de Beaulieu en New Forest, Hampshire (Inglaterra) y logra colarse. Fue allí, en un lugar apartado del cesped donde tiene su primera experiencia sexual con una mujer bastante mayor que él. Una mujer que seguramente acabaría decepcionada por la brevedad de la experiencia, ya que Rod estaba muy nervioso y aquella experiencia apenas duró unos segundos. El tema alcanzó el puesto número 1 en la lista UK Singles Chart del Reino Unido, permaneciendo en dicha lista 21 semanas consecutivas. También alcnazó el primer puesto en los Billboard Hot 100 de Estados Unidos, y entró en el top en países como Alemania, Suiza, Irlanda y Países Bajos.

El disco de la semana 325: Renaissance - Polyphia

Renaissance, Polyphia

     El Virtuosismo viene definido como una gran habilidad para hacer una cosa, especialmente para tocar un instrumento musical o para desarrollar el arte. Comenzamos con esta definición porque es la mejor manera de presentar el grupo de esta semana, cuatro virtuosos músicos que componen Polyphia, una banda instrumental fundada en la localidad de Plano, Texas, Estados Unidos, en el año 2010. La banda está conformada en la actualidad por los guitarristas Tim Henson y Scott LePage, el bajista Clay Gober y el baterista Clay Aeschliman.

Polyphia es una banda que ha evolucionado a partir de innumerables estilos musicales, si bien su sonido se basa principalmente en el rock instrumental, rock progresivo y rock matemático. Éste último, el llamado math rock o rock matemático fue un estilo de rock progresivo que surgió a finales de la década de los 80, principalmente en Estados Unidos y Japón. Dicho estilo se caracteriza por la complejidad de sus ritmos y la extraña composición de sus estructuras, siendo unos de sus grandes referentes bandas como King Crimson o Rush. 

El nombre de la banda, según ellos, mismos proviene de la palabra "Polyphony", que significa "música cuya textura se define por el entrecruzamiento de varias línas melódias". Jugando con esta definición, la banda aporta aporta el virtuosismo musical que cada uno atesora para entremezclar y transmitir un sonido con un gran potencial. Dicho sonido destaca por incorporar partes virtuosas de guitarra con otros estilos de música. Es cierto, que en sus comienzos, la banda se basó en un sonido orienado hacia el metal, para ir evolucionando hacia un sonido más progresivo, combinando, con el tiempo, otros estilos tan dispares como la música electrónica o el hip hop.  

El grupo ya tiene en su haber cuatro discos de estudio, dos EP y numerosos sencillos, y su fama y reputación ha ido creciendo de forma continuada y solida, hasta llegar a alcanzar con su cuarto álbum de estudio, Remember Taht You Die, publicado en 2022, el puesto número 33 en las listas estadounidenses Billboard 200, siendo ademas el  primer disco de la banda en conseguir colarse en dichas listas. Su primer éxito comercial fue al poco de formarse y llegó de la mano del tema Impassion, incluido en su EP Inspire, el cual se haría viral en el famoso canal de Internet Youtube. 

La recomendación para esta semana es su segundo álbum de estudio, Renaissance, publicado el 11 de marzo de 2016 bajo el sello discográfico Equal vision. Es precisamente en este disco donde la la banda comienza a alejarse del sonido metal para abrazar el rock progresivo y el math rock, comenzando también a jugar y mezclar otros elementos musicales como la música electrónica, jazz, funk, metal y hip hop entre otros. en Renaissance vamos a encontrar muchas partes melódicas con auténticas virguerías instrumentales y partes de música electrónica my bien integrada. Todo encaja desde el principio hasta el final con variedad de sonidos diferentes, pero todos bien conectados los unos con los otros. Estamos, para mí, ante uno de esos grandes discos de la música instrumental moderna, donde no sólo destaca el virtuosismo individual de la banda, sino la conexión y compenetración de todos para regalarnos una experiencia musical de grandes kilates. Vamos a encontrar grande temas como Culture Shock, donde las guitarras y la percusión nos atraen y nos va avanzando de lo que esta por llegar; Florence, con su juguetona y optimista melodía con toques funky; Paradise, que muestra la gran destreza técnica de la banda al unísono, y Euphoria y Light, que son, en mi opinión, dos de los mejores temas que la banda ha hecho hasta el momento. Renaissance es, en definitiva, una auténtica experiencia auditiva y sensorial, no sólo para los oídos, también para todos los sentidos.

0847.- Mandolin Wind - Rod Stewart

"Mandolin Wind", incluida en el disco de estudio "Every Picture Tells a Story" (1971), y aunque a la sombra de "Maggie May" que fue el auténtico boom de aquel disco, se ha convertido en uno de los temas clásicos del repertorio de Rod Stewart.

La canción es una reflexión sobre dolor por el amor perdido, y cómo con el paso del tiempo esos sentimientos y recuerdos se van aceptando e interiorizando, en un estilo de balada de folk rock nostálgica y melancólica, y que como su propio nombre indica, incluye mandolinas y violines, mezclados con las guitarras acústicas y la voz rasposa de Stewart, creando una atmósfera musical tan evocadora como efectiva.

Junto a la ya mencionada "Maggie May" y muchos de sus grandes éxitos, Rod Stewart la incluyó posteriormente en el disco "Unplugged and seated" (1993), considerado una de las mejores actuaciones de la serie de conciertos acústicos que la MTV grabó en los noventa con los mejores artistas del momento, de los que el "Unplugged in NY" de Nirvana quizá sea el mejor y más recordado. En ese disco, y acompañado de Ron Wood a la guitarra, Stewart volvió a dar vida e impulso a "Mandolin Wind", una de las grandes baladas clásicas del folk rock de los años setenta

0846.- Yo no soy esa - Mari Trini

María Trinidad Pérez de Miravete-Mille y Pascual del Riquelme, más conocida con el nombre artístico de Mari Trini, nació en la pedanía murciana de Singla, el 12 de julio de 1947, a los siete años se trasladaría a Madrid con su familia donde, enfermó de gravedad (nefritis crónica), por lo que tuvo que pasar largas temporadas en casa, sin apenas levantarse de la cama, esta enfermedad fue larga y marcó el carácter de Mari Trini ya que has ta los 14 años no obtuvo el alta médica. La enfermedad le dejó alguna secuela física, pero también perfiló su personalidad y carácter, y fue un período que aprovechó para escribir y aprender a tocar la guitarra. Con apenas quince años conoció en Madrid al cineasta Nicholas Ray, director de películas como “Rebelde sin causa” o “55 días en Pekín”, él fue quien convenció a Mari Trini para que marchara a Londres a estudiar arte dramático y a prepararse para interpretar una película, que finalmente no llegó a realizarse. Allí conoció a Roman Polanski, Paul McCartney, James Mason y Marlene Dietrich, y empezó a coquetear con la canción francesa, por lo que acabó en París grabando sus tres primeros EP. A su regreso a España, cantó por Aute y por Patxi Andión, hasta que se hartó de interpretar las voces de otros y buscó incansablemente la propia: un trabajo, ustedes lo saben, que le lleva a uno toda la vida. Por eso fue que en su siguiente álbum, Escúchame, donde salió su Yo no soy esa, un auténtico himno feminista lanzado en 1971, con Franco vivísimo, con un nacionalcatolicismo implantado hasta la médula, con este disco y esta canción se consagró como una de las cantautoras fundamentales de habla castellana. Mari Trini vino a desvincularse, con esta letra inolvidable, de la concepción que el españolito medio tenía de la mujer de al lado: manifestaba, desafiante, que no pensaba ser complaciente ni dócil, que no iba a estar esperándole ni disculpándole sus escarceos con otras, que no iba a reírle las gracias tan fácilmente, “Yo no soy esa que tu te imaginas. Una señorita tranquila y sencilla, que un día abandonas y siempre perdona. Esa niña sí … no, esa no soy yo”. El título «Yo no soy esa» es revelador porque cita (y rebate) otra canción: «Yo soy esa», tema clásico del género de la copla (cantado por, entre otras, Isabel Pantoja) cuya letra alude a una mujer utilizada por los hombres.

