El disco de la semana 29: Extremoduro - La Ley Innata

"En efecto existe, señores jueces, una ley no escrita, sino innata..." 


Hace ya muchos años, a finales de los 80 o primeros de los 90 en unas fiestas de Parla, un grupo de adolescentes atravesamos el recinto ferial sin prestar mucha atención al grupo que actuaba en la explanada. Era Extremoduro, en una de sus primeras formaciones. No les conocíamos por entonces, pero sí que recuerdo que el cantante gritó al público "¡¡¡¡Parla... Os perdono!!!!", justo antes de atacar la siguiente canción (que después descubrí que era "Jesucristo García").


En ese momento pensé "Ya le vale a este colega, se cree Dios!!!", y seguí nuestro camino hacia las casetas, dónde nos esperaba un hipnótico bocadillo de panceta, tentación irremediable que nos alejó de la doctrina del cantante de aquel grupo. Unos años después, dejé la panceta y los chiringos de feria y me rendí a aquel autoproclamado Dios y su inmenso legado, que hizo que su público le concediera el título de Rey de Extremadura.


Fue con el disco "Agila" con el que muchos les descubrimos, pero la señal definitiva para mí llegó con "Yo, minoría absoluta". Aquel profeta ignorado por un grupo de adolescentes en Parla, no cejaba en su intento de transmitir su mensaje y atacaba de nuevo desde la portada del disco, cuál Cristo armado con dos pistolas.


Y en el momento en que más enganchados estábamos a sus enseñanzas sobre el rock transgresivo, cayó sumido en una crisis creativa que nos tuvo 6 años sin noticias del talento de nuestro líder espiritual. Y casi cuando ya menos esperábamos a Extremoduro, a punto de rendirnos y caer de nuevo en la mediocridad musical reinante, ciegos de nuevo ante otro correoso bocadillo de panceta, como si nunca hubiera existido la esperanza de un mundo mejor, en septiembre de 2008 dejaron grabado a fuego en nuestros oídos el que muchos consideramos el mejor disco de rock en español de la historia.

"... para la que no hemos sido instruidos, sino impregnados":

LA LEY INNATA

1. Dulce introducción al Caos

La introducción al caos fué también la introducción al disco, el single de adelanto. Después de 6 años, el público estaba ansioso por escuchar el nuevo material, y seguro no esperaban que fuera tan literal en lo dulce, con sus suaves arpegios de guitarra y su tono melancólico y relajado, y a la vez tan alejada del caos pasado y esperable. Robe ha trabajado su voz desde el exilio, y suena ahora más suave y a la vez más aguda y afilada, complementada en la canción por la voz femenina de Sara Iñiguez y los barrocos arreglos de guitarra con los que Uoho (encargado de la producción además de la guitarra principal) adereza brillantemente tema. Su solo de tintes clásicos tiene incluso un fragmento de la Cantata "Jesús sigue siendo mi alegría" de Bach. El Jesús de las dos pistolas estaba dormido pero ha vuelto con fuerza, y ya aquí empezamos a vislumbrar que el trabajo realizado con las letras de este disco supone la cumbre creativa del genio extremeño:

"Se rompió la cadena que ataba el reloj a las horas
se paró el aguacero ahora somos flotando dos gotas.
Agarrado un momento a la cola del viento me siento mejor
me olvidé de poner en el suelo los pies y me siento mejor.
¡Volar! ¡Volar!"

2. Primer movimiento: El Sueño

Aparecen aquí, por primera vez, el estribillo y el riff de guitarra serán una constante que se repetirá en varios puntos del disco con leves diferencias en los arreglos dentro de cada movimiento, como nexo e hilo conductor de una obra que, como los grandes discos conceptuales del rock progresivo, debe entenderse y degustarse como un todo en lugar de desde la individualidad de las canciones:

"Buscando mi destino, viviendo en diferido,
sin ser, ni oir, ni dar,
Y a cobro revertido, quisiera hablar contigo,
Y así, sintonizar"

Tiene este primer movimiento un tono más duro que le de la introducción, el sueño no es placentero y Robe desata sus infiernos interiores repartiendo poderosas imágenes de destrucción a través de sus versos.

3. Segundo Movimiento: Lo de Fuera

Pieza central del disco, tema de larga duración y una de las cumbres creativas del disco con su desarrollo en tres partes diferenciadas. Comienza en un tono melancólico que acaba roto por las intenciones del personaje de escapar de su prisión. "¡Voy a hacer un butrón, que saque la cabeza fuera!". Puro Robe cuando toma carrerilla y arrasa contra la buena educación y la televisión mientras reconoce que "¡si hay un escalón, pa' dar un tropezón, voy de cabeza...!"
La banda tiene aquí uno de sus momentos instrumentales más brillantes, desembocando como una locomotora recién engrasada en la segunda parte de esta gran suite:

"Sueño que empieza otra canción, vivo en el eco de su voz, entretenido...
Sigo la estela de su olor, que me susurra: vámonos, vente conmigo"

La locomotora nos lleva aún más lejos, y en el camino hasta nos encontramos con una banda de mariachis que transforman la melodía central del tema en una sorprendente ranchera que inesperadamente encaja en el carril del tren como un guante. 

4. Tercer Movimiento: Lo de Dentro

Dura reivindicación de la "Ley Innata" que hace al personaje rebelarse contra su condición y las normas establecidas colectivamente, en un tema que hace las delicias de su público más tradicional por la dureza de sus guitarras y planteamientos. La letra es puro Robe desatando sus demonios interiores, angustia existencial, drogas, locura y oscuridad, mientras se desgañita al ritmo enloquecido de la batería y las guitarras: 

"Sin patria ni banderas,
ahora vivo a mi manera;
y es que me siento extranjero
fuera de tus agujeros.

Miente el carné de identidad:
tu culo es mi localidad.
Miente el destino para hacer
que no te vuelva a ver...".

5. Cuarto Movimiento: La Realidad

Partiendo de un riff de guitarra similar al de la Dulce introducción al Caos, combinado con líneas de piano poco habituales en Extremoduro, y cuidados arreglos de violines, nos entregan una pieza lenta y descarnada que nos devuelve a la cruda realidad de la vida, lejos de los sueños, y engarzada con el resto a través del estribillo que se ha ido repitiendo en distintas fases del disco. Una de las piezas más cuidadas e impactantes de esta obra grande, y que contiene algunas de las letras más bellas del disco:

"Hice un barquito de papel para irte a ver,
se hundió por culpa del rocío,
no me preguntes como vamos a cruzar el río..."

La canción va subiendo de intensidad, y tiene esa combinación mágica en las letras de Extremoduro, entre lo poético y lo salvaje:

"Para contarte, que quisiera ser un perro y oliscarte,
y vivir como animal que no se altera,
tumbado al sol lamiéndose la breva
sin la necesidad de preguntarse
si vengativos dioses nos condenarán
si, por Tutatis el cielo sobre nuestras cabezas caerá".

6. Coda Flamenca

El último movimiento ya habría servido de final majestuoso, pero nos regalan una coda final aflamencada pero eléctrica, con guiños a versos de Pérez Galdós y en la que hay sitio de nuevo para la admiración de la brillantez de la propuesta y de la rotundidad de la banda, y también para la broma y la sorpresa, con la aparición estelar del perro de Robe y de esa pareja de tirados cómicos que son "Manué" y su acompañante, que aparecen en varias canciones a lo largo de la discografía de Extremoduro.


De modo que hace ya muchos años, en unas fiestas de Parla, un grupo de adolescentes atravesamos el recinto ferial sin prestar mucha atención al grupo que actuaba en la explanada.Y resulta que era Extremoduro, que muchos años después hizo "La Ley Innata", el mejor disco de rock en español de la historia de la música. Con esta última afirmación muchos podréis no estar de acuerdo. A todos los que penséis que no es así, en plenitud de mi estado de locura tras escucharlo de nuevo para escribir esta reseña, solo puedo deciros que ... ¡¡¡Os perdono!!!

El disco de la semana 28: Bruce Springsteen - Tunnel of Love

En el año 1987, cuando se publicó este disco, los amigos nos cambiábamos tanto cromos de futbolistas como cintas de cassette. Mi colección de cassettes originales era todavía muy escasa, y se componía básicamente de "Bad" de Michael Jackson, "Introducing the hardline..." de Terence Trent D'Arby, y la inconfesable primera cinta que me compré y que en uno de esos intercambios le pasé a Jorky: "The Final Countdown" de Europe.

