La música en historias: Hablemos de Rock Nacional (Argentino)

EL MANUSCRITO EN LA BOTELLA


Voy a salirme de la norma en esta ocasión en lo que a reseñas se refiere. Normalmente las escribimos alguno de los 3 miembros de 7dias7notas, pero en esta ocasión va a ser algo diferente.
Digamos que estaba enfrascado en mis pensamientos, bajo una palmera de una paradisíaca playa, cuando arrastrado por las olas ha llegado a la orilla un "manuscrito en una botella". Al abrirlo descubrí que contenía un mensaje de un amigo argentino, seguidor de nuestra página y al que podréis encontrar en Instagram como @storyboy.

En el "manuscrito en la botella" (permitidme que siga con esta referencia, mucho más poética que reconocer que fui yo quién le pidió desde Madrid que nos compartiera su visión del rock argentino), cuenta sus impresiones sobre lo que allá se conoce como "Rock Nacional".

Y para que sus palabras no se pierdan después de haber sufrido los vaivenes de las olas de un océano de distancia, sin más pérdida de tiempo paso a transcribiros su interesante artículo sobre la música rock argentina. ¡¡¡ Gracias @storyboy !!!

Hablemos de Rock Nacional

"Hola amigos, me han pedido que hablara de "rock nacional" como favor, aunque debo reconocer que no soy el más idóneo, por ser solo mi subjetividad como oyente la que habla, y no la voz de un experto en rock nacional. Bueno al menos algo sí tengo que decir al respecto, y es que escucho rock nacional desde pequeño.

Por eso creo que voy a hablar de la cronología del rock nacional desde sus comienzos, que como todos sabemos fue y será una expresión de rebeldía de los jóvenes. En particular en el caso de los jóvenes argentinos, la rebeldía fue por la situación política, en pleno proceso militar surgieron bandas de rock que hicieron de su canto una forma de protesta.

Bandas como "Seru Giran", "Riff", "Tango Feroz", entre otras bandas de rock nacional de una época todavía anterior a la mía, pero les aseguro que han marcado a fuego en la sociedad Argentina un estilo que aún hoy sigue vigente.

Rock Nacional Argentino de los 70:

Seru Giran - 3AM

https://youtu.be/d5jjeTDKzTM

Seru Giran - Canción de Alicia en el país

https://youtu.be/AveFU7jMPR0

Tango Feroz - El amor es más fuerte

https://youtu.be/b0utHeJwsyo

Pero si hablamos de la época de mayor esplendor, entonces hay que irse ya a los años 80, dónde las bandas de rock hacen su aparición en el plano internacional, y quizás el rock pasa a ser algo más cotidiano. Es entonces cuando surgen las bandas de rock que marcaron mi adolescencia y me hicieron seguidor empedernido, siempre con mi remera (camiseta) de mi banda de rock del momento.

En esta época surgen bandas como "Soda Stereo", "Virus", "GIT", "Los Twist", "Miguel Mateos", "Patricio Rey y Los redonditos de ricota", "Sumo", "Los Fabulosos Cadillacs o "Los Pericos" entre otras muchas bandas.

Aunque debo decir que muchas de ellas ya venían trabajando desde años atrás, definitivamente  creo que es la etapa de esplendor del "rock nacional".

Rock Nacional Argentino de los 80:

Soda Stereo - Persiana Americana

https://youtu.be/rGDpAoj6gyY

Patricio Rey y los redonditos de ricota - Vencedores Vencidos

https://youtu.be/dN40iL0Qy5c

Sumo - Mañana en el Abasto

https://youtu.be/Z644FsmcqWU

Siempre con su impronta de cada década, tal como en los 70 marcó estar bajo un régimen militar, la década de los 80 tuvo su marca de sangre en la guerra de Las Malvinas, que influyó aún más al rock nacional en sus letras y sus canciones.

Y llegaron los 90, y los que eramos niños pasamos a ser adolescentes que, marcados por los 80 quisimos ser "rocanroleros". Y quién no soñó con tener su propia banda de rock, ensayando en el garage.De ese anhelo surgieron nuevas bandas influenciadas por la escena local e internacional, hasta el punto que los Rolling Stones podrían ser considerados los grandes padres del rock argentino, ¿qué argentino que se pretenda llamar "hombre o mujer del rock" no admira a los Rolling Stones?.

