El disco de la semana 60: Carroña - La Química del Caos

La Química del Caos, Carroña

     Quien les iba a decir a 5 amigos que tras una noche de fiesta, precisamente en las fiestas de Candeleda allá por el año 2012, mientras estaban pasándolo bien tocando y mezclando versiones iban a formar un grupo. Un amigo de ellos, Nacho, durante esa noche les dijo "¿y si montais un grupo?", y Alberto, organizador del Shikillo Festival, que allí se encontraba les retó, si lo hacían le incluia en la edición de 2013 del festival que él organizaba. No había que decir más, estos 5 chicos cogieron el toro por los cuernos y así nació Carroña.
Carroña es una joven banda de Carabanchel que actuamente está formada por Kata (voz y guitarra), Dani (voz rap), Ángel (guitarra solista), Raúl (abjo) y kimi (batería).

     En 2013 graban su primera maqueta, Los cuatro que podemos, lo que les permite foguearse e ir tocando por el circuito de las principales salas madrileñas de conciertos y algún que otro festival por el territorio nacional.
El grupo, que va dando los pasos adecuados, en 2014 se embarca en la aventura de grabar su primer álbum de estudio, para lo que recurren al sistema del Crowfunding. Así nace Guapasa Intimista en noviembre de 2014, trabajo que es grabado en El sótano Estudios de Artika, Iruña, grabado con Iker Piedrafita y producido por la misma banda junto con Mario "Gonzo" Lorente. En 2015 y 2016 Carroña se lanza a la carretera con la gira promocional del disco, llamada De Guapasa Tour.

     En 2016 Carroña se vuelve a meter en el estudio, y lo hacen otra vez en El sótano Estudios con Mario "Gonzo" Lorente a la producción y con Iker Piedrafita a los mandos de grabación. Si algo funciona, ¿por qué cambiar?. Así nace La Química del Caos, el álbum que recomendamos para nuestra aventura de la semana número 60 de 7dias7notas. La gira de presentación de La Química del Caos fue patrocinada por el Instituto de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) bajo el nombre Girando por Salas. La Química del Caos según la propia formación supone una evolución y un salto de madurez con respecto a su primer álbum.

     Nos metemos en faena y el primer corte del álbum, Hay que morir primero es una continuación de su primer álbum Guapasa, pues al final del disco, éste les había dejado en coma. El grupo ha resucitado no sin morir primero porque "pa' ser carroña hay que morir primero".
Tema apoyado en unos potentes riffs de guitarra, con la batería en plan demoledora y los dos vocalistas dándolo todo como si de un grito de guerra se tratara.

    Mariposas Kamikazes, tema donde siguen desbordando fuerza y rabia a partes iguales. Éste tema fue el elgido para ser el adelanto del álbum. Las voz de Kata con los rapeos de Dani ajustan como un guante para este tema de corte punk rock que por momentos se acerca al hardcore. Destacar el trabajo de la batería en este corte, muy bueno.

     Mano a mano, tema donde cuentan con la colaboración de varios miembros del grupo Skalone. Aquí en un tema de corte algo más melódico que los anteriores es el rapero Dani el que toma el mando vocal entrando kata en el estribillo.

     Que no me entero, tema  con un comienzo de corte acústico que va creciendo por momentos con la entrada del bajo y los riffs de las guitarras. Demostración de la variedad de sonidos en la que estos chicos son capaces de moverse.

     El arte del perdón, tema donde cuentan con la colaboración de Marcos, vocalista del grupo Gritando en Silencio. Tema centrado en la discusión de una pareja que sólo puede acabar de una forma, en este tipo de peleas nunca gana nadie.

     El piorno, es el corte más largo del tema, algo más de cinco minutos y medio donde el tema empieza de forma lenta y acústica y poco a poco va creciendo y cogiendo velocidad como un tren si frenos para acabar en desenfreno. Las guitarras lucen como siempre, el trabajo del bajo es magnífico y la batería también, con un sonido algo más oscuro, quiźas el mejor tema del disco.

     No somos de seguir las normas, tema donde el grupo saca su caracter punk con unas riffs muy cañeros y unas rimas y estribillos muy pegadizos.

     No, tema contundente de poco más de dos minutos donde cuentan con la colaboración del vocalista Podri del grupo Rat-zinger.

     Faust'n'roll, es sencillamente un tema donde quieren homenajear a todos esos artistas y bandas con los que estos chicos han crecido, Rosendo, Platero y Tu, Barricada, Janis Joplin ó Eric Clapton entre otros. El estribillo "Es sólo una canción y me siento mejor" es toda una declaración de principios: el poder de la música. Otra de las joyas de éste disco sin duda.

     Amor y asco en Carabanchel, todo un homenaje del grupo a su barrio, Carabanchel a través de una historia de amor y desamor entre rapeos y riffs de guitarra.

     Un vago rumor, corte de apenas minuto y medio donde Dani se pone en plan poeta recitando versos con una suave melodía de fondo.

     Suenan disparos, el quinteto de Carabanchel decide cerrar el álbum con este corte acústico, y acompañados por el sonido de una guitarra acústica y a modo de blues nos dicen hasta la próxima.

     La Química del Caos es un álbum donde saben combinar el rock urbano con todas las influencias que han ido mamando desde pequeños, además de saber combinar y hacer que los dos vocalistas encajen como un guante aportando cada uno su estilo. Este es el disco de unos chicos que un día de fiesta decidieron formar un grupo, bendita fiesta..................

El disco de la semana 59: U2 - Songs of experience

Después de 40 años estamos todos de acuerdo que U2 es posiblemente de las bandas de rock con mas mítica en su carrera y quizás una de las que mejor han sabido innovar y moverse por las distintas posibilidades que el rock ofrece a los autores y al público. Es sin duda uno de los grupos que más expectativas nos crea cuando se rumorea que un nuevo trabajo de estudio se acerca a los distintos puntos de venta… no hay nadie más en la música rock en estos días que pueda generar un frenesí masivo de emoción y especulación ya que nunca les gusta repetirse

Songs of Experience, el decimocuarto álbum de estudio de U2, llegó 4 años después del lanzamiento de Innocence, la inquietud es una característica de la trayectoria musical de U2 y aunque lo que encontramos es un reconocible sonido U2, el álbum es muy diferente de todo lo que han hecho anteriormente. La característica que gobierna este álbum es la intimidad y la calidez, su punto de partida son las cartas de amor en forma de canciones para personas de los círculos más cercanos de la banda o cualquiera que se reconozca en estas canciones, la banda ha hecho lo que podría decirse que es el disco más refinado de su discografía.