Preparando las siguientes reseñas de discos para el blog, nos pareció un guiño a aquellos irrepetibles momentos que ahora también nos intercambiáramos la tarea de reseñar aquellos primeros discos. Esta es la razón por la que Jorky reseñó recientemente "The Final Countdown" y ahora me llega a mí el turno con "Tunnel of Love" de Bruce Springsteen.

Debo decir que creo que he ganado en el cambio, lo cuál también es un acto de justicia porque él se quedó en su momento con los mejores cromos. Ahora reniego un poco de los cardados y gorgoritos de los suecos, pero en su momento sucumbí, como casi todos, a los encantos de la cuenta atrás y sus épicos teclados.

Menos mal que en aquel intercambio y gracias a Jorky descubrí al Boss, no sólo con la escucha del disco sino a través de tantas tardes en casa de Jorky viendo un VHS pirata de una compilación de videos desde sus inicios hasta los vídeos de los singles de "Tunnel of love". Aún no me explico como sobrevivió aquella cinta de vídeo después de tanto poner "Rosalita", "War" o "Brilliant Disguise" tantas y tantas veces. De hecho Jorky aún la conserva.

Para la gestación del disco, Springsteen dedicó tres semanas de soledad en su estudio casero para grabar los bocetos de las nuevas canciones. Eso podría haber sido el embrión de un nuevo "Nebraska", pero finalmente solo tres de las canciones se incluyeron en el disco en el formato desnudo y básico de la voz y guitarra de Springsteen. El resto de canciones se fueron trabajando con la incorporación de músicos de la E Street Band y de otros músicos.

Precisamente el camino a través del túnel comienza con "Ain't got you" uno de los tres temas de las sesiones de Bruce grabando solo, y cuya austeridad choca con la línea elegante y trabajada del resto del disco. Con un ritmo típico de los temas de Bo Diddley y un Bruce con reminiscencias de Elvis Presley en los fraseos, es una auténtica declaración de intenciones de ruptura de la dinámica de super estrella a la que "Born in the USA" le había llevado: "Tengo todas las riquezas que jamás haya conocido nadie, pero lo único que me falta es que no te tengo a tí" 
 
De la soledad de esta rareza acústica y minimalista, pasamos a la explosión de una canción grande y sentida como es "Tougher than the rest". El protagonista sigue sin conseguir a la persona amada, y con cierta tristeza le presenta sus credenciales. Me imaginé mil veces declarándome a la chica que me gustaba con esta canción, "si estás preparada para el amor, yo soy más duro que los demás".

A la chica en cuestión nunca llegué a convencerla de que yo fuera más duro que los demás, y lloré por las esquinas abrazándome precisamente a una canción de ¡Europe!. Los años han pasado y ya poco importa, pero quiero achacar ese fracaso a que el mensaje de Bruce no le llegó porque no sabía inglés, de esa manera mantengo intacta mi autoestima.

Bruce sí que debió conseguirlo, o eso transmite el orden de las canciones y la temática en esta primera parte. Sin ser un disco conceptual, en estas primeras canciones hay un sentido temporal que puede percibirse en las temáticas de las canciones. El personaje pasa de estar solo en "I ain't got you" a presentar sus credenciales amorosas en "Tougher than the rest" y a disfrutar del idilio de pareja en "All that heaven will allow", balada agradable y melódica en la línea de cuidado sonido del disco.

Nada dura para siempre, y nuestra imaginaria pareja parte peras en "Spare Parts", dónde más allá de la letra se nos transmite la aridez de la situación a través de las ásperas guitarras y la voz rota de Springsteen, en un tema que recuerda al sonido rockero de sus primeros discos con la E Street Band.

Llega entonces el segundo de los temas "acústicos" que apenas fueron modificados de las sesiones iniciales: "Cautious man". Tras la ruptura, tiene sentido que vuelva la soledad y la melancolía al tono del disco. La cara A termina con "Walk like a man", hay que levantarse del golpe y caminar como un hombre, de nuevo en la línea de sonido elegante y trabajado.

"Tienes que aprender a vivir con lo que no puedes superar, si quieres seguir viajando por este túnel del amor", nos recomienda Springsteen en "Tunnel of love", el arranque de la cara B y la canción que da título al disco. Concebida como single, tiene por tanto un ritmo más alegre y llevadero que la mayoría de temas del disco, que en mi opinión transita a partir de aquí por la parte más brillante del conjunto, enganchando tres canciones brillantes sobre la dualidad del ser humano y la complejidad de las relaciones de pareja: "Two faces" (dos caras), "Brilliant Disguise" (Brillante disfraz) y "One Step up" (Un paso adelante...y dos atrás). En esta última la relación se tuerce de nuevo inevitablemente:


"Es lo mismo cada noche,

¿Quién tiene razón y quién está equivocado?
Otra pelea y yo cierro de un portazo,
Otra batalla en nuestra pequeña guerra sucia

Y cuando me miro a mi mismo no veo
Al hombre que quería ser
En algún punto del camino me salí de la vía
Atrapado dándo un paso adelante y dos atrás"



"When you're alone" (Cuando estás solo) es de nuevo la continuación lógica de los temas anteriores. Vuelta a la soledad de nuevo al final de esta cara, como si por más que lo intentara el final del camino siempre fuera el mismo, y sin embargo nunca pierde la esperanza de celebrar de nuevo el "Valentine's Day", tercera pieza en solitario y magistral manera de terminar el disco como lo empezó, transmitiendo con la sencillez instrumental la soledad y la melancolía del amor perdido.

La aguja del tocadiscos ha saltado una vez más. Eso es todo amigos. Hasta aquí la reseña de hoy.
Gracias Bruce y Jorky por tantas tardes de verano, de aquellos tiempos en que los veranos eran eternos y podías tirarte en un sofá y disfrutar de la música sin nada más que hacer. En esas tardes aprendimos que, si no podías ser más duro que los demás, siempre podías ocultarlo detrás de un brillante disfraz y continuar sonriendo, y que dar un paso adelante y dos atrás era, aunque no lo entendieramos, necesario para llegar a caminar como los adultos que ahora somos.

El disco de la semana 27: Guns n' Roses - Appetite for Destruction (Mes Guns N' Roses)

APETITO POR LA DESTRUCCIÓN 

 ¿Sabéis dónde estáis?
Estáis en la jungla...
¡¡Vais a morir!!

Cuando este mítico grito de Axl Rose resuena en los altavoces de cualquier concierto de Guns and Roses, todo los asistentes, salvo los que provengan de una galaxia muy lejana a la que no llegaran los ecos del éxito de Appetite for Destruction, saben que canción viene a continuación.


Slash puntea entonces a la guitarra las primeras líneas de "Welcome to the Jungle", primer tema del explosivo disco de debut de la banda californiana. Se nos da la bienvenida a la jungla, y eso es lo que nos espera al escucharlo, una jungla salvaje en la que gritan animales peligrosos (Axl Rose) al ritmo de los tambores (Steve Adler) de tribus pobladas por caníbales de la guitarra (Slash, Izzy Stradlin) y el bajo (Duff McKagan). La canción es la visión de Axl del impacto que supuso la llegada a la gran urbe de Los Angeles para el delincuente juvenil que apuntaba ser, huyendo de los conflictos con los policías locales mientras le empezaba a devorar por dentro su irrefrenable apetito por la destrucción.

Al provenir cada uno de otros proyectos de bandas, aportaron en la concepción del disco el material que traían consigo. It's so Easy comenzó como un esbozo de canción que había desarrollado Duff McKagan, sobre la agitada vida en la carretera, rodeados de chicas de vida "fácil" que acababan pidiéndoles y quitándoles el dinero que ellos no tenían.

Y pelados de dinero estaban también durante la gestación del disco. Nightrain es una referencia a una marca de vino barato a la que recurrían para entonarse. Vivían juntos en una habitación diminuta, y a un dólar la botella podían emborracharse por un módico precio. La canción surgió de una de esas borracheras, y de camino a la licorería para comprar más, surgió la idea para el estribillo.


Curiosamente, la bodega que fabricaba el vino quiso cobrarles los derechos de usar su marca, razón por la que el nombre de la canción está contraído para no coincidir con el nombre exacto del vino.


Out to get me podría ser por temática la precuela de "Welcome to the Jungle", ya que narra los problemas que Axl tuvo con la ley y el orden en Lafayette (Indiana), su lugar de procedencia, fruto de los cuales tuvo que "emigrar" a Los Angeles para escapar de un futuro entre rejas. Musicalmente es, junto a Anything goes, de los temas que menos brillan en el conjunto. Perdonaríamos gustosos los pecados de ambas canciones si no supiéramos que, por incluirlas, quedaron fuera del disco temas como "Back Off Bitch" y "You Could be Mine", afortunadamente repescadas en "Use Your Illusion I y II" respectivamente.


