El disco de la semana 107: Stevie Ray Vaughan - Texas Flood

Texas Flood (1983)

     Stevie Ray Vaughan nació en la ciudad de Dallas, Texas (Estados Unidos). Inspirado por su hermano mayor Jimmie (otro consumado guitarrista) empezó a tocar la guitarra. Guitarrista de blues-rock con influencias de Jimi Hendrix, Albert King, Chuck Berry, Freddie King ó Buddy Guy entre otros.



     A la edad de 17 años abandonó la escuela y se fue a vivir a Austin (pues allí tenía más posibilidades dentro de la escena blusera) donde consiguió trabajo en diferentes grupos como guitarrista. En el año 1977, Ray  creó su propia banda llamándola en un principio Triple Threat Revue, pero poco después, en 1978 Ray la cambia el nombre, llamándola Double Troble, quedando ésta conformada por el propio Ray (vocalista y guitarrista), Tommy Shannon (bajo) y Chris Layton (batería).



     Desde la creación del grupo en 1978, Ray y su Double Trouble se foguean por todo el estado de Texas dando infinidad de conciertos, hasta que en el año 1982 se les presentó la oportunidad de tocar en el mítico Festival de Jazz de Montreux, donde un Ray desconocido se marcó una actuación memorable para el asombro de los asistentes.


En ese concierto, entre el público se encontraba el mismísimo David Bowie, que tras escuchar a Ray con su grupo quedó fascinado, y a la finalización del mismo se le acercó y le dijo que tendría noticias suyas. Poco después Ray recibió una llamada de Bowie que lo contrato como guitarrista para la grabación de su álbum Let's Dance (tocó en seis de los ocho temas que componen el álbum), disco que vería la luz en 1983.

 Vaughan en el Festival de Jazz de Montreux (1982)



     Y por fín, ese mismo año se le brinda la oportunidad de la mano de la discográfica Epic Records de grabar su primer disco, Texas Flood, disco elegido para la semana 107 de 7dias7notas. Disco que grabó en solo tres días, y prácticamente casi todo en  directo y sin adornos ni florituras. No olvidemos que Ray y su Double Trouble llevaban cinco años batiendose el cobre concierto tras concierto.



     Abre el disco Love Struck Baby, compuesta por Ray, un brillante Rock & Roll acelerado al más puro estilo de Chuck Berry, compuesto por Ray en honor a su espoda Lenny.



     Pride and Joy, mágico tema y uno de los más conocidos para la audiencia, que se mueve entre el blues y el rock y donde los solos que Ray se marcan son increibles y llenos de un feeling que cala en lo más hondo.Tema no exento de cierta polémica que le generó a Ray algun problemilla familiar,  ya que Ray inicialmente compuso este tema  para su esposa, pero esta creyó que lo había hecho para otra mujer, concretamente una ex novia anterior.



     Texas Flood, es el tema que da título al álbum, compuesto originalmente por Joseph Wade Scott y larry Davis y tocado por este último. Tema clasico de blues donde la guitarra de Ray pasa a primer plano dejandonos otra ristra de solos increíbles.


     Tell Me, versión del tema compuesto por Chester Arthur Burnett y Howlin' Wolf, blues que lleva al límite dándole un toque muy rock & roll


     Testify, tema que el mítico grupo de funky Isley Brothers  compuso y grabó cuando se encontraba en sus filas ni más ni menos que Jimi Hendrix. La versión es un instrumental donde Ray imprime velocidad, técnica y sentimiento para dejarnos extasiados. Cómo se pueden meter tantas notas en un espacio tan pequeño y transmitir tanto sentimiento como nos transmite Ray? Sencillamente espectacular.

Stevie Ray Vaughan

     Rude Mood , segundo instrumental del disco, composición suya. El tema es arrollador, coge carrerilla como si fuera un tren de mercancías y no para hasta el instante final, demostrando otra vez el virtuosismo y calidad que este guitarrista atesoraba.


     Mary Had a Little Lamb , donde Ray se marca un cover del original, que es un canción tradicional infantil a la que Buddy Guy puso la música e incluyo en su disco A Man Of The Blues (1968). Una delicia de tema tocado con una gran sensibilidad.


     Dirty Pool , blues lento compuesto por Ray y Doyle Bramhall,. Es el tema donde se puede percibir más claramente la influencia que Freddie King ejerció en Ray, que se la lleva a su terreno con un rasgueo de guitarras intenso durante todo el tema y metiendo otra vez infinidad de notas en espacios donde es prácticamente imposible. No en vano el compositor que la compuso con Ray además tocó la batería para Freddie King.


     I'm Cryin , tema que Vaughan compuso para una antigua novia, puro blues de corte eléctrico que recuerda mucho a la nueva hornada de guitarristas de blues eléctrico que irían apareciendo posteriormente. En cierto modo Ray abrió camino demostrando las influencias que marcaría en esos guitarristas.


     y llegamos al último tema titulado Lenny ,otro tema compuesto por Ray para su esposa Lenny, balada instrumental donde Ray toca la guitarra sin acompañamiento ninguno, ni falta que le hace, porque la guitarra llena todo el espacio metiéndonos en un estado de hipnotismo desde que empieza a rasgar las cuerdas hasta que acaba. Un tema brillante y magnífico para acabar el disco.


     Texas Flood fue el  álbum debut de Ray. Es un disco extraordinario, sin fisuras, donde Stevie Ray Vaughan demuestra por que es considerado como uno de los mejores guitarristas que han existido, donde es capaz de coger temas de corte funky, infantiles, blues y rock y darles ese toque personal llevándoselos a su terreno. Disco con el que siempre he tenido serios problemas a la hora de elegir los mejores temas, pues me es imposible decidir que temas destacan sobre los demás, todos están en la misma brillante sintonía. En resumen, un disco para mí perfecto de uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos, que sólo el infortunio se encargó de impedir que su sombra se hiciera más alargada.........




    















   
   

Grupos emergentes: Jay Trainer Band

Jay Trainer Band

This time we are going to talk about one of those group that are trying hard to find a place in the music scene. The Jay Trainer Band shared an advance of his new work "Of the Sun", available for free downloading at their Twitter account.

They play an interesting combination of  styles and sounds in this album, by effectively combining blues, rock and progressive influences, and as a result of all this they have a very genuine "American Sound".

They start with the song that gives its name to the album, a ballad with a sad and melancholic aura that will remain for most of the tracks. This opening song is one of "Of the Sun" big highlights, but not the only one.

"By Cover of a Great" is a rock song clearly influenced by Led Zeppelin. In "Soulful rights, Soulful Days" they shot flashes of progressive rock, and in "The Evening Wore one" they show their talent in an instrumental piece where the electric guitar takes the lead with reminiscences of Southern American rock that will delight your ears.

Definitely it's worth to discover and enjoy this band.
For more information about them, you will find the Jay Trainer Band on Twitter: @jaytrainerband and on their website: Jaytrainerband.com

En esta ocasión vamos a hablar de uno de tantos grupos que luchan duramente por hacerse un hueco dentro del panorama musical.  La banda en cuestión se llama Jay Trainer Band, que a través de Twitter nos hizo llegar un adelanto del que será su nuevo trabajo "Of the Sun", material que además podeis descargar gratuitamente a traves de se cuenta de Twitter.

