El disco de la semana 96: The Presidents of the United States of America - The Presidents of the United States of America

 

 

 

El Presidente de los Estados Unidos es el cargo político más alto del país de las barras y estrellas. Ostenta los poderes de Jefe de Estado y de Gobierno, y lidera el poder ejecutivo. O sea, que el puesto no es moco de pavo. Hasta la fecha, ha habido cuarenta y cuatro presidentes. Entre los más famosos, podemos destacar al primero (George Washington), al que fue actor (Ronald Reagan) y al que, sin serlo, conocemos por decenas de películas de la II Guerra Mundial (Franklin D. Roosevelt). No podemos dejar sin mencionar al primer presidente afroamericano (Barack Obama), y como nos está quedando un poco largo, cerramos el capítulo de menciones con el actual presidente Donald J. Trump, en el cargo desde 2017.

 

Sin embargo, repasando la lista completa, y pese a encontrar hasta un presidente que le cogió gustillo al cargo y repitió años después (Grover Cleveland), no hemos encontrado rastro alguno de Chris Ballew y Dave Dederer, los auténticos "Presidentes de los Estados Unidos de América" para 7días7notas, esos que a una edad muy temprana, se conocieron mientras esperaban el autobús escolar en Seattle en los ochenta. Años después, en el verano de 1993, Ballew volvió a Seattle y se reencontró con su amigo, formando un dúo musical al que, tras esos primeros comienzos, incorporaron a Jason Finn a la batería. Habían nacido los Presidentes de los Estados Unidos de América, sin haber sido elegidos mediante sufragio indirecto por un colegio electoral.

 

 

La Constitución de los Estados Unidos otorga a los presidentes la ejecución de la ley federal, y les autoriza a nombrar a los poderes ejecutivos y judiciales con la aprobación del Senado. Ellos no sabían muy bien como hacer todo eso, así que optaron por hacer lo que sabían, que no era otra cosa que grabar un disco. A principios de 1994, grabaron Froggystyle (Estilo rana) una cassette con diez demos, que vendían en los conciertos o en la barra del bar en el que Jason Finn trabajaba. Allí estaban algunos de los temas que acabarían formando su homónimo disco de debut de 1995, un sorprendente éxito de ventas, a pesar de haberlo publicado sin la aprobación explícita del Senado.

La crítica también les acompañó en ese momento, describiendo los singles "Kitty", "Lump" y "Peaches" como canciones altamente irónicas, divertidas y pegadizas, y provistas de un sonido limpio y sencillo que se alejaba totalmente de la tendencia grunge dominante. Kitty abría el disco, seguida de una Feather Pluckn que en la versión original del disco, que sufrió varias remezclas y reediciones, incluía un verso que era un guiño al "I got a feeling" de los Beatles, una influencia en las Antípodas de sus grupos vecinos de Seattle. La referencia desapareció de ediciones posteriores, así como la foto interior del disco en la que los Presidentes de los Estados Unidos de América aparecían junto a Bill Clinton, el "otro" presidente de los Estados Unidos de entonces, que no tocó el saxofón en el disco.

Lump es, sin duda, su tema más redondo y significativo, y una de las pocas canciones de las que se haya documentado que surgieran de los efectos de un tratamiento contra la neumonía. Según Chris Ballew, los antibióticos del tratamiento le generaron una reacción alérgica y varias noches de sueños muy locos, de los que acabaría surgiendo la letra de la canción. No sabemos si, durante su convalecencia, se planteó que en caso de muerte del presidente, el vicepresidente asumiera la presidencia, pero afortunadamente la neumonía pasó, dejando como recuerdo la canción más emblemática del grupo, que no la más exitosa.

 

Porque las mieles del éxito se las llevo realmente Peaches, un tema sobre una chica de la que Ballew estaba enamorado. La chica tenía un melocotonero en su jardín, y el día en que por fin Ballew se armó de valor, entró en el jardín y se dirigió con firmeza hacia la puerta de la casa, dispuesto a confesarle a la chica su amor incondicional, pero las dudas le frenaron bajo el melocotonero, y aplastó nervioso varios melocotones con el puño, hasta desistir y darse la vuelta sin decirle nada a la chica. Más allá de la divertida letra y la arrolladora música, el éxito vino de la mano de un impactante y enloquecido vídeo en el que los Presidentes de los Estados Unidos de América se enfrentan a un ejército ninja en un jardín lleno de melocotoneros. Algo nada sorprendente, si tenemos en cuenta que, como comandantes en jefe de las fuerzas armadas, podían embarcar al país en una guerra si lo consideraban necesario.

En su segundo mandato, publicado como "II" en 1996, siguieron mostrando su gracias y talento a partes iguales, pero el disco no alcanzó los niveles de éxito de su debut. Otros discos les siguieron, pero la crítica les estaba ya esperando con las manos llenas de arrojadizos melocotones, por lo que el grupo entró en una dinámica de idas, venidas y abandonos, para acabar reuniéndose de nuevo en 2004, con el lanzamiento de una edición especial del disco de debut con motivo del décimo aniversario de su publicación, con temas inéditos, demos  y caras B, a pesar de que, de acuerdo con la ley electoral, no pudieran presentarse a una reelección después de dos mandatos de cuatro años. Y es que fueron demasiadas las normas que acarreaba la responsabilidad del cargo, para unos tipos que sólo seguían los dictados de los sueños de su cabeza, y que pese a salvar a la "tierra de los valientes y las oportunidades" de una invasión ninja en un solitario jardín de melocotoneros, fueron condenados al destierro y al olvido, en lugar de darles su merecido hueco en la historia, o al menos en la lista de los cuarenta y cuatro Presidentes de los Estados Unidos de América.

La música en historias: El músico pintor

Ronald David Wood, más conocido cómo Ronnie Wood nació en 1947 en Inglaterra, hijo de una humilde familia de Gitanos del Agua. Junto a sus hermanos, fueron los primeros en nacer en tierra firme, pues sus padre habían venido al mundo en las barcazas que había orilladas en Paddinton Basin, al oeste de Londres. Desde su infancia estuvo rodeado del ambiente musical, pues en su casa era muy común que sus hermanos montaran fiestas  donde tocaban música, pues también eran amantes del blues y del jazz.

    

No era de extrañar que Ronnie se acabara haciendo una carrera musical, y que carrera. En 1964 empieza su carrera como guitarrista del grupo "The Birds". Posteriormente, en 1967 Ronnie se une, pero esta vez como bajista, a la banda de Jeff Beck "The Jeff Beck Group", grupo con el que realiza varias giras y graba dos álbumes. Mientras estaba en esta banda también trabaja paralelamente con el grupo "The Creation"

En 1969 Steve Marriot abandona el grupo "Small Faces" y Ronnie empieza a colaborar con los miembros restantes de la banda, Rod Stewart y Kim Gardner, a los que se une el hermano de Ronnie, "Art Wood". Con el tiempo esta formación acaban fundando el grupo "The Faces". Con ellos, Ronnie, toca la guitarra y graba cuatro discos, además de tocar la armónica, cantar y tocar el bajo en varios temas.

    

Y llega el año 1974, y Mick Taylor deja los "Rolling Stones" y llaman a Ronnie, que colabora en la grabación del álbum "Black and Blue", convirtiéndose en miembro oficial de los Rolling en 1976.

A partir de aquí, la historia de Ronnie Wood con los Rolling Stones es de sobra conocida.

