El disco de la semana 50: OK Computer, Radiohead

Radiohead estrenó su tercer álbum de estudio en Julio de 1997 , para este disco se basaron en un álbum de Miles Davis, y según palabras de Thom Yorke "es un disco de música que crece y se arma y se desarma, que crece se eleva y se derrumba, ese es el punto de partida de lo que quisimos hacer, queríamos hacer un disco que el que lo escuchara llegara a un estado de shock". Para ello, abrieron su repertorio de instrumentos, metiendo piano eléctrico, cuartetos de cuerda, melotron o Glockenspeil. Las letras del disco fueron escritas por Thom Yorke y los temas que trata son absolutamente inconformistas.

Abre el disco el tema Airbag, comienza con un riff de Jonny Greenwood y se cierra con el mismo riff con la base de una batería electrónica xampleada digitalmente, y con apariciones del bajo que empieza y se detiene de forma inesperada, encontramos el sonido de un cascabel y para cerrar el circulo una guitarra gime y se retuerce de forma antiarmonica, la otra nos deja sonidos dulces y melódicos, es por ello un tema muy cambiante, con momento s completamente melódicos y otros que nos mete en una locura de descontrol que hace especial a este tema. Escuchar el comienzo del disco y darte cuenta de que estamos ante algo distinto de lo que hasta ahora había hecho el grupo. Tema inspirado en un accidente de trafico que tuvo Thom Yorke. Termina el tema y sin solución de continuidad 4 beeps nos mete de lleno en una de las mejores canciónes, Paranoid Android, el tema mas largo del disco, y aunque la duración original era de quince minutos, finalmente para la edición final del disco se redujo hasta los 6:23 que todos conocemos. Un tema inspirado en Bohemian Rhapsody de Queen, en el tema se entremezcla tres canciones distintas compuestas por tres miembros del grupo y colocadas en cuatro partes que se diferencia haciéndose la competencia entre ellas, cada una en un extremo. Una canción compuesta tras una desagradable noche en un bar cuando vio la violenta reacción de una mujer después de que otra persona derramara una bebida sobre ella. No es una canción agradable, una canción que pueda entrar por el oído fácilmente, sin embargo fue la elegida para ser el primer single y es una autentica maravilla. Subterranean Homesick Alien su titulo esta inspirado en una canción de Bob Dylan de 1965, Subterranean Homesick Blues, teclados eléctricos para emular a Mile Davis, aun asi, las guitarras son las que ponen la calidad en una canción que habla sobre alguien que se cree que ha sido abducido por extraterrestres.

Y nos encontramos con otra de las joyas del disco Exit Music (For a Film), una canción inspirada en Romeo y Julieta de Shakespeare, los primeros compases sirven a modo de homenaje al Johnny Cash de At Folsom prisión, pero también podemos escuchar voces electrónicas, un bajo distorsionado, y el constante build-up del resto de los instrumentos, hacen de esta pieza una de las más oscuras de la banda. El clímax de la canción nos ofrece un bajo fuzz y una desgarradora interpretación vocal. Cabe destacar las últimas líneas vocales de Thom Yorke, cantando al borde del llanto “We hope that you choke” en este tema compuesto para la edición moderna de la película «Romeo + Julieta» (Baz Luhrmann, 1996). Let down es sin duda una canción de guitarras que se van sobrepasan una a otra durante el tema, aparentemente suena muy positiva, pero nada mas lejos de la realidad el asunto del tema es la decepción, el dolor, el abandono. Pasamos a Karma Police, uno de los temas mas famosos de Radiohead, y de las que mas controversia levanta….¿Qué significa eso de «policía del karma» y qué intenta decirnos con su letra onírica? Según ellos, todo era una broma… guitarra y piano se entremezclan de forma magistral, esta pieza fue inspirada por la canción Sexy Sadie de The Beatles. Desde la mitad de la canción en adelante, llega a nuestros oídos una de las melodías más reconocibles e icónicas de la banda.

Fitter Happier es una rareza dentro del álbum, una letra experimental basada en anuncios que Thom ha recopilado y una melodía de cencerro y guitarra, como curiosidad es correcta, pero desentona con lo escuchado hasta ahora, será un capricho de los chicos de Radiohed. Electioneering es la canción mas política del álbum, una critica feroz al sistema político actual donde los candidatos no hacen mas que decir mentiras para conseguir tu voto y una vez lo tiene olvidarte en el cajón, es una canción dura, áspera, como lo que cuenta, unos desenfrenados riffs que nos suben la adrenalina de forma instantánea, al igual que la enérgica batería de Phil Selway. Climbing up the walls nos regala una espectacular composición a capas de cuerda a cargo de Jonny y una sencilla melodía que relaja el tono del álbum pero al final la intensidad va en aumento hasta llegar a un salvaje solo de guitarra ejecutado por Ed O’Brien, el cual es seguido por las quejumbrosas vocales de Thom Yorke, el cual finaliza el tema con un grito completamente inesperado y desgarrador.

No surprises con su melodía sencilla (en comparación con el resto del disco) y sus decenas de interpretaciones hacen de ella una joya, puede parecer mas cerca del pop que de este rock que nos estaban regalando, pero es absolutamente mágico el climax de la misma, Jonny Greenwood ejecuta un glockenspiel de forma impecable, de igual forma como lo hace el resto de la banda, luciéndose en cada detalle. Este es sin duda un clásico inmortal de Radiohead que, al igual que muchos otros, es un de las grandes apariciones en cada concierto que la banda realiza. Lucky creada en septiembre de 1995 por encargo de Brian Eno, posee un mensaje mucho más optimista que otras canciones anteriores, hablando sobre cómo nuestra suerte podría llegar a cambiar, al igual que como se habla de querer ser rescatado de un accidente aéreo. Y terminamos con The Tourist una canción muy tranquila que en su esencia nos recuerda a Pink Floyd. Thom nos muestra una analogía de la vida moderna con la de un turista, es decir, haciendo todo de forma muy apresurada y sin tiempo para contemplar las cosas simples y bellas de la vida. La atmósfera lograda en el transcurso de la pista final culmina con un cristalino sonido de una pequeña campana, dándonos el mensaje de que todo ha terminado.

El disco de la semana 49: Arctic Monkeys - Whatever people say I am...

En la antigüedad, se pensaba que la Tierra era plana y que no había monos en el Ártico. En el primero de los casos, ya en textos hindues del siglo XX A.C se insinúa que la Tierra pudiera tener forma esférica, pero no fue hasta Copérnico y Galileo cuando asumimos como certeza la forma redonda de la Tierra y los planetas. En el caso de los Monos del Ártico (Arctic Monkeys), los primeros indicios de su existencia aparecieron en 2001 en Sheffield (Reino Unido), algo lejos del Ártico. Dos adolescentes de esta localidad, Alex Turner y Jamie Cook, pidieron por Navidad una guitarra para formar una banda de música.


La mayoría de estos nuevos grupos desaparecen rápidamente, vencidos por la falta de repercusión de sus canciones, o porque sus miembros tienen que asumir las obligaciones del mundo real y no tienen tiempo para dedicarle al proyecto. Es lo que ocurrió en 1991 con "Los Paranoicos" (me permito tomar ese nombre porque es el que yo sugerí, pero no recuerdo si realmente llegamos a tener un nombre en firme). Éramos solo unos adolescentes, un grupo de amigos con la loca idea de formar un banda, sin tener instrumentos ni saber tocarlos, "igual" que los Arctic Monkeys (las comillas aquí son muy necesarias).


La diferencia fundamental es que los Arctic Monkeys consiguieron sus guitarras y aprendieron a tocarlas. Formaron una banda junto a otros dos amigos de la escuela, Andy Nicholson y Matt Helders, que asumieron los roles de bajo y batería, respectivamente. En los comienzos, contaron incluso con un quinto miembro como cantante (Glyn Jones), que dejó el grupo a los pocos meses, momento en el que Alex Turner tuvo que superar su timidez inicial y asumir el rol de cantante principal.