Disco que entremezcla estilos bluseros, rockeros y progresivos, todo con un marcado sonido muy americano. En definitiva, muy trabajado, con variedad de estilos y sonidos como podréis comprobar.

Por ejemplo, el álbum abre con una balada, que da nombre al disco, con un aura triste y melancólico que nos acompañara durante toda la sesión, que será una de las señas de identidad del álbum, "By Cover of a Great" es un tema rock con claras influencias de Led Zeppelin, en "Soulful rights, Soulful Days" dejan muy buenos destellos de Rock progresivo, y en "The Evening Wore one" hacen un tema instrumental donde la guitarra eléctrica pasa a primer plano, con un sonido muy sureño, que hará las delicias para vuestros oídos. 

   
En definitiva, merece la pena pararse a descubrir este interesante grupo.
Si queréis más información sobre esta banda, la podéis encontrar en su Twitter: @jaytrainerband, y en su pagina web: Jaytrainerband.com 

Grupos emergentes: Calentón, Canciones que Gemías Tú

Calentón

     En esta ocasión el grupo de Rock llamado Calentón se puso en contacto con nosotros y nos propuso que escucháramos su nuevo trabajo, un EP de seis temas titulado Canciones que Gemías Tú, que editaron en septiembre de 2017. Un trabajo que podrás ver y escuchar de forma completamente gratuita, ya que lo colgaron en la plataforma YouTube.

      El estilo del disco de este grupo procedente de Plasencia es el Rock, rock urbano como ellos mismo lo denominan. Nos ponemos a ello, y al escuchar el primer tema Cartílagos y el segundo tema A pulso de Garrapatea (que además viene acompañado de un videoclip) ya nos damos cuenta de que estos chicos tienen claras influencias y referencias en grupos como Extremoduro y Marea. Y así se van sucediendo el resto de composiciones, temas con unas buenas letras y rasgueos de guitarra, con un vocalista con una voz muy característica y quebrada, lo que da como resultado unos temas con mucha fuerza y donde se nota la pasión en lo que hacen. A destacar también la colaboración de Fernando Madina,  Bajista y vocalista de Reincidentes, en el tema Vivir mata, tema de corte más punk que rock.


     Calentón a finales de diciembre finalizará una extensa gira tocando en Badajoz (22 diciembre)  y Plasencia (29 diciembre) en la que han estado presentando este trabajo, muy buena oportunidad para ver a un buen grupo de Rock, con muy buenas maneras, con oficio y con pasión, que está luchando por hacerse un hueco en el panorama nacional. Un grupo que merece la pena echar un oído ó un vistazo.

La música en historias: Los vocalistas de AC/DC

     Todos tenemos claro que AC/DC, originaria de Australia, es una de las mejores bandas de rock de todos los tiempos, que ha sufrido en los últimos tiempos numerosos cambios en su formación, pero sabemos realmente cuantos vocalistas han pasado por la formación?

     Tenemos claro los vocalistas más famosos que han pasado por la formación, uno es Bon Scott, nacido en Escocia en 1946. Bon en 1974 era el conductor de la furgoneta en la que el grupo se trasladaba para realizar sus giras por Australia, y los hermanos Young que quedaron sorprendidos al oírle cantar, tanto por su registro de voz como por su experiencia, deciden ficharle en 1974. Y cuando todo iba sobre ruedas para el grupo y habían alcanzado la tan ansiada popularidad y reconocimiento internacional, Bon fallece al ahogarse en su propio vómito el 19 de febrero de 1980.

Bon Scott



     Pero la vida sigue, y el grupo aunque muy consternado por la pérdida de Bon deciden seguir adelante, pues así lo hubiera querido el mismísimo Bon. Y deciden realizar un sinfín de audiciones, probando numerosos vocalistas. Es entonces en Londres cuando un desconocido Brian Johnson realiza una primera audición para una banda que nadie le había dicho quien era. Johnson se ganó una segunda audición a la que llegó dos horas tarde, por lo que los hermanos Young y compañía pensaron que no le interesaba mucho la oferta. Lo que no sabían es que Brian llegó tarde porque se estaba ganando la vida dando unos conciertos programados con su hasta entonces grupo Geordie, pues tenía que comer de alguna forma, aparte de trabajar en una empresa de reparación de techos y parabrisas de coches. Finalmente y contra todo pronóstico Brian fué el elegido para reemplazar a Bon Scott. A partir de ahí poco que decir que no conozcamos tanto de Bon Scott y de Brian Johnson.

Brian Jonhson

     Llevamos dos vocalistas, a los que vamos a sumar otros dos, uno es Dave Evans, que formó parte del grupo desde sus inicios en 1973, y su paso fue bastante efímero, pues solo llegó a grabar dos sencillos con la formación, hasta que fue sustituido por Bon Scott en 1974. El otro es ni más ni menos que Axl Rose, al cuál no voy a descubrir ahora, y que sustituyó a Brian Johnson en el año 2016 para la gira Rock or bust que estaba realizando AC/DC, ya que a Brian le fue diagnosticado un problema auditivo que le mantuvo en el dique seco una temporada. Y todo hace indicar que ha vuelto a la formación después de la filtración de unas fotos en unos estudios de Vancouver donde se le ve con los demás miembros de AC/DC.

Dave Evans



     Y llevamos ya cuatro vocalistas, Dave Evans, con un efímero paso por la banda, Bon Scott y Brian Johnson, de los que poco se puede decir, y Axl rose, al que cuento como integrante porque ha estado en la formación una breve temporada aunque haya sido para sustituir y en una gira.

Axl Rose y Angus Young

     Pero sabéis que falta un quinto vocalista? Los más fieles seguidores de la banda lo sabrán seguro. En sus inicios, cuando el vocalista era Dave Evans, éste al parecer no tenía un serio compromiso con la banda, por lo que en más de una ocasión dejó al grupo en cuadro, por lo que hasta la llegada de Bon Scott, el que era representante de AC/DC en aquellos tiempos Dennis Laughlin en numerosas ocasiones tuvo que subirse al escenario a realizar las funciones de vocalista para echar una mano al grupo.

Dennis Laughlin

 

La música en historias: El pequeño libro del rock

Todo aquel que cuenta historias es porque las considera interesantes, y todo aquello que te interesa lo buscas y lo persigues sin descanso, siempre al acecho de nuevo material. Así es como llegó a mis manos "El pequeño libro del rock" de Hervé Bourhis, una auténtica sobredosis cronológica de datos sobre la historia de la música moderna a través de viñetas ilustradas.

Al ser un libro de un escritor francés, en su historia de la música hay espacio para discos y artistas que hasta ahora no había disfrutado en la medida en la que un francés lo habrá hecho. Conocemos a las grandes figuras estadounidenses, los grandes grupos del momento en el Reino Unido, y a los principales grupos españoles por la cercanía y el idioma, pero no es tan fácil seguir en detalle la escena musical de otros países.

Gracias a este libro he descubierto a George Brassens, Françoise Hardy, Boris Vian, Jack Kerouac, Serge Gaingsbourg y tantos otros. No sabía que Juliette Greco odiaba los domingos, que hubo una escena emergente de twist en Saint-Tropez, o que en el primer festival de rock en Paris hubo peleas, heridos y 700 asientos volando por los aires por culpa de los entonces famosos "greasers".
A Brigitte Bardot si que la conocía, para que negarlo...

