0134: Surfer girl - The Beach Boys

Nos enfrentamos al tercer álbum del grupo The Beach Boys que iba a empezar a marcar las características del grupo y su pieza fundamental, salvo dos temas tradicionales, Brian Wilson compone todas las canciones del disco (rarísimo en 1963, los Beatles también lo harían con “A hard day’s night” un año después, pero era muy poco habitual), pero, además produce el disco. Con 21 años tiene absoluto control sobre su obra, caso único en la época. ”Brian es los Beach Boys, nosotros somos sus mensajeros”, dijo Dennis tiempo después.

El disco se abre con la excelsa Surfer Girl, una canción de una belleza increíble que se eleva aún más por las extraordinarias armonías del grupo, la voz de Brian y el arpa tocada por la hermana de Mike, un clásico imprescindible dentro de la discografía del grupo, y una osadía, cuando todos el mundo demandaba hits para que la juventud surfer de California la cantara y disfrutara, Wilson, ni corto ni perezoso ofrece una balada en un movimiento de maestro que marca un atrevimiento relevante y una ambición distinta y ya casi desatada de Brian Wilson por darle una personalidad a la banda basada en la belleza melódica. Wilson pasó de cantar 'Cuckoo clock' en su primer álbum de forma no tan pulida y como excepción a cantar tres canciones en su segundo álbum 'Surfin' USA', transformándose en segundo vocalista de la banda de forma más clara exhibiendo un estilo vocal será directamente excelente, así 'Surfer girl' completa el circulo y sitúa de forma completa al Brian Wilson que veremos crecer de aquí en adelante como el líder absoluto del grupo. Este tema también es de su sola autoría y cumple con todos los requisitos estilísticos y melódicos para definir y resolver un estilo propio para el grupo, las armonías del final son de otro planeta e invitan al escuchante a reconocer a Wilson como un cantante excepcional que se está tomando el protagonismo de la banda.

Wilson ha declarado a lo largo de los años que fue la primera canción que compuso, era tanto su amor por la música que nunca estaba lejos de un piano, pero en realidad como declaro más tarde, escribió la canción mientras conducía en dirección a un puesto de perritos, de repente la melodía se le metió en la cabeza y la dibujo por completo sin la ayuda de un instrumento, me la canté a mí mismo, ni siquiera la canté en voz alta en el auto. Cuando llegué a casa ese día, terminé la canción, escribí el puente, armé las armonías y la llamé 'Surfer Girl'. Más tarde confesaría que para crear la melodía se inspiró en "When You Wish Upon A Star", de la película de Disney Pinocho. A pesar de que es una canción de amor y sobre una chica, Wilson nunca ha confesado en quien se inspiró para realizar el tema, todos sospechamos que fue en su novia por aquel entonces Judy, pero él ha dejado claro una y otra vez que está dedicada a todas las chicas surfistas que disfrutan encima de la tabla.

Disco de la semana 225: Definitely Maybe - Oasis

En la fría y gris Manchester de finales de los ochenta, unos adolescentes hermanos Gallagher ven pasar el día a día en un humilde barrio obrero, sin saber muy bien que rumbo tomar en la vida. El mayor (Noel) convence al pequeño (Liam) para ir a ver un concierto de los Stone Roses. Ellos no lo saben, pero con esa decisión sin importancia acababan de sembrar la semilla para la creación de Oasis. Noel (el instigador) quedó impresionado con la destreza de John Squire a la guitarra, pero lo curioso es que Liam (el reacio) vuelve del concierto absolutamente fascinado por la manera en la que Ian Brown se manejaba en el escenario, y completamente decidido a montar un grupo.

Noel no tarda en enrolarse en un grupo llamado The Inspiral Carpets, con los que se sube a la furgoneta y se marcha de gira por los pubs de toda Inglaterra, mientras Liam sigue nadando en la monotonía del deprimido barrio de Manchester, solo mitigada por las visitas al estadio del Manchester City, por entonces el equipo pobre de la ciudad. Sobrevive con el subsidio de desempleo, y cuando puede no pierde la ocasión de ir a rayar los coches de los jugadores del Manchester United, hasta que encuentra por fin la ocupación que estaba buscando, y se hace vocalista de un grupo local llamado The Rain, que para no coincidir con otro grupo del mismo nombre cambian al poco tiempo su nombre por el de Oasis.

Cuando Noel regresa de la gira de los Inspiral Carpets, acude a ver el primer concierto del grupo de su hermano, y según sus propias declaraciones: "Les dije que lo que hacían era una mierda, pero que Liam valía como frontman de la banda". Noel se ofrece entonces a escribirles canciones, y no tarda en pasar a formar parte de la primera formación de Oasis, definitivamente comandada por los dos hermanos Gallagher. Definitivamente, o quizás, tal y como reza el título del que sería su primer y mejor disco, en su momento el álbum de debut de un grupo inglés más impactante desde el Nevermind the Bollocks de los Sex Pistols, con el que además comparte algunas similitudes, como que antes de la publicación del disco ya se rodaran muchas de las canciones en el circuito de conciertos local, y se publicaran varios singles que después formarían parte del disco.

Es el caso, por ejemplo, de Live Forever, la canción que Noel interpretó para el resto como ejemplo de lo que podía aportar si le incluían en el grupo, o Columbia, rotundo tema interpretado ya en el primer concierto de Oasis en el que tocaron juntos los dos hermanos, antes de meterse a un local de ensayo a preparar el resto de canciones del disco. En aquel local de ensayo, empiezan a pulir temas como Rock and Roll Star (el primer fogonazo con el que abrirá el disco), o Up in the sky, temas que pronto formaran también parte de las primeras actuaciones en el circuito de pubs de Manchester, y de la maqueta que grabaron de aquellas primeras sesiones, que incluía  temas como Bring it on down, Married with children o Digsy's dinner. Todos ellos serían parte de lo que después sería Definitely Maybe, una vez conseguido su primer contrato discográfico con el sello Creation.

Con el flamante contrato bajo el brazo, la banda vuelve al local de ensayo y genera nuevos temas como Cigarettes & Alcohol y Shakermaker. Las melodías van surgiendo, pero les cuesta encontrar las letras adecuadas para las nuevas canciones, y para ello contaron con la inesperada ayuda de Elsa, el perro del ingeniero de sonido, que tenía problemas estomacales y no paraba de soltar unos terribles pedos, como si se hubiera tragado un tubo de Alka-Seltzer. Eso les dio las primeras frases de Supersonic, el primer sencillo y uno de los temas estrellas del disco (Conozco a una chica llamada Elsa, adicta al Alka-Seltzer")

El segundo sencillo fue Shakermaker, que nació con polémica por su parecido con el tema "I'd like to teach the world to sing" de los New Seekers para un anuncio de Coca-Cola. De hecho, Noel coló en la letra el slogan de aquel anuncio de veinte años atrás ("Me gustaría comprarle al mundo una Coke") y se negó a modificarla, a riesgo de perder los royalties en una posible denuncia. A este single le siguió Live Forever, convirtiéndose al instante en una de las canciones más relevantes del grupo. Y aún hubo cuerda para otro single más, Cigarettes & Alcohol, y para la publicación de Whatever, otro gran éxito que finalmente no formó parte del disco, salvo en algunas ediciones especiales en las que se le incluía en un disco sencillo adicional dentro del álbum.

Definitely Maybe fue un rotundo éxito de crítica y ventas, y un chorro de aire fresco para el underground británico, en una era dominada por el grunge procedente de Estados Unidos. La crítica elogió la energía y fortaleza del álbum, que combinaba brillantes estructuras melódicas con una producción que saturaba las múltiples guitarras hasta crear un consistente muro de sonido, basado en una acelerada amalgama de rock, pop, punk y psicodelia. La actitud y las inflexiones en la voz de Liam recordaban, una vez más, al Johnny Rotten de Nevermind the Bollocks, al tiempo que se basaban en su admirado Lennon.

