749.- Tangerine - Led Zeppelin

En abril de 1970 Led Zeppelin terminó otra gira por Estados Unidos, ya la quinta. En dos años, Led Zeppelin se convirtió en una de las bandas más populares del planeta que podía llenar todos los escenarios del mundo. La banda ya había lanzado dos álbumes innovadores en ese momento, pero la banda quería hacer algo más. Algunas personas llamaron a Led Zeppelin una banda de Heavy Metal, un término que se extendió en esta época, pero la banda quería demostrar que su música es más que "solo" Heavy Metal. El primer indicio del cambio de sonido de la banda es el set acústico y la épica de blues “Since I've Been Loving You” que la banda toca en algunos conciertos al final de la gira por Estados Unidos. La banda ni siquiera intentó grabar otro “Whole Lotta Love”, su canción más conocida en ese momento.

'Tangerine' es la primera de tres pistas folk en gran parte acústicas teñidas de country creadas para este album y personalmente para mí es casi la mejor de las tres. La melodía y el tono, que son hermosos, comenzaron como 'Knowing I'm Losing You', una canción de Yardbirds. Con la excepción de una línea, Page reescribió completamente la letra para esta versión. Page toca una guitarra de pedal de acero y Jones toca la mandolina, lo que le da a la canción una sensación agradable. Plant ofrece una voz melancólica de ensueño y el ritmo de batería agudo y nítido de Bonham mantiene la canción unida magníficamente y le da un dinamismo inesperado. Es la última canción de Zeppelin escrita íntegramente por Jimmy Page una de las canciones de amor más bellas de la banda, con un magnífico solo de pedal steel de Page. Simplemente encantador. En Led Zeppelin: The Definitive Biography de Ritchie Yorkie, también afirma que escribió la letra, y agrega que la escribió después de un antiguo trastorno emocional y que solo cambió algunas partes de la letra para la nueva versión. En otra entrevista con Total Guitar, Page todavía afirma que escribió la canción en los Yardbirds y esperó un tiempo hasta que pensó que encajaba en la textura correcta como en el tercer álbum.

Robert Plant a veces presentaba la cancion en los conciertos diciendo: “Esta canción es para nuestras familias, amigos y personas cercanas. Es una canción de amor en sus etapas más inocentes”. Según Jimmy Page, esta canción estaba dedicada a Jackie DeShannon, quien era su novia cuando escribió la canción. DeShannon, miembro del Salón de la Fama de la Composición de Canciones, tuvo éxitos como cantante con "What the World Needs Now Is Love" y "Put a Little Love in Your Heart". Es una candidata digna para desbancar a 'Since I've Been Loving You' por el galardón de lo más destacado del álbum.

Flowers in the Dirt - Paul McCartney #MesPaulMcCartney

 

El álbum del que hablamos hoy es el noveno disco de estudio del laureado Sir Paul McCartney como solista y el número 16 si incluimos los siete trabajos con Wings en los 70. Éste album, marcó su retorno a los escenarios después de más de diez años de ausencia y fue recibido con beneplácito por la acuciosa prensa especializada. Para este regreso se rodeó de una extensa lista de músicos legendarios como David Gilmour, David Foster, Trevor Horn, Elvis Costello y Nicky Hopkins, sumaban sus talentos para construir este disco que logró llegar a lo más alto en Reino Unido y Noruega. Flowers In The Dirt a menudo suena a la era de la producción de los años 80, desde el go-go inspirado en "Rough Ride" hasta las voces empapadas en "Motor Of Love". Mirando hacia atrás en su carrera posterior a los Beatles, cae en el nivel medio superior de su trabajo, detrás de trabajos como Band On The Run, Flaming Pie , Tug Of War y Chaos And Creation In The Backyard . Lo que sucedía a su alrededor en el ámbito de la música pop de 1989 era una escena dominada por una competencia mucho más joven que tenía como protagonistas a gente como Motley Crue, Bobby Brown, Prince, Madonna, Debbie Gibson y Janet Jackson, todos en la cima del Billboard 200 durante varias semanas.

My Brave Face fue la primera canción que conocí de Paul McCartney como solista, tenía 17años y mis gustos musicales no se habían expandido más allá de mi época y el bueno de Paul no tenía el beneplácito de las radio formulas, recuerdo que pensé que era un tema realmente genial y memorable, que fue acompañado de ese video tan disfrutable que inmediatamente ganó un fan realmente incondicional y que junto a Nevermind intentaba recopilar todo lo que tiene que ver con el hombre en esa época que era tan complicada. Compuesta por Costello y Paul, esta pieza logró un éxito comercial alrededor del mundo y volvió a sacar a McCartney a la luz de las radios.

Rough Ride”, está producida por Trevor Horn, Steve Lipson y Paul, la pieza destaca por la sección de viento que conforman Mitchel Froom, Chris David, Chris White y Dave Bishop, entre otros, y sus coqueteos con el reggae y funk. En You Want Her Too, nos encontramos con la voz de Elvis Costello junto a la de Paul quienes acompasadamente nos relatan otra historia de amor y desamor, una actualización temática mucho más interesante del insípido sencillo de McCartney/Michael Jackson "The Girl Is Mine" del épico álbum Thriller de Jackson. La música de carnaval y el compás de 3/4 conducen a fuertes versos de llamada y respuesta que presentan tanto a McCartney como a Costello. Sus bromas competitivas sobre la chica en cuestión son melódicas, penetrantes, honestas e increíblemente efectivas, es probablemente el mejor dúo que haya hecho para ser honesto. La canción, con un abrupto cambió, culmina en modo jazz.

Distractions es una de mis canciones favoritas de todos los tiempos, es tan romántica y misteriosa y Paul McCartney le acopla esa gran voz y letra realmente memorable, habla de la relación de pareja y como algunas cosas del entorno nos alejan o impiden pasar tiempo con la persona que se ama. La pieza inicia con un clarinete y destacan los hermosos arreglos orquestales de Clare Fischer. You Want Her Too We Got Married es un poco extraña, esta acompañado del gran David Gilmour, comienza en una especie de modo de folk flamenco y luego estalla en una pieza cargada de trompetas de synth pop de finales de los 80. La canción es pegadiza pero realmente no va a ningún lado y serpentea un poco demasiado para mi gusto. No es una mala pista y ciertamente es una escucha agradable, pero me encontré con ganas de algo más de ella. Put It There destaca por el sonido de una trompeta que adorna la pieza con un toque folk. La canción contiene una melodía clásica y un arreglo que podría haber sido incluido en casi cualquier álbum pop de su carrera. La dulzura que se escucha se invoca en reverencia a su padre, quien inspiró el título con un dicho que McCartney recordaba de su infancia.

Figure of Eight tiene una gran línea de melodía y línea de bajo, pero contiene la peor voz del álbum, ¿Cómo es posible?, vale la pena señalar que McCartney lanzó una versión completamente diferente de esta canción como sencillo. La versión individual tiene un sonido un poco menos pulido, un poco más crudo, más áspero y menos restringido. Me gustan ambas versiones, pero si tuviera que elegir entre las dos, prefiero el corte del álbum. This One es casi una falsificación, ya que comienza sonando como un pedazo serpenteante de aguanieve, pero rápidamente se revela como un pequeño número encantador sobre cómo encontrar el momento adecuado para expresar la emoción correcta. Algunas de las letras son un poco raras en el estribillo, pero se canta con tanta seriedad y con un carácter tan melódico que es difícil no amarla, Don’t Be Careless Love es la tercera colaboración del álbum con Elvis Costello. Con su introducción estilo gospel y piano eléctrico, lleva un poco de Stevie Wonder en la manga, pero no creo que la canción realmente sume tanto. De hecho, es principalmente un sonido repetitivo y ocupado. La voz tensa de Paul durante los versos tampoco funciona del todo bien.