Solo por eso ya me resultó interesante, pero el auténtico valor personal de este libro no es la exactitud de sus datos, ni la calidad de sus dibujos, ni lo fácil y amena que es su lectura. Todas esas cosas las tiene y mucho, pero lo que realmente me marcó fueron las frases introductorias del propio Hervé Bouris, que encajan perfectamente con el sentimiento que teníamos al crear este blog. Estas frases para mí son el auténtico mantra de 7 dias, 7 notas:

"Nunca he sufrido una sobredosis,

No vi a los Sex Pistols en el Chalet du Lac,

No estaba en el Bronx cuando nació el hip-hop,

No vi a los Beatles en directo en el Show de Ed Sullivan,

No fui a ningún concierto de Elvis en el 55,

Nunca he compartido groupies con Led Zeppelin,

No estuve en la clausura del Open Market,

No soy crítico de rock profesional,

No pretendo ser exhaustivo,

objetivo ni benevolente.

En resumen, no estoy legitimado para escribir este libro,

y precisamente por eso lo he escrito"

El disco de la semana 106: Loquillo - Feo, fuerte y formal.

40 años lo contemplan. 40 años al pie del cañón, pero no ha sido nada fácil llegar hasta aquí. Del Loco y su trayectoria podemos decir que hay 3 etapas claras: la etapa con Sabino Méndez, donde se forman las bandas Intocables y Trogloditas, la etapa donde se gesta todo lo que vendría después y donde se cosecha gran éxito. Aquí el directo "A por ellos..." marcaría el final de la misma, con la salida de Sabino y donde el Loco llega  a lo más alto de su carrera.

Una segunda etapa más oscura donde empieza a probar otros sonidos, estilos, y donde crece el personaje. Es la etapa oscura de los 90 y principios de los 2000. Aqui, los Trogloditas originales fueron saliendo hasta quedar sólo el bajista Simón- Y podemos decir que, al igual que la anterior, esta etapa se cierra con otro disco en directo "Hermanos de Sangre".

Parón y cuenta nueva para la tercera etapa de Loquillo, ya sin la marca de Trogloditas y sin ningún miembro de sus inicios. El Loco se vuelve a reinventar en cada disco que saca, desde un disco en directo en un teatro a otro con Sabino Méndez (sí, han vuelto a trabajar juntos) u otro de rockabilly. Qué nos tendrá preparado en un futuro???

Pues bien, el disco elegido "Feo , fuerte y formal" es de la segunda etapa y para mí uno de los mejores de Loquillo en su carrera. El sonido está muy cuidado, gracias al trabajo del productor Jaime Stinus (ExMondragón, ExRebelde…). Además de Stinus como productor (también es el autor de la música de "La edad de oro"), intervienen como autores de las canciones, junto al Loco en la letra, los habituales de esa época como Gabriel Sopeña y Carlos Segarra (Rebeldes) y donde empieza a colaborar no sólo como compositor sino como parte integrante de la banda el gran Igor Paskual (Ex Babylon Chat), mano derecha habitual en la actualidad del Loco. Por último, destacar además dos joyas en el disco, una la versión de Lone Star "Mi calle"; y una nueva versión de "Barcelona ciudad"
El título del disco hace referencia al epitafio que durante años puedo leerse en español en la lápida de la tumba anónima del actor John Wayne, "Feo, fuerte y formal", ya que su esposa decidió suprimir su nombre por temor a una profanación.*

*Agradecer a Luis Almohalla el gran texto que nos ha dejado

Y ahora pasaré a desgranar los temas del disco


Deportivo 7:

Empieza con un gran protagonismo de la guitarra, llegando a una mezcla de rock-heavy que hace que prometa, cuando irrumpe la voz de Jose Maria Sanz con su mensaje callejero pandillero, "Nunchacos y cadenas, hebillas y correas, no evites la pelea, no trates de huír en el Venus 2000"  mientras la guitarra sigue pidiendo su sitio. Un buen comienzo para un disco que promete rock bueno y del que se hacia en los años 80.... mucha melancolía.

Las chicas del Roxy:

Tema absolutamente Loquillo... que si, que es una obviedad, pero aquí esta su estilo, sus temas, su voz condensada en menos de 3 minutos de una forma magistral, ese estilo rockero cargado de guitarra, vuelve a la calle, los malotes, las mujeres fatales y como no ese tono que solo su voz puede dar para acompañar la instrumentación...

Al abrigo de la madrugada

sin nada que decir

En las noches cansadas

no tienen prisa por partir

Las chicas del Roxy

fuman, beben

y hablan con los hombres

Las chicas del Roxy

Qué barbaridad...

Feo, fuerte y formal: 

Nos encontramos ante el buque insignia del álbum, una canción que ha sonado multitud de veces y es quizás de las mas conocidas de la etapa de Loquillo en el Siglo XXI. Aquí se relaja la instrumentación y la melodía esta mas marcada. El tema se puede tomar como una autobiografía y una declaración de intenciones del autor, donde sin prejuicio ninguno desnuda lo que ha sido su "....Y como el duque: Feo, fuerte y formal...". Este es sin duda un tema que esta dentro de la mitología del colectivo que durante nuestra juventud escuchábamos a Loquillo, ¿quien no ha espetado en la cara de alguien con una copa en la mano eso de...
pasado. Personalmente como cinefilo me encanta esa referencia y esa reivindicación a uno de los actores mas grande que ha dado Hollywood, John Wayne, apodado el Duque 

No vine aquí para hacer amigos
Pero sabes que siempre puedes contar conmigo
Dicen de mí que soy un tanto animal
Pero en el fondo soy un sentimental

Disfruten de uno de los grandes temas del rock en castellano.


El manager:

Ahora nos encontramos una canción totalmente directa, sin metáforas, sin esconder nada bajo la manga, un tiro de gracia contra los managers que tratan de chupar todo lo que puede de sus artistas, y es que según he leído Loquillo tuvo bastante problemas con sus managers hasta que dio con Gay Mercader, que es todo lo que un músico necesita, en el fondo la canción retrata justamente lo que debió sucederle hasta que en los años noventa tomó Mercader el rumbo de su carrera.

Mi calle:

Es una versión del clásico del grupo Lone Star, una formación pionera del rock formada en Barcelona a comienzos de los años sesenta y que no disfruto del éxito que se merecían. En esta ocasión Loquillo actualiza una de sus canciones y homenajea a uno de los primeros que empezó a recorrer el camino que él tan bien ha sabido llevar, y es que Mi calle se amolda perfectamente a lo que es Loquillo un texto de marginalidad. Inspirada en la Calle del Trovador de Barcelona, viviendas demacradas, niños descalzos, bares de mala reputación, violencia…

La edad de oro:

Brillante tema donde cambia radicalmente el estilo, se suaviza, y con una voz mistica y adormecida nos cuenta una bellisima historia de amor residual, de admiración absoluta a pesar de los años a una figura que siempre fue admirada, canción plagada de poesía

Turbia mirada de complicidad

Fuego cruzado en la oscuridad

En la lujuria de aquellos días

entre disparos de cocaína

viciosa y terminal

no tenía rival

Acostumbrada al amanecer

a fiestas con Charme y placer

El Mundo siempre a sus pies

Sueños en plata de ley

Chica mal de casa bien

Lo dice el viejo tango de Gardel

La elegancia en la guitarra de Jaime Stinus le da un aire al Heroes de David Bowie que te envuelve... una verdadera joya...