A los problemas económicos de la banda hay que unir sus problemas con las drogas, en particular con la heroína. Mr Brownstone es la visión de Izzy Stradlin de los problemas que él y Slash tenían con esta droga, conocida en la jerga de la calle como "Brownstone". Aparte de ser uno de los éxitos de la banda, es junto a "It's so Easy" uno de los temas qeu nunca faltan en los conciertos, quizá porque son temas en los que Axl está menos exigido vocalmente y le sirven de respiro, aún siendo como son temas de rock en la línea dura de todo el disco.


Con todos estos condicionantes de alcohol, drogas y problemas económicos, el destino de los Guns and Roses parecía alejarse del paraíso soñado por Axl en su Paradise City. Pero fue precisamente esta canción una de las que contribuyeron al enorme éxito del disco, que llegó a vender 35 millones de copias en todo el mundo. Las partes de los versos hablan de la corrupción de la ciudad de Los Angeles, de nuevo una jungla peligrosa para los que sobreviven allí, mientras que el estribillo evoca un lugar idealizado y bucólico ("la ciudad del paraíso, en la que la hierba es verde y las mujeres son bellas"). La canción nació en una furgoneta, de camino a un concierto en San Francisco, mientras bebían y fumaban marihuana y jugueteaban con sus guitarras acústicas. Posteriormente Axl se encargó de escribir la letra mientras el resto pulía el genial descubrimiento musical surgido en la carretera.

Cuando te juntas con tipos de este calibre, lo peor que puedes pedir es que tus sueños se hagan realidad. Eso es lo que hizo una chica llamada Michelle cuando, en un trayecto en coche con Axl y Slash, comentó al oir la canción "Your Song" de Elton John que le encantaría que alguien escribiera una canción sobre ella. Axl decidió complacerle, y relató en My Michelle tanto la adicción de la chica a las drogas, como otros temas oscuros como el trabajo de su padre en la industria pornográfica.

Izzy Stradlin firma la siguiente canción, Think About you, injustamente una de las menos recordadas del disco. Curiosamente en esta canción es Izzy y no Slash el que hace el solo principal de guitarra. Izzy abandonó el grupo poco después de que vieran la luz los "Use your Illusion" porque, entre otras cosas, llegó al punto de despertarse una mañana en un sillón y no saber dónde estaba ni cómo había llegado allí.

Y llegamos a una canción que estaría en la sección de "Canciones que no soporto" de 7dias7notas si contaramos con Slash entre nuestros colaboradores. El famoso riff de la canción era una broma de Slash para fastidiar al resto de miembros de la banda, según él aquello era un ejemplo de la mierda que se podía hacer con la guitarra pero que nunca serviría en una canción. Pero entonces se le unieron Steve Adler a la batería e Izzy Stradlin a la guitarra de acompañamiento, y Axl recitó el poema Sweet Child of Mine que acababa de escribir a su novia. En cinco minutos estaba hecho el tema más famoso del disco y puede que de la trayectoria del grupo. Debieron intuir que era grande, ya que por ella dejaron fuera temas como "November Rain" o "Don't Cry", por la decisión de incluir una sola balada en el disco.

En la recta final del disco tenemos You're Crazy, buen tema de heavy metal al que solo le falla la existencia de, en mi opinión, una versión acústica que eleva la canción a cotas mayores de calidad, que no de decibelios, y que es la que mejor refleja lo que fue esta canción en su momento de gestación a manos de Axl e Izzy. Esta versión salió posteriormente en el disco "Lies" de 1988, un refrito de cuatro temas de los comienzos de la banda interpretados en directo en una cara del disco, y cuatro canciones nuevas en modo acústico ("Patience", "Use to love her", "You're crazy" y "One in a Million") en la otra. Éstas cuatro son auténticas joyas que muestran el gran nivel interpretativo de la banda, y están entre lo mejor que los Guns han hecho.


Como gran colofón a un disco deliberadamente rockero (recordad la consigna de "una sola balada") llegamos a la grandiosa oda final a Barbi Von Grief, la mujer en la que se inspiró Axl para escribir la canción. Duff McKagan creó el riff principal antes de formar parte de Guns and Roses.

Barbi Von Grief era una chica de la escena underground del momento, que quería formar una banda llamada Rocket Queen. Axl quiso mostrar su agradecimiento por la ayuda que esta chica le prestó en los momentos duros al llegar a Los Angeles y no tener ni dónde quedarse a dormir.


De nuevo se demuestra que, con estos tipos de por medio, es mejor no pedirles cumplir sueños o que te hagan homenajes, y no por la canción que es brillante, con su poderoso bajo y con los varios cambios de ritmo que toda gran canción larga requiere, sino porque la manera de homenajear a Barbi Von Grief incluyó que en la parte central del tema se escuchen los gemidos de una mujer en pleno acto sexual. Para grabarlos, Axl llevó a una chica al estudio y practicaron sexo mientras los ingenieros registraban el sonido del encuentro. Extraña muestra de agradecimiento pero... ¿Qué esperábais? ¿Acaso no sabéis dónde estáis? Estáis en la jungla... y los animales salvajes tienen un gran apetito por la destrucción.

El disco de la semana 26: Europe - The Final Countdown

The Final Countdown, Europe

     En mi infancia, tanto yo cómo todos mis amigos nos criamos en la época y auge de los radiocassettes y las cintas virgenes regrabables. Cuando un amigo se hacía con un cassette de un artista o grupo, inexorablemente éste había de pasar por todos los integrantes de la pandilla para que hicieramos las grabaciones oportunas y así ampliar nuestra biblioteca musical. En mi caso, después de dar mucho la lata a mis queridísimos padres conseguí que unas navidades me compraran un radiocassette de doble pletina, madre mía la de provecho que saqué yo a aquel aparato. Con el radicassette y unas cintas virgenes regrabables te podías comer el mundo.

 

 En 7dias7notas nos pareció una buena idea rememorar los viejos tiempos y recomendar el primer cassette original que tuvimos cada uno de nosotros, y para rizar más todavía el rizo, cómo si de cromos se tratara, Nevermind y yo decidimos cambiarnos las reseñas, de modo que el disco que me toca reseñar ahora no fue mi primer cassette original, si no de Nevermind, y Nevermind próximamente reseñará el que fue mi primer cassette orignal.

Os presento el primer cassette original que tuvo en su poder Nevermind, con todos vosotros The Final Countdown, de los míticos suecos Europe.

     En el año 1979 el vocalista Joey Tempest y el guitarrista John Norum deciden crear una banda y la llaman Force, nombre inspirado en el disco Force It (1975) del grupo UFO, aunque después de dar muchas vueltas, en 1982 el grupo con la formación ya consolidada cambia de nombre y pasa a llamarse Europe, inspirandose para llamarla así en el mítico Made in Europe de Deep Purple.  Es en ese cuando compiten en un concurso de talentos para bandas de rock en Suecia llamado "Rock - SM", compitiendo contra más de 4000 grupos, y consiguen el premio a mejor banda de rock, el de mejor vocalista para Joey Tempest y mejor guitarrista para John Norum. El premio que se llevaron fue su primer contrato dsicográfico con el sello discográfico Hot Records.

     En 1983 lanzan su álbum de debut titulado Europe, consiguiendo un notable éxito en Suecia y japón. Al año siguiente publican su segundo disco, titulado Wings of Tomorrow, el cuál contiene el sencillo Open Your Heart, un tema que hizo una famosa discográfica se interesara por ellos y les ofreciera un contrato con el que podrían expandirse internacionalmente.

     Y llegamos al año 1986, con la formación ya consolidada y formada

por Joey Tempest (vocalista), John Norum (guitarrista), John Levén (bajista), Mic Michaeli (teclista) y Ian Haugland (batería), y con su primer gran contrato. Y cómo no podía ser de otra forma publican su tercer álbum, el recomendado esta semana, The Final Countdown, un trabajo que supuso un auténtico trallazo, con el que consiguieron certificar el álbum  cómo triple platino en Estados Unidos y alcanzar en dicho país el puesto número 8 en el famoso Billboard 200 chart.