That Day Is Done contiene algo de blues en la primera parte, Paul deja caer el verso que da título al disco: “Ella rocía flores en la tierra”. How Many People inicia con un teclado de fondo antes de entrar a un rítmico reggae donde Paul se pregunta una y otra vez “Cuánta gente hace cola, cuánta gente nunca tiene la oportunidad de brillar, si puedes decírmelo me encantará escucharlo, cuánta gente ha muerto”. “Motor of Love” es en mi opinión, el punto más alto de este álbum, incluso a pesar de ciertos sonidos de teclados y batería electrónica congelados en el tiempo. La melodía es bastante bonita, pero ¿qué tiene que ver exactamente un motor de amor con el Padre Celestial desde arriba? Es la canción ideal para sacar mecheros (perdón, encender la linterna del móvil) y balancearse durante un concierto.

Lo que es revelador es que casi 30 años después, Paul McCartney todavía está sacando álbumes que obtienen buena valoración de la crítica, mientras otros que dominaban las listas de éxitos han desaparecido o se han desvanecido considerablemente. No es solo porque era un Beatle, sino porque es uno de los mejores artesanos de la canción de las últimas cinco décadas. Flowers In The Dirt nos muestra un puñado de ejemplos de ese talento, incluso si el conjunto en general es un poco irregular.

0748 -. Since I've Be Loving You - Led Zeppelin

 

Since I've Be Loving You, Led Zeppelin

     Cuando Robert Plant (vocalista), Jimmy Page (guitarra), John Paul Jones (bajo) y John Bonham (batería) publican bajo la compañía Atlantic Records el disco Led Zeppelin III, lo hacen presentándolo como una evolución de su sonido, apostando por sonidos folk y acústicos que si bien ya estaban presentes en sus dos anteriores discos ahora intensifican perdiendo peso en el disco ese sonido rockero que les caracterizaba y que tanto gustaba a los fans. Este hecho no pasó desapercibido en un principio, pues tanto fans como la crítica mostraron bastante indiferencia y desinterés por este disco. Con este disco el grupo dejó muy claro que no era una banda convencional y que eran capaces de moverse entre géneros y estilos completamente diferentes al rock y además hacerlo de forma magistral.

Led Zeppelin III es un un disco que con el tiempo obtuvo el reconocimiento que se merece, conteniendo además un material exquisito. Uno de los cortes más magistrales del disco es sin duda Since I've Been Loving You, esos primeros acordes de Page acompañados por el bombo de Bonham te dejan marcado, sin habla, un comienzo para un tema maravilloso. Fue un tema compuesto un año antes, en 1969, y fue concebido para formar parte del álbum Led Zeppelin II, pero al final éste se quedó fuera y ocupó su lugar Whole Lotta Love. El tema en cuestión había sido tocado por el grupo en sus actuaciones en directo, pero según Jimmy Page éste era un tema muy difícil de grabar, pues les supuso bastantes problemas tanto en la parte vocal como en la musical.

El tema fue grabado en vivo en los Island Estudios de Londres (excepto la parte vocal de Robert Plant), y en dicha grabación John Paul Jones se encargó de tocar el órgano hammond y los llamados bass pedals para el bajo. Otra curiosidad es como podemos escuchar durante el tema el chirrido del pedal de la batería de Bonham.

A pesar de ser un tema que ya habían tocado previamente, a la hora de grabar en el estudio a Jimmy Page se le atragantaba el sólo de guitarra, y después de varios intentos fallidos decidió parar y tomarse un descanso, pues no le salía lo que estaba buscando, y se sentó en el estudio pero ya fuera de la zona de grabación, y fue entonces cuando vio un viejo amplificador desenchufado por allí tirado, entonces lo tuvo claro, ese fue el amplificador que uso para la grabación y el resultado fue ese maravilloso sólo de guitarra con el que nos deleita en este pedazo de blues.

0747.- Immigrant song - Led Zeppelin

Immigrant Song es la primera canción de "Led Zeppelin III" (1970), el tercer álbum de estudio de Led Zeppelin, y muy probablemente la mejor canción de ese disco. Fue publicada como sencillo ese mismo año, convirtiéndose en el primer tema de los Zeppelin en alcanzar el top 15 en las listas de ventas estadounidenses, pero cada vez que pienso en Immigrant Song no es su éxito o sus cualidades musicales lo primero que me viene a la cabeza, sino la escena de "School of Rock" (2003) en la que Jack Black la escucha mientras conduce su furgoneta. El sentimiento con el que la canta refleja perfectamente el subidón de adrenalina que los feroces gritos guerreros de la canción transmiten al escucharla.

Los guerreros no eran otros que los vikingos, pues la canción está dedicada a Leif Erikson (970 - 1020), un explorador vikingo conocido como "El afortunado", y protagonista de una teoría que le considera uno de los primeros europeos que llegó a América del Norte, siglos antes del descubrimiento de América. La letra hace referencia a la mitología vikinga ("El martillo de los Dioses" se convirtió incluso en un sobrenombre no oficial de la banda), mientras que los gritos emulan los de los vikingos, remando decididos en su búsqueda de nuevas tierras que conquistar. 

Acompañando a los icónicos gritos de un pletórico Robert Plant, la excelsa guitarra de Jimmy Page y la base rítmica del bajo de John Paul Jones y la batería de John Bonham son también tan poderosas como un barco lleno de fieros vikingos listos para el abordaje, creando una pieza irrepetible que combina a la perfección la fiereza con el ritmo, una barbaridad sólo al alcance del "martillo de los Dioses" de Led Zeppelin.

0746.- Diamond Day - Vashti Bunyan

La historia de Vashti Bunyan es una de las más increíbles de toda la música. Bunyan, abandonó la escuela de arte de Londres, grabó algunos sencillos durante su breve flirteo con el swing de Londres, pero estaba desanimada por la forma en que iban las cosas. Entonces, en lugar de pasar el rato y estancarse con las tonterías de la contracultura a su alrededor, desapareció del ambiente en el que se movia. En el verano del 68, Bunyan y su socio Robert engancharon un caballo a un carro y partieron de Londres hacia la Isla de Skye en la costa escocesa. Les tomó dos años llegar allí, teniendo que detenerse cada 20 millas para herrar el caballo. Estaban buscando una existencia rural retrospectiva, una vida tradicional en un lugar tranquilo para criar a sus hijos, para cultivar sus alimentos. En el transcurso de su viaje de dos años al pasado rural, Bunyan estuvo escribiendo canciones sobre su viaje en un carro tirado por caballos y sobre la vida que imaginaban cuando llegaran. El legendario productor Joe Boyd se enteró de esto y logró que Bunyan regresara a Londres para una semana de sesiones con miembros de The Incredible String Band y Fairport Convention, junto con Robert Kirby, quien había compuesto la música del álbum de Nick Drake. Solo se imprimieron 500 copias de "Just Another Diamond Day" y, según Joe Boyd, solo se vendieron unas 150. Bunyan estaba molesta porque el álbum fue ignorado y nada publicitado y se echó la música por encima del hombro. No volvería a grabar ni a actuar durante tres décadas mientras se retiraba a una idílica vida privada criando a sus tres hijos en las zonas rurales de Escocia e Irlanda.

Just Another Diamond Day fue ese disco, en él disfrutamos de su voz fantasmalmente frágil e inquietantemente hermosa, tan suave que a menudo es poco más que un susurro. La acompaña su guitarra acústica y flauta dulce, mandolina, cuerdas y palabras que reflejan una vida de familia y ética de trabajo, aire fresco y belleza natural. Las canciones son muy cortas y aparentemente infantiles, pero esto no es "música para niños" en un sentido superficial. Después de grabar su voz, tuvo poco que ver con la mezcla musical y en realidad no quedo contenta con los arreglos folclóricos en ese momento estaban de moda. No se consideraba una folclórica tradicional, sino algo más único. Tenía ideas diferentes sobre cómo debería sonar, pero carecía de la firmeza para involucrarse. El álbum se abre con la melodía tranquila y etérea pero pegadiza, Diamond Day, con guitarra y flauta, esta canción es algo brillante y tierna que se te graba en el cerebro, la canción huele a labanda y está bañado en rocío mañanero, Vashti, con un registro vocal muy parecido al que por la época tenía Marianne Faithfull, desarma a cualquiera que se acerque con el escepticismo por delante y convierte cualquier mueca burlona de desprecio apriorístico en una sonrisita de beatitud perfecta. Sin duda, una de las obras cumbre del buenrollismo hippie más extremo. Casi genial.