En el caso de Los Paranoicos, la estrategia fue errónea ya desde el inicio. Decidimos que, antes incluso de tener instrumentos y saber tocarlos, debíamos empezar por escribir las canciones. Quedamos en que cada uno trabajaría en una canción, y la presentaría al resto del grupo en un plazo máximo de un par de días. De aquellos intentos de composición surgieron, que yo recuerde, hasta cinco posibles canciones. Las risas que provocaron en los demás las canciones que cada uno de nosotros presentó aquel día, fueron las que acabaron con el grupo a los dos días de su intento de nacimiento.

Los Arctic Monkeys dieron su primer concierto el 12 de Junio de 2003 en una pequeña sala de su Sheffield natal. Para los siguientes conciertos, grabaron varias demos y las regalaron en CD a los asistentes. Se les acabaron muy pronto los CDs disponibles, pero los fans empezaron a copiar aquellos temas en sus ordenadores y a compartirlos de forma viral en la red. Eso hizo que la gente conociera sus canciones y las coreara en los conciertos, mucho antes de tener grabado su primer disco. Ellos ni siquiera sabían lo que era MySpace, pero ya tenían una página web que había sido creada proactivamente por sus fans.

En mayo de 2005, lanzaron Five minuts with the Arctic Monkeys, su primer EP, que contenía dos de las canciones que acabarían formando parte de "Whatever people say I am, that's what I'm not". Hablamos de Fake tales of San Francisco y From the Ritz to the Rubble. Posteriormente, lanzaron en Octubre de 2005 su primer sencillo, "I bet that you look good on the dance floor", que también acabaría formando parte de su disco de debut, y que llegó al número 1 de las listas de singles del Reino Unido. Aún sacaron un segundo sencillo, "When the sun goes down", antes de lanzar el disco, y de nuevo alcanzaron el lugar más alto de las listas inglesas.

Los Paranoicos se separaron a los dos días de formarse, por lo que canciones como "Casablanca" (una historia de amor entre dos adolescentes, ambientada en el mismo lugar que la película de Humpfrey Bogart), "Oye, tío cabrón" (pieza de rock pesado y riff repetitivo, compuesta mientras esperábamos a que un dependiente borde nos atendiera por fin), "Only as you now" (canción de despecho hacia una musa de los bares de Getafe, totalmente displicente hacia nuestros intentos de cortejo, a la que un vengativo enamorado juraba tratar algún día con la misma indiferencia), o "Soldado Autónomo" nunca vieran la luz en CD ni corrieran como la pólvora en MySpace, que dicho sea de paso no existía por aquella época.

Desafortunadamente, no me quedé con las hojas en las que garabateamos aquellas canciones. De haberlo hecho, ahora podría haber mostrado la "profundidad" de aquellas letras, que tantas risas provocaron en aquella reunión de principio y final de lo que pudo ser y no fue. Recuperárlas sería ahora mas dificil que encontrar alguno de aquellos textos hindúes del siglo XX antes de Cristo, en los que quizá se planteara no solo que la Tierra y los Planetas fueran esféricos, sino que ninguno de ellos estaría jamás alineado para que Los Paranoicos llegaran a ser un grupo de música rock. Los astros se alejaron de Getafe y miraron hacia el Ártico, haciendo una parada en Sheffield para recoger a cuatro prodigios que entregaron el mejor disco de debut que se recordaba desde el Is this It de sus idolatrados Strokes.  

WHATEVER PEOPLE SAY I AM... THAT'S WHAT I'M NOT

El título del disco, extrañamente largo ("Cualquier cosa que la gente diga que soy, es lo que no soy") proviene de Saturday Night and Sunday Morning, una vieja película de los años 60. Pese a que la mayor parte de las canciones ya eran conocidas a través de las demos que circulaban, el álbum generó mucha expectación y las ventas se dispararon desde la primera semana.

Las críticas en el Reino Unido les elevaron hasta la categoría de "los nuevos Beatles". Más allá de calificativos exagerados, la realidad es que su álbum de debut es un derroche de energía y decibelios, un chorro de aire fresco en el mundo del indie rock de los años 2000. Todo empieza con The view from the afternoon, un estallido directo desde las primeras notas del disco. Guitarras urgentes y distorsión, camuflando una melodía pop de estribillo pegadizo. Tras ver el atardecer, se trasladan a una discoteca con I bet that you look good on the dancefloor, una nueva descarga de energía que se ha elevado a la categoría de himno rock para adolescentes (y no tan adolescentes), sin duda la canción que más levanta al público en sus conciertos y una de las mejores canciones de un disco en el que todas las canciones llegan a un nivel muy alto.

Siguen de marcha con Fake tales of San Francisco, una de las canciones que existían ya desde los tiempos del primer EP. Al ritmo de un pegadizo riff de guitarra, describen de manera divertida una fiesta desmadrada en la que las rock stars toman vino blanco y otras sustancias en los cuartos de baño. Puede que en ese mismo baño esté el espejo en el que parece mirarse Alex Turner mientras canta Dancing Shoes, la letra parece un mantra de automotivación para atreverse a hablar con una chica de la fiesta, quizá la misma con la que cruzó miradas en la pista de baile.

El mantra debió funcionarle, porque en la siguiente canción su nivel de confianza en sí mismo se ha disparado, su título es la frase brillante y chulesca que todos hemos buscado alguna vez en nuestra época adolescente, para romper el hielo con una chica: You probably couldn't see for the lights but you were staring straight at me (probablemente no podías verlo por las luces, pero me estabas mirando directamente a mí). Y la frase parece que funcionaba, porque tras esta canción dan el salto a Still take you home (todavía te llevo a casa). Hasta aquí no hay tregua en lo musical, las guitarras desenfrenadas y los estribillos poderosos te llevan en volandas hacia la mitad del disco.

Riot Van es el único momento de calma, algo insustancial en su contenido, como las preocupaciones de los adolescentes. Salir, beber, el rollo de siempre... en las calles de Sheffield y metiéndose en algún que otro lío con un oficial de policía. El camino a casa, en esas horas intempestivas, pasa por tomar un taxi en Red light indicates doors are secured (frase que puede leerse en la cara interior de las puertas de los taxis británicos: "la luz roja indica que las puertas están cerradas), y por retomar la fuerza y brillantez de temas anteriores.

Llegamos a uno de los momentos más relevantes del disco, con otra de las canciones que se han convertido en un himno de la banda. Mardy Bum es la brillante descripción de una charla en la que el protagonista trata de reconciliarse con una chica, después de una discusión. Tras este tema, la noche se alarga con Perhaps vampires is a bit strong but... en la que, tras la descarga guitarrera marca de la casa, el tema se corta en un silencio, roto inmediatamente por la voz del protagonista, desgañitándose para decirles a los que le rodean "¡todos vosotros sois vampiros!" ¿Quién no ha gritado algo parecido cuando, a las 6 de la mañana, sus amigos aún querían ir a tomar la última?

El disco se acerca a su fin con una canción brillante pero oscura, When the sun goes down, que denuncia el ambiente de prostitución que se vive en algunas zonas de Sheffield. Es el submundo que aparece cuando el sol se esconde, y la noche se apodera de las calles de esta ciudad, como en el recorrido nocturno descrito en From the Ritz to the Rubble, la canción con la que cierran este épico recorrido por las calles y los bares de la noche británica. Diez años antes, un grupo de adolescentes transitamos por calles similares, fuimos a otros bares y conocimos chicas que habrían podido inspirar grandes canciones como éstas, pero lograrlo habría sido más raro que encontrar monos en el Ártico. Y para eso llegarían después los Arctic Monkeys, para hacerlo con más gracia y un inagotable talento.

