La música en historias: Meddle - Pink Floyd #MesPinkFloyd

 

Meddle, Pink Floyd

     El sexto álbum de estudio de Pink Floyd, Meddle, sería el que confirmaría el cambio de dirección del grupo hacia los designios del rock progresivo. David Gilmour, Roger Waters, Richard Wright y Nick Mason dejan de lado los sonidos orquestales que tanto protagonismo habían tenido en Atom Heart Mother para dar paso a las improvisaciones y la experimentación en el estudio.

Así nace Meddle, grabado entre enero y agosto de 1971 en varios estudios de grabción de londres, entre los que se encuentran los Abbey Road Studios. En cuanto a composición del material, este disco muestra un esfuerzo de todo el grupo a la hora de aportar, si bien en posteriores discos sería Roger Waters el que asumiría la mayoría de la responsabilidad a la hora de escribir las letras. El disco fue publicado, bajo el sello discográfico Harvest el 31 de octubre de 1971 en Estados Unidos, y el 13 de noviembre de 1971 en Reino Unido. Para concebir Meddle, el grupo no tenía ningún tema central en el que apoyarse para el proyecto, por lo que decidieron usar varios experimentos en un intento de estimular el proceso creativo. El disco se grabó a ratos entre las multiples obligaciones de la banda, por lo cual la produción delmismo se alargó mucho. A pesar de las buenas reseñas por parte de la crítica musical del momento y de conseguir muy buenas cifras en Reino Unido, la pésima publicidad por parte de la distribuidora en Estados Unidos condenó al fracaso de este excelente álbum en dicho país. 

El resultado: un trabajo bastante más cohesionado que su anterior álbum, Atom Heart Mother, que comienza con el intstrumental One of These Days, tema que abre la cara A. Acreditado a los 4 componentes, se construyó alrededor de un riff de bajo que Roger Waters tocó en una unidad de eco. En aquel tiempo el grupo se había interesado por los compositores minimalistas que estaban experimentando con patrones electrónicos, lo cual aplicaron en este tema. La única voz que se escucha en el tema: "One of these days i'm gonna cut you up into little pieces" (Uno de estos días te cortare en pedacitos), fue grabada por el baterista Nick Mason y se deformó digitalmente para darle un sonido más maligno. Pocos segundos antes de esta única frase se puede escuchar de fondo la melodía de cabecera de la famosa serie británica Doctor Who. Según el propio David Gilmour esta fue una de las canciones donde más colaboraron y participaron todos los componentes del grupo. Le sigue A Pillow of Winds, una de las pocas canciones lentas de amor y acústicas que tiene el grupo en toda su discografía. Acreditada a Gilmour y Waters, el nombre proviene del juego del Mahjong, al cual la banda se había enganchado durante las giras. La canción trata sobre la paz y la tranquilidad, y más concretamente del amor, detallando las 3 partes del sueño, donde la primera es el proceso de irse a la cama, el segundo es el proceso de soñar, y el tercero el despertar por la mañana. Fearless, acreditada a Gilmour y Waters, tema lento y acústico con el sonido de una guitarra afinada a la española. En la canción podemos escuchar el mítico I'll Never Walk Alone, compuesto por Rodgers y Hammerstein, grabado a pie de campo por los aficionados durante un partido de fútbol, concretamente los del Liverpool, quienes usan este tema como himno de su equipo. San Tropez, escrito por Roger Waters, quien una vez acabado lo llevó al estudio, siendo el único de este disco donde el  resto del grupo no colaboró en la concepción del mismo. La naturaleza tranquila y pacífica del tema se basó en un viaje de la banda con sus parejas  la isla de San Tropez, donde pudieron disfrutar de dicha paz y tranquilidad. Cierra a cara A Seamus, acreditado a los 4 componentes, hace referencia al nombre de un perro, concretamente el de Steve Marriot, voalista de Humble Pie y Small Faces, y que David Gilmour estaba cuidando en ese momento. Seamus cada vez que escuchaba música o escuchaba el sonido de una guitarra se ponía a ladra y aullar. De ahí que en la canción podamos escuchar entremezclados la voz de Gilmour con los aullidos del perro de Marriot.

La cara B está cubierta por un único tema, Echoes, una obra maestra de 23 minutos de duración, descrita por Waters como un "poema sónico". El tema pone de manifiesto el talento de Gilmour a la guitarra, de Mason a la Batería y de Wright con el órgano Hammond. Está considerado como la composición más ambiciosa de la banda, pues incluye largos pasajes instrumentales, efectos de sonido e improvisaciones, siendo además, con sus 23:30 minutos de duración, el tercer tema más largo de la banda tras Shine on You Crazy Diamond (26:11) y Atom Heart Mother (23:44) . Acreditada a Wright, Mason, Gilmour y Waters, la canción se gestó a partir de los shows en vivo de la banda. Pink Floyd presentó una nueva pieza musical en la fiesta en el Crystal Palace Garden de Londres, titulada Return of the Sun of Nothing. La canción era según la banda una parodia sobre los comics y sobre Godzilla. Esta canción acabaría conviriténdose seis meses despues en Echoes, siendo además un homenaje al compositor minimalista Terry Riley. Sobre la temática de la canción, Waters afirmó al escibir la letra que estaba tratando de captar y describir el potencial que tienen los seres humanos para reconocer la humanidad de los demás y responder a ella con empatía en lugar de antipatía. En cuanto a la música, la banda tuvo la idea cuando Wright tocó una sola nota en su teclado y a Roger Waters se le ocurrió grabarla en un micrófono conectado a un altavoz Leslie, lo que creó un efecto de remolino.

0348 - Aretha Franklin - Drown in my own tears

0348 Aretha Franklin - Drown in my own tears

En la década de los cincuenta, Ray Charles obtiene importantes éxitos, entre los que destacan Drown in My Own Tears, entre otros grandes exitos del cantante This Little Girl of Mine, Hallelujah I Love Her So, Lonely Avenue, y The Right Time.

Pero nos centraremos en una versión de la canción Drown in my own tears la cual junto a otras canciones se popularizaron en la década de los años 50 por su autor Ray Charles, pero en particular Drown in my own tears volverá a tomara relevancia en 1967 con una versión de la famosa cantante Aretha Franklin quien la grabaría. Y más adelante otra versión la haría popular nuevamente pero ya con la cantante Etta James.

Pero nos centraremos en la versión de Aretha Franklin de la década de los 60, la melodía principal está interpretada por un piano, acompañado de únicamente de una batería y una sección de viento metal que aparece en determinados momentos antes del estribillo; para dar paso a unos potentes coros. 

En el tema se respira ese sonido misterioso del propio Ray Charles, y ello da cuenta de que es indiscutiblemente una canción con el estilo y el sonido del gran Ray Charles. pero Aretha Franklin en su versión le pone la majestuosidad de su voz, y torna los puntos sensuales de la voz de Ray Charles, una mezcla de dos grandes cantantes de todos los tiempos.

Daniel
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Grandes exitos y tropiezos: Radio Futura

 

Como cada semana, toca darnos una vuelta por la sección de Grandes éxitos y tropiezos de 7dias7notas, y en esta ocasión nos vamos a detener en la obra del grupo madrileño, Radio Futura, cuya carrera se desarrolló durante 11 años, entre 1980 y 1990, carrera en la que empezó siendo uno de los grandes grupos de la movida madrileña y termino con un sonido muy personal, una mezcla muy original de raíces con ritmos latinos que les ha dado un pasaporte a la autenticidad. Los tres integrantes fundamentales del grupo continuaron después de la disolucion sus carreras en solitario, Santiago Auserón es conocido actualmente por el nombre artístico de Juan Perro.

Ya estoy en la tienda virtual me pongo a buscar entre los discos de rock españoles, me dirijo a la R y ahí tiene su espacio bien definido, un buen puñado de discos donde no falta ninguno de sus 5 Lp´s originales, su espectacular directo recopilatorio Escuela de calor: El directo de Radio Futura y varias recopilaciones alimentadas de rarezas y nuevos sonidos donde destaca Tierra para bailar. Me dirijo allí con la misión de comprar su material, pero, vaya tengo solo para un par de ellos hasta que llegue la nómina y no me aguanto….. vamos a ver que decido

 

 

Estás tardando en comprarlo:

Sin duda, si quieres llevarte una imagen perfecta de lo que ha sido este grupo, no debe faltar en tu estantería de vinilos, La canción de Juan Perro, disco publicado en 1987, originalidad y un nuevo sonido con una gran calidad música, consiguieron con este álbum crearse una identidad y una forma de hacer música, logrando influenciar a muchísimos grupos más, no sólo de la península ibérica sino de toda Latinoamérica. Pero no solo se quedó ahí, por una vez, clase y éxito iban a llegar de la mano y este álbum marcaría un brutal éxito comercial para la banda integrada por los hermanos Santiago y Luis Auserón y Enrique Sierra. Hay mucho toque de rock, mucho toque de Blues pero con su particular y tres joyas imprescindibles en el rock español, empezamos con A cara o cruz, donde dan forma a una historia corriente en lugares comunes dentro del marco de la España profunda e interior, acompañada de falsetes mágicos, una letra entre filosófica, callejera y burlona. Seguimos con Annabel Lee, inmortal adaptación del inmortal poema de Edgar Allan Poe, curiosamente puede ser la canción que menos que tiene que ver con el conjunto del disco, pero apoyados en un excelso video musical llegaron a cada rincón de España. Y cierra la trilogía la que es para el que escribe su obra cumbre, el canto del gallo es mas que una canción, es una pintura, es un poema, es un libro, es lo que te encuentras en muchas visitas a cualquier pueblo donde lamentablemente la sociedad ha decidido pararles en vida.

