0162.- Liza Jane, David Bowie (aka Davie Jones with the King Bees)

 

David Bowie ni siquiera era David Bowie cuando lanzó su sencillo debut, un rock de R&B llamado "Liza Jane", con su banda King Bees, todavía usando su nombre de pila de Davie Jones, Bowie estaba apenas tiene 17 años, pero como demuestra la grabación, ya está lleno de fuego y actitud. Grabada para Vocalion Pop, la canción fue promocionada con fuerza, pero no llegó a las listas y la banda fue posteriormente eliminada del sello. Los orígenes de la canción se remontan a 1917, cuando Earl Fuller grabó una canción llamada "Lil 'Liza Jane" instrumental. La canción fue emitida por Harry C. Brown un año después, con voces añadidas. Desde entonces se ha convertido en un estándar del jazz y el R&B de Nueva Orleans, en gran parte gracias a la grabación clásica de Huey "Piano" Smith y los Clowns en los años 50. A The King Bees se le ocurrió una interpretación de blues de 6 compases y su manager Leslie Conn, hizo algunos cambios y se lo atribuyó a sí mismo. El sencillo fue lanzado en el sello subsidiario de Decca Records, Vocalion Pop, con el número de catálogo V.9221. Su cara B era 'Louie, Louie Go Home'. Solo se imprimieron 3.500 copias, muchas de las cuales quedaron sin vender. Ambas canciones habían sido grabadas a principios de 1964, durante una sesión de siete horas en Decca Studios en West Hampstead, Londres. Aunque era sabido que el tema era una adaptación, la composición se atribuyó a Leslie Conn, una cazatalentos de Decca y, que por entonces era el manager de Bowie, más tarde el cantante comentaría que “Liza Jane era una canción espiritual negra con la que practicábamos, no sé cómo se le ocurrió poner su autoría a la canción”

"Liza Jane" recibió críticas positivas de los semanarios de música del Reino Unido y se escuchó en la radio pirata Radio Luxembourg. El single fue lanzado el 5 de junio de 1964 y al día siguiente, fue una de las canciones que aparecieron en el concurso de Juke Box de la televisión de la BBC, donde fue considerada mala por todos menos uno de los jueces del estudio. Bowie estaba presente en el estudio y se le pudo ver por televisión cuando estaba reaccionando al veredicto, aquella seria su primera aparición en televisión. El grupo siguió con su periplo televisivo y el 19 de junio, Davie Jones con King Bees apareció en el programa de ITV Ready, Steady, Go! , interpretando 'Liza Jane' ante la audiencia del estudio. La banda también apareció en The Beat Room de BBC Two el 27 de julio, a pesar de ser lanzada con una fuerte promoción, la canción no fue un éxito comercial y no llegó en ningún momento a las listas de éxitos, sin embargo una vez comprobado en lo que se convirtió David Bowie, el sencillo se volvió muy buscado entre los coleccionistas de discos.

Decca reeditó 'Liza Jane' en 1978, pero apenas tuvo más éxito que en 1964. También apareció en la compilación de 1991 Early On (1964-1966) y en la colección de varios artistas de 2005 And The Beat Goes On. La canción también fue revivida inesperadamente por Bowie el 5 de junio de 2004 durante un espectáculo en el PNC Bank Arts Center en Holmdel, Nueva Jersey. Este fue el año del 40 aniversario del lanzamiento de la canción y la fecha final en Estados Unidos del A Reality Tour.

Disco de la semana 229: Pyromania - Def Leppard

 

Un producto de su tiempo sin eufemismos, "Pyromania" aprovecha el tsunami que supuso ese debut de Van Halen cinco años antes. Guitarrista tenía para ello con los impresionantes dedos de Steve Clark, aunque eso, una vez más, demuestra no ser garantía de éxito. Y es que el tercer álbum de los británicos puede enmarcarse como el inicio de su éxito a nivel mundial, como la pieza que marca el cambio de su heavy metal a un sonido más radio-friendly . Poco se puede discutir a eso, el problema no está en la apertura de su sonido. Tampoco en la contundencia de sus composiciones. Todo eso, te sientas más o menos cercano al rock duro, es bastante indiscutible. En retrospectiva, hay dos álbumes de Def Leppard que todos los fanáticos del rock deben escuchar, y uno de ellos es Pyromania. Quiero decir, ni siquiera soy un gran fan de Def Leppard, por supuesto que Hysteria ha sonado mucho en mi radio casette y en menor medida, pero también bastante he disfrutado varias veces con Pyromania el otro álbum de Def Leppard que traspasó fans.

Empieza el álbum con Rock Rock (Till you drop) y en ella encontramos una muestra de lo que podemos encontrar en el álbum una composición musical armoniosa que habla al oyente y lo prepara para lo que está por venir, esta canción es la introducción perfecta a lo que vendría después, Photograph, la que es quizás la mejor pista de todo el disco, si no conoces esta canción, has estado viviendo bajo una roca. Una canción clásica pura de Leppard que comienza con un gran riff introductorio. Lo que me encanta de la producción de Lange es el hecho de que podía tomar un riff de heavy metal y convertirlo en una canción de hard rock pop pegadiza, algo que en los años 80 barría allá por donde iba, lo que muchísimo público, no nos engañemos, demandaba. Aquí tenemos una de manual. Ademas la voz de Elliot está en su cúspide absoluta, fue la canción que llevo a la banda a su apogeo y llamó la atención absoluta a principios de 1983 cuando las voces ascendentes sobre el gancho del coro cuentan la historia típica de acecho y envidia que la música impulsa con una pasión de acción. La banda a veces dedicaba esta canción a Marilyn Monroe cuando la interpretaban en vivo, y el video presentaba un parecido a Monroe. Esto llevó a muchos oyentes a la conclusión de que la canción trata sobre la actriz, pero la asociación Monroe se construyó con el objetivo de tener una buena historia. La banda no tenía una inspiración específica para la letra, pero quería expresar su joven lujuria en una canción himno: ¿qué tipo no se ha enamorado tanto de una chica que cada fotografía que ve le recuerda a ella? 

Stagefright es un tema pleno y alegre que funciona perfectamente con el sonido establecido de Pyromania, aparte de algunos efectos de público en vivo falsos, que al final es más un inconveniente para la canción, puedes llegar a vibrar por momentos con este rock. Too Late for love es la típica balada heavy que tanto logra emocionar a los amantes de este género o no, donde la voz de Joe Elliot consigue traspasar la música y es la clave en toda la canción, es una mezcla perfecta, porque no decirlo, con todos los tópicos de este género, pero al final te llena, no sé si de azúcar, pero te deja satisfecho. Cierra la cara A con Die Hard the hunter, su comienzo es claro y directo, mientras escuchas disparos y algo así como el sonido de un helicóptero, lo teclados te los tapa para entrar en un tema bastante insípido y carente de la fuerza que en otros temas, a su manera ha sabido destilar.