Soltando lastre:

Sigue el tono suave en el disco, pero en esta ocasión sumida en una melancolía brutal y una mirada al pasado como en la canción La edad de oro, pero en esta ocasión, Loquillo dirige la mirada a su persona, y se da cuenta de lo que ha sido y de lo que es, y lo que le gustaba y lo que le sigue gustando  y como él, sigue teniendo que ser él, sin mas porque se lo pide el cuerpo y la mente..."Ya no tocan la música de antes, No tengo amigos, No tengo amantes, pero guardo en mis bolsillos un par de diamantes, Aquí me tienes soltando lastre.....". En esta ocasión Gabriel Sopeña pone su granito de arena para crear esta joya.

Territorios libres:

Aquí se nos ha puesto subversivo, una declaración de rebeldia personal y de que no lo encasillen en ningún lado, su barco es su persona y su objetivo el que él mismo crea conveniente. Grande Loquillo en esta faceta

Charnego (a la manera de Gato):

Cantada en dos idiomas, Catalán y Castellano, Loquillo reivindica a todos aquellos que llegaron a Cataluña en los años sesenta en busca de un futuro mejor y le hace un homenaje a ritmo de rock-rumba magnifico, de nuevo acompañado de Gabriel Sopeña, crea una canción pegadiza e incluso bailable demostrando que para reivindicar no hay que ponerse aburrido y trascendental.

Barcelona ciudad:

Cancion emblematica de Loquillo que luego se convirtio en el titulo del libro de sus memorias de juventud cuando corria por la ciudad en busca de labrarse un futuro y con ganas de comerse el mundo, un homenaje crudo a su ciudad en esta cancion que no entiendo como no ha conseguido mas relevancia.

Aquí en Barcelona ciudad 
tu sueño no se hará realidad. 
Ardiendo en tu habitación, 
sentado en cualquier rincón, 
esperando con pasión 
tus dos de Rock'n Roll. 

Aquí en Barcelona ciudad 
harto ya de esperar 
a una chica irreal 
en Barcelona ciudad. 
Amor es una palabra casual 
y el sexo un juego más 
en Barcelona ciudad.

La música en historias: Slash "El Guapo"

Slash

     Corría el año 1985, y "Slash" forma parte de la banda "Hollywood Rose" (antesala de la mítica formación Guns & roses). Pero Slash que no esta muy contento con la formación, decide realizar numerosos castings buscando una banda donde tocar. Es entonces cuando se le presenta una oportunidad de audicionar para el famoso grupo de Glam-Metal "Poison" que por entonces estaba teniendo mucho tirón. La cuestión era que el guitarrista de la formación original, Matt Smith dejaba Poison, pues su novia se había quedado embarazada y quería disponer de más tiempo para dedicarlo a su familia.

     Según versión del propio Slash, éste coincide con Matt, el cuál le sugiere que pruebe con el grupo Poison ya que él va a dejar el grupo, a lo que Slash accede pues quiere mantenerse en el panorama rockero. Una vez realizada la audición queda claro que es el favorito para entrar en la banda. Durante una de estas audiciones se le pregunta que tipo de vestimenta iba a usar, y si estaría dispuesto a maquillarse, lo cuál a Slash no le hace ni pizca de gracia. Posteriormente en otra de esa audiciones Slash se cruzó con el que a la postre sería el elegido para cubrir el puesto de guitarrista de la banda, C. C. Deville, el cuál iba todo maquillado y con el pelo todo lacado.

    Según fuentes de miembros del grupo Poison, reconocen que Slash era un músico increíble, pero no querían a un supervirtuoso, y consideraron que C. C. Deville encajaba mejor para el grupo.

    Quizás se decantaron por C. C. Deville porque sabían de las reticencias de Slash a maquillarse y cambiar su look, quizás simplemente porque es cierto que C. C. encajaba mejor con el grupo como ellos afirmaban. Eso solo lo saben los protagonistas de la historia, pero yo me alegro de que Slash no acabase en Poison, porque nos lo hubiéramos perdido con el grupo "Guns & roses", y ahí si que encajaba, y como encajaba....................

La musica en el cine: Vangelis - Carros de fuego

En la entrega de hoy nos vamos a Grecia a hablar del que es sin duda uno de sus compositores mas reconocidos a nivel internacional, nos estamos refiriendo a Vangelis, el autor de varias bandas sonoras muy conocidas por el publico en general como son Blade Runner, 1942 la conquista del paraíso, la serie Cosmos de Carl Sagan y sobre todo de la que hablaremos, Carros de fuego.

Vangelis a principio de los años ochenta ya se había hecho un hueco como compositor en el cine, si bien había compuesto la música para mas de diez películas, todas del circuito independiente, y fue a principio de esa década cuando Carl Sagan decidió incluir varios de sus temas en su archiconocido documental, Cosmos, un viaje personal. El éxito de esa serie le catapultó a la fama y el director británico Hugh Hudson que por aquel entonces estaba preparando una película sobre los atletas británicos que estaban preparando los juegos Olímpicos de París 1924 y después de escuchar la música realizada en 1977 por Vangelis en "Ópera sauvage", un documental sobre animales del realizador Frédéric Rossif, pensó que su estilo particular le vendría muy bien a su film, a pesar de que le advirtieron que el sonido de sintetizadores tan particular y tan presente en la obra del compositor, no podría casar muy bien con la época en la que se desarrolla el film, los años 20 del siglo pasado, pero finalmente se impuso el criterio del director y Vangelis compuso con sintetizadores el célebre tema que suena en los primeros minutos de la película donde se muestran a los atletas, en cámara lenta, entrenándose descalzos en la playa. Dicha escena fue filmada en la costa este de Escocia, en una pequeña pero importante ciudad de ese país, St. Andrews, ubicada en el condado de Fife. El tema alcanzó tal popularidad que logró llegar al puesto número 1 en el listado de sencillos de las 100 calientes de Billboard, la semana del 8 de mayo de 1982. Ademas obtuvo el premio Oscar a la mejor Banda Sonora en 1981, derrotando al mismísimo John Williams que estaba nominado por su trabajo realizado para Spielberg para la película "En busca del arca perdida".



Vangelis, nacido el 29 de marzo de 1943 y cuyo nombre real es Evangelos Odysseas Papathanassiou, empezó su carrera en bandas de rock progresivo de su país en los años 60 que tuvieron cierto exito, pero discrepancias provoco su disolución. Ya en los 70 se dio a conocer por su carrera en solitario, especialmente gracias a sus álbumes de música electrónica llegando a construir sus propios estudios de grabación, a los que bautiza como Nemo Studios.20​. Los años 80 fue su época dorada en el cine, pero temiendo la posibilidad de quedar encasillado como músico de bandas sonoras, Vangelis decide no publicar comercialmente todos sus trabajos para el séptimo arte. Ya en los noventa, el músico explora la combinación de ambientes urbanos con el minimalismo electrónico, de su carácter da testimonio la pieza Good to See You que en sus primeros 23 segundos sólo consiste en ruidos de ciudad, pero rápidamente gira y tiene un mayor acercamiento a los esquemas compositivos y la gravedad de la tradición clásica, sin insistir tanto en la creación de música experimental como hiciese previamente. Ya entrado el siglo XXI fue protagonista de la composición de un tema que sirviera de himno para la misión no tripulada a Marte en 2001: Mars Odyssey. En 2002 se publica el single con el himno oficial de la Copa Mundial de Fútbol de 2002 celebrada en Corea y Japón.
Ha desarrollado una carrera paralela como pintor,​ y ha realizado varias exposiciones internacionales.​ Su aporte a diversos proyectos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático especialmente en su Grecia natal. En su honor la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide: el (6354) Vangelis.