A Mari Trini la llamaron “marimacho” porque fue la primera mujer en aparecer en Televisión Española llevando pantalones tejanos, y porque no jugaba a la baza de la sensualidad en escena: vestía sobria, sencilla, casi siempre de blanco y negro, dejando caer sobre los hombros su espesa melena rubia, lisa y recta. No fue pizpireta, fue enigmática, y culta, y algo oscura: daba la sensación de que valía mucho más por lo que callaba, Mari Trini fue, ante todo, dueña de su vida, y para conseguirlo tuvo que tejer con cuidado una muralla de discreción a su alrededor: era fácil que la prensa rosa volviese a poner en el foco del debate los amoríos de una mujer como centro de su personalidad.

Binaural - #MesPearlJam

Pearl Jam comenzó el nuevo milenio con Binaural (2000), un sexto disco de estudio que resultó ser una propuesta arriesgada y difícil de digerir para sus fans de siempre, pero del que hay que valorar su apuesta por las nuevas tecnologías de grabación (el nombre del disco proviene de la técnica de grabación "binaural" con la que se registraron muchas de las canciones) y la creatividad de las iniciativas paralelas que lo acompañaron (es en la gira de promoción de este disco por Europa y Estados Unidos, cuando la banda publica las grabaciones de 72 de sus conciertos).

Musicalmente, y más allá de las avanzadas técnicas de grabación que se emplearon, la banda se lanzó a producir canciones y sonidos muy experimentales, incluyendo instrumentos poco habituales como el ukelele, la viola, el chelo, la armónica y la percusión (a cargo de Wendy Melvoin, la que fuera guitarrista de Prince & The Revolution), lo que culminó en la entrega de un álbum muy diferente a todo lo que habían hecho hasta entonces, y que fue injustamente repudiado (apenas llegó al millón de copias vendidas), porque la realidad es que la calidad de las canciones, y la curiosa técnica binaural que hace de la escucha una experiencia irrepetible con unos buenos auriculares, merecían mayor reconocimiento del que tuvieron.

Pearl Jam suenan engrasados y potentes en el arranque con "Breakerfall" y "God's dice", temas rotundos con múltiples capas de guitarra dándoles empaque. La experimentación comienza a ser más evidente en "Evacuation", que baja el pistón pero aún mantiene una luminosidad rockera que, según avanza el disco, tornará hacia propuestas más oscuras e introspectivas. En el tramo central, y una detrás de la otra sin dejar tregua, las dos canciones que se publicaron como singles justifican por sí solas la defensa de un disco injustamente denostado. Tanto el efectivo medio tiempo de "Light years" como el derroche de intensidad que es "Nothing as it seems" ocupan por mérito propio un lugar entre las grandes canciones de la banda de Seattle.

En la segunda parte del disco, y tras la poco memorable balada "Thin Air", aún encontramos temas intensos y reseñables como "Insignificance" o "Grievance", y alguna que otra curiosidad menor como el toque a country blues de "Of the girl" o la cancioncilla de ukelele "Soon forget", entre pistas de oscura experimentación como "Rival" o "Sleight of hand", y culminando con la tétrica "Parting ways" y el tema oculto "Writer's Block" al final de ésta. En conjunto, un disco más que reivindicable y una rareza exquisita dentro de la discografía de Pearl Jam, aunque no sea uno de sus discos top, y un encomiable esfuerzo de una banda que no quiso quedar atrapada en la autocomplacencia y la repetición de esquemas.

0845.- Guajira - Santana

"Guajira", incluida en el disco "Santana III" (1971), es una impactante mezcla de estilos musicales, que van del rock a la salsa, pasando por el jazz latino, y como su propio nombre refleja, por "la Guajira", una variante de música tradicional cubana. Y como buen homenaje a la música y la cultura de la isla, la letra habla de la belleza de una mujer cubana.

La canción comienza con un solo de guitarra eléctrica de Carlos Santana, al que sigue una sección rítmica de percusión y bajo. La voz corre a cargo de Greg Walker, pero el protagonismo de la canción se lo llevan los generosos solos de guitarra de Santana, repartidos a lo largo de los casi seis minutos de "Guajira", y dándole al tema un cierre eléctrico e impactante.

"Guajira" es considerada por muchos como una de las mejores canciones de Santana, por su particular combinación de géneros musicales, dentro de un catálogo musical tan relevante como el que nos ha regalado el genial guitarrista y su ecléctica banda.

0844 - Santana - Everybody's Everything

0844 - Santana - Everybody's Everything

Everybody's Everything es una canción de la banda de rock y latin rock Santana. Fue lanzada en 1971 como parte de su tercer álbum de estudio, titulado también "Santana III". La canción se destacó por su fusión de estilos musicales como el rock, el blues, la salsa y la música latina, y se convirtió en un éxito en su momento.

La canción comienza con un ritmo de batería animado y se va construyendo con los acordes de guitarra característicos de Carlos Santana, que es conocido por su estilo distintivo y virtuosismo en la guitarra. La letra de la canción, escrita por Carlos Santana, describe una visión positiva y espiritual de la vida, con un mensaje de unidad y amor para toda la humanidad. 

Everybody's Everything se destacó por su combinación única de elementos musicales, incluyendo los solos de guitarra de Santana, el estilo de percusión afro-latina y las letras con un mensaje positivo. La canción se convirtió en uno de los éxitos más reconocidos de Santana, y ayudó a establecer su reputación como una de las bandas de rock más innovadoras de la época.

Además, Everybody's Everything ha sido utilizada en diversas películas, programas de televisión y comerciales a lo largo de los años, y ha sido versionada por varios artistas. Es considerada una de las canciones más representativas de la fusión de estilos de Santana y sigue siendo popular en la actualidad.

Daniel
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#MesPearlJam álbum Pearl Jam

#MesPearlJam álbum Pearl Jam 

El álbum homónimo de la banda Pearl Jam, también conocido como "Avocado", fue lanzado en 2006 y es su octavo álbum de estudio. Fue producido por Adam Kasper y Pearl Jam y fue grabado en los Estudios de Avast! en Seattle, Washington.

El álbum fue muy bien recibido por la crítica y los fanáticos, y muchos lo consideran uno de los mejores trabajos de la banda. Presenta una mezcla de estilos musicales, desde el rock alternativo hasta el punk rock y el hard rock.