El disco de la semana 48: Frank Zappa - Over-Nite Sensation

Over-Nite Sensation, Frank Zappa

     "Una autobiografía, por lo general, la escribe alguien convencido de que su vida es poco menos que realmente maravillosa. No creo que mi vida sea de ningún modo maravillosa. No obstante, me atrae la oportunidad de decir cosas por escrito sobre diversos asuntos tangenciales"

     "Te pido disculpas si tu nombre aparece en el libro y no querías figurar en él, o no compartes mis opiniones ni te agradan los comentarios que hago"

     Frank Zappa publica en 1989 con la ayuda del escritor Peter Occhiogrosso su propia autobiografía, si se puede llamar así. Las dos citas anteriores son de la introducción, donde ya deja muy claro que no se trata de una autobiografía corriente. Frank Zappa con un sentido del humor muy particular y a traves de sus reflexiones nos hace un repaso de su vida y su carrera artística.

     "Este libro parte de la premisa de que hay alguien, en alguna parte, interesado en saber quién soy, cómo llegué hasta aquí y de qué coño voy.
     Para contestar a la primera pregunta imaginaria, voy a explicar LO QUE NO SOY. Aquí van dos conocidas leyendas de Frank Zappa..."

     Este es el primer párrafo que aparece en el primer capitulo de la memorias de Frank Zappa que de este modo nos adentra en su mundo. Y que mejor forma de concocerle que dejar que sea él mismo quien lo haga. En dicho libro, titulado La verdadera historia de Frank zappa, Memorias nos relata sus vivencias, empezando por su infancia, nació en 1940 en Baltimore, Maryland (Estados Unidos) donde creció en un entorno normal, su padre era químico y matemático y trabajaba para el gobierno de Estados Unidos por lo que cambiaban asiduamente de residencia. También nos relata su interés por la química y cómo en San Diego incendió un colegio junto con amigo al realizar un experimento de índole científica con un bote de mayonesa y combustible líquido para cohetes.

 
Nos cuenta sus problemas de salud, sufre de asma, dolores de oído y es sometido a un curioso a la vez que peligroso tratamiento (muy común por entonces) para tratar sus problemas de sinusitis.
También relata su interés desde la juventud por la música, en concreto por la percusión y en compositores cómo Edgar Varèse, como se sumerge en el mundo musical componiendo y tocando de forma completamente autodidacta y su disco debut con el grupo The Mothers of Invention en 1966.

     Pero no sólo se interesa por la música pues también se dedica a dirigir películas de cine y a producir música, produciéndose él mismo sus propios discos. Os enterareis de sus problemillas con la justicia en 1965 a causa de la producción de una cinta de audio erótica para una despedida de soltero y cómo fue condenado a seis meses de cárcel por un delito menor de Conspiración para para producir pornografía, pasando sólo diez días en el Sector C de la prisión del condado de San Bernardino, experiencia de la que dice aprendió muchísimo.

     Conoceréis por el mismo sus famosa anécdota en el famoso concierto en el Casino de Montreux el 4 de diciembre de 1971, cuándo encontrándose en pleno concierto alguien del público lanzó dos bengalas incendiando el casino y como Frank y su grupo ayudaron a evacuar todo el reciento, y como perdieron en aquel incendio todo el equipo de sonido. Debía estar gafado pues poco después un energúmeno del público en pleno concierto subió al  escenario y le agredió tirándole al foso de la orquesta el cuál tenía más de cuatro metros de profundidad, y cómo tuvo que estar dando sus conciertos una temporada en silla de ruedas.
Nos cuenta cómo después de haber contratado un concierto en el Royal Albert Hall de Londres para tocar con dicha orquesta, un miembro de dicha orquesta que tocaba la trompeta denuncia que las letras de su espectáculo son obscenas por lo que acaban cancelándole el concierto, y cómo Frank Zappa denuncia a la mismísima Corona británica por incumplimiento de contrato. Su relato de la transcripción de aquel juicio no tiene ningún desperdicio.

     Podría estar horas contando anécdotas sobre la vida de Frank Zappa, una anécdotas que el mismo nos relata mientras nos habla de su vida en primera persona en el libro de sus memorias, un libro indispensable si queréis conocerle un poquito mejor. Lo que voy a hacer es parar y dejaros con la miel en los labios y así animaros a leer su historia, una historia más que interesante de un genio como él relatada por el mísmo.

     Frank Zappa durante su vida en el ámbito musical, publicó 62 LP's y la Zappa Family Trust publicó 37 LP's póstumos, lo que suman 99 discos, de los cuales 33 son de estudio, 37 en directo y 28 recopilatorios. Estas cifras nos dan idea de la frenética actividad de Zappa sólo en el ámbito musical.
Ahora sólo me queda recomendar uno de esos discos, pero hay un problema, si no elijo bien el disco a recomendar corro el riesgo de que las personas que escuchen a Frank Zappa por primera vez acaben repudiándolo, pues su música se sale completamente de lo convencional, así que después de un árduo trabajo para elegir el disco adecuado para la ocasión me he acabado decantando por Over Nite Sensation, publicado en 1973.
Me he decantado por éste álbum porque éste marcó un punto de inflexión en su carrera, con un estilo más accesible que sus anteriores trabajos, con sonidos más cercanos al rock, incluiso coqueteando con el funk. La portada del álbum la realizó el ilustrador Dave McMacken, el cuál se inspiró en Salvador Dalí. En dicha portada aparece un hombre de dos cabezas sentado en la cama y a su lado un televisor que muestra la cara de Zappa, si nos fijamos bien, toda la ilustración tiene numerosas referencias sexuales.

     Frank zappa grabó el álbum junto con The Mothers of Invention, que por entonces estaba formado por Kin Vassy (voces), Ricky Lancelotti (voces), Sal Marquez (trompeta y voces), Ian Underwood (clarinete, flauta, saxofón alto y saxofón tenor), Bruce Fowler (trombón), Ruth Underwood (percusión, marimba, vibráfono), Jean-Luc Ponty (violín, violín barítono), George Duke (sintetizador, teclados), Tom Fowler (bajo) y Ralph Humphrey (batería).
La grabación del álbum se realizó en  los estudios construidos por Ike Turner en Inglewood, California. Para la grabación del disco Zappa le pidió a Ike que tanto Tina Turner como el grupo de respaldo de ambos, The Ikettes realizaran los coros del disco. Las sesiones de grabación fueron un tanto complejas tanto para Tina como para las Ikettes, de hecho Tina llevó a Ike al estudio mientras estaban preparando el tema Montana para que viera el resultado de aquella complicada grabación, Ike al oir la grabación del tema respondió ¿Que es esta mierda?, acto seguido insistió a Frank Zappa para que en los creditos de Over-Nite Sensation no aparecieran ni Tina Turner ni The Ikettes.

     En cuanto a la temática del disco Frank hace gala del humor para tratar temas como el sexo en temas como Camarillo Brillo, donde incluye una magnífica sección de viento y juega con el vocabulario inventandose muchas palabras y utilizando muchos coloquialismos. El título hace alusión a Camarillo, una ciudad de California donde había una institución mental, y Brillo era una marca registrada de esponjas de acero inoxidable (cómo el Nanas para que nos entendamos). La letra habla de una mujer peculiar con un cabello salvaje, que echa las cartas del tarot, tiene una serpiente como mascota y un amuleto. Después de mucho insistir ella logra convencerle al final a él para que entre en su casa y  "ellos lo hicieron....".