 

Foolin funciona como una balada cuasi acústica antes de girar a un arreglo posteriormente más fuerte. El bajo de Savage es más potente que en cualquier otra canción y la progresión de varias partes de la canción hace que te puedas enganchar fácilmente a ella. Rock of ages es un himno en si mismo, incluso le sirvió a Tom Cruise para protagonizar un insípido musical en el cine que trataba del Heavy Metal. El momento más imborrable del álbum y uno de los momentos más destacados de la carrera de Def Leppard. Comienza con una voz que dice algo así como "Gunter Glieben Glauten Globen", no significa nada, el productor Mutt Lange se cansó de contar a la banda con "1, 2, 3, 4 ...", así que empezó a decir esto. La banda a veces inventaba historias cuando se le preguntaba qué significaba. y su título se originó cuando Elliot miró un libro de himnos para niños. Hay algunos encantos en el camino, como las voces de fondo y las risas casi cómicas y la canción termina con mucha fuerza, lo que la convierte en el último gran momento del álbum. Comin’ under Fire podría haber sido otra canción de éxito, con el bajo contundente y el ritmo de patada bajo los acordes de guitarra entrecortados, junto con el canto del coro en toda regla…  pero no, se queda sin alma y parece algo pulcro y preparado, un error. Action Not Words es un cambio refrescante para Leppard en otra composición perfectamente ejecutada, las guitarras añaden la dinámica y sus sutilezas guitarra son excelentes: en pocas canciones son tan perfectas, se utilizan cuando es necesario. Tiene un aire AC / DC británico y, en el mejor de los casos, sucio, la voz de Elliott incluso recuerda un poco al timbre de Brian Johnson. El melodramático Billy's Got a Gun completa un final débil para un excelente álbum e incluye una extraña percusión sintetizada que acaba cansándote y deseando que la canción hubiera durado menos, ¿qué sentido tiene eso?

0161: Under The Boardwalk - The Drifters

0161: Under The Boardwalk - The Drifters

Esta canción estaba lista para ser grabada en mayo 1964, pero el cantante principal de la banda Rudy Lewis, tras una supuesta sobredosis de heroína falleció la noche anterior.

Lewis fue el cantante de la mayoría de sus éxitos de la banda, desde la salida de Ben E. King ex miembro en el año 1960, así que en lugar de reprogramar la sesión de estudio, se le dio el liderazgo de "Under the Boardwalk" al otro vocalista principal del grupo, Johnny Moore, que había regresado al grupo un año antes (1963). Quienes se involucrarían en la grabación serian los siguientes miembros del grupo Ernie Hayes al piano, Everett Barksdale, Bill Suyker y Bob Bushnell a la guitarra, Milt Hinton al bajo, Gary Chester a la batería y George Devens a la percusión. El movimiento de último minuto fue un éxito, ya que el sencillo, lanzado en Atlantic Records, alcanzó el número cuatro en las listas Billboard Hot 100 y el número uno durante tres semanas no consecutivas en la lista de R&B de la revista Cashbox. 

Hay dos versiones de la canción. La versión de un disco en sonido mono 45 lanzado en EE. UU. contiene la línea "We'll be falling in love". Sin embargo, en la versión del álbum estéreo, se canta la línea "We'll be making love". Estas son dos grabaciones completamente diferentes, ya que la línea "on a blanket with my baby is where I'll be" se canta de manera diferente en cada versión. La versión que aparece en la compilación Golden Hits de Drifters es una combinación de los dos, usando "making love" en los dos primeros coros y "falling in love" en el tercero. Debido a la línea "making love", varias estaciones de radio prohibieron la canción, o la alteraron con la línea "we'll be falling in love". 

También ese mismo año los Rolling Stones lanzaron un cover que fue lanzado como single en Australia, Sudáfrica y Rhodesia, alcanzando el número 1 en los dos primeros países y el nro. 2 en Rhodesia, esta canción apareció los 12 X 5 y The Rolling Stones No. 2. y en 2007, se incluyó en el álbum Rhythms del Mundo Classics.

Daniel

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0160 Mississippi Goddam - Nina Simone

 

Nina Simone in Concert

     Nina Simone no solía escribir letras de canciones, y cuando lo hacía era para hablar en contra de las acciones que atentaban contra los Derechos Civiles y contra las injusticias, como fue el caso del tema que nos ocupa en esta ocasión, Mississippi Goddam.

Nina compone Mississippi Goddam en 1964, y lo interpreta por primera vez ese mismo año en el club nocturno  Village Gate de Greenwich Village, Manhattan. El tema es incluido y publicado posteriormente en el álbum en directo de la artista llamado Nina Simone in Concert, bajo el sello discográfico Phillips en 1964. El material del álbum es extraído de tres conciertos que Nina da en el famoso Carnegie Hall de Nueva York ese mismo año.

Nina se inspira para escribir el tema en dos trágicos sucesos, por un lado el asesinato de Medgar Evers, activista estadounidense que luchó por los Derechos Civiles, contra la segregación racial y por la justicia social y el derecho al voto de la población afroamericana. En 1954 el Tribunal Supremo de Estados Unidos había declarado inconstitucional la segregación de las escuelas públicas, y a raíz de este hecho, Medgar luchó incansablemente para que los afroamericanos fueran admitidos en la Universidad de Mississippi. El 12 de junio de 1963, Medgar es asesinado por un miembro del denominado Consejo de Ciudadanos Blancos, grupo creado en 1954 para impedir la plena integración del pueblo afroamericano en las escuelas y contra la actividad de los Derechos civiles de estos.

El otro suceso que espoleó a Nina para escribir la canción fue el bombardeo con cartuchos de dinamita de la Iglesia de la Calle 16, en Birmingham, Alabama (Estados Unidos), el 15 de septiembre de 1963 por parte de cuatro miembros del Ku Klux Klan, en el que fallecieron cuatro niñas y dejó heridas a 22 personas.

Nina declaró en su momento que al enterarse del fallecimiento de aquellas cuatro niñas en la iglesia de la Calle 16, unido al asesianto de Medgar Evers, hizo que se encerrara en su habitación a escribir la canción, si bien en un principio lo primero que se le pasó por la cabeza hacer una locura, fue su marido, músico como ella, quien la convenció para que hiciera lo que mejor sabía hacer, y usara su auténtica arma, la música, contra aquellas barbaries.

La música en historias: Fuera de Lugar - #MesRosendo

La música en historias: Fuera de Lugar - #MesRosendo

A Rosendo lo conocí podría decirse en su etapa de solista, no tengo el asombro de conocer al artista en su etapa de Leño, aunque debo confesar que luego he escuchado esa etapa del artista, porque todos tenemos un pasado. Para mi Rosendo es uno de esos artistas que no tienen un antes o un después, como decirlo para que no se me entienda mal, Rosendo es un sello una marca en el rock español de un genero creado por el mismo "EL ROCK URBANO". 

Y un genio como tal, no tiene pasado ni futuro, esta siempre presente, por ello este mes volvemos a escuchar todas sus obras, y nos toca un disco esta fuera de todo lugar, y nunca mejor dicho hoy "FUERA DE LUGAR"

Soy consiente del tremendo éxito de Loco por incordiar por eso ahora nos toca este su segundo álbum de estudio como solista.  

Este segundo trabajo iba a superar las buenas críticas recibidas con Loco Por Incordiar pero según la prensa especializada no fue así, igualmente Fuera de Lugar es un disco que muestra al músico haciendo lo mejor se le da rock con una inspiración envidiable.