     El disco llevaba una línea muy comercial, dentro del sonido del glam rock imperante en la época. Quién no se ha dejado llevar en la fiestas del pueblo cuando la banda de turno se marcaba una versión del mítico tema The Final Countdown, compuesta por Joey Tempest, donde la letra nos relata cómo obligados a dejar la tierra, se embarcan en un viaje al espacio con destino a Venus. A Tempest le encantaba el tema Space Oddity de David Bowie, un tema que influenció enormemente a tempest y despertó en él un gran interés en los viajes espaciales además de servir de inspiración para escribir este tema. El tema  supuso un éxito sin precedentes para un grupo sueco alrededor del mundo y consiguió ser número 1 en más de 25 países en todo el mundo, entre los que se encontraban Inglaterra, Francia ó Alemania entre otros.

     Quién no se ha desgañitado con la escoba en las manos haciendo que tocaba la guitarra y meneaba la cabeza mientras barría en casa con el tema Rock the Night, compuesto también por Tempest, es un tema que compuso mientras se encontraban de gira de promoción de su segundo álbum Wings of Tomorrow por Suecia, un tema que plasma la sensación que estaba teniendo el grupo divirtiéndose y la vida que llevaba el grupo en la gira.

     Quién no se ha puesto meloso y sentimental escuchando la mítica balada Carrie, compuesta por Tempest y el teclista Michael, tema que ya habían tocado antes durante la gira por Suecia, una versión que sólo tenía teclados y voces y al que le añadirían toda la demás instrumentación posteriormente. Un tema que trata el tema de la juventud y la ruptura con la novia/o y la búsqueda de uno nuevo/a. Este tema alcanzó el puesto número 3 en la lista Billboard Hot 100 chart de Estados Unidos, un auténtico pelotazo.

     Quién no ha subido el volumen de la radio a tope escuchando Cherokee, tema compuesto por Tempest, compuesta cómo himno y homenaje a la población Cherokee, que en 1838 sufrió la reubicación a la fuerza por parte del gobierno estadounidense en otro territorio el cuál se acabó convirtiendo en Oklahoma. Debido a la crudeza del viaje y las condiciones insalubres unos 4000 cherokees murieron por el camino, quedando muchos de ellos sin un entierro digno. Este tema fue escrito por Tempest después de leer un libro sobre la historia de los indios cherokees, un libro que le marcó y dejó impresionado.

     Estos son los cuatro ases de un disco memorable, un auténtico trallazo comercial. Después de este disco el guitarrista John Norum no estaba contento con la dirección en el sonido del grupo, pues para él era demasiado comercial, y decidió abandonar el grupo. Europe en 1992 decidió tomarse un descanso pues sus componentes estaban cansados del agitado ritmo de vida que suponía grabar y las posteriores giras. Sería ya en 2003 cuándo el grupo decide volver a reunirse, con toda su formación original al completo, incluido Norum, y deciden apostar por un sonido mas pesado, abandonando definitivamente ese sonido glam metal que tan famosos les habían hecho.

     Esta segunda etapa es muy interesante y merece la pena darle una vuelta, pues tiene cosas realmente buenas y que merecen la pena, completamente diferente al grupo que casi todos conocemos y con el que mis amigos y yo iniciamos nuestras primeras incursiones dentro del rock.

El disco de la semana 25: Chris Stapleton - From a Room: Volume 1

From a Room: Volume 1

     Para la elección de esta semana nos vamos a Kentucky, Estados Unidos, lugar donde nació Chris Stapleton, ¿Y quién es Chris Stapleton?, pues aunque aquí nos suene poco o casi nada el bueno de Chris atesora un currículum impresionante cómo cantante y cómo compositor.

     Chris nace el 15 de abril de 1978 en la localidad de Lexington, Kentucky (Estados Unidos), de familia minera que se dedicaba al carbón, con 23 años decide mudarse a Nashville, Tennessee para dedicarse por entero a su gran pasión, escribir e interpretar su música.

Ya en 2007 Chris se convierte en el líder de la banda de Bluegrass (estilo musical derivado del country con raices musicales de Inglaterra, Iralanda y Escocia) The Steeldrivers, con la que edita dos discos antes de abandonar el grupo, The Steeldrivers en 2008 y Reckless en 2010, absolutamente recomendables los dos.

     Es en 2010 cuando funda una banda de rock sureño The Jompson Brothers, grupo con el que publica de forma independiente ese mismo año el disco titulado como el grupo The Jompson Brothers, grupo con el que estuvo realizando giras por todo el territorio nacional asiduamente hasta aproximadamente el año 2013, año en el que decide centrarse en su carrera en solitario, y con sudor y mucho trabajo se va haciendo hueco poco a poco en el difícil mundillo de la música.

     En 2013 coescribe el tema All-Nighter Comin junto a Vince Gill (reputado compositor y cantante de música country) y Al Anderson (Guitarrista y compositor que ha trabajado con gente como Bob Marley dentro de la formación The Wailers, Ben Harper o UB40 entre otros). Dicho tema ha aparecido en las bandas sonoras de varias películas, entre las que se encuentran Historias de San Valentín (2010) y Comanchería (2016).

      En 2015 publica su primer disco en solitario, llamado Traveller, del  que dijo se inspiró para realizarlo en un viaje por carretera que hizo después de la muerte de su padre y que su mujer Morgan, también cantante y compositora le ayudo a a la hora de elegir el material definitivo que saldría a la luz de este disco. Con este disco fue nominado a los Premios Grammy en la categoría de álbum del año country, ganando el premio de la Academia de Música Country en la categoría de Álbum del año y convirtiéndose además en el álbum más vendido en 2016 del cuál lleva vendidas ya unos dos millones de copias sólo en Estados Unidos.

     En mayo de 2017 publica su segundo disco, From a Room: volume 1, consiguiendo en un mes el disco de oro y convirtiendose además en el disco más vendido de ese año, y en diciembre publica su tercer trabajo From a Room: Volume 2 con el que continúa cosechando numerosos éxitos al igual que sus anteriores trabajos.

     Además de todo esto, por si no fuera poco, ha colaborado con multitud de artistas, entre los que se encuentran Justin Timberlake con el que ha coescrito tres temas para el álbum de estudio de éste Man of the Woods (2018), Ha compuesto  If it Hand't Been for Love, tema que popularizó Adele en 2011, y ha escrito temas con artistas como peter Frampton y Sheryl Crow.

     Un currículum impresionante para un artista que domina a la perfección los géneros  Country, blues, Bluegrass o Southern-Rock, como podréis comprobar en el disco eligido para esta semana: From a Room: Volume 1.

     From a Room: Volume 1 es un disco donde rock & roll, country y música de raíces americana se entrelazan para regalarnos 9 magníficos temas, donde Broken Halos abre la traca, un tema que compuso junto a Mike Henderson cuando los dos estaban en Steeldrivers, grabada en un día muy triste para Chris, pues la grabó el día que un amigo suyo fallecía de cáncer de páncreas. El debut  de este tema también sirvió para realizar un homenaje a las personas que por aquel entonces perdieron la vida en una serie de incendios que se produjeron en la localidad de Gatlinburg (Tennessee) y a todas las personas que lo perideron todo en aquel devastador incendio. Se marca una mágica versión del tema de Willie Nelson Last thing i needed, first thing this morning, en Second one to Know aparace el lado mas rockero de Chris demostrando que entre estilos se mueve como pez en el agua, ó Either way para mí la joya del disco y uno de los mejores temas de su carrera, donde acompañado de una simple guitarra nos regala una brillante balada, un tema que Chris había escrito 10 años antes y que fue grabada por primera vez  en 2008 por Lee Ann Womack (conocida cantautora country en Estados unidos) y que se decidió a rescatar y grabar para este disco motivado por su esposa, a la que este tema siempre le encantó y siempre quiso que lo tocara, menos mal que hizo caso a su esposa, menudo regalo para nuestros oídos.

     From a Room: volume 1 es un magnfico disco que invito a que esuchéis, y os animo a que descubráis y conozcaís a este gran artista no solo a través de su discografía en solitario, pues sus trabajos con The Steeldrivers y The Jompson Brothers también son enormes.

El disco de la semana 24: U2 - The Joshua Tree

The Joshua Three, U2

     16 de agosto de 1981, Slane Castle (Castillo de Slane), situado en la localidad de Slane, en el condado de Meath, provincia de Leinster (República de Irlanda). Éste castillo, por su situación, era ideal para la realización de conciertos, pues los jardines del mismo formaban un anfiteatro natural que era capaz de albergar hasta aproximadamente 100.000 personas. A lo largo de su historia, por aquel bello paraje han pasado artistas de la talla de Queen, The Rolling Stones, Bob Dylan, Bruce Springsteen, David Bowie, Neil Young, Madonna, Bryan Adams, Red Hot Chili  Peppers, Oasis, Bon Jovi o Guns & Roses, por nombrar sólo algunos, lo que nos da una idea de la magnitud de tal evento.