En conjunto, un disco directo, valiente e intenso, con guitarras más pesadas que las de otros grupos relevantes de la época como Blur o Suede, y con menos ínfulas artísticas. Dónde otros se esmeraban en pintar sobre lienzo, los Gallagher derribaban la puerta y lo salpicaban todo, repartiendo brochazos a diestro y siniestro, a golpes de guitarra, melodías pegadizas y potentes coros de estadio, que no tardaron en desatar la locura mediática alrededor del disco, alimentada además por el descaro y la chulería de las declaraciones de los díscolos hermanos, que arremetían verbalmente contra todo lo que se les pusiera por delante, en una actitud que les encumbró y, a la vez, les acabaría condenando, porque acabó siendo más ruidosa que las propias canciones, y cuando en discos posteriores rebajaron la intensidad y el brillo de sus propuestas, tenían ya demasiados enemigos esperando a machacarles.

A día de hoy, ambos han desarrollado una correcta trayectoria en solitario, aunque nunca a la altura de Definitely Maybe o What's the Story (Morning glory), sus dos discos clave. Algo esperable, porque ya sabíamos que, fuera de un Oasis, lo que nos espera es una larga travesía por el desierto, hasta el día en que dos hermanos se sienten frente a un par de cervezas y arreglen sus diferencias definitivamente. O sólo quizás.

0133: You'll never walk alone - Gerry & The Peacemakers

 

Poco imaginaban Richard Rodgers y Oscar Hammerstein cuando compusieron You'll Never Walk Alone (Nunca caminarás solo) para el musical Carousel, que se estrenaría en Broadway en 1945, que aquella canción se convertiría en un himno de la camaradería y la fidelidad a unos colores en el ámbito futbolístico, en una asociación tan potente como la del "We are the Champions" con las celebraciones de los campeones en cualquier disciplina deportiva. 

Esto sucedió con la versión lanzada en 1963 por Gerry and the Pacemakers, grupo de Liverpool que tenía como manager al "beatle" Brian Epstein. De hecho, la canción fue producida por George Martin (productor de The Beatles) grabada en los mismísimos estudios de Abbey Road en los que sus "paisanos" de Liverpool grabaron todos sus grandes éxitos.​ El tema ya era de por sí potente, como lo demuestra el número 1 alcanzado en las listas de ventas del Reino Unido, pero lo mejor estaba aún por llegar, y de nuevo ni manager ni productor, ni los propios Gerry and the Pacemakers imaginarían seguramente la dimensión que este tema iba a alcanzar​.

Ese mismo año, los hinchas del Liverpool la incluyeron entre sus cánticos en el estadio de Anfield, convirtiéndose muy pronto en el himno del club, hasta el punto de ser interpretada por todo el público en los momentos previos de cada partido, con la canción de Gerry and the Pacemakers de fondo. Otros equipos siguieron después el mismo camino del Liverpool en este particular "apadrinamiento" de la canción, siendo el más destacado el caso del Celtic de Glasgow, dónde la relevancia y significado de la canción han llegado a calar tanto como en Liverpool.

Por último, y en la línea de lo sucedido en España con el "Resistiré" del Dúo Dinámico, en 2020 el You'll Never Walk Alone de Gerry and the Pacemakers fue emitida simultáneamente por más de 160 emisoras de radio europeas, como símbolo de hermanamiento y resistencia ante la situación de confinamiento provocada por la Covid-19, para darnos a todos la esperanza y la confianza en que, como dice la letra de la canción, pase lo que pase "Nunca caminarás solo".

0132: Skylark - Aretha Franklin

 

Laughing on the Outside no es ni mucho menos de los mejores discos de la gran diva Aretha Franklin, sin embargo una vez mas ralla a un nivel muy alto, el quinto disco de la artista, se publico nuevamente en Columbia, la discográfica dispuesta a no arriesgar y a crear unos albums muy agradables de escuchar sin reparar en el potencial artístico de Aretha, pero como no podía ser de otra manera el recital que da es sublime una mujer de 21 años estaba descolocando y retocando clásicos a su estilo voz con una claridad inaudita. Dentro de todo lo que nos regala, puedo destacar el tema Skylark, cancion de 1941 con letra de Johnny Mercer y música de Hoagy Carmichael, un tema con una dificultad vocal que salva perfectamente Lady Soul y es que durante los apenas tres minutos que dura la cancion las distintas tonalidades que le da a su voz te llevan del cero al infinito, y su voz se eleva hasta el cielo como el pájaro al que canta en la canción. Mucho nos tendría que dar a la música y a los amantes de la misma la cantante, pero nos resulta muy interesante detenernos en esas primeras obras, que si bien no tienen la fama y la admiración que sus trabajos más conocidos, sí que nos brindan la oportunidad de descubrir en sus años más jóvenes a una de las voces más importantes de la historia, tomar el vuelo con este Skylark y que no es detenga nadie en el cielo, la voz de Aretha es lo único que necesitamos para volar.

Deep Purple - Made in Japan (Mes Deep Purple)

 

Made in Japan, Deep Purple

     En dicembre de 1972 se publica, bajo el sello discográfico Purple Records, el primer álbum en directo de Deep Purple, Made in Japan. En Estados Unidos se publica posteriormente, en abril de 1973. El disco se convertirá en uno de los mejores directos publicados de la historia del rock. Made in Japan, considerado como una de las biblias del rock, curiosamente no se grabó en el entorno más adecuado, pues las relaciones entre los componentes del grupo no eran las más idóneas.

Deep Purple ya había grabado alguna actuación en vivo, pero siempre en plan promocional para escuchar en algún que otro programa de radio. El grupo nunca había quedado contento con la calidad de aquellas grabaciones, pues consideraba que la calidad y técnica de un estudio no podía ser superada por una grabación en directo. Este hecho había frenado a la compañía discográfica, aún sabiendo que un diecto se vendería muy fácilmente, y más teniendo en cuenta que precisamente el fuerte de Deep Purple eran sus potentes directos. 

Fue la división de la compañía en Japón la que insistió en grabar un álbum en directo durante la primera gira por el país nipón de la formación Mark II (Ian Gillan, Ritchie Blackmore, Ian Paice, John Lord y Roger Glover). Tras la imposición de la compañía, el grupo se lleva para producirlo al genio Martin Birch, que graba las sesiones en un magnetófono de bobina de 8 pistas para luego llevarse las cintas a Inglaterra y mezclarlas allí. Lo cierto es que el grupo no tenía demasiada ilusión ni interés en grabar ese directo. Valga como detalle que los únicos componentes que se presentaron en las sesiones de mezcla, fueron Glover y Paice, siendo ellos los responsables de la selección del material del directo. A todo esto hay que sumarle las tensas relaciones que había ya en el seno de un grupo en descomposición, pues Gillan y Blackmore ya ni se hablaban y sólamente coincidían en el escenario y lo imprescindible. Lo que no se esperaba la banda, es que un trabajo que costó 3.000 dólares fuera a conseguir a las dos semanas el Disco de Platino. 

El material extraído para el directo sale de las tres fechas que el grupo da en el país, los días 15, 16 y 1 de agosto de 1972, dos conciertos en el Koseinenkin Hall de Osaka, y la restante en el Budokan Hall de Tokio. El disco, incialmente iba a ser destinado al mercado japonés, pero se acabó editando a nivel mundial. 