"Love is All We Have Left”, esta canción presenta una suave entrada de ambientes con círculos suaves, sintetizadores vacilantes. Nuevamente, es la voz de Bono la que lleva las melodías emotivas de la canción. La forma en que se modula la voz y los pequeños detalles debajo de ella la hacen más conmovedora. Nunca la banda en toda su carrera tuvo una canción tan tranquila como un álbum de apertura. "Lights of Home", regresa a las guitarras deformadas y melodías urgentes y termina con una voz de coro gospel. La temática en sus letras se transforma en algo más oscuro. Es una canción de relleno y es uno de los momentos más flojos de este disco. A continuación el alegre y juguetón rock "You're The Best Thing About Me" está encendida por riffs e impulsado por ritmos llenos de baches y juguetones. En esta canción encontramos al rapero Kendrick Lamar. Saltamos a "American Soul" donde Bono canta sobre el problema de los refugiados, la música muerde, es feroz casi como el mensaje crítico hacia la política de los Estados Unidos

Con "The Showman" volvemos a dar un giro, estamos posiblemente ante una de las canciones más al estilo de los Beatles que la banda haya escrito, una canción alegre, cargada de swing y de felicidad, de la misma manera es contagiada "Landlady" muy del estilo de la anterior. U2 tiene una habilidad especial para mezclar grandes melodías y coros emocionantes que atraen a una amplia audiencia. "Lights of Home" y "Red Flag Day" son buenos ejemplos, canciones que brillan mas por lo que dan que por lo que realmente trasmiten.

"Little Things That Give You Away" es una potente canción de amor con las entregas vocales de Bono como desde hacía muchos años no habíamos escuchado. Es una de las canciones más destacadas de este álbum basado en teclado y ritmos simples que lo mantienen fluyendo perfectamente, pero pronto se convierte en una potencia con la voz de Bono con la melodía principal. Otra canción que interrumpe el flujo agradable es el glam rock stomper "The Blackout". Desde hace varios disco, U2 ha estado incluyendo canciones con momentos de estilo glam rock, con sus tambores de bombeo y sus jugosas líneas de bajo "The Blackout" simplemente avanza mientras Bono canta sobre la era oscura moderna que realmente es la era posterior a la verdad: "Las estatuas caen, la democracia está de espaldas / Lo teníamos todo y lo que teníamos no va a volver ".

"13 (There is a light)" es un tema casi silencioso, pero emocionalmente muy fuerte y ruidoso que sirve para cerrar el álbum.

Song of Experience es musicalmente meticuloso y una escucha más atenta revela un álbum fuerte y más profundo. Esta es una música muy bella que es aún mejor por su alma íntima y delicada. Las canciones son el resultado de una composición inteligente que está llena de anzuelos memorables, una gran musicalidad y sonidos cálidos, pero que no deja de girar, te engancha y no te suelta son canciones que buscan a la humanidad en estos tiempos en gran medida inhumanos

El disco de la semana 58: Gorillaz - Demon Days

Soy fan de Damon Albarn desde los tiempos de Blur en los 90, y he abrazado con entusiasmo cada uno de los proyectos de un músico inquieto, imaginativo, adicto a las colaboraciones más diversas y dotado de una sensibilidad especial en la composición de todas sus canciones. Ya sea con Blur, Gorillaz, The Good the Bad and the Queen, o sacando óperas, musicales y discos en solitario, cuando escuchas una nueva canción nueva, enseguida sabes que la mano que mueve los hilos por detrás es la de Damon Albarn, porque disfruta creando música y esa sensación de estar pasándolo bien se transmite a sus canciones de una manera muy particular, incluso en las más melancólicas, es un sello característico del, por otro lado, variopinto "sonido Damon".


El proyecto Gorillaz surgió como la propuesta de un músico que sabía que, una vez que ha llegado a un punto de fama y reconocimiento consolidado, podía permitirse desafiar el status quo y arriesgar con su siguiente trabajo, pero también fue consecuencia de la necesidad de hacer algo nuevo, con unos Blur que agonizaban tras la marcha del guitarrista y amigo Graham Coxon. La respuesta fue un grupo basado en los dibujos animados de Jamie Hewlett, que aprovechaba el impulso de Youtube y la todavía rentable industria del videoclip, para ofrecer una refrescante propuesta visual que tenía detrás un elenco de músicos de sesión y múltiples colaboraciones de artistas del pop y el hip hop, con Damon Albarn como único miembro fijo.

No creo que esperaran que aquella rareza se convirtiera en el tremendo éxito en que se convirtió. El primer disco de Gorillaz no era más que una broma divertida, sin demasiada entidad como conjunto, pero con varios temas que tuvieron muchísimo gancho comercial. Para el segundo disco, Demon Days, se tomó las cosas mucho más en serio y entregó uno de sus mejores discos, a la altura de las propuestas de The Good, The Bad and The Queen o su disco en solitario, Everyday Robots. Dicen que cuando el demonio de aburre, espanta moscas con el rabo. Damon encontró el entretenimiento perfecto, concentrarse en hacer un disco enorme con un concepto global y apocalíptico. Bienvenidos a los días del demonio.

DEMON DAYS

La idea del disco, y de un proyecto de película que no llegó a convertirse en realidad, le vino a Damon en un viaje a China con su familia. La visión de largos campos de tierra y naturaleza deshabitada de aquel enorme país, en contraste con la masificación de sus grandes ciudades, le sugirió la visión de un planeta devastado, que impregnó algunos de los nuevos temas y le acabó dando al disco el empaque conceptual que no tenía su predecesor.

Como buen disco conceptual, comienza con una breve Intro que, individualmente, no llega a ganarse el calificativo de canción, pero que nos da la bienvenida y nos introduce en la atmósfera oscura y sinfónica que nos va a acompañar durante la brillante propuesta de Demon Days. Apenas unos trazos de una sección de viento, salpicados de un sampleado de "Dark Earth" de la película "El amanecer de los muertos", y enseguida hace su entrada triunfal el primer tema sólido del disco, "Last Living Souls" (las últimas almas vivientes), dónde se combinan de manera magistral la base electrónica con brillantes tramos melancólicos de guitarra acústica, piano y evocadores arreglos de violines y chelos.

"Kids with guns" tiene un enfoque más rockero y de denuncia, y nos evoca imágenes de niños blandiendo ametralladoras en cualquiera de los conflictos bélicos que asolan el planeta. Es el primer tema en el que aparece un artista colaborador, encarnado en esta ocasión en la voz de Neneh Cherry, que le da un contrapunto brillante a la atmósfera alienante de la canción.
El recurso de las colaboraciones es habitual en muchas canciones de Gorillaz, y llegó al exceso en el posterior e infravalorado "Humanz", pero en este disco está utilizado con acierto y equilibrio en la mayoría de los casos.

Los efectivos temas se van sucediendo sin tregua en esta primera parte del disco. "O Green World" es un canto sobre la destrucción del planeta, a ritmo de sintetizadores, guitarras y unas apocalípticas campanas en el tramo final, mientras que el coro de voces infantiles de la "Children Choir San Fernandez" de la pegadiza "Dirty Harry", combinado con un fresco ritmo de teclados, llevan el concepto de "Another Brick in the Wall" un paso más allá a nivel electrónico.