     También tiene temas con crítica social, como I'm the Slime, donde nos relata como los medios de comunicación, y en especial la televisón tratan de controlar nuestras mentes y reducen al mínimo nuestra capacidad de nuestra autonomía convirtiéndonos en seres muy sugestionables. La crítica la presenta en dos partes, primero haciéndose la pregunta ¿Quién soy? a través de toda una gama de insultos, para después poner el foco de todos los males en la televisión. Ojo al sólo de guitarra que aquí se marca Frank zappa, sensacional.

     Dirty Love, tema donde vuelve a hacer gala del humor obsceno, y rinde tributo al rock de los años 70.

     Fifty-Fifty, un tema genial donde Zappa avanza en la letra que no nos va cantar ninguna canción, ni cómo le duele el corazón, y que está lo suficientemente loco como para cantarnos de cualquier forma y que tiene un 50% de probabilidades de tener algo que decir, sencillamente genial porque lo que realmente oculta este tema es el sólo que se marca el famoso pianista de jazzGeorge Duke, seguido del sólo del violinista de jazz  Jean-Luc Ponty para acabar con el sólo de Frank Zappa, sin duda una de las joyas de éste disco.


     Abre la cara B del disco Zomby Woof, donde vuelve a aparecer otra vez la temática del sexo tratada de forma hilarante, con una sección de vientos muy destacable. Zappa nos cuenta cómo zombies y hombres lobo se cuelan en las habitaciones de la chicas mientras duermen. Sensacionales los  coros de Ricky Lancelloti (experto en imitar voces chillonas) y las Ikettes con Tina turner. Zappa nos vuelve a regalar otro memorable sólo de guitarra marca de la casa.

     Dinah-Moe Humm, el tema más funk del disco, donde vuelve a abordar con su sentido del humor el tema del sexo, ha conocido a una mujer llamada Dinah-Moe Humm, esta mujer se le ha acercado y le ha dicho que tiene cuarenta dólares y que serán suyos si consigue que ella tenga un orgasmo.

     Montana, tema donde hace gala de lo absurdo, tanto es así que Zappa aquí ha decido ir montado en un pony llamado Mighty Little a Montana para cultivar una cosecha de hilo dental, comercializarlo y convertirse así en un magnate del hilo dental. Pero que cosas, el hilo no crece en Montana ni en ningún otro sitio, absurdo y genial. De nuevo atención al solo que Zappa se marca en este tema, de nuevo sobresaliente. Este fue el tema de la discordia, y que hizo que Ike Turner se negara a que tanto Tina Turner como las Ikettes salieran acreditadas en el disco. Sobre esto Frank Zappa dió su propia versión, había sido muy difícil hacer los coros de la parte media de la canción, Tina y las Ikettes estuvieron ensayando sólo esa parte durante un par de días. Después de mucho trabajo por fín las chicas consiguieron cantar las armonías, Tina que estaba muy contenta por haber conseguido cantar aquello llevó a Ike al estudio para que escuchara lo que había conseguido, inmediatamente después de escuchar el resultado Ike soltó "¿Qué mierda es ésto?" y se fue. Montana rápidamente se convirtió en uno de los temas preferidos por el público de Frank Zappa.

     Over-Nite Sensation es un disco más que recomendable para ir adentrándonos y conocer un poquito mejor a Frank Zappa y su universo. Y no quiero despedirme de vosotros sin dejar una cita suya que le definía a la perfección:

     "Nunca tuve la intención de convertirme en un tipo extravagante. Fue otra gente la que siempre me endilgó esa etiqueta."

                                         

   Frank Zappa (12/10/1986)

     

El disco de la semana 47: Ultima experiencia - La casa de la bruja

ÚLTIMA EXPERIENCIA es un trío madrileño en el que cohabitan todos los estilos que engloba el término rock clásico, dejándose influenciar por lo mejor de las décadas de los 60 y los 70 y plasmando esas influencias en un sonido absolutamente actual y propio.

Tras varios años curtiéndose y dando forma a su propio sonido en decenas de salas de su ciudad en 2010 ve la luz su primer E.P. titulado «Madrid». La canción que da título al E.P. fue elegida como canción oficial del stand de Madrid en la Expo de Shangai y ese trabajo fue elegido por la red de blogs de Musicópolis como lo mejor del año en aquel mismo 2010 sin ni siquiera ser un álbum completo.

En 2011 la banda, asentada ya en el circuito de salas nacionales, decide apostar el todo por el todo y ponerse a las órdenes de uno de los productores más importantes del país, Juan de Dios Martín (Amaral, Xoel López, Barón Rojo, Marlango…), para la grabación de su siguiente E.P. titulado «TRES». El nuevo trabajo sale en mayo de 2011 y con el la banda recoge elogios de la crítica.

En 2012 Última Experiencia publica su primer L.P. «La casa de la Bruja» para el cual vuelve a contar con Juan de Dios Martín en la producción y con el que consigue, además de que todos los diversos estilos que conviven en la banda suenen a ellos mismos, aunar el entusiasmo tanto de la crítica más rockera como de la más indie. La promoción del disco llega hasta las cotas más altas de audiencia en programas de televisión como «El intermedio», show con el que UE ya había colaborado anteriormente haciendo de banda para el Gran Wyoming y su «Resistiré».

Última Experiencia comienza 2013 en medio de la gira presentación de su primer disco «La casa de la bruja». A medida que la banda crece en el escenario, crece su base de fans y crece su mecanismo de promoción en torno a la gira llegando a los estudios de TVE en Barcelona para promocionar su concierto allá en marzo de 2013. Tras casi 80 conciertos desde que comenzase su gira «La rueda gira», Última Experiencia pone el broche final a la misma con un llenazo en la sala El Sol de Madrid en junio de 2013 y su participación en el Arenal Sound y en el Sonorama 2013 y en el Monkey Weekend donde muchos medios se hicieron eco de su potente actuación. La banda decide dar un paso de gigante en su trayectoria y se pone bajo las órdenes de Eddie Kramer (productor e ingeniero de sonido de Jimi Hendrix, Led Zeppelin, Santana…) en los estudios La Fabrique (Francia) para grabar dos canciones que llevan el sonido de la banda un poco más allá…El resultado de esas grabaciones se recoge en el single «Kramer Sessions» que ve la luz en octubre de 2013.

Inmersos aún en los coletazos de la gira de presentación de Kramer Sessions en la que llenan salas de gran aforo como el Tclub (junto a Sidecars) y la sala We Rock (junto a The Brew) la banda edita en el mes de abril 4 nuevas canciones en forma de EP bajo el título “La Oveja negra”, un EP financiado por casi un centenar de fans que son reclutados gracias a una exitosa campaña de crowdfunding.

En 2005 la banda ficha por Randomize Music, empresa capitaneada por Eugenio Muñoz, uno de los productores más importantes del rock nacional que ha labrado su nombre con bandas que han marcado la historia de este país como Los Enemigos, Rosendo o Siniestro Total entre decenas más. Es él el encargado de producir el segundo álbum largo de la banda titulado “Eléctrica”, licenciado por Warner Music y editado en marzo de 2015. El primer single elegido de este disco es el titulado “Blues cañí” y la banda tiene la oportunidad de presentarlo en el Palacio de los Deportes de Madrid (Barclays Card Center) dentro del concierto “Por un mundo sin ELA” ante más de 7.000 espectadores. En ese mismo lugar es donde terminan su gira este año teloneando al gran Rosendo Mercado, artista al que habían acompañado en su gira ya en el mes de julio en Valencia.

Ya en 2017 tras casi dos años desde su último LP, Última Experiencia sale de su letargo y presentarán su nuevo single, “Ahora me siento mejor”, una canción que abre una nueva etapa en la ya consolidada carrera de la banda madrileña y con la que han querido adentrarse en nuevos sonidos siempre desde el prisma puramente rockero que ha sido la seña de identidad del grupo desde sus inicios. Para ello han contado en la producción con Manuel Cabezalí (Havalina, Rufus T. Firefly, Niños Mutantes…) quien ha sabido encontrar el sonido perfecto para una canción que no deja indiferente a nadie ya que la banda vuelve a demostrar que no sabe morderse la lengua.