0745 - Pink Floyd - Summer '68

0745 - Pink Floyd - Summer '68

Summer '68 es una canción de la banda británica Pink Floyd, la canción se encuentra en su álbum del año 1970 Atom Heart Mother.

En una reseña hecha del álbum Atom Heart Mother, Irving Tan de Sputnik Music le dio a "Summer '68" una crítica positiva y la describió como "la canción más pegadiza y accesible del álbum". Tan realmente disfrutó la voz de Wright y también dijo, que el "solo de trompeta grandilocuente se rompe", y creía que la canción tenía "un coro maravilloso".

En otra crítica que han hecho del álbum Atom Heart Mother, IGN describió "Summer '68" es como "una melodía pop pegadiza, rápida y feliz escrita y cantada por Richard Wright" que es "una de las pocas canciones que Wright ha hecho para Pink Floyd y en realidad está bastante bien".

Esta canción que fue escrita y cantada por Richard Wright, bajo el nombre de  "Summer '68" fue grabada en Londres en Abbey Road Studios en julio de 1970. Y su letra es la descripción del encuentro de Wright con una groupie en 1968.

Esta canción tuvo otra versión que no llegó a tener el éxito de Summer '68 sino que fue descartada por la banda. 

El 4 de diciembre de 1968, se inició una versión de esta canción, titulada "One Night Stand", en Abbey Road Studios. La banda siguió trabajando en la canción y hasta el 16 de diciembre de ese año (1968), que fue finalmente descartada por la banda el 16 de enero de 1969 después de una sesión en Abbey Road, así que finalmente sólo nos queda la versión de Summer '68, así que a disfrutar de ella.

Daniel 

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El artista del #mesPaulMcCartney - hoy su tercer álbum Tug of war

El artista del #mesPaulMcCartney - hoy su tercer álbum Tug of war 

Tug of War es el tercer álbum de estudio en solitario del músico inglés Paul McCartney, lanzado el 26 de abril de 1982. Fue el primer álbum de Paul McCartney lanzado después de la disolución de su banda Wings el año anterior. En general, fue su undécimo álbum desde la ruptura de The Beatles. También fue el primer álbum de Paul McCartney después del asesinato del excompañero de composición John Lennon. La portada presenta una pintura al óleo abstracta del artista Brian Clarke, un colaborador frecuente de Paul McCartney, que incorpora una transparencia sobrepintada de un retrato de Paul tomado por Linda McCartney.

Tras el lanzamiento del álbum en solitario McCartney II, Wings se reagrupó en julio y octubre de 1980 para ensayar varias canciones que luego aparecieron en Tug of War y Pipes of Peace. Sintiendo la necesidad de una dirección, Paul McCartney pidió a su ex productor, George Martin, que comenzara a grabar una canción escrita para el personaje animado de Rupert Bear (del cual McCartney adquirió los derechos cinematográficos en 1970), titulada We All Stand Together, entre otros. Las productivas sesiones continuaron hasta el 9 de diciembre, la mañana en que McCartney se despertó y descubrió que su excompañero de composición y exBeatle, John Lennon, había sido asesinado a tiros en la ciudad de Nueva York la noche anterior. Abandonando la sesión de ese día (en la que él y Denny Laine estaban grabando la futura cara B de "Rainclouds"), tanto Martin como Paul McCartney sintieron que era mejor dejar el proyecto por el momento y comenzar de nuevo una vez que estuvieran listos.

En febrero de 1981, dos meses después de la muerte de John Lennon, Paul McCartney reanudó las sesiones, grabando ese mes con Stevie Wonder, Stanley Clarke, Carl Perkins y Ringo Starr, y grabando varias canciones en el proceso. Las sesiones se llevaron a cabo en AIR Studios en Montserrat, en el Caribe, y duraron del 3 de febrero al 2 de marzo, y terminaron con "Ebony and Ivory" y "What's That You're Doing", dos canciones con Stevie Wonder. El guitarrista de 10cc Eric Stewart también se convirtió en un colaborador frecuente de Paul McCartney durante este período. Ese verano se llevaron a cabo más sesiones en los estudios AIR de Martin en Oxford Street, Londres. Las sesiones fueron tan productivas que varias pistas resultantes se reservaron para el siguiente álbum de Paul McCartney, Pipes of Peace, que siguió en 1983. El resto de 1981 transcurrió de manera tranquila, con Paul McCartney y Martin dando los toques finales al álbum.

Daniel 

Instagram storyboy 

0744.- Atom Heart Mother - Pink Floyd

Atom Heart Mother es el tema que da título al quinto álbum de estudio de Pink Floyd, y la pieza central del mismo por sus más de veintitrés minutos de duración, a lo largo de los cuales la banda comparte protagonismo con la Abbey Road Session Pops Orchestra. La dificultad de ensamblaje y coordinación de la banda con las partes orquestales dirigidas por el compositor y multi instrumentista Ron Geesin dificultó mucho el proceso de grabación de lo que supuso una clara transición del rock psicodélico que habían realizado hasta entonces, a la propuesta de rock sinfónico y progresivo que significaba una pieza tan desmedida como Atom Heart Mother.

El tema iba a llamarse originalmente The Amazing Pudding, un título con el que nadie parecía estar convencido, y fue el propio Ron Geesin el que les planteó a los miembros de Pink Floyd que buscasen titulares o frases en periódicos que pudieran encajar mejor. Roger Waters encontró una noticia sobre una mujer embarazada a la que habían tenido que implantarle un marcapasos atómico, y la canción pasó instantáneamente a llamarse Atom Heart Mother. Los nombres con los que se identifican las seis partes de la canción deberían haber estado relacionados con el título, pero entonces entró en juego la portada elegida para el disco. Por falta de tiempo, enviaron a un fotógrafo a la campiña inglesa para que fotografiara lo primero que viera, y lo que vio fue una vaca, y en consonancia con la foto, algunas de las partes fueron bautizadas con nombres tan curiosos como Breast Milky (Pecho lechoso) o Funky Dung (Estiércol funky).

El conocido popularmente como "disco de la vaca" de Pink Floyd fue publicado el 2 de octubre de 1970 en el sello discográfico Harvest, llegando a alcanzar el primer puesto en las listas de ventas del Reino Unido, y un más modesto nº 55 en las listas de Estados Unidos. A pesar del éxito de Atom Heart Mother, tiene el honor de ser una de las pocas cosas en las que tanto David Gilmour como Roger Waters estuvieron de acuerdo. Tras la difícil grabación del disco, Gilmour lo calificó de "montón de basura", mientras el segundo dijo que no le importaría que "lo tiraran a la basura y que nadie volviera a escucharlo". Ambos fueron muy injustos al lanzar semejantes piedras contra el tejado del establo de una vaca que protagonizaba uno de los discos que, no siendo de los mejores del grupo, sí que ha perdurado como uno de los más peculiares de los años setenta y de la discografía de la banda.

0743-. Chains and Things - B B King

Chains and Things, B B King

     En octubre de 1970 aparece publicado el decimoctavo álbum de estudio de la leyenda del blues B. B. King, Indianola Mississippi Seeds. El disco es grabado en los Record Plant Studios de Los Ángeles, California, a excepción del tema Go Underground, que es grabado en los estudios Hit Factory de Nueva York. Es producido Por Bill Szymczyk y publicado por el sello discográfico ABC Records. En este disco B. B. King entremezcló elementos del blues y el rock, y el productor Bill Szymczyk tuvo claro que debía continuar, como había hecho anteriormente produciendo The Thrill Is Gone, con la fórmula de emparejar a King con un numeroso elenco de estrellas musicales. El resultado no pudo ser mejor, siendo este álbum uno de los más aclamados por la crítica y más respetados de todos los tiempos.

Indianola Mississippi Seeds consiguió introducirse en varias listas de la famosa lista estadounidense Billboard, tan dispares como la de Pop, jazz o black albums. De hecho este disco es quizá, según el propio B. B. King su mejor trabajo artístico de siempre: "Sé que los críticos siempre mencionan Live & Well o Live at the Regal, pero creo que Indianola Mississippi Seed fue el mejor álbum que he hecho artísticamente".  Además, como el mismo título indica, es todo un tributo allugar donde King se crió, Indianola, Mississippi. Aunque King  nació entre los pueblos de Itta Bena y Berclair, los cuales están más cerca de Greewood, el siempre ha considerado Indianola como su ciudad natal.