Llega el turno para "Feel Good Inc", redondo single dotado de un tremendo riff de bajo y un ritmo con el que es imposible no mover los pies, y fortalecido con la colaboración de los raperos De La Soul. Es además el segundo tema en el que se mezclan con acierto las partes más bailables y electrónicas con un excelso estribillo acústico, ambiental y melancólico. El resultado es uno de los mejores temas grabados por Gorillaz, y por Damon Albarn en el conjunto de su carrera.

"El Mañana" es uno de los momentos más intensos del disco, una descarnada y triste visión del contraste entre la inocencia infantil y un bélico y oscuro futuro en la edad adulto, una encrucijada entre quedarse estancado en el paraíso de la infancia, o mirar hacia adelante por un camino que lleva irremisiblemente a la muerte. Transitamos por la parte más oscura y negativa del disco, y a la falta de esperanza en el mañana hay que unirle que, en ese transitar sinfónico y electrónico por el descorazonador camino, cada nuevo planeta que vamos alcanzado está muerto ("Every planet we reach is dead"), y la desesperante búsqueda se prolonga en el tiempo. Llega Noviembre ("November has come") de la mano de una nueva colaboración, y salvando el triste estribillo de Damon, el mes y el recitado rapero de MF Doom se nos hacen demasiado largos y espesos.

En "All alone", el turno rapero es para Roots Manuva, pero el momento más álgido del tema es de nuevo el interludio sinfónico, en el que esta vez Damon cede la palabra a Martina Topley-Bird, que con su sugerente voz construye uno de los momentos más bellos del disco, trasladándonos a un mundo de ensoñación, al recurrente paraíso que, durante todo el disco, ha estado en constante choque con las imágenes apocalípticas de guerra y destrucción.

Toca después atravesar los dos minutos de "White Light", en mi opinión el momento menos inspirado e interesante del disco. Mi rechazo a esta canción es mayor si tengo en cuenta que, entre las canciones que se descartaron para esta obra, estaba una maravilla llamada "Hong Kong", interpretada con instrumentos tradicionales chinos, que habría elevado todavía más el nivel del disco. Podéis juzgar  si mi opinión es acertada, escuchando "Hong Kong" en el disco "D-Sides" que recopilaba caras B y descartes de "Demon Days", o viendo la increíble interpretación que hicieron de este tema en la presentación del disco en la Manchester Opera House.

Afortunadamente, el disco recupera rápidamente la senda de los singles poderosos con "Dare", efectivo dúo entre Shaun Ryder de los Happy Mondays y el contrapunto femenino de la suave voz de Rosie Wilson, y encontramos en el tramo final extrañas sorpresas, como el recitado de Dennis Hopper en "Fire Coming Out of the Monkey's Head". El petróleo se ha agotado en la Tierra, y el planeta es ya tan solo un gran cráter humeante.

Tras este apocalipsis, aún queda tiempo para que Damon nos regale un impactante final gospel para el disco, a través de dos temas engarzados por la cadena común de la London Community Gospel Choir. "Don't get lost in heaven" es un aviso a navegantes, si te pierdes en el paraíso irás directo al infierno. Comenzarán entonces los "Demon Days" del corte final, la inevitable era de la oscuridad y la destrucción. Pero aún estamos a tiempo. Mientras el demonio siga espantando moscas con el rabo, no estaría mal que hiciéramos más caso a los mensajes que el Planeta nos está enviando, y que entre todos empezáramos a cuidarlo. No está tan lejos esta brillante ficción de nuestra oscura realidad.

El disco de la semana 57: Tattoo, Rory Gallagher

Tatto (1973), Rory Gallagher

El disco de la semana 57 de nuestra gran aventura en 7dias7notas tiene un sentido especial para mí, fue un descubrimiento bastante tardío, y a día de hoy sigo lamentando que tardara tanto en descubrir a Rory Gallagher. Me bastó con ver los primeros treinta segundos del tema Do You Read Me (Rock goes to college, 1979) en Youtube, para caer rendido a sus pies.

Es por eso mi lamento por no haberle conocido antes, me había estado perdiendo su música durante mucho tiempo y eso era inconcebible. Puede que una de las razones de descubrirle tarde fuera que su nombre no suele aparecer casi nunca en los medios, quizá porque jamás le interesó, ni publicó un single de éxito cómo así le suplicaban las discográficas. Le interesaba hacer música de calidad y compartirla en el escenario, se debía a su público. Fue de los pocos artistas irlandeses que, en pleno conflicto de su país, se resistió a abandonarlo, de hecho solía tocar en puntos calientes como Belfast, y cuando lo hacía, durante el tiempo que duraba su actuación, cesaban los ruidos de las explosiones y los disparos. Durante ese rato sólo había música, su música.

Rory, además de aprender a tocar la guitarra de forma autodidacta, también aprende y toca con gran habilidad armónica, saxo, sitar, mandolina, banjo y dobro, entre otros. Sus padres le ayudaron a hacerse con la mítica guitarra Fender que le acompañó toda su vida, y a su madre le dijo que no se preocupara por el dinero que costaba aquella guitarra pues, con ella, el mismo podría hacer las partes rítmicas y las solistas, sin tener que llevar otro guitarrista y ganar así más dinero para amortizarla antes.

Con 18 años funda Taste, un power trío (guitarra, bajo y batería) de gran talento, con el que llegaría a tocar en el mítico Festival de la Isla de Wight en 1970, compartiendo cartel con gente de la talla de Jimi Hendrix, Miles Davis, Leonard Cohen, The Who, Emerson Lake & Palmer, The Moody Blues, The Doors o Sly Stone entre otros. En su etapa en Taste aprendió muchísimo del negocio, tras acabar harto de dar conciertos y hacer giras, para no tener casi dinero y seguir usando viejos equipos de sonido, mientras los que estaban a su lado se forraban a su costa. Ese año, 1970, el manager de Taste y los otros dos componentes del grupo quieren dar una dirección al grupo a la que Rory se niega, decidiendo disolver el grupo para empezar su carrera en solitario, y renunciando a una importante suma de dinero a cambio de tener el control de su música y decidir cuándo, cómo y qué hacer con ella.

Como comenté antes, es cierto que a Rory le descubrí tarde, pero el destino es caprichoso, y justo en aquella época en la que yo estaba conociendo a Rory me enteré de que mi queridísimo amigo Nevermind se tenía que trasladar unos meses a Londres por tabajo. Se me ocurrió entonces pedirle que, durante su estancia, se pateara las tiendas de discos de la ciudad, en busca de vinilos de Rory. Es cierto que podía haberlo hecho aquí en Madrid, pues tiendas de discos no faltan, pero quería matar dos pájaros de un tiro. Por un lado, me parecía bonita la idea de comprarlos allí, en las islas, cerca de la tierra natal de Rory, y no había duda de que Nevermind respondería afirmativamente y sin pensarlo, porque rebuscar en las tiendas de discos es uno de sus grandes hobbies. Por otro lado, conseguiría que también él sucumbiera a los encantos de Rory, según fuera buscando discos e indagando sobre él en Londres. Y no me equivoqué.