En 2018 tras casi tres años desde que lanzasen su último álbum los chicos de Última Experiencia presentan “Cultura Caduca”, el tercer LP de la banda madrileña; un disco con el que pretenden reclamar todos los focos del panorama del rock nacional. Para ello han incluido en este álbum nueve canciones con vida propia, pero que forman entre ellas el que hasta la fecha es su disco más redondo en cuanto a concepto y probablemente en cuanto a su sonido. Grabado y mezclado por Isaac Rico, en los estudios Reno de Madrid, la banda promete con este esperado disco no dejarnos indiferentes; sus letras cargadas de un discurso cada vez más incisivo (su título “Cultura caduca” no es casual) se mezclan con los riffs y las texturas del rock, la psicodelia o el blues más clásico, pero con el filtro del siglo XXI que es ya la marca registrada de la banda. El trabajo más ambicioso de la banda hasta el momento. Un disco que quiere ser recordado.  (FUENTE PAGINA WEB OFICIAL DEL GRUPO)

Y ahora vamos a tratar de desgranar el disco canción a canción, hemos disfrutado mucho con esta amalgama de sonidos todos de muy buena calidad, siéntense y disfrute.

La Casa de la Bruja

Empieza el disco con una canción con un toque country muy delicado, y una voz que nos va narrando una historia con distintos matices, la guitarra se hace dueña hasta que llegando a los dos minutos la canción estalla en una combinación de guitarras eléctricas y batería. Muy buena puesta en marcha del disco.

Ladyzabella

Potente rock and roll, cargada de guitarras que saben lo que hacen, los coros por otro le dan un empaque importante al tema. Encontramos cierto toque Hendrix a lo largo del tema

He Muerto Hoy

Se suavizan tras la caña de los dos primeros temas, comienzo más comercial, pero rápidamente la letra y la voz del cantante te empieza a enganchar…  potentísima letra, “En el huerto he sembrado canciones para no verlas brotar jamás”….aunque hayan rebajado el ruido, siguen sonando a puro rock.

Lo Sentido

Doliente canción, con un aire a blues que magnifica la categoría de este grupo, en cuatro canciones hemos pasado por distintos estilos y todos de una forma brillante en su ejecución, de nuevo tenemos una potente letra que realza esa guitarra doliente a su alrededor.

Janet The Planet

Muy buen rock donde nos desvela la historia de Janet, una chica ejemplar que divaga por su “planeta” ideal, una mujer a la que acompañar, con múltiples referencias a Madrid y sus lugares, la guitarra potente del final viene a poner orden en una canción que se había quedado un poco lenta

Tu Único Delito

Finas guitarras y ritmo de pop para este sexto tema, una canción de desamor, de soledad, de dolor, quizás se queda a medio camino entre la canción pop y la balada heavy.

Carnaval

Ritmito para este carnaval, una gran canción de rock and roll clásica con gran aparición de la guitarra y de la batería, canción muy cantable

La Espiral

Juegos con la voz distorsionada, que con el ritmo de la canción queda muy bien, de nuevo las guitarras toman protagonismo, casi llegamos al heavy, un muy buen tema donde demuestran que saben tocar muchos palos.

Sube la Marea

Una curiosidad guitarrera, pequeños acordes melancólicos lanzados al aire, como preludio de algo

Castillos

Magnifica letra para este rock and roll, con un sonido limpio la guitarra va desgranando la voz del cantante en conjunción perfecta, mientras el mensaje se va clavando en nuestro cerebro. Hay que celebrar temas como este.

La Sensación

Con este tema vuelven al rock and roll más puro, apoyados en una gran letra donde nos narran una historia de superación, de pasado, las guitarras marcan el ritmo de un tema muy pegadizo, se clava… gran tema

La Rueda Gira

Despedida melódica, tranquila, con toques de country muy lejos del tono del álbum y después de haber pasado por distintos sonidos nos dejan una demostración que son capaces de todo.

El Navegador del Rock: Abbey Road, The Beatles

¿Quieres visitar los lugares que aparecen en las portadas de los discos del rock?

Este es tu navegador:

ABBEY ROAD

El "Abbey Road" de los Beatles muestra en su portada a los 4 fabulosos de Liverpool cruzando el paso de cebra cercano a los Abbey Road Studios de Londres donde grabaron la mayor parte de sus discos.

El a la postre último disco que grabaron juntos tenía algunas premoniciones en su portada, como el hecho de que los Beatles quisieran fotografiarse alejándose de los estudios en lugar de cruzar el paso de cebra hacia ellos.

Paul es el único que va descalzo, marcando las diferencias con el resto, no en vano fue el que oficialmente se acabó separando del grupo, aunque John ya había amenazado con ello previamente en uno de sus arranques de nervios.

Como dato curioso, de nuevo asociado a Paul, la censura en España eliminó el cigarrillo que llevaba en su mano mientras cruzaba, no fuera a ser que lo que fumara no fuera un "Ducados" de entonces.

Si queréis visitarlo y formar parte del grupo de japoneses que siempre está haciendo fotos sea cual sea la epoca del año y la climatología, la parada de metro de Londres más cercana es "St John's Wood" en la línea Jubilee.

Importante no confundirse con otra parada de metro que se llama "Abbey Road" pero que no tiene nada que ver y que os mandaría a la otra punta de Londres, allí podríais haceros fotos en otros pasos de cebra pero me da que no sería lo mismo...

El estudio no puede visitarse, pero dispone de una tienda. La "Abbey Road Shop" está situada a la derecha del edificio del estudio, y ahí podéis dar rienda suelta al consumismo de vinilos de los Beatles,  junto a las inevitables tazas, agendas, camisetas, imanes, bolígrafos y todo lo que la imaginación del merchandising ponga a vuestra disposición.

El disco de la semana 46: After the rain - Kings without a crown

AFTER THE RAIN nace a finales de 2.011, cuando Yun L. Díaz (programaciones y guitarras) coloca un anuncio en una web musical, solicitando un cantante para sus composiciones.

De padre guitarrista y “beatlemaníaco” empedernido y madre aficionada al piano, había llegado la hora de dejar atrás los múltiples grupos de Pop-Rock standard de los que había formado parte y desarrollarse en lo que verdaderamente más le llenaba: el sonido electrónico de géneros como el Synth-Pop, el Future-Pop o el Tecno-Pop más ochentero. Al anuncio contesta Jose Ícaro (voces, teclados y programación adicional), con importantes grupos del Pop Electrónico nacional como AZUL Y NEGRO o SILICA GEL.

Desde ese momento, Yun e Ícaro se centran en crear, sin prisa pero sin pausa, un puñado de originales canciones Electro-Pop, aunque deudoras de sus iconos musicales: DEPECHE MODE, NEW ORDER, ASSEMBLAGE 23, PET SHOP BOYS, MESH, CULTURE KULTÜR o… PARADISE LOST.

En 2.013 se estrenan discográficamente, incluyendo un tema (“Libertad”) en el álbum recopilatorio de artistas electrónicos “RECONFIGURED”, contando en esta ocasión para las voces con el cantante Sergio Universo.

En Septiembre de 2.014, incluyen un segundo tema (“Shining Star”) en otro álbum recopilatorio de corte electrónico, “SYNTHETIC GENERATION”, publicado por la nueva compañía malagueña Amuza Producciones.

En Diciembre de ese mismo año, son elegidos para la presentación en directo de este álbum y fichan por Amuza Producciones, quienes publicarán en Septiembre de 2.015 “KINGS WITHOUT A CROWN”, el primer disco de AFTER THE RAIN.