 

 

Si te queda pasta, llévate también:

Momento para disfrutar de una de sus mayores locuras musicales que salió perfecta, De un país en llamas, es un disco inhóspito, violento y agresivo, un disco denso y sombrío que te va a dar la oportunidad de detenerte a deambular casi en cada acorde, un sonido a la vez muy europeo y Latino y unas letras surrealistas y dolientes, extrañas y cotidianas, oscuras y llenas de luz. Asi es este país que nos dibuja Radio Futura, nos lleva al campo a visitar a El tonto Simon y del pueblo a la ciudad para sumergirnos en la jungla urbana donde encontraremos refugio en El chino. Tras reponer fuerzas nos conduce por paisajes de pesadilla llevándonos directamente a la vida en la frontera, donde han caído los dos agotados por el viento de Africa. Evita que nadie te tome prestado, todo está escrito en las líneas de la mano solo evitaras caer en las alas de la mentira, cumpliendo dos requisitos... No tocarte, pero ante todo disfrutando a cien con esta obra del rock español.

 

 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Esto de elegir es complicado pero puestos a elegir quizás Música Moderna tendrá que esperar a mejores tiempos económicos para que pueda formar parte de tu colección de vinilos, cierto que es un disco clave para definir el sonido de la movida madrileña, pero más que un debut, se parece a un prólogo, la “música moderna” estaba arrancando en nuestro país, y lo mejor era subirse a la ola de esos sonidos y se subieron a la cresta de tal manera que nos dejaron uno de los discos claves de ese movimientos, pero en esencia, no es Radio Futura, no es su sonido, no son sus movidas, de hecho la mayoría de las canciones están firmadas por Herminio Molero, teclista de la formación, seria este su único trabajo para el grupo. Un trabajo del que el propio grupo ha renegado y como podeis comprobar no se han hecho nunca han vuelto a ser remezcladas ni incluidas en recopilatorios controlados por la banda, pese a estar firmadas como autores por todos los componentes del grupo. Santiago Auserón comentó: "Aquello fue un producto tan manipulado desde el punto de vista de la producción y de la comercialización, que no nos reconocemos en él. Somos conscientes de que a gente que le gusta Radio Futura, aquello le hace gracia como objeto cultural histórico" y Luis Auseron: "En aquella época éramos colaboradores: la línea la marcaba Herminio. Nosotros nos podemos sentir responsables a partir del single de «La estatua del jardín botánico»"

Si lo que buscas son canciones sueltas:  

Puedes comenzar con estas cinco canciones, indispensables para adentrarse en el mundo Rainbow: 

1- El canto del gallo.

2- La estatua del jardín botánico

3- Escuela de calor

4- Veneno en la piel

5- Annabel Lee

0347 Do Right Woman, Do Right Man - Aretha Franklin

 

Do Right Woman, Do Right Man

     El 10 de marzo de 1967 aparece publicado bajo el sello discográfico Atlantic Records, el décimo álbum de estudio de Aretha Franklin, I Never Loved a Man the Way I Love You. Este fue el primer disco publicado de Aretha con este sello discográfico tras su salida de Columbia Records, con el que había lanzado álbumes de corte jazz. El cambio de sello marcó un cambio en la dirección de sonido y supuso un gran avance en el aspecto comercial, alcanzando el  puesto número 2 en la lista estadounidense Billboard Album Chart.

Aunque en un principio hubo división de la crítica musical a la hora de valorar el disco, con el tiempo ha sido incluido por la revista Rolling Stone en la lista de "Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos", así como en el libro "1001 álbumes que debes escuchar antes de morir".

Incluido en el álbum se encuentra el tema Do Right Woman, Do Right Man, el cual fue lanzado como sencillo el 10 de febrero de 1967. La revista Rolling Stone la incluyó en el puesto número 476 de su lista de "Las 500 mejore canciones de todos los tiempos". La canción fue compuesta por Chips Moman y Dan Penn, y es una reflexión para que los hombres respeten a las mujeres. Si el hombre trata con respeto a su mujer en lugar de como un juguete, ella no tendrá la tentación de desviarse y ser infiel. 

Aretha comenzó a grabar la canción en los estudios FAME en Muscle Shoals, Alabama, después de completar de grabar la canción I Never Love A Man (The Way I Love You). Durante la sesión se produjo una discusión entre el esposo de Aretha, Ted White, el trompetista Ken Laxton y el jefe de los estudios FAME, Rick Hall. Durante la discusión Aretha y el trompetista White se marcharon de los estudios sin permiso dejando la canción incompleta. Unas semanas después Aretha se presentó en la sede de los estudios Atlantic en Nueva York junto con sus hermanas Carolyn y Emma y con Cissy Houston, para que le dieran apoyo en los coros y así poder terminar de grabar la canción que había quedado incompleta. El productor de los estudios Jerry Wexler, decidió enviar a los músicos de los estudios FAME a Nueva York para que terminaran de grabar junto a Aretha el tema que habían empezado en Muscle Shoal. 

La música en historias: Atom Heart Mother - Pink Floyd #MesPinkFloyd

 

Atom Heart Mother, Pink Floyd

 

Atom Heart Mother es el quinto álbum de estudio de la banda británica, compuesta en ese momento por Roger Waters (bajo), David Gilmour (guitarra), Richard Wright (órgano, piano, teclados), y Nick Mason (batería). Es el primer disco que la banda graba con una orquesta, colaborando para tal fin la Abbey Road Session Pops Orchestra, y está considerado como un trabajo de transición, ya que la formación empieza a alejarse del rock psicodélico para ir adentrándose en los sonidos del rock sinfónico y progresivo. El grupo también contó con la colaboración del músico, multi-instrumentista y compositor Ron Geesin, quien se encargó de las partes de orquestación.

El álbum es grabado entre marzo y agosto de 1970 en lo estudios Abbey Road, producido por el propio grupo y con Peter Bown como ingeniero de sonido, el cual es asistido por Alan Parsons. La portada del disco surgió como un trabajo casi improvisado, el fotógrafo declaró que a causa de la falta de tiempo no le quedó otra que irse al campo a tomar una foto de lo primero que vió, una vaca. De hecho, este álbum es comúnmente conocido como "El disco de la vaca". El disco es publicado el 2 de octubre de 1970 bajo el sello discográfico Harvest, y alcanzó el puesto número 1 en las listas de ventas de Reino Unido y el puesto 55 en las listas de Estados Unidos. A pesar del éxito de Atom Heart Mother, éste fue repudiado por David Gilmour, quien declaró que el disco era "un montón de basura", y también por Roger Waters, quien decía que no le importaría nada que "lo tiraran a la basura y que nadie volviera a escucharlo".  