Esa consideración de King hacia Indianola a sido recíproca, pues la ciudad le ha devuelto esos respetos. En 2008 se inauguró el B. B. King Museum and Delta Interpretive Center (Museo B. B. King y Centro de Interpretación Delta) en Indianola, con la misión de "preservar y compartir el legado y los valores de B. B. King, celebar la rica herenca cultural del Delta del Mississipi y prmover el orgullo, la esperanza y la comprension a través de exhibiciones y programas educatvos". 

El álbum contiene varios sencillos que generaron éxito, y uno de ellos es Chains and Things, una de las mejores canciones que te puedes encontrar n el vasto y extenso repertoro de B. B. King. Fue compuesta por el propio B. B.King y por Dave Clark, músico, compositor y productor musical británico que en la década de los 60 lideró la banda The Dave Clark Five, en la que ejerció de batería y mánager. Esta banda es considerada la primera de la llamada Britsh Invasion, llegando a Estados Unidos en 1964. Para la grabación de Chains and Things, B. B. King se encargó de la guitarra y las partes vocales, estando muy ben acompañado por Carole King al piano, Bryan Garofalo al bajo y Russ Kunkel a la batería. 

El disco de la semana 310: Mayéutica - Robe Iniesta

A la pregunta de ¿Qué es "Mayéutica"?, y después de consultar en internet, podría contestar que es un término de Sócrates, referido a una situación en la que lograba que sus discípulos resolvieran sus dudas a través de preguntas que debían hacerse a sí mismos. Pero más allá de disertaciones filosóficas, para mí "Mayéutica" ha sido un regalo. Literalmente, porque me lo trajo Santa Claus, y emocionalmente, porque al escucharlo solo pude agradecer eternamente al anciano regordete y a sus sacrificados renos, por haber puesto en mis manos semejante obra maestra. Si "La Ley Innata" (2008) estaba en los más alto de mi lista de mejores discos en castellano, esta inesperada continuación es una obra de arte a similar altura que su antecesor. Nadie mejor que el propio Robe, con una de las frases del disco, para describir lo que se siente al escucharlo: "Voy caminando, y, de cuando en cuando, encuentro una canción que me empuja, me eleva y me lleva y me lleva". "Mayéutica" es esa canción, y ese disco al completo.

"​Diez años tardé en volver. Y de este regreso, o tal vez de todo lo vivido mientras tanto, surgió esta inesperada continuación." Son palabras del propio Robe, y llama la atención que esta "continuación" de "La ley innata", venga en esta ocasión de la mano de Robe Iniesta en solitario, y en una estructura más cercana a aquel disco de Extremoduro que a las dos entregas de Robe sin su banda de siempre. Como ya ocurriera en "La Ley Innata", esta nueva obra consta de interludio, cuatro movimientos y una coda final. Publicada en abril de 2021 por El Dromedario Records, fue en realidad concebida en 2018, pero su lanzamiento se retrasó para no interferir con la gira de despedida de Extremoduro, finalmente cancelada por la pandemia de COVID-19. Por el camino, diez años en los que Robe, con Extremoduro o en solitario, nos dio muchas otras canciones con las que elevarnos y dejarnos llevar, pero nada comparado a lo que nos regala en los grandiosos y apabullantes cuarenta y tres minutos de "Mayéutica", una gran carta de amor y de arrebato pasional, en la que verso a verso va desatando un auténtico ciclón de emociones y sentimientos, alternando tramos más poéticos y delicados con otros en los que la contundencia de la música es realmente impresionante.

 

El disco comienza con el Interludio, y ya desde el principio encontramos conexiones con "La Ley Innata", tanto en la melodía de violines que nos lleva a la "Dulce introducción al caos", como en guiños a frases de aquel disco: "Se cae la casa desde que se marchó, perdí la pista del eje del salón". En este primer corte, y además de los impresionantes violines, Robe da las primeras muestras de genialidad e intensidad poética, cantándole a su "musa" para que vuelva ("Dejo las ventanas sin cerrar y la puerta abierta por si decidiera regresar que no tuviera que esperar, que nada la entretenga."), dejando entrever que está empezando a perder la esperanza en que eso ocurra ("Y dejo las canciones sin final por si no vuelve nunca más y nada fuera cierto").

En el Primer Movimiento: Después de la catarsis, el toque clásico de los violines sigue mandando en la melodía, y el derroche instrumental es, por momentos, impresionante, con los solos de guitarra fundiéndose con los violines en el tramo final. La historia da un giro en positivo porque ella ha vuelto ("No quedan sombras del pasado desde que te has acercado. Ahora todo es claridad. No quedan penas atrasadas, ni quedan puertas cerradas, ni nada que derribar"). El anhelo y las dudas han dado paso a la luz y el optimismo, y Robe decide entonces sincerarse y expresar sus sentimientos ("Y pongo, a ver qué pasa, hoy las cartas sobre la mesa, y te voy a decir lo que a mí me pasa, por si te interesa") y abrazar el sentimiento de esperanza que de nuevo renace en su interior ("Hoy tal vez el viento sople a mi favor y me empuje, me eleve y me lleve y me lleve").

El Segundo Movimiento: Mierda de filosofía es un paso más en la euforia que ha supuesto el regreso de su amada, algo que transmite por igual en la intensidad de las letras y en la agresividad y la potencia de la música, en el tema más guitarrero y directo del disco, una manera de "volver a lo primario, que yo solo quiero hacerte bailar, bailar, bailar como una puta loca". Es, sin duda, el tema más Extremoduro del disco, con vibrantes solos de guitarra, órgano Hammond y, cómo no, violines, y la canción elegida para su promoción en los medios, apoyada en un impresionante vídeo firmado por Diego Latorre.

En el Tercer Movimiento: Un instante de luz la reconciliación se consuma, y con el reencuentro sexual la música también se acelera y se desata ("Date prisa, métete en la cama, que el vis a vis se acaba y empieza aquí, con esta flor, la primavera"). Una vez apagado el fuego que incendiaba a los dos amantes, queda la calmada declaración de amor, en una de las mejores frases del disco: "No quedan penas atrasadas, ni quedan puertas cerradas, ni nada que derribar. Nada después de tu mirada. Nada después de este instante de luz, solo una imagen congelada. Nada después de este instante, que tú." El intenso solo de guitarra final, y el final en tono clásico son de un nivel superlativo, y la mejor antesala del siguiente movimiento.

Adentrarse en el Cuarto Movimento: Yo no soy el dueño de mis emociones es, como su nombre indica, darse cuenta de que, a estas alturas del disco, no somos ya dueños de las emociones que esta obra sublime nos genera, y de que Robe nos tiene ya guardados en su bolsillo y nos maneja a su antojo, seguro de que, a estas alturas, una canción de más de quince minutos se nos va a hacer corta. Tras un desenlace instrumental que es de nuevo brillante, llega el momento de cerrar el disco con una Coda Feliz que, en el fondo, y mientras el volumen de la pista se va apagando, esperamos que quede una vez más abierta, como las ventanas y la puerta que, al principio del disco, Robe se negaba a cerrar para que ella regresara. Porque si esta fuera otra de esas canciones que el genial músico deja "sin final, por si no vuelve nunca más y nada fuera cierto", entonces quizá hubiera, en el horizonte, una nueva entrega de la excelsa serie de discos que componen La ley innata y Mayéutica.

0742.- Midnight rider - The Allman Brothers Band

Midnight Rider ("Jinete nocturno") fue el segundo single publicado de Idlewild South (1970), el segundo álbum de The Allman Brothers Band. Escrita inicialmente por Gregg Allman en la granja "Idlewild South" en Georgia, y aunque ya era noche cerrada, durante la composición pidió ayuda al "roadie" Robert Kim Payne, al sentirse atascado en la creación del tercer verso. Payne aportó la frase "I've gone past the point of caring, some old bed I’ll soon be sharing." ("He pasado el punto de preocuparme, alguna vieja cama estaré pronto compartiendo") que entusiasmó a Gregg y le sacó del atasco creativo en el que se encontraba. A cambio, y aunque inicialmente Payne no estuvo acreditado como coautor de la canción, acabó firmando un contrato por el que recibiría el 5% de los futuros "royalties".