    

Pero sabían que Ronnie también es un reputado pintor? Se podría suponer que Ronnie, gracias a la fama y el tirón que se creó por su exitosa carrera con los Rolling Stones, aprovechó este hecho para hacerse un hueco en el mundo del arte. Pues no, nada que ver, Ronnie estudió desde los 7 años en el "Art College" de Londres, al igual que sus dos hermanos, y gracias a su talento ganó un concurso de pintura de la cadena de televisión británica BBC. Creó la portada del álbum "Crossroads" de Eric Clapton en 1988 entre otras obras. Varios de sus trabajos han sido expuestos en reputadas galerías, y es propietario junto a sus hijos Jamie y Tyrone de una galería de arte en Londres llamada "Scream".

    

Me atrevería a decir, que la carrera del Ronnie Wood pintor empezó incluso antes, si cabe, que la carrera del Wood guitarrista y compositor. Y tampoco le fue nada mal, porque de talento va sobrado.

Crossroads by Ronnie Wood



    

El disco de la semana 95: The Smiths - The Queen Is Dead

 

The Queen Is Dead, The Smiths

     En la semana 95 de nuestra aventura nos fuimos al Reino Unido, de donde proviene el grupo al que vamos a dedicar este espacio, concretamente a Manchester, lugar donde se gesta una banda que llevando el rock alternativo por bandera, tocando además otros palos como la música indie ó el post-punk. The Smiths se convirtieron en la formación más importante en la década de los 80 dentro de la escena británica de música independiente. 

Corría el año 1982 y un joven llamado Johnny Marr se encuentra buscando personal para formar una banda, entonces unos amigos suyos le hablan de un tal Morrissey, un chico que vivía cerca de él y que poseía un estilo muy personal y particular a la hora de escribir, pero con un carácter difícil. Por otro lado Morrissey es un gran aficionado a la literatura, y uno de sus autores preferidos es Oscar Wilde, al que se referirá en muchas de sus composiciones posteriormente. Morrissey había formado parte de un proyecto, una banda punk llamada The Nosebleeds, pero por su particular estilo no acaba de encajar. También había probado fortuna en el periodismo musical sin suerte. Una vez juntos Marr y Morrissey reclutan al baterista Mike Joyce tras una audición, y al bajista Dale Hibbert, si bien éste dura muy poco y es sustituido por Andy Rourke. The Smiths quedaba conformada por Johnny Marr (guitarra), Morrissey (voz), Andy Rourke (bajo) y Mike Joyce (batería), una banda que marcaría una época dentro de la escena musical británica.

Se creía que el origen del nombre de la banda fue sacado de una historia que impactó en su juventud a Morrissey, la de David Smiths, que denunció ante la policía de Manchester la identidad de los asesinos de los páramos, una pareja de asesinos que se hicieron célebres en la década de los 60. Sin embargo fue el mismo Morrissey quén aclaró en una entrevista que el nombre de la banda surgió porque ese era el apellido más corriente y común y era hora de que la gente más corriente se mostrara al mundo.

En 1984 debutan con su primer álbum de estudio, The smiths, con el que llegan a los primeros puestos de las listas británicas. Un disco con multitud de referencias a la literatura y la cultura pop. después de su magnífico debut, el grupo publica un año depués, 1985, su segundo disco, Meat Is Murder, un disco con connotaciones políticas y con alusiones a favor del estilo de vida vegetariano, de hecho Morrisssey había prohibido al resto del grupo ser fotografiados comiendo carne. El disco alcanza el puesto número 1 en las listas del Reino Unido.

Y llegamos a 1986, año en el que la banda publica The Queen Is Dead, el disco recomendado para la semana 95 de la aventura de 7dias7notas. si la banda ya había dado muestras de una gran sensibilidad artística y creativa, con este disco se iban a doctorar, pues es una obra maestra que contiene 10 fascinantes temas que van desde las piezas lentas a temas más bailables con ritmos frenéticos. Durante 1985 el grupo se ecuentra de gira por Reino Unido y Estados Unidos, tarea que alternan con la grabación de éste tercer disco. Un álbum donde donde se entremezclan lo sombrío y lo humorístico con una gran maestría.

Todos los temas del disco son compuestos por la dupla Marr/Morrissey excepto el tema Take My Back To Dear Old Blighty, tema que fue muy popular durante la I Guerra Mundial y cuenta la hsitoria de tres soldados ficticios. Este tema realmente es una introducción al primer tema, The Queen Is Dead, tema que muestra la disconformidad con la realeza británica, un ataque en toda regla contra la realeza británica. Morrissey comentaba sobre este tema que si bien no quería atacar a la realeza británica, a medida que pasaba el tiempo iba perdiendo la confianza y la fé en esta misma. Frankly, Mr. shankly, tema del que se dice questaba dirigido a Geoff Travis, quien era el director del sello discográfico de la banda por entonces, Rough Trade, sello con el que la banda había tenido una disputa legal y que había provocado que la salida del disco se retrasara unos meses. En este tema fue invitada a tocar el piano Linda McCartney pero ella declinó la invitación. I Know It's Over, una sombría balada donde un moribundo hombre reflexiona sobre lo que ha sido su solitaria vida y como la ha desperdiciado. Never Had No One Ever, tema donde Morrissey expresa que nunca se sisntió a gusto en su Manchester natal, pues durante 20 años siete meses y 27 días que estuvo allí viviendo nunca tuvo a nadie, siempre estuvo solo. Cierra la cara A Cemetry Gates, tema donde el narrador mientras pasea por un cementerio nos cuenta lo triste que se siente por todas las personas que han muerto y con ellas sus pasiones, amores, ilusiones y odios. 

Comenzamos la cara B con Bigmouth Strikes Again, un claro ataque a los medios de comunicación y sus tácticas exigentes y agresivas. Hay un verso que alude al "audífono de Juana de Arco que se derrite"; en el momento del lanzamiento de la canción Morrissey había empezado a usar audífonos cuando actuaba en una muestra de apoyo a un fan con problemas de audición que le había escrito recientemente. The Boy With The Thorn In His Side, tema que fue el primer sencillo de la banda acompañado de un video promocional. La banda se negaba a hacer videos de sus temas, pero al final accedieron para apaciguar los ánimos con su sello Rough Trade,con el que no había buena sintonía. Sobre la temática Morrissey afirmaba que el tema hacía alusión a la industria de la música, pues el título, El niño de la espina en el costado, reflejaba a la industria de la música personificada en la espina, y como se había intentado deshacer de él, de aquel niño. Vicar In A Tutu, tema donde Morrissey habla sobre no ser aceptado por la sociedad. aunque la letra se burla de los valores religiosos y su mentalidad cerrada, Morrissey es católico de nacimiento y ha afirmado muchas veces que nunca ha abandonado su fe en Dios. There Is a Light That Never Goes Out, joya y obra mestra de la banda. Sobre este tema Marr decía que era la mejor canción que jamás había escuchado. Es maravilloso escuchar a Morrissey como desde el asiento del pasajero del coche le suplica a su pareja que se encuentra en el lado del conductor que no le deje en casa, y que está tan agusto que no el importaría que un autobus de dos pisos se estrellara contra ellos, ya que morir al lado de su amada pareja sería una experiencia celestial. Sencillamente Magnífico. y cerramos la cara B y esta obra maestra con Some Girls Are Bigger Than Others, donde Morrissey explora el concepto de la feminidad en la mujer, tema sobre el que reconocía que estaba en gran parte inexplorado por él.

La musica en el cine: John Barry - James Bond Theme

Otra de las sintonias inconfundibles es el tema que acompañaba al agente 007, Bond.... James Bond. El autor de este tema superconocido el John Barry y fue utilizado en 22 peliculas del agente 007, si bien como tema principal sonaba en 11 de ellas, usándose en el resto como Leitmotiv en momentos de peligro del agente.