Abre la cara A del primer disco Highway Star, extraído del concierto de Osaka el 16 de agosto de 1972. El tema pertenece al sexto disco de estudio, Machine Head (1972). Este mítico tema fue ideado el 13 de septiembre de 1971, cuando el grupo se encontraba en el autobús de camino a Portsmouth (Inglaterra) para dar un concierto. Estaban ya cansados de tocar su tema de apertura Speed King, y se sacaron de la manga ese tema para abrir los conciertos. Hay quien considera este tema como el primero de la historia del género musical llamado Speed Metal, un subgénero del heavy metal que surgió de la fusión del hardcore punk y el NWOHBHM (Nueva Ola del Heavy Metal Británico). El otro tema que cubre esta cara A es el mítico Child in Time, extraído también de la actuación de Osaka en 16 de agosto. el tema pertenece a su cuarto álbum de estudio, In Rock (1970). John Lord solía tocar en su teclado un tema del grupo It's A Beautiful Day llamado Bombay Calling. Los demás pensaron que este era un tema sobre el que podían trabajar, así que se puesieron manos a la obra, y depués de unos cuantos arreglos aquí y allá nació esta maravillosa canción. el tema quería reflejar el estado de ánimo que había en ese momento en la sociedad, por eso la temática de la canción fue la Guerra Fría. 

Smoke on the Water, extraído de la actuación de Osaka el 16 de agosto, se encarga de abrir la cara B del primer disco. Perteneciente a su sexto disco de estudio, Machine Head (1972), la canción nos relata los sucesos acontecidos en el Casino de Montreux, el 4 de diciembre de 1971, durante un concierto de Frank Zappa, y que desembocaron en el incendio del casino. Los miembros del grupo, que tenían programado grabar allí su disco Machine Head, habían asistido a ver el concierto de Zappa. Durante el concierto, alguien que se encontraba justo detrás de Ian Gillan, lanzó una o dos de bengalas (unos dicen que una, y otros que dos) que impactaron en la parte superior de una de las esquinas del recinto, el cual comenzó a arder rápidamente. Frank Zappa detuvo inmmediatamene el conicerto, y junto con su banda, estuvo ayudando a que todo el mundo saliera de manera organizada, evitando así que ocurriera un desatre mucho mayor. Lo miembros de Deep Purple, al salir del casino, estuvieron obesevando el incendio desde un restaurante cercano desde donde también podían divisar como una capa de humo cubría completamente el lago Leman, más conocido como lago Ginebra. Esto le dió una ideal al grupo, y minetras Roger Glover ideaba el título del tema, Ian Gillan escribía la letra, y Ritchie Blackmore ideaba uno de los riffs (con aires clásicos y renacentistas) más famosos de la historia del rock. Es cerrada la cara B del primer disco por The Mule, estraída de la actuación en Tokio el 17 de agosto. Incluida en el quinto disco de estudio de la banda, Fireball (1971), es el tema donde Ian Paice desplega todas sus cualidades a la batería, marcándose un sólo antológico. Curiosamente, el sólo de batería, ideado para la version de estudio, no pudo ser grabado debido a un error que hizo que casi la mitad de las pistas de audio de batería fueran borrardas mientras se grababa la canción para la versión del disco Fireball.

La cara A del segundo disco comienza con Strange Kind of Woman, extraído de la actuación de Osaka el 16 de agosto. A quién no se le ha puesto el pelo de punta escuchando el ya mítico duelo de la voz de Gillan con la guitarra de Blackmore en el escenario, y eso que no se podían ni ver ya. El tema fue lanzado como sencillo de adelanto del disco Fireball (1971). El tema en un pirncipio iba a llamarse Prostitute, pero el grupo decidió cambiarlo para así vitar porblemas con la censura. El otro tema que ocupa esta cara es Lazy, extraído de la actuación de Osaka el 17 de agosto. Incluido en el sexto álbum de estudio de la banda, Machine head (1972), al contener una intro saturada del órgano Hammond de Lord, seguida de un riff de guitarra de Blackmore, y luego un intercambio de sólos entre los dos, éste era un tema ideal para las improvisaciones en directo. En esta versión del directo, Blackmore, en el sólo de guitarra interpreta el tema Swedish Rhapsody, del compositor, director y violinista sueco Hugo Alfvén, y Lord, en la introducción interpreta con los telcados el riff del tema C Jam Blues, un etándar de jazz compuesto en 1942 por Duke Ellington.

El único tema que ocupa la cara B del segundo disco, y que cierra uno de los mejores directos publicados de la historia del rock es Space Truckin, extraído de la actuación en Osaka el 16 de agosto. El tema, que apenas sobrepasa los cuatro minutos y medio en la versión de estudio de Machine Head (1972), en el directo se estira hasta los casi 20 minutos. El tema nos habla del espacio y de un viaje salvaje a traves del mismo. El tema surgió a raíz de un riff que Blackmore llevó al estudio. Dicho riff estaba basado en el tema musical del programa de televisión Batman, compuesto por el trompetista, compositor y arreglista de jazz estadounidense Neal Hefti. 

Como hemos comentado, las relaciones internas del grupo estaban al borde de la ruptura, como así sucedió poco después, pero esto no impidió que nos reglaran un directo épico, imprescindible y memorable. 

0131: Blue Velvet - Bobby Vinton

 

Escrita y compuesta por Bernie Wayne y Lee Morris en 1950, "Blue Velvet” fue uno de los primeros éxitos de Tony Bennett que la interpreto en 1951. Desde entonces, la canción ha sido pieza de muchos intérpretes, despues de la versión de Tony Bennet, Blue Velvet fue grabada por los Clovers para su álbum del mismo nombre y publicada en 1955 a través de Atlantic Records pero nosotros nos vamos a detener en la versión de 1963 que hizo Bobby Vinton y que alcanzó el no. 1.

El nacimiento de la canción se produjo cuando en la visita a unos amigos en Richmond, Virginia, el compositor Bernie Wayne se hospedó en el Jefferson Hotel, y fue la visión de una mujer en una fiesta celebrada en el Jefferson lo que inspiró a Wayne a escribir la letra de "Blue Velvet".  Y llegamos a la interpretación más exitosa la publicada por Bobby Vinton en 1963, llegando al numero 1 en el  Billboard  Hot 100 donde se mantuvo durante las siguientes dos semanas. Stanley Robert "Bobby" Vinton, Jr. es un cantante y compositor estadounidense. En los círculos de la música pop, se hizo conocido como "El príncipe polaco de Poch", ya que su música rinde homenaje a su herencia polaca. Conocido por su voz angelical en las canciones de amor, la cancion "Blue Velvet", la interpret por casualidad, todo vino porque decidió grabar un álbum de canciones "Blue" ("Blue Moon", "Blue Hawaii", "Am I Blue", etc.). Mientras estaba comprando partituras en Nashville, Vinton recibió un regalo del editor Al Gallico. La canción encajaba muy bien con el proyecto de Vinton,

La canción apareció en la banda sonora de Blue Velvet, película dirigida por David Lynch, que si bien constaba de una banda sonora instrumental realizada por Angelo Badalamenti que crea un ambiente totalmente oscuro, aunque también aparecen canciones de los años 60 entre las que se incluyen este Blue Velvet o In dreams de Roy Orbison. Cuando rodaba en 1986 'Blue velvet', a Lynch se le puso en las narices que quería la canción de Vinton en la banda sonora. "Demasiado caro", le dijo Dino de Laurentiis. Bueno, pues para eso tenía Lynch a Angelo Badalamenti, que se marcó una cuasicopia instrumental. Luego se invitó a Bobby al estudio para regrabar las voces, y adiós a los leoninos derechos de autor. Problema: resultó que Vinton, ya cincuentón, era incapaz de llegar a los agudos, así que Baladamenti tuvo que bajar todo un par de tonos. Se repitieron y repitieron tomas, pero entonces Lynch empezó a torcer el morro: aquel no era el terciopelo azul que él quería (y lo quería para envolver la noche). De Laurentiis no dudó. Se imaginó una nueva catarata de neuras del director y cortó por lo sano: aflojó la pasta por la versión original y a correr.