Ya entrada la madrugada, decidieron grabar una demo en los Capricorn Sound Studios. No querían esperar al día siguiente, así que llamaron a sus productores para que fueran a abrirles el estudio. Ante la negativa de éstos, Payne rompió el cristal de una ventana y se colaron en el estudio como unos auténticos "Midnight riders" para que Allman pudiera grabar la demo con su voz y la guitarra acústica. Al no conseguir encontrar al resto de miembros de la banda, Gregg reclutó a su amigo Twiggs Lyndon para tocar el bajo en la demo, aunque Lyndon no sabía tocar. Mientras Lyndon practicaba la línea de bajo, Gregg logró encontrar a Jaimoe, el batería del grupo, que acabó tocando las congas para la demo.  

Midnight Rider, en la versión de estudio que posteriormente grabó la banda al completo, y sin la nocturnidad y alevosía de aquella demo, terminó formando parte del siguiente disco, titulado como la granja en la que se compuso, pero el single no obtuvo la repercusión que hubieran deseado. Estamos ante uno de esos casos en los que la canción original no llegó a alcanzar un gran éxito, para explotar después en alguna de las versiones posteriores de otros artistas o, en este caso, en una versión posterior del propio  Gregg Allman en 1973, que alcanzó el top 20 tanto en Estados Unidos como en Canadá. Una versión de Willie Nelson llegó al nº 6 de las listas estadounidenses, mientras que la versión reggae del jamaicano Paul Davidson fue la que más alto llegó en el Reino Unido, alcanzando el nº 10 de las listas de ventas. Otros "jinetes nocturnos" ilustres fueron Joe Cocker, Buddy Miles, Patti Smith, Alison Krauss o UB40, entre otros.

0741.- Revival - The Allman Brothers Band

0741 - The Allman Brothers Band - Revival

Revival, es una canción de la banda de rock estadounidense Allman Brothers Band. Que también es conocida como Revival (Love Is Everywhere).

Y está canción fue el single de difusión de su segundo álbum de estudio, Idlewild South en el año 1970, lanzado por Capricorn Records. La canción fue escrita por el guitarrista Dickey Betts, su primer crédito como compositor para el grupo.

Fue la primera canción de Allman Brothers en ingresará en una lista de éxitos, y alcanzar el puesto 92 en la lista de Billboard Hot 100 a principios de 1971.

Su primera contribución como compositor de la banda, el guitarrista Dickey Betts escribio inicialmente Revival pero solo con un sonido instrumental. Luego se dice que comenzó a cantar, y las letras llegaron como una ocurrencia tardía, lo cual no era típico del guitarrista. Dickey Betts tendía a escribir naturalmente este tipo de canciones instrumentales primero, y luego le ponía letra, más tarde comentó el artista comentaría, "Tienes que tener un enfoque completamente diferente; un instrumental tiene que ser realmente pegadizo y cuando tienes éxito es muy satisfactorio porque has trascendido las palabras y te has comunicado con emoción". 

En la grabación de la canción en cambio Duane Allman toca la guitarra acústica que se escucha en Revival y no Dickey Betts, ya que fue mejor para obtener un sonido acústico agradable debido a su experiencia en el estudio.

Como hemos indicado Revival fue la primera canción de Allman Brothers en las listas de éxito, cuando debutó y alcanzó el puesto 92 en el Billboard Hot 100 durante la semana del 9 de enero de 1971, permaneció en esa posición por segunda semana antes de caer al número 100. Después de eso, salió de la lista y pasó solo tres semanas en total en la lista. La duración de la canción en el disco es de 4:05 minutos, en la de 45 rpm se cortó el primer 1:26, llevando la canción a 2:39.

Daniel

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Venus and Mars - Wings #MesPaulMcCartney

 

Venus And Mars, Wings

Venus and Mars es el cuarto álbum de estudio publicado por el grupo británico Wings, con Paul McCartney al frente. Este disco suponía el sexto en la carrera de Paul McCartney tras la separación de The Beatles. Fue publicado tras el éxito comercial de Band on the Run continuando además la línea marcada por este álbum. Venus and Mars supuso además el primer trabajo de McCartney tras finiquitar su contrato con Apple Records.

Después de grabar Band on the Run, disco grabado como un trío integrado por Paul y Linda McCartney y el guitarrista Denny Laine, Paul contrató a Jimmy McCulloch como guitarrista principal y a Geoff Britton como batería para consolidar la nueva formación de Wings. Para la grabación de este nuevo trabajo Paul decidió establecerse en Nueva Orleans y que el resto de la banda le acompañara posteriormente para trabajar en el material del mismo. Pero las sesiones de grabación no fueron precisamente fáciles al principio, pues el choque de personalidades entre McCulloch y Britton acabaría provocando el abandono de Britton cuando únicamente habían trabajado en tres temas. Paul contrataría a Joe English para suplirle y finalizar el álbum. Paul, además de dar continuidad al álbum con respecto a Band on the Run, decidió enlazar también varias canciones.

El disco fue grabado en dos periodos comprendidos entre el 5 y el 13 de noviembre de 1974 (con Britton) y enero y febrero de 1975 (con English), entre los Sea Saint Studios de Nueva Orleans, Wally Heider's studio de Los Ángeles y Abbey Road de Londres, bajo la producción del propio McCartney, y publicado el 30 de mayo por el sello discográfico Capitol Records bajo el control de MPL Communications, un holding empresarial que el propio Paul había fundado. El disco obtuvo buenas críticas por parte de la prensa especializada, si bien siempre existió cierta comparación con su antecesor, Band on the Run. Y no es porque Venus and Mars fuera malo, en absoluto, la cuestión es que el anterior disco había dejado el listón muy alto, un trabajo de muchos quilates. También obtuvo muy buena aceptación por parte del público, consiguiendo alcanzar el puesto número uno en países como Estados Unidos, Reino Unido, Francia, Canadá y Nueva Zelanda, llegando a vender varios millones de copias durante la década de los 70, y consiguiendo la certificación de platino en Estados Unidos y Reino Unido.

La portada de Venus and Mars, unas esferas rojas y amarillas que simbolizan los planetas Venus y Marte, fue diseñada por el reconocido grupo de diseño gráfico Hipgnosis, usando una fotografía de Linda McCartney. Otra curiosidad es que el disco fue publicado en forma de libro, con un póster desplegable en su interior y una fotografía del grupo en el interior tomada en el desierto de Carolina del Norte. El diseño de la portada ganó el premio a la mejor portada del año que concedía por entonces la revista especializada Music Week. 

El disco comienza con dos canciones ensambladas, Venus and Mars, una brillante balada acústica de corte folk de poco más de un minuto que representa la perspectiva de un asistente a un concierto que está esperando a que empiece el mismo, y la contundente Rock Show, que rompe con un potente riff. Canción que alude precisamente a eso, al show que acaba de empezar. La canción está llena de alusiones a conciertos en el Concertgebouw de Ámsterdam, el Madison Square Garden de Nueva York y el Hollywood Bowl de Los Ángeles. También hay alusiones a la guitarra de Jimmy Page y al Rainbow Theatre. Muy reseñable la colaboración del mismísimo Allen Toussaint al piano en esta canción. Turno para Love in Song, uno de los tres temas grabados por Britton a la batería. Una de las maravillas tapadas del álbum, una canción con cierto toque a música americana. Esta maravilla de la que Paul afirmaba que simplemente se le ocurrió, fue escrita y grabada con una guitarra de 12 cuerdas por el propio McCartney, quien además se ocupó del contrabajo. You Gave Me the Answer es otra delicia en forma de Music Hall que nos recuerda a sus mejores tiempos en The Beatles. El tema es un sentido homenaje al padre de Paul, quien dirigió a su propia banda en su juventud escribiendo números de Music Hall.