 Pero detrás de esta canción hay mucho mas ya que Monty Norman ha sido acreditado como el creador del Tema de James Bond contra el Dr. No, a pesar que finalmente el tema fue orquestado por John Barry, ya que los productores no estaban satisfechos con el arreglo de Norman, fue John Barry reorganizó el tema. Más tarde, Barry afirmó que fue él quien escribió el tema, pero Norman ganó dos acciones por difamación contra los editores por afirmar que Barry era el compositor. Barry fue posteriormente el encargado de componer la música de 11 filmes para la serie de James Bond y aunque legalmente Norman es reconocido como el creador del Tema de James Bond, la mayoría de los aficionados reconocen a Barry como el verdadero creador del tema al ser él quien le dio el sonido y la orquestación definitiva.



Barry tiene en su haber cinco premios Oscar: mejor Banda sonora y Canción por Nacida Libre (1966), mejor Banda Sonora por El León en Invierno (1968), y Mejor Banda sonora por Memorias de África (1985) y Bailando con lobos (1990).
Empezo su carrera estudiando piano y trompeta, y posteriormente hizo un curso de composición por correspondencia mientras hacía su servicio militar.
En 1957 montó un grupo de rock and roll, "The John Barry Seven", que triunfaria en la televisión y luego rápidamente dio el salto al cine, donde fue uno de los primeros en utilizar los sintetizadores para las bandas sonoras.

El disco de la semana 94: Andres Calamaro - Honestidad brutal

 

“La honestidad no es una virtud, es una obligación” ….. Eso puede leer nada más abrir la locura del poeta loco, la vomitona de un ser dolido y medio muerto que trata mediante la música de seguir adelante utilizándola como un bálsamo que cure sus heridas físicas y sobre todo las del corazón…. Le entiendo, siendo joven tuve una crisis con mi actual mujer, y este disco fue bálsamo y a la vez punto de partida para retorcerme en el dolor de aquella situación, porque como poeta loco nos gusta soplarnos con gasolina en las heridas. Una locura donde encontramos 37 canciones, algunas mejores, otra muy malas, muchas excelsas y es justo en esas donde voy a pararme a escribir, a recordar, a volver a sentir. Pero tener claro, este viaje va a tocar muchos palos… blues, reggae, funk, ska, tango, dub, rancheras, bossa nova, soul y pop. Honestidad Bruta’ está repleto de frases que me marcaron de por vida, me voy a hinchar a marcarlas en este texto, disculpen la pesadez.

 

El álbum empieza con El día de la mujer mundial a ritmo de guitarras afiladas, a ritmo casi de grunge y nos mete en una especie de viaje físico y mental, metido en un coche….. y esa primera frase lapidaria con la que nos recibe. “¿Quién escribirá la historia de lo que pudo haber sido? Yo que soñaba despierto ya no sueño dormido”. El siguiente tema es quizás uno de los más famosos del disco Te quiero igual, quizás uno de los más happys que vamos a encontrar, aunque escondido encontramos una vez más el desamor, una canción en la que se reta a decir cuantas más veces posibles “te quiero”, esa expresión tan poco chic, y que en su propia contradicción termina por vertebrar un corte al más puro estilo Dylan, porque si Dylan de una manera u otra tuvo su parte de culpa en este disco. Confieso que La parte de adelante es quizás uno de mis favoritos del álbum, y posiblemente uno de los menos trascendentales temáticamente, pero el gusanillo que nos mete dentro con ese ritmo cadencioso y chisposo a la vez te embruja, comentó Andres sobre esta canción que fue una de las que primero escribió, pero de las ultimas que cerró y que para él es especial… “Es una canción de varón domado y feliz, escrita mientras ves a tu chica pasearse por la casa y ni se te pasa por la cabeza que esa chica va a abandonarte. Tal vez por eso es una de las favoritas de las mujeres" porque al fin y al cabo “Que más quisiera que pasar la vida entera, como estudiante el día de la primavera, siempre viajando en un asiento de primera, el mejor carpintero de tu balsa de madera” Clonazepan y el circo es su gran critica a su país natal Argentina. Los Aviones llega a ser dolorosa cuando descubres a un Calamaro medio susurrando con un ritmo muy brasileño “…Se acabó todo lo que había, queda un cigarro mojado, porque quiero dormir y soñar con ella mientras por afuera pasan los aviones….”  Mas duele es psicodelia pura, una de las prescindibles. Calamaro escribió Cuando te conocí en un avión mientras leía la letra de “Tangled Up In Blue” de Bob Dylan y después, según sus palabras, se estrelló.  Es claro que se tratan de dos canciones hermanas, la temática es similar: un recuerdo de un amor, de esos esquivos, jodidos y un tipo envuelto en la tristeza. Prefiero dormir comienza como una especie de jazz para desembocar en una especie de rap a medias. Jugar con fuego es un brillante tango, como no, de desamor, otra de las canciones en las que colgarse de lo que has llegado a ser “Es inmoral sentirse mal, por haber querido tanto, debería estar prohibido haber vivido y no haber amado” .. que nos quiten lo bailado.. para vos, reina. Maradona son dos minutos festivos como siempre fue el juego del astro Argentino, merecido homenajes y un poco de respiro para el corazon. Una bomba, parece un reggae, no me hace gracia.  Socio de la soledad, es un pequeño cuento con un ritmo muy divertido, que esconde la resignación en sus notas. Son las nueve es una puta locura de canción, se deshace en cada una de sus notas y en su voz el dolor del trabajo que puede llegar a ser la composición, es quizás el gran HIT del álbum, aunque haya quedado sepultada por temas más comerciales y fáciles. Con Las dos cosas vuelve a los ritmos extraños, otro tema prescindible a mi entender al igual que Veneno. Preludio de otra gran cancion, esta Ansia en Plaza Francia, un tema donde la calidad vocal de Andres sale a relucir. Llega otra brutalidad, Paloma, una cancion de una belleza lirica y musical casi inigualable, un tema circular y en perpetuo crescendo mientras las guitarras vuelven a estar afiladas y la armonica pone orden en todo ello, con una letra en la que detenerse en cada verso.

Quiero vivir dos veces 
Para poder olvidarte
Quiero llevarte conmigo
Y no voy a ninguna parte
No te preocupes paloma
Hoy no estoy adentro mío
Tu amor es mi enfermedad
Soy un envase vació
No te preocupes paloma
No hay pájaros en el nido
Dos ilusiones se irán a volar
Pero otras dos han venido
…..
Te bajaría del cielo mujer
La luna hasta tu cama
Porque es muy poco de amor
Solo una vez por semana