Desde el inicio del álbum con "Cara a cara" este primer tema del álbum mantiene el feeling y la hostilidad del primer álbum de Rosendo como solista, con una gran estructura instrumental sobre todo la guitarra, un estribillo alucinante y, en líneas generales, una letra sencilla de entender pero con un mensaje claro de ruptura y enfado.

"Fuera de lugar", tema que da título al disco, también mantiene viva la esencia del artista del trabajo previo. Rock facilón en lo sonoro, pero con una riqueza lírica difícil de comparar. Así es el Rock Urbano. 

Rápidamente nos toparemos con una de las canciones más famosas del de Carabanchel, que no es otra que "Aguanta el Tipo" un ritmo más Punk, mientras hace un juego básico de acordes y se marca un solo de guitarra sobrado de técnica, esta es una de las canciones más usadas como apertura de sus shows, algo que no es de extrañar por la adrenalina que transmite con su ritmo.

Y hablando de clásicos, es el turno de otro temazo que todo seguidor del señor Rosendo debe tener para considerarse seguidor de este. "El Ganador". Para mí esta es una de las mejores letras de Rosendo, algo difícil de decir cuando hablamos de uno de los mejores letristas que ha parido este país. 

Menos fuerza quizás tiene "Obstáculo impertinente" debido a esas extrañas secciones narradas. Lo mejor de esta canción es la sección más rápida tanto en lo vocal como instrumental en la que volvemos a ser partícipes de otra exhibición guitarrera de nuestro artista. Posteriormente la dulce "Entonces, duerme" baja las revoluciones del disco y sube el nivel con su acertada estructura baladística. Como curiosidad, parece que la letra habla de los excrementos que uno puede encontrarse por las calles.

Entra "¡¡De repente!!" y volvemos a disfrutar de una canción con la inconfundible esencia de Rosendo. Ritmo fuertes y alegres que se compenetra acertadamente con la voz de nuestro querido músico.

La recta final se inicia con una canción instrumental de menos de dos minutos de duración titulada "Gota a Gota" de la que habría que destacar la belleza de los arpegios y arrastres ejecutados por la guitarra. Estos instantes tan espirituales contrastan con el espídico cierre que nos ofrece otro clásico de Rosendo como "Navegando" presente en prácticamente todos sus shows y su ración de electricidad a base de punteos y desconcertantes acordes ante los que solamente podemos aplaudir.

El éxito y la calidad que define a Rosendo esta en cada una de sus letras y sus discos "Fuera de Lugar" un disco de muchísimo nivel y aunque muchas veces la prensa especializada no lo a trabado debidamente, debo decir que esta entre sus mejores discos e invito a todo aquel que tenga la oportunidad de escuchar a este gran artista a escucharlo si no lo ha hecho aun o volver a rememorar.

Daniel

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0159: Walking The Dog - The Rolling Stones

 

Walking the Dog

     El 16 de abril de 1964 The Rolling Stones  debutan con su primer álbum de larga duración. Publicado por el sello discográfico Decca Records, el disco es lanzado para los mercados inglés y estadounidense con una pequeña variación, mientras que en la edición inglesa el disco es titulado The Rolling Stones y aparece el tema Mona (I Need You Baby), de Ella McDaniel, más conocido como Bo Diddley, en la edición para Estados Unidos el disco es titulado England's Newest Hits Makers, y Mona es sustituido por Not Fade Away, copuesto por Buddy Holly y Norman Petty.

Incluido en ambas ediciones se encuentra una versión del clásico Walking the Dog, compuesto por el cantante estadounidense de R&B, funk, soul y blues Rufus Thomas. El tema fue compuesto y publicado por primera vez por el propio Rufus en 1963 en su álbum debut titulado Walking the Dog. La versión original de Rufus comienza con las primeras 14 notas de la Marcha Nupcial de Mendelssohn El sueño de una Noche de Verano. Durante el tema Rufus silba a su perro para que lo acompañe y pasee con él, y la letra del tema hace referencia a canciones infantiles.

La versión de los Rolling Stones no incluye las notas de la Marcha Nupcial. conserva los silbidos llamando al perro, y el tema presenta únicamente coros hechos por las voces de Brian Jones, algo inusual, pues en los primeros temas del grupo, los coros solían comenzar con las voces de Brian Jones y Bill Wyman, siendo reemplazados posteriormente por Keith Richards. El tema fue grabado precisamente por insistencia de Brian Jones, quien en ese momento tenía mucho peso en la banda y le encantaba esta canción, pues era un gran amante de la música soul estadounidense.

Si bien, los Rolling Stones fueron los primeros en versionar este clásico, luego seguirían sus pasos artistas de la talla de Johnny Rivers, The Kingsmen, The Everly Brothers, The Flamin' Grooves, Aeromith, Roger Daltrey, Spirit, Dr. Feelgood, John Cale y Green Day entre otros. 

Un país, un artista: Z.W.M, La primera "banda punk" de Marruecos

Durante los años 70 y 80, el punk y el heavy metal se esparcieron con rapidez por la mayor parte del mundo, pero en Marruecos hubo que esperar a bien entrada la década de los noventa para encontrar rastros de bandas de heavy metal, y hasta mediados de la década de los 2000 para encontrar una banda de punk rock. Aquellos "pioneros" se llamaron Z.W.M ("Zlaq Wlla Moot", traducido como "deslizarse o morir", o "montar o morir", en referencia al mantra común de motociclistas, patinadores y deportistas de riesgo).

Z.W.M se formó en 2004 a partir de dos bandas anteriores llamadas Flowers y No Name. Ambas formaciones iniciales interpretaban versiones de canciones de grupos de punk y rock alternativo como Rancid, Green Day o NOFX, entre otros. Los componentes iniciales de la banda abandonaron sus grupos de origen insatisfechos con el camino que llevaban, y con el deseo de formar una banda de punk rock. Hablamos de Zohair Abdellaoui (voz principal), Mohammed Bousanna (bajo) Youness Jaberr y Amine Jalal (guitarras), Zakariah Bembaze (coros y percusión). Todos se conocían desde mucho tiempo atrás, del día a día de los barrios adyacentes de Rabat, Mabella y Youssoufia, y como el nombre del grupo indica, compartían también el gusto por el skate y los deportes de riesgo.

Zohair de ZWM

Al principio, continuaron con la dinámica de tocar versiones de canciones punk, pero al poco tiempo ya tenían algunas canciones propias, como "Crazy Love" o "Sorrow", temas de un marcado estilo "skate punk". Tras estas primeras canciones en inglés, se propusieron escribir canciones en árabe, y en concreto en darija, su dialecto local, algo a lo que ninguna banda de Marruecos se había atrevido anteriormente. Empezaron adaptando al árabe una versión del tema "Time bomb" de Rancid (rebautizado como "Marruecos"), y Zohair escribió una letra totalmente nueva, sobre la vida de los jóvenes de Marruecos y sus problemas sociales y de desempleo. Al tema de Rancid le siguieron las primeras canciones propias en darija.