En los 90 nacieron bandas como "Las Pelotas", "Divididos", "Los Piojó", "Villma Palma y Vampiros", "Los Brujos", "Pappo Blues", "La Renga", y un sin fin de bandas que marcaron que el rock nacional había llegado para quedarse. Surgió también al mismo tiempo un gran sentimiento nacional ligado al Rock Argentino, y paulatinamente se fueron cambiando las remeras con banderas foráneas por la bandera Argentina como identidad del rock.

Este movimiento no ocurre únicamente en Argentina, el rock se llena también de bandas de Argentinos en otras partes del mundo, no olvidemos que en esta época nacen "Los Rodríguez" (en la foto), y el género del Heavy Metal tiene entre sus representantes a "Almafuerte" o "Rata Blanca" entre otros.

Rock Nacional Argentino de los 90:

https://youtu.be/OXHQ1aki94Y

No nos debemos olvidar que, en el plano solista, ya grandes figuras son referente de la escena del rock, ídolos indiscutibles como Charly García, Luís Alberto Spinetta, Gustavo Cerati, Andrés Calamaro, Fito Páez y otros artistas de Rock.

Creo en lo personal que también hoy existe una fusión entre lo argentino y el rock, bandas como Divididos muestran una mezcla entre el folkore nacional y el rock, o la inolvidable "Negra Sosa", referente del folklore nacional junto a León Gieco o Charly García.

Mercedes Sosa y Charly García - Inconsciente Colectivo

https://youtu.be/OSLSWOVIUXc

Divididos - Huelga de Amores

https://youtu.be/-Xx6DvXKVMc

León Gieco - Cachito Campeón de Corrientes

https://youtu.be/SyzWwCPXMxw

Lo dicho, hoy el rock en Argentina es, permitanmelo decir, cultura nacional con un sello único. No he hablado desde la tarea de un experto, solo decir que lo contado es lo que he vivido desde dentro, y dentro de mi tiempo como espectador de la evolución de la música en Argentina.

Daniel

Instagram: @storyboy

La música en historias: El cine, Mario Brava, Boris Karloff y Black Sabbath

Black Sabbath

     ¿Que relación tienen Mario Brava, reputado director de cine italiano, Boris Karloff, mítico actor de cine del género de terror y Black Sabbath, la mítica banda de rock? Más de lo que parece......

     Corría el año 1968 y el guitarrista Tony Iommi y el batería Bill Ward acababan de dejar el fallido proyecto de un grupo llamado Mythology, entonces deciden formar su propia banda y se lanzan a la caza de músicos para completar su proyecto. Como resultado de esa búsqueda el dúo acabó contratando al bajista Geezer Butler y al cantante Ozzy Osbourne, que venían de tocar juntos en otro grupo llamado Rare Breed, fichan también al guitarrista Jimmy Philips y al saxofonista Alan Clarke. A este nuevo proyecto decidieron llamarlo The Polka Tulk Blues Company, nombre que copiaron de una compañía textil india aunque  poco tiempo después acabaron acortando el nombre y llamaron a la banda Polka Tulk. El paso de de Jimmy Philips y Alan Clarke fue bastante efímero pues decidieron abandonar la formación, quedando compuesta por Tony, Bill, Geezer y Ozzy, como también efímero fue el nuevo nombre del grupo, pues decidieron volver a cambiarlo y a partir de aquel momento pasaron a llamarse Earth
   
     El grupo por aquel entonces hacía versiones de blues y rock (de gente como Hendrix o Cream entre otros). El grupo también se caracterizaba por realizar largas improvisaciones bluseras. Por cosas del destino, a finales de ese año Tony Iommi decidió dejar el grupo para unirse al grupo de Jethro Tull, aunque la experiencia duró sólo un par de meses, lo que tardó Tony en volver a Earth, y es que ya se sabe, cuando se juntan dos gallos en un mismo gallinero siempre sobra uno.

     El grupo ya estabilizado, mientras se encontraba girando por Inglaterra se da cuenta de que les estaban confundiendo asiduamente pues tenían el mismo nombre que otra banda de rock, entonces para evitar más confusiones decidieron cambiar el nombre del grupo.