Con Abuelo es el homenaje a un compañero muerto, Miguel Angel Peralta. Miguel Abuelo, era el líder del grupo Los abuelos de la nada, e hizo que Andrés formara parte del grupo. Miguel murió de Sida, y Calamaro creó esta obra maestra, en homenaje a su compañero y amigo. Es una especie de carta que le manda, dándole las gracias, alabándole por su obra y contándole como siguen las cosas por aquí. No tan Buenos Aires es otro tema dedicado a su país, un poco largo pero interesante. Con El tren que pasa volvemos al reggae con toques de música autóctona de su argentina, muy interesante. Victoria y Soledad es una una cancion festiva, un tema muy divertido donde juega de forma muy interesante con esos dos nombres. Con Mi propia trampa vuelve el dolor, otra cancion excelsa “Prefiero solamente un beso tuyo, antes que el amor de mil mujeres, es el beso que núnca te dí, cuando mis alas se quemaron y caí” Negrita una cancion de admiración a tu pareja que te ha dejado, dolorosa en si misma. Voy a dormir vuelve a las fumadas que me aburren.  Eclipsado parece un rock and roll made in Tequila, normalita. Mi quebranto es un rock and roll clásico no es redondo pero te lleva un poquito a esos tiempos donde las guitarras empezaron a sonar. Volvemos al dolor y a la pena son Me pierdo, otra de mis favoritas, hay que detenerse y disfrutar de ella. Hacer el tonto sirve para tratar de relajar, esta ranchera con mucha guasa. Naranjo en flor es uno de los grandes tangos argentinos, que aquí borda junto a Victor Exposito. Aquellos besos es tierna y romántica, pero se queda corta después de la montaña de sensaciones que hemos pasado. No son horas es otra de las maravillas del álbum, la canción del resurgimiento, después de sufrir y llorar por amor es el momento de levantar el vuelo, con el viento en las venas, y volver a respirar, volver a mirarse a uno y sentir la alegría de lo que eres. Masterpiece. Las heridas, vuelven los porros a las canciones, cuando le pone tan extraño me saca un poco de quicio. Misma impresión para Hay queremos innovar y hacer locuras y no sale bien. El ritmo del Lunes es un hibrido bastante interesante aunque no llega al nivel de otros temas. Con Para que se desastas de nuevo el rock and roll aunque de forma estrafalaria. No va mas podía haber sido la despedida del álbum, pero sinceramente no hubiera sido digno esta especie de jazz de taberna, como remedio cierra el disco con una versión mas pausada de su magnifica La Parte de adelante a la que titula La parte de atrás, no llega al nivel de la anterior pero es muy buena.

37 canciones es un burrada, seguramente quitando mas de la mitad hubiera tenido un disco redondo pero yo a Andres, le quiero de cualquier manera

El Navegador del Rock: Heddon Street, David Bowie "Ziggy Stardust"

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HEDDON STREET

Nuestra siguiente parada en el Navegador del Rock es en el callejón de la portada de "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars", la obra maestra de David Bowie sobre su famoso personaje extraterrestre.

En la portada se ve a David Bowie frente a un portal en una fría noche londinense. Tanto es así que en un principio se llegó a plantear que otros miembros de la banda posaran también junto al portal, pero finalmente fue solo Bowie el que aguantó el frío durante el tiempo que duró la sesión fotográfica, embutido en uno de sus provocativos trajes poco adecuados para el clima de la capital inglesa. 

Poco queda de la fisonomía del callejón que recuerde a la portada del mítico disco de Bowie, ya que actualmente es peatonal y junto al portal de la portada hay bares con terrazas para los turistas. Tan solo una placa sobre la puerta recuerda que allí se hicieron las fotos de Ziggy Stardust, una de las famosas placas azules que están repartidas por todo Londres y que marcan los lugares en los que han ocurrido hechos relevantes relacionados con la música o el arte en general.

Sin embargo lo que sí han mantenido es la cabina de teléfono que sale en la contraportada, está situada en el mismo callejón, a la derecha del emblemático portal.

Llegar es muy fácil ya que este callejón sale de una de las calles más famosas de Londres, Regent Street, situada en el mismo centro del West End londinense, plagada de tiendas de primeras marcas y que desemboca directamente en Piccadilly Circus.

La parada de metro más cercana es precisamente Piccadilly Circus, solo hay que andar un poco desde la parada ya que está muy cerca de este centro neurálgico del Londres comercial con las famosas pantallas gigantes. El callejón está en el lado izquierdo de Regent Street si vamos desde Piccadilly Circus por Regent Street hacia Oxford Circus.

El disco de la semana 93: Foxboro Hot Tubs - Stop, Drop and Roll

"La única similitud entre Green Day y Foxboro Hot Tubs es que somos la misma banda"

Con esta frase, Billie Joe Armstrong zanjaba el misterio de quién estaba realmente detrás de esta banda inventada, con la que sorprendieron a todos en 2008 con el disco Stop, Drop and Roll. Los "Foxboro Hot Tubs" surgieron como un vehículo con el que huir de las restricciones y la exposición pública que les generaba la nave nodriza de Green Day. Para ello, los tres integrantes Green Day (Mike Drent al bajo, Tré Cool a la batería y el mencionado Armstrong, cantante y guitarrista de la banda) se reforzaron con Kevin Preston (guitarra), Jason White (guitarra) y Jason Freese (teclado, saxofón y flauta).

Sin abandonar sus señas de identidad, en Stop, Drop and roll dieron rienda suelta a composiciones más básicas y directas, más orientadas al garaje rock y al rock and roll. Las canciones surgieron en el estudio a horas intempestivas y con la ayuda de varias botellas de vino, mientras ensayaban antiguas canciones de rock and roll, que acabaron retorciendo y modificando hasta convertirlas en canciones diferentes, lo cual no implica que no dejaran "pistas" dentro de cada tema para que los oídos mas avispados pudieran encontrar los referentes en los que se habían basado.

STOP, DROP AND ROLL

El disco fue grabado en 2007, durante los descansos de la grabación del disco 21st Century Breakdown (2009) de Green Day, y publicado finalmente en 2008, pero antes algunas de las canciones estuvieron colgadas en la web del grupo. Aquellas primeras canciones incluían fragmentos de películas de los años sesenta y setenta, que fueron eliminados en las versiones del disco. Una de esas canciones, Highway 1, fue sustituida en el disco por la canción Broadway, para terminar conformando la lista de doce canciones de rock and roll garajero que componen este disco directo y urgente. Puro divertimento y actitud rockera.

El disco arranca con el rock and roll acelerado de Stop, Drop and Roll, la canción que le da título y uno de los tres singles que se lanzaron al mercado. Toda una declaración de intenciones, del tipo de música desenfadada y rotunda con la que homenajearán a los clásicos de los sesenta y setenta en los que el disco está basado. Probablemente inspirada en el tema Strychnine de los Sonics. Le sigue Mother Mary, elegida como el single de lanzamiento del disco, basada en el ritmo del Lust for life de Iggy Pop, y con un tono más pausado y un fresco sabor a años cincuenta, de la mano de unos añejos coros al más puro estilo doo-wop. La energía garajera vuelve de la mano de Ruby Room, y ya en Red Tide encontramos los primeros vestigios de las canciones en las que se inspiraron. En este caso, las conexiones con Tired of waiting for you de los Kinks son claras.

El siguiente tema, Broadway, siendo una buena canción, carga con la losa de ser la pieza elegida en lugar de Highway 1, que personalmente me parece mucho más directa y rotunda. Se la echa de menos en el conjunto, aunque la elegida en su lugar no desmerezca dentro del todo. She's a Saint, not a celebrity mantiene el buen tono general del disco, con efectivos ramalazos de guitarra y, de nuevo, una interpretación urgente y directa. Sally, el siguiente tema, sabe al I'm not your stepping stone de los Monkees, que fue también versionada en su momento por los Sex Pistols, otra de las referencias de Green Day. La conexión es tan evidente, como la de Alligator con el mítico You really got me de, de nuevo, The Kinks.


Con The Pedestrian, el tercero de los temas que salieron como sencillos, llega uno de los momentos más brillantes del disco, pero aún quedará más tiempo para más guiños a clásicos, ya que 27th Avenue Shuffle tiene matices del Run Run Run de The Who y del Over, Under, Sideways, Down de los Yardbirds, con lo que también juegan en Dark side of night, que parece basarse en Heart full of soul, y que acaba siendo uno de los mejores temas del disco, merced a la efectiva atmósfera sesentera, conseguida con unos certeros arreglos de flauta.

Y para terminar, vuelve la potencia de las guitarras en Pieces of truth, un final a la altura de un álbum desenfadado, directo y divertido, uno de esos discos hechos para ser disfrutados por los que lo tocan, pero que de paso, consiguen que los que lo escuchan se queden con un buen sabor de boca, y una razonable dosis de sorpresa, al ver a los tres miembros de Green Day alejarse de esquemas de punk rock de estadios, para sumergirse en el rock and roll de garaje de treinta años atrás. Para el lejano día en que el rock deje de ser divertido, recordad lo que Billie Joe Armstrong y compañía nos recomendaron en 2008: Detente, suéltalo, y enróllate. Puede que no consigas nada nuevo, pero disfrutarás de lo que significa volver a empezar.