Gracias a su inestimable colaboración, pude hacerme con un buen puñado de vinilos de Rory Gallagher importados de las islas británicas. Es por esto que le pedí, nuevamente, su colaboración para hacer esta reseña, para que relatara lo que para él supuso esta búsqueda. Nevermind accedió una vez más gustoso, y aquí está su relato de aquellos momentos:

"Sarna con gusto no pica. Así que cuando Jorky me pidió que, aprovechando mi estancia en Londres, buscara vinilos de Rory Gallagher, no me supuso ningún problema lanzarme a la caza y captura de todo lo que pudiera encontrar de un guitarrista al que no conocía, pero sí que puedo contar que aquello generó algunos momentos anecdóticos, además de reconocer que lo que sí me picó fue la curiosidad por conocer más sobre la música de Rory, y eso me hiciera llegar hasta el gran disco que es "Tattoo", protagonista de esta reseña.

Recién llegado, en apenas unos días descubrí que había una tienda de

discos en Portobello, llamada Honest Jon's Records, a tan sólo unos minutos andando de mi casa en Londres. Decidí que esa seria la primera parada del viaje, y una tarde al volver del trabajo paré en la tienda. Fruto de mi excitación por el momento, entré deprisa y no reparé en que la inmensa mayoría de los discos eran de artistas afroamericanos, y en concreto la tienda estaba especializada en música jamaicana. Así que cuando pregunté: ¿Tenéis discos de Rory Gallagher?, el encargado de la tienda me miró muy sorprendido antes de darme un sonoro "no" por respuesta. De vuelta hacia la salida, escuchando reggae por los altavoces del equipo de música de la tienda, entendí su cara de sorpresa hacia mi petición.

Posteriores visitas a otras tiendas de discos fueron más fructíferas, entre ellas la de la tienda de discos de la calle Berwick, famosa por la portada del disco "What's the Story (Morning Glory) de Oasis, casualmente otros Gallagher, aunque muy alejados del gusto de Jorky y del estilo musical de Rory Gallagher. En ésta y otras tiendas, como el Café Vynil, los puestos de Portobello Market y otras tiendas de segunda mano de Nothing Hill, fui recolectando durante cuatro meses discos de Rory para Jorky, y otros discos para mí, con lo que el volumen de discos apilados en la casa de Portobello empezó a crecer de manera alarmante, para la capacidad disponible en las maletas de regreso.

La solución fue hacer packs de discos y repartirlos en las maletas de los amigos y familiares que vinieron de visita, así que los discos de Rory Gallagher viajaron en diferentes maletas, aviones y momentos, como los directivos de la Coca-Cola. Ya en España, unifiqué todo el botín y le pasé a Jorky sus discos. No esperaba nada a cambio, pero poco tiempo después Jorky me regaló un ejemplar de Tattoo en vinilo. A partir de ahí sólo hubo un camino, el de convertirme yo también en fan de este increíble guitarrista."

     Y así llegamos al que fue el disco recomendado de la semana 57 de la aventura de 7dias7notas, Tattoo, cuarto álbum de estudio en solitario de Rory y publicado en noviembre de 1973. disco donde además de blues rock, podemos encontrar temas con matices jazz, folk, el blues del Delta ó incluso el country, demostrando una amplia versatilidad musical.
Para la grabación de este disco Rory contó con su inseparable bajista Gerry McAvoy, Rod De'Ath a la batería y Lou Martin a los teclados y el acordeón.

    El disco que abre con la magnífica pieza Tattoo'd Lady, tema que arranca con unos primeros 20 segundos hipnóticos de sonidos misteriosos que dan paso al sonido de un acordeón que abre este maravilloso tema donde Rory refleja su amor por la vida de feria. Continua con Craddle rock, el tema más pesado y cañero del disco con unos riffs más que contindentes, y que compuso inspirado por el hecho de haber nacido en el Hospital Rock de Ballyshannon, Irlanda Y es que el destino ya le había marcado el camino que Rory seguiría, el camino de la música. En 20/20 Vision nos encontramos con un delicado y magnifico tema acústico a medio camino entre el folk y el boogie donde Rory nos transmite toda su sensibilidad. They Dont' Make Them Like You Anymore, canción donde Rory usa el bouzouki, el cuál es un instrumento popular en Grecia, de la familia del laúd, con un cuerpo redondo que tiene su parte superior plana y con un cuello largo con diapasón y trastes. El bouzouki que utilizó pertenecía al músico griego Manolis Chiotis, del cuál Rory era un gran admirador. Tema donde los matices de jazz, rock y blues no paran de entremezclarse durante todo el tema.

Livin' Like A Trucker, otro tema de corte más rockero, virando incluso hacia la psicodelia, y donde Rory no deja de jugar con la wa wa durante todo el tema.
Abre la cara B del disco Sleep On a Clothes-Line, tema con contundentes riffs bluseros y cargado de matices y sutilezas increíbles de Rory con la guitarra. Who's That Coming, tema que nos traslada a la América profunda con el slide guitar y la armónica, y es que Rory era un auténtico maestro en el arte del slide. El disco va mostrándonos el final con el penúltimo tema A Million Miles Away, para mí una auténtica obra maestra llena de sentido y sensibilidad, donde Rory entona unos tristes versos que junto con los fraseos de su guitarra crean una maravillosa atmósfera que hará que no queramos que este tema acabe nunca. Y cierra el disco Admit It, tema de rock sureño, parece que hubiera nacido y se hubiera criado en el epicentro del rock sureño, porque lo borda.

     Tatto es un disco imprescindible y recomendable que hay que escuchar una vez al menos en la vida, como también es más que recomendable escuchar toda la discografía de Rory pues por mucho que ha buscado aquí el que les escribe no le ha encontrado un disco malo, y es que no lo tiene.

Donal Gallagher junto a la estatua 

de su hermano Rory

El disco de la semana 56: La M.O.D.A. - Salvavida

La Maravillosa Orquesta del Alcohol (La M.O.D.A)

Esta banda de Burgos, no es una banda desconocida, o a descubrir, ya que en los últimos años ha comenzado a arrastrar más publico. 

La M.O.D.A. conecta con su audiencia por sus letras e intensidad de su música, y sobre todo por los show de sus directos. 

Así que hoy les presentamos Salvavida (de las balas perdidas), este disco les ha abierto un nuevo sonido folk rock, así que su líder David y los suyos han decidido cambiar su sonido y no ser continuistas, por ello estos nuevos vientos,  introduciendo nuevos instrumentos musicales y sus letras más poéticas, demuestran una nueva etapa de esta banda. 

Así que si vamos recorriendo el disco canción a canción encontramos, en "Mil Demonios" tenemos una formula clásica, donde los coros, acordeón y mandolina que demuestran una mayor intensidad en sus canciones y ya veremos este entusiasmo en todo el disco.

"Inmensidad" es el single del disco, donde comenzamos a conocer estos nuevos rasgos que quiere David su líder, demostrar a sus fans. 