     Andaban los cuatro dándole vueltas al tema del cambio de nombre, cuando un día encontrándose los cuatro en el local de ensayo, Geezer se dio cuenta de que enfrente había un cine con una cola enorme para ver una película de Mario Brava. Mario Brava fué un reputado director de cine italiano de terror, y una de los máximos exponentes junto con Dario Argento de la denominada corriente de cine Il Giallo, corriente basada en un estilo característico de películas de suspense, terror, misterios y asesinatos que se producían en Italia.
La película en cuestión tenía como protagonista al aclamado Boris Karloff, rodada en 1963 bajo el título original I tre volti della pura (Las tres caras del diablo), traducida al ingles Black Sabbath.

     Geezer se dió cuenta de que la gente pagaba bastante dinero por ver películas de terror, y empujado por aquello decidió escribir la letra de una canción a la que llamó Black Sabbath, la cual estaba inspirada en una visión que había tenido sobre una figura encapuchada que se había postrado a los pies de su cama e inspirada también en el trabajo del escritor ocultista Dennis Wheatley, autor de muchísmos Best Sellers entre los años 50 y 60.

     Para la composición de la música el grupo hizo uso del famoso Tritono ó "intervalo del diablo", quedando el tema en cuestión con una música y unas letras un tanto oscuras.
El Tritono ya era rechazado en la época medieval por su dificultosa entonación, considerando su sonido como siniestro. Ya en el Renacimiento el tritono fue considerado como un intervalo instable y fue rechazado por la mayoría de teóricos y eruditos musicales.

     A partir de aquel momento el grupo tuvo claro el nombre, Black Sabbath, como también tuvo clara la dirección que debían tomar, apostando por un sonido y unas letras más oscuras, desafiando las corrientes musicales que imperaban en la época, el flower power, el folk y la cultura hippie. El grupo tuvo claro que quería hacer en música el equivalente a las películas de terror. Lo demás es de sobra conocido, como llegaron convertirse en una de las mejores bandas de rock de la historia y pioneras del heavy metal.

Canciones que nos emocionan: Summer Song, Joe Satriani

Joe Satriani

     Hay días en los que es mejor no levantarse de la cama. Quién no ha tenido uno de esos días en los que no da una a derechas y le sale todo mal. De camino al trabajo he decidido no coger el abrigo pues no tiene pinta de llover y me pongo una simple y fina chaqueta. Pues bien, durante ese trayecto empieza a llover inténsamente con lo cuál mi periplo al trabajo (ya que voy en transporte público) se convierte en una odisea. Ya en el trabajo parece que soy el único objetivo del jefe, cual francotirador tiene puesta su mira en mi persona como objetivo, buscando el acoso y derribo.

 
     Una vez acabada mi jornada laboral, de camino a casa sigue haciendo un tiempo de perros, y para colmo pierdo el autobús  ya que al llegar se estaban cerrando las puertas del mismo y el conductor no ha querido abrirme y dejarme entrar aunque esté cayendo "La mundial". Depués de mi accidentado y penoso día por fín llego a casa completamente calado de agua, con un buen resfriado y con la moral por los suelos después de, me vais a permitir la expresión, "un día de mierda". Lo único que quiero es darme un buen baño de agua caliente y relajarme antes de irme a la cama, es entonces cuando descubro que se me ha estropeado la caldera, por lo que tengo que sustituir ese relajante baño de agua caliente por una espídica y tortuosa ducha de agua fría. Después de tan desagradable  experiencia en la ducha se me han quitado hasta las ganas de cenar, cojo el camino de mi habitación, me meto en la cama y me acuesto física y moralmente reventado.

     Suena el despertador y con él un nuevo día, pero esta vez he decidido que todo va a ser diferente, y para ello lo primero que hago nada más levantarme es ir a por los cascos de mi reproductor musical y me pongo un tema que siempre me ha funcionado, un tema que me da un extra de energía, que me ayuda a ver las cosas de otra forma y a afrontar las cosas con un extra de motivación y positividad, entonces doy al play de mi reproductor y escucho Summer Song de Joe satriani.