Entramos en materia y nos encontramos que la cara A está ocupada por un único tema, el cual además da título al disco, Atom Heart Mother, con una duración de algo más de 23 minutos. El tema se iba a llamar originalmente The Amazing Pudding, pero el título no convenía a nadie, por lo que Ron Geesin sugirió a la banda que leyeran algún periódico a ver si así se inspiraban en algún titular del mismo. Así es como Roger Waters, al ojear una edición del Evening Standard, encontró una noticia acerca de una mujer embarazada que había sido sometida a una operación de corazón y le habían puesto un marcapasos atómico. de ahí Atom Heart Mother, que además serviría para rebautizar el tema y dar título al álbum. La canción no iba a ser con orquesta originalmente, siendo después asignada a Ron Geesin para que dirigiera dicha orquestación, pero tuvo muchos problemas y roces con la banda y abandonó el proyecto sin acabar, siendo finalizado por el maestro de coro y director de orquesta John Alldis. El tema es una suite que contine seis partes: Father's Shout (el grito del padre), el principio de la canción que comienza con el sonido de un motor al que siguen el sonido de unas trompetas y un violín, para después empezar la batería de Nick Mason. A partir de ahí el tema va creciendo con el sonido de una sección de bronces que va subiendo el volumen gradualmente hasta llegar a un explosivo estribillo de la batería. Posteriormente llega una sección de cuerdas más tranquila, seguida por una parte de órgano que se fusiona con un interludio de guitarra. El tema finaliza con un solo de guitarra al que se unen los bronces para ir ascendiendo hasta terminar esta parte. En Breast Milky (Pecho lechoso), el órgano, el bajo y la batería hacen una apertura muy bluesera, a la que se une la guitarra, y el tema sigue en esa línea durante algo más de cuatro minutos, hasta que se unen las voces y la batería se marca unos redobles para volver al estribillo posteriormente. Mother Fore (la madre antes), comienza con un coro donde una voz más aguda acompañada de un coro más grave por detrás improvisan sobre  los acordes de la canción. Las voces van subiendo gradualmente hasta que se les une la batería, hasta que esta termina y las voes se desvanecen un par de segundos antes de finalizar esta parte. Funky Dung (Estiércol funky), marcado por el cambio de tono del tema de Mi menor a Sol menor.  Esta parte presenta una sencilla improvisación del grupo, y contiene el segundo solo de guitarra, siendo este más blusero. El tema acaba cambiando a una sección donde el coro canta, y vuelve al tono en Mi menor. Mind Your Throats Please (Cuidado con vuestras gargantas, por favor), sección subdividida en dos partes, una primera compuesta por unos ruidos extraños, y cerca del final se escucha un hombre anunciando algo por un megáfono, y poco antes de finalizar se unen las demás partes de la canción; y una segunda parte donde continúan los ruidos del comienzo, pero con un solo de guitarra en el fondo y una sección de bronces. Este tramo de canción termina con el bajo precediendo a la última parte de la suite, Remergence (Resurgimiento), que comienza con la sección de cuerdas y el teclado arpegiando sobre las notas principales. Luego el tema se vuelve más tranquilo, uniéndose un solo de guitarra que repite la melodía de Breast Milky, para acabar desembocando en un estribillo de voces. Cuando queda menos de un minuto para acabar la sección y el tema, se baja el ritmo, y a quince segundos del final se produce la gran explosión de casi todos los instrumentos. Durante los casi 24 minutos que dura la canción, esta no tiene más letra que los sonidos de fondo que se escuchan alrededor del minuto 19:06: "¡Silencio en el estudio!" y en el 17:25: "Aquí hay un fuerte anuncio".

     Abre la cara B la canción If, una canción autorreferencial escrita por Roger Waters. Un tema con un toque folk y pastoral donde Waters se realiza así mismo un auto-análisis. Pink Floyd únicamente la interpretó una sola vez en vivo, en una sesión con John Peel el 16 de julio de 1970 en el París Theatre de la BBC. Sin embargo el músico si la interpretaría posteriormente en numerosas ocasiones durante sus giras en solitario. Summer 68, escrita por Richard Wright. Un tema con una extraña orquestación y un final muy suave donde nos realiza una crítica del estilo de vida de los músicos de rock a travé de la historia de uno que suele pasar una única noche con una mujer hasta el día siguiente, donde vuelve con la rutina habitual de la gira, y así hasta la siguiente. Fat Old sun, una melódica balada con tintes folk y blues escrita por David Gilmour. David Gilmour además de cantar toca todos los instrumentos del tema excepto los teclados, que fueron tocados por Richard Wright. Se encarga de cerrar la cara B y el disco Alan's Psychedelic Breakfast, una canción de corte psicodélico escrita por lo cuatro componentes, y que nos relata precisamente eso, un desayuno de uno de los técnicos de la banda, Alan Styles. El técnico nos relata no sólo el desayuno que se está preparando, también nos habla de otros que se ha preparado en el pasado. En algunas partes de la canción únicamente se escuchan los movimientos de Alan preparando el desayuno. Gran parte del relato del ingeniero está disperso y hecho eco. El tema está compuesto por tres partes: Rise and Shine (Levántate y brilla), pieza que consta de piano, órgano hammond, guitarra de metal y guitarra eléctrica alimentados a través de un altavoz Leslie para crear sonidos especiales; Sunny Side Up (Huevo frito), parte compuesta y tocada entéramente por Gilmour con dos guitarras acústicas y una eléctrica; y Morning Glory (Hermosa mañana), interpretada por toda la banda excepto Roger Waters. Sección donde predomina el el piano de Richard Wright, que fue sobregrabado en tres canales diferentes (en el izquierdo, en el central y en el derecho). Esta sección también cuenta con un bajo muy marcado, guitarra eléctrica, órgano Hammond y batería (doblada dos veces por Nick Mason).

0346: Respect - Aretha Franklin

Respect fue escrita e interpretada originalmente por Otis Redding en 1965 para su tercer disco Otis Blue, acompañado de músicos de la talla de Booker T. o Isaac Hayes en la grabación de su versión. Se convirtió en su segundo mayor éxito después de I've been loving you too long, pero fue Aretha Franklin la que logró el éxito a nivel mundial con su revisión del tema en 1967, incluida en su disco I Never Loved a Man the Way I Love You.

Mientras la versión de Otis Redding es una súplica en tono funky, de un hombre desesperado por satisfacer a su mujer y tener su "respeto" al llegar a casa después de ganarse el sueldo, los cambios en la letra hicieron de la versión de Aretha Franklin una declaración de fuerza y determinación de una mujer dispuesta a luchar por sus derechos. La canción, en una clave mucho más R&B, incluía novedades como la repetida frase de los coros ("Sock it to me") y el tramo en el que, deletreando, clarifica de manera contundente lo que está reivindicando con la canción ("R-E-S-P-E-C-T")

Considerada una de las mejores canciones de la historia del R&B, fue ganadora de dos premios Grammy en 1968 (Mejor grabación de Rhythm & Blues y Mejor interpretación vocal femenina y solista de Rhythm & Blues), fue incluida en el Grammy Hall of Fame en 1987, y desde 2002 es una de las canciones incluidas en el Registro Nacional de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, pero su mayor logro fue convertirse en todo un himno para los movimientos pro derechos civiles y de las mujeres. Solo con eso, esta canción se merece toda nuestra admiración y respeto.

0345.- I Never Loved A Man (The Way I Love You) - Aretha Franklin

Aretha Franklin con I Never Loved A Man (The Way I Love You), no solo demuestra una alta dosis de sensibilidad, sino que además brotan de ella líneas, palabras, acordes y notas que marcan un cambio en su carrera y, por consiguiente, un renacer en el R&B en su discografía y fue un cambio a mejor ya que en el periodo que va de 1960 a 1966 Aretha Franklin publicaba sus canciones en Columbia Records de 1960 a 1966 y nunca llego a sobrepasar el puesto 37 en la lista de discos, sin embarco con este tema, su sencillo debut con el sello Atlantic se convirtió en el primer Top 10 de la Reina del Soul. La canción fue escrita por Ronnie Shannon (Shannon también escribió " Baby, I Love You "), y su grabación tiene como pieza indispensable el blues, de Franklin. Según la escritora, "La idea era escribir un mensaje original desde el alma, sin saber exactamente por dónde empezar, decidí dejar que la pura imaginación fuera mi guía".

 

En el momento de grabar la canción el esposo / mánager de Aretha Franklin, Ted White, tuvo problemas con uno de los trompetistas, David Hood recuerda como "Ken Laxton, el trompetista, le estaba haciendo comentarios a Aretha que él pensaba que eran geniales y modernos y todo eso, su esposo Ted pensó “¿Quién es este tipo blanco que habla inteligentemente y trata de seducir a mi mujer? Y se lo tomó mal, creo. No pienso que él realmente estuviera tratando de causar problemas, pero la gente había bebido en la sesión, y simplemente explotaron desproporcionadamente al punto que tras una gran discusión se dio por terminada la sesión. Aretha se fue y la canción se completó en Nueva York. El sonido encajaba perfectamente con Aretha, y Jerry Wexler decidió que en lugar de intentar enviar al cantante de regreso a Muscle Shoals, llevaría a los músicos a Nueva York para trabajar con ella. Wexler hizo que los músicos de Muscle Shoals Tommy Cogbill (bajo), Roger Hawkins (batería), Spooner Oldham (teclados) y Jimmy Johnson (guitarra rítmica) volaran a Nueva York y completaran el disco con Aretha, que fue tan bien que repitieron el proceso para sus próximos tres álbumes, con los chicos viajando desde Alabama cada vez. En esta canción, Aretha interpreta a una víctima, alguien apegado irremediablemente a un mentiroso infiel, desgarrador y que no era bueno para ella. La canción tiene un tempo inusual y los músicos de Muscle Shoals lucharon al principio para encontrar un arreglo perfecto, David Hood recuerda “ No teniamos ideas para la canción, estábamos esperando que hicieran algo interesante para poder poner nuestro granito de arena. Después de un par de horas, Spooner toca un lick de piano, encontró ese pequeño riff de apertura, y todo encajó rápidamente después de esa primera o segunda toma ". La canción ha sido versionada por multiples artistas entre ellas Jennifer Hudson, Kelly Clarkson o Alicia Keys. I Never Loved A Man (The Way I Love You), está en el puesto número 186 en la lista de 2004 de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