Y estos nuevos aires se muestran perfectamente con un sonido más experimental "Océanos", donde su líder impone el uso de un therimin, y con un recitado. Con estas tres primeras canciones la banda demuestra a la perfección estos nuevos vientos. 

Con los ritmos bien marcados y coros en "Una Canción Para No Decir Te Quiero", más otra de las canciones "Héroes del Sábado" demuestran sonidos más cuidados, y nos hablan de lo que para ellos son los protagonistas las personas anónimas. 

"O Naufragar" donde la banda aporta intensidad y mayores coros, y "Quieren arrancar la primavera" demuestran una fuerza que pocas veces hemos visto en canciones anteriores. 

La banda no abandona la intensidad de este disco con "Himno Nacional" donde nos hablan de libertad, e impone los cambios poéticos de la banda introduce en este disco, con una parte más reivindicativa, donde de la banda finaliza con una balada llamada "Campo Amarillo". 

Finalizando el disco encontramos "Los Locos Son Ellos" donde la banda introduce la participación de otros músicos, como los raperos Victor Rutty y Rober Del Pyro, hay un cambio de ritmo que debo decir que no me gusta mucho, pero la banda ha tenido precedentes de incluir colaboraciones con otros músicos. 

Y por último la banda introduce "Vals De Muchos" devolviendo la intensidad de comienzo del disco y tenemos como despedida "La Vieja Banda" canción que esta hecha apropósito para sus show en directo, en linea con sus canciones más rápidas. 

Salvavida (de las balas perdidas) se trata de una gran trabajo por parte de La Maravillosa Orquesta del Alcohol. Trasmiten las preocupaciones de su generación con intensidad y delicadeza a partes iguales, y siguen dando pasos a delante con seguridad, seguramente seguiremos en un futuro escuchando nuevas cosas de esta banda que nos gustaran como Salvavida (de las balas perdidas).

Daniel 
Instagram Storyboy 

Disco de la semana 55: Club del Río - Un sol dentro

Disco de la semana 55: Un sol dentro - Club del Río

Siete amigos de la infancia, una pasión por la música, muchos instrumentos musicales, una convivencia entre amigos, que dará fruto a él segundo disco de esta banda madrileña Club del Río, llamado "Un sol dentro", que es el disco que nos trae esta semana 55 para recomendar.

Club del Río son Esteban de Bergia, Álvaro Ayuso, Juan Serra, Juan Feo, Adriano Pezzi, Jacobo de la Viña y Álvaro Baños, siete amigos de la infancia que comparten pasión por la música y la vida manejando una buena variedad de instrumentos y alzando una voz poderosa de expresión incontrolable. Este disco salió a escena en una presentación en la mítica sala Joy Eslava de Madrid, cerca de Sol, subiendo por la calle Arenal.

Sabemos por lo expresado de la banda que tras su convivencia en lo que ellos llamaron "Casa Club" donde tocaban y componían, y eso se refleja en sus letras y melodías que conforman, un crisol de jazz, folk y música latina difícil de clasificar, pero que transmite buena onda con sus guitarras acústicas y sus voces cristalinas.

En Un sol dentro (El Volcán Música, 2016) nos muestra esa fórmula tan personal y original que los define como un grupo singular en la escena española con once canciones de fraternidad, luminosidad y vitalismo fruto de la convivencia de siete amigos en su particular Bauhaus madrileña, la Casa-Club, una solución habitacional pero también un experimento social y colaborativo que finalmente marcó la deriva de su segundo trabajo discográfico "Un sol dentro". En esta ocasión, para reafirmar como hemos dicho un ataque masivo de emoción y sentimiento que lo demuestran en sus estilos musicales, para ello invitaron a músicos de la talla de Tomasito, Víctor Iniesta, Manuel Machado o Leo El Cigueño

Una mezcla explosiva con sorpresa de músicas infinitas, el resultado de múltiples influencias que atraviesan el mundo, una mezcla de guitarras, ritmos optimistas y vitalismo: “un método de defensa contra una sociedad agresiva haciendo bandera de la unión y la amistad”. Esos son Club del Río y "Un sol dentro".

1.- “Buen día” un tema muy natural me hace acordar a melodías de pueblos.

2.- “Estampida” el nombre del tema abre la puerta al swing y las palmas que te invitan a seguir el ritmo.

3.- “Candela” un homenaje a los años setenta, envuelto en un rock primitivo

4.- “Montaña” la historia de un río y su gente, a mi me gustan las historias.

5.- “Famélico” rock pero lo que me llamo más la atención es su letra que nos representa los miedos.

6.- “Guateque” latinoamericano es su firma es como estar en cualquier lugar de allí con sus costumbres y sonidos, simplemente tremendo.

7.- “Amar es llorar” es así escúchala.

8.- “Nigeria” en esta canción lo han vuelto hacer, pero ahora con los sonidos y ritmos africanos.

9.- “Condición (réquiem de una idea)” las voces en coro sin prisas marcan la idea que esta todo por hacer o nacer en este cuento.

10.- “Terciopelo” me hace acordar a la música de los años 70 del rock más progre, donde todo es un viaje.

11.- “Materia gris” una buena despedida o cierre para este disco.

Club de Río me ha sorprendido, no diría que fuese una banda de Rock de Madrid, sino todo lo contrario, se asemeja mucho más a un rock latinoamericano, con sonidos tan clásicos de la región con sus voces.

La impresión de este disco me dejó muy buen sabor de boca, apuesto que verlos en vivo debe ser una muy buena experiencia, así que esperamos poder tener esa suerte.

Si te gustan las historias, contadas con una guitarra, este es tu disco.

Daniel

Instagram Storyboy 

El disco de la semana 54: Sting - ... Nothing like the sun

Nos encontramos ante el tercer álbum de Sting en solitario (Segundo de estudio, ya que entre su debut y este álbum edito un directo) y es para mí sin duda su mejor trabajo en solitario. Lejos de su sonido cuando formaba parte del grupo Police, aquí nos regala una amalgama de sonidos que se casan entre ellos de forma magnifica. Aquí es donde podremos encontrar quizás sus temas más famosos y durante 12 viajes nos sumergiremos en el genio del Norte de Inglaterra. Sting dedica ... Nothing Like the Sun a su madre, quien murió antes de que el álbum saliera al mercado a la edad de cincuenta y tres años, y las canciones sobre las mujeres en el disco parecen creadas por el vínculo madre-hijo