     Pero volvamos al 16 de agosto de 1981, justamente al primer año en que se comenzaron a organizar conciertos en el castillo, ese día iba a tocar un grupo de la tierra, el cuál por aquel entonces se encontraba en la cúspide de su carrera, en casa y ante unas 18.000 personas Thin Lizzy iba a darlo todo, como siempre, ante sus paisanos. Pero antes y para calentar el ambiente, habían traído también a otro grupo irlandés que  haría de telonero, un grupo llamado U2, que había sido fundado en 1976, y estaba compuesto por Bono (vocalista), The Edge (guitarra, teclado y voces), Adam Clayton (bajo) y Larry Mullen Jr (batería). En ese momento U2 contaba con 2 discos en su haber, y estaban luchando por hacerse un hueco en el difícil e imprevisible mundo de la música. U2 era un grupo que Phil Lynott conocía muy bien, y los había conocido cuando el grupo arrancaba en sus inicos y tocaba bajo otro nombre, The Hype. En 1977, U2 ya había compartido escenario con Lynott en un par de ocasiones. Y es que a Lynott le gustaba apoyar a jóvenes valores irlandeses.

     Pero aquellos chicos tenían claro que querían despegar, querían triunfar, y querían aprovechar esa puerta que tanto Thin Lizzy cómo Rory Gallagher y Van Morrison habían derribado para dar a conocer la música de raíces irlandesas y llevarla por todos los rincones de la tierra.  U2 cogió ese testigo, un testigo que traía consigo una carga muy pesada, pues la sombra de sus antecesores era muy larga. Bono, The Edge y compañía fueron y han sido capaces de llevar ese testigo y elevarlo a cotas inimaginables a las que nunca había llegado un grupo irlandés. Con todos ustedes, el quinto álbum de estudio de esta mítica banda, The Joshua Tree.

  The Joshua Tree (El árbol de Josué) es el quinto álbum de estudio de la banda irlandesa y fue publicado a comienzos de 1987. El grupo se desplazó al Parque nacional de Árboles de Josué, situado en California (Estados Unidos), lugar del que tomarían el nombre del disco y donde además tomaron varias fotos para el disco, de entre las que destaca la de la portada del álbum. El trabajo fotográfico para el disco sería completado en el pueblo fantasma Bodie, también en California y en el Parque Nacional del Valle de la Muerte, ubicado entre California y Nevada. El viaje por Estados Unidos fue aprovechado por el grupo para explorar y sumergirse en las músicas estadounidenses, lo cuál quedaría plasmado en el sonido de The Joshua Tree. El disco además es uno de los trabajos más comprometidos del grupo en los aspectos político y social.


     Una vez presentado el disco, nos adentramos en sus temas y el primero que nos encontramos es Where the Streets No Name (dónde las calles no tienen nombre). Mucha gente pensó que este tema hacía alusión a un viaje que hizo Bono para visitar Etiopía despues de actuar en Live Aid en 1985, pero no, no hablaba de Etiopía, lo estaba haciendo de Irlanda donde las calles de muchas ciudades están divididas en ricas o  pobres y en católicas o protestantes, sabiendo entonces la calle donde vive una persona se pueden saber sobre ella religión, riqueza y creencias, es donde las calles no tienen nombre. Según Brian Eno, que produjo el disco junto a Daniel Lanois, la grabación de este tema ocupó el 40% del tiempo empleado en la grabación del disco debido a la complejidad del tema, la sección rítmica tenía compases raros, lo que hizo muy difícil trabajarlo.

     I Still Haven't Found What I'm Looking For, tema influenciado por la música gospel, es un tema de corte espiritual donde la duda entra en conflicto con la fe. La música fue compuesta por The Edge y Bono se ocupó de componer la letra del tema. Este tema llegó al número 1 de las listas en Estados Unidos y al número 6 en las listas del Reino Unido.

     With or Without You, en un principio este tema fue compuesto como parte de una trilogía de temas, pero al final los otros dos temas fueron descartados y aunque Bono pensó que sin los otros dos temas este no tenía sentido acabaron incluyéndolo. Es un tema compuesto por Bono, una canción de amor que trata de los problemas reales de las relaciones. Para la grabación de este tema The Edge utilizó un dispositivo de distorsión que había sido inventado por Michael Brook (guitarrista, inventor, productor y compositor de música de cine canadiense).

     Bullet the Blue Sky, en 1985 Bono había viajado con Amnistía Internacional a América Central, concretamente a El Salvador, y allí se quedó con unos guerrilleros en medio de las montañas. Decide entonces escribir la letra del tema, componiendo la música The Edge, Larry y Adam, un tema que condena la política exterior de Estados Unidos por promover la violencia y los disturbios en Centroamérica.

     Running to Stand Still, es un tema que habla sobre la adicción a la heroína, y para escribirlo Bono se inspiró en una historia que leyó sobre un hombre que traficaba con heroína para costearse su hábito a la misma. Aunque U2 se han mantenido apartados de las drogas, han conocido durante su carrera a mucha gente que ha caído en sus redes. Este es un tema que hace que Bono recuerde a Phil Lynnott, el cuál falleció por sobredosis de heroína en 1986, y en una entrevista comentó que el y Phil estuvieron viviendo en la misma calle durante unos dos años y siempre que se cruzaban Phil siempre le decía ¿Por qué no vienes a cenar? y él siempre le contestaba "Debería venir a tomar un bocado", y al final Bono no le llamó nunca y Phil a él tampoco, un recuerdo que siempre le ronda la cabeza.

     Red Hill mining Town, trata de la huelga de mineros que hubo en Reino Unido en 1984 debido a la política de Margaret Thatcher de cerrar las minas que no consideraba rentables y el impacto que dicha huelga tuvo en los amigos y las familias de los mineros. Este tema fue eliminado de la lista de la gira del disco al descubrir en los ensayos que Bono no podía cantar las notas altas del tema de forma constante, y no se realizaría en directo hasta el 30 aniversario de la apertura de la gira The Joshua Tree en mayo de 2017 en Vancouver (Canadá).

     In God's Country, otro tema que explora dentro de los sonidos y cultura americanas, adentrándose en la cultura y política de dicho país. A Bono le preocupaba que el sueño americano estuviera en peligro por culpa de las políticas oscuras de Estados Unidos. Para la letra del tema Bono se inspiró en la Estatua de la Libertad de Nueva York.

     Trip Through Your Wires, es un tema que trata sobre una chica y la pasión que esta provoca en un chico.

     One Tree Hill, es un tema dedicado a la figura de Greg Carroll, maorí de Nueva Zelanda que fue contratado por la banda como asistente cuando el grupo estuvo allí en 1984 relizando la gira The Unforgettable Fire. Greg era una persona con una personalidad y una ética de trabajo intachables. Desgraciadamente falleció en 1986 en Dublín al ser atropellado por un coche cuando se dirigía en la motocicleta de Bono a realizar un recado para el grupo. Además de este tema el álbum The Joshua Tree está dedicado al completo a Greg Carroll.

     Exit, la letra de este tema habla de un hombre muy religioso que sucumbe a oscuros impulsos y se convierte en un hombre muy peligroso. Para este tema Bono se inspiró en los libros The Executioner's Song de Norman Mailer y en In Cool Blood de Truman Capote, ambos tratan de famosos asesinos y Bono quería escribir una historia sobre un asesino y sobre lo que le rondaba por su mente. En 1989 la actriz estadounidense Rebecca Schaeffer fue asesinada por Robert John bardo después de haber estado acosándola durante unos tres años. Bardo declaró durante el juicio que el tema Exit le había dado la idea de la misión que tenía encomendada para acabar con la vida de la actriz.

     Mothers of the Disappeared, tema que surgió también a raíz del viaje a El Salvador de Bono. Allí, en San Salvador Bono se reunió con un grupo de madres llamadas "Madres de los desaparecidos", un grupo de madres que habían sufrido el secuestro de sus hijos durante la noche a cargo de los escuadrones de la muerte. Unas madres que vivían con la angustia de no saber si sus hijos estaban vivos o muertos.