Con la publicación del disco se incorpora Oscar Nihilism a la formación, interpretando guitarras, bajos, coros y algún teclado ocasional en directo, encargándose Yun de los teclados y secuencias e Ícaro de las voces y de algún teclado ocasional. Siempre llevando las programaciones justas y necesarias y dándole al directo la credibilidad de la que generalmente adolece este género musical.

En el año 2017 firmaron por el sello discográfico ruso “ScentAir Records” con el que publicaron un doble CD de este primer disco a nivel mundial acompañado de un disco de remixes, caras b y rarezas de la banda.

Vamos a reseñar su álbum Kings without a Crown un álbum madurado por años de trabajo y composiciones con el que dieron el salto definitivo

Cosmic Mission

Con un comienzo que viene a dejar las cosas claras, música electrónica, bailable y de buen rollo, aparece la voz del vocalista, estilo ochentero perfectamente modulada mientras una banda por detrás le acompaña en el tono, a intervalos se mezcla sin solución de continuidad el soniquete del comienzo y la voz… un tema por un parte oscuro y su toque futurista de antro donde poder divagar con la vista y el pensamiento…. Bienvenidos al mundo del synth pop

Wir sind after the rain

Cambio completo en el comienzo ahora es la voz la que presenta sus credenciales distorsionada, mientras un sonido maquina con una potente percusión te mete en una especie de mareo ultrasónico….  Invita menos al baile, si a detenerse en sacar matices en cada percusión del tema… menos armonía que la anterior pero plagada de pequeños detalles musicales que disfrutar.

A Pleasure Like You      

Comienzo totalmente popero donde casi desaparece esos sonidos tan particulares, envuelta en un tono de misticismo, nos cambian el baile por la épica, no es hasta el final del tema cuando nos meten de nuevo en la pista de baile. Un gran tema….

Everything Is Possible  

Toca romanticismo, y bajo el teclado, la voz clama con dolor un tema melancólico y futurista que bien vale cerrar los ojos y viajar con él por espacios aun no conocidos…. Pararse a degustar este tema es algo necesario, lleno de matices con el teclado que acompañan de fondo el mensaje que se desprende de la voz, rematando clamando el mensaje a todos los que quieran captarlo…. Una magnifica balada atmosférica

Mirrored Eyes  

Vuelta al sintetizador y la música de baile, nos quiere rescatar de la pesadumbre que nos sumió el tema anterior y nos quiere hacer movernos, se revoluciona el tema manteniendo un aura espacial y una pegadiza música bailable… es quizás el tema más comercial hasta ahora, pero es un tema redondo.

The Target Is You           

Se respira un aire de transcendencia y nerviosismo en este tema, muy bien interpretado por la voz y esos coros, y como no con el soniquete que se va repitiendo sin armonía y que parece que te llega por todos sitios….

Invincible (You Are The One)    

Volvemos a la faceta más bailable y de nuevo con voz acelerada nos mete en la pista de baile, quizás un poco monótono el tema tiene toques brillantes como ese comienzo donde se mezclan 3 melodías todas muy movidas.

Future Will Be Fine       

A pesar del título, esta canción con ese comienzo me lleva a los 80, tecno de nuevos románticos, pop, dance, para una canción en la que hay que pararse en pequeños regalos que nos hacen detrás de la voz vocal y la melodía que se van combinando perfectamente…. ¡Un temazo!

Every Second   

Vuelve la máquina, con un tono sombrío, una extraña mezcla por el ritmo de la canción y su línea descendente, sin embargo, te invita al baile…. Buena mezcla.

Lost Without You           

Paranoia, es lo que me trasmite la canción, con una revolución extra en la voz al comienzo, un estribillo que parece que está relatando un estado deplorable de alguien, un tema que escapa bastante del típico sonido de baile de pista…. Buen tema

Sieged 

Sieged se presenta muy maquinera y bastante barroca en el comienzo y el estribillo, excesivo quizás para alguien que no ama esa música, aun así, no llega a las cotas de mareo que otros temas cañeros de este estilo ya que en los puentes de la canción se suaviza.

Shining Star

Termina el disco con la seña principal del grupo, ritmos bailables sin que lleguen a marear para los profanos en la música de este estilo, estribillos con cambios en el tono de la canción, con una voz modulada y seca a la vez que hace de After the rain un grupo muy a tener en cuenta en el panorama español del synth pop, y que de momento excepto algún caso no ha llegado a desarrollarse correctamente en España.

El disco de la semana 45: Disintegration, The Cure

Hay parodias que trascienden al original. Es el caso de la imitación de Joaquín Reyes de Robert Smith, cantante y líder del grupo The Cure. Durante su concierto en el Mad Cool 2019 en Madrid, mientras esperábamos a que salieran al escenario, una buena parte del público comenzó a cantar:

"Vamos Robert, sal a bailar, que tu lo haces fenomenal, tu cuerpo se mueve como una palmera, suave, suave, su-su suave"

Ajeno al significado de aquellos cánticos, Robert Smith salió al escenario y arrancó el concierto con los dos primeros temas de Disintegration, su obra maestra de 1989, que contiene algunas de las canciones más recordadas y míticas del grupo. El tema central del disco fue el paso destructivo del tiempo tras una ruptura, la desintegración que se va produciendo a causa del sentimiento de pérdida y la desesperanza, convertidos en pesadillas e ideas de suicidio que se combinan con el miedo interno a la soledad y la muerte.

Durante el proceso de grabación, se produjo un incendio en la habitación de Smith, que hizo que los miembros del grupo corrieran alarmados y entraran en la habitación cubiertos de toallas mojadas para salvar las letras del disco antes de que se quemaran. A partir de aquellos manuscritos casi desintegrados, Robert Smith tuvo que recomponer las letras, para lo que se encerró durante semanas en un antiguo desván del estudio de grabación. De allí surgió finalmente el disco Disintegration, tal y como lo conocemos.​


DISINTEGRATION

Esta obra cumbre comienza con Plainsong,  que refleja a la perfección el tono sombrío del álbum, y que arranca con la mística y la grandiosa instrumentación que tendrán también la mayor parte de las canciones del disco, en las que transcurren más de dos minutos hasta que la voz entra en juego, dejando espacio para que la banda y las ideas musicales de Robert Smith se desarrollen y se desplieguen en la paleta de colores (oscuros) de la que nace este brillante y gótico lienzo. Todo el disco es un gran monumento oscuro y melancólico, un animal maltrecho y herido de muerte por los desengaños amorosos, las rupturas, y el inevitable adiós que acontece tras todas ellas.

Pictures of you no sólo no es ajena a esta temática, sino que se compone de los recuerdos y las imágenes que alimentan el dolor que sufre la persona abandonada. Robert Smith ojea las viejas fotos y recuerda los momentos vividos, y construye con ellos uno de los singles más brillantes de su carrera.

En Closedown de nuevo vemos las pautas en las que se basó la construcción de la gran catedral gótica dedicada a la autodestrucción que es Disintegration. Rotundas y lejanas baterías marciales, grandiosos teclados que revisten los temas en grandes oleadas, y la melancólica y tenue guitarra que va soltando notas sueltas al compás del conjunto, todo ello creando una atmósfera de grandiosidad y melancolía.

Tras el épico arranque de estos tres temas, llega el que puede ser el momento de más calma de todo el disco. Lovesong es, como su nombre indica, una tema de amor escrito por Robert Smith para su prometida Mary, con la que se casaría en la época de Disintegration. Es también la canción más corta y más sencilla del disco, alejándose de la ambiciosa propuesta del resto de temas, generosos en lo que a épica y a elaborados paisajes musicales se refiere.