El álbum incluye algunos de los sencillos más populares de la banda, como "World Wide Suicide", "Life Wasted" y "Gone". También incluye canciones más experimentales y emocionales, como "Inside Job" y "Come Back", que son reflexivas y profundas.

El álbum contiene un total de 13 canciones, cada una con su propio estilo y personalidad. A continuación, te proporcionaré una descripción general de las canciones del álbum:

1. "Life Wasted": Es el primer sencillo del álbum y una de las canciones más poderosas y enérgicas de la banda. Con un sonido punk rock, la canción tiene una letra muy crítica que habla sobre la vida y el tiempo desperdiciado.

2. "World Wide Suicide": Fue el segundo sencillo del álbum y una de las canciones más políticas de la banda. La canción se enfoca en la guerra y la violencia en todo el mundo, y su letra tiene un mensaje pacifista.

3. "Comatose": Es una canción más pesada y oscura, con una letra que trata sobre la desesperación y la pérdida. La canción presenta una guitarra pesada y un coro potente.

4. "Severed Hand": Es una canción enérgica y pegadiza que presenta un sonido más rockero. La letra trata sobre la determinación y la perseverancia en momentos difíciles.

5. "Marker in the Sand": Es una canción más introspectiva y emotiva, que presenta una guitarra acústica en lugar del sonido eléctrico característico de la banda. La letra trata sobre la búsqueda de la verdad y la comprensión.

6. "Parachutes": Es una canción más suave y reflexiva que presenta una voz melancólica y una guitarra acústica. La letra trata sobre la importancia de seguir adelante en la vida.

7. "Unemployable": Es una canción enérgica con una letra muy crítica sobre la sociedad y la política. La canción presenta una guitarra distorsionada y un coro potente.

8. "Big Wave": Es una canción más experimental que presenta una mezcla de sonidos rock y jazz. La letra trata sobre la naturaleza y el poder del océano.

9. "Gone": Es una canción enérgica con una letra muy crítica, que habla sobre la fama y el dinero. La canción es muy pegadiza y presenta una guitarra muy distorsionada y un coro pegajoso.

10. "Wasted Reprise": Es una versión más suave y melancólica de la canción "Life Wasted", que cierra el álbum.

11. "Army Reserve": Es una canción más lenta y emotiva que presenta una letra sobre la guerra y la lucha interna. La canción es muy conmovedora y presenta una guitarra acústica y una voz suave.

12. "Come Back": Es una canción enérgica con una letra muy emotiva, que trata sobre la pérdida y la esperanza. La canción presenta una guitarra distorsionada y un coro potente.

13. "Inside Job": Es la última canción del álbum y una de las más emotivas y reflexivas. La letra trata sobre el arrepentimiento y la necesidad de dejar atrás el pasado para seguir adelante. La canción presenta una guitarra acústica y una voz suave, lo que la hace muy conmovedora. 

En general, el álbum es muy poderoso y enérgico, con una actitud punk rock que se muestra en muchas de las canciones. Las letras también son muy críticas y a menudo políticas, lo que refleja la postura de la banda sobre temas sociales y políticos de la época.

En resumen, el álbum homónimo de Pearl Jam es un trabajo destacado en la carrera de la banda, que combina una variedad de estilos musicales con letras inteligentes y profundas. Es un álbum imprescindible para cualquier fanático de Pearl Jam y para cualquier persona interesada en el rock alternativo de los años 2000.

Daniel 

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0843-. No One To Depend On - Santana

 

No One To Depend On, Santana

     Nos encontramos en 1971, y la banda Santana con Carlos Santana al frente, y acompañado de Gregg Rolie (vocalista, teclados, piano), Neal Schon (guitarra), David Brown (bajo), Michael Shrieve (batería, percusión), José "Chepito" Arias (percusión, conga, timbales, batería), y Mike Carabello (percusión, conga, pandereta) se encuentra en su momento más álgido. Entre enero y julio de 1971 la banda publica su tercer álbum de estudio, Santana III, otro gran álbum a la altura de los dos anteriores, y que será el último disco grabado con la formación clásica, ya que en el siguiente se producirán numerosos cambios en la formación. Con Santana III la banda iba a cerrar una imprescindible trilogía junto a los aclamados Santana  y Abraxas.

Santana III, también conocido como Man With an Oustretched Hand (Hombre con una mano extendida), por la imagen de la portada del álbum, es grabado entre enero y julio de 1971 en los estudios Columbia de San Francisco, bajo la producción del mismo grupo, y publicado en septiembre de 1971 por el sello discográfico Columbia Records. Este disco supondrá el último de la llamada formación de la "era de Woodstock" hasta su posterior reunión en Santana IV, en 2016. El grupo había alcanzado la cima de la popularidad, y esto se notó en las listas de ventas, pues Santana III alcanzó el puesto número 1 en la lista estadounidense Billboard 200.

El grupo sigue con la formula de sus anteriores trabajos, mezclando con maestría rock, jazz, blues y sonidos latinos. Incluida en este disco se encuentra No One to Depended On, acreditada a Carabello, Rollie y Cove Escobedo (percusionista adicional de la banda en esa época). Este magnífico tema contiene una base muy instrumental, con unos magníficos riffs de bajo y guitarra y una larga introducción instrumental. El tema contiene poca letra, donde se repite prácticamente todo el tema "Ain't got nobody that i can depend on". Este tema fue lanzado como segundo sencillo el álbum.

0842 - John Denver - Take Me Home, Country Roads

0842 - John Denver - Take Me Home, Country Roads

Take Me Home, Country Roads es una canción del género músical country escrita por Bill Danoff, Taffy Nivert y John Denver, e interpretada por este último. Fue lanzada por primera vez en 1971 como parte del álbum "Poems, Prayers & Promises" de John Denver, y se ha convertido en uno de los himnos más reconocibles y queridos de la música country estadounidense.

La canción se caracteriza por su melodía pegajosa y letras nostálgicas que evocan un sentido de hogar y pertenencia. La letra habla de la belleza y la tranquilidad de la vida en el campo, y la sensación de regresar a casa después de un largo viaje. La canción se desarrolla en torno a la idea de encontrar un lugar donde pertenecer, un refugio en medio de los altibajos de la vida.

Una de las razones por las que "Take Me Home, Country Roads" ha perdurado en la cultura popular es su capacidad para evocar emociones universales. La letra pintoresca y evocadora, que menciona los Montes Apalaches, Virginia Occidental y el río Shenandoah, ha resonado con muchas personas que han experimentado la belleza de la naturaleza y la nostalgia de su hogar. La canción ha sido utilizada en numerosas películas, programas de televisión y comerciales, y ha sido versionada por numerosos artistas en diferentes estilos musicales.

La voz distintiva de John Denver y su habilidad para transmitir una sensación de autenticidad y sinceridad también son elementos destacados de Take Me Home, Country Roads. John Denver, conocido por su amor por la naturaleza y su compromiso con la sostenibilidad y la protección del medio ambiente, era un apasionado defensor de la vida rural y las comunidades rurales de Estados Unidos. Su interpretación apasionada de la canción y su conexión con las letras han hecho que Take Me Home, Country Roads sea una de las canciones más emblemáticas de su carrera.