El camino no fue fácil, y los sectores más conservadores se mostraron contrarios a la existencia de una banda de punk marroquí que cantaba en árabe, pero el grupo se lanzó a dar sus primeros conciertos en los alrededores de Rabat, organizados por asociaciones locales, y fue creciendo hasta conseguir participar en el concurso del Festival Boulevard, pese a las reticencias de los organizadores a incluir una banda de punk con canciones en árabe. No solo lograron participar, sino que ganaron el concurso del festival, lo que les consiguió mucha publicidad en las radios locales. Dos años después, en 2008, volvieron a tocar en el Boulevard, pero esta vez ya asistieron como grupo invitado, en un cartel en el que por primera vez participaban bandas de fuera de Marruecos como los franceses Dirty Fonzie, o grupos como Moon Spell, De La Soul y los escoceses The Exploited, con los que Zohair se unió en el escenario para interpretar el tema "Sex and violence".

Portada del disco MTKD

El siguiente paso fue empezar a trabajar en lo que querían que fuera su primer disco, "M.T.K.D." (siglas de su canción "Ma Tsibch Ki Dir", traducido como "No puedes hacer nada", y que habla de la impotencia de pertenecer a los estratos más bajos de la sociedad de su país). En un estudio de Casablanca, grabaron las dos primeras canciones, "Ila l’Hhegti l’Wednik Mangeha" y "Khalti l’Bitala", pero no quedaron satisfechos con el resultado. El estudio no tenía experiencia en grabaciones punk, y por miedo a que pudieran estropear el material, no dejaron que los músicos elevaran el volumen al máximo ni que utilizaran la distorsión en sus instrumentos, por lo que el sonido quedo excesivamente limpio y alejado del sonido crudo necesario para cualquier tema punk.

Ante este revés, decidieron que sólo conseguirían el sonido que querían para su disco si lograban grabar fuera de Marruecos. Habían actuado periódicamente en el salón de actos del Instituto Francés, y el director les ayudó a conseguir los visados para viajar a Francia. Allí completaron M.T.K.D., pero el disco no llegó a publicarse físicamente, y sólo lo hizo en formato digital en 2012, quedando sólo disponible en webs de descargas y streaming en Internet (por ejemplo Youtube.com). 

Con la ayuda del Director del Instituto Francés, consiguieron visados de mayor duración y acabaron estableciendo el centro de su actividad en Toulouse, dónde participaron de la escena punk francesa del momento. Llegaron a actuar como teloneros de la banda de rock francesa Parabellum, pero las esperanzas de publicación física de M.T.K.D u otros nuevos trabajos se fueron diluyendo, y sus miembros se fueron bajando poco a poco del carro para buscar trabajos más estables, hasta llegar a la separación (casi) definitiva.

Pongo el "casi" entre paréntesis, porque finalmente volvieron a juntarse y a reflotar la banda como trío en 2014, con Zak a la batería, Amine al bajo y Zohair a la guitarra y voz, y tuvieron la ocasión de regresar a Marruecos en 2016 para actuar en el festival Hardzazat. En 2019, la versión física del disco M.T.K.D vio por fin la luz en formato CD, quedando por fin como legado musical de una banda de auténticos "pioneros", todo un ejemplo de superación ante la adversidad, y de la persecución incansable de un sueño, hasta acabar contradiciendo el "no puedes hacer nada" con el que titularon el disco. Sí que se puede.

0158: It's all over now - The Rolling Stones

It all over now - The Rolling Stones

It all over now fue publicada por primera vez por la banda The Valentinos, la versión de la banda llego al  ranking Billboard Hot 100, alcanzando el puesto número 94, pero le esperaría el puesto número 1 de la mano de The Rolling Stones.

The Rolling Stones escucharon por primera vez la canción durante su primera gira por Estados Unidos, en el año 1964, la versión escuchada por los Stones de la mano de él disc jockey Murray the K. A los pocos días decidieron grabarla en los estudios de Chess Records en Chicago. Años después Bobby Womack dijo en una entrevista que él no quería que la canción fuese interpretada por los Stones, informándole a su mánager de la negativa, pero el mánager lo convenció y les entregó la canción a The Rolling Stones. Y seis meses después Womarck recibió el cheque de regalías y le dijo a su mánager que Mick Jagger podría tener todas las canciones que quisiera.

La versión hecha por The Rolling Stones de It's All Over Now es la más famosa de todas. Este fue el tercer sencillo publicado por la banda en Estados Unidos y permaneció en la lista Billboard Hot 100 durante diez semanas alcanzando la posición número 26. Meses después apareció en el segundo álbum americano 12 x 5. Pero It's All Over Now tendría su revancha, y se publicaría como sencillo en el Reino Unido y fue el primer número 1 de la banda. Esta canción fue interpretada en vivo durante varias presentaciones de los años 60.

Como datos anecdóticos, Bruce Springsteen en una de sus múltiples entrevistas siempre ha confirmado que It’s All Over Now fue la primera canción con la que aprendió a tocar la guitarra con catorce años. La canción ha sido versionada con magníficos resultados por Grateful Dead, Waylon Jennings o Rod Stewart.

Daniel
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0157.- Route 66, The rolling stones.

 

Abril de 1964, The Rolling Stones, después de muchas actuaciones y algunos single salen al mercado con su primer álbum, que llevaba por titulo el nombre de grupo. Un álbum que estaba compuesto a medias por mezclas en bruto lanzadas precipitadamente al mercado por su manager (y productor nominal del álbum) Andrew Loog Oldham. A pesar de las prisas y de que no estaba demasiado pulido estamos ante un testimonio de la brillantez del grupo, en sus haberes convertirse en el mejor álbum que surgió del boom del blues británico de principios de los sesenta. No podemos plantear seriamente una declaración artística de peso pesado en la medida en que el equipo de composición de Jagger / Richards aún no habían empezado a trabajar, solo tres de las pistas son originales. Además, Mick Jagger suena como el niño bueno y trajeado que aparentaba ser en esa primera época, sin embargo, a pesar de que casi todo eran versiones y Jagger no era Jagger, la calidad de la banda principalmente por el baterista Charlie Watts y el bajista Bill Wyman proporcionan un marco musculoso para las guitarras entrelazadas de Richards y Brian Jones excusa perfecta para poder disfrutar de versiones de temas de rhythm 'n' blues. que eran disfrutados por el grupo.

El álbum se publicó como el Newest Hit Makers de Inglaterra en los Estados Unidos, con Not Fade Away (que abrió los procedimientos) desplazando a Mona, y lo hizo moderadamente bien. En Gran Bretaña, su lanzamiento fue un evento. A pesar de no presentar atrevidamente ningún nombre de artista o título en su portada a medio iluminar, se convirtió en el primer álbum que no pertenece a los Beatles en encabezar las listas desde mayo de 1963. Los Stones aún no habían alcanzado el estatus de "estilo de vida" que se les atribuía en las notas de manga de Oldham , pero estaban bien encaminados.