Canciones que no soporto: Layla (Unplugged), Eric Clapton

Eric Clapton, Unplugged



     Corría el año 1970, y Eric Clapton decide formar una nueva banda de Rock. Para tal aventura además de él a la voz y la guitarra, decide contar con Bobby Whitlock a los teclados, Carl Radle al bajo, y jim Gordon a la batería. Por cosas del destino Clapton conoce poco después  a Duane Allman y acaba fichandolo para este proyecto (pero eso es otra historia), quedando conformado el grupo con estos cinco músicos. 

     El grupo se acaba llamando "Derek and The Dominos",  y ese año edita el único disco que cuenta en su haber , "Layla and Other Assorted Love Songs", que si bien no obtuvo unas ventas muy buenas, si fue muy bien recibido y valorado por la crítica. 

     En ese disco podemos encontrar el tema llamado "Layla", compuesta por Clapton y el batería Gordon, está basado en la historia de un poeta clásico persa llamado Nezami, que cuenta la historia de una princesa que es obligada por su padre a casarse con una persona diferente al joven que realmente ama. Clapton junto con Gordon, compuso este tema para referirse a Pattie Boyd, quien por aquel entonces era la mujer de George Harrison, de la cuál estaba enamorado y con la que se casaría posteriormente. Un tema con mucha historia, interpretado por dos guitarristas geniales, Clapton y Allman.

     El tema original es para mí una auténtica Delicatessen, una obra maestra. Es un tema que a lo largo de su historia ha sido versionado en multitud de ocasiones. En 1992, Eric Clapton rodeado de un pequeño grupo de público, en los Bray Studios de Windsor (Inglaterra), graba y despues edita un directo totalmente acustico titulado "Unplugged", un buen disco que además tengo en vinilo, y que tiene piezas muy buenas como por ejemplo una versión del "Walkin' Blues de Robert Johnson, la versión de San Francisco Bye Blues, o la delicada Tears in Heaven, compuesta en honor a su hijo fallecido.

     En este disco también se encuentra una versión acústica de "Layla", versión que nunca me ha acabado de entrar. En la versión original las guitarras de Clapton y Allman se salen, y  la historia es contada con una desgarradora fuerza, lo que lo convierten en un tema brutal, magistral,  mientras que para mí, a la versión del Unplugged de Clapton le falta todo, el tema me resulta insípido, se carga la magia de un tema espectacular...........

La música en historias: Coque Malla "Irrepetible" 6-12-2018

Ayer la noche estaba fría en Madrid, y aún más a la orilla del Manzanares, mientras esperábamos la cola para entrar a la Riviera para el concierto de despedida de la gira "Irrepetible" de Coque Malla. 

Un guardia de seguridad de nacionalidad cubana se ganó a todos los que esperábamos con su buen humor y amabilidad durante la espera, haciendo de ese rato previo algo más cálido y amigable.

Daba constantemente instrucciones a las filas para un correcto acceso, con buen humor y gracejo como cuando pidió el DNI a una chica, y al comprobar que era menor de edad, le puso un sello para que no le sirvieran bebidas alcohólicas en el interior mientras bromeaba cantando: "Se acabó la fiesta, lo siento porque tenemos una colección de rones muy buena dentro, pero tengo que ponerte este sello".

La chica iba con su familia y todos bromearon sobre aquello. Ese era el ambiente que se respiraba en los aledaños de la Riviera, gente que ha crecido al calor de las canciones de Coque Malla, y que se las han puesto a sus hijos adolescentes hasta conseguir ese momento mágico en el que un hijo te acompaña a un concierto.

Gente en parejas, en grupos, tomando cervezas en los bares de los alrededores, sin malas caras cuando les dijeron que no podían entrar bocadillos al recinto, nada podía estropear un momento que tenía que ser "Irrepetible".

Y lo fue. Pocos minutos pasaban de las 21,30h cuando la banda entró decidida al escenario, entre la euforia y los aplausos del público que llenaba la Riviera. Los músicos fueron ocupando su lugar, Coque el último para lograr el subidón máximo en el arranque del primer tema. Escenario austero, el telón clásico de la Riviera y tres grandes lámparas de pié como único atrezzo. No hacía falta más, la música y las canciones eran las protagonistas.

La sección de viento ocupaba el centro del escenario en segunda línea, desplazando a la batería a la parte derecha del escenario. Esa segunda línea la completaban los teclados en la parte izquierda. En primera línea, guitarra eléctrica y bajo a los dos lados del escenario, con Coque Malla liderando en el centro y cambiando de guitarra en función de cada tema.

Arrancaron con un instrumental muy marcado por la sección de viento, que dió paso a un tema que no esperábamos en el repertorio, "Este es el momento", de la genial película Campeones. Enlazada con ésta, atacaron la que esperábamos como inicio, "Escúchame", en la que Coque fue presentando uno a uno a los músicos para acabar con un "Yo soy Coque Malla, bienvenidos!!!!", mientras el tema explotaba en su parte instrumental.

Arranque de Big Band al que siguió una revisión del "She's my baby" de La hora de los gigantes, disco de la semana 103 en 7 días, 7 notas (ver reseña en "Disco de la semana").

Cambio a guitarra acústica para uno de los grandes momentos de la noche, con todo el público cantando esa maravilla de estribillo de "La señal", a la que siguió la única canción que rescató de su disco de debut en solitario, "La mujer sin llave", convertida en pieza relevante del repertorio desde que la puso como apertura del proyecto "Mujeres".

La temperatura volvió a subir con el tema que da título a su "Último hombre en la tierra", una de las canciones que dan fe de la madurez que Coque ha alcanzado en las letras y la música. La falta de una orquesta para acompañarla no mermó las fuerzas de una canción grande, que sabe a circo y a titiriteros y al mismo tiempo es una declaración de amor y añoranza de los buenos momentos.

Las canciones se iban sucediendo, la banda en forma, Coque mostrando sus dotes escenográficas en los gestos y la intensidad del recitado de "La Carta", mostrando su lado más cercano y simpático en la explicación del origen de "Berlín", y regalándonos la segunda sorpresa de la noche repescando "El sombrero", del disco "Sueños" que como el buen vino se ha hecho cada vez mejor con los años.

La banda y Coque mostraron después su gusto por el blues en "Todo el mundo arde", antes de disparar la tercera sorpresa, una tremenda versión de "El equilibrio es imposible" de Los Piratas de su gran amigo Iván Ferreiro. Aquí comentó Coque que las canciones estaban ahí fuera, solo había que poner empeño en escucharlas y atraparlas, pero esa se le había escapado y se la había llevado antes "el gallego".