     Summer Song es un tema instrumental que vió la luz allá por el año 1992, incluido en el cuarto disco del genial guitarrista de Nueva York Joe Satriani. Tema instrumental de unos cinco minutos de duración, donde Satriani hace gala de su perfecto dominio de la guitarra sumergiéndonos en una vorágine de solos encadenados increibles.
Un tema que se ha utilizado mucho tanto en radio como en televisión para temas relacionados con el automovilismo. Un tema que alcanzó el puesto número 5 en la famosa lista de Billboard Mainstream Rock de Estados Unidos. En definitiva, es un tema que siempre me ha funcionado, un tema que me carga las pilas cada vez que lo escucho y me da ese extra de atrevimiento, motivación y energía que necesito.


   

     

Grupos emergentes: DAPHNE en la sala Maravillas

 Creo que no había estado nunca antes en la Sala Maravillas, una pequeña sala de conciertos en el centro de Madrid, perfecta para la ocasión de ver también por primera vez a DAPHNE en concierto, y de disfrutar del directo de tan solo dos músicos con la energía suficiente para sonar como si fueran cuatro.

El concierto empezó puntual a las diez de la noche, tal y como nos había comentado Davinia, siempre pendiente de que todo fuera a la perfección durante la velada. A la izquierda el set de batería de Jesús, y a la derecha el micro y los pedales para Marcos, en un espacio que se le quedaba pequeño para su derroche de movimientos al mando del bajo.

Empezaron a caer los primeros temas, abriendo con "El círculo", "Al otro lado" y "Arañas", de su último EP. Nos habíamos buscado un hueco en la primera fila, después de pillar un par de cervezas para disfrutar del concierto. Gran error porque cerveza en mano fue más complicado aplaudir el talento de DAPHNE al final de cada canción, y merecieron con creces tanto el aplauso de 7dias7notas como de los asistentes al concierto.

Hubo también espacio para nuevas canciones, como "Alfileres", y para temas como "Pennywise" o "Born to be wild" que continuaron calentando el ambiente. Terminaron el repaso completo de su EP con "Lilas en tu Piel", no sin antes hacer referencia a la ola de frío que se cernía sobre Madrid en los próximos días antes de atacar "La tormenta" o "Huracán" (la presentaron con un nombre diferente al que estaba en la setlist que amablemente nos facilitaron).


No son DAPHNE un par de músicos temerosos al frío, aunque les guste sentir el calor de su público. El último tema fue una locura de improvisación eléctrica, acompañados de sus fans más allegados, a los que invitaron a subir al escenario. Final a lo grande y en el calor de la mejor compañía.




Y después de vuelta al frío una vez finalizado el concierto. Ya relajados tras el deber cumplido, mientras en la sala tocaban sus amigos de "Zisne Blanco",  al salir del local pudimos tener con ellos una distendida conversación sobre los duros comienzos, los planes de futuro y simplemente charlar y compartir gustos y referencias musicales.

Mencionaron a Jack White, Primus, Rage against the Machine y una larga lista de influencias de músicos a los que pacientemente han estudiado, en su constante obsesión por crecer y avanzar en el camino, que de momento les ha llevado a dar buenos conciertos como el que os hemos contado.

La noche seguía cayendo en la puerta del Maravillas, y con ella el frío iba en aumento, así que nos despedimos de ellos deseándoles suerte para el futuro.
Volvieron al local para ver la actuación de "Zisne Blanco", y nosotros emprendimos el camino de vuelta a casa, llevando con nosotros unos CD's de su último EP y un puñado de buenas canciones en directo en el recuerdo.

¡¡¡Gracias DAPHNE y hasta la próxima!!! 

Canciones que no soporto: Still of the Night, Whitesnake

Whitesnake, Whitesnake (1987)

     Whitesnake, es un grupo británico liderado por el genial vocalista David Coverdale, el cuál lo forma a finales de los años 70 al abandonar Deep Purple. En 1987 edita el que sería su séptimo álbum de estudio, titulado con el nombre del grupo, Whitesnake.
El disco en cuestión fue un gran éxito de ventas tanto en el viejo continente cómo en Estados Unidos. Para hacernos una idea, solamente en Estados Unidos vendieron más de ocho millones de copias.

     En el disco podemos encontrar temas cómo Here I Go Again y Is This Love, que alcanzaron los puestos numero 1 y 2 respectivamente dentro de la famosa lista Top 10 de Billboard.  El disco alcanzaría la certificación de disco doble de platino.