El disco de la semana 92: The Rumjacks - Gangs of New Holland

 

Gangs Of New Holland, The Rumjacks

     Para la semana 92 de la aventura de 7dias7notas quisimos adentrarnos en el sonido punk rock con aires celtas y para ello nos fuimos a la localidad australiana de Sydney (Australia). Corre el año 2008 cuando el cantante Frankie McLaughlin y el bajista Johnny McKelvey deciden formar un grupo, The Rumjacks, y para ello incorporan a Gabriel Whitbourne (guitarra), Anthony Matters (batería) y Adam Kenny (banjo, mandolina y bouzouki). El grupo se adentra en los donidos punk rock, celtic punk, folk punk e incluso en el hardcore punk.

Tras foguearse aquí y allá la banda en 2009 publica un primer EP titulado Hung, Drawn & Portered, y antes de que termine el año lanzan un segundo EP llamado Sound As A Pound, demostrando la frenética actividad de la banda. Tan frenética que al año siguiente se lían la manta a la cabeza y publican su primer álbum de estudio de larga duración, Gangs Of New Holland (2010), el disco recomendado en la semana número 92 de la aventura de 7dias7notas. Un álbum con el que vieron como su popularidad y fama crecía exponencialmente causada por el tema An Irish Pub Song, tema donde nos recuerdan que podemos encontrar un pub irlandés en algún rincón de cualquier ciudad del mundo, y de cuyo tema lanzaron un video en Youtube, el cuál acumula hasta la fecha más de 65 millones de visitas, casi nada.

El tema An Irish Pub Song fue el catalizador para que el álbum alcanzara bastante popularidad y la fama del grupo se extendiera a Estados Unidos Y Europa. Pero además de este himno cervecero por excelencia, el disco es muy bueno y muy redondo, y vamos a encontrar muchos más temas interesantes, como Uncle Tommy, otra auténtica canción de taberna, las  geniales y acústicas The Black Matilda ó Bar The Door Casey, y temas más cañeros y punks como Big Man Down, Green ginger wine ó Spit In The street. 

Gangs Of New Holland es definitiva un excelente álbum con una mezcla de sonido punk y rock con música celta que consigue trasladarnos a la barra de algún pub irlandés, Y The Rumjacks uno de los mejores exponentes de éste estilo, cuyo reconocimiento y fama se ha visto lastrado por culpa de los episodios de violencia doméstica del cantante Frankie McLaughlin entre 2010 y 2012. El detonante que causó que fuera apartado de la banda en abril de este año fue  su comportamiento y actos violentos hacia los demás integrantes de la banda y equipo de apoyo, siendo sustituido por el vocalista Mike Rivkees.

El disco de la semana 91: The Right ons - Volcan

The Right Ons es una banda madrileña de garaje rock, con cuatro discos ya a sus espaldas. El último de ellos, Volcán, tiene el aliciente de ser el primero de ellos interpretado en castellano. Hasta su formación actual, la banda adoptó formaciones y nombres diferentes. El germen del grupo estuvo en la banda Anyones, que pasaría posteriormente a denominarse The Nuggets. Algunos de sus miembros pasaron a formar parte de Jet Lag, pero durante la grabación del tercer disco de esta banda, surgió en ellos, de nuevo y con mucha fuerza, la ilusión de repescar su banda original, que resurgió en 2006 como el Ave Fénix y bajo su denominación actual: The Right Ons.

Fruto de ese retorno al trabajo conjunto y al estudio, en 2007 publicaron su primer álbum, titulado "80.81", tras el cual se marcharon a Estados Unidos para la grabación de su siguiente trabajo, Look Inside Now! (2009). Tras un período de descanso, habría que esperar hasta 2011 para poder escuchar su tercer trabajo de estudio, Get Out, grabado en Madrid, tras el cuál llegaría este Volcán, lleno de garaje rock en plena erupción, y por primera vez en su lengua materna.

El disco arranca con Quiere bailar, con corrosivas guitarras guah-guah y un pegajoso y psicodélico teclado. Más magmática y blues-rockera es Aturdido, con toques en el pegadizo ritmo y en la manera de tratar las guitarras que nos recuerdan a los Black Keys. Día Perfecto deriva más hacia el indie-rock pero el sonido de las guitarras sigue siendo contundente y garajero, pero el primer gran cambio abrupto está en Adiós, con el bajo saturado llevando el ritmo en un tema más experimental y pausado.

Estamos ya Dentro del volcán, y nos encontramos con la canción más indie del disco, con el prototípico modo de cantar del género y los recurrentes "nananás" de acompañamiento. Mucho más inspirada, y del color Rojo intenso de la lava volcánica, es el sexto corte del álbum, dónde guitarras y teclados se entrelazan para construir un tema tan lisérgico como rotundo, y tras el que llegamos al que casi es el tema que da título al álbum, el Pequeño volcán. 

El tono indie y las reminiscencias de los sesenta y los setenta vuelven con temas como Inconsciencia, y el disco transita por caminos más tranquilos en la pausada y atmosférica Montaña, meciéndonos suavemente hacia el Lento final, tras el que atravesaremos el Más allá en un riff tan áspero como urgente que nos guiará finalmente hacia el Omnicordio, el críptico nombre con el que bautizar a la última canción de este puñado de abrasivas salvas de ceniza y lava en castellano que nos lanzaron los Right Ons desde su metafórico y musical Volcán.

El disco de la semana 90: Saurom - Vida

Vida, Saurom

     Para la semana número 90 de la aventura de 7dias7notas nos fuimos al sur, concretamente a San Fernando, Cádiz, localidad donde nació la formación de la cual vamos a recomendar un disco. Siendo de San Fernando rápidamente nos viene a la mente el género flamenco, pero el grupo nada tiene que ver con este género pues éste se ha movido entre el folk, el rock y la música celta. El grupo: Saurom, y el disco recomendado: Vida.

Tras la ruptura en 1996 de la formación Rapid Heavy Flamenc, de sus restos nace en San Fernando, Cádiz el grupo Saurom Lamderth, posteriormente conocido como Saurom. sus fundadores son Narci Lara (voz, guitarra rítmica y flauta) y José Luis Godoy (guitarra solista), a los que se unen Antonio Ruíz (batería) y Abraham Reyes Facio (bajo).
El sonido que hace el grupo es denominado por ellos como juglar metal, un conglomerado de sonidos que abarcan folk metal, power metal, heavy metal, folk rock, rock celta ó metal sinfónico entre otros. En cuanto a las letras y la temática de la banda está orientada hacia la fascinación de sus integrantes por el mundo fantástico y el sentimiento de nostalgia por la pérdida de ilusión y fantasía en las generaciones posteriores y venideras. Durante su extensa carrera también nos encontraremos con temáticas relacionadas con la novela El Señor de los Anillos de J. R. R. Tolkien y la literatura clásica y tradicional andaluza.

Una vez formado el grupo, entre septiembre y diciembre de 1996 el grupo trabaja en su primera maqueta, La Cripta del Duende, donde podemos apreciar la temática y la música que adoptará el grupo de aquí en adelante. En 1997 el grupo graba y publica la maqueta Regreso a las Tierras Medias, tema de donde nacen gran parte de los personajes inventados que aparecerán en posteriores trabajos de la banda. Posteriormente Abraham Reyes decide dejar el grupo, siendo sustituido por Juan Garrido (bajo, voz y coros), incorporándose también a la formación su hermano Francisco Garrido (teclado, violín, gaita gallega y flauta). Es con esta formación con la que graban en 1998 la maqueta Legado de juglares, lo que les permite vender varios miles de copias en pocos meses. En 2000 ya han ganado varios concursos a nivel regional y publican su siguiente maqueta, Orígenes, trabajo con el que experimentan con nuevos sonidos para la banda.