Take Me Home, Country Roads ha trascendido las fronteras del género country y se ha convertido en una canción atemporal que ha dejado una huella perdurable en la música popular. Su mensaje de nostalgia, amor a la naturaleza y búsqueda de un hogar verdadero resuena con personas de diferentes culturas y generaciones. A través de su encantadora melodía y letras emotivas, Take Me Home, Country Roads sigue siendo una canción querida por muchos amantes de la música en todo el mundo.

0841.- Blue - Joni Mitchell

 

En ese trayecto de lo particular a lo general, sabemos al menos desde Homero y Shakespeare que, únicamente buceando en el abismo personal, es posible dar forma a sentimientos universales. Las sensaciones, estados de ánimo, miserias, alegrías, gozos, dolores del hombre son las mismas desde que el mundo es mundo. Eso lo han plasmado inmejorablemente escritores, pintores y músicos. Y por supuesto, una canadiense de aspecto frágil y temple de hierro, conocida como una desprejuiciada devoradora de hombres, y dotada con el suficiente talento para captar en sus palabras los sentimientos de millones de personas, desde un punto de vista que, si bien parte de su condición femenina, no se olvida de entender, como pocas mujeres, las inseguridades, frustraciones e idiosincrasia masculinas. La pluma de Joni Mitchell recorre con una enorme perspicacia toda la gama de detalles que conforman la vida cotidiana. Es una mirada desde dentro, que trasciende al exterior y devuelve como un espejo todo aquello que nos condiciona, nos afecta, nos marca y nos salva o destruye. En su album "Blue", asistimos a algo parecido a una sesión de psicoanálisis desde un cómodo sillón en un café. Como voyeurs de vidas propias y ajenas, estas narraciones atrapan nuestra atención en apenas unos minutos, al modo de los mejores relatos. Se me antoja que Joni es de la estirpe de los grandes cuentistas, en realidad, es casi proverbial la capacidad de Joni para penetrar por igual en el mundo de ambos sexos.

Dentro de este álbum me gustaría destacar la canción que da titulo a su trabajo, Blue es una canción de sonido sombrío con notas de piano, es desolación pura. Las canciones son como tatuajes, dice. Y es cierto. Esta se tatúa en tu alma de repente, sin aviso ni defensa posible. Es la respuesta, como todo el álbum, a una serie de sentimientos profundos, un desnudo en público provocado, sobre todo, por dos relaciones. Una tremendamente hermosa, pero inevitablemente rota, con Graham Nash y otra totalmente tormentosa con James Taylor, que la dejaría devastada. Todo eso se imprime en esta letanía que ella canta de manera especialmente profunda acompañada de aquél poderoso piano Stenway que andaba por el estudio y con el que, casi a la vez, grabaron sus mejores discos ella y su buena amiga Carole King. Mitchell describe 'Blue' como una oda a los sentimientos de depresión y desolación, mientras menciona las formas en que las personas pueden adormecer el dolor: "Ácido, alcohol/ Agujas, pistolas y hierba/ Mucha de risas”. Pero no hay risas en 'Blue'. Cuando no queda nada más que tristeza, a veces es todo a lo que puedes recurrir hasta que empiezas a formar un vínculo con ella y dependes de ella. “Azul, te amo”. 'Blue' resuena con una gravedad absoluta que puede consumirlo todo, pero también catártica y limpiadora, como exorcizar un demonio o purgar la oscuridad de ti. Mitchell ha hablado de Blue , el álbum y la canción, como un medio para hacer frente a la infelicidad que estaba sintiendo de una manera saludable.

El disco de la semana 324: East-West - The Paul butterfield Blues Band

 

East West, The Paul Butterfield Blues Band

     Si el álbum debut de The Paul Butterfield Blues Band, de título homónimo, ya era bueno, con East West, la banda se saca de la manga un disco más duro y musicalmente más diverso, con influencias, además del blues, psicodélicas, orientales, jazzisticas y de hard rock. Un álbum donde destaca sobremanera la alianza de Paul Butterfield con un Michael Bloomfield en estado de gracia. 

A finales de 1964, Joe Boyd, un aspirante a productor y amigo del productor Paul Rothchild, de Elektra Records, le comenta que la mejor banda del mundo tocaba en un bar de blues de Chicago. Rothchild cogió un avión a Chicago para ver el cuarteto que en ese momento formaba Butterfield, y que se llamaba Big John's. Más tarde, esa misma noche, y a sugerencia de Boyd, Rothchild fue a otro club diferente donde vió a Mike Bloomfield con una banda diferente. Sería Rothchild el que animara a Butterfield para que fichara a Bloomfield, y se acabara conformando la influyente formación The Paul Butterfield Blues Band.

En 1966 la banda publica su segundo álbum de estudio, East-West. En ese momento la formación está conformada por Paul Butterfield (voz y armónica), Mike Bloofield (guitarra), Elvin Bishop (guitarra), Jerome Arnold (bajo), Billy Davenport (batería) y Mark Naftalin (piano, órgano). East-West, considerado como un álbum muy influyente dentro del blues, fue grabado en julio de 1966 en los reputados Chess Studios de Chicago, Illinois, bajo la producción de Mark Abramson, Paul Rothchild y Frazier Mohawk, y publicado en agosto de 1966 por el sello Elektra Records. El disco consiguió colocarse en el puesto nº 65 de la lista estadounidense Billboard Pop Album Charts. La portada del álbum es una fotografía tomada en el Museo de Ciencia e Industria de Chicago.  

La fórmula que el grupo emplea es la misma que la de su primer disco, The Paul Butterfield Blues Band, alternando versiones de blues tradicionales con otros temas de corte más eléctrico y toques psicodélicos, jazzísticos e incluso de la música India. Vamos a encontrar grandes versiones de blues clásico como Walkin' Blues, un estándar de blues escrito  y grabado originalmente por el músico de blues del Delta estadounidense Son House en 1930. Esta canción pronto pasó a formar parte del reperterio de otros bluesmans como Robert Johnson y Muddy Waters entre otros, quienes adaptaron y grabaron sus propias versiones; el tradicional I Got a Mind to Give Up Livng; la también tradicional All These Blues y Two Trains Running, esta última compuesta por Muddy Waters.   

También encontramos temas como Get Out of My Life, Woman, una delicia con toques de funk que la banda es capaz de llevarse a su territorio y hacerla suya a su estilo, y es que este tema fue escrito por el gran Allen Toussaint y grabado por primera vez por Lee Dorsey en la década de los 60. Hay lugar para versiones jazzeras, como Work Song, una magnífica sesión instrumental que nos regalan con un magnífico trabajo de las guitarras y la armónica Paul Butterfield. Se trata un estándar de jazz compuesto por el trompetista Nat Adderley y el escritor Oscar Brown Jr, y grabada por Adderley. Originalmente la canción era instrumental y posteriormente Oscar Brown Jr. incluyó letra en una versión posterior. La canción se inspiró en una experiencia infantil de Adderley al ver a una cuadrilla de trabajadores convictos trabajando. Está considerada esta canción como uno de los estándares del llamado estilo hard bop, que es como se describió un nueva corriente que surgió dentro del jazz y que incorporaba influencias del R&B, la música gospel y el blues. Never Say No es una tenue y lenta canción donde la banda se vuelve a mover muy sutilmente entre elementos jazzísticos.   