     Este disco vino a certificar la línea ascendente de popularidad y ventas de la banda en el mercado americano. Un mercado que desde principios de los años ochenta se había propuesto conquistar David Coverdale.

     En dicho disco también podemos encontrar el tema titulado Still of The Night, con el que alcanzaron el puesto numero 18 en las listas de ventas en Estados Unidos y el 16 en el reino Unido. En el año 2009 fue nombrada en el puesto nº 27 de la lista a la mejor canción de todos los tiempos por la cadena VH1.

     El problema que tengo con este tema en particular es porque representa y define perfectamente el cambio de sonido que el grupo comenzó a experimentar progresivamente desde comienzos de los años 80, pues como comenté anteriormente, uno de los objetivos del grupo era triunfar en Estados Unidos. Y lo consiguieron, a base de sacrificar el sonido de los primeros discos, que era un sonido más basado en el blues, el soul y el rock por un sonido mucho más contundente, un sonido más pesado, basado casi exclusivamente en el Hard Rock que imperaba en la época, un sonido que vendía discos como rosquillas.

     Está claro que el objetivo fundamental de un grupo que se precie es vender discos, porque también tienen la fea costumbre de pagar facturas, alimentarse y vivir, pero donde quedó ese sonido que Whitesnike imprimió en discos como Trouble ó  Love Hunter.

El disco de la semana 113: Nina Persson - Animal Heart

Hay discos para casi todas las situaciones de la vida. Discos para agitar cabezas, para chasquear los dedos, discos a todo volumen mientras pasas la aspiradora, discos que suenan insulsos de fondo en un ascensor, discos para escuchar en los discos en rojo, discos para poner la mente en blanco, discos a los que poner verde,  discos de oro y de platino, discos grandes y pequeños, y discos bellos y contradictorios como el "Animal Heart" de Nina Persson.


Y es que a Nina Persson le gustan las contradicciones. Lo leí en alguna entrevista hace tiempo, precisamente durante la promoción de este "Animal Heart". Empezando por su etiqueta de "disco de debut" en solitario, cuando en realidad cuenta con la colaboración de su marido Nathan Larsson en la parte instrumental. El hecho es que ambos ya trabajaron juntos previamente en los dos discos del proyecto "A Camp" que se desarrolló en paralelo a los discos de "The Cardigans" y que podrían considerarse como proyectos previos en solitario de la artista sueca.



Otro ejemplo lo encontramos en el título del disco y de la canción que lo inicia. Su  "Animal Heart" (Corazón Animal) nos haría esperar un disco más rápido y eléctrico, que dejara salir al animal salvaje que lleva dentro, cuando en realidad nos encontramos ante una obra reflexiva y taciturna, cargada de baladas y medios tiempos capaces de emocionarnos gracias a la calidad de las composiciones y, sobre todo, al talento de una voz que te cala hasta los huesos.

Eso es lo que ocurre en "Burning Bridges for Fuel". El trabajo que realiza en este tema con su voz llega a momentos de auténtica excelencia. Quemar los puentes para conseguir combustible no parece la mejor de las soluciones, pero llega a convencernos si nos lo cuenta en la que probablemente es la mejor canción del disco.

Del sueño de escapar corriendo, salta sin previo aviso al lado opuesto en "Dreaming of houses", en la que el placer está en quedarse en casa tranquilamente. Su voz es tan intensa y peculiar que, tanto si quiere huir por la autopista como si propone tomar una taza de chocolate junto a la chimenea, nos parecerá buena idea mientras sea ella la que suene por los altavoces del coche o del equipo de música.

"Clip Your Wings" es junto a "Animal Heart" uno de los temas más pop y con toques más electrónicos, en ambos se nota que la producción ha sido cuidada para que fueran las banderas del disco, pero el resto de temas no les desmerecen.

Los momentos más animados llegan también con "Food for the beast" y "Catch me crying", leves incrementos de intensidad que no rompen el ambiente sosegado que transmite el disco en conjunto.


Ella conoce bien sus armas y las despliega a su antojo. Puede estar hipnotizándonos con su dulzura en "Forgot to tell you" y cantar después en "The Grand Destruction Game" con la actitud folkie y el poso de una mujer a la que ya no le pillan de sorpresa los baches del camino, aunque reconozca que cada vez se hace más duro esconderse en la jungla en la que vivimos ("Jungle").