En la versión inglesa como apertura del disco encontramos Route 66, sobrenombre de la carretera americana que va desde Chicago a Los Angeles, fue compuesta en 1946 por el compositor estadounidense Bobby Troup convirtiéndose en una de las mejores canciones de rhythm and blues de la epoca, pero The Rolling Stones le dio ese aire rockero con el que la mayoría conocemos esta obra y que convertirían en una de las imprescindibles durante sus giras. Es uno de las canciones de carretera más populares que se han escrito, ideada cuando junto con su esposa Troup viajaba rumbo a labrarse una carrera de fama y fortuna y su letra va desgranando todos aquellos lugares por donde trascurre la famosa carretera americana, St Looey, Joplin, Missouri, Oklahoma o Arizona son algunas de las ciudades cantadas en la canción.

La música en historias: Loco por incordiar #MesRosendo

Loco por incordiar fue el primer trabajo en solitario de Rosendo Mercado, después de una exitosa carrera tanto de crítica como de público con Leño, decidió dar un paso al frente e iniciar una carrera en solitario que ha durado hasta que en diciembre de 2018, al cumplir 65 años tomo la decisión de dejar su carrera musical. D. Rosendo Mercado Ruiz dejó Ñu porque J.C. Molina decía que la música que componía era un Leño, y tito Rosen, ofendido por ello, en 1978 creó una banda llamada así, Leño, y que supuso una piedra angular de todo el rock español, estuvo marcada por un estilo de música que hasta ahora era muy minoritaria y que puso en solfa el estilo rock urbano arrastrando a gente de todo tipo, con tan solo tres discos de estudio supieron darle una calidad a ese estilo de música minoritario.  El día que nos enteramos que los Leño se separaban, a muchos nos parecía que se acababa el mundo, que llegaban las tinieblas al rock español. Pero no. Año y medio más tarde, ROSENDO hacia su aparición con un álbum donde dejaba claras sus intenciones desde el mismo titulo del mismo: LOCO POR INCORDIAR. Acompañaron a Rosendo para la grabación del álbum, que se hizo en tres estudios en Colonia, Bruselas y Bochum, Sergio Castillo a la batería, Tato Gómez al Bajo, Andreas Schmidgen a los Teclados y Carlos Narea con la percusión y coros, quien también realizó la producción para RCA. Corría el año 1985, quien suscribe tenía 13 años y un vinilo no dejó de sonar en su infancia cuando en nuestra casa de campo los hermanos de mi Vallecano favorito, Vito, lo ponían a todo tronar, hoy en día, cada vez que lo pincho dejo que se me caiga una lagrimilla de ilusión por esta música que tanto amé cuando empezaba a ser un adolescente, el Rock, y si hay alguien que representa sus valores ese es Rosendo Mercado, porque Rosendo Mercado es el ROCK.

El maestro te bloquea en el primer sonido de la primera canción y es que “Agradecido” empieza con un sonido de sintetizador y hasta que no pasan unos segundos, todos aquellos que seguían la carrera de Leño se quedan locos… ¿Qué es esto? Pero tranquilos, es solo un guiño, ha vuelto a sus inicios con cuatro guitarrazos de esa Fender inseparable de Rosendo, batería y ¡caña!, rock and roll en estado puro y lo que tienes delante es una pieza fundamental del rock español, fundamentalísima, es la base, es la punta de lanza. Y ese estribillo al final lo hemos cantado de todas las maneras posibles, convirtiéndose en una de las frases más populares de todo el rock en Español y asistimos al nacimiento de un nuevo héroe. Agradecido es, quizá, la canción más versionada del rock español. Una de las básicas de Rosendo y por supuesto una de mis preferidas del disco. “Corazón” sigue con la cañita rockanrolera, es imposible no recordar a Rory pero al estilo carabanchelero, a su manera, con su chuleria; Con “Y dale!”, nos enseña que además de rock también sabe mezclar otros ritmillos, y encontramos un poquito de funk, matices de reggae que más adelante iba a desarrollar de forma más clara, no todo van a ser rasgar guitarras, esta abierto a nuevas sensaciones en esta nueva etapa y no las va a dejar escapar. Con “Callejones” parece que llega el momento de pausa con ese comienzo melancólico, esa guitarra que tiene eco de romanticismo, pero no, estamos ante otra obra de rock urbano puro, de denuncia y de realidad por partes iguales que seguro ha pasado muy desaparecida para muchos fans, pero que en cuanto te sumerges en ella te encuentras un temazo, con una letra brillante. 

Y todos en pie porque Rosendo es Rosendo y él ha venido aquí “Loco por incordiar”, a su manera, de una forma que nos encanta, un tema que barrió en Tocata y sobre todo en las emisoras de radio que sirvió, además de para crear otro himno carabanchalero, para darle el empujón definitivo y poner en órbita su sonido, la canción termino cantada por miles de personas en miles de noches de fiesta, y sin cambiar un ápice lo que era para él la música, un tema rápido y cañero, que te deja extasiado, aunque con ganas de más, y él, tenlo claro. “Me gusta asi” tranquiliza el ritmo frenético que llevamos, y es que además se marca un tema de reivindicación absoluta, simplemente le sale del corazón y nos lo muestra tal cual. Y tras la calma la tormenta (es al revés, pero Rosendo hace lo que le sale del higo, tenlo claro) y nos da otro himno, otro clásico imperecedero “Pan de higo” es otro de los temas que no hemos dejado de cantar en ningún momento, increíble lo de este tipo, un disco de poco más de media hora y tenemos tres himnos imperecederos del rock español, y es que esta es otra de las que atronaron en las emisoras de radio y en esos programas de RTVE que cuidaba de la música como nunca más se ha hecho por méritos propios. Pan de higo no se si habremos comido mucho aquellos que estáis leyendo esto, pero sin duda hemos crecido y nos hemos hecho grande con ese alimento, y no precisamente entrando en nuestra boca, sino saliendo de forma desgarrada y festiva. 

Con “Cruxificacion” el maestro se nos pone Heavy, es quizás la canción mas fuerte y loca del disco, por momentos no parece firmada por él mismo, pero es detenerte en su letra y te das cuenta que indudablemente tiene su sello. Cerramos el álbum con “Buenas noches” que es una forma de despedir su primera obra en solitario con buenos deseos… la personalidad de Rosendo es tal que después de hacer himnos para el rock Español, se despide de forma suave con una especie de balada instrumental…. Genio y figura, no lo dudéis, este ha sido solo el primer paso en su discografía y ya estamos extasiados, pero no colmados, nos quedan muchas emociones que compartir en el #MesRosendo.

0156: Not Fade Away - The Rolling Stones

La versión que los Rolling Stones hicieron de este tema de Buddy Holly en 1964 tiene, como seña de identidad y de diferenciación respecto a otras versiones anteriores, un marcado ritmo al más puro estilo de los temas de Bo Diddley, y se convirtió al instante en uno de los primeros éxitos de la banda de Jagger y Richards, especialmente en el Reino Unido.

El sencillo, grabado en Decca Records, salió con una cara B distinta en las ediciones británica (Little by little) y estadounidense (I wanna be your man, el tema que la entente Lennon-McCartney les cedió). Pese al buen resultado comercial del tema en las islas, Not Fade Away no fue finalmente incluida en la versión británica del álbum de debut, titulado simplemente The Rolling Stones. Por el contrario, sí que se destinó a la versión estadounidense, siendo además el tema que abría el disco.