Empieza el álbum con “The Lazarus Heart” y el sonido de sintetizadores inunda el comienzo del álbum, aquellos que hemos conocido al Sting más macarra y salvaje de Police podemos arquear las cejas y pensar que estamos haciendo escuchando esto, pero tras los primeros 30 segundos es la batería la que está tomando el registro de la canción, a la que en ciertas partes del disco se une en una danza tú a tú con los instrumentos de viento, un buen comienzo pero lejos de lo esperado, pero eso se remonta rápidamente con "Be Still My Beating Heart" una canción que rápidamente saca al Sting de los sentimientos, una canción que es una montaña rusa cambia y se repite constantemente cuando se escucha con atención, Sting canta “que su corazón se ahoga en un mar de emociones”, se nos pone demasiado trascendente y poético y puede llegar a sonar a falso, pero saca la pureza del mismo, sin ir más lejos el tema fue nominado para la canción del año y la mejor interpretación vocal pop masculina . Cierra la primera trilogía uno de los buques insignia del artista, el archiconocido, cómico y a la vez reivindicativo "Englishman in New York", tenemos toques de jazz en este tema al que, no me expliquen el motivo, relaciono directamente con el gran Woody Allen y es que la temática de la canción de verse perdido es muy del director de cine, pero frivolidades aparte, la canción fue compuesta por Sting basándose en la experiencias del autor gay Quentin Crisp y sus experiencias en la capital del mundo. Tiene un muy potente video dirigido por David Fincher. Años más tarde el compositor hacía referencia a esta canción como una consecuencia de la nostalgia, “Iba temprano, los sábados por la mañana, a uno de estos pubs para ver fútbol en vivo desde Inglaterra por satélite. Allí podías beber cerveza inglesa, disfrutar de un desayuno grasiento y frito y codearte con ingleses de Manchester, Liverpool, Londres, y Newcastle. Gritaríamos a la pantalla como si nuestras voces pudieran tener alguna influencia mágica sobre una mala decisión de fuera de juego del árbitro o para avisarle que se había cometido una falta cuando miraba hacia otro lado. Somos supersticiosos y tribu primitiva, y cuando terminaba el partido, nos desvanecíamos en la ciudad como fantasmas "

Empieza el segundo trio del disco, con una canción bastante prescindible, a pesar del tono Reagge y de los coros, no es esta “History will Teach us Nothing” una de las mejores composiciones de Sting, aunque haya que agradecerle el tono reivindicativo de la canción y la crítica al estamento político se queda en un canción sencilla y casi vulgar con muy poco gancho, quizás como escaparate para distraernos ante las dos joyas que no se nos avecinan y es que la siguiente sigue la estela de la reivindicación, pero en esta ocasión da en la diana con este "They Dance Alone", siete minutos donde desangra su corazón en reivindicación a los desparecidos durante la dictadura chilena de Pinochet, acompañado de Ruben Blades que se encarga del speech en castellano. La canción fue creada en exclusiva y dedicada a la "Danza de los Desaparecidos" realizada por las esposas, madres e hijas de los presos políticos, pegadas a la foto de sus familiares convirtiendo ese espectáculo en una forma legal de protesta. Sting se inspiró en el pop, el rock, el reggae, el jazz y la música mundial. Las tablas indias, el saxofón de jazz de Branford Marsalis y los sonidos electrónicos se fusionan en un estilo homogéneo. Esta actitud abierta hacia diferentes culturas y fuentes musicales va de la mano con un mensaje de paz y protesta contra los regímenes violentos. Para cerrar otro tema sensible, uno de los que más me han emocionado, me refiero a “Fragile”, canción inspirada en un voluntario del Cuerpo de Paz estadounidense en Nicaragua, llamado Ben Linder, quien fue asesinado por Contras, una canción donde vemos a Sting tocando la guitarra española, y desgrana un mensaje de paz y solidaridad. Canción que también edito en Español y que tuvo una versión de…. Julio Iglesias.

Que nada bueno viene de la violencia

Y nada nunca vendrá

Para todos aquellos nacidos bajo una estrella airada

No vaya a ser que olvidemos cuán frágiles somos.

Una y otra vez la lluvia caerá

Como lágrimas de una estrella (bis)

Una y otra vez la lluvia dirá

Cuán frágiles somos. (bis)

"We'll Be Together" puede ser uno de los momentos mas roqueros del álbum, con un video que triunfó donde se veía una relación de pareja no todo lo ideal que cada uno puede desear y donde podemos ver a la actriz Trudie Styler, con quien Sting se casó más tarde, originalmente la canción la escribió y lo realizó para un anuncio de cerveza japonesa Kirin Brewery Company, el único requisito previo era que debía contener la palabra "juntos". Paradojicamente fue la canción que más éxito tuvo del álbum. Con "Straight to My Heart" volvemos al Sting menos inspirado, aprovecha para volver al Reagge y a una especie de baile tribal que no le quedó muy redondo, de igual manera que "Rock Steady" otra canción bastante prescindible, juguetea con el blues y puede resultar hasta divertida pero no esta a la altura de otras canciones que hemos disfrutado

Con "Sister Moon" volvemos a la delicadeza que será el elemento común de las tres canciones con las que cierra el álbum y que nos deja tan buen sabor de boca, la primera canción encontramos unos aires de jazz realmente brillantes y un misterio en la canción que nos contagia, una canción para lunáticos o una canción para los que se quedan mirando a la misma mientras recuerda a la persona amada que ya no se encuentra aquí… una delicada chuchería que no llega a empalagar. El siguiente tema es una versión de Hendrix, nos estamos refiriendo a “Little Wing”, con una versión sorprendentemente buena que le da otra vuelta de tuerca al clásico de Hendrix y plagada de una poesía abstracta que hará las delicias de los sensibles, súmale a la canción una guitarra que sin llegar a los niveles de la original le da un plus, acompasando a los instrumentos de viento. Maravillosa

Well, she's walking through the clouds

with a circus mind

that's running wild

Butterflies and zebras and moonbeams

and fairy tales

That's all she ever thinks about...

Riding with the wind

When I'm sad she comes to me

with a thousand smiles

she gives to me free

It's alright, she says,

it's alright

Take anything you want from me,

anything

Fly on, little wing

Cierra el disco con de "The Secret Marriage" dos minutos de piano y poema que se clava en tu cabeza por la melancolía que destila porque para este Matrimonio secreto no necesitamos ni iglesias, ni estado, ni flores, ni velo blanco… ni si quiera una biblia sobre la que jurar…. y lo mejor es que sin esos adornos nunca se podrá romper. Es maravilloso la letra, así como la interpretación que del mismo realiza el artista con el piano.

El disco de la semana 53: The Black Keys - Brothers

Esta es una reseña sobre un disco de The Black Keys.

El nombre del disco es Brothers

Las notas negras del piano son alteraciones en el sonido de las clásicas 7 notas, los sostenidos alteran una nota subiéndola medio tono, mientras los bemoles bajan la nota un semitono. El descubrimiento de los Black Keys fue para mí una alteración de grandes proporciones en mi percepción de la música de la segunda década del nuevo siglo. Fue mi amigo Joserra, guitarrista de nuestro grupo Telelovers, quién en 2011 me dijo que tenía que escuchar a un nuevo grupo que había creado un sonido "Lo-Fi" que le daba una unidad y un aire fresco impactante a las canciones de su nuevo disco Brothers. Me mostró el vídeo en Youtube de la canción Too afraid to love you y la alteración se produjo de manera inmediata y contundente.