El disco cierra con "This is heavy metal", la canción más minimalista y desnuda del disco, todo un ejercicio de contradicción en sí misma, apenas un piano y un ejercicio vocal impresionante para una balada en la que Nina canta desde muy adentro. En las antípodas del heavy metal, y al mismo tiempo emocionalmente es material del duro.

¿Y cuál es la situación en la que mejor encaja este disco? Lo mejor es que lo decidáis después de escucharlo. En mi caso, me encanta este disco para escucharlo por la noche y dejar que Nina Persson me cante al oído hasta que el sueño me venza. En realidad puedes dormirte ayudado por cualquier disco, pero pocos discos hay que hagan que te duermas feliz.

En esta categoría está este "Animal Heart", pero ahora que lo pienso también lo he escuchado chasqueando los dedos, a todo volumen mientras pasaba la aspiradora, en la tensa espera de un semáforo y en la calma del desayuno de un sábado. Que gran contradicción.

Grupos emergentes: Entrevista a "SeñorNadye"

Hoy os traemos a nuestras entrevistas a Grupos Emergentes una banda de estilo Indie rock alternativo, con el particular nombre de SeñorNadye fundada en 2016, ellos vienen de la Alcarria con muchas ganas de disfrutar de lo que hacen, con un camino recorrido y con la sinceridad y la espontaneidad por bandera. Sus componentes son: Daniel Díaz (compositor, cantante y guitarra acústica), Eduardo Pérez (guitarra eléctrica y segundas voces), Virginia del Moral (guitarra eléctrica), Efrén Gordillo (Bajo), Pablo Igualada (teclados) y Nerea Platero (batería). Con mucho esfuerzo y después de alguna presencia en festivales han dado el salto, y en verano de 2018 grabaron su disco debut que contiene 10 temas propios de la mano de Rock CD Records.
Hemos estado con ellos y sus palabras y su tono dejan a las claras que saben cual es el camino y es esfuerzo que requiere, y sin duda con ese puntito de suerte que todos necesitamos en la vida seguramente darán mucho que hablar, desde 7dias7notas nosotros nos gustaría, pero sino llegara seguro que van a disfrutar de este viaje tengan o no tengan éxito, porque cuando uno se siente satisfecho creando música el resto muchas veces es accesorio.... pero vamos a ir conociéndolos.

- ¿Cuándo os conocisteis y empezasteis a tocar juntos?

Uff, somos de la misma pandilla, vivimos en un pueblo no demasiado grande y los raros tendemos a juntarnos jejeje, hemos tocado en diferentes proyectos juntos. 

- ¿De dónde viene el nombre del grupo?

Dani, el cantante, se llamaba así cuando estaba en solitario, porque es muy disléxico y es un juego con las letras de su nombre. Al resto nos hacía gracia y decidimos continuar como grupo bajo ese nombre.

- En “ojitos tristes” hacéis referencias a Robe y su “buitre no come alpiste”, pero vuestro estilo musical es completamente diferente de Robe y Extremoduro, hasta el punto de que os definís como un grupo de Rock indie y alternativo. ¿Qué grupos os han influenciado?

La lista es interminable, pero sobretodo escuchamos mucho rock de aquí; Calamaro, Barricada, Marea, Héroes del silencio, Vetusta Morla, Lori Meyers, Sidonie, Viva Suecia, Rufus, Boza…

- En “El día de la Navidad” habláis de la nostalgia por la infancia perdida, ¿Os gustaría poder encontrarla o se vive mejor como un adulto, disfrutando de la carretera, los conciertos, las grabaciones…?

No esperamos encontrarla, porque las cosas se viven solo una vez y el resto son fotocopias que se van quedando sin tinta progresivamente, de mayorcitos no estamos mal tampoco.

- ¿Cuál es vuestra canción favorita del disco?

Eso depende del día. 

- Participasteis en la II edición del Carrefest Music talenten el año 2017, donde había inscritas unas 650 bandas, y os llevasteis el premio Ganador del público con vuestro tema Hermano. ¿Que se siente al ver vuestro trabajo recompensado y ser los más votados delante de tantos grupos? 