     The Joshua Tree ha vendido hasta la fecha alrededor de 28 millones de copias por todo el mundo, y en 2003 la revista Rolling Stone le situó en el puesto número 27 de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Un disco además muy reivindicativo con una gran carga política y social. U2, un grupo que ha sabido coger el testigo de Lynott, Gallagher y Morrison y llevar a lo más alto el nombre de Irlanda a través de su música por todo el mundo.

 

El disco de la semana 23: Stevie Wonder - Talking Book

"Estoy buscando un disco para mi hija, es para su cumpleaños, I just called to say I love you, ¿lo tenéis?"

Así comienza una escena memorable de la película "Alta Fidelidad", un padre de aspecto conservador, vestido con corbata, traje y gabardina entra en la tienda de discos del protagonista y pregunta a  uno de los trabajadores de la tienda, el descontrolado freaky de la música interpretado por Jack Black, que contesta: "Sí, lo tenemos"

"Genial, ¿puedes dármelo? contesta el ilusionado padre, que seguramente había buscado antes en otros sitios sin éxito y que parece un poco perdido en el mundillo de los discos.

"No, no puedo", contesta sorprendentemente Jack Black.

"¿Por qué?" contesta a su vez el padre, que pasa rápidamente de ilusionado a sorprendido.

"Porque es una horterada sentimentaloide y da pena, ¿cree que en esta clase de tienda venderíamos algo así? ¡Dese el piro!"

"¿Pero qué te pasa?" protesta el padre, sin tiempo para decir más porque en ese momento Jack Black estalla:

"¿Conoce bien a su hija? ¡Es imposible que le guste esa canción!. ¿Ha estado usted en coma?"

Sin estar totalmente de acuerdo con la animadversión del personaje hacia "I just called to say I love you", si que coincido en que el mundo parece haber estado en coma selectivo durante el período de los 70 en el que Stevie Wonder realizó varios discos míticos, entre ellos el "Talking Book" de esta reseña. De otra manera no se explica que las radio fórmulas recurran siempre a la amorosa llamada de teléfono de Stevie en los 80, olvidando  canciones del calibre de "You are the sunshine of my life", "I believe" o por supuesto "Superstition" (esta quizá algo más recordada en radios más puristas en los momentos en los que el coma selectivo tiene remisiones o leves signos de esperanza en la recuperación).


Talking Book se publicó en Octubre de 1972, el segundo de una serie de discos de lo que se conoce como el período clásico de Stevie Wonder, en el que se incluyen también discos de la talla de Innervisions o Songs in the key of life. Stevie ya era una estrella de la Motown, y en contra de las clásicas y férreas directrices de control que la caracterizaban, se le dió total libertad artística para desarrollar su idea sobre como quería que sonaran las canciones.

Decidió que el peso del ritmo de las canciones lo llevarían sus interpretaciones de sintetizadores y teclados, especialmente a través del uso del Hohner Clavinet en algunos temas, que dió empaque y unidad sonora al disco, además de dotarlo de un marcado sabor funky. El distintivo sonido del disco lo consiguió además sustituyendo los arreglos tradicionales de orquesta por infinitas capas de sintetizadores, tocados por el propio Wonder.

 El álbum arranca con “You Are The Sunshine Of My Life”, uno de los temas de más éxito, en el que además del teclado de Wonder destaca una inspirada percusión.

El tono cambia después hacia el funky con tintes rock de “Maybe Your Baby”, o al piano intimista de "You and I". Por supuesto no se puede olvidar la mención a “Superstition”, cumbre absoluta del disco y probablemente de su carrera, canción de brillante ritmo funk ante el que es imposible quedarse quieto. Su ritmo de teclado es ya histórico e imperecedero, a la altura del mejor de los "riffs" de las canciones rockeras que todos recordamos.

Pero sería injusto quedarse solo con esta canción, teniendo el disco temas de exuberantes arreglos como "Big Brother" o rutilantes baladas de la calidad de “Lookin’ For Another Pure Love” (con la colaboración de Jeff Beck en el solo de guitarra).

El disco cierra como empezó, a lo grande y con otro de los temas bandera de esta colección de hits, la brillante y atmosférica “I Believe (When I Fall In Love It Will Be Forever)”, en castellano "Creo que cuando me enamore será para siempre".

Que así sea, Stevie. Pero cuando lo hagas, recuerda no decirle a nadie que la llamaste para decirle que la quieres. El mundo podría entrar en coma, y olvidarse de este y otros grandes discos que nos regalaste, para no despertar jamás de ese letargo intrascendente. Y ahora ya no hay tiendas de discos ni dependientes mal encarados que puedan despertarnos y decirnos que nos demos el piro cuando llevemos el rumbo errado.

El disco de la semana 22: Red Hot Chili Peppers - Blood Sugar Sex Magik

Blood Sugar Sex Magik

     Blood Sugar Sex Magik es sin duda, si no el mejor, uno de los mejores discos que el grupo californiano Red Hot Chili Peppers sacó a la luz. Red Hot Chili Peppers se forma en 1983, en 1988 llevan ya tres discos editados, y ese año el grupo se lleva un durísimo golpe tras la muerte del guitarrista Hillel Slovak, hecho por el que el batería Jack Irons decide abandonar la banda. Este hecho provocó que Anthony Kiedis, cantante y guitarra del grupo se fuera a Mexico a desintoxicarse de su adicción a las drogas. Posteriormente Kiedis y Michael "Flea" Balzary, bajista del grupo deciden seguir adelante y acaban fichando a John Frusciante como guitarrista principal y a Chad Smith como batería.

     Esta formación en 1989 edita el cuarto álbum de la banda, Mother's Milk del cuál venden la nada despreciable cantidad de casi 3 millones de copias en todo el mundo. Animados por este hecho en 1991 sacan el quinto trabajo de la formación, donde se atreven a ir más allá y aparte de los ritmos punk, rock o funk que estaban acostumbrados a tocar y deciden meter también riffs más duros, coqueteando también con el Heavy metal. Un disco que no deja indiferente pues la tematica que emplearon en los temas fueron el sexo, las drogas, la muerte o la lujuria.

Un álbum que les catapultó al super estrellato mundial, vendiendo sólo en Estados Unidos más de 7 millones de copias. El disco fue editado por la discográfica Warner Bros, y para tal aventura contaron con el productor Rick Rubin, el cual habia trabajado entre otros para Beastie Boys, un tipo de mente abierta, algo que iba a necesitar para trabajar con Kiedis, Flea y compañía.

     El grupo quería grabar un álbum diferente, algo que se saliera de lo convencional, y para ello decidieron encerrarse en una mansión en la que vivió un tiempo el mago Harry Houdini y acordaron que no saldrían hasta que el disco estuviera terminado, Pero el batería Chad se negó a quedarse en la mansión pues según el ésta estaba embrujada, por lo que acordaron que los demás si se quedarían y Chad podría salir de la misma para irse a dormir y volver siempre por las mañanas.

     El resultado fueron 17 temas  de los cuáles abría el disco The Power of Equality, tema en el que hablan del racismo y la desigualdad, y donde hacen un guiño al grupo de rap Public Enemy

     If You Have To Ask, tema que escribieron con una letra que no tenía sentido, y que fue prohibido emitir en las emisoras de radio en Estados Unidos. El tema contiene un solo de guitarra con Wah Wah de John Frusciante que esta considerado como uno de los mejores solos de wah wah de la historia por la recista Guitar World, posicionandolo en decimoquinto lugar.

     Breaking the Girl, es uno de los temas más melódicos del disco, compuesto por Kiedis donde habla de sus constantes aventuras amorosas las cuales son cortas, por lo que temía acabar como su padre, siendo un mujeriego y no encontrar relaciones a largo plazo que merecieran la pena.

     Funky Monks, tema con una base funky donde meten riffs de guitarras muy contundentes. También da título al documental que la banda grabó en la mansión donde estuvieron trabajando para grabar el disco.

     Suck My Kiss, tema que habla de un hombre que está tan enamorado de su pareja que hara cualquier cosa por ella. El tema contiene una propuestas sexuales subidas de tono, pero Kiedis siempre defendió que estas propuestas no pretendían ser ni mucho menos groseras y si positivas y cariñosas.

     I Could Have Lied, el tema fue compuesto por Kiedis tras haber sido abandonado por Sinead O'Connor, y habla sobre la mentira y el engaño, que fue lo que provocó al parecer la ruptura, aunque sobre esto Sinead siempre mantuvo que ellos sólo salieron un par de veces y que no soportaba la música de Red Hot Chili Peppers ya que no los entendía.
Para la música del tema se inspiraron en el famoso tema de Bob Dylan que tan famoso hizo Jimi Hendrix All Along The Watchtower.