Llegó entonces el turno de recordar a los Ronaldos, con una inesperada e intensa "Quiero que estemos pegados" y con la esperada "Guárdalo" de nuevo a dúo con la única colaboración de la noche, Dani Martin.

Vuelta al último disco con "Cachorro de León", y sobre todo con esa joya absoluta que es "Pétalos, sonrisas y desastres". Esta si que la atrapaste en el sitio en el que se ocultan las canciones, Coque!!!!

Momento de coger aire, sentarse en una banqueta, y atacar temas más tranquilos como "Una moneda" o "Hace tiempo", con el público entregado a esa rareza ranchera de su repertorio. Un espejismo de tranquilidad, porque después sonaron las primeras notas de "No puedo vivir sin ti" y la Riviera se volvió loca.

Con un sorprendente "Despierto" Coque se despidió del público antes de los bises, un trío formado por la increíble "Hasta el final", la pegadiza "Lo hago por tí" y ese monumento en el que se ha convertido "Me dejó marchar" con su constante crecer en cada escucha.

Y con eso Coque nos dejó marchar. Volvimos a la fría noche madrileña, extasiados de música pero con ganas de más, con la sensación de haber vivido efectivamente un momento irrepetible, que ojalá volvamos a repetir.

Comentó que el siguiente paso sería encerrarse a componer, esperaremos atentos pero hasta entonces, como dijo el guardia de seguridad de la entrada: "Se acabó la fiesta". No hay más rones que tomar ni canciones que escuchar, nos vamos con el sello de la música que Coque nos dejó grabado.

El disco de la semana 105: Desakato - Miseria Sangre y Plomo

Miseria, sangre y plomo (2010)

     El Punk-Rock acapara el disco propuesto para esta semana, que nos ha traído al territorio nacional, concretamente Asturias, de donde procede Desakato, grupo que nació en la localidad de Llanera allá por el año 2003.
   
     En el año 2004 consiguen editar su primera maqueta, "Agujero social". En el año 2005 editan su segunda maqueta, "Gritando en silencio". Dos años más tarde por fín logran grabar su primer disco, "Con el viento de cara", lo que les abre definitivamente las puertas del panorama nacional.

     En 2010 editan su segundo álbum,  "Miseria,  sangre y plomo", que es el disco en el que nos vamos a centrar.


      Este disco no es un disco de Punk-Rock clásico al uso, pues este grupo mezcla el punk, el rock y la musica folk, y lo hacen con mucha clase, con un sonido muy contundente, con unas guitarras muy cuidadas y bien empacadas, utilizando además  gaitas y secciones de viento para las partes más folklóricas del disco.



     Comienza el disco con el tema "África", un tema de corte Punk-Rock al estilo clásico, donde al final meten sección de viento, dejando entrever lo que se avecina. África es toda una crítica donde dejan entrever que hay cosas que nunca cambian.



     En el segundo tema, "En el ojo ajeno" meten unos cambios metaleros buenisimos, apoyados siempre en las guitarras. Unas guitarras que cuidan muchísimo.



     Y llega "Cada vez", una de las joyas del disco, tema que empieza en plan balada,  para ir cogiendo velocidad, donde las guitarras se acaban desmelenando, y entonces entra el sonido de gaitas, creando una mezcla de Punk-Rock con folk de la tierra  buenísima.



     Y así, uno tras otro, voy escuchando los temas totalmente enganchado (pues ya me han ganado), y van haciendo gala de ese potente de sonido, el mensaje de sus letras, esos cambios de ritmo constantes que no sabes por donde va a salir, y todo aderezado por una exquisita mezcla de folk asturiano.



     En "Bajo la piel" por ejemplo, comienzan unos cambios metaleros muy buenos, metiendo muchos matices folk. Según avanza el tema, este se va acelerando hasta acabar en una potente descarga y te vuelven a sorprender ensartando una sección de viento, con un resultado brutal.



     "El mio camin", es uno de los dos temas que realizan cantando en astur, otro guiño más a su tierra. El otro es "Frío de Xineru", otra de las joyas del disco, una balada donde el vocalista esta acompañado prácticamente todo el tema solo con un piano, con una letra que te llega (los sueños pocas veces se corresponden a la realidad). Demostrando que además de desenvolverse con maestría con las potentes descargas, también saben hacer temas lentos, y además emocionar.


     Desakato, que este año han editado su último trabajo, "Antártida", cuentan ya en su haber con 6 álbumes a lo largo de su larga trayectoria musical. Buen grupo que merece la pena detenerse a escuchar si no los conoces ya......

Desakato (2017)

Miseria, sangre y plomo (2010)

• África
• En el ojo ajeno
• Cada vez
• Contra la pared
• Otro gramo
• Bajo la piel
• Mundo virtual
• El mío camin
• Frio de xineru
• nuestra oportunidad

   

   

La música en historias: El disgusto de Rory

Rory Gallagher 

     Rory Gallagher nació en Ballyshannon, Irlanda el 2 de marzo de 1948. a la edad de dos años sus padres se mudaron a Derry, y tras una corta estancia en dicha localidad, por motivos laborales de su padre, acabaron viviendo toda su vida en la localidad de Cork, donde Rory acabó viviendo gran parte de su vida.

      En 1966, con apenas 18 años, funda el grupo Taste, con el que edita dos discos de estudio, y rompe barreras realizando una gira por Estados Unidos como teloneros del grupo Blind Faith. En 1970 tras formar parte del mítico elenco del Festival de la Isla de Wight, en 1970, Rory que no está contento con la dirección que quieren dar al grupo tanto la discográfica, como su manager y los otros dos componentes del grupo, disuelve la banda para iniciar su carrera en solitario. De esta etapa Rory aprendería mucho, como podréis comprobar después.

Taste, Isla de Wight (1970)

     En el año 1974  Rory ya atesoraba 4 discos en estudio (todos absolutamente recomendables) y dos en directo (Mítico el directo Irish tour 74) todos publicados con la compañía Polydor. En 1975 Rory ya es toda una estrella, y firma un contrato con la compañía Chrysalis, y aquí hace una cosa muy interesante al negociar el contrato con dicha compañía, renuncia a una considerable parte de sus emolumentos a cambio de tener el control total de sus temas y discos, siendo el siempre el que tendría la última palabra sobre que material se editaría y vería la luz.


     En 1977, y después de haber editado otros dos discos más, muy recomendables también por cierto, y aprovechando su creciente popularidad en Estados Unidos, decide irse a grabar a la ciudad de San Francisco de la mano del productor Elliot Mazer. Una vez finalizado el proceso de grabación, durante el cuál ya habían surgido problemas, y una vez mezclado el que sería su nuevo trabajo, Rory muestra su disconformidad con el resultado final, llegando a discutir con el productor, Elliot. Tanto el productor como la compañía querían sacar ese trabajo adelante, pero Rory tenía un as en la manga. Como comenté anteriormente, con Taste aprendió mucho, y desde entonces decidiría que su música era suya y tenía claro el tipo de música que quería hacer, por eso en su momento renuncia a ganar más dinero a cambio de tener él el control de su música. Y eso es precisamente lo que haría. Esas grabaciones decide no sacarlas  adelante, guardándoselas, grabaciones que por cierto, parte de ellas verían la luz en el año 2011, con el título de Notes from San Francisco.