Tras esta breve, pero sentida declaración amorosa, el disco vuelve a su pantanoso cauce con Last Dance, una vuelta a los complejos patrones de instrumentación que hacen que el disco apenas tenga un momento de respiro. La apocalíptica guitarra parece querer abrirse paso entre la maraña sonora y la voz dolorosa de Robert que anuncia el "último baile" antes del adiós.

En palabras del propio Robert Smith de Muchachada Nui: "Nosotros tuvimos una época muy buena, en los 80 que fue cuando lo petamos cosa bárbara con el Ding Dong Ding Dong" Se está refiriendo a Lullaby,  tétrica nana que se convirtió inmediatamente en himno eterno de la banda, apoyada en un excelente vídeo en el que un asustado Smith observa como una araña le va acechando con la intención de convertirle en su cena.

El resto de la banda tiene breves apariciones en el vídeo, como soldados tocando instrumentos musicales. La canción, más que una "canción de cuna", podría ser una metáfora de la adicción o la depresión, ambos elementos conocidos a fondo por el vocalista y líder de la banda. La idea de la canción viene de sus recuerdos de la niñez, ya que antes de dormir, su padre le cantaba:  "Duérmete ahora, niñito, o mañana no te despertarás..."


Al despertar de la pesadilla, nace un nuevo día en Fascination Street. Pero el día que se nos presenta no es soleado, sino una auténtica tormenta de guitarras y, sobre todo, de un lacerante bajo que le da al tema la atronadora base rítmica de la que es difícil bajarse en marcha. El tema más duro del álbum, irremediablemente me recuerda un oscuro pub getafense de los 90, un lugar al que no recomendaban entrar porque "vendían pastillas de colores". Nunca me intentaron vender nada allí dentro, pero cada vez que entré acabó sonando esta canción entre la oscuridad y las luces estroboscópicas.

La cara B del disco arranca con Prayers for Rain, épico tema que arranca con un ritmo de guitarra y un tenue piano de fondo, pero serán los teclados los que brillen en todo su esplendor con una oscura y apocalíptica melodía que se te clava en lo más hondo. De nuevo un tema largo y brillante con el que The Cure vuelven a hacer que el disco estalle en una supernova de negros y grises.

Y si con esto creíamos que la melancolía había llegado a su climax, a este tema le sigue The same deep water as you. Si todo el disco sabe a tarde nublada y melancólica lluvia, aquí directamente podemos oir el agua y los truenos cayendo. La batería suena lejana y empapada, y los teclados crean de nuevo una memorable atmósfera en la que encajar la característica guitarra que arroja notas más que puntearlas.

La canción Disintegration, que da título al disco, sigue la línea de Fascination Street pero con más luz, lo cual no es un halago sino una crítica. Le falta la oscuridad y la fuerza que Fascination tiene. En su favor, sin embargo, hay que mencionar lo elaborado de su letra, un auténtico poema sobre la añoranza mezclada con el rencor del abandono. La voz de Robert Smith va de menos a más, en un esfuerzo vocal que culmina en la  gran conclusión del tema: "Como siempre, llega el final".
El público interpretó el título, y el hecho de que en la portada solo salga el cantante, como un aviso de la separación de la banda, cuando en realidad se trataba de un proceso de desintegración personal, la sensación de que todo tu mundo interior se está desmoronando.


Homesick comienza con una juguetona y tenue guitarra, a la que se une un leve piano. El entramado de la canción va creciendo poco a poco a lo largo de sus siete minutos, y de nuevo no es hasta mitad de canción cuando la voz de Robert Smith se une al melancólico lienzo.

Todo termina realmente con Untitled, un final sin título para un disco sobre el dolor de un abandono. Aire fresco para una situación que ya era asfixiante, con las notas de un bohemio acordeón y un ritmo algo más positivo que la media. Quizá después de toda ruptura, transcurrido un tiempo y restañadas las heridas, siempre hay un momento para volver a empezar, y quizá no sabemos como llamar a ese momento. Quizá deba quedar sin título.



Hay parodias que trascienden al original, y también artistas originales que acaban convirtiéndose en parodias de sí mismos. En este sentido, el verdadero adiós de Robert Smith vendría un par de discos después, y fue brillantemente explicado por su gemelo de Muchachada Nui: "Un día, ví un punto brillante en el horizonte, y era mi talento que se alejaba..."


En su defensa, nunca ha dejado de intentarlo y la esperanza de que entregue un disco al nivel de Disintegration seguirá intacta. El hilarante y falso Robert Smith, que tan fielmente refleja la idiosincracia del auténtico, responde orgulloso cuando le ofrecen fingir su muerte y retirarse a la villa de los rockeros muertos:

"Lo siento chicos, yo aquí estaría a gusto y sería feliz, y eso me da miedo porque yo soy triste, y es triste admitirlo, pero más triste es negar que eres triste. Sobre todo cuando con eso hago cancionzacas. ¡Y voy a salir al mundo, y voy a gritar que tengo cosas que decir, y lo del armario con los pececicos se va a quedar en mantillas, comparado con la cantidad de chorradas que tengo ya pensadas. Yo no soy ni un mito ni una leyenda, yo soy de verdad!"

Así es como se evita la desintegración interior, y es entonces cuando lo que digan desde fuera pierde toda la importancia que nunca debió tener. No hay nada más. Unas torrijas para el camino, y una cantinela para animarnos mientras nos vamos alejando hacia el horizonte... "Vamos Robert, sal a bailar, que tu lo haces fenomenal, tu cuerpo se mueve como una palmera, suave, suave, su-su suave"
 

Bibliografía básica de este post (además de la inestimable e imprescindible Wikipedia):

Muchachada Nui: Robert Smith
https://www.youtube.com/watch?v=ufigznlMrbw

Muchachada Nui: Robert Smith en la villa de los rockeros muertos
https://www.youtube.com/watch?v=zaIR85T5UYY

La música en historias: El poder de la música

Nos vamos a remontar un poco lejos para esta historia sobre la música, y en concreto sobre el poder que la música tiene. Viajamos atrás en el tiempo hasta la antigua colonia griega de Sibaris, famosa por la vida extremadamente lujosa y ociosa de sus habitantes, los "sibaritas".

La historia de la destrucción de esta singular ciudad de la Magna Grecia hacia el 510 A.C es un ejemplo curioso del poder que la música puede tener. El refinamiento extremo en las formas y las artes que sus habitantes presumían tener les llevó a entrenar a sus caballos de guerra en el noble arte de bailar al son de la música, lo cuál pasó de ser motivo de presunción a ser la causa de su caída.

Sibaris entró en guerra con la ciudad limítrofe de Crotona, que urdió un plan brillante para derrotar a los sibaritas. Contrataron músicos que durante la batalla tocaron sus instrumentos, y según cuenta la leyenda los caballos de los sibaritas se pusieron a bailar al escucharles y dejaron de cargar contra los crotones.

Eso convirtió a los sibaritas en una presa fácil que no tardó en caer ante el enemigo, que acabó destruyendo la ciudad completamente, acabando con todo rastro de Sibaris, salvo el nombre de "sibarita" que ha permanecido en la memoria colectiva para definir a las personas aficionadas al lujo fino y exagerado.

La musica en el cine: Bill Conti - Gonna Fly Now

Has decidido que tienes que cuidar tu cuerpo, que ya has pasado los cuarenta, que has comido de todo, y bebido, ni te cuento, y que vas a salir una hora todos los dias, primero a andar, y segun pase el tiempo lo mismo te animas a correr parte de ese tiempo, como vas de tranqui, te cojes nuestra lista de Spotify y te vas repasando los discos que hemos reseñado, pero ayy, de verdad tengo que andar una hora si a los 30 minutos estoy echando el bofe. Cambias y te pones el Podcast de Habladecine, a ver si escuchando a estos chavales y sus peliculas me puedo evadir un poco, pero las piernas te pesan , estas empapado en sudor aunque la temperatura ambiente son 12 grados y dices, mira, no puedo mas, ahi tengo un banco y no me vendria mal un descanso... pero en el fondo eres un winner y te dices "Yo paso de banco y ademas me voy a meter el ultimo pelotazo de este primer dia de mierda haciendo ejercicio", vas al MP3 (yo los sigo usando, ya se que el movil da mas juego) y zas, en la carpeta S.O.S. encuentras...   "Gonna Fly Now" de Bill Conti.