Así fue como quedaron indisolublemente unidos uno de los cantantes más inocentes de los 60 y uno de los cineastas más culpables de la Historia: culpable de trastornarnos a todos con sus insoportables sueños, culpable de crear un increíble y penetrante universo onírico, culpable de inventarse un cine abstracto -por algo empezó pintando- que lo mismo atrae que cabrea.

Un país, un artista: Líbano - Mashrou' Leila

 

Mashrou' Leila

     Es en la Universidad Ameriana de Beirut, Líbano, en 2008, donde lo que empieza como una jam session para liberar el estrés provocado por las clases y la inestabilidad política, acaba conviriténdose en una de las mejores bandas de rock indie, rock alternativo y pop del país libanés, Mashrou' Leila.

Son el vioinista Haig Papazian, el guitarrista Andre Chedid, y el pianista Omaya Malaeb, quienes cansados por el panorama político del país y el estrés que suponen las clases, quienes deciden organizar en la facultad una jam session en enero de 2008. A la invitación que realizan los tres músicos respondieron doce personas. De aquella sesión saldrán los siete componentes que conformarán Mashrou' Leila, Hamed Sinno, Haig Papazian, Omaya Malaeb, Andre Chedid, Carl Gerges, Firas Abu-Fakeher e Ibrahim Badr. La primera vez que el grupo toca en directo es precisamente en la facultad, resultando ser el único grupo que toca de los que tocaron en aquella ocasión que interpretaba música compuesta por ellos mismos.

El grupo pasa de tocar en la facultad, a hacerlo en pequeñas salas, con lo que se va asentando dentro del circuito de la música alternativa y empiezan a tener éxito y ganar reputación. El grupo sigue consolidandose y toca por primera vez ese mismo año en el festival de música que celebra cada año el Ayuntamiento de Beirut, la Fête de la musique. Aquel concierto genera cierta polémica, pues Mashrou' Leila resultan ser un grupo rompedor, con unas letras atrevidas y críticas sobre la sociedad libanesa, los amores fallidos, las sexualidad y la política, algo nada frecuente de ver en un país como el Líbano.

Al grupo le gusta la ambigüedad, pues el nombre del grupo en castellano se puede traducir como Proyecto Nocturno o El Proyecto de Leila. En una de sus primeras entrevistas el grupo manifestó, en lo que parecía ser una broma, que el objetivo era recaudar dinero para una niña llamada Layla, nomre muy habitual en el Líbano. Según su página oficial de Facebook, Mashrou' Leila significa Proyecto Nocturno, y se llamaron así porque sus jam sessions solían durar toda la noche.

Con cuatro álbumes publicado hasta la fecha, Mashrou' Leila (2009), El Hal Romancy (20011), Raasük (2013) y Ibn El Leil (2015), el grupo se caracteriza por los temas de sus canciones y las letras satíricas, que reflejan las diversas facetas y los muchos defectos de la sociedad libanesa. También suelen reflejar desde un punto de vista crítico, los problemas de vivir en Beirut y suelen usar sin complejo alguno palabras malsonantes en sus canciones. Ya en su primer álbum se destaparon por el ingenio con el que trataban temas como el desamor, la guerra, la política, la seguridad, los crímenes políticos, el materialismo, la inmigración, y la homosexualiad, una fórmula que a día de hoy siguen explotando y por la que han sido vetados en países como Jordania, donde les vetaron y llegaron a cancelar dos conciertos durante 2016 debido a las presiones de los parlamentarios y clérigos ultraconservadores del país; Egipto, donde se produjeron numerosos arrestos después de que ondeara la bandera del colectivo LGTBI en una de sus actuaciones en 2017; e Incluso en su país, Líbano, donde se han encontrado con cancelaciones de conciertos suyos y se han encontrado con numerosas trabas por parte de ciertos sectores de la sociedad musulmana y también de la cristiana.

En definitiva, Mashrou' Leila, que actualmente está compuesto por Hamed Sinno, Haig Papazian, Carl Gerges y Firas Abu-Fakher, son un más que recomendable grupo que no te dejará indiferente. Como ellos mismos defienden, son simplemente cuatro hombres del Líbano de diferentes religiones a los que unió su amor por la música, y con sus canciones tratan abogan por la libertad de expresión y una sociedad abierta y tolerante frente a quienes quieren criminalizar a todos aquellos que no piensan como ellos.

0130: Busted - Ray Charles

 

Busted, Ray Charles

     En julio de 1963 Ray Charles publicaba el disco Ingredients In A Recipe Of Soul. El material que componía el álbum fue grabado entre febrero de 1960 y abril de 1963, y publicado por el sello discográfico ABC. El disco fue producido por el productor, director de orquesta y arreglista estadounidense Sid Feller, que colaboró durante su carrera en cientos de canciones de Ray Charles, incuida Georgia On My Mind. Ray Charles sabía de la importancia de Sid del que llegó a afirmar. "Si a mí me llaman genio, entonces Sid Feller es Einstein".

Incluido en este álbum se encuentra el tema Busted, el cual fue escrito por el prolífico y legendario compositor estadounidense Harlan Howard, que cuenta con una carrera que comprende más de seis décadas principalmente centrada en la música country. De hecho, este tema fue grabado también ese mismo años por Johnny Cash. La versión de Cash alcanzó un notable éxito, pero sería la de Ray Charles la que alcanzara cotas más altas realiando una versión soul de este tema. 

El tema nos habla desde la perspectiva de un granjero que se encuetra en apuros económicos y necesita dinero para seguir saliendo a flote. Trata de pedir dinero prestado pero nadie puede dárselo, pues están en la misma situación que él. Incluso se dirige a pedirle ayuda a su hermano, pero éste iba a acudir a él también para pedirle ayuda, pues está en la misma situación que él. Al final, el granjero, resignado, asume que se mudará con su familia a otro lugar en busca de una vida mejor. El tema gano un premio Grammy en 1963 a la mejor canción de R&B.

0129: Master Of War - Bob Dylan

 

Master Of War, Bb Dylan

     En el segundo álbum de estudio de Bob Dylan, The Freewheelin'n Bob Dylan, publicado en mayo de 1963, se encuentra el tema Master of War, un tema antibelicista que aabaría acarreando más de un disgusto al genial artista estadounidense.

Master of War es un alegato antibelicista donde refleja el inconformismo y la preocupación de los jóvenes estadounidenses de la época por el desarme nuclear. La canción fue grabada en las sesiones del 23 de abril de 1963 en el Studio A de los Columbia Studio Recordings de Nueva York bajo la producción de John H. Hammond.

El tema, del género folk-protesta, es una adaptación de la canción folk tradicional estadounidense Nottamun Town, que cuenta con los arreglos y la melodía de la cantante Jean Ritchie, y a la que Dylan pondría la letra. Dylan quiso que Ritchie fuera incluida en los créditos de la autoría del tema, sin embargo los abogados de Dylan arreglaron el asunto pagandole la cantidad de 5000 $ para saldar posibles reclamaciones futuras. 

El tema es una canción protesta donde Dylan criticaba a los líderes políticos estadounidenses, donde señalaba amargamente con el dedo a los "maestros" ocultos que fabriaban guerras para obtener ganacias y beneficios. Según Dylan, no era una canción contra la guerra, más bien era una crítica de a quien iba dirigida la guerra y el por qué dicha guerra se había convertido en un acto inútil en vez de en un eficaz medio de defensa. También afirmaba que hasta ese momento, nunca había escrito algo así, no cantaba canciones donde la gente falleciera, pero no pudo evitar hacerlo con ésta. 