Magneto and Titanium Man contiene, además de un piano eléctrico más que destacable, una curiosa letra en forma de narración que  incluye a tres personajes del mundo de Marvel, , Titanium Man y Crimson Dynamo. Cuando se le preguntó a a Stan Lee (co-creador de lo tres personajes) por esta canción dijo que le pareció "excelente". Letting Go se encarga de cerrar esta brillante cara A. Un medio tiempo con una más que notable guitarra eléctrica muy presente. Fue otro de los temas grabados por Britton.

La balada Venus and Mars (Reprise) se encarga de abrir la cara B y de hacer además de antesala para el genial blues psicodélico Spirits of Ancient Egypt, la cual curiosamente fue interpretada vocalmente por el guitarrista Denny Laine. Medicine Jar es el tercer corte donde podemos escuchar la batería de Britton. Una canción que sin desentonar en absoluto y pese a contener un excelente sólo de guitarra, es quizás de las más correctas de un álbum muy destacable. Con Call Me Back Again, la banda de Paul vuelve a la senda de los grandes temas. Un temazo escrito por Paul a medio camino entre un hotel de Beverly Hills en California y Nueva Orleans. Esta magnífica balada con toques de soul y blues es todo un homenaje de Macca a sus dorados años 50 a través de una portentosa exhibición de sus cuerdas vocales.

Listen to What the Man Said es una canción que no llegó a alcanzar todo el potencial que se esperaba de ella al ser grabada, y queda como una balada comercial y empalagosa, de largo el tema más flojo del disco. Tampoco hubiera pasado nada si no hubiera sido incluida. Nos vamos acercando al final con Treat Her Gently - Lonely Old People, otros dos temas ensamblados y que por fortuna nos quita el mal sabor de boca del anterior tema. Una canción que resalta las virtudes de Paul en este tipo de temas acompañando de un brillante piano. El final del disco llega de la mano de un corte que pretendía ser una broma y que no muchos entendieron en su momento, Crossroads Theme, una versión del tema de cabecera de una conocida telenovela británica: "Era una broma, aunque parece que la gente no la entendió. Va detrás de Lonely Old People y es el tipo de serie que la gente mayor ve. Creímos que quedaba bien". 

Venus and Mars es un magnífico disco, con una cara A brillante y con un par de bajones en la cara B que de no haberse producido podrían haber elevado esta obra a la categoría de "masterpiece".

0740.- Please Call Home - The Allman Brothers

The Allman Brothers Band inventó el rock sureño en su álbum debut de 1969 , y todavía estaba a un año de su innovador álbum en vivo que consolidó a la banda en la historia de la música, entonces, ¿qué pasó entre estos dos momentos decisivos? ¡Otro álbum de estudio, por supuesto! ¿Alguna vez has oído hablar de la depresión de segundo año? Creo que Idlewild South es un ejemplo predominante de esta teoría; simplemente no tiene el mismo nivel de consistencia y calidad que tuvo su debut histórico, esto, por supuesto, puede parecer que estoy llamando a este disco malo o una decepción, pero eso está lejos de ser el caso. En última instancia, Idlewild South se las arregla para ser un lanzamiento distinto en el catálogo del grupo con un sentimiento mucho más pulido en comparación con el sonido improvisado de su debut. Uno de los principales cambios fue la incorporación de Tom Dowd como productor, Dowd fue uno de los mejores productores de la historia del rock y su trabajo con The Allman Brothers daría sus frutos con tres de los álbumes mas legendarios de la década de 1970.  El segundo cambio fue la aparición de Dickey Betts como compositor, que sería tan importante para el futuro éxito de la banda. Su “In Memory Of Elizabeth Reed” se convertiría en una parte importante del acto escénico del grupo durante décadas. Sin ser un gran disco escuece un poco la relativa brevedad del álbum, poco menos de 31 minutos, lo opuesto a su espectáculo en el escenario donde las canciones se alargaron a través de la improvisación.

"Please Call Home" es quizas la canción que más influencia de blues tienen de las que han grabado hasta este momento y en muchas ocasiones la nombran como una de las favoritas del grupo, es imposible no estremecerse con la sentida voz que escuchamos y esos finísimos punteos, quizás no sea tan famosa, pero es indiscutiblemente una de mis favoritas, reconozco que no tiene ni de cerca la grandilocuencia de los cortes anteriores, pero muestra a la banda con un sentimiento especial que no me quedó mas remedio que decantarme por ella, te extrañara ya que no es de las mas relevantes, pero como nos cantan ellos, “Pero recuerda lo que te dije antes. Por favor, llama a casa si cambias de opinión.”

0739-. In Memory of Elizabeth Reed - The Allman Brothers Band

 

In Memory of Elizabeth Reed, The Allman Brothers Band

      La banda de rock The Allman Brothers Band no sólo han sido uno de los grandes referentes del rock sureño, pues fueron más allá y se ganaron a pulso el que no les colgaran la etiqueta (ya que no les gustaba) de banda de rock sureña únicamente, pues se movieron magistralmente entre estilos que iban desde el blues, rock, jazz, blues rock, y todo ello mezclado con grandes dosis de pura improvisación. Idlewild South, su segundo álbum de estudio, publicado en 1970, es un disco donde el rock sureño se entremezcla con el blues, el blues rock y el jazz, demostrando los increíbles músicos que formaban este grupo, músicos curtidos en mil batallas. Además de tener increíbles discos en estudio, el fuerte de los Allman Brothers era indiscutiblemente el directo. Para los anales de la historia de la música queda ya el famoso Live at The Filmore East, disco grabado durante tres conciertos que el grupo dio en la famosa sala de Nueva York, y que vería la luz ese mismo año. Demostrando la calidad que atesoraban con los temas que tocaron y con las largas improvisaciones musicales marca de la casa.

     En 1970, el grupo, que está formado por Gregg Allman (voz, piano, órgano), Duane Allman (guitarra solista), Dickey Betts (guitarra solista), Berry Oakley (bajo), Jai Johanny Johanson "Jaimoe" (batería, percusión) y Butch Trucks (batería, percusión), graban Idlewild South entre los Capricorn Sound Studios de Macon (Georgia), los Atlantic South Studios de Miami y los Regent Sound Studios de Nueva York. Una vez grabado el disco es publicado en septiembre de 1970, siendo el segundo álbum de estudio del grupo. El disco tardó cinco meses en grabarse, y se utilizan los tres estudios debido a la agenda del grupo, que tiene compaginar sus conciertos con la grabación del mismo.

In Memoriam of Elizabeth Reed, compuesto por Dickey Betts en homenaje a Miles Davis, donde nos vuelve a regalar otro magnífico tema con base jazzística. Dickey se inspiró para componer el tema en una mujer con la que tuvo una relación en Macon, Georgia, y que era la novia por entonces del músico Boz Scaggs (cantante, compositor y guitarrista conocido por sus trabajos en la década de los años 70). Dickey decidió ocultar el nombre de la mujer y utilizó el nombre que aparecía en una lápida del cementerio Rose Hill, ubicado allí en Macon, y es que Dickey y los demás miembros del grupo solían ir allí a relajarse y escribir canciones. Este tema cuando era interpretado por el grupo en directo, nunca lo tocaban de la misma forma, y sobre él se marcaban geniales improvisaciones. Este fue el primer tema instrumental que fue compuesto por el grupo. En ese cementerio, Rose Hill, donde Dickey cogió el nombre del tema, se encuantran enterrados los componentes del grupo Duane Allman y el bajista Berry Oakley.

Band on the run - Wings - #mesPaulMcCartney

"Banda a la fuga", el título del tercer disco de estudio de Wings, parece una nueva referencia a la separación de The Beatles, tras la que cada uno de los "fab four" emprendieron sus carreras en solitario. La de McCartney comenzó marcada por la incomprensión de su primera propuesta ("McCartney", 1970) y una más trabajada segunda entrega ("Ram", 1971) en la que lanzaba algunas pullas a su ex compañero y amigo John Lennon. Ambos discos contenían un buen puñado de canciones que dejaban entrever lo que podía ser una gran carrera en solitario, pero Macca necesitaba sentirse arropado bajo la manta de un grupo, y fundó una banda hecha a su antojo y a su medida, incluyendo a su esposa Linda McCartney a los teclados. Con Wings la cosa no empezó bien con el primer disco ("Wild life", 1971) y mejoró algo con el segundo ("Red Rose Speedway", 1972), dejando a McCartney con la sensación de necesitar escapar de alguna manera, y lanzarse a la búsqueda del camino correcto para su música.