 

 

0344.- I’m a lonesome fugitive - Merle Haggard

 
Merle Haggard, fue uno de los arquitectos del "Bakersfield Sound", llamado así por la ciudad de California en la que nació en 1937. Etiquetado como un "rebelde de sombrero negro", fue considerado el campeón de la música country de los desamparados. Comenzó su vida con su familia en un vagón de ferrocarril reconvertido en las afueras de Bakersfield, su padre consiguió un trabajo en el ferrocarril de Santa Fe, contribuyendo así a la obsesión de Haggard por los trenes de toda la vida. Le regalaron una guitarra a la edad de 12 años y aprendió a tocar escuchando discos de Bob Wills, Lefty Frizzell y Hank Williams. La devastadora muerte prematura de su padre cuando Haggard tenía 9 años ya lo había puesto en un camino que lo llevó a varios períodos en varios centros de detención de menores y cárceles locales, terminando en la prisión de San Quentin hasta 1960. Allí, comenzó a tocar en la banda country de la prisión. Dos acontecimientos marcaron de un tajo la vida Haggard: primero, la muerte de su padre a causa de un derrame cerebral, cuando Merle apenas tenía nueve años, lo que lo llevaría a alternar su afición por el violín con el robo, y a pasar su adolescencia entre la calle y reformatorios hasta ser condenado a 15 años de prisión por intentar robar, borracho, una cafetería cuando tenía 21. Y segundo, ser testigo de un concierto de Johnny Cash en la prisión de San Quintín, en 1958, donde cumplía condena, en 1960 salió libre bajo fianza convencido de lo que quería a hacer para siempre. Y eso hizo, Haggard regresó a Bakersfield y empezó a escribir canciones que narraban con una crudeza devastadora la vida de los reclusos, de los pobres, de los desdichados, incluso desde la nostalgia más tradicional. La temática y la sonoridad de sus canciones, en donde la Fender Telecaster alcanzaba protagonismo, eran la cara contraria a la exuberancia del sonido dulzón de Nashville, y eso llamó la atención de muchos. Entre 1966 y 1969, junto a su banda The Strangers, editó cuatro discos esenciales para la historia de la música popular del siglo XX: I’m a lonesome fugitive, Branded man, Sing me back home y Mama tried que, además de resultar exitosos comercialmente, le dieron forma a un nuevo estilo en el country que impactó de forma contundente en el rock.

 

I’m a lonesome fugitive fue escrita por Liz Anderson y Casey Anderson (padres de la cantante de música country Lynn Anderson ) . Fue lanzada como el primer sencillo y canción principal del álbum I'm a Lonesome Fugitive y le otorgo el primer número uno de Haggard and The Strangers en la lista de sencillos country de EE. UU. Los Anderson escribieron la canción y habiendo estado en la cárcel en numerosas ocasiones, Haggard sintió una conexión instantánea con la canción. Recitando la letra, Haggard se mete en los zapatos de un convicto fugitivo, un papel que había desempeñado en la vida real varias veces. Dividido entre la libertad y el deseo de establecerse, Haggard estaba 'resignado a vivir una vida solitaria en la carretera como una "piedra rodante". Esta fue su primera canción sobre presos, un tema que volvería a visitar muchas veces durante los próximos 40 años. La canción se creo inspirada en la popular serie de televisión "The Fugitive" donde no se revela si el antagonista es culpable o injustamente acusado, lo que contrasta con las últimas canciones de prisión de Haggard, en las que el narrador suele ser culpable y arrepentido. Con este tema Haggard consolidó su imagen como un chico malo arrepentido, atrapado entre un ángel y un diablo que tiene posado en cada hombro.

 

Disco de la semana 253: Radios Appear - Radio Birdman

Radio Birdman dio sus primeros pasos en 1974, fundado en Sidney por Deniz Tek (guitarra), Rob Younger (voz), Ron Keeley (batería) y Phillip 'Pip' Hoyle (teclados). Tomaron el nombre del grupo de una canción de The Stooges, de los que eran fervientes seguidores. Tras un duro comienzo en el que no parecían surgir las oportunidades, su suerte cambió de repente cuando ganaron el “Punk Band Thriller”, festival punk organizado por la revista "Rock Australia Magazine", y eso les dio la posibilidad de grabar su primer single, la punta de lanza de lo que después sería Radios Appear, su aclamado primer álbum, llamado así por una frase de la canción “Dominance and Submission” de Blue Oyster Cult.

Su pasión por los Stooges era, de nuevo, visible en el primer corte del disco, una acertada versión de TV Eye, en la que estos pioneros del punk rock australiano mostraban al mundo sus garras y sus más que brillantes credenciales como precursores de la floreciente escena rock aussie de finales de los setenta. Las canciones propias no desmerecen al tema de arranque, y tanto Murder City Nights, sobre el peligroso mundo de la noche en la ciudad, como Anglo Girl Desire mantienen la impronta de canciones urgentes y de intensas guitarras.

En Man with Golden Helmet, inspirada en el cuadro de Rembrandt del mismo nombre levantan el pie del acelerador, y los teclados y una cuidada instrumentación toman el relevo a las afiladas guitarras del comienzo del disco. Es solo un breve respiro, porque con Descent into The Maelstrom vuelven a la senda del punk rock, con un final intenso en el que las guitarras estallan de nuevo en una traca multicolor que deja después paso a los sonido de aires mod setenteros de Monday Morning Gunk.

Con el festivo ritmo de Do the Pop, en la que las influencias de The Stooges y de otras bandas contemporáneas como MC5 son de nuevo evidentes, encaran el último tramo del disco, marcado por una segunda concesión a los teclados en la efectiva balada Love Kills. Tras este segundo respiro, el pegadizo estribillo y los efectos de guitarra de Hand of Law nos vuelven a enganchar a la dinámica energizante del disco, que aun nos depara un final glorioso en forma de riffs urgentes en el intenso himno generacional que es New Race.

Nada más... Y nada menos que Radios Appear, un álbum rotundo y atemporal firmado por una banda de corto pero intenso recorrido. No podemos despedirnos sin recomendar, encarecidamente, sintonizar una y otra vez la Radio Birdman para disfrutar de uno de los mejores discos de punk rock creados fuera del Reino Unido o Estados Unidos.

0343.- Crying in the chapel - Elvis Presley

 

Crying in the Chapel de Elvis consiguió llegar al número 3 en la lista de pop Hot 100 de Billboard, pocos pensaban que Elvis, demasiado ocupado con su carrera de actor pudiera conseguir brillar en la música, ya que no había tenido un sencillo entre los 5 primeros desde que publicara Devil in Disguise y la sorpresa fue mayúscula por dos razones, la primera, el tema con el que logró el éxito era un descarte de su disco “religioso” de 1960 y viendo los vientos que corrían en la música, era una osadía que un himno del evangelio consiguiera un mínimo éxito, pero Elvis lo volvió a hacer. Todos eran felices con la resurrección del pionero blanco del rock and roll pero también se preguntaban ¿qué efecto tendría el éxito de Crying in the Chapel en la estancada carrera de Elvis? Lamentablemente Crying in the Chapel fue un fogonazo en la oscuridad Elvis no tendría otro sencillo top 10 en el Billboard Hot 100 hasta que In the Ghetto alcanzó el número 3 en 1969.

 

Crying in the chapel es una canción de Artie Glenn que escribió para su hijo, Darrell, cantante country de poco éxito y que publicó en 1953, consiguió primero un gran éxito local que la catapulto a las listas de todo el país. Este tema había llegado a los oídos de
Elvis Presley que probablemente escuchó varias versiones antes de comenzar su carrera discográfica en 1954. No fue, sin embargo, hasta el 31 de octubre de 1960, cuando Elvis grabó su propia interpretación en el Nashville Studio B de RCA. En el libro de sesiones de grabación, Elvis Presley: A Life in Música, Ernst Jorgensen parece sugerir que fue el propio Elvis quien tuvo la idea de grabar la canción. Sorprendentemente, quedaron insatisfechos con el trabajo de la grabación y Elvis decidió cerrar la polémica y apartarla, dejándola fuera del album His Hand In Mine cuyo estilo era el Gospel. La canción quedaría perdida, hasta que, en un intento por reflotar la carrera de Elvis, su manager rebusco entre sus grabaciones no publicadas y se encontró con este tema, un tema que le serviría para dar a la imagen de su cantante una vuelta de tuerca, Presley, quien se abrió camino hacia la fama del rock and roll, iba a tornarse más hacia una imagen espiritual-religiosa y como consecuencia las ventas de sus discos ser más altas que nunca. Parker ya había esbozado planes para convertirle en el gran cantante de góspel americano. Elvis probablemente no se opuso a los esfuerzos de su manager por promover su música religiosa, después de todo, él había disfrutado escuchando y cantando música gospel desde que era un joven en la iglesia es verdad que el álbum How Great Thou Art de 1967 le valió a Presley su primer Grammy, al año siguiente, su sencillo I'll Never Walk Alone llegó brevemente a las listas Hot 100 y fue nominado a un Grammy, pero todo quedó en eso, y mejor, es difícil imaginar ver a Elvis convertirse como quería El Coronel en un cantante cristiano.