     Y nos encontramos en el punto en el que Rory había decidido no publicar ese trabajo, hasta ahí bien. Quién no estaba muy contenta era su compañía, Chrysalis, pues tenía firmado por contrato que Rory debía publicar un disco nuevo, y apenas le quedaba tiempo. Entonces Rory toma una decisión, despide a toda la banda que venía acompañándole durante los últimos cinco años, menos a su inseparable bajista, Gerry Mcavoy, y ficha al batería Ted McKenna, volviendo a la típica formación Power Trío que tanto le gustaba.

Photo Finish (1978)

     Una vez realizados los cambios en la formación, se marcha a los Dierks Estudios de Colonia, Alemania, para trabajar con Dietr Dierks, productor que trabajo en varios discos de Scorpions, y en un mes escaso graba Photo Finish, otro gran trabajo, que contiene temas poderosos y llenos de fuerza cómo Brute Force & Ignorance o Shadow Play, blues como Fuel to the Fire, o la maravillosa Overnight Bag, una oda que hace referencia a su continua vida en la carretera. En definitiva el resultado es otro memorable disco, hecho a su gusto, y es que Rory tenía gusto, mucho gusto, todo lo que hizo a lo largo de su carrera lo hizo bien, que digo, muy bien.


     Cómo él decía, su música era suya y sólo se debía a su público, pues donde realmente disfrutaba era en directo, junto a su amado público.

La música en historias: La extraña pareja

Alice Cooper y Salvador Dalí 

    Año 1973, y Salvador Dalí se encontraba por asuntos profesionales en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos. Encontrándose allí, Dalí es invitado a ver un concierto de Alice Cooper, que por aquel entonces ya había despegado hacia el estrellato. Dalí fue a ese concierto, y quedo maravillado por el mismo. Le había impresionado aquel show,  aquella puesta en escena con serpientes, sangre, todo muy tétrico. Al acabar el concierto, y ante lo maravillado que quedó Dalí, insistió en conocer a tal artista que había tenido los arrestos de llevar a cabo semejante espectáculo. Alice Cooper, nada más saber que el mismísimo Dalí quería conocerle accedió encantado.

Alice Cooper y Salvador Dalí

     De ese encuentro nació una solida amistad entre el artista y el cantante, que se vería reforzada poco después cuando Dalí invitó a Alice a visitar su casa en Figueres, donde los dos pasaron uno días.

Durante esa visita, Dalí tuvo a bien hacer una obra basada en el arte de Alice Cooper llamado "Alice's Cooper Brain" (El Cerebro de Alice Cooper).

     Dicha obra consiste en un holograma tridimensional que proyecta la figura de Alice Cooper sentado, sosteniendo una estatuilla seccionada de la Venus de Milo, portando joyas por valor de unos cuatro millones de dólares. Detrás se encuentra Dalí sosteniendo el cerebro de Alice cubierto de un relámpago de chocolate y hormigas.

Alice's Cooper Brain

     Esta admiración fue mutua, pues en 1983, Alice homenajea a Dalí, y en la portada de su disco "Da-Da", aparece parte de la obra de Dalí "Mercado de esclavos con busto invisible de Voltaire"

Da-Da, Alice Cooper



     Una amistad que perduraría para siempre, hasta la muerte de Dalí en 1989, y que el propio Alice se encargaría de recordar y alimentar posteriormente, pues siguió haciendo menciones de Dalí en sus conciertos y recitando versos suyos..

El disco de la semana 104: Pedro Guerra - Golosinas

Pedro Guerra es uno de mis cantautores favoritos, me acompaño una época un poco oscura entre la desaparición de mi madre y la aparición de la que es ahora mi mujer, Golosinas fue un disco que me acompaño durante esos años, golosinas me sigue acompañando, el 16 de enero estaré viéndole en Madrid y disfrutandolo, pero quiero contaros lo que es para mi este disco




Biografia: Ambiente festivo para una autobiografía de ese cantautor, que por aquel entonces contaba con 29 años, que nos recita de forma entre seria con toques de comedia lo que hasta entonces había sido su existencia, desde su niñez, plagada de sentimientos, relaciones humanas, amores, deseos, sus inicios en el mundo de la música, como poco a poco va haciéndose un hueco en la profesión que le gustaba sin cambiar un ápice lo que es. me encanto y mas de uno nos podemos ver representados en esa frase que borda.... "muy poco nocturno y bastante pa' dentro". Magnifico primer tema para abrir el disco, directa, el cantautor es mensaje, transcendencia pero se puede vestir de mil maneras....

Dibujos animados: Vuelve en la segunda canción a hablar de si mismo, de sus circunstancias y aunque el tono es quizás mas sombrío, si lo rellena de algo tan infantil pero que a personas de todas las edades le gusta, los dibujos animados, que le sirve para hacer comparaciones con su yo actual y su relación amorosa.... desfilan entre sus notas, Bugs Bunny, Dumbo, Disney y su fantasia musical,  hay espacio para Bart Simpson y como no, para los que tenemos cierta edad y pasamos tantas tardes viendo cosas imposibles con Warner Bros... brillante canción de amor y admiración, no perdamos la inocencia infantil ni siquiera cuando nos enfrentamos y disfrutamos en el amor, hagamoslo como un niño y con espacio suficiente para la fantasía...

Me aplasto el crujir de una locomotora
Me quede como una linea en el espacio
Me barriste sin querer con una escoba
Me salvaste con un beso y un abrazo

Hay mil maneras de derrotar a un hombre: No nos apartamos del sentimiento con el tercer tema y vuelve el tono festivo para una cancion mas grave que sus notas musicales nos puedan parecer, la importancia que tiene el dolor sentimental sobre el dolor fisico. Revolucionada, que no es poco.

Golosinas: el tema que da titulo al disco es un tema que aboga por la añoranza, por no olvidar aquellas cosas que en algún momento fueron lo mas importante pero que nunca dejaran de pertenecer a la esencia de uno mismo. Referencias a uno de sus cantautores favoritos, Silvio Rodriguez, y a uno de los actores mas carismáticos del panorama cinematografico en Francia de aquel momento, Gerard Depardieu y su mítica actuación en Cyrano de Bergerac, otro de los personajes imprescindible en la mitomania de un romántico.

El marido de la peluquera: Personalmente un tema TOP de Golosinas. La base de la canción ( y el titulo) es la película de Patrice Leconte, El marido de la peluquera, que cuenta la historia de un anciano obsesionado desde niño con las peluqueras, con sus olores, colonias, y sobre todo sus pechos... A una edad tardía encuentra a Matilde, "su estrella", su peluquera, inician una relacion donde el cenit llega durante un baile y un abrazo y nace el miedo a "que ya no quiera bailar nunca mas".... y no te voy a contar mas, busca la pelicula o escucha atentamente la cancion. Sirviendo como base esta película, la canción logra trasmitirte el amor, el dolor, el desamparo, la ausencia que esa relación que se representa en la película......., tan bien contada y cantada que por si sola se convierte en una película. Bravo

Mejor buenos recuerdos que un pasado perdido
por eso Matilde un buen día
acabó por tirarse en el río
lo que fue tan hermoso que no caiga al olvido
te estaré recordando por siempre Matilde que tú no te has ido
Abrázame fuerte que no pueda respirar
tengo miedo de que un día ya no quiera bailar conmigo nunca más

RapADurasPenas: Cambio de registro, ¿un rap? pues si un rap cantautor con una inestimable colaboración del publico..... una curiosidad dentro de tanta trascendencia que nos ha entregado en los primeros 5 temas, un descanso agradable.