¿Que no te dice nada? Venga, no te acuerdas de las escaleras de Filadelfia, si eres un poco cultureta dices, claro las del museo de Arte de la ciudad, pero si eres un pelin cinefilo recordaras a Rocky en pleno entrenamiento como subía esas escaleras y su sintonia se ha convertido en una de las favoritas de los "Runners". Ademas la banda sonora también cuenta con "The eye of the tiger", del grupo Survivor.

Bill Conti es de origen italiano aunque nació en Rhode Island, Estados Unidos, un 13 de Abril de 1942. Con este tema en 1976 empezó a ser un compositor de fama mundial gracias a la sintonía de la película ganadora del Óscar de ese año “Rocky”. Posteriormente hizo otras bandas sonoras tan conocidas como “Karate Kid” o “Evasión o Victoria“ y le llego la gloria ganando el Oscar en 1983 con  “Elegidos para la gloria“. Un estimable compositor de bandas sonoras

El disco de la semana 44: Rainbow - Rising

Rainbow, Rising (1976)

     Ronald James Padavona, más conocido como Ronnie James Dio, nace en 1942 en la localidad de  Postmourth, New Hampshire (Estados Unidos). Contando con unos 14 años empieza ha realizar sus primeros pinitos en el mundo de la música tocando el bajo y la trompeta en varias bandas. Su sonido va evolucionando y ya en la década de los 60 se centra en un sonido más Rock & Roll influenciado por los Beatles. A finales de los 60 se estabiliza en un grupo llamado The Elves, aunque al poco tiempo The Elves acabarían llamándose ELF.

     En 1971 Ian Paice y Roger Glover, dos míticos integrantes de Deep

Purple vieron una actuación de ELF y quedan tan impresionados que les proponen producirles un disco, y así en 1972 ELF publican su primer disco, de título homónimo bajo la producción de Glover y Paice. A partir de aquí ELF se convierten en teloneros en las giras que Deep Purple da en Europa y Estados Unidos y Canadá. Los chicos de ELF se habían convertido en colaboradores habituales de los mismísimos Deep Purple.

     En 1975 la suerte de ELF daría un giro histórico, Ritchie Blackmore estaba cansado del cambo de sonido que Deep Purple estaba dando desde la llegada de David Coverdale y Glenn Hughes, el grupo se estaba acercando a un sonido más funk y soul, esto hacía que Blackmore no se sintiera cómodo pues pensaba que se le estaba escapando el control del grupo, por todo esto Ritchie decide abandonar Deep Purple.
   
     Ritchie Blackmore se había dado cuenta de la calidad que ELF tenía, asi que decide contar con todo el grupo y los ficha (a todos menos al guitarrista) para un proyecto en solitario que tiene, y así en 1975

Blackmore junto a ELF publica su primer trabajo bajo el título Ritchie Balckmore's Rainbow, un disco que consiguió cierto éxito en las listas de ventas con el tema Man on the Silver Mountain, y que a la postre nos dejaría clásicos de la talla del citado tema y Temple of the King ó Catch the Rainbow. En este disco todas las composiciones excepto dos (Black Sheep of the Family y Still I'm Sad) son escritas por Dio y Blackmore, los dos se entienden muy bien a la hora de componer.
     Ritchie Blackmore saca varias conclusiones de todo esto, Dio es una de las mejores voces que se ha echado a la cara, compone, y encima es una gran aficionado como él a la música clásica y el ocultismo. Acababa de nacer una de las mejores duplas compositoras de la historia del rock.


     Ritchie Blackmore ya tiene claro su siguiente paso, se queda con Dio y despide a todos los demás, y los sustituye por Cozy Powell a la batería, Jimmy Bain al bajo y Tony Carey a los teclados. Blackmore decide llamar al grupo Rainbow, y en 1976 el grupo saca a la luz Rising, un disco donde Blackmore y Dio componen la música y Dio la letra. Un álbum que contiene sólo 6 temas, pero que acabaría convirtiéndose en uno de los mejores y más influyentes discos de rock de la historia. Fue producido por Martin Birch (conocido por sus trabajos con grupos de la talla de Iron Maiden ó Deep Purple) y grabado en los Musicland Studios de Munich (Alemania) en menos de un mes. Con todos vosotros Rising, el disco que fue elegido para la semana 44 de nuestra aventura, un disco donde nos vamos a encontrar una música y unas letras con historias de carácter muy épico, con unos extensos solos de guitarra marca de la casa Blackmore, una de las mejores voces, sino la mejor, de la historia del Rock, Dio, y con el resto de la banda a un nivel espectacular.

     Abre el disco Tarot Woman, un tema donde destaca el trabajo de Tony carey a los teclados, sencillamente magnífico. Originalmente tenía otro título pero al final decidieron titularlo así. Dio nos cuenta la historia  de una mujer del tarot que recibe a un hombre y le cuenta a éste que tenga cuidado con una chica porque ésta le quiere hacer la vida imposible.
Le sigue Run With The Wolf, un tema a medio tiempo donde Dio se luce y engrandece el tema, un tema que además  se parece mucho a la línea

de sonido que Dio seguiría después en solitario. Startruck, es un tema que está dedicada a una fan francesa que estuvo siguiendo a Blackmore durante una de las giras europeas en las que estuvo, un día encontrándose Blackmore en casa observó cómo los arbustos de fuera se movían, era la fan y había encontrado su casa, así que decidió soltar sus perros los cuales fueron a recibirla alegremente pues no eran agresivos, más bien todo lo contrario, empezaron a lamerle la cara pero ella salió huyendo asustada del lugar. Do You Close Your Eyes es quizás el tema más comercial del disco, aún así aguanta el tipo y no desmerece en absoluto el disco, y quizás la culpa sea de Dio, pues con su trabajo vocal hace crecer al tema. Y llegamos al que es para mía la obra maestra del disco, de Rainbow y una de las obras maestras del Rock, Stargazer, un tema de más de 8 minutos donde colaboró la Orquesta Filarmónica de Munich tocando a la par con el grupo. El comienzo con el solo de batería de Cozy es demoledor, te hipnotiza y te deja enganchado para lo que se avecina, la letra es una historia de moralidad vista desde el punto de vista de un esclavo en tiempos egipcios, un mago le ha esclavizado a él y a más personas y les obliga a construir una torre de piedra para él, y mientras construyen la torre tanto él como los demás esclavos esperan el día en que su miserias y pesares acaben . También se especuló en que la letra de este tema tiene un significado encubierto y hace referencia a una advertencia a no creer en falsos mesías. La banda junto con la orquesta está inconmensurable, el solo de Blackmore ha quedado para los anales de la historia del rock, y Dio está maravilloso, el resultado no puede ser otro, obra maestra. Cierra el disco A Light In The Black, otra pieza de más de 8 minutos que instrumentalmente sabe mucho a Deep Purple, cosa que no le resta ni un ápice de mérito pues la descarga es brutal. El tema orignalmente se llamaba Comin' Home, pero era igual al título de un tema que Deep Purple había sacado el año anterior en su disco Come Taste The Band, así que decidieron cambiarlo por A Light In The Black.
     Rising es un álbum que no debería faltar en la biblioteca musical de cualquier aficionado al rock.