 

Grandes éxitos y tropiezos Attaque 77

 Grandes éxitos y tropiezos Attaque 77 

Attaque 77 es una banda de punk rock argentina formada en la ciudad de Buenos Aires en 1987, y en su discografías guarda muchos éxitos, como así también alguno que otro tropiezo aunque no sea caída.

Pero comenzaremos en recomendar uno de sus mejores álbumes para mi, El Cielo Puede Esperar que es el segundo álbum de estudio de la banda, este fue publicado en 1990 por la discografíca Radio Trípoli. Y es uno de los discos más exitosos de la banda. La canción más difundida del disco es Hacelo por mí, que también fue cortina de un programa de televisión que hizo que se popularizar a la banda. Pero no sólo esta canción identifica a la banda, sino también contiene otras tres canciones que son himnos entre los seguidores de la banda: Espadas y serpientes, El cielo puede esperar y Donde las águilas se atreven.

Otros de los discos que te recomiendo y deberías tener en tu discografía es Ángeles caídos es el tercer álbum de estudio de Attaque 77, editado en 1992. Producido por Juanchi Baleiron el guitarrista de la banda Los Pericos, quien ya había trabajado con la banda en el disco anterior, el álbum presenta un sonido más melódico que su predecesor El cielo puede esperar. 

Algunas canciones fueron presentadas en vivo entre 1990 y principios de 1992, y también incluye material que aparece en el primer demo de la banda "Más de un millón". Aquí la banda pierde su primer integrando la de formación original Adrián Vera que deja el grupo. Sólo se produciría un único videoclip de este disco fue el de la canción que justamente le da título a este álbum, Ángeles caídos.

La banda ha tenido una explosión muy buena en sus comiendo logrando alcanzar el éxito, pero luego de varios álbumes elegiría el álbum Antihumano es el noveno álbum de estudio de la banda argentina de punk rock Attaque 77, publicado en 2003 por el sello discográfico BMG Ariola. Este álbum incluye el reconocido corte de difusión Western, en homenaje al difunto René Favaloro. 

Su siguiente corte de difusión fue Éxodo-Ska, seguido del gran éxito del álbum, Arrancacorazones. También salieron los cortes de difusión de las canciones Setentistas, Reality-Joe, La Gente Que Habla Sola y Morbo-Porno. El álbum alcanzó a ser triple disco de platino, pasando las 120 000 copias vendidas en Argentina.

Ya no será lo mismo en este que es el primer disco del grupo sin la presencia de Ciro Pertusi quién dejó la banda en diciembre de 2008. No será lo mismo ya que la banda marca un cambio en este álbum Estallar que es el undécimo álbum del grupo argentino Attaque 77, cuyo lanzamiento fue el 3 de noviembre de 2009 y el 24 de noviembre en CD/DVD, que incluye un documental de la grabación del disco en las sierras de Córdoba e imágenes de un show realizado el 9 de mayo en Villa Ballester. 

Daniel
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0342: Somethin' Stupid - Frank Sinatra y Nancy Sinatra

Somethin' Stupid (Algo estúpido) fue escrita originalmente y grabada en una primera versión por C. Carson Parks y su esposa Gail Foote en 1966 bajo el nombre comercial de Carson and Gaile, pero cuando la canción se convirtió en un hit fue solo un año después, cuando la canción llegó a oídos de Frank Sinatra y la grabó a dúo con su hija Nancy Sinatra el 1 de febrero de 1967.

La versión de "La Voz" y la chica de las "botas hechas para caminar" fue incluida en el álbum de Sinatra The World We Knew de 1967, y como single llegó al número 1 del Billboard Hot 100 y del UK Singles Chart, convirtiéndose en la primera y única canción interpretada a dúo por una padre y su hija que alcanzaba el primer puesto en las listas estadounidenses.

Imposible no cerrar estas líneas sin mencionar el éxito y la calidad de la versión que realizó Robbie Williams en su disco Swing when you're winning (2001), acompañado para la ocasión de la dulce voz de Nicole Kidman. Ambos consiguieron que la canción volviera de nuevo al primer puesto del UK Singles Chart. Y hasta aquí la reseña de Somethin' Stupid porque, al igual que ocurría en la cita amorosa que cuenta letra de la canción, es mejor dejarla en un punto alto y mientras todo va perfecto, y no llegar al momento de "fastidiarlo todo, diciendo algo estúpido como: Te quiero".

La música en historias: Ummagumma - Pink Floyd #MesPinkFloyd

La música en historias: Ummagumma - Pink Floyd #MesPinkFloyd

Hoy hablaremos de otro gran álbum, nos referimos a Ummagumma es uno de los álbumes de Pink Floyd más personales de la carrera del grupo originario de Londres, esto es porque es el cuarto álbum del grupo donde cada miembro del grupo tiene la posibilidad de componer una canción dándole cada uno su toque personal.

Después de la salida de Syd Barrett del grupo, la banda toma un nuevo sonido, pero primero vayámonos a 1969, donde el grupo venía de publicar Music from the Film More y después de este lo que vendría era un disco en vivo eso era lo planificado, entonces apareció Ummagumma que fue el nombre escogido para este el disco doble. 

Una de las grabaciones más osadas de finales de los años 60, es Ummagumma, el cuarto álbum de Pink Floyd. El extraño nombre del álbum es extraído del dialecto de los estudiantes de la Universidad de Cambridge y significa tener sexo.

Este disco representar un punto cumbre en la banda, que por aquellos días conformaban el guitarrista y vocalista David Gilmour, el teclista Richard Wright, el baterista Nick Mason y el bajista y vocalista Roger Waters, parecía tener una gran ambición.

La imagen original de este álbum doble, nos muestra a la banda en una serie de fotografías que se repiten con una variante, causando un efecto que en las artes se conoce como efecto Droset.

Algo así como las Mamushka rusas pero en fotografía. La distintiva imagen es obra de Hipgnosis y sería la última vez que los miembros de Pink Floyd aparecerían en la portada de sus álbumes.

En este doble álbum original, Pink Floyd nos ofrece un primer disco con canciones de su dos primeros álbumes que inician con el ahora clásico Astronomy Domain de The Piper At The Gates Of Dawn de 1967, disco donde lidera la banda, Syd Barrett. Esta canción está llena de diversos colores y texturas, el tema nos lleva a los intensos días de la psicodelia. A lo largo de sus ocho minutos, la banda nos va hipnotizando hasta gradualmente sumergirnos en su trance.

Luego, con el divertido título de Careful with that Axe, Eugene, la banda nos hace levitar con el órgano de Wright y la estable rítmica de Mason y Waters. Esta canción incluye una vocalización a modo de canto de sirenas que nos cautiva desde el inicio de la composición, luego es el aterrador grito de Waters que nos despierta abruptamente.

El lado B está conformado por las canciones Set the Controls for the Heart of the Sun y A Saucerful of Secrets, ambos del segundo álbum de la banda editado en 1968 y titulado A Saucerful Of Secrets. En éste podemos oír diversas sonidos con amplios espacios y una batería dejada al azar. La guitarra también abre anchos ambientes que nos recuerdan las series de televisión espaciales de esos días.

Hacia el final, una voz rítmicamente acoplada repite el titulo de la canción. Luego es el bajo de Waters quien inicia el segundo tema donde una vez más Wright y los platillos de Mason van abriendo caminos,  igualmente la guitarra de Gilmour.

En el segundo disco encontramos doce canciones de los cuales tres están dispuestas como si se tratara de una suite. El primero de ellos es Sysyphus I de tan sólo poco más de un minuto, ese intro de carácter fúnebre se une con Sysyphus II, una canción que es esencialmente piano y que es un reflejo de la influencia de la música clásica en Richard Wright.

La dulce melodía pronto se transforma en una serie de frases inconexas en apariencia en la mejor tradición del free jazz. La tercera parte casi logra alcanzar los dos minutos en una continuación de sonidos aleatorios rico en colores, texturas y formas.