Pues se siente uno muy agradecido a su público, el nuestro no destaca por su cantidad sino por su calidad.  Toda la gente se involucró muchisimo haciendo suya la victoria, y es que en realidad la victoria fue suya, ese concurso lo ganaron ellos, no nosotros.

- Hace poco os presentasteis al concurso de bandas emergentes de la ciudad de Porcuna (Jaén), en la que había 166 bandas inscritas, y habéis sido seleccionados entre los ocho semifinalistas. El tema de los concursos de grupos es una de las vías que habéis decidido utilizar para abriros camino en duro mundo de la música?

Si, es un buen sitio por donde empezar, si bien es cierto que tu ves los comienzos de las bandas que ahora son cabezas de cartel y todas empezaron ganando algún concurso en sus inicios; Vetusta Morla, Viva Suecia,Lori Meyers… 

- Los comienzos son duros, ¿Qué es lo que os anima a seguir trabajando duro, a no desfallecer y tirar la toalla? Hombre… pues no sé, en realidad no sabemos hacer mucho mas que canciones y música, el no tener un plan B demasiado claro ayuda a que esto sea una especie de huida hacia delante muy agradable y llevadera. 

- ¿Qué opináis de la situación en que se encuentra el panorama musical en nuestro país actualmente?

Yo siempre que he oído hablar de la “industria musical" era para decir que estaba en crisis, desde que tengo uso de razón, no recuerdo otra cosa. Si hablamos del nivel musical creemos que llevamos una temporadita en los que se están haciendo cosas acojonantemente buenas.

- En nuestro blog tenemos una sección de “Canciones que no soporto”, ¿Os atreveríais a nombrar justo lo contrario, a confesar esa canción que nadie soporta pero que en silencio tarareáis?  Por eso llegaba con la carita empapada esperando con rosas (mil rosas para ti)…De la oreja de Van Gogh… ¡¡que TEMAZO joder!!

- ¿Qué planes tenéis a corto plazo, hasta dónde le gustaría llegar a Señornadye?

Con ver la luz de un nuevo día nos conformamos, no está la cosa para andarse con exigencias.

Agradecidos y emocionados por haber podido conocer un poquito mas a estos "SeñorNadye", no nos queda otro deseo de que el disco que publicaron sea el exito que ellos se merecen y que os acerqueis por cualquier via que han puesto a vuestra disposicon a escuchar su musica porque realmente merece la pena.

PAGINA OFICIAL DEL GRUPO: https://senornadye.blogspot.com/

La música en historias: Ian Gillan y el bar

Ian Gillan y Ritchie Blackmore

     Ian Gillan, junto a Ritchie Blackmore, Roger Glover, Ian Paice y John Lord vivió unas de las etapas doradas del grupo Deep Purple. Una etapa dorada donde no todo fue de color de rosas, pues la relación de Gillan con ritchie Blackmore nunca fue buena, ¿cuestión de egos?

     Una relación que está llena de anécdotas y curiosidades. Cómo la que nos ocupa en este post, revelada por Ian Gillan en la que admitía que cuando estaban tocando en directo, le encantaban los solos de Ritchie Blackmore. Y le gustaban porque según él, cuando tocaban por Inglaterra, cerca del escenario casi siempre solía haber pubs, hecho que era aprovechado por éste para abandonar el escenario, y mientras Ritchie se marcaba esos solos interminables marca de la casa, Ian se tomaba algo tranquilamente en el pub de turno.

     Pero claro, la fama de Deep Purple creció exponencialmente y de repente se vieron tocando en escenarios mucho más grandes, estadios, etc. Como es lógico Ian ya no podía abandonar el edificio, pero eso no le impedía meterse entre los bastidores del escenario y ponerse a jugar a las cartas con el personal del grupo.

     Una anécdota revelada de primera mano por Ian Gillan que nos da una idea bastante aproximada de la relación que tenía con Ritchie Blackmore. Una relación que convirtió en un hervidero continuo  el seno de uno de los grupos de Rock más grandes de la historia.