Y eso fue lo que hizo. Casi literalmente, y cansados de la monotonía y la repetición de las grabaciones en estudios del Reino Unido, los Wings se dieron "a la fuga" y buscaron un lugar exótico en el que las nuevas canciones cobraran vida. Revisando una lista de estudios de EMI por el mundo, a McCartney le llamó la atención que hubiera uno disponible en Lagos (Nigeria), y decidió que ese sería el destino de aquella particular fuga. La idea era que toda la plana mayor de Wings viajara para las grabaciones, pero a pocas semanas del viaje, Henry McCullough abandonó el grupo, y Denny Seiwell hizo lo propio solo un día antes de la partida, dejando a los Wings en un reducido trío (McCartney, Linda y Denny Laine). Para reforzar la parte técnica de la grabación, y al no tener la certeza de qué personal se iba a encontrar en aquellos recónditos estudios africanos, McCartney recurrió al ingeniero de sonido de The Beatles, Geoff Emerick, enrolándole en el exótico viaje de una banda cada vez más "a la fuga".

Al llegar a Lagos, se encontraron un estudio de grabación localizado en un suburbio, mal equipado y en un alarmante estado de abandono, sin mesa de control y un único magnetófono de ocho pistas. La situación política del país era además complicada, gobernado por militares y sumido en una atmósfera de caos y corrupción. En una de las salidas de la pareja, Paul y Linda fueron atracados a punta de navaja, y los asaltantes se llevaron, entre otros objetos de valor, los manuscritos de McCartney y cintas con demos de las canciones que se disponían a grabar. Sin músicos, en un estudio desvencijado y teniendo que recordar las canciones de memoria, la "fuga" de McCartney parecía condenada al fracaso, pero el de Liverpool asumió las labores de guitarra principal y batería, y con Denny Laine en la guitarra rítmica, Linda en los teclados y Geoff Emerick haciendo milagros con el equipo de sonido del que disponían, entre todos sacaron adelante (con los arreglos orquestales a cargo de Tony Visconti que se añadieron ya de regreso en Londres) el que todos consideran el mejor disco de McCartney sin los Beatles, y posiblemente, el mejor disco de cualquiera de los cuatro músicos por separado, en un empate técnico con el "John Lennon/Plastic Ono Band".​ 

El disco arranca con la propia Band on the run, que fue publicada como segundo single del álbum, convirtiéndose de inmediato en un éxito a nivel mundial y vendiendo más de un millón de copias solo en Estados Unidos. A lo largo de sus más de cinco minutos de duración, Band on the run atraviesa por tres partes muy diferenciadas, que van de la balada lenta del tramo inicial, al funk-rock de la parte central, y terminando en un gran final al más puro estilo country, en la que las guitarras acústicas y el slide se entremezclan con los coros. La letra es el nexo entre las tres partes, con un claro mensaje de huida en busca de la ansiada libertad, inspirada en un comentario de George Harrison durante una reunión en las oficinas de Apple. "Si alguna vez salimos de aquí", dijo su ex-compañero, y eso es lo que McCartney se propuso hacer, inventándose "una historia sobre personas que escapan de la cárcel" y adaptando lo que recordaba de la letra tras el robo sufrido, para reflejar el estado en el que se encontraba la banda "atrapada dentro de cuatro paredes" en el estudio africano, en un estado de "sombría incertidumbre".

Tras este espectacular arranque, el ritmo no decae con Jet, la elegida como single de lanzamiento, un tema de fuerte instrumentación de guitarras eléctricas y teclados que cosechó también gran éxito, llegando al nº 7 de las listas de ventas británicas y estadounidenses, aunque no fue comparable a lo que conseguiría después Band on the run. El título de la canción se basa en el nombre de un "perro labrador retriever" de los McCartney, aunque el músico también se ha referido a un pony como el origen de la inspiración, mientras que la críptica letra parece referirse al momento en el que conoció al padre de Linda. Es una de las pocas canciones que no se grabó en Lagos, ya que fue registrada en su totalidad en los estudios Abbey Road después del regreso del grupo de su experiencia africana.

Le sigue una balada marca de la casa McCartney/Beatles, la delicada Bluebird, y la inspirada Mrs. Vanderbilt, con McCartney en uno de sus mejores momentos interpretativos y compositivos. Esta última salió publicada como single, pero solamente en Europa y Australia, y su repercusión fue, por tanto, menor a la de los dos grandes hits con los que abría fuego el disco. Cuenta con la colaboración de Howie Casey al saxofón, y durante la grabación en Lagos, se produjo un corte eléctrico que, afortunadamente, no afectó al sonido de la canción, que se registró con los generadores de emergencia.

Let Me Roll It era otra de las grandes canciones del disco, y aunque desde el principio se le negó la repercusión que habría merecido, al designarla como cara B del sencillo de Jet, se ha mantenido como pieza habitual de los conciertos de McCartney. Escrita tiempo atrás en la granja familiar en Escocia, fue finalmente grabada en las sesiones de Band on the run, y llamó especialmente la atención de la crítica especializada, que encontraba en ella un riff áspero y unos patrones compositivos más cercanos al estilo compositivo de su ex compañero John Lennon.

La cara B comienza con la delicada Mamunia y la "beatleliana" No words, que encajaría por calidad y melodía en muchos de los discos de la banda de Liverpool, para después virar hacia la experimentación y el toque conceptual que tanto le gusta a McCartney, en un tramo en el que de nuevo mezcla pequeñas partes de canciones en parece mezclar pequeñas partes de canciones en ​Picasso's Last Words, grabada junto al batería y antiguo miembro de Cream, Ginger Baker, que usó una lata como instrumento de percusión en uno de los tramos de la canción, con breves guiños a Jet y a Mrs. Vandervilt que dotan al final del disco de un aire cíclico y conceptual. Esa es también la tónica reinante en la animada Nineteen Hundred and Eighty-Five, el tema de marcado ritmo de piano con el que cierra el disco, que vuelve brevemente a la canción Band on the run tras un apoteósico tramo final con toda la banda tocando y apoyada en una exuberante orquesta.

Publicado en diciembre de 1973, Band on the run alcanzó el primer puesto en la lista Billboard 200 en tres ocasiones, y pasó siete semanas en lo alto de las listas del Reino Unido, convirtiéndose en el disco mejor vendido de 1974. La fuga de la banda no pudo tener un final mejor, y el mejor disco de McCartney tuvo también un curioso paralelismo con el mejor disco de su mítica banda de origen. Si en "Sgt. Pepper's Lonely-Hearts Club Band" los Beatles se rodeaban de imágenes de muchas personalidades históricas en una portada icónica, en Band on the run son también varias las celebridades que aparecen, sorprendidas por un gran foco de vigilancia, en el momento de intentar fugarse junto a Paul, Linda y Denny Laine. Vestidos todos como reclusos de una prisión, personajes de la talla de James Coburn, Christopher Lee, o el boxeador de Liverpool John Conteh, entre otros, participaban de la fotografía con la que se inmortalizaba una mágica e irrepetible fuga musical, que llevó a Wings al primer puesto de las listas de éxitos en Estados Unidos, Reino Unido, Australia, Nueva Zelanda, España y Noruega, y que hasta el habitualmente resentido John Lennon consideró un gran álbum.

0738.- Southern Man - Neil Young

"After the gold rush" (1970) es uno de los discos más relevantes e influyentes del músico canadiense Neil Young. En el que fuera su tercer disco de estudio, Young incluyó algunos temas que son ya clásicos de su cancionero. Uno de ellos era "Southern man", que rompía además la marcada línea country-folk del álbum con una gran salva de rock vibrante y poderoso.

Neil Young escribió esta canción sobre la esclavitud y la quema de cruces en el sur de Estados Unidos en el vestuario del teatro Fillmore East en 1970. "Southern man" narra la historia de un adinerado "hombre del sur" que maltrataba cruelmente a sus esclavos, y en la canción Young le pregunta a su protagonista cuando devolverá todo el daño causado y la fortuna conseguida de manera tan ilícita ("Veía algodón y veía en negro, altas y blancas mansiones y pequeñas chozas. Hombre del sur, ¿Cuándo lo devolverás?"). 