Los Rolling Stones volverían a ella habitualmente en directo, tanto durante los primeros años como en la gira Voodoo Lounge (1994-95), y también la incluyeron en Stripped, su disco "pseudo-unplugged" de la misma gira en 1995. Un tema que siempre les ha gustado utilizar como canción de apertura de sus shows, quizá porque, como reza su título, "no envejece".

La música en historias: La canción incompleta, tributo a Janis Joplin

 

Pearl, Janis Joplin

     Comienzos de 1970, Janis Joplin parece haberse desenganchado de las drogas, aunque no del alcohol, y vive en sus casa con David Niehouse, con quien tiene una relación. Parece que la vida le sonrie en lo personal. Albert Grossman, mánager de Janis, le propone una nueva banda, la Full Tit Boogie Band, en el mismo momento que su pareja, Niehouse le pide que se marchen juntos a viajar por el mundo. Janis escoge quedarse con su música y su audiencia y acepta la  proposición de Grossman. Una vez formada la banda, Janis encaja muy bien con ésta, hay feeling entre ella y la banda.

En verano de 1970 conoce en una fiesta de los Hell's Angels en San Francisco a Seth Morgan, y se enamora de él. En septiembre de 1970 Janis se traslada a Los Ángeles para grabar su nuevo dico, Pearl. El 3 de octubre había sido un buen día en el estudio y Janis decide salir de copas con sus compañeros de banda para elebrarlo, sería la última noche que Janis fuera vista con vida. El 4 de octubre de 1970 fallecía a causa de una sobredosis de heroína. El hecho fue una sorpresa, pues aunque seguía consumiendo alcohol, nadie, o casi nadie, pensaba que consumiera drogas en aquel momento. Como homenaje póstumo, se lanza Pearl,el último álbum que estaba grabando bajo el sello discográfico Columbia Records, incluyendo el tema Mercedes Benz a capella, que fue el último tema que grabó en el estudio en vida. Y también se incluye la canción instrumental Buried Alive in the Blues, un tema que realmente estaba incompleto, pues faltaba la voz de Janis, ya que no le dió tiempo.

Las circunstancias de la muerte de Janis fueron muy confusas, y se manejaron varias hipótesis. Al parecer, el 3 de octubre de 1970 Janis Joplin visita el estudio de grabación Sunset Sound Records de Los Ángeles, para escuchar la parte instrumental del tema en el que estaban trabajando ella y la banda, Buried Alive in the Blues, ya que al día siguiente tenía programada la grabación de la parte vocal, y Janis había mostrado su contento con los resultados. Pero al parecer durante aquel día se produce un hecho que disgusta a la cantante, recibe una llamada telefónica en la que le informan de que su novio, Seth Morgan, se encuentra en casa jugando al billar con otras mujeres. El hecho no pasa despercibido en el estudio pues Janis muestra allí su enfado por aquella noticia. No obstante, esa noche decide salir con sus compañeros a celebrar los buenos avances de la grabación del disco y se marchan del estudio al bar Barney's Beanery. Pasada la medianoche, y tras dejar a sus compañeros, Janis se retira la habitación que tiene en el Landmark Motor Hotel. Sería la última vez que se la viera con vida.

El tema Buried Alive in the Blues, a pesar de no tener las voces de Janis grabadas, decide incluirse tal cual como tributo a la figura de la artista en el disco Pearl. El tema había sido compusto por Nick Gravenites, quien también había escrito en 1969 para Janis los temas As Good As You've Been to This World y Work Me, Lord. Pearl es publicado el 11 de enro de 1971, alcanzando el puesto número 1 en la lista Billboard 200, manteniendo ese puesto durante nueve semanas seguidas. También fue considerado po la crítica como el mejor álbum hecho por la cantante como solista.

0155: Hello, Dolly! - Louis Armstrong

"Hello, Dolly!" fue compuesta por Jerry Herman en 1964, alcanzando ese mismo año la fama y el número 1 del Billboard Hot 100 de la mano de la interpretación de Louis Armstrong, cosechando además los premios Grammy a la mejor interpretación vocal y a la mejor canción del año. Este tema fue el mayor éxito en single de toda la carrera de Armstrong, convirtiéndose en la flor más preciada del jardín musical del cantante y trompetista, intérprete de temas como What a wonderful world o When the Saints go marchin' in.

Una bella flor que, sin embargo, no se libró de la polémica por las acusaciones de plagio que alegaban que, anteriormente, había sido un "girasol". El también compositor Mack David demandó a Jerry Herman por los derechos de autor de la canción, alegando que los primeros compases de Hello, Dolly! eran iguales que el estribillo de su canción de 1948 "Sunflower" ("Girasol"). Aunque Herman defendió hasta el final que nunca había escuchado esa canción con anterioridad a la composición de Hello, Dolly!, aceptó llegar a un acuerdo para evitarse todo el ruido mediático que habría supuesto un juicio, y no perjudicar así el devenir comercial de la canción.

Disco de la semana 228: Love travels at illegal speeds - Graham Coxon

 

No debe ser fácil abandonar la seguridad de un grupo de éxito para lanzarse a vivir la aventura de una carrera en solitario. No si, además, estás dejando atrás a compañeros a los que conocías desde el colegio. Y a pesar de esas dificultades, a veces uno tiene que hacer lo que le dicta el corazón, desobedeciendo a lo que para otros sería lo que dictaría la cabeza. Eso es lo que hizo Graham Coxon, guitarrista de Blur, que cansado del rumbo que su amigo de la adolescencia Damon Albarn imprimía a la nave nodriza tras superar los efímeros mares del brit-pop, decidió lanzarse al agua y nadar hacia las orillas del punk rock desenfadado y sin pretensiones.

Alcanzar las cotas de popularidad a las que llegaron los autores de "Parklife" o "The Great Escape" era una empresa imposible, pero eso no significa que el bueno de Graham Coxon, con su aspecto desaliñado y sus gafas de pasta, y su particular e inconfundible estilo con la guitarra eléctrica, no haya entregado un buen puñado de discos destacables, incluyendo la banda sonora de las dos entregas de la serie "The end of the f***ing world"  y Love travels at illegal speeds (2006), su sexto álbum en solitario y disco de la semana 228 en 7días7notas.

"El amor viaja a velocidades ilegales", como lo hacen las canciones de este disco desenfadado y urgente, en el que la guitarra punk rock de Coxon ocupa un lugar predominante, y en el que además su protagonista da rienda suelta a su faceta compositiva en solitario, con un buen puñado de canciones eléctricas y divertidas, plagadas de letras sobre relaciones de pareja que no siempre acaban bien (Standing on my own again) o fugaces encuentros en los garitos de la noche londinense, oscuros laberintos en los que el deseo puede hacer que caigas en las garras de peligrosas vampiresas (I can't look at your skin) o liberadas novias infieles (Don't let your man know).