La cuarta parte es un mellotron y unos pajarillos que en uno de sus cantos se asemeja a Cirrus Minor, tema del soundtrack del film More (1969) y cuya música es de Pink Floyd. Esta primera sección es más ensoñadora pero hacia el punto medio Rick nos aturde con un acorde sostenido en el órgano y a partir de allí todo es una cacofonía controlada.

Grantchester Meadows continua el álbum con unos pajarillos (sonido electrónicos) y la guitarra acústica. Las voz de Waters relata: “Vete, nocturno gélido viento, no es este tu dominio, en el cielo se deja escuchar el canto de un pájaro, susurros de nublada mañana, y sonidos gentiles, silencio mortal que yace todo entorno”.

Le sigue a esta canción una composición de arte sonora bajo el rutilante título de Varias especies de peludos animalitos juntados en una cueva y bailando con una foto donde pueden apreciarse varias voces y que parecieran sugerir entidades extraterrestres. El collage vocal es bastante interesante, sin duda influyente en, por ejemplo, el tema Wahn de Tangerine Dream o el excelente disco Circle Songs (1997) del gran vocalista Bobby McFerrin.

Luego de esa interesante experiencia Pink Floyd nos ofrece la segunda de las suites, The Narrow Way compuesta por Gilmour y conformada por tres partes con una primera donde destaca la guitarra acústica. Llena de calidez, la canción se resume en poco más de tres minutos.

En su segunda parte de casi tres minutos Pink Floyd se torna pesado con un riff lúgubre y un eco que sugiere algún motivo del espacio exterior que momentáneamente nos aturde. La última parte nos sorprende con un sonido metálico y oscilante que se abre paso a una dulce melodía cantada para así cerrar la suite. Hay un cierto tono Beatles en este tema.

Culmina el álbum con otra suite de tres partes llamada The Grand Vizier’s Garden Party compuesta por Nick Mason. Iniciando con una dulce melodía de flauta, la banda pronto nos sorprende con un redoblante como si de una ejecución se tratara esta Entrada. Como es de suponerse, la percusión es la protagonista de esta suite que en su segunda parte se titula Entretenimiento donde Mason emplea diversos sonidos que van de lo industrial a lo primitivo a lo largo de poco más de siete minutos. La tercera, Salida, nos sugiere que habíamos estado atrapados. Una bucólica imagen nos viene a la mente con esta breve y melodiosa flauta.

Ummagumma ciertamente es un punto de inflexión, una obra que rompió los parámetros de lo que debe ser la música, por ello es un materia obligada de ser escuchado. 

Daniel
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0341 Can't Take My Eyes Off You - Frankie Valli

 

Can't Take My Eyes Off you, Frankie Valli

     Entra en escena Frankie Valli, el conocido cantante y actor estadounidense, conocido por ser el cantante del grupo The Four Seasons, uno de los grupos musicales más destacados de la década de los años 60. Frankie fue operado de una lesión en los oídos lo cual casi le originó una sordera casi completa, por lo que para cantar muchas de las canciones se basaba en el movimiento de los labios de sus compañeros.

En mayo de 1967 Frankie publica un de las más bellas canciones de amor jamás escritas, Can't Take My Eyes Off  You, tema que además es incluido en el álbum The 4 Seasons Present Frankie Valli Solo. El tema fue escrito por Bob Crewe y Bob Gaudio, quienes eran los compositores habituales de Four Seasons, y contó con los arreglos de Artie Schroeck y el propio Gaudio, siendo Frankie el primero en interpretar un tema que se ha convertido en uno de los más versionados a lo largo de la historia de la música. 

El sencillo alcanzó el puesto número 2 en la lista estadounidense Billboard Hot 100, ganando además un disco de oro, y convirtiéndose además el mayor éxito en solitario de Frankie Valli hasta su My Eyes Adored You de 1975. Sobre la canción uno de sus compositores, Bob Gaudio, comentaba que se encontraba a medio camino entre el pop y el rock, y que fue una de las canciones más desafiantes que jamás había escrito. Un tema así sólo podía ser interpretado por una voz con el excepcional rango vocal como la de Frankie Valli. A Bob Crewe se le ocurrió el título, y a partir de ahí el y Gaudio comenzaron el proceso de elaborar la canción y la historia de un hombre que está perdidamente enamorado.

0340: Let's spend the night together - The Rolling Stones

 

"Pasemos la noche juntos" es la traducción al castellano de Let's Spend the Night Together, canción escrita por Mick Jagger y Keith Richards para la versión norteamericana del álbum Between the Buttons de 1967, que fue además lanzada como single junto con el tema Ruby Tuesday, alcanzando el puesto 3 del UK Singles Chart.

Durante la grabación de la canción, en los Olympic Studios de Londres, sucedió una curiosa anécdota con dos policías que aparecieron al ver que la puerta principal estaba abierta, para comprobar que nada raro estuviera sucediendo. El productor (Andrew Loog Oldham) estaba intentando grabar un chasqueo de dedos para el tramo pausado del centro de la canción. Al encontrarse con la presencia de los dos agentes, les pidió ayuda para que sostuvieran unos auriculares mientras chasqueaba los dedos, pero desechó aquella grabación porque buscaba un sonido más "seco". Finalmente, y gracias a los agentes, acabó grabando el ruido de sus porras al golpear contra la palma de sus manos.

La letra fue bastante controvertida para la época, al ser una explícita propuesta de mantener un encuentro sexual, y fue prohibida en varias emisoras de radio que, especialmente en Estados Unidos, optaban por pinchar, en su lugar, la otra cara del single, provocando que la ya mencionada Ruby Tuesday llegara al puesto nº 1 del Billboard Hot 100, mientras que Let's Spend the Night Together se quedó en el puesto 55.

0339.- Ruby Tuesday - The Rolling Stones

El origen de Ruby Tuesday de The Rolling Stones está rodeado de imprecisiones y versiones encontradas, para muchos, aunque está acreditada a Jagger la canción fue escita por Keith Richard y Brian Jones, pero yendo más allá, Marianne Faithfull aseguraba que la composición era exclusiva de Jones. Fue una triste despedida a una groupie llamada Linda Linda Keith ((quien luego sería la ‘descubridora’ de Jimi Hendrix), la que fue por aquel entonces la primera novia formal de Keith Richards, Linda había seguido a la banda desde sus comienzos y había establecido una relación formal con el guitarrista, cuando el grupo se vio sumergido en el exceso y en el mundo de las drogas, el mismo Keith llamo a sus padres para que la rescatara.

Musicalmente hablando, se trata de una balada pop que navega entre una recitación del vocalista Mick Jagger acompañada de una instrumentación minimalista y una explosión sonora en las partes del coro, en las que destaca el redoble de la batería. Tanto la letra como la interpretación y la musicalización, tienen un tono indudablemente melancólico, ya que después de todo, se trata de una canción acerca de una separación. Muchos notamos que está musicalmente influenciada por la canción “Eleanor Rigby” que The Beatles había lanzado meses atrás y que forma parte del maravilloso álbum “Revolver”. Los chicos de The Rolling Stones colocan un sonido orquestal para darle profundidad y un toque nostálgico a una letra que de por sí es bastante triste; que de alguna manera conecta con la pieza mencionada anteriormente perteneciente a los de Liverpool. Su letra relata de alguna manera una difícil situación que vivió la novia de Keith Richards, e incluso el mismo. Se grabó como lado B de un sencillo que fue censurado por su provocadora letra, es así como el triste “Ruby Tuesday” con aires de  “Eleanor Rigby” termina siendo un gran éxito de The Rolling Stones, una pieza que hoy forma parte de su gran legado, que lleva en su lírica, así como en su entorno, una historia que nos cuenta cómo era el mundo hace medio siglo. Keith Richards dijo de "Ruby Tuesday": "Esa es una de esas cosas inolvidables, has roto con una chica y todo lo que te queda es el piano, la guitarra y un par de bragas. Y es un adiós, ¿sabes?". Y entonces simplemente todo surge de eso. Y después de eso, simplemente lo construyes. Es una de esas canciones que son más fáciles de escribir porque estás realmente ahí y realmente lo sientes y a un compositor, rómpele su corazón y se le ocurrirá una buena canción ".

“Ruby Tuesday” simplemente salió como cara B, no estaba destinada a ser un single. Pero " Let's Spend The Night Together", la elegida era más pegadiza, pero resultó ser demasiado explícita sexualmente para muchas emisoras de radio. Así que esa canción solo llegó al número 55, mientras que "Ruby Tuesday" al número 1. "Ruby Tuesday" terminó en la lista de 158 canciones prohibidas en Clear Channel después del 11 de septiembre, el motivo fue que los ejecutivos de esa radio pensaban que la gente, a raíz de esa catástrofe, se entristecería demasiado al escuchar la palabra " Martes” en la radio.