Curiosamente, "Southern man" no fue elegida como single del disco, en favor de "Only Love Can Break Your Heart" y "When You Dance I Can Really Love", pero a día de hoy es un clásico imprescindible del artista canadiense, incluso por encima de los singles mencionados. Buena culpa de ello la tuvo el grupo de rock sureño Lynyrd Skynyrd, que escribieron su "Sweet Home Alabama" en respuesta a la letra de "Southern Man" y de la canción "Alabama", que aparecería en el álbum "Harvest" de Young dos años después. Lejos de alimentar ninguna polémica, Young declaró también su admiración por el tema de Lynyrd Skynyrd, e incluso llegó a interpretarla ocasionalmente en alguno de sus conciertos.

0737.- After the gold rush - Neil Young

Siempre hay un álbum que puede sernos útil en cualquier momento de tu vida, lo puedes escucharlo cuando estas feliz o cuando estas triste, un disco donde no hay una historia exacta a la tuya pero cualquiera de las canciones puede encajar y formar parte de la banda sonora que es tu vida, unas canciones de una gran profundidad y significado, aquí lo encuentras, las letras y los instrumentos cobran vida con su creatividad, algo muy extraño de ver en un álbum de folk rock. Pero es mucho más que eso, es un material que surge de todo lo que Young ha hecho un disco perfecto y un gran ejemplo de lo que debe ser cualquier disco de rock. Incluso los errores aquí solo hacen que el álbum sea aún mejor. Un verdadero disco de cantautor, lanzado en los albores de una década que estaría dominada por ese estilo, After The Gold Rush es donde Young comenzó a presentar argumentos convincentes a favor de su estatus como uno de los principales escritores de su generación.

Lo primero que nos llama la atención de la canción que da titulo al álbum, After de gold rush, son los sencillos acordes de piano que resaltan una melodía sobresaliente, cuya claridad siempre se siente como si Neil Young fuera el metafórico leñador que tira el árbol, y si alguna vez hubo algunas líneas que describieran mejor a Neil Young joven son estas "Acostado en un sótano quemado / Con la luna llena en mis ojos". Bill Peterson toca la melodía principal sin un solo adorno adicional, simplemente flotando en el sonido cálido y vibrante del instrumento durante casi 50 segundos de una canción no precisamente larga. Cada estrofa de la canción no habla de un recuerdo de la vida real, sino de un sueño, que describe lugares de otro mundo de caballeros con armadura que hablan con reyes y reinas, y termina con naves espaciales que vuelan hacia la neblina del sol y la Madre Naturaleza misma esparciendo su semilla plateada. Sin embargo, estas desconcertantes descripciones tienen una delicada belleza e intimidad, ese espíritu surrealistamente confesional se encarna en los grandiosos y tambaleantes acordes del piano, induciendo esa sensación de asombro mientras trata de resolver esas experiencias trascendentes para comprenderse a sí mismo en el proceso. "After the Gold Rush" se siente como algo genuinamente mágica desde las primeras notas, te sientes tan irremediablemente perdido en estos fascinantes mundos como él, y su atmósfera se vuelve tan impresionante que tal vez quieras quedarte allí un poco más, un testimonio de lo increíble que es la canción que no perdió nada de su brillo místico es cuando se interpretó en vivo con el solo de armónica reemplazando al fliscorno. No podíamos esperar menos que esto del genio de nuestro querido viejo Neil, continúe y escuche la canción una vez más para rendir el homenaje que merece esta brillantez compositiva

Iron Butterfly - In-A-Gadda-Da-Vida Píldora #18

Surgidos en la segunda mitad de la década de los 60, Iron Butterfly fue una de las principales formaciones acid rock de la época, llevando al extremo a la psicodelia americana y nutriendo su música y letras con el consumo de drogas en un desarrollo sonoro hacia el rock progresivo. Fue a principios de 1968 cuando Iron Butterfly se mete de lleno a la grabación del que sería su segundo álbum, la banda, enclavada en la psicodelia empezó a experimentar con tonos mas graves y ritmos cadenciosos pero contundentes, llegando a la cumbre de dicha experimentación con este disco. Bajo el liderazgo compositivo de Doug Ingle, grabaron “In-A-Gadda-Da-Vida” un extenso tema homónimo con excitantes tramos instrumentales, un insistente y poderoso riff, un célebre solo de batería y un teclado de inspiración clásica. Se suponía que el título sería "En el Jardín del Edén", el bateria Ron Bushy lo escribió como "In-A-Gadda-Da-Vida" porque no podía entender que estaba cantando el vocalista Doug Ingle y gustó el título ya que sonaba exótico y la espiritualidad oriental estaba de moda en ese momento. El principal problema que se encontraron grupo y discográfica fue el de que como single no daba opción alguna ya que ningún DJ iba a poner un tema de 17 minutos. Se tiró de tijeras y se realizó una versión corta de 4 minutos para que pudiera emitir por las emisoras.

"My Mirage", tiene una larga introducción de órgano, giros y vueltas melódicos y ritmo de parada/arranque, que hace de ella una curiosidad o la furiosa "Are You Happy" que contiene mucha más intensidad que lo que habíamos escuchado hasta ahora. Lo cierto es que el resto de pistas del álbum están bastante debajo del nivel que da esta canción, podríamos destacar "Flowers And Beads" que se toma la mentalidad hippie demasiado en serio y carece de la visión o el mensaje subliminal de otras canciones de la cultura ácida de la época. El álbum tiene claras influencias de The Doors y obtuvo estupendos resultados comerciales, alcanzado el número 4 en listas y convirtiéndose en uno de los discos puntales en la era del flower power, lamentablemente el grupo no volvería a brillar como en los 17 minutos de su tema más conocido.

0736 - Domino - Van Morrison

0736 - Van Morrison - Domino

Van Morrison había escrito la canción Domino varios años antes de su lanzamiento en 1970. Conjuntamente con Lewis Merenstein como productor, se grabó en tres tomas que se remontan a las sesiones de otoño de 1968, en Warners Publishing Studio en la ciudad de Nueva York. Luego se grabaron otras ocho tomas de la canción durante varias sesiones en 1969 en el mismo estudio y nuevamente con Merenstein como productor.

La versión lanzada en His Band and the Street Choir se grabó en la primavera de 1970, en A & R Recording Studios en la ciudad de Nueva York con Elliot Scheiner como ingeniero. El periodista musical Erik Hage escribe que una de las razones para no lanzarlo hasta 1970 puede haber sido que Van Morrison creía que podría ser un sencillo exitoso y lo retuvo para evitar que cayera bajo la cláusula de un año en su lanzamiento de contrato. Este comunicado establecía que la editorial musical tendría derecho a la mitad de los derechos de autor de cualquier sencillo lanzado por Van Morrison en el año comprendido entre septiembre de 1968 y septiembre de 1969. Van Morrison había recibido una promoción de alto perfil cuando apareció en una portada de Rolling Stone y fue entrevistado por Happy Traum en julio de 1970. Como relató Van Morrison, Warner Bros. lo alentó posteriormente a lanzar un single aptos para la radio: "La compañía discográfica me estaba pidiendo un single, así que hice algunos como 'Domino', que en realidad era más largo pero lo cortaron". Al cumplir el deseo de Warner de una canción de éxito, Hage escribió que "Domino" "brillante, firme y maravillosa encaja a la perfección. La letra toca un tema frecuente de Van Morrison, la renovación ("Creo que es hora de un cambio". ), y la dinámica vocal, puntuada por el guiño de 'Señor, ten piedad' al gospel y a James Brown (quien se basó en gran medida en el gospel)."

En definitiva la canción Domino es una exitosa canción escrita por el cantautor de Irlanda del Norte Van Morrison, y es la pista de apertura de su cuarto álbum de estudio, His Band and the Street Choir. Esta canción es el tributo musical personal de Van Morrison al cantante y pianista de R&B de Nueva Orleans, Fats Domino.

Daniel 

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