Deep Purple - Machine Head (Mes Deep Purple)

Machine Head – Deep Purple

En 1971 casi 50 años de que la banda haya grabado el disco Machine Head esta tan vigente como el primer día, Deep Purple había estado de gira durante dos años y álbumes de estudio anteriores, como Deep Purple in Rock (1970) y Fireball (1971) se grabaron entre presentaciones en vivo.

La banda sentía que sus trabajos de estudio no sonaban tan bien como sus presentaciones en vivo y quería grabar en un escenario. El baterista Ian Paice grabó su kit en el pasillo para algunas de las sesiones de Fireball, creyendo que sonaba mejor y quería encontrar un entorno de grabación alternativo lejos de un típico estudio insonorizado. Se recomendó a Deep Purple que grabara fuera del Reino Unido, ya que no tendrían que pagar tantos impuestos.

El grupo realizó una gira por el Reino Unido de septiembre a octubre de 1971, y realizó una vista previa de material nuevo que finalmente fue lanzado en Machine Head. Luego comenzaron una gira por Estados Unidos, pero esta terminó siendo cancelada luego de dos conciertos debido a que el cantante Ian Gillan contrajo hepatitis. El guitarrista Ritchie Blackmore comenzó a pensar en un posible trabajo en solitario para el futuro, y Deep Purple en su conjunto esperaba con ansias un poco de tiempo para poder dedicarlo para grabar, alejándose de las presiones de las giras.

Así que Deep Purple inicialmente planeó grabar Machine Head en el Casino de Montreux en Suiza durante diciembre de 1971. Habían reservado los Rolling Stones Mobile Studio y habían hecho reservas de hotel. El casino era un gran estadio que contenía varias instalaciones de entretenimiento. La banda había actuado allí en mayo de 1971 y se hizo amigo de Claude Nobs, fundador y director general del Festival de Jazz de Montreux. Entre otros, Led Zeppelin, Pink Floyd y Black Sabbath se habían presentado en el casino, y cerraba por reformas cada invierno, lo que le permitía utilizarlo como lugar de grabación. Deep Purple llegó allí el 3 de diciembre de 1971. Después de un concierto final, tendrían la ubicación para ellos solos. A cambio, la banda propuso tentativamente realizar un espectáculo en el casino, lo que les habría permitido lanzar un álbum doble, mitad en vivo y mitad en estudio.

El último concierto en el Casino de Montreux fue una matinée de Frank Zappa y Mothers of Invention. En ese momento, el grupo incluía a los cantantes Flo & Eddie, el multi instrumentista Ian Underwood y el baterista Aynsley Dunbar. Durante el espectáculo, un miembro de la audiencia disparó una bengala al techo del edificio. Aunque la audiencia inicialmente no se dio cuenta del incidente porque el techo estaba cubierto por un falso techo de bambú, aproximadamente una hora después del set, la gente comenzó a ver surgir chispas. El grupo dejó de tocar; según el bajista Roger Glover, Zappa dijo que "nadie debería entrar en pánico, pero ... ¡FUEGO!" Después de esto, la dirección ordenó una evacuación controlada. No hubo víctimas mortales, pero un grupo quedó brevemente atrapado en el sótano del casino antes de ser rescatado por Nobs. Poco después de que todos fueron evacuados de manera segura, el edificio se incendió.

Nobs trasladó Deep Purple al Pavilion, un teatro cercano, donde grabaron las pistas básicas de una canción llamada provisionalmente "Título No. 1". Glover recordó haberse despertado una mañana diciendo en voz alta el título "Smoke on the Water". A partir de esto, Gillan escribió la letra que describe la experiencia en Montreux. En la portada desplegable del álbum se incluyó una fotografía del Casino de Montreux en llamas.

Resultó poco práctico grabar en el Pabellón, ya que los residentes cercanos se quejaron a la policía por el ruido. Aunque los roadies intentaron evitar que la policía entrara manteniendo las puertas cerradas, la banda fue rápidamente desalojada. Buscaron otros lugares de grabación y se establecieron en el Grand Hotel vacío, en las afueras de Montreux. Con la unidad móvil estacionada en la entrada principal, Deep Purple se instaló al final de uno de los pasillos del vestíbulo principal. Se instaló una variedad de equipos y colchones insonorizantes, lo que significó que la banda tuvo que caminar por las habitaciones y los balcones para llegar a la camioneta de grabación. Esto resultó tan arduo que Deep Purple dejó de escuchar las reproducciones de sus grabaciones, y en su lugar actuó hasta que estuvieron satisfechos. Se instaló un sistema de televisión de circuito cerrado para que la banda pudiera comunicarse con el ingeniero Martin Birch y permitir que el personal de la sala de control del estudio pudiera verlos.

Machine Head comienza con el tema de apertura, "Highway Star", se escribió mientras el grupo viajaba en autocar a la fecha de su gira por el Reino Unido en Portsmouth el 13 de septiembre de 1971. La dirección de la banda organizó un viaje al concierto con un grupo de periodistas musicales que pudieran entrevistar a la banda en su tiempo libre. Uno de ellos le preguntó a Blackmore cómo escribía las canciones, a lo que dijo, "like this", tomó la guitarra y tocó el riff de apertura de la canción. Gillan improvisó una serie de letras en torno a "Estamos de gira, somos una banda de rock'n'roll". El resto de la banda completó el arreglo durante los ensayos y se agregó al espectáculo la noche del concierto. Blackmore basó su solo de guitarra en torno a una figura que aprendió de Johnny Burnette, y le gustó su parecido con Johann Sebastian Bach.

"Maybe I'm A Leo" fue bajo el título provisional de "One Just Before Midnight", que aparece en una imagen de una hoja de grabación en la carátula del álbum.  El título y la letra terminados se refieren al signo de nacimiento de Gillan. Glover escribió el riff principal de la canción después de escuchar "How Do You Sleep?" De John Lennon, y disfrutó de que el riff no comenzara en el primer tiempo del compás. La canción se tocó en vivo una vez en 1972 en una presentación de BBC In Concert. Se convirtió en un favorito en vivo años más tarde, después de que Joe Satriani se uniera temporalmente a la banda en 1993.

"Pictures of Home" describe las vistas e imágenes del área local alrededor de Montreux, lejos de casa. La pista se grabó inicialmente con una introducción de batería, que se dejó fuera de la grabación original; sin embargo, se agregó para la reedición del 25º aniversario. La pista también se tocó en vivo después de que Satriani se uniera a Deep Purple. "Never Before" fue considerada por la banda como la pista más comercial del álbum y fue lanzada como single.  La canción se tocó en vivo una vez en el programa BBC In Concert.

"Smoke on the Water" documenta las experiencias de grabación de Machine Head, incluido el incendio y la evacuación del casino, y las sesiones en el Grand Hotel. El título se refería al espeso humo negro del fuego que colgaba sobre la orilla del lago de Ginebra. La pista de acompañamiento fue el único material utilizable proveniente de las grabaciones del Pabellón, antes de que la policía cerrara las sesiones. Blackmore contribuyó con el riff de guitarra de apertura, y luego dijo que era popular debido a que era simple y se basaba en cuatro notas, comparándolo con el fraseo musical de apertura de la Quinta Sinfonía de Beethoven. Aunque la pista es una de las más famosas de Deep Purple, y de la música rock en general, la banda no pensó que tuviera mucho potencial comercial, y fue una de las últimas pistas de Machine Head que se tocaron en vivo. Posteriormente, la canción fue un gran éxito en las listas de Estados Unidos, alcanzando el número cuatro en el Billboard Hot 100.  Además de Deep Purple, Gillan ha interpretado la canción en vivo como parte de su carrera en solitario y durante su breve tiempo con Black Sabbath en 1983.