También tienen tiempo para regalarnos un tema con aires psicodélicos, Mary, Mary, canción escrita originalmente por Michael Nesmith, guitarrista del grupo The Monkees, y grabada por primera vez por la banda de Paul Butterfield. Fue uno de los porductores, Barry Friedman, quien sugirió al grupo que pobara esta canción escrita por el guitarrista de The Monkees. La canción fue un claro intento de la banda, a sugerencia de los productores y la discográfica, de hacer un sencillo de éxito, aunque al final Elektra Records decidió lanzar esta canción como sencillo.

El disco cierra con una auténtica joya instrumental de más de trece minutos de duración y que además da nombre al disco, East-West, un tema que mezcla magistralmente blues y aires psicodélicos con patrones musicales de la música oriental de la India. La canción surigó a raíz de una sesión de improvisación de más de una hora de duración donde la canción se basaba en un patrón de bajo de cuatro tiempos y estaba estructurada como una serie de secciones, donde afloraban diferentes estados de animo y colores musicales, donde el baterista contribuye, además de con la sección rítmica, con mazos, tambores y diferentes platillos, con unas grandes guitarras, y donde Paul Butterfield contribuye con unos magníficos sólos de armónica. Esta canción está considerada como una de las primeras y que sentaría las bases de las raíces del llamado rock psicodélico.

0840.- Mercy Mercy Me - Marvin Gaye

"Mercy Mercy Me (The Ecology)" es un intenso y conmovedor alegato ecologista firmado por el propio Marvin Gaye, que la compuso para ser incluida en el álbum "What's going on" (1971). Fue el segundo sencillo que se publicó del disco, tras la exitosa canción que le daba título, y no se quedó precisamente atrás,  ya que alcanzó el primer puesto de las listas de R&B estadounidense, posición en la que se mantuvo durante dos semanas, y el no menos meritorio cuarto puesto en el Billboard.

Acompañando a la aterciopelada voz de Gaye (con The Andantes a los coros), la combinación de bajo, piano y arreglos de cuerdas crea una capa de acompañamiento con un empaque rítmico que lleva a la canción mucho más allá del terreno habitual de las baladas del momento, construyendo todo un ecosistema de ecología musical, plagado de una multitud de innovadores arreglos (la percusión la consiguieron saturando de reverberación el estudio y golpeando un madero con un mazo de goma) e instrumentos de fondo, en su mayor parte interpretados por The Funk Brothers.

Al particular efecto del conjunto contribuye también el brillante solo de saxo de Wild Bill Moore, poniendo la guinda a un gran tema de soul que, a día de hoy, sigue siendo uno de los sencillos más exitosos y conocidos de toda la obra de Marvin Gaye.

0839 - Marvin Gaye - What's Going On

0837 - Marvin Gaye - What's Going On

What's Going On es una canción icónica del cantante y compositor estadounidense Marvin Gaye. Fue lanzada en 1971 como el título del álbum de Marvin Gaye del mismo nombre, y se ha convertido en una de las canciones más famosas y aclamadas de la música soul y R&B.

La canción fue escrita por Marvin Gaye, Al Cleveland y Renaldo Benson, y fue inspirada por los problemas sociales y políticos de la época, incluyendo la guerra de Vietnam, la injusticia racial, la pobreza y la degradación del medio ambiente. Fue escrita como una reflexión sobre la confusión y la angustia que Marvin Gaye sentía en ese momento, y su deseo de encontrar respuestas a los problemas del mundo.

What's Going On se destaca por su mezcla única de elementos de soul, R&B, música funk y jazz, y su estilo lírico reflexivo y poético. La canción cuenta con arreglos musicales sofisticados, con una orquestación rica y armonías vocales suaves y melódicas que complementan la poderosa voz de Marvin Gaye.

La canción fue un éxito comercial y crítico, alcanzando el primer lugar en las listas de éxitos de R&B y llegando al segundo lugar en la lista de éxitos generales de Estados Unidos. Su mensaje de conciencia social y su llamado a la empatía y la comprensión resonaron con el público, convirtiéndola en un himno de protesta y un símbolo de la lucha por la justicia social y la igualdad.

Además de su éxito comercial, What's Going On ha sido aclamada por su importancia artística y su influencia duradera en la música popular. La canción ha sido versionada por numerosos artistas a lo largo de los años y ha sido incluida en varias listas de las mejores canciones de la historia. En 2021, la revista Rolling Stone la nombró la mejor canción de todos los tiempos en su lista actualizada de "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos".

En resumen, What's Going On de Marvin Gaye es una canción emblemática que aborda cuestiones sociales y políticas, con una combinación única de estilos musicales y un mensaje poderoso que ha perdurado a lo largo de los años. Es considerada una obra maestra de la música popular y un himno para la conciencia social y la lucha por la justicia.

Daniel 

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Pearl Jam - Yield (Mes Pearl Jam)

Cuando Pearl Jam publica Yield , estaban completamente libres de los "grilletes" que el grunge les había proporcionado, estaban fuera del centro de atención, y había menos presión sobre ellos para ser esa voz enojada de una generación, con grandes riffs y gruñidos vocales. Esto les dejo la libertad para hacer los álbumes que querían hacer, aunque eso no quiere decir que se deshagan por completo del sonido que los hizo famosos. Líricamente, las canciones tratan los temas habituales, pero de una manera un poco más positiva y consciente, una actitud adoptada desde la espiritualidad impregnada de No Code, esa espiritualidad la encontramos en las letras sobre la fe, Dios o “La Lucha”. El álbum nunca trata de hacer nada convincente, incluso en las pistas mas experimentales, se quedan cortas, Vitalogy tenía partes experimentales que te dejaban rascándote la cabeza, pero al menos ofrecían algo distinto y te daba para pensar.

Incluso el mayor éxito del álbum, Given To Fly, es una flagrante estafa de Led Zeppelin, de manera similar a como Oasis tomó el riff de T-Rex para Cigarettes & Alcohol, Pearl Jam tomó el riff de "Going to California" y lo recicló casi por completo. Supongo que eso está muy bien para los jóvenes que no han escuchado Led Zeppelin IV, pero para el resto de nosotros, está pisando un territorio antiguo y ya bien explorado. Do The Evolution es la única pista que realmente deja una gran impresión: una sátira del complejo de superioridad de la humanidad, la letra se combina con uno de los mejores instrumentos de Pearl Jam en años, junto con una pausa de coro extraña pero completamente adecuada. 

Algunas canciones, como No Way, introducen un riff prometedor, pero se prolongan demasiado para que sea brillante. Whislist se nos presenta como una balada tranquila donde encontramos a Eddie Vedder encadenando múltiples metáforas a lo largo de la cancion, desafortunadamente, algunas metáforas son francamente terribles y casi absurdas, mientras que otras son hermosas. Pilate tiene que ser una de las peores canciones en el canon de Pearl Jam y el coro es realmente inolvidable solo por lo malo que es. Probablemente la canción más simple y la que realmente destaca es MFC (que significa Mini Fast Car) una canción sencilla sobre cómo alejarse de los problemas, lo que la hace instantáneamente comparable a "Rearviewmirror" de Vs, pero lo que realmente la hace destacar es su sonido de guitarra estilo Sonic Youth que muestra algunas influencias orientales, junto con una brillante melodía vocal. Brain of J recupera la tradición anterior de Pearl Jam de poner un rockero rápido, duro y pegadizo al comienzo de un álbum, es una de las canciones más subestimadas de Pearl Jam y presenta un estribillo increíblemente pegadizo. La emoción continúa con su hermano mayor Do The Evolution, que debe ser una de las canciones más duras de la banda, con un riff mugriento y Vedder haciendo estallar sus pulmones por completo, la canción seguramente será una de las favoritas del álbum.