Después de cuatro años de duro trabajo la formación ha cambiado, ya que se encuentra formada por Narci lara (voz, guitarra, flauta), Antonio ruíz (batería), Raúl rueda (guitarra). Francisco Garrido (teclados, violín, flauta, gaita) y José A. gil (bajo), y por fín le llega la oportunidad de grabar su primer disco de estudio de larga duración. Y así en 2001 ve la luz bajo el sello discográfico Avispa records El Guardián de las Melodías Perdidas, trabajo que les abre las puertas de su primera gira por toda España, llamada Juglar Tour. En 2002 publican su segundo disco de estudio, Sombras del Este, disco basado en la novela El Señor de los Anillos, de J. R. R. Tolkien, concretamente en el primer libro, La Comunidad del Anillo, contando además con la colaboración de la Sociedad Tolkien Española.

Debido a problemas de salud en unos casos y a otras cuestiones en otros, el grupo sufre varios cambios, quedando conformado por Miguel A. Franco (voz), Raul Rueda (guitarra), José A. Gallardo (bajo), Narci Lara (guitarra, flauta, percusiones, coros) y antonio Ruíz (batería). El grupo publica en 2003 su tercer disco, Legado de Juglares, titulado como su maqueta de 1998. Con este disco inician otra importante gira llamada Historias del Juglar Tour, gira en la que incluyen e incorporan un espectáculo que consta de malabaristas, actores, pirotecnia y saltimbanquis.

En 2006 publican su cuarto trabajo, Juglarmetal, considerado por los fans y la crítica como el mejor trabajo de la banda. Este disco supone un antes y un después ya que la banda acorta el nombre y pasa de llamarse Saurom Lamderth a sólo Saurom. Con sus dos siguientes trabajos se mueven en sonidos más duros, metiendo un sonido más potente, con matices power metal y heavy metal. En esta etapa el grupo publica dos trabajos más, Once romances desde Al-Ándalus (2008), trabajo basado en la literatura y la cultura andaluza, y Maryam (2010), disco conceptual donde el grupo se hace eco de forma metafórica de la Pasión de Cristo y el sufrimiento de su madre María (Maryam), y donde reivindican la igualdad entre géneros.

En 2012 el grupo decide volver a sus raíces más folk y publican su séptimo disco de estudio, vida, el disco recomendado en la semana 90 de la aventura de 7dias7notas. Un disco que les permite realizar giras en el continente americano (Costa Rica, México, Colombia, Estados Unidos, Ecuador, Chile, Bolivia, Ecuador, Panamá y Guatemala).
Los catorce temas que componen el disco nos vuelven a acercar a sus inicios, con un sonido más folk y más melódico pero aderezándolo con ese toque de rock duro que tan bien saben hacer.

Durante los catorce temas del disco, la banda nos hablará de la ayuda que necesita la madre tierra en Cambia el Mundo, harán un homenaje a la Noche de Halloween, nos hablarán de la necesidad de la Magia, nos hablarán de los orígenes del Rey de la cerveza en La Noche de Gambrinus, Nos enternecerán con su gran balada El Hada y la Luna, nos regalarán el breve tema instrumental Emperatriz, nos citarán unos Íntimos Recuerdos muy celtas, nos hablarán en tono muy cañero de esos Ángeles que se cruzan en nuestra vida cuando más lo necesitamos. Con La Poetisa nos reglarán un dulce y suave tema a medio tiempo con toques celtas, en Mírame nos deleitarán con un tema lleno de cambios de ritmo mientras nos hablan de amores imposibles, harán un alegato en contra de los malos tratos en El Príncipe. Con Vida, tema que título al álbum, nos reglarán el tema más popero del disco, En Se Acerca el Invierno nos regalarán el tema más épico del disco con multitud de cambios, unas contundentes guitarras y muchísima instrumentación. Tema basado en la saga de novelas Juego de Trono donde Miguel interpreta el papel de Ned Stark y Rosa Luque Valle interpreta el de la mujer de Ned, Catelyn Tully. Y cerrarán con El Cristal, tema que está dedicado por su autor (Narci Lara) a todas esas personas que han pasado por su vida, y que además es la segunda parte del tema Non Culpa, incluido en su anterior disco Maryam.

El disco de la semana 89: The Beatles - Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

Considerado el mejor álbum hecho por el hombre no sé si con razón o no, pero sin duda es de lo mejor que puedes escuchar. The Beatles desaparecieron durante más de 6 meses después de publicar Revolver la mayoría de la gente pensó que la carreara de los Beatles había terminado y se habían separado, pero llegó 1967 como un gusano saliendo de su crisálida para convertirse en una mariposa, nos dieron otra pildorita y una vuelta de tuerca mas en su carrera. Se habían reinventado artística y visualmente y se habían convertido en personas adelantadas a su tiempo ¿razones? Muchas, desde el extraño sonido de ese acorde de guitarra en " Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band " que no deja de ser Rock (en mayúsculas) que sin embargo, no hace ni dice mucho pero se acaba rápidamente y se fusiona de manera brillantes con " With A Little Help From My Friends” de Ringo Starr que puede parecer sencilla al principio pero es absolutamente encantadora y sincera, cosa que ayuda la interpretación vocal de Ringo sin duda la mejor suya hasta el momento .Lucy In The Sky With Diamonds, nos trae una obra completamente evocadora y con un tono inquietante, se la menciona a menudo cada vez que alguien comienza una discusión sobre cuál es la peor canción de los Beatles, no creo que sea tan mala, incluso me atrevo a decir que está bien. Hay peores canciones en este álbum. Getting Better tiene algunas voces con muy buena armonía y nos trae ese estilo británico que solo Paul puede lograr con total facilidad, que también se descubre en la siguiente pista, Fixing A Hole, con clavecines y todo. 

She is leaving home nos trae la melodía vocal y clásica de una naturaleza melancólica, están tratando de utilizar su voz como una unidad por primera vez como en un estilo Beach Boys pero más refinado. Aquí el énfasis está en la voz y en el tono lento de sus voces. Casi como si estuvieran cantando una canción de cuna y un llanto al mismo tiempo, convirtiéndose en una continuación perfecta de Eleanor Rigby ya que comparte con ella un contenido lírico que logra evocar el pequeño norte ciudades de Inglaterra con un buen ojo para los detalles y una calidez genuina por sus habitantes aparentemente insignificantes. Being for the Benefit of Mr. Kite muestra algo que sólo John Lennon puede concebir y llevarnos a través de los sonidos más extraños, todo con un poco de ayuda de George Martin, por supuesto, órganos y cintas de una manera nunca habíamos escuchado una puñalada de John por el surrealismo en el álbum, basada en un póster de un circo The Fabs, consiguen el ambiente perfecto y evocan perfectamente la atmósfera de un circo, la letra de Lennon captura lo absurdo y maravilloso que es un evento así. La música india es la influencia en la que se mueve Within You Without You acompañada de muy buenas letras, no la disfruto demasiado pero la aprecio como lo que es, experimental y artística, ojalá me hubiera gustado más ya que aprecio la diversidad.

When I'm Sixty-Four muestra que Paul puede ser artísticamente intrigante en todas sus formas. Esta no es una canción de un joven de veinte años, sino la de un hombre del pasado. 