"Lazy" se tocó por primera vez en vivo durante la gira de 1971 por el Reino Unido y se mantuvo durante el año siguiente. Se realizó hacia el final del show en vivo, reemplazando el entrenamiento instrumental "Wring That Neck", y luego se movió a mitad del set a principios de 1972. Glover dijo que la canción se basó aproximadamente en una canción de Oscar Brown, "Sleepy", mientras que Blackmore dijo que se inspiró en "Stepping Out" de Eric Clapton. La canción fue diseñada para ser un vehículo para varias presentaciones instrumentales, incluida una introducción al órgano sin acompañamiento y la armónica de Gillan. Blackmore grabó los solos de guitarra en secciones en dos días diferentes, que luego se unieron.

"Space Truckin" fue escrito como un pastiche de las letras del rock' n 'roll de los años 50, pero con un tema de ciencia ficción. Deep Purple comenzó a pensar en frases sin sentido como "música en nuestro sistema solar" que encajarían. Paice tocó un breve solo de batería en la pista. Se tocó por primera vez en vivo en enero de 1972 en el próximo concierto después de las sesiones de Montreux, y condujo a la sección instrumental del showcase en vivo anterior "Mandrake Root" como el número de cierre. La canción siguió siendo el último número del set después de que Gillan y Glover dejaron la banda en 1973, incluida una actuación memorable en el California Jam al año siguiente, donde Blackmore prendió fuego a sus amplificadores y destruyó una cámara de televisión con su guitarra. La canción fue reproducida regularmente como una llamada de atención por la tripulación a bordo del programa de vuelo STS-107 del Transbordador Espacial en 2003.

Una balada titulada "When a Blind Man Cries" se grabó durante las sesiones de Machine Head, pero no se incluyó en el álbum. En cambio, se usó como cara B en el single "Never Before". La canción aparece como un bonus track en la edición del 25 aniversario de Machine Head, tan vigente como el primer día.

 

Daniel
Instragram Storyboy

0128: Girl From The North Country - Bob Dylan

 

The Freewheelin', Bob Dylan

     El 27 de mayo de 1963 aparecía publicado el segundo álbum de estudio de Bob Dylan, The Freewheelin' Bob Dylan, bajo el sello discográfio Columbia Records. El discso fue grabado en el Studio A de los Columbia Studio Recordings de Nueva York, ente el 24 de abril de 1862 y el 24 de abril de 1963. El disco incluía canciones con temáticas que incuían temas sociopolíticos, sobre los derechos civiles ó sobre la guerra nuclear. Obtuvo un gran reconocimiento por parte de la escena folk de Nueva York, le ayudó de consolidar su carrera y lo llevó a ser nombrado como Portavoz de su generación, una etiqueta que el músico siempre rechazó públicamente.

Incluido en este segundo álbum se ecuentra el tema Girl From the North Country, grabado por Dylan entre julio de 1962 y abril de 1963. En este tema, Dylan canta sobre un amor perdido que era de North Country. Sobre la persona a la que el artista se refiere en el tema hay quien defiende que se refiere y es un homenaje a Echo Helstrom, una antigua novia que tenia antes de marcharse de Minnesota a Nueva York, o incluso a Bonnie Beecher, otra novia que tuvo en aquella etapa en Minnesota. 

También hay otra teoría que defiende que el tema se refiere a Suze Rotolo, artista estadounidense y novia por entonces de Dylan, a la que conoció en Nueva York. Dylan fue de Inglaterra a Italia para buscar a Suze, quien por entonces era su novia, pero ella y sin saberlo el cantante regresó a Estados Unidos al mismo tiempo que él llegaba a Italia. Fue en aquel momento cuando Dylan terminó esta maravillosa canción sobre el amor perdido, convencido por el aparente final de su relación con Suze.

A su regreso a Nueva York, Dylan convenció a Suze para para que volvieran a estar juntos, y ella regresó a su apartamento situado en 4th Street de la ciudad neoyorkina. De heho, la mujer que figura en la calle Jones de Nueva York abrazada a Dylan en la portada de este segundo álbum de estudio del artista, es Suze. Durante su visita en 1962 a Inglaterra, Dylan había conocido en Londres a muchos artistas folclóricos locales, incluido Martin Carthy, de quien aprendió mucho y quien le enseñó un gran reperterio de baladas tradicionales inglesas. De hecho, fue la versión del tema tradicional inglés Scarborough Fair, de Carthy, en el que se inspiró para hacer la melodía de Girl From the North Country. 

Bob Dylan volvería a grabar este tema más adelante junto a Johnny Cash, el cual sería incluido en su noveno álbum de estudio, Nashville Skyline (1969).

Deep Purple - Fireball (Mes Deep Purple)

 

Fireball, Deep Purple

     El quinto álbum de estudio de Deep Purple, Fireball, es grabado en diez meses, un periodo que puede parecer mucho, pero la realidad fue otra bien diferente. En el periodo que comprende la grabación del material que comprende Fireball, el grupo da nada menos que 120 conciertos, a los que podemos sumar las grabaciones de los proyectos en solitario Gemini suite de John Lord y Jesucristo Superstar de Ian Gillan. La actividad del grupo es frenética, quizás porque John Colleta y Tony Edwards, los mánagers que guian los designios de la agrupación púrpura, ya habían saboreado las mieles del éxito y no querían que sus gallinas de los huevos de oro dejaran de producir.

El resultado es Fireball, publicado en 1971 por la discográfica Warner Bros. Records. Para la grabación del disco se utilizaron tres estudios, los De Lane Lea Studios y los Olympic Studios, ambos de Londres, y The Hermitage, en Welcombe, una localidad al norte de Devon, Inglaterra. como promoción del disco fue lanzado el single Strange Kind of Woman, un tema que no fue publicado en la edición europea, pero sí en la que se edita en Estados Unidos, Canadá y Japón. En la europea fue incluido el tema Demon's Eye, que incompresiblemente se quedó fuera de la edición para Japón, Canadá y Japón.

Musicalmente, el disco tiene toques muy rockeros, pasando por momentos folk y psicodélicos. Ninguno de los componentes del grupo, Gillan, Blackmore, Lord, Glover y Paice, quedaron contentos con el resultado, pues el disco, al contrario de su antecesor, In Rock, no tenía una dirección clara en cuanto a sonido. el grupo achacó este desconcierto compositivo al hecho de tener que componer y grabar el material a ratos, mientras estaban inmersos en la agotadora gira de conciertos del disco In Rock. Sin embargo, el disco alcanzó el puesto número 1 en Reino Unido, Bélgica, alemania, Dinamarca y Suecia, convirtiéndose además en el primer disco que triunfaba en el mercado japonés.