Eddie Vedder muestra crecimiento en este álbum como letrista, ¿Cómo puede ser eso, preguntas? Bueno, en realidad no todo es culpa de Vedder, algunos de los momentos más inconsistentes se deben a la inclusión de letras de otros miembros. Gossard escribió No Way y All Those Yesterdays y Ament escribió Pilate y Low Light. La música se comparte por igual en términos de créditos de escritura, con Vedder escribiendo solo dos pistas. 

Aún sin decidirse a buscar en otro lado (algo que llegará con el próximo disco), Pearl Jam recurrirá a la pericia de Brendan O'Brien para asegurar la producción de Yield. Una producción muy cercana a la de No Code por su carácter directo, rudo e hipernatural. Grabado esta vez en Seattle, este último es el resultado de un esfuerzo colectivo, ya que Eddie Vedder se ha comprometido a dejar mucho más espacio para que los demás miembros del grupo puedan expresarse plenamente. Una decisión recibida con mucho entusiasmo por parte de los músicos que obviamente se animaron con la idea de participar nuevamente en el proceso creativo monopolizado durante mucho tiempo por el Sr. Vedder. 

Por un lado, podrías ver este álbum como el primer verdadero esfuerzo de "banda" desde Ten, pero también puedes verlo como una colección desordenada de canciones de rock rancias escritas por todos los miembros con influencias bastante obvias. Personalmente, lo veo como lo último, a pesar de mi nostalgia por Pearl Jam, no hay casi nada, los aspectos más destacados de su álbum anterior eclipsan incluso los mejores momentos de este disco. Pearl Jam estaba lejos de terminar y todavía tenían algunos álbumes especiales en preparación para los fanáticos.

0838.- In the Land of Grey and Pink - Caravan

"In the Land of Grey and Pink" ("La tierra de Gris y Rosa") es la canción que da título al tercer álbum de la banda inglesa de rock progresivo Caravan, publicado en 1971 por Decca Records. El título, referido al condado de Kent en el que se criaron los miembros de la banda) fue sugerido por Richard Sinclair, al que le vino la frase a la cabeza años atrás, al contemplar un atardecer durante una jornada de ensayo.

Tras un comienzo con cierto toque medieval, y un ritmo de guitarras acústicas acompañando a la interpretación vocal en un marcado tono de "canción de trovador", los teclados de David Sinclair van poco a poco creciendo de fondo, hasta hacerse con el dominio del tema en un melódico tramo intermedio de piano. Las guitarras y los efectos (Incluyendo el sonido de "soplar burbujas" a cargo de Richard Sinclair) acompañan la transición hacia un psicodélico solo de teclados, antes de que la voz ocupe de nuevo su puesto en primera línea, recuperando la estructura de canción melódica con la que arrancó. Como todo buen tema progresivo, la canción termina con las leves notas de guitarra de aires medievales con las que empezó.

El álbum completo fue compuesto y grabado entre finales de 1970 y comienzos de 1971, y la canción titular fue las última en completarse para el disco, en diciembre de 1970, en los recién estrenados estudios AIR de George Martin, tras una fase inicial de grabación en los Decca Studios. El disco "In the Land of Grey and Pink" no tuvo todo el éxito que los miembros de la banda hubieran esperado, pero se ha mantenido como uno de los discos más valorados del rock progresivo, y es sin duda el momento de mayor inspiración artística de Caravan, que durante años han incluido en su repertorio en directo temas como "Nine Feet Underground", "Golf Girl" y, por supuesto, "In the Land of Grey and Pink".

0837.- In the summertime - Mungo Jerry

Por un tiempo, extrañamente, parecía que Mungo Jerry podría ser el heredero del trono de The Beatles. Esta banda de rock/pop/skiffle/jug obtuvo el número 1 más vendido de 1970 y una de las canciones más memorables sobre el verano de todos los tiempos con su sencillo debut In the Summertime . Mungo Jerry se formó a partir de las cenizas de la banda de rock and roll y blues de los años 60 The Good Earth, con, entre otros, el cantautor y guitarrista Ray Dorset y el teclista Colin Earl. La otra mitad de la banda se había ido a fines de 1968, y con un compromiso pendiente, el Baile de Navidad de la Universidad de Oxford de 1968, Dorset contrató a Joe Rush para tocar el contrabajo. Dorset todavía estaba trabajando cuando se le ocurrió la pista principal In the Summertime , que grabó en 10 minutos. Claramente, podía decir que esta cancioncilla podría ser un gran debut para Mungo Jerry, pero es poco probable que supiera el impacto que tendría esta historia de juventud libre durante el próximo medio siglo.

In the Summertime será la única pista asociada con Mungo Jerry (a pesar de un segundo número 1, olvidado hace mucho tiempo), se ha utilizado innumerables veces en los medios, y es una melodía de la que ni yo ni millones más nos cansaremos jamás. Se trata de esa adorable y desvencijada pista de acompañamiento, en realidad, con un ritmo distintivo creado por Dorset pisando fuerte y tocando un instrumento de percusión africano llamado cabasa. 50 años después, son las letras las que resultan problemáticas. In the Summertime es una canción sobre ser joven, sobre la división generacional de 1970. Incluso se podría llamar una declaración de intenciones algo pasivo-agresiva: "

No somos una amenaza, gente, no somos sucios, no somos Quiero decir,amamos a todos, pero hacemos lo que nos place'

#MesPearlJam - No Code

Pearl Jam - No Code

En esta entrega de lo que hemos llamado #MesPearlJam vamos con el álbum de la banda llamado No Code es el cuarto álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Pearl Jam, lanzado en 1996. Fue grabado después de la exitosa gira de su álbum anterior, "Vitalogy". El álbum muestra un cambio de estilo musical de Pearl Jam, con una amalgama de géneros como el rock alternativo, el punk rock y el experimentalismo. 

Las letras a menudo son más oscuras y introspectivas, con temas que van desde la alienación y la soledad hasta la crítica social y política. 

El álbum comienza con una canción Instrumental llamada "Sometimes", seguido de "Hail, Hail", una canción de rock explosiva. Una de las canciones más destacadas del álbum es "Who You Are", una canción con una mezcla de música étnica y rock alternativo. Además, la canción "Off He Goes" es una emotiva canción acústica sobre la vida en la carretera y las relaciones personales. 

Otras canciones notables del álbum incluyen "In My Tree", una canción de rock llena de energía, "Red Mosquito", que cuenta con el invitado Brendan O'Brien en el órgano Hammond, y "Present Tense", una canción emocional que habla sobre la importancia de vivir en el presente. 