Lovely Rita es más un regreso a ese viejo sonido de los Beatles, pero mejorado acústicamente. Good Morning Good Morning es una continuación de los Beatles pasados ​​en un nuevo Beatles que suena más. Digo esto porque arreglado acústicamente es similar a canciones más antiguas de los Beatles, pero con la excepción de los arreglos y la tonalidad que se emplean en ellas, les da más espacio, se podría decir más reforzadas si lo desea, y definitivamente más refinada, puede llegar a ser pesada, pero tiene su punto de genialidad. Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise) es un regreso más feliz al tema original, más juguetón y más bonito que el original, la parte más importante de esta canción es el patrón de ritmo de bombo muy notable empleado por Ringo. A Day In The Life es una pieza de diseño y sonido enorme que debe haber sonado extremadamente complejo en ese momento, esta canción te atrapa en el psique de la mente y te mantiene pensando mientras estás recorriendo la canción, te hace esperar por tu vida mientras te subes a la montaña rusa hacia un final muy culminante de ese acorde explosivo e inesperado que solo te deja sin palabras, cinco minutos de perfección pop experimental, que resume todas las cualidades que hicieron grande a la banda.

Es obvio que los Beatles han madurado creativa y artísticamente a una forma superior y completamente por delante del resto. No es de extrañar que muchas personas se asustaran por los extraños sonidos o se quedaron con la boca abierta durante meses después de su lanzamiento. Desde su portada completamente moderna hasta su sonido final de ese silbato de perro nadie puede negar el poder que ha alcanzado este disco.

Disco de la semana 88: Iggy Pop - Post Pop Depression

De la depresión, y aunque parezca mentira, pueden salir grandes cosas, como este Post Pop Depression. Iggy ya había planteado sus reflexiones sobre el paso del tiempo en el desigual Avenue B (1999), un disco taciturno con un marcado carácter acústico, salteado de recitados en los que Iggy hablaba sobre los sentimientos que le generaba el hecho de hacerse mayor y sentir la muerte más próxima de lo que quisiera. Si en aquel disco apagó los amplificadores, para contar sentimientos profundas que, a la larga, acabaron lastrando el resultado final del álbum, en esta segunda crisis existencial su objetivo y su enfoque fueron totalmente distintos. Si la pálida dama de la guadaña estaba rondando, él haría un gran disco, uno con sabor a sus grandes discos berlineses de finales de los setenta, para dejar un legado brillante antes de la fatídica cita. Y así nació la idea de este Post Pop Depression.

Después de varios años sin publicar material nuevo, no quiso afrontar ese gran reto solo, y llamó a Josh Homme de Queens of the Stone Age, que entusiasmado por poder trabajar con uno de sus grandes ídolos, se ofreció como productor, guitarrista y compañero de creación, y le abrió las puertas del estudio privado de su "Rancho De La Luna" en Joshua Tree, California. La grabación duró dos semanas, mas una semana adicional en los Pink Duck Studios en Burbank, California. Iggy y Josh planificaron y financiaron el álbum, enrolando en el barco a Dean Fertita (compañero de Homme en QOTSA, y que aportó guitarra y teclados al disco) y a Matt Helders (batería de The Arctic Monkeys). En la soledad del desierto californiano, entre todos conformaron las nueve canciones del que sería, a la postre, el mejor disco de Iggy Pop de los últimos veinte años.

POST POP DEPRESSION

Publicado en Marzo de 2016, y tras la reciente muerte de su amigo y compañero David Bowie, el sonido que plasmaron en el disco fue un involuntario pero brillante homenaje a los discos que Bowie produjo con Iggy a finales de los setenta. Aunque separado por la friolera de cuarenta años, Post Pop Depression cierra, de alguna manera, la trilogía iniciada con The Idiot y Lust for Life en 1977. Desde el momento en que Iggy arranca, casi a capella y acompañado solo de una leve guitarra eléctrica, el estribillo de Break into your heart, el sonido nos retrotrae hasta el Berlín al que Bowie e Iggy se exiliaron voluntariamente, para intentar su enésima desintoxicación y un nuevo renacer artístico. Alejada de los riffs facilones de discos anteriores, el potente estribillo y el cuidado revestimiento de las guitarras de Josh y Dean, es un ilusionante comienzo muy por encima de la mayor parte de temas facturados por Iggy en solitario en las últimas décadas.

Podría tratarse de un espejismo, pero con Gardenia comprobamos que el agua que mana de la inspiración de estos músicos es real, y se desborda y precipita de nuevo entre las guitarras distorsionadas y el ritmo de esta oscura oda a los favores de una chica llamada Gardenia, que fue el single de presentación del disco. Pero el torrente no para ahí, y como guerrero curtido en mil batallas, la reflexión sobre la cercanía de la muerte lleva a Iggy a plantearse el más allá en American Valhalla (los fans de la serie Vikingos sabrán que sólo los muertos en batalla pueden acceder a este paraíso de los guerreros, un lugar en el que poder seguir luchando eternamente y codo con codo con los amigos ausentes) Un tema en el que la batería y el bajo mandan sobre el conjunto, salpicados de ambientales golpes de teclado y guitarra, y todo ello acompañando a la profunda y ajada voz de Iggy el eterno guerrero.

In the Lobby es uno de los temas más cercanos al sonido que impregnaba los discos de la época berlinesa. Iggy sigue profundizando en la idea de estar a las puertas del gran viaje final, esperando en el lobby a que le llegue el momento. La espera es más dulce, y mucho más inspirada, en Sunday, canción que despega desde el comienzo con el potente juego de parches de Helders, y con una áspera y chispeante guitarra que despertaría a cualquier dominguero del embotamiento de una siesta. Imposible no moverse al ritmo de este tema, otro de los grandes momentos del disco. Tras una brillante transición guitarrera, al final del tema se permiten incluso la transgresión de un cierre orquestal apoyado por una suave voz femenina.

Vulture es el tema más desnudo del disco, el momento en el que los súbditos y colaboradores se echan a un lado, y dejan espacio para el Iggy más árido y personal. En la antesala de la muerte, no podía faltar la inquietante imagen del buitre sobrevolando a su presa. El icónico animal sabe, al igual que Iggy, que el final está cerca, y proyecta su negra silueta mientras vuela en círculos. El desgarrador grito de Iggy al final del tema es como el de un viejo guerrero indio que acabara de ver esa amenazante sombra, y lo desafiara a bajar y enfrentarse con él.

Y hablando de la nostalgia de la época berlinesa, que mejor ejemplo que German Days, el más directo mensaje de recordatorio a esa época tan dorada a nivel personal y artístico. El desencanto continúa en Chocolate Drops, un tema sobre el desencanto de la derrota, y la posterior reacción de orgullo y esperanza, ya que sólo desde lo más bajo se puede comenzar de nuevo el ascenso, y transformar la mierda en la que te hundes en gotas de chocolate. El disco cierra con una interesante balada sobre Paraguay, una rareza en la discografía de Iggy, más proclive a nombrar paraísos mexicanos en sus letras. Quizá sospeche que allí se encuentre su American Valhalla, un lugar en el que pasar con Gardenia los últimos domingos de su vida, pero hasta que lo encuentre, esperamos que le de tiempo a regalarnos más discos a la altura de Post Pop Depression.

El disco de la semana 87: Albert King - Born Under A Bad Sing

Born Under A Bad Sing

     Para la semana 87 de la aventura de 7dias7notas decidimos apostar por el blues de la mano de uno de sus máximos exponentes, Albert King, uno de los grandes referentes del género. Un personaje atípico tanto por su fisionomía, con más de dos metros de altura y más de 120 kilos de peso, como por su voz suave. Ambas cosas sumadas al hecho de que en su juventud uno de sus trabajos fue conducir una excavadora le valieron el apodo de La Excavadora de terciopelo (The Velvet Bulldozer). Atípica era también su forma de tocar y empuñar la guitarra, pues era zurdo y lo único que hizo fue dar la vuelta a una guitarra para diestros para tocar sin molestarse siquiera en cambiar el orden del cordaje, por lo que las cuerdas más finas le quedaban en la parte alta y las más gordas en la parte baja de la guitarra.