The Piper at the Gates of Dawn - Pink Floyd #MesPinkFloyd

The Piper at the Gates of Dawn - Pink Floyd #MesPinkFloyd

Diciembre un nuevo mes, y con el una nueva banda al cual queremos reconocer y dedicar este mes, en este caso a una banda británica que se inicio en año 1965, la cual estaba integrada por Syd Barrett, Roger Waters, Nick Mason y posteriormente se sumaria David Gilmour, esta banda con el tiempo se ha convertido en una banda de culto con más de medio siglo de éxitos a logrado un sin fin de canciones y álbumes que queremos reconocer.

Por ello para comenzar iniciaremos redescubriendo uno de sus primeros álbumes, The Piper at the Gates of Dawn que fue el álbum debut de esta mítica banda británica Pink Floyd que comenzó su carrera con este álbum en 1967 con un sonido de rock psicodélico.

 

El álbum fue grabado entre febrero y mayo de ese año en los estudios Abbey Road y publicado en agosto de 1967. Esta reconocido como uno de los álbumes más influyentes en el rock psicodélico por su gran impacto e innovación de sonidos.

El álbum fue creado durante un contexto de ebullición social, revueltas hippies y pacifistas y mas que nada en el mejor año de la música contemporánea para mi noble opinión donde hubo una gran revolución musical por parte de demasiados artistas, a pesar de todo esto, el disco dio de que hablar y con críticas positivas sobre todo.

El titulo del álbum es un capitulo de un libro de cuentos que leía Syd Barrett cuando era niño. La imaginación de Syd Barrett en primer lugar por la mayoría de las letras, Waters, Wright y Mason hicieron volar la mente de los adolescentes británicos en aquellos años con letras que tratan del espacio pasando por cuentos de hadas, bicicletas y hasta un gato.

Este álbum comienza con Astronomy Domine una canción particular, quizás una de las primeras del subgénero space rock que empieza con una especie de interferencia radial lo que en realidad es la voz distorsionada de su mánager Peter Jenner nombrando un par de estrellas, seguido de lucifer sam la hsitoria de un inquietante gato acompaño de acordes un tanto psicodélicos alimentados con ecos. Le sigue Matilda Mother producida por Norman Smith con acorde de fa sostenido en el órgano por parte del tecladista y miembro de la banda Richard Wright. 

El cuarto tema, Flaming siguiendo la temática infantil y psicodélica del álbum nombra la situación de dos jóvenes en la neblina en un contexto fantasioso hasta en donde se nombra a un unicornio. Pow R Toc H y Take Up Thy Stethoscope And Walk son las canciones que cierran la primera mitad del álbum teniendo como intervalo en la mitad a Interestellar Overdrive, esta canción es el mero reflejo de la primera etapa de Pink Floyd, una extensa composición con rasgos de improvisaciones psicodélicas que se harían muy comunes en años posteriores por parte de bandas que tocaban rock psicodélico, al incluir esta pieza, Pink Floyd demostró algo en el mundo de la música que no había grabado nadie antes, en mi opinión es una pieza fundamental de la banda. 

El álbum sigue con The Gnome, propiamente la historia de un hombre pequeño de fantasía, Chapter 24 en alusión al Hexagrama 24 de I Ching y The scarecrow la historia de un espantapájaros, terminando con Bike mostrando el lado mas psicodélico de la banda.

En resumen, lo que hicieron Syd Barrett, Roger Waters, Nick Mason y Richard Wright fue una maravilla psicodélica que como muchos críticos la alabaron iba en sentido contrario a todas las bandas de aquel reconocido Verano del Amor, situándose entre los mejores álbumes de la historia y con muy buena recepción.

Daniel

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La música en historias: Another brick in the wall, el comienzo del #MesPinkFloyd

 

Que difícil resumir y concentrar, a lo largo de sólo un mes de artículos, la carrera de una de las mejores y más influyentes bandas de la historia del rock, todo un icono cultural para varias generaciones. Y, al mimo tiempo, que apasionante el reto de desgranar su trayectoria, que atravesó etapas muy diferenciadas desde su formación en 1965, hasta prácticamente la actualidad, a lo largo de las cuales pasaron de la música psicodélica y espacial de discos underground como The Piper at the Gates of Dawn o A Saucerful of Secrets, al rock sinfónico de Atom Heart Mother o el rock progresivo de Meddle, siendo al tiempo pioneros de la experimentación electrónica y de sorprendentes innovaciones técnicas y sonoras en icónicos discos conceptuales como Dark Side of the Moon (1973), Wish you were here (1975), Animals (1977) o, por supuesto, The Wall (1979).

Nos detendremos en cada una de las diferentes etapas del grupo, marcadas por relevantes ausencias en su formación a lo largo de su extensa carrera. Presenciaremos la incorporación de David Gilmour, y la marcha posterior de Syd Barrett, aquejado de graves problemas psicológicos. Viviremos las luchas internas entre David Gilmour y Roger Waters para hacerse con el control creativo de la compleja nave nodriza, y la expulsión de Rick Wright, que tras la marcha de Roger Waters volvería como músico de sesión y asalariado durante las giras de un último Pink Floyd en el que ya solo quedaba David Gilmour a los mandos y Nick Mason a la batería, a la postre el único miembro que se mantuvo a lo largo de toda la trayectoria de un grupo histórico.

Recorrer esa trayectoria supone enfrentarnos a un grueso y elevado muro, que iremos desgranando golpe a golpe, y disco a disco, con la constancia y la avidez del que se muere por conocer las anécdotas y los detalles que se encuentran detrás de canciones como Atom Heart Mother, Echoes, Money, Eclipse, Shine on your crazy diamond, Wish you were here, Confortably numb, Another brick in the wall y tantas otras. Rompemos hoy la primera piedra, o mejor dicho, abrimos la primera grieta de ese impresionante muro de grandes momentos hechos sonido y canción, dando comienzo al #MesPinkFloyd.

0338 Yersterday's Papers - The Rolling Stones

Yesterday's Papers, The Rolling Stones

 

     En 1967 sus Satánicas Majestades, The Rolling Stones publican Between the Buttons, álbum que resulta ser el quinto de estudio en Reino Unido y el séptimo de estudio de Estados Unidos, y editado además en versiones diferentes en ambos mercados. Sería el último disco del grupo que sería editado con canciones diferentes en ambos países, una práctica habitual en aquella época. El disco es grabado en diferentes fechas repartidas entre Los Ángeles y Londres en agosto, noviembre y diciembre en 1966, producido por Andrew Long Oldham, y publicado en enero de 1967 en Reino Unido bajo la discográfica Decca Records, y en febrero de 1967 por la discográfica ABKCO Records. El álbum fue considerado por la crítica como uno de los álbumes más grandes del rock y uno de los más eclécticos de la banda.

Incluido en el álbum y en ambas ediciones se encuentra el tema Yesterday's Papers, tema que fue además el primero que Mick Jagger escribió por su cuenta para la banda. En la edición británica fue el tema de apertura mientras que en la edición norteamericana fue la pista número 2. La canción muestra el interés de la banda en aquel momento por el rock psicodélico, el cual se encontraba en aquel momento en pleno florecimiento. La canción trata sobre la exnovia que tenía por aquel entonces Mick Jagger, Chrissie Shrimpton, quien fue su novia desde 1963 hasta 1966. Chrissie era hermana de Jean Shrimpton, quien era un icono de la moda en el Londres de los años 60. su relación con Chrissie ayudó a Jagger a mezclarse en el mundo de los artistas y amantes de la moda, encajando muy bien en este. Tras la separación de Mick y Chrissie el cantante se comprometió con Marianne Faithfull. La canción también destaca por el carácter negativo con el que se trata a las mujeres. En lo musical muy destacable la guitarra distorsionada de Keith Richards, y el vibrafono de Brian Jones acompañado del clavecín de Jack Nitzsche.

0337.- She smiled Sweetly - The Rolling Stones

The Rolling Stones han tenido una carrera muy larga, les ha dado tiempo y han tenido ganas de tener muchas personalidades y se han atrevido con distintos estilos musicales, podríamos verlos como los anti-Beatles descarados y burlones de los primeros años, o los rockeros de blues libertinos pero incomparables del período intermedio, o incluso la máquina de rock que desafía la edad de los últimos años. Dentro de esa capacidad camaleónica toca repasar Between the Buttons que los Rolling Stones lanzaron en 1967, un año después de Aftermath, una vez más, Mick Jagger y Keith Richards escribieron cada pista. Es un álbum que si bien no esta entre los favoritos de los fans, funciona muy bien, a pesar de que era una mezcla ecléctica de pop, country, folk y varios experimentos sónicos con matices básicos de rock. En algunas canciones de este álbum se vislumbra el creciente interés de The Stones, tanto musical como líricamente, en el trabajo de Bob Dylan, el tempo del vals y el fraseo de Mick Jagger , susurrado y recortado, evocan a "Just Like A Woman", que se lanzó unos meses antes de que comenzara la mayor parte de las sesiones de "Between the Buttons".