Dos mil recuerdos: Me pongo en pie para escuchar esta canción y dejo volar mi imaginación con este viaje a la infancia que Pedro Guerra nos sirve con un brillantisimo acompañamiento musical, si eres un poco sentimental es imposible no terminar con los pelos de punta después de escucharla

tengo en un baúl dos mil recuerdos que quedaron

de aquel tiempo de ese olor tan infantil
las bolas de los flipper el gesto de sentir
la calma como norma enero como abril
un sol de plastina veranos por vivir
los mistos que hacen ruido petardo y regaliz

Y la Patrulla X ganando para mí
y estampas en los quioscos y tanto que pedir
la plaza como escusa el verbo sin abrir
un chicle del bazoka y un cuento de Tintín

Lloro....

Todo es desorden: Vuelta al amor, pero en este caso a un amor sin condiciones y sobre todo sin barreras impuestas uno a otro, una canción de amor loco pero que la locura no llegue a dañar a la pareja, un canto al amor con respeto que siempre debe estar por encima .... "No pondré candados a la puerta de tu puerta, no tendré la llave del deseo y el rencor, pero si amanece y no estás conmigo todo es desorden". Magnifica.

Rayas: De nuevo el tema infantil que esta tan presente en el disco (golosinas, dibujos animados, dos mil recuerdos) y en esta ocasion los dibujos de los niños y la imaginación al poder, una canción de cantautor que te hace mover los pies.... genio.

Mujer que no tendré: ¿Es posible amar a alguien al que nunca has amado?  Para Pedro Guerra según esta canción si, y es que quien no ha amado a alguien y aunque no lo hayas conseguido tengas una etapa de añoranza y desamor por ella..... una vuelta de tuerca muy interesante..... Mujer que no tendré, que no adivinaras mis buenas luces, mujer que no tendré que nunca sufrirá.... mis malos ratos.

Las gafas de Lennon: Y viva la Utopia, y viva su máximo representante y que por siempre este con nosotros como se merece, esta canción es un puro homenaje y reivindicación a uno de los mas grandes músicos que ha dado y no olvidéis.... Imagine all the people y aun esta por ver que no sera posible Imagine all the people.... y habrá que responder que no sera posible. La armónica juega en esta canción un papel principal...

Hechos de gente: Para mi una de las menos redondas, pero cierto que encuentras en esta letra una critica a la juventud, o mas bien una representacion de la forma que tienen de actuar en esa epoca tan rara y de tanto cambio que les ha tocado vivir, todos en el fondo fuimos alguna vez Silvia, Pedro, Rita o Marcos... todos tenemos unos hechos que nos han marcado.

Greta: Para mi la masterpiece del disco, todos hemos sido Greta alguna vez, todos hemos tenido que sufrir un desengaño amoroso, todos hemos tenido unas heridas que cuidar, y esta Greta somos tu y yo y es mi vecina del quinto y es mi hermano pequeño y es nuestro propio padre. Greta camina como caminamos todos, tratando de encontrar un hueco en esta vida donde podamos cobijarnos y nos haga feliz, queremos amar y ser amados y en esa búsqueda podremos encontrar miles de personas que actúan a nuestro alrededor y con toda probabilidad muchos de ellos hacer te pueden hacer volar el corazón, es parte del juego del amor, no te preocupes, maldice, quéjate, llora y no olvides, pero sobre todo hay que saber levantarse y volver a mirar a tu alrededor y llegar a entender que seguramente detrás de los actores personajes principales hay un especialista que puede estar hecho para nosotros, te vas a dejar deslumbrar como le paso a Greta, pero una vez deslumbrado aprende a mirar detrás de cualquier persona puede existir un rinconcito y no los mas grandes y apetecibles son los mejores...... todos somos Greta, yo sufro con Greta cada vez que Pedro Guerra me cuenta su historia.... amo también como Greta.

Se marchó el ladrón con su bicicleta y sin flores para Greta que esperaba en el balcón pero ya no hay más ya no siente nada ya olvidó aquella jugada ya pasó lo que pasó
Se llamaba Greta y era joven y aprendiz le quedaron cicatrices de los días infelices engreído malnacido consentido ya no piensa más en tí
Ahora espera el tren o quizá la bicicleta o los ojos de otro atleta como no se encuentran dos y vendrá tal vez y será un especialista y sabrá como un artista consolarle el corazón

Peter Pan: Seguimos con los dibujos animados, en esta ocasión una versión sobre el personaje de Peter Pan, mas trascendente y quizás mas madura y con otras preocupaciones... buen tema, pero no es de mis favoritos, me llega poco

Hazlos reír: Vuelve el optimismo, el buen rollo, la alegría al disco después de tanta trascendencia en el disco, una canción que podría ser una forma de vivir, un manual para poder pasar por aquí de la mejor manera..... bailen sin parar.

Deseo: Y aquí ante ustedes la mejor obra del disco, una canción perfecta en 3 minutos para dejar volar la imaginación, en esta ocasión y como el titulo dice el tema principal es el Deseo y la importancia que le damos y lo insignificante que muchas veces resulta, por aquel 1995 era sin duda la canción que mas me heria el alma, ha pasado el tiempo y las circunstancias cambian, pero sigue rasgandome el corazón, ahora toca personalizar..... iba escuchando el disco en el coche con la familia y empezaron los acordes, y solté, "Sara, una de las canciones de mi juventud, estate atenta", la mente iba entre aquella época y la actual y las circunstancias que me rodean con mi hija de 13 años, la miraba por el retrovisor y observaba como prestaba atención, poco a poco la canción se iba colando entre nosotros hasta que llego el momento cumbre que Pedro Guerra repite varias veces, el leitmotiv de la canción.....

Y con las luces del alba, 

antes que tú te despiertes 

se hará ceniza el deseo 

me marcharé para siempre 

y cuando todo se acabe 

y se hagan polvo las alas 

no habré sabido por qué 

me he vuelto loco por nada

Acaba y le pregunto.....¿Te ha gustado Sara?, ella contesta - Mucho, papa, y yo sonrio y quiero ir un paso mas alla, rebobino y le pongo de nuevo la frase, mi hija sufre un tipo de Trastorno de la Alimentación muy común, antes de ponerla, le comento, escucha de nuevo esta frase y reflexiona sobre lo que te ocurre actualmente y lo que al final sera....... y cuando todo se acabe, y se hagan polvo las alas, no habré sabido por qué, me he vuelto loco por nada....  Sara sonríe, mira por la ventana y dice..... "no se, Papa", lacónicamente digo.. "es pronto hija y aun no puede, en unos años escucharas de nuevo la canción y veras que bien lo ha contado Pedro Guerra, acuérdate"  Otra canción para mi vida.


Contaminame: Su obra mas conocida, quizás porque Victor Manuel y Ana Belen la promocionaron y la llevaban en su repertorio, pero el toque de Pedro Guerra es maravilloso y es una oda perfecta a la diferencia .... estoy vacio despues de Deseo, no me pidan mas.



Yo si os pido, disfruten de esta obra maestra