Abre el disco Fireball, tema acreditado, al igual que el resto de los temas, a los cinco componentes de la banda. Roger Glover sugirió al productor del disco, Martin Birch, que el sonido de una máquina en marcha sería el comienzo ideal de la canción y del disco. A Birch no se le ocurría nada que pudiera encajar con la petición, pero el ingeniero asistente Mike Thorne tuvo una idea, utilizar el sonido de una unidad de aire acondicionado. Así comienza un tema que tampoco tiene sólo de guitarra, el cual es sustituido por un sólo de bajo de Roger Glover, seguido de un sólo de teclados de John Lord. En cuanto a la temática, una chica tiene al cantante en puro estado de nerviosismo, ella es una mujer mágica que está destruyendo el alma del cantante, puede que ni siquiera sea de éste planeta, pero él la ama. Con el sonido del aire acondicionado se quiso emular el sonido de una bola de fuego que atraviesa el espacio, dando al disco un comienzo furioso y futurista. Este tema también tiene otra curiosidad, está considerado como el primero del hard rock en usar doble bombo en la batería. No No No, tema vibrante pero quizás algo repetitivo en la letra. Según algunas fuentes, apuntan a que para componer el tema, se basaron en el cantante, compositor y multiinstrumetista estadounidense Johnny Shuggie Otis. Strange Kind of Woman, otro de los momentos grandes del álbum junto con Fireball. Lanzado como sencillo de adelanto del disco, el tema cuenta la historia de una mujer llamada Nancy, quien a pesar de no tener un bello rostro, vuelve locos a todos los hombres. Sobre el tema, Gillan ha dado diversas interpretaciones, una decía que el tema trataba de uno de sus amigos que estuvo cortejando a una mujer, consiguió casarse con ella, pero tres día después de la boda ella murió. También comentó que el tema trataba de una prostituta que intenta librarse de su profesión. De hecho el tema debía llamarse Prostitute, pero sabiendo que iban a tener problemas con la censura, cambiaron el título. En directo no concebimos este tema sin el mítico duelo que se marcaban al final del tema Gillan con la voz y Blcakmore con la guitarra. El tema, incomprensiblemte no fue editado en la versión europea, y en su lugar se incluyó el blusero Demon's Eye, temazo que también debería haber sido incluido en la edición para Estados Unidos, Canadá y Japón. Cierra la cara A Anyone's Daughter, un curioso tema tocado a modo de country blues donde disfrutamos de la humorística interpretación de Gillan, que nos relata las desventuras de un hombre con la hija de un granjero y la hija de un juez antes de casarse con la hija de un hombre rico.

Abre la cara B The Mule, el tema que cierra el poker de ases del disco junto a Fireball, Demon's Eye y Strange Kind of Woman. La canción empieza con el sonido de un tambor durante unos diez segundos, para después entrar el bajo, la guitarra y los teclados, y entonces Gillan empieza a hablar de The Mule, quien es Lucifer, y algunos de sus amigos que se encuentran en el lugar esa noche. También hay quien dice que el tema se inspiró en el personaje The Mule, de la novela Foundation e Empire de Isaac Asimov. Este tema se convirtió en un clásico en directo, pues al final del tema Ian Paice se marca un sólo de batería demoledor. El sólo no está incluido en la versión de estudio debido a un error que hizo que aproximadamente la mitad de las pistas de audio de batería fueran borradas mientas se grababa la canción en el estudio. Fools, quizá uno de los momentos más flojos del disco, donde el grupo flirtea con el rock progresivo. El disco cierra con No ONe Came, donde tema donde los potentes riffs blackmore se entremezclan con los teclados de Lord para regalarnos un digno cierre de un disco. Fireball, aún no siendo un disco tan redondo como el anterior, In Rock, y con una temática de sonido algo dispersa, es un disco indispensable en cualquier biblioteca musical de rock que se precie.

0127: Blowin' in the wind - Bob Dylan

¿Cuántos caminos debe recorrer un hombre antes de que lo llames hombre? Ese primer verso de Blowin' in the wind es la gran pregunta con la que conseguir la respuesta definitiva en "La guía del autoestopista galáctico", la película de 2005 basada en la novela de Douglas Adams del mismo nombre, publicada en 1979. Todos somos, de alguna manera, autoestopistas en la vida, y tenemos que afrontar muchas experiencias hasta llegar al estado de madurez que nos defina como "hombres" y "mujeres".

Le pasó también a Bob Dylan y su evolución como músico. Hasta Blowin' in the Wind era un cantautor folk entre otros muchos, pero a partir de la publicación de este tema acústico e intimista, dentro de su segundo álbum, The Freewheelin' Bob Dylan (1963), le convirtió en una especie de profeta, un icono de la canción protesta y uno de los máximos abanderados de la lucha por los derechos civiles en los años sesenta.

Blowin' in the wind sigue una estructura de versos basados en preguntas retóricas sobre la paz y la guerra, y la libertad y su ausencia, que en el estribillo reciben una respuesta misteriosa y ambigua: "La respuesta, amigo mío, está soplando en el viento", que podría interpretarse como que la respuesta es tan intangible como la brisa, o tal vez tan simple y cercana como el viento que agita los cabellos de un autoestopista, empeñado en encontrar respuestas a los enigmas de la vida, mientras sigue su camino hacia alguna parte.

Disco de la semana 224: Songs of Leonard Cohen - Leonard Cohen

 

Este álbum debut de Leonard Cohen es uno de mis álbumes favoritos y es quizás el álbum más perfecto jamás grabado. Es perfecto en el sentido de que prácticamente no hay pasos en falso y cada canción es genial y memorable (al menos). Como ha señalado el propio Bob Dylan, lo que la gente tiende a olvidar con Cohen es su talento para la melodía, así como su lirismo, y ese es un factor importante en el éxito de este álbum. Su poesía no tiene rival, como sabemos, pero piensa en la progresión melódica de Sisters of Mercy , o en el optimismo melancólico que irradia Master Song, donde las palabras informan el tono, pero la música también dirige sutilmente esas emociones…. aunque la mayoría de sus cualidades están más allá de toda descripción, y realmente solo necesitan ser escuchadas y sentidas por ellos mismos. Solo hablaré de todas las canciones.

 

Empieza el álbum con Suzanne, la canción perfecta, es difícil encontrar a alguien que no le guste este tema, pero tiene su lógica, con ese aire cadencioso al cantar/recitar y esa guitarra que de fondo acurruca la voz como las olas del mar. Estamos quizás antes una de las mejores canciones sobre el amor y la amistad nueva ¿cómo no podría ser así con letras de amor como "Ha tocado tu cuerpo perfecto con su mente" envuelto en mística de este estilo “te enseña dónde buscar entre la basura y las flores" y por supuesto ese verso demoledor "Jesús era un marinero".  Toda en ella roza la excelencia. Con Master Song pasa a un estado más intenso, es un tema mucho más difícil de descifrar líricamente, pero me gusta casi tanto como Suzanne, nos entregamos a ella con un estado de ánimo destruido, con esa melodía y, sobre todo, de nuevo por la poesía. Es difícil describir qué tiene de genial esta canción, pero se destaca incluso en este álbum perfecto. Winter Lady es ligera y corta en comparación con la mayoría de las canciones del álbum, pero es igualmente inquietante. "Señora viajera, quédate un rato hasta que termine la noche / Solo soy una estación en tu camino, sé que no soy tu amante".

 

The Stranger Song es una tapada entre tantas obras maestras en el álbum y lo hace de manera sencilla, solo con la voz, unos pequeños toques de guitarra, pero adornada con una letra realmente desgarradora e inquietante, hay que detenerse con delicadeza en el tema y saber disfrutar de esta pequeña obra oculta, prepárate a sentir con la voz de Cohen. Sister of mercy, podría ser mi segunda canción favorita del álbum y es que te detienes en la letra y te abrumas " Se tumbaron a mi lado, me confesé ante ellas, Tocaron mis ojos y yo toqué el rocío en sus ropas, Si tu vida es una hoja que las estaciones arrancan y condenan, Te cegarán con un amor que es delicado y verde como un tallo ".

Letras como esa son la razón por la que la poesía en la música es tan genial. El mensaje llega de una manera que puede aplicarse a la vida de casi cualquier persona y las palabras en sí mismas están tan perfectamente sintonizadas con la música que las palabras se convierten en música. El arreglo musical, con zanfona, acordeón y cuerdas ligeras, realmente lo hace interesante y hace un buen trabajo al aumentar la melodía sin abrumarla. También le dan un cierto tono de celebración a la pieza, aunque no estoy seguro de si pretendía ser irónico o no. Escuchar algo así de feliz de Cohen sería simplemente extraño, ya ves... So Long Marianne es la canción más "optimista" del álbum, lo que significa que cuando no tengo cuerpo para la tristeza del resto de las canciones, esta es la que me da por cantar al viento- Parece tener un toque escocés, y tiene cantantes de coros femeninas que se suman a la canción perfectamente. "Te fuiste cuando dije que tenía curiosidad / nunca dije que era valiente".