Antes de comprarme el disco, me compré el número 211 de la revista Mojo de Junio de 2011 en el que, junto con la revista, regalaban un cd recopilatorio llamado Brotherhood que alternaba canciones propias con colaboraciones para otros artistas y temas que reflejaban las influencias en su sonido. En esa recopilación estaba incluída The Go Getter, la segunda alteración proveniente del disco Brothers. El mensaje subliminal del título de este segundo tema (ve y cógelo) era tan claro que no pude resistirme, y tras leer el artículo, el siguiente paso fue ir a comprarme el disco.

El diseño era otro chorro de aire fresco. Ni fotos ni mensajes grandilocuentes, simplemente llamarle a las cosas como son. En la portada, tan solo unas letras blancas (rojas en el caso del nombre del grupo) sobre un fondo negro: "Este es un álbum de los Black Keys. El nombre del álbum es Brothers". En la contraportada, siguen fieles a este concepto tanto en la presentación del listado de canciones como en la foto de los integrantes del grupo, Patrick Carney (batería) y Dan Auerbach (guitarra y voz). Ambos, tras diez años de sinsabores y esfuerzos baldíos por lograr el éxito, incluyendo una ruptura amarga de la amistad y del grupo cuando Auerbach decidió unilateralmente intentarlo en solitario, parecían querer en su vuelta ir directamente al grano, sin medias verdades, sin engaños, solo dos "hermanos" reconciliados para intentarlo de nuevo.


La tercera descarga de alteración vino con la primera canción que escuché al ponerlo. Si la primera fue un video de una balada soul, y la segunda un blues rock garagero e implacable, Everlasting Light aportaba un pegajoso riff de guitarra y un falsete rompedor. Los Black Keys parecían capaces de todo y su música brillaba incandescente como la "luz eterna" que describe este primer tema. Y no quedaba ahí la cosa, ese era solo el comienzo, todo el disco es una colección de grandes temas en los que, deliberadamente, guitarra y bajo están distorsionados para sonar muy graves, creando ese sonido "Lo-Fi" tan característico y que tanta singularidad y coherencia le da al disco. La voz en falsete bien podría estar diciendo: Pasen y escuchen la actitud garajera de Next Girl y el blues rock sucio de Howling for you y no se arrepentirán del viaje.

Tighten Up salió como single por aquellas fechas, acompañado de un video de promoción, y se convirtió en el cuarto shock provocado por el disco. En el vídeo, los dos "hermanos" pelean por la atención de una chica en mitad de un parque infantil, perdiendo el control de la situación e ignorando a los niños a los que habían llevado al parque. Esta absurda situación parece una metáfora de los 10 años de tensión y dificultades, en los que se olvidaron de las cosas realmente importantes (la amistad, tomarse las cosas como un juego como harían los niños) por el objetivo ciego de abrirse paso en la música. Musicalmente, es un tema más positivo y luminoso en el que tiene cabida un sorprendente cambio de ritmo que lleva la canción al terreno de unos Franz Ferdinand. El tema se convirtió muy rápido en el favorito del disco para mis dos hijos, y con ello refrendaron que Brothers es un disco hecho para la concordia entre hermanos.

El resto de temas no tienen tampoco desperdicio, de los riffs bluseros y abrasivos de She's long gone, al toque garajero y psicodélico del instrumental Black Mud, pasando por los envolventes teclados de The Only One (dónde retoman el efectivo falsete del arranque) o la maravilla que es la ya mencionada Too afraid to love you, el disco transcurre entre la brillantez de las propuestas y las acertadas revisiones de estilos. En palabras del productor Danger Mouse, "son tíos jóvenes, pero sienten como almas viejas". Una manera de decir que beben del soul, del blues, del sonido de viejas bandas nacidas en el circuito musical de Nashville, percibido como la Meca del limitado mundo de dos adolescentes de Akron que un día se juntaron para hacer música bajo la etiqueta de "The Black Keys".

El blues rock de carretera, polvo y pistolas humeantes tiene su espacio en Ten Cen Pistol y Sinister Kid, temas poderosos y bien trabajados que preceden al ya conocido The Go Getter, formando un triángulo de temas  más alejados del soul y con una mayor carga descriptiva de personajes duros de la América profunda.

El último tramo del disco retoma los toques soul en los teclados y la calma de I'm not the one, en el ritmo y la cadencia de "Unknown brother", un tema que recuerda a Lenny Kravitz por momentos, y especialmente en Never gonna give you up, el tema más soul del disco, en el que Auerbach intenta sonar tan agudo y dulce como los cantantes negros de la radio de su infancia. Y por si no hubiera quedado patente en este tramo que pueden hacer soul del bueno, el disco cierra con la bella These days para terminar de convencer a los más incrédulos. Triste y reflexiva, podría ser perfectamente la canción que sonaba en mi cabeza el día que me desenamoré un poco de los Black Keys, tras un concierto en 2012 en el Palacio de los Deportes en Madrid.

En plena fase de amor incondicional y apasionado, pagué lo que no está escrito por dos entradas para verles en directo, y tocaron como los ángeles con su banda de acompañamiento, y como dos diablos en un tramo en el que se quedaron los dos solos en el escenario, tocando únicamente batería, guitarra y voz. ¿Y cuál es el problema entonces? Finalizaron el concierto tras sólo una hora y cuarto, de la que perdieron varios minutos en la falsa y forzada liturgia de hacerse esperar para los bises. Fue como si, caminando por la 8th Avenue de Nashville, dos delincuentes llamados "The Sinister Kid" y "The Go Getter" me apuntaran con una "Ten cent pistol" y me sacaran hasta el último centavo.
Así no amigos, así no, eso no se hace entre hermanos.

El disco de la semana 52: Airbourne - Runnin' Wild

Runnin' Wild (2007)

     Joel tocaba la guitarra desde los once años y su hermano Ryan,un año menor que él consiguió su primer kit de batería a los 14 años aproximadamente. En 2003 Joel, que por entonces contaba con 17 años trabajaba en el hotel de su Warrnambool natal, el hotel Warrnambool, y allí conoció a David Roads el cuál también trabajaba allí y tocaba la guitarra como él. Los dos solían llevarase la guitarras al trabajo y después de la jornada laboral se juntaban para tocar y se enfrascaban en canciones que les rondaban por la cabeza. Aprovechando las circunstancias, Joel y su hermano Ryan le proponen a David que se una a ellos, y cuando se quisieron dar cuenta se les había unido Adam Jacobson, que tocaba el bajo. Acababa de nacer Airbourne de la mano de Joel O'Keeffe (voz y guitarra solista), Ryan O'Keeffe (batería), David Roads (guitarra rítmica y coros) y Adam Jacobson (bajo y coros).
Sobre el nombre del grupo se manejan varias hipótesis, una dice que proviene de mezclar y combinar la palabra Air (una de las pasiones de los hermanos O'Keeffe) con la palabra Melbourne, capital de Victoria (Australia), otra de ellas dice que proviene de mezclar las palabras Airborne (fuerzas militares transportadas en aeronaves) y Melbourne.