Albert Nelson, posteriormente más conocido como Albert King nace en 1923 en Indianola, Mississippi (Estados Unidos), donde trabaja desde su infancia en una plantación de algodón. Durante su infancia también canta en un grupo familiar de gospel en la iglesia local. Una de sus primeras influencias es su padre Will Nelson, quien tocaba la guitarra habitualmente.

Su modelo de guitarra preferida era la Gibson Flying V, un guitarra a la que bautiza como Lucy. Si bien durante la década de los años 40 y principios de los 50 se le conocía por el nombre de Albert Nelson, en 1953 se cambia el nombre por el de Albert King, algo que es aprovechado para anunciarle como el hermano de BB King. El hecho de llamarse Albert King, de llamar a su guitarra Lucy (BB King llamaba a la suya Lucille) y de usar el mismo apodo que BB King, "Blues Boy", es algo que no le hizo mucha gracia a BB King, quien decía al respecto que eso le molestó hasta que lo conoció en persona y se dió cuenta que no era su hermano de sangre, era su hermano de blues.

 Los inicios de Albert como profesional en el mundo de la música son en un grupo de Osceola, Arkansas llamado In The Groove Boys. Durante esa etapa bebe del trabajo de muchos artistas de blues del Delta como Elmore James o Robert Nighthawk entre otros. Posteriormente, en 1953 se muda a Gary, Indiana, donde forma parte de la banda de uno de los referentes del blues eléctrico, Jimmy Reed, pero curiosamente lo hace tocando la batería y no su instrumento fuerte, la guitarra eléctrica. Ese año graba su primer sencillo, Bad Luck Blues, pero no obtiene demasiado éxito, lo que hace que al año siguiente, 1954, regrese a Osceola y se una otra vez a los Groove Boys durante un par de años.

En 1956 Albert se muda a Brooklyn, Illinois, donde forma una banda y se convierte en asiduo del circuito nocturno de la zona. Albert durante esa etapa llama la atención del sello discográfico King Records y graba con ellos en 1961 el sencillo Dont Throw Your Love On Me So Strong, convirtiéndose en su primer éxito reseñable. En 1962 el sello King Records publica el primer álbum de estudio de Albert, titulado The Big Blues. En 1963 Albert ficha para el sello discográfico del artista de Jazz Leo Gooden y graba dos discos que lamentablemente nunca verán la luz.

Albert parece que no tiene más perspectiva que la de verse abocado a tocar en los circuitos de blues nocturnos. Entonces toma una decisión que cambia su suerte y su futuro, se muda a Memphis y ficha por el sellos discográfico Stax, con los que graba docenas de sencillos junto con la banda de sesión del sello, Booker T. & The MG's. Unos sencillos que el sello Stax decide juntar en 1967 y publicar en el que supone el primer álbum de Albert para la mítica discográfica, Born Under A Bad Sign, y que es el disco recomendado para la ocasión.

Durante la grabación de todos aquellos sencillos que componen este mítico álbum, Stax Records hace lo que solía hacer con los artistas de su sello, pone a disposición de Albert a la banda de sesión del sello, Booker T & The Mg's, y no sólo eso, también pone a disposición de Albert el talento compositor de la banda, lo que hace que ésta se involucre con el artista en la composición y grabación de los temas que compondrán posteriormente el disco. En la grabación de los sencillos además de la colaboración de Booker T & The Mg's, todas las secciones de viento son proporcionadas por el genial grupo The Memphis Horns.

Si sumamos el talento de Albert King con el talento de una banda como Booker T & The MG's, y la sección de viento de los Memphis Horns, el resultado no puede ser otro que Born Under A Bad Sign, una verdadera obra de arte del género blues que abre con el tema que da título al disco, Born Under A Bad Sign, compuesta por Booker T. Jones y el también compositor del sello Stax por entonces William Bell. Pensaron que el tema de la astrología podía funcionar y así nace el tema, cuyo significado, "Nacido bajo una mala señal", es una referencia astrológica, pues alude al hecho de nacer cuando las estrellas están alineadas contra tí. De ahí que la portada del álbum incluya signos de mala suerte: un gato negro, una página del calendario del viernes 13, un cráneo y huesos cruzados, un as de espadas y ojos de serpiente. Le sigue Crosscut Saw, tema al que se le atribuyen los arreglos a R.G. Ford. Es un tema habitual de blues del Delta, y fue grabada por primera vez en 1941 por Tommy McClennan, pero fue la grabación de Albert la que convirtió el tema en una pieza imprescindible dentro del blues moderno. Kansas City, compuesto por la famosa dupla compositora Jerry Leiber y Mike Stoller, responsables de numerosos éxitos de Elvis Presley. Leiber y Stoller nunca habían estado en Kansas y se basaron en los discos de Big Joe Turner para componer el tema. Turno para la maravillosa Oh Pretty woman, compuesta por AC Williams, quien era un conocido compositor que además trabajó como disc-jockey para la emisora de radio WDIA en Memphis desde principios de 1950 hasta 1980. Down Don't Brother Me, compuesta el mismo Albert King, donde la sección de viento da paso a la voz aterciopelada del artista acompañado de los acordes de su Gibson Flying V, poco más le hace falta para conmovernos. Cierra la cara A The Hunter, acreditada a la formación Booker T & The MG's y a Carl Wells. Tema que ejemplifica el toque moderno e innovador que Albert imprime al tema, introduciendo también versos de temas que Willie Dixon había compuesto para Muddy Waters en la década de los 50.

Llegamos a la cara B de la mano de I Almost Lost My Mind, compuesta por Ivory Joe Hunter. Tema muy popular grabado por pimera vez en 1950 por el mismo compositor. Además de Albert, serán infinidad de artistas los que graben versiones de este tema. Personal Manager, compuesta por Albert King y David Porter, otro de los ilustres del sello Stax. Ojo al sólo de guitarra de Albert porque es de los que te desgarran el corazón, brutal. Laundromat Blues, compuesta por Sandy Jones. Otro blues en la línea del tema anterior, donde los lamentos de la guitarra de Albert tienen todo el protagonismo del tema. LLegamos a otra de las joyas del disco, Ass The Years Go Passing By, composición atribuida a Deadric Malone. Un tema al que ya dedicamos espacio en 7dias7notas en la sección "Canciones que nos emocionan". Si bien el tema fue escrito por Peppermint Harris para Fentom Robinson, quien la grabó por primera vez en 1959 para el sello discográfico Duke Records,  el tema aparece acreditado al propietario de Duke (Don Robey) a través de su pseudónimo, Deadric Malone, siendo ésta una práctica habitual por aquél entonces. Como todo lo bueno, el disco llega a su fín con The Very Thought Of You, compuesto por Ray Noble y grabado y publicado por primera vez en 1934 por él mismo con su orquesta. El tema era originalmente un standard del pop, y Albert y Booker T. & The MG's , al igual que todos los demás temas, consiguen dotarlo de un toque moderno sin que pierda para nada la esencia del blues.

Born Under A Bad Sing además de ser uno de los mejores álbumes de blues de la historia, contribuyó enormemente a la modernización del género blues e influyó en guitarristas de la talla de Stevie Ray Vaughan, Mike Bloomfield, Jimi Hendrix ó Eric Clapton entre otros. Un disco que hay que escuchar al menos una vez en la vida...