     Mellowship Slinky In B-Major, tema donde Kiedis se dedica a citar simplemente cosas que a el le gustan como bandas de punk, escritores como Twain o Capote, artistas como Hendrix o actores como De Niro. También acaba citando como una de sus cosas favoritas el Clítoris, dejando claro que si queŕian salirse de lo convencional lo consiguieron. Curiosamente el tema no está compuesto en B mayor.

     The Righteous & The Wicked, tema donde hablan de los males que estan acabando con el planeta y la humanidad y acaba pidiendo ayuda a su héroe Marvin Gaye, todavía tienen esperanzas y por eso tocan.

     Give It Away, uno de los mayores exitos de la banda y que curiosamente al principio las radios se negaron a emitir argumentando que carecía de melodía. La música la compusieron Flea y Frusciante durante una Jam Session, y luego Kiedis le añadió la letra en la que habla del altruismo y la generosidad y una experiencia que tuvo con otra de sus ex novias, Nina Hagen. Nina tenía una chaqueta que a Kiedis le gustaba y esta se la regaló, algo que no pasó desapercibido para Kiedis y que quiso reflejar en este tema.

     Blood Sugar Sex Magik, tema que da título al disco, donde vuelven a estar presentes las letras de contenido sexual, donde según ellos lo hacen aquí de una forma metafórica y espiritual.

     Under The Bridge, una de las joyas del disco y de la banda. Kiedis había estado escribiendo un poema donde hablaba de la angustia y los pensamientos autodestructivos tenía como resultado de su adicción a la heroína y las anfetaminas, casualmente el productor Rubin se encontró con este poema animó a Kiedis a que se lo enseñara al resto de la banda, pero este pensaba que la letra era demasiado blanda y que no pegaba con el estilo del grupo. Finalmente se animó y se lo mostró al grupo, y a partir de entonces Kiedis y Frusciante se pusieron a darle forma. Así se gestó esta auténtica maravilla.

     Naked In The Rain, donde Kiedis nos habla de su aversión al género humano: "La gente fría y ofensiva me dan escalofríos", y por contra ensalza al mundo animal: "Nunca encontré un animal que no me gustara"

     Apache Rose Peacock, tema donde Kiedis nos relata sus experiencias en Nueva Orleans y sus coqueteos con las chicas, las drogas y la fiesta.

     The Greeting Song, tema que Kiedis acabó escribiendo ante la insistencia del productor Rubin, donde trata de temas como las chicas y los coches, un tema quye a Kiedis nunca le gustó pues trataba de temas demasiado frívolos que no le llenaban ni aportaban nada.

     My Lovely Man, tema que se compuso como tributo al guitarrista Hillel Slovak, el cuál murió en 1988 de sobredosis siendo sustituido por Frusciante.

     Sir Psycho Monkey, tema con muchas connotaciones sexuales, trata de un personaje ficticio llamado Sir Psycho Sexy y sus historias sobre sus raros y extraños encuentros sexuales.

    They're Red Hot, cañera versión de poco más de un minuto del tema del mítico bluesman Robert Johnson.   

     Blood Sugar Sex Magik es en definitiva un disco que se sale de la norma, querían salirse de lo convencional y lo consiguieron sobradamente, donde se atreven a fliltear con una naturalidad pasmosa con temas como el sexo, las drogas o la muerte, y donde juegan con maestría con ritmos como el punk, el rock, el metal ó el funk.
Blood Sugar Sex Magik es en definitiva un disco con mayúsculas.

La música en historias: El largo camino de Free Bird

Lynyrd Skynyrd

     

     Me atrevería a aventurar que el tema Free Bird, compuesto por el grupo de Rock sureño Lynyrd Skynyrd, es uno de los temas que más tardaron en componerse. Compuesta en 1970, fue sufriendo continuos retoques hasta el año 1976, quedando como actualmente la conocemos.

     La idea original del tema surge del guitarrista Allen Collins, que al enseñársela por primera vez a Ronnie Van Zant (Vocalista y líder de la banda) este le dijo que tenía demasiada letra, y no le convenció ese primer esbozo.

     Posteriormente a Van Zant se le ocurrió  una idea para la melodía y se puso  manos a la obra con Collins. Era el comienzo de Free Bird.

     El tema, que se graba por primera vez en 1970, y que originalmente no tiene la introducción de piano, lo toca la banda por primera vez en la boda de uno de sus miembros, Allen Collins ese mismo año.

     Por aquel entonces, un muchacho llamado Billy Powell, encuentra trabajo como roadie en los conciertos de la banda. Billy había estudiado teoría de la música y tocaba el piano. En 1972, durante la preparación de uno de esos conciertos, después de preparar los equipos, Billy se sentó al piano y comenzó a tocar su propia versión de Free Bird, con una intro de piano. Casualmente Ronnie Van Zant le observa, y tras quedar prendado, automáticamente le invita a unirse a la banda, siendo además esa pieza musical la famosa introducción que abre el tema. El resultado es la grabación de Free Bird para el álbum "Pronounced 'leh - 'nerd 'skin - nerd", disco que sale a la luz en 1973, siendo esta quizás la versión más conocida por todos.

     Entre los años 1973 y 1976 se fueron alargando partes, durando el solo de piano el doble y extendiendo más el solo final del tema.

     Tras el accidente de la banda en 1977, el tema lo tocaban de forma instrumental, sin voces, hecho que duraría hasta el año 1989, cuando Johnny Van Zant (hermano de Ronnie y sustituto de este) la cantó por primera vez en directo.

     Lynyrd Skynyrd eran grandes seguidores de la banda The Allman Brothers y de los hermanos Greg y Duane Allman, a los que seguían tiempo atrás, cuando antes de ser Allman Brothers tenían una banda llamada The Allman Joys. Tras la muerte de Duane Allman en 1971 en un accidente de motocicleta, Lynyrd Skynyrd decidieron honrar su memoria y decidieron que "Free Bird" sería un tema dedicado a el.

     Free Bird es para mí un tema especial, guisado a fuego lento, dejándolo madurar, hecho con mucho amor y mucho sentimiento, que tiene uno de los mejores duelos de guitarras de la historia, y que rinde homenaje a otro grande, como fue Duane Allman.

     Por todo lo que representa, para mí es una auténtica obra maestra, además de ser el nexo de unión de dos grandes bandas con trágicos paralelismos: Lynyrd Skynyrd y The Allman Brothers.

    Vuela libre como un pájaro, Duane.............

    

El disco de la semana 21: Grandes exitos, Frank Sinatra

Nos encontramos en esta ocasión con uno de los artistas más importantes del siglo XX, nacido como Francis Albert Sinatra, más conocido como Frank Sinatra y apodado y mundialmente conocido como “La voz”. Hijo de un matrimonio de emigrantes italianos que viajó a América en busca de una vida mejor. El 'sueño americano' se materializó en su hijo, quien, pese a sus humildes orígenes, logró alcanzar el firmamento de Hollywood. A pesar de que cantó durante varios años, hizo su debut en 1935, la incorporación de la banda de jazz Hoboken Four. Esto confirma la primera prueba de su voluntad de vivir de la canción y se encontrará una serie de compromisos en orquestas profesionales (la orquesta de Tommy Dorsey, la trompeta de Harry James), 1942 o hasta que decide ir en solitario. Hizo sus primeros pasos ante las cámaras en el musical "Reveille Beverly". Observado por Columbia Records, que firmó un acuerdo que ahorrar cerca de trescientos títulos hasta 1952. Frank Sinatra es uno de los principales actores de Hollywood, dividida entre la filmación de películas, discos y grabar programas de TV, Frank Sinatra fue el artista que deja su huella en la vida cultural americana. Sus interpretaciones de "Strangers in the Night" o "My Way" de la cantante son el número uno y le valió el apodo de "La Voz". En 1994 dio su último concierto antes de tomar un retiro a corto después de una carrera ocupada. Murió de mayo 14 de 1998, pero siguen brillando en el firmamento de estrellas