     Si afinales de 2003 Airbourne nacía, muy pronto, la banda en plena adolescencia, concretamente en marzo de 2004 gana el concurso de bandas estatal Push-On en Melbourne (Australia). Las primeras influencias del grupo, claramente están basadas en bandas australianas, AC/DC, The Angels, Billy Thorpe ó Rose Tattoo, tomando también durante su carrera influencias de bandas internacionales como Iron Maiden, Def Leppard, Judas Priest, Thin Lizzy, Status Quo, Motörhead ó Metallica entre otras. Ese mismo año 2004 el grupo publica su primer trabajo en estudio, un EP de ocho temas titulado Ready to Rock. Después de la publicación de este EP el bajista abandona el grupo siendo sustituido por Justin Streets.
A principios de 2005 el grupo, que sigue creciendo a pasos agigantados, cambia su residencia y se mudan a Melbourne y en agosto firman su primer contrato discográfico con la compañía Capitol Records por una duración de cinco álbumes publicados.

     En 2006, con la estabilidad y sustentados por los recursos económicos suficientes Capitol Records, los hermanos O'Keeffe se marchan a Estados Unidos para trabajar en su primer LP, contando a la producción con Bob Marlette, famoso por sus trabajos tanto en la producción y como ingeniero de sonido y también reputado compositor y teclista.  Ozzy Osbourne, Alice Cooper, Lynyrd Skynyrd, Sebatian Bach ó Rob Halford son sólo algunos de los artistas con los que ha trabajado.

En junio de 2007 se publica al fín el ansiado primer LP del grupo, titulado Runnin' Wild, aunque poco después la compañía Capitol Records cancela el contrato suscrito con el grupo, pero el trabajo sigue siendo distribuido por la discográfica Emi Records en Australia, y la discográfica americana Roadrunner Records se hace con los derechos para su distribución internacional.

     Runnin' Wild, el primer LP de la banda fue la recomendación elegida para la semana número 52 de la increible aventura de 7dias7notas, un grupo con un sonido muy rock & roll, muy directo, sin adornos, un estilo por el que el grupo, además de su indudable calidad, lleva cargando a sus espaldas las inevitables comparaciones con los también australianos AC/DC, situándoles además como herederos de su sonido. Al respecto de estas críticas y comparaciones Joel O'Keeffe llegó a declarar que da igual quien seas, porque cuando sales de Australia y tienes ese sonido puro a rock inmediatamente te van a comparar con los grupos de fuera, siempre te van a comparar con alguien pues las comparaciones son inevitables. Quizás sea el hecho de que el grupo utiliza la misma formula que sus paisanos AC/DC, un rock directo a golpe de potentes riffs sin adornos ni florituras, pero no seré yo quien lo juzgue, lo que si puedo afirmar es que Runnin' Wild es un auténtico trallazo y si te gusta el rock directo con potentes riffs Airbourne es tu grupo.

     El disco es un puro trallazo de adrenalina pura en forma de rock donde nos vamos a econtrar con temas cómo Stand Up for Rock 'n' Roll, un tema que sirve de carta de presentación y que nos da una idea de lo que nos espera, rock, mucho rock, Runnin' Wild fue el tema elegido para ser el single de presentación del disco, un tema que además contó con la colaboración del gran e inigualable Lemmy Kilmister, que aparece en el videoclip de la banda conduciendo un camión mientras en la parte de atrás del mismo tocan los cuatro miembros del grupo completamente desatados. Un tema que además de ha utilizado para varios videojuegos Nascar 09, NHL 09, para el anuncio del videojuego Battlefield: Bad Company, para el trailes de la película de Disney Enredados y para anuncios en televisión de la también película de Disney Frozen, Too Much, Too Young, Too Fast, junto con Runnin' Wild es una de las canciones más célebres de la banda, un tema que además aborda el descontento del grupo con la sociedad moderna, comparando a banqueros con pandilleros y con locos y sus maniobras comerciales de dudosa ética y legalidad. Un tema que además sale en el Guitar Hero World tour lanzado por Activision en 2008 ó Diamond on the Rough, para mí una de las joyas del disco y que dejo que descubráis vosotros.
En definitiva 11 temas con puro sabor a rock 'n' roll y que harán que se os salgan por las orejas la adrenalina. Si Airbourne son una copia o no, si son los herederos o no ó si están llamados a coger el testigo de AC/DC.........todo eso da igual, porque cuando estos chicos se ponen a hacer rock todo lo demás no importa, ya no podrás parar, y como leí una vez en algún sitio "Preparaos porque llega el huracán australiano."

El disco de la semana 51: Los Zigarros - Los Zigarros

Los Zigarros, Los Zigarros (2013)

 Corría el año 2010, lunes, 28 de junio, AC/DC iban a subirse al escenario en el mítico estadio de San Mamés en Bilbao para dar uno de sus memorables conciertos, incluido en la gira Black Ice. Pero antes de que subieran al escenario, le correspondía al grupo que iba a telonearlos calentar el ambiente, y vaya si lo hizo el grupo valenciano Los perros del Boggie. Aquel día se subieron al escenario los hermanos Ovidi Tormo (vocalista y guitarrista) y Álvaro Tormo (guitarrista), que por entonces formaban parte de aquel grupo.

Ya en el año 2011, los hermanos Tormo deciden formar su propia banda, y para ello cuentan con Adrián Ribes (batería) y Nacho Tamarit (bajo). El nombre del grupo: Los Zigarros. Echaba a andar una excelente formación, influenciada por el rock & roll de los años 60 y 70, tanto de grupos internacionales cómo de grupos españoles (Tequila, Burning, M Clan o Loquillo entre otros), y que contaban también con influencias de músicos y grupos actuales cómo Jack White o Queens of the Stone Age, entre otros.

 En 2013 publican su primer disco de estudio, titulado también Los Zigarros, producido por el gran Carlos Raya y apadrinado por artistas de la talla de Carlos Tarque y Adolfo Cabrales (Fito). El resultado no puede ser mejor, once temas arrolladores con sabor a puro rock & roll, dónde encontramos bien plasmadas todas esas influencias que el grupo ha ido mamando toda la vida, y que se filtran en diferente medida en cada uno de los temas:

     

Empezando por Cayendo por el agujero, tema donde el grupo suena a pura banda de garaje,  y siguiendo con temas como Hablar por hablar, con un sonido con sabor a los mismísimos Tequila, o No obstante lo cuál, maravillosa versión del tema del gran Pappo, pionero del rock argentino. Bailar es puro rock & roll al estilo Rebeldes, mientras que Qué harás recuerda por momentos al puro rock & roll de Chuck Berry. Son sólo algunos ejemplos de lo que podemos encontrar, a lo largo de los once temazos de este disco debut de una banda con una proyección magnífica y un sonido con puro sabor a rock & roll. Así que id sacando los mecheros, tanto para usarlos en concierto al ritmo de sus canciones, como para aspirar una buena bocanada del humo y la aspereza sin filtro de Los Zigarros.