Cada canción del álbum es única, y se  destaca el espíritu experimentador de la banda en ese periodo. A continuación, una breve descripción de cada canción: 

1. Sometimes - Una canción acústica lenta que reflexiona sobre el sentimiento de ser un extraño. 

2. Hail, Hail - Un comienzo fuerte, con un riff de guitarra enérgico y letras a menudo interpretadas como una crítica a los medios de comunicación. 

3. Who You Are - Una canción con una melodía pegadiza y un gran trabajo instrumental, con letras sobre el autoconocimiento y la autoaceptación. 

4. In My Tree - Una canción con un ritmo singular y descripciones detalladas de la naturaleza, con un posible mensaje sobre la pérdida de la conexión con el mundo natural. 

5. Smile - Una canción más experimental, con influencias jazzísticas, letras crípticas y una percusión inesperada. 

6. Off He Goes - Una canción emotiva inspirada en experiencias personales de la banda, caracterizada por una melodía sencilla, letras conmovedoras y un solo de guitarra delicado. 

7. Habit - Una canción punk llena de energía, con letras que pueden ser interpretadas como una crítica al abuso de sustancias. 

8. Red Mosquito - Una canción con una atmósfera oscura y un tono vocal intenso, con letras que sugieren una lucha interna y una posible metáfora sobre el acoso. 

9. Lukin - Una canción explosiva y corta, con un gran trabajo instrumental y letras inquietantes sobre la violencia y la locura. 

10. Present Tense - Una canción reflexiva sobre el paso del tiempo y el valor del momento presente, destacando la voz emocional del vocalista Eddie Vedder y los arreglos melódicos de las guitarras. 

11. Mankind - Una canción punk-rock con una letra sarcástica y burlona sobre la masculinidad tóxica. 

12. I'm Open - Una canción extremadamente experimental con diferentes capas de sonidos, una letra surreal y un ambiente misterioso. 

13. Around the Bend - Una canción acústica y serena que cierra el álbum, señalando un regreso a las raíces folk de la banda. 

En resumen, No Code es un álbum diverso y experimental que demuestra la capacidad de Pearl Jam de alejarse de los clichés del grunge y explorar nuevos sonidos e ideas. Cada canción tiene su propia personalidad y es una muestra del amplio espectro musical y temático que aborda el álbum en su conjunto.

No Code es considerado por muchos como uno de los mejores álbumes de Pearl Jam y ha sido elogiado por su creatividad y musicalidad. Se aparta del sonido grunge de sus primeros álbumes y marca un punto de inflexión en la carrera de la banda hacia un sonido más experimental e introspectivo.

Daniel 

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0836-. Ain't No Sunshine - Bill Withers

 

Ainh't No Sunshine, Bill Withers

     Just As I Am, Tal Como Soy, así se titula el primer álbum del músico estadounidense de soul Bill Withers. El disco fue grabado en los estudios Sunset Sound de Hollywood y los Wally Helder's Studio también de Hollywood, bajo la pordución del mítico Booker T. Jones, quien produjo, arregló y tocó teclados y guitarra en el álbum. El disco fue publicado el 1 de mayo de 1971 por el sello discográfico Sussex Records. Bill Withers había estado durante nueve años en la Marina de los EE. UU., y tenía trabajo en una fábrica que hacía piezas para aviones, concretamente baños para el Boeing 747, cuando conoció a Booker T. Jones. Por entonces Booker ya era todo un referente para el sello Stax Records, donde ya habían grabado muchas leyendas del soul. Booker además de producir el disco, se ocupó de contar para el mismo con músicos de primer nivel: Donald "Duck" Dunn al bajo, Al Jackson Jr. en la batería y el guitarrista Stephen Stills. Bill Withers contaba con 32 años cuando debutó grabando este disco.

Incluido en este disco se encuentra Ain't No Sunshine, escrita por el propio Bill Whiters. Estamos ante uno de los grandes éxitos en la carrera de Withers, de hecho la canción fue lanzada como sencillo y llegó a alacanzar el puesto número seis en la lista estadounidense de R&B y el número tres en la lista también estadounidense Billboard Hot 100. Withers escribió la canción después de ver la película de 1962 Days of Wine and Roses (Días de vino y rosas). En la película los dos protagonistas, intepretados por Lee Remck y Jack Lemmon, eran alcohólicos, y según Withers, eran a la vez débiles y fuertes. Según el músico "Es como volver por unos segundos al veneno para ratas. A veces extrañas cosas que no son particularmente buenas para tí. Es sólo algo que cruzó por mi mente al ver la película, y probablemente algo más sucedió en mi vida de lo que no estoy al tanto". Ain't No sunshine fue lanzado originalmente como cara B de otra canción llamada Harlem, y se convirtió rápidamente en un gran éxito, en gran parte gracias a que rápidamente se convirtió en uno de los temas favoritos de los disc jockeys del momento. La canción ganó el premio Grammy a la mejor canción de R&B en 1972, y Rolling Stone la situó en el puesto número 285 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

0835-. Dublin - Thin Lizzy

 

Dublin, Thin Lizzy

     Entra en escena el mítico grupo irlandés Thin Lizzy con Dublin, la canción, que en mi humilde opinión, contiene la primera gran letra escrita por Phil Lynott, compositor y alma mater del grupo. En un principio, dicha canción había sido escrita para formar parte del álbum debut de la banda, titulado Thin Lizzy, el cual fue lanzado por el sello discográfico Deram Records el 30 de abril de 1971, pero finalmente fue descartado. El tema sería incluido posteriormente junto a otros tres temas, Remembering Part 2, Old Moon Madness y Thing Ain't Workin' Out Down at the Farm, para formar parte de New Day, un Ep lanzado por el sello discográfico Decca Records el 20 de agosto de 1971. Dicho Ep tuvo apenas repercusión y fue considerado como un tropiezo en toda regla, otro fallido intento del grupo en alcanzar una fama y gloria que se les resistía y que no les llegaría hasta unos años más tarde.

Aunque Thin Lizzy suele ser recordada principalmente como una potente banda de rock precursora incluso de heavy metal y del sonido de guitarras gemelas, en sus orígines tuvo un lado más sentimental y más suave que su compositor Phil Lynott solía mostrar en composiciones como ésta, Dublin, una bella y lenta canción que comienza con una guitarra acústica arpegiada y aumentada con una guitarra eléctrica muy tenue, todo ello a cargo del guitarrista Eric Bell. 

Dublin es un tema intensamente personal y todo un tributo a la ciudad natal de Phil Lynott, Dublín. Aunque el músico realmente nació en cerca de Brimingham y paso sus primeros años a caballo entre Manchester y Dublín, nunca tuvo la más mínima duda de considerarse dublinés e irlandés de pies a cabeza. La canción es una hermosa y triste reflexión de la ciudad que había marcado y moldeado a Lynott. Es corta pero intensa, y llega a capturar cosas como la esencia del lugar, el exilio, el sentimentalismo, la melancolía, la falta de dinero y oportunidades o los hitos locales recordados con cariño. Dublin fue escrita como lo que en realidad es, un poema, y existe una grabación de Lynott recitada como tal, pero con el acompañamiento musical y la voz de Lynott, tal y como fue grabada en el EP, la canción cobra más fuerza.