Tras un breve receso (Just a state of mind es una de las pocas canciones que nos recuerdan su pasado en Blur), la jovialidad y el descaro a la hora de contar experiencias de pareja continúa en la pegadiza You and I, y en el acelerado ritmo de Gimme some love. El eterno adolescente de las gafas de pasta y los arrebatos guitarrísticos hace su aparición en I don't wanna go out, en la que clama a los cuatro vientos que no sabe si entrar, salir, ir de frente o darse la vuelta. Una sensación que todos hemos tenido alguna vez en la adolescencia, y que quizá él tuvo en el difícil momento de lanzarse al vacío, pero canciones como Don't believe anything I say o Tell it like it is son lo suficientemente brillantes como para asegurarle una red de seguridad que aguante cualquier caída.

Flights to the sea marca un nuevo momento de transición y calma, antes de adentrarse de nuevo en terrenos cercanos a los Blur más fiesteros (What's he got), antes de remontar el vuelo con la garajera You always let me down, y cerrar el disco con la sinuosa rítmica de See a better day. Con canciones y discos así, para Graham Coxon sin duda los días mejores habían llegado de nuevo, después de un largo viaje para empezar de nuevo, en el que por momentos alcanzaría las "velocidades ilegales" que proclamaba este disco.

0154: Rock Me Baby - B.B. King

 

Rock Me Baby, BB King

     En mayo de 1964 BB King publica bajo el sello discográfico Kent Records el tema Rock Me Baby. El tema es acompañado en la cara B del sencillo por I Can't Lose. El tema se convierte en el primero de BB King en alcanzar el Top 40 en la famosa lista de la revista Billboard Hot 100.

Rock Me Baby fue escrito por BB King y por Joe Josea, que en realidad era el pseudónimo de Joseph Bihari, quien junto a tres hermanos más fundó Modern Records, y subsidiarias de ésta como Meteor Records. Estos hermanos junto con sus sellos, se convirtieron en piezas clave para la evolución del Rhythm & Blues en Rock & Roll. Para la composición del tema se basaron en la canción Rockin' and Rollin', compuesta por el guitarrista y cantante de blues Lil 'Son Jackson, tema donde Jackson cantaba acompañado únicamente de su guitarra.

En enero de 1962, BB King ya había fichado por el sello discográfico ABC-Paramount Records, pero su anterior sello, Kent Records, siguió publicando temas grabados por King. Se estima que los temas que Kent lanzó, entre los que se encuentra Rock Me Baby, fueron grabados entre 1958 y 1962. 

Tanto la grabación de este tema por parte de BB King, como la efectuada por Muddy Waters, ayudaron a convertir Rock Me Baby en un clásico y estándar de blues.

0153: Fun, fun, fun - The Beach Boys

Fun, fun, fun - The Beach Boys

Detrás de esta canción de The Beach Boys hay una historia real, que dio la idea para una canción a Brian Wilson y Mike Love, la historia trata de lo que le sucedió un día a la hija del dueño de una emisora de radio, donde la banda The Beach Boys realizaría una entrevista.

La banda escucho la historia de la adolescente cuando estuvo en la radio, esta adolescente le pidió el coche de su familia porque tenía que ir a estudiar a la biblioteca. Pero la chica se marchó a un restaurante de comida rápida para irse de fiesta con sus amigos.

Su padre, al saber lo que había hecho su hija, su padre se lo recriminó en público en la radio. En ese momento The Beach Boys visitaban la emisora para dar una entrevista y promocionar sus canciones. Al escuchar esta historia, y fue cuando Wilson y Love decidieron escribir la canción.

Sin embargo, el padre de los hermanos Wilson, y productor de sus primeras grabaciones, intentó evitar que grabasen la canción asegurando que no sería un éxito por su contenido inmoral. Aun así, la banda acabó grabando Fun, Fun, Fun en enero de 1964. La canción cuenta con Mike Love como vocalista principal.

Tras el éxito de esta canción la banda decidió decirle al padre de los hermanos Wilson que dejaría de ser su productor y manager, Fun, Fun, Fun marcaran un antes y después para la banda. 

Daniel

Instagram Storyboy

La música en historias: Presentación #MesRosendo

 

Rosendo

     Acabado el mes de mayo, abandonamos definitivamente el color púrpura, un color que nos ha acompañado durante dos meses, primero con Prince y luego con Deep Purple, y regresamos a casa, concretamente a Madrid, de donde es el artista al que vamos a dedicar el mes de junio, considerado como uno de los mejores, si no el mejor representante del rock español, que abrió brecha y marcó el camino a seguir a tantos y tantos artistas y grupos de rock del país. No podía ser otro que el Maestro de Carabanchel, Rosendo.

Rosendo nace en 1954 en el municipio de Bolaños de Calatrava, Ciudad Real, y se cria primero en el madrileño barrio de Lavapiés y posteriormente en el de carabanchel, barrio en en el que vive desde entonces. A los 18 años, en 1972, abandona los estudios que está cursando en la Escuela Superior de Ingenieria (ICAI) de la Universidad Pontificia de Comillas, para dedicarse a la música, su gran pasión, y se enrola en el grupo Fresa como guitarrista. Fresa, con diversos cambios posteriores y la incorporación como cantante de José Carlos Molina, acaba derivando en el grupo llamado Ñu. Además de sus marcadas influencias de artistas como Jethro Tull, Canned Heat, Cream, Deep Purple o Black Sabbath entre otros, hay uno que le marcará defintivamente y se convertirá en su mayor influencia, el guitarrista irlandés Rory Gallagher, al que descubre allá por el año 1974. 

En 1977, tras desavenencias con José Carlos Molina, abandona Ñu y forma Leño. Leño, tras tres discos de estudio y uno en directo editados, se separa en 1983, habiéndose convertido en apenas 6 años en uno de los grupos más influyentes del rock español y del movimiento del rock urbano. En 1985, Rosendo iniciaba su carrera en solitario, la cual, tras 16 álbumes en solitario y 9 en directo publicados, le convierten como hemos comentado anteriormente, por derecho propio, en estandarte y santo y seña del rock español, influenciando a infinidad de artistas del rock patrio. Dada la importancia del Rosendo por toda su obra tanto en Leño como en solitario, y por lo que ha significado para la evolución del rock español, en 7dias7notas vamos rendir tributo al Maestro y a dedicar todo este mes en desgranar parte de su obra en solitario.

Siempre que intento explicar lo que Rosendo significa para mí, me viene a la cabeza la canción Si la tocas otra vez, que el grupo Platero y Tú dedicó al Maestro, y que está incluida en su álbum Hay poco rock & roll (1994), y que define muy bien lo que Rosendo significa y ha significado para mí y para otros tantos y tantos aficionados y apasionados por la música:

Fuiste tú

Rock n' roll callejero bebiendo blues

Para mí

El primero en decir lo que yo sentí

Es igual

Ahora he dado la vuelta y puedo cantar

Y explicar

Que tu vieja guitarra me hace soñar

Y tú

Tú puedes seguir así

Y debes ser siempre así

Dónde estás

Es difícil seguir sin mirar atrás

Y he pensado

Que aunque nada es igual nada ha cambiado

Sigue así

Con un micro debajo de tu nariz

Es igual

Ahora he dado la vuelta y puedo cantar

Y tú

Tú puedes seguir así

Y debes ser siempre así

Si la tocas otra vez

Te prometo que esta noche yo

Nunca la olvidaré

Si la tocas otra vez

Me calientas la cabeza

Y no puedo parar

Si la tocas otra vez

Te prometo que esta noche yo

Nunca la olvidaré

Si la tocas otra vez

Me calientas la cabeza

Y no puedo parar los pies

El tren ya no pasa

Y tú sigues ahí

Bebiendo y fumando en ese Madrid

Nunca cambiaste tu manera de vivir

Me contaste tu vida

¡que más puedo yo pedirte a tí!