My Way
Hace 50 años en 1969, Frank Sinatra colocaba un tema más en Estados Unidos en el número uno de las listas musicales, y aquel acontecimiento se vivió como algo cotidiano en una sociedad totalmente entregada a su música y su forma de cantar, pero pasados los años, las circunstancias que han rodeado su vida, la letra de la canción, han convertido a este tema sin ni ningún lugar a dudas en la canción más representativa del cantante Americano. My Way es una canción original francesa en la que Claude François se lamentaba de la ruptura sentimental con la cantante France Gall, y de la que Paul Anka aprovecha la música cambiando completamente la letra. Esta letra es un prodigio de cómo se puede sintetizar en cuatro minutos toda una filosofía de vida. Según se va acercando su final el cantante echa un vistazo atrás y ve lo que ha sido y hecho:  Ha cometido errores, pero no se arrepiente “Arrepentimientos, he tenido unos pocos, pero también, demasiado pocos para mencionarlos. Hice lo que tenía que hacer”, ha vivido según ha podido sin renunciar a nada, sin dejar nada en el tintero “Planeé cada ruta, cada cuidadoso paso a lo largo del camino. Y más, mucho más que esto, lo hice a mi manera..” y se la jugó sobre todo se la jugó, pero fue a por todas sin renunciar a nada   “Sí, hubo veces, estoy seguro de que lo sabías, en las que mordí  más de lo que  podía masticar. Pero después de todo, cuando hubo duda, me lo comí todo y luego lo escupí. Me enfrenté a todo y me mantuve recto” .. pero nada es fácil, y en ese camino ha tenido momentos para el amor y el triunfo, pero también para flaquear, para la tristeza, para el dolor, incluso para llorar, pero ahí ha estado… “He amado, he reído y llorado. Estuve harto, mi parte de fracaso. Y ahora, que las lágrimas ceden, encuentro que todo aquello fue tan entretenido…..” ….. y todo esto saben como lo hizo….. A SU MANERA. Para mi uno de los temas mas brillantes de la historia.


I've got you under my skin.
Y aquí tenemos un tema que representa con medio acorde de la canción aquellos años 50 de bandas musicales y bailes con los que la juventud pasaba el tiempo libre, la sensualidad que lleva impresa este tema es casi única, la orquestación es una brutalidad con unos instrumentos de viento que enamoran ellos solos y la forma que tiene de cantarla con su increíble cadencia que acompaña al trombón de Milt Bernhart.
Este tema es una composición de Cole Porter y ha sido cantada por multitud de artistas, desde Ella Fitzgerald hasta el mismísimo Rod Steward, es casi una canción de propiedad común donde cada artista trata de llevarla a su estado, pero para mí, nadie como Frank Sinatra ha sabido darle la personalidad que ha quedado grabada en todos nosotros. La letra nos habla de una relación entre dos personas, y ambos saben que no va a terminar bien, pero s entregan y van hacia adelante, porque llevan el amor bajo la piel y están dispuestos a llegar hasta el final.

New York, New York
Y si hablábamos en el primer tema del disco de una canción que representa a Frank Sinatra, que podemos decir de esta, otra de las maravillas que nada mas oír los primeros acordes la cabeza se nos va de nuevo a la figura de “La voz”. Compuesta originalmente para la película de Martin Scorsese del mismo título y cantada en la película por la actriz Liza Minelli, tanto la canción como la película, pasó sin pena ni gloria en aquel año 1977, hasta que tres años después Frank Sinatra le dio un toque distinto, más optimista, más ambicioso y se convirtió en la canción más representativa de la capital del mundo, sin ir más lejos, la misma imagen del autor está asociada al artista aunque más de la mitad de su vida la pasó en Los Ángeles.


Stranger in the night
Esto es un sinvivir, aquí tenemos otra canción que nada mas escucharla se viene a la cabeza a Frank Sinatra,Es curioso que la canción más famosa de Sinatra sea un nido de víboras. Para empezar, Sinatra no la quería cantar, enfrascado en pleno 'affair' con Mia Farrow, a pocos meses de la boda
luego la utilizó como marcha nupcial—. Frankie decía que era una «mierda» de melodía, una de las peores canciones que había oído en su vida. Para colmo, detrás del tema había un monumental lío. La historia de "Strangers In The Night" es una historia de dos personas que comparten un momento de contacto visual fugaz pero significativo, un momento que los lleva a enamorarse antes del final de la noche.


Fly me to the moon
La canción fue escrita originalmente por Bart Howard en 1954 y fue titulada como "En otras palabras" y fue introducida en el circuito de cabaret. En 1962, el compositor Joe Harnell revivió la canción, dándole un arreglo de bossa nova que tuvo un gran éxito, pero nosotros nos quedamos con la última versión, la que se grabó el 9 de junio de 1964, con un arreglo sensacional de Quincy Jones, cuando se trataba de un disco de homenaje a la orquesta de Count Basie. Su importancia histórica se catapultó cuando fue la canción que utilizaron los astronautas en el Apolo 11 cuando llegaron a la Luna, el 20 de julio de 1969


L.A. Is my Lady
Nos encontramos en el cenit de la carrera de Frank Sinatra, los dorados años 50 y 60 habían pasado y había irrumpido con fuerza otros estilos musicales que borraban de las listas de éxitos los sencillos del autor, de hecho los dos discos sacado anteriormente al LP que contenía este tema fueron una absoluto desastre, por lo que trato de volver al pasado y recuperar a Quincy Jones (conviene no olvidar que en esos momentos era el capitán de la carrera del mismísimo Michael Jackson), que tan buen resultado había tenido con él. Y verdaderamente los toques de la orquesta y el estilo swing le dio resultado, L.A. is my lady consigue un estilo muy moderno, acorde con la década de los ochenta, que terminó, esta vez sí, por cuajar perfectamente entre el público actual, canción compuesta por mismísimo Quincy Jones, conecto rápidamente con la sociedad de aquel año, y es que desde los primeros segundo nos traslada a la música de la Motown y vemos un estilo completamente distinto sin renunciar a su peculiar voz.

Come fly with me
Un tema de los años 50, donde un joven Frank Sinatra da una autentica lección vocal, con un acompañamiento musical donde destacan los instrumentos de viento. Incrustada en un disco que lleva el mismo titulo que este tema y que esta dedicado a los viajes,  pero no solo en lo que nos cuenta en las letras, sino que encontramos el crescendo de los violines que imitan el despegue y en el viento haciendo un sonido que emula el de los reactores de un avión. nos encontramos con una canción compuesta especialmente para él, donde disfrutamos desde el primer minuto de una elegancia absoluta hasta ese final, cuando después de decir "angels cheer,'cause we're together..." y el chasquido de los dedos de Sinatra, la canción se encamina hacia una conclusión con un Sinatra espectacular hasta ese culminante y sensacional "Pack up, let's fly away!". Toda una invitación irresistible


Luck Be a Lady
Una canción escrita por Frank Loesser1 en 1950 e interpretada por Robert Alda en el musical Guys
and Dolls , estrenado el 8 de enero de 1951. La letra de la canción está desarrollada desde el punto de vista de un jugador, Sky Masterson, que espera ganar una apuesta, cuyo resultado decidirá si es capaz de salvar su relación con la chica de sus sueños. Es la canción por excelencia de una noche de casino y de "black jack". A lo largo de la canción Frank simula que está jugando al famoso juego en el que se tiran un par de dados.


The Lady is a tramp.
Y del juego, pasamos a las trampas… encontramos este tema en la película de George Sidney, Pal Joey, portagonizada por el mismo Frank Sinatra y la increíble Rita Hayworth, y es sin duda el momento mas recordado de la película cuando Sinatra se pone a cantarla. Tremendo swing el de la orquesta aquí, como tremendo el fraseo, el tempo contenido de Frank. El acierto de Sinatra en este tema, es la contención. Como en tantas otras canciones. En la parte final de "The lady..." tenemos al mejor Frank de los cincuenta, exultante, pletórico, juguetón con la letra y la entonación


I get  kick out of you
Terminamos con un clásico de Cole Porter, estamos ante uno de los mejores estándar de Swing, y que Frank Sinatra supo adaptarla magníficamente a su ya famoso "fraseo". En el LP Frank canta una estrofa que dice: "A algunos les va la cocaína pero a mí me aburre. A mí sólo me excitas tú". En el vídeo de los cincuenta, debido a la censura, Frank cambia la letra y dice: "A algunos les gusta el perfume de España"...después sonríe y exclama "puaghh Spain!". Todavía guardaba en su mente el pasaje de la Gardner. En esa época España no le gustaba nada. Frank tenía sus razones: Ava Gardner le dejó por el torero Mario Cabré y, más tarde, se lió con Luis Miguel Dominguín (padre de Miguel Bosé). Además Franco le prohibió la entrada a España por ser persona non grata en nuestro país. Ya podía decir Frank eso de ¡puaj! al nombrar "Spain".