0834.- The Rolling Stones - Dead Flowers

Incluido en el album Sticky Fingers , 'Dead Flowers' es mencionado como una de las mejores canciones que The Rolling Stones jamás hayan prealizado, incluyendo 'Jumpin' Jack Flash', 'Wild Horses', 'Can't You Hear Me Knocking?' y 'Brown Sugar'. Al igual que esos temas, en 'Dead Flowers' los Stones evocan la calidez y la vitalidad de la música de raíces estadounidense. Aunque, según Jagger, la canción siempre se adaptaba más a la voz de Keith que a la suya.  En una entrevista de 1995 con Rolling Stone, Jagger confesó que siempre le había resultado difícil interpretar 'Dead Flowers'. “Me encanta la música country, pero me resulta muy difícil tomarla en serio”, comenzó. “También creo que mucha música country se canta con la lengua en la mejilla, así que lo hago con la lengua en la mejilla. Lo armónico es muy diferente al blues. No dobla las notas de la misma manera, así que supongo que es muy inglés, de verdad. Aunque ha sido muy americanizado, se siente muy cercano a mí, a mis raíces, por así decirlo”. Una canción cuyo sonido de regreso a las raíces hace eco del sonido de Bakersfield forjado por Merle. Haggard y Buck Owens y también revela la influencia que el pionero del country-rock Gram Parsons tuvo en la banda. Aunque Jagger era un fanático y parece haber escrito la mayor parte de la canción, era claramente Keith Richards quien tenía reverencia por la música country tradicional. Richards canta su excelente armonía cruda en los coros y proporciona ese toque de Telecaster que aparecería en casi todos los futuros discos de los Stones. Mick Taylor atempera sus florituras generalmente de blues con un poco más de flexión de estilo country de lo que había exhibido en grabaciones anteriores. Charlie Watts y Bill Wyman suenan auténticos como una sección rítmica de country, y presidiendo todo está un excelente piano de country tipo Floyd Cramer de Ian Stewart.

El tema lírico de Mick Jagger lo posiciona como un narrador yonqui deprimido que mantiene "una compañía irregular" y critica a un ex que vive la gran vida, una "reina del underground" que se sienta "de nuevo en su Cadillac rosa haciendo apuestas en el día del Derby de Kentucky". En uno de los besos de despedida más memorables de la música pop, el coro declara: "Y puedes enviarme flores muertas todas las mañanas / Por los EE. UU. correo/Dilo con flores muertas en mi boda/Y no me olvidaré de poner rosas en tu tumba". Jagger canta los versos de "Dead Flowers" en la parte inferior de su registro con un acento falso que raya en la sátira. 

El disco de la semana 323: De un pais en llamas - Radio Futura.

De un país en llamas fue publicado en el ecuador de la vida del grupo madrileño, aunque claro está, eso no se sabía el 12 de mayo de 1985 cuando el álbum apareció en las estanterías de las discotiendas e inundaba las programaciones de emisoras de radio y las páginas de revistas. Mucho había cambiado en su sonido y en el entorno de la Movida Madrileña, de la cual Radio Futura fue esencial protagonista durante el cambio de década, y del lanzamiento de su disco debut Música Moderna (1980, EMI-Hispavox), del cual más tarde declararían que había dejado de representarlos. Radio Futura era sin duda una de esas formaciones cuya sola mención se relacionaba con el mencionado movimiento, reconociéndoseles además como uno de los miembros fundadores de dicha corriente. No obstante, su trayectoria musical durante aquellos primeros años fue irregular, llena de contrastes y enfrentamientos con su discográfica que les mantuvo en un prolongado parón a la hora de grabar nuevos temas. ¿A quién le puede apetecer bucear en las miserias ajenas? A un morboso sin remedio, la tasación de este álbum tiene una cualidad casi obscena. No en vano "De un país en llamas" es el disco más inhóspito, violento y agresivo que haya salido de la cabeza y las manos de la banda madrileña. Gracias a las letras que en este disco alcanzan un nivel casi inédito en la historia del rock español. Surrealistas y dolientes, pero también firmadas desde una pluma honesta que cree en valores como la amistad, las letras de Santiago Auserón dan forma a un disco extraño y atípico, repleto de todos los colores, muy latino y muy europeo a la vez. El disco fue grabado en Londres, (una moda de la época), y producido por dos músicos funk: Dunkan Bridgeman y Jo Dworniak, que llenan las composiciones de los madrileños de efectos de sonido, ruidos, ecos y ambientación de claro cariz industrial, que impone un ambiente sinuoso, inquietante y de imaginería urbana, con especial hincapié en la creación de estados de ánimo de desasosiego y temor a una oscura y apocalíptica realidad. 

Su disco más denso y sombrío se abre con "No tocarte" para sentar las bases con ese riff circular y oscuro, quedaba claro el crecimiento. Es un tema rockero con cierto deje funk y la adición de las congas de Danny Cummings que coló influencias de Talking Heads.  "La ciudad interior" es un funk blanco y siniestro se mueve entre la rítmica a lo Frankie Goes to Hollywood, fue el primer single, un tema extraño, con una carencia funk, que le da una acidez y una corrosión casi insoportable, una letra indescifrable que gusta oír, que engancha, y un estribillo violento y aterrador en su crudeza, poco adecuada como single. “El tonto Simon” es una historia sobre la España profunda llena de miseria y estereotipos que denotan la crueldad pueblerina de, espero, otros tiempos, todo ello con un trasfondo de son latino, Santi Auserón ya empezaba a tejer su historia musical futura. Lo mismo ocurre con "El viento de África" (hermana pequeña de "Semilla negra") a ritmo de calipso, o "En el chino". Las letras son, más que nunca, herméticas y brutales, sin concesiones a la comercialidad ni, a veces, a la interpretación. 

"En el Chino", un tema cuya letra parece haberse adelantado más de una década, es un tema nocturno, sobre la peligrosa e incómoda vida en los bajos fondos, con descripciones realistas y conclusiones pesimistas, destaca un sonido de reminiscencias souleras y predominio eléctrico-industrial, otro gran tema. Aun así eso no nos impide gozar de joyas como la magistral y amenazante "Han caído los dos" que ya salva un disco por sí sola. es uno de los momentos de mayor atractivo del disco. Guitarras, congas, batería, bajo y voz entretejen un equilibrio estupendo, dejando que la interesante historia discurra. Estamos ante una descripción del amor un tanto oscura y críptica, pero con poderosas y hermosas metáforas que transforman el amor en una especie de maldición de la que es imposible escapar. Más que una canción de amor es una pesadilla gótica que te atrae de forma hipnótica a la vez que te estremece. “La vida en la frontera", de una contundencia emocional que sólo puede venir de la autenticidad más férrea, finiquita brillantemente este disco en el que se mezclan estilos tan diversos como el funk, los sones latinos, el soul, el rock e incluso influencias del Bowie de la época de "Scary Monsters".

"De un país en llamas" es historia viva del rock español, hijo de una época mágica que poco o nada tiene que ver con la actual. Si alguien no lo conoce, se lo recomiendo sin dudarlo, pues no puede dejar indiferente a nadie este extraño monolito sonico esculpido por esa banda histórica que fue Radio Futura y que hoy me ha hecho más llevadera la reclusión y la labor de limpieza de vinilos.