Si la tocas otra vez

Te prometo que esta noche yo

Nunca la olvidaré

Si la tocas otra vez

Me calientas la cabeza

Y no puedo parar

Si la tocas otra vez

Te prometo que esta noche yo

Nunca la olvidaré

Si la tocas otra vez

Me calientas la cabeza

Y no puedo parar los pies

Si la tocas otra vez

Te prometo que esta noche yo

Nunca la olvidaré

Si la tocas otra vez

Me calientas la cabeza y no puedo

¡¡¡no puedo!!!

Aunque en 2018 Rosendo decide retirarse de los escenarios, su compromiso por el personal y la música cuando se le ha necesitado es innegable, no en vano, cuando empezó a golpearnos duramente esta maldita pandemia, el Maestro decidió arrimar el hombro y abrió un canal en Youtube bajo el nombre Rosendo Mercado 2.0. La finalidad del mismo según el propio Rosendo era, al igual que otros tantos compañeros de profesión, mandar fuerza y ánimo en forma de regalo musical y aportar su granito de arena para ayudar a sobrellevar de la mejor manera posible tantos y tantos días de aislamiento que hemos sufrido. Una canal en el que podemos disfrutar de diverso material inédito, en forma de vídeos de conciertos, ensayos y entrevistas que hasta ahora no habían visto la luz. Así que poneros cómodos porque empieza el mes dedicado al Maestro.

0152: Don´t worry baby, The beach boys

Para los seguidores de The beach boys y fanaticos de Brian Wilson, Don't worry baby es una de las cumbres del grupo en su primera etapa, antes de publicar su obra maestra Pet Sounds. La cancion surgio como una continuación del éxito de las Ronettes "Be My Baby" Brian Wilson cuando escuchó la canción de las Ronettes en la radio, se preguntó en voz alta si podría conseguir llegar a esa perfección, su esposa Marilyn lo tranquilizó diciéndole: "No te preocupes, cariño". Wilson lo recordó cuando llegó el momento de escribir y decidió dar el titulo a la canción esa frase expresada desde el cariño creando una hermosa balada que expresa los propios miedos internos sobre sus propias deficiencias como persona, y cómo a través del tierno cuidado y el amor se encuentra la determinación de continuar, destaca sin duda por la dulce voz de Brian (aquí todavía la conservaba) apoyada en los espléndidos coros del grupo, la instrumentación se mantiene simple pero resulta perfecta: líneas de piano palpitantes, percusión insistente y notas de guitarra punteadas silenciosamente que crean una tensión necesaria debajo de las armonías Con este sencillo, The Beach Boys se afirmaron como un grupo con posibilidades de competir contra la invasión británica que se estaba viniendo encima.

Hay que disfrutar cada acorde de la canción, la sofisticación que infunde todos los ángulos de "Don't Worry Baby" lo convierte en uno de los grandes logros de los Beach Boys. También ha inspirado una amplia variedad de interpretaciones, la mejor de las cuales es la versión con inflexión country de BJ Thomas y la portada de Bryan Ferry con el surf rock y Bacharach en These Foolish Things. Sin embargo, la grabación de los Beach Boys "Don't Worry Baby" sigue siendo la versión elegida por muchos oyentes porque captura las emociones que se desvanecen dentro del corazón de cada adolescente de una manera que pocas canciones lo han hecho.

 

Un país, un artista: Malta - Abysmal Torment

 

Abysmal Torment

     Abysmal Torment es un banda de death metal de Malta, y fue fundada en el año 2000 por Nick Farrugia. El grupo actualmente está compuesto por Nick Farrugia (voz), Melchio Borg (voz), David Depasquale (guitarra), Max Vasallo (batería) y Claudio Toscano (bajo).

Los orígenes de la banda se remontan al año 2000, cuando surge como una banda de death metal extremo, bajo el nombre de Molested. El grupo se caracteriza por hacer una música tocada a gran velocidad, con multitud de riffs técnicos y por el dúo de voces guturales de sus dos vocalistas. En cuanto a la temática de los temas del grupo, estos se caracterizan por la opacidad y oscuridad de sus mensajes, que a menudo incluyen temas de muerte y sangre. 

El primer concierto de cierta entidad que la banda realiza es en el años 2002, pero no será hasta el año 2004 cuando consigan grabar su primer material de estudio, concretamente un EP autoeditado por la propia banda llamado Incised Wound Suicide. Dicho álbum consigue críticas bastante positivas, lo que le le vale para firmar un contrato de tres años con el sello Underground Brutal Bands de los Estados Unidos. Lo primero que hace dicho sello es reeditar Incised Wound Suicide y relanzarlo al mercado ese mismo año.

En febrero de 2006, la banda publica con Brutal Bands su primer disco de larga duración, Epoch of Methodic Carnage. El lugar elegido para grabar son los Temple Studios de Malta, lugar donde ya habían grabado su primer EP. El disco fue distribuido por los principales sellos discográficos por Europa, Estados Unidos y el resto del mundo. Parecía que las cosas iban sobre ruedas para el grupo, pero en el año 2006 sufren un importante revés al ver como tienen que cancelar por completo la gira americana que tienen contratada, además de varios festivales de importante entidad. A mediados de 2007 el grupo conseguirá revertir la situación al conseguir tocar en un importante festival en Italia, y posteriormente tocar en 23 fechas más por Europa, encabezando importantes festivales como Ludwigshafen Deathfest o el Slovak Deathfest. 

El grupo sigue asentándose como una importante banda dentro de la escena del death metal y graba su siguiente disco de larga duración, Omnicide. El disco es publicado y lanzado bajo el sello Brutal Bands en 2009, y vuelven a embarcarse en una gira que les llevará por varios países europeos, incluidos varios de los mejores festivales de la escena del death metal de Alemania y Suiza.

En 2014 la banda publica bajo el sello discográfico Willowtip Records su tercer álbum de estudio de larga duración, Cultivate the Apostate. Seguidamente a la publicación del disco la banda, como es habitual se embarca en numerosas giras y conciertos por Europa, batiéndose el cobre en numerosos festivales y asentándose dentro del género. En 2018 la banda repite con el sello discográfico Willowtip y publica su siguiente trabajo y último hasta la fecha, The Misanthrope. Con este disco la banda da un giro de tuerca a su estilo y decide endurecer su sonido utilizando guitarras de ocho cuerdas, lo que da más dureza y profundidad a su sonido.

Abysmal Torment ha jugado un importantísimo papel para el establecimiento y difusión del death metal en su país de orígen Malta, y es, en definitiva, una interesante banda que no debes perder de vista si te gusta este género musical.