Hey, that's no way to say goodbye, es una de las canciones más conocidas del álbum aunque reconozco que personalmente no me parece de lo mejor, quizás la aúpa que sea un tema más “fácil” y por momentos puede parecer cursi, pero Cohen ha sabido darle su toque y convertirla en un una canción inquietante, espiritual y honesta. Stories of the Street puede ser también una de las canciones que a priori te puede atraer menos del álbum, quizás una de las más planas, si bien hay que entender que venimos de un nivel muy alto, pero, aun así, basta bucear un poco en su letra para terminar estremecido… “Con una mano en un hexagrama, y una mano en la chica, hago equilibrio sobre el pozo de los deseos al que todos los hombres llaman el mundo. Somos muy pequeños entre las estrellas, muy largo es el cielo; y perdidos entre las multitudes de los subterráneos, intento llamar tu atención”.  Teachers es otra joya escondida. Nunca una canción sobre tener problemas para conocer mujeres, parecía tan dolorosa, profunda y honesta. One of Us Cannot Be Wrong, es probablemente la canción más "deprimente" de este álbum ya de por sí deprimente. Es un gran acercamiento a los dolores y frustraciones del amor. La letra de cierre y la dolorosa armonización del tono desafinado al final, ponen un gran remate a este álbum perfecto.

 

 

 

 

0126: A Hard Rain's a-Gonna Fall - Bob Dylan

 

Incluida en su segundo álbum, The Freewheelin' Bob Dylan y publicado por la compañía discográfica Columbia Records en mayo de 1963, tras empezar su carrera versionando y adaptando temas tradicionales de su país, The Freewheelin' Bob Dylan supuso el comienzo de la carrera compositiva de Dylan al presentar once composiciones propias, esta de la que hablamos fue una de las tres canciones de protesta social que Dylan grabó para este álbum, las otras son " Blowin 'In The Wind " y " Masters Of War ".

Escuchando esta canción nos damos cuenta de que estamos ante una visión apocalíptica de Estados Unidos. Pero también es una visión esperanzadora de los momentos por los que estaba pasando el país. Desde que salió por primera vez publicada "Hard Rain is A-Gonna Fall" se ha convertido como una balada de injusticia inquietantemente contemporánea. Dylan compuso esta canción en septiembre de 1962, vaticinando que la situación global podía llegar a ponerse fea. Menos de un mes después, John Fitzgerald anunció el descubrimiento de misiles soviéticos en Cuba, lo que agitó aún más las aguas entre ambas partes involucradas. Se venían tiempos tormentosos, y Bob ya lo había anticipado. Dylan evoca en este tema tanto la destrucción global (“una docena de océanos muertos”) como el caos metafórico (“diez mil conversadores con la lengua rota”) en una serie de imágenes viscerales que culminan en la comprensión del narrador de que la crisis —el sentimiento de apocalipsis inminente— requiere fortaleza y paciencia. En resumen, la capacidad de mirar al ojo de la tormenta y permanecer firme en su conexión a tierra. 

Dylan compuso "Hard Rain is A-Gonna Fall" a partir de una balada folclórica británica, "Lord Randall", Child Ballad No. 12, de finales del siglo XIX, en la que una madre cuestiona repetidamente a su hijo, comenzando con "¿Dónde has estado?" como la balada revela más tarde que el hijo ha sido envenenado y muere. “A Hard Rain's a-Gonna Fall” de Dylan abarca un amplio mensaje con temas e imágenes relevantes a la injusticia, el sufrimiento, la contaminación y la guerra, una canción muy adecuada para su época y más allá, aunque el autor ha comentado en alguna ocasión que no tenemos que tratar de buscar una representación única en su mensaje, simplemente es solo una lluvia fuerte, no lluvia nuclear o lluvia ácida o algo por el estilo, solo una lluvia fuerte. La lluvia tiene imágenes tan poderosas en culturas de todo el mundo (no es sorprendente, por supuesto) y, a menudo, connota limpieza y restauración en un aspecto y angustia y separación en otro. De vez en cuando puede representar a ambos, como en esta canción. El narrador no está derrotado por su experiencia, en realidad está fortalecido por ella para pararse en el océano, reflexionar desde las montañas y cantar su canción con confianza. Hizo el viaje, vio y asumió el coste, y salió más fuerte. La lluvia le da nueva vida. Pero la lluvia también marca el final de su inocencia, el límite entre la niñez y la edad adulta, y el muro entre los que han visto la guerra y los que no. La lluvia lava el pasado y permite que crezca el futuro. La lluvia es también las lágrimas de todos los que perdieron o sufrieron en la guerra, y el resto de sus vidas; es un mundo de llanto y el narrador sabe que las lágrimas son buenas.

 

La canción de Dylan tuvo un impacto en los principales pensadores y líderes culturales de esa época. La primera vez que el poeta Beatnick Allen Ginsburg escuchó "Hard Rain" de Dylan, la marcó como un cambio de guardia en el movimiento de protesta social, creyendo que la antorcha se había pasado a otra generación desde la iluminación y el auto-empoderamiento anteriores de Beat todo un descubrimiento en aquellos años esenta, pero es que a día de hoy, a Bob Dylan se le sigue escuchando y reproduciendo a lo largo de todo el mundo. "Hard Rain is A-Gonna Fall ", tiene más de dos docenas de versiones, entre las que podemos destacar las de Pete Seeger, Joan Baez, Leon Russell, Bryan Ferry, Robert Plant, Jimmy Cliff y otros. Como compositor y músico, Dylan ha recibido numerosos premios a lo largo de los años, incluidos Grammy, Golden Globe y premios de la Academia; también ha sido incluido en el Salón de la Fama de los Compositores, el Salón de la Fama del Rock and Roll y el Salón de la Fama de los Compositores de Nashville.

0125: Come on - The Rolling Stones

Come On es un tema firmado originariamente por Chuck Berry y publicado en 1961, pero llega a estas líneas como la canción que los Rolling Stones eligieron para su single de debut en 1963, razón por la que tiene un valor histórico para todos los seguidores de la mítica banda londinense. El single se completaba con otra versión, el "I want to be loved" de Willie Dixon, ya que en sus comienzos los Rolling Stones no habían dado aún con la tecla de la inspiración para componer sus propios temas. 

"Sus Satánicas Majestades" pasearon la que fuera su carta de presentación en el mundo de la música, a lo largo y ancho de las ciudades que visitaron en sus dos primeros años de giras, entre 1963 y 1965. Después, y con la llegada de los primeros hits incontestables del grupo, la canción desapareció de sus actuaciones, quedando relegada a curiosidad histórica, y ausente también en la mayor parte de los recopilatorios posteriores que,  a lo largo de los años, se han ido publicando con los mejores temas de la banda.

Volvió a la superficie en el año 2012 en "GRRR", un recopilatorio con el que la banda celebró sus cincuenta años de carrera, abriendo el primero de los discos al grito de "Come on" ("Venga"). Y eso es, precisamente, lo que queremos decir nosotros al respecto de esta canción. ¡Venga! Anímate a escucharla. Es un documento absolutamente histórico de la primera grabación publicada por una banda que, en ese momento, buscaba presentarse en sociedad, y que hoy en día no necesita presentación. "Ladies and gentleman... The Rolling Stones"