"Ruby Tuesday" fue un éxito en el Top 10, pero "She Smiled Sweetly" cautiva a su propia manera sutil. Siempre ha habido un poco de misterio sobre la identidad de la chica que hechiza al narrador de la canción. Como dijo Mick Jagger en una entrevista en el momento de su lanzamiento, estaba pensando más espiritualmente que románticamente con la letra. “Esto es muy religioso, era (sonrie dulcemente) pero alguien lo cambió”. Ciñendonos a la escucha podemos decir que "She Smiles Sweetly" presenta un ritmo pausado con Charlie Watts en la batería, el invitado especial Jack Nitzsche en el piano y Keith Richards manejando casi todo lo demas. Jagger canta la letra con una especie de intensidad silenciosa, sin querer romper el suave hechizo de la música mientras comienza lamentando sus batallas internas "¿Por qué mis pensamientos se agolpan tanto sobre mí?" él se pregunta. Menciona cómo trató de deshacerse de su ansiedad y cómo esos esfuerzos contrastan con lo que describe: "Ella sonrió dulcemente / Y dice que no te preocupes". En el puente Jagger deja que su voz se desenrolle con emoción, mientras cuenta sus sabias palabras zen: "No hay nada en el por qué o el cuándo / No sirve de nada intentarlo, estás aquí excavando de nuevo". En el verso final, parece haber encontrado la paz que lo ha eludido durante tanto tiempo: "Lo entendí por una vez en mi vida / Y me siento bien la mayor parte del tiempo". Solo nos queda disfrutar de esa sonrisa beatífica una vez más antes de que termine la canción. Las baladas que The Rolling Stones escribieron y grabaron a partir de los años 70 tendían a estar basadas en el soul o en el country. Pero no podemos olvidar estas canciones lentas de ensueño de mediados a finales de los sesenta, donde “She Smiled Sweetly” tiene sin duda un lugar destacado.

P.D.- Podemos disfrutar de este tema en The Royal Tenenbaums de Wes Anderson. Margot está escuchando este disco durante su conversación e incluso lo levanta para mirar la portada (vinilo, claro). Curiosamente, tiene puesta la canción 'She Smiled Sweetly' y posteriormente pasa a 'Ruby Tuesday', un momento que funciona maravillosamente en la película, pero una tergiversación del orden de las canciones del álbum. 

Disco de la semana 252: Turfshow - Turf

Disco de la semana 252:  Turfshow - Turf 

Vamos con una banda argentina que da mucho que hablar sobre una forma de vivir o su filosofía como según cuentan sus propios integrantes la filosofía de Turf es la de "divertirnos y divertir a la gente, estar en movimiento, generar buena onda, estar en contacto" .

Y esta filosofía de la banda se cumple con creces y sirven para entender el álbum que traemos hoy como recomendación, Turfshow (lanzado el año 2001). Este es su tercer álbum de estudio, y este álbum los acercó a las grandes masas y los volcó definitivamente a una faceta comercial y una búsqueda de sonido más pop.

La difusión de los hits incluidos en Turfshow ayudó a consolidar fuertemente a la banda. Cualquier Argentino que le preguntes ¿Quién no recuerda Loco un Poco? uno de los temas mas escuchados por ese entonces en una Argentina tumultuosa y con inestabilidad política e institucional, vendría muy bien la alegría de una banda en crecimiento. 

Pero Turfshow cuenta con otros temas que se dieron a conocer dentro de este álbum, dentro de esas canciones más conocidos podemos citar un clásico de Turf como “Cuatro Personalidades” y la totalmente festiva que sigue sonando en los reductos bailables argentinos hasta el día de hoy y se convirtió en algo así como un himno para algunos “Yo No Me Quiero Casar y Ud.?”. No hay que olvidar a temas como “Chicas Malas”, “La Chispa de mi Mente” y “Vago” que aunque no alcanzaron la difusión de las anteriores son igual de adictivas, a la hora de escucharlos. 

Turfshow fue elegido como disco del año 2001 y Loco un Poco como mejor canción del año en una gran cantidad de encuestas. 

Debo debo ser honesto y decir que no es un álbum especialmente elaborado, pero no debe despreciarse la capacidad de Joaquin Levington, el líder de la banda para crear melodías y canciones que perduran a través de los años.

De ello la prensa especializada en música, adjudicó el mote de frívolos que se le adjudicó después de este material Levington su vocalista afirmó contra ello que "el mundo es ‘molto dificile’. Siempre, sobre todo el año pasado con la crisis económica y política, las guerras" en referencia al año 2001, y continuar diciendo "pero nosotros elegimos un estilo de vida que es hacer música, estar juntos y sobrevivir de la mejor manera que podemos, buscando tirar buena onda antes que pálidas".

Por ello en este tiempo de pandemia, post pandemia, o donde nos querramos situar, esta opción de disco propuesto, nos permite al menos fiel a la filosofía de la banda argentina, divertirnos y pasarla muy bien, y por ello hoy les he traído esta propuesta. 

A disfrutar!

Daniel

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0336 Somebody to Love - Jefferson Airplane

 

Somebody To Love, Jefferson Airplane

     Surrealistic Pilllow es el seguno  álbum de estudio de la banda pionera del rock psicodélico Jefferson Airplane. El disco fue grabado entre el 14 de noviembre y el 10 de diciembre de 1966 bajo la producción de rock Jarrad, y publicado en 1967 por el sello discográfico RCA Victor. El álbum está considerado como uno de los grandes clásicos y referentes del rock psicodélico, y en el año 2020 la revista Rolling Stone lo situó en el puesto número 471 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Incluido en el disco se encuentra una de las canciones que mayor éxito comercial reportó al grupo, Somebody to Love. El tema había sido escrito por el guitarrista del grupo de folk Great Society Darby Slick, una canción de desamor, y titulada originalmente Someone to Love, para posteriomente acabar siendo llamada Somebody to Love. La canción fue publicada a principios de 1966 como cara A de un sencillo y pasó completamente desapercibida. Poco después el grupo se disolvió y uno de sus integrantes, Grace Slick, cuñada del compositor Darby, se unió a Jefferson Airplane. Grace llegó al grupo para reemplazar a la vocalista Signe Anderson, quien había dado a luz a su hija y había decidido dejar la banda.

Grace llegó justo en el momeno en el que Jefferson Airplane se disponía a grabar su segundo álbum de estudio, Surrelistic Pillow. La vocalista aportó a la banda una composición propia, White Rabbit, y otra de su cuñado Darby Slick, Somebody to Love, la cual fu regrabada e incluida en el disco. Esta nueva versión abandonaba el toque folk y dotaba al tema de un sonido más orientado al hard rock, un sonido que marcaría además el cambio de estilo folk-rock de la banda hacia el rock psicodélico, el cual acabaría llevándolos a la fama. El tema también fue editado como sencillo en 1967 y alcanzó el puesto número 5 en la lista estadounidense Billbord Hot 100, conviriténdose en el mayor éxito comercial de la  banda.

0335 - Jefferson Airplane - White Rabbit

0335 Jefferson Airplane - White Rabbit

La canción White Rabbit de Jefferson Airplane, es parte de los primeros intentos de rock psicodélico. Fue publicada en el álbum Surrealistic Pillow de 1967, que fue uno de los discos que marcó el Verano del amor de la movida hippie de la década del '60.

El lanzamiento del sencillo alcanzó el puesto número 4 de las listas de Estados Unidos, y está incluida en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone en 2004, en los últimos puestos en el número 478. 

Fue escrita por la vocalista Grace Slick para su banda The Great Society en 1966, pero la introdujo en el repertorio de su nueva banda cuando cambió en octubre de este mismo año.

Esta canción fue una de sus primeras canciones entre 1965 y 1966, la cual describe los paralelismos entre Alicia y el País de las Maravillas y A través del espejo y lo que Alicia encontró allí de Lewis Carroll, con los efectos del LSD, con el cual había experimentad, así describen al personaje que da título a la canción, la idea no es nueva, dentro del rock psicodélico había una corriente por esta época que afirmaba que Lewis Carroll intentó en su obra describir los efectos de las drogas alucinógenas en las personas de forma metafórica, describiendo cómo una niña se introduce en un mundo mágico.

Musicalmente, la canción tiene un similar al del Bolero de Ravel, combinado con distorsiones sensoriales, y en el tempo de la canción, que imitan los efectos de drogas psicodélicas como el LSD y el peyote. El ritmo básico de la canción fue utilizado más tarde por artistas como Madonna, Collide, Emiliana Torrini o Grace Potter And The Nocturnals. En 1972 George Benson grabó una versión de jazz de este tema que también dio título a su álbum White Rabbit.

Daniel

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