Canciones que nos emocionan: While Your Lips Are Still Red, Tuomas Holopainen

Lieksa! (2007)

     Con esta publicación estrenamos una sección nueva en 7dias7notas. Si bien tenemos una sección en la que hablamos de canciones que por uno u otro motivo no soportamos, todos tenemos temas que producen en nosotros el efecto contrario, nos ponen los pelos de punta, nos emocionan, nos hacen llorar, etc. En esta sección que arrancamos hoy vamos a hablar de esos temas que precisamente nos producen ese efecto, emocionarnos.


     Corría el año 2007 y Tuomas Holopainen (Teclista, compositor y líder del grupo Nightwish) y Marco Hietala (Bajo del grupo Nightwish) coescriben y componen un tema que se convierte en el tema principal de la banda sonora de la película finlandesa llamada Lieksa!, escrita y dirigida por el director de cine también finlandés Markku Pölönen. Película que tiene como hilo conductor a la familia Koppelo, una familia que vive de forma ambulante, y que tiene una forma de ganarse la vida un tanto peculiar. Un día intentando robar un vehículo a un hombre la cosa se tuerce y acaban secuestrándole. Película de la que no cuento más para no estropearos el argumento por si os apetece verla.


     El caso es que el tema principal de la banda sonora, como comenté anteriormente es un tema que Tuomas y Marko, ambos del grupo Nightwish escribieron para esta película. El tema está interpretado por estos dos músicos y por Jukka Nevalainen, batería también de Nightwish. Este tema está incluido en la discografía de Nightwish por deseo de Tuomas, que comentaba que no se sentía a gusto atribuyéndose la autoría personal del tema, de hecho es tocado por la banda habitualmente en sus conciertos.

Sweet little words made for silence
Not talk
Young heart for love
Not heartache
Dark hair for catching the wind
Not to veil the sight of a cold world

Kiss while your lips are still red
While he`s still silent
Rest while bosom is still untouched, unveiled
Hold another hand while the hand`s still without a tool
Drown into eyes while they`re still blind
Love while the night still hides the withering dawn

First day of love never comes back
A passionate hour`s never a wasted one
The violin, the poet`s hand,
Every thawing heart plays your theme with care

Kiss while your lips are still red
While he`s still silent
Rest while bosom is still untouched, unveiled
Hold another hand while the hand`s still without a tool
Drown into eyes while they`re still blind
Love while the night
still hides the withering dawn.





     El tema comienza con una introducción de teclado que ya desde el comienzo aventura que algo grande va a pasar, y entonces Marco Hietala empieza a susurrarnos el tema mientras se suceden imágenes de la película alternadas con imágenes de Marco cantando acompañado por detrás de Tuomas y actores de la película. Tema que va poco a poco creciendo para acabar atrapándonos y que va acompañado de un violín que le da al tema un toque espectacular.


     Para mí es un tema maravilloso, lo he escuchado miles de veces y siempre que lo vuelvo a escuchar me sigue produciendo las mismas sensaciones que me produjo la primera vez que lo escuche. Un tema además que desde la primera vez que se lo descubrí a mi mujer lo hizo suyo, su tema favorito. Buen momento para volver a escucharlo si ya lo conocéis, y si no para descubrirlo....

La música en historias: Los Bastardos Codiciosos

The Greedy Bastards

     Corría el año 1978, y Thin Lizzy por fín se habían consolidado en el panorama rockero gracias a sus magníficos discos Jailbreak (1976) y Johnny the Fox (1977).  En ese año, y en plena ebullición del Punk, a Phil Lynott, lider de Thin Lizzy que era culo inquieto y siempre estaba pensando en ampliar miras se le ocurre formar una banda paralela junto a los dos integrantes de los Sex Pistols Steve Jones y Paul Cook. Este proyecto fue llamado The Greedy Bastards.

     Más tarde, a este trío se le sumaría un cuarto integrante, Johnny Thunders, guitarrista de los New York Dolls. A este cuarteto durante aquella época era habitual verle tocar asiduamente por los locales de Londres.

     Uno de los puntos álgidos de esta formación llegaría el 29 de julio de 1978, cuando este cuarteto tocaría en el Electric Ballroom de Londres. Y esa noche Los Greedy Bastards, compuestos por Lynnot, Cook y Jones tocaron acompañados de Scott Groham y Brian Downey, los dos componentes en Thin Lizzy, Jimmy Bain (Rainbow), y los guitarristas Chris Spedding y Gary moore. Aquella noche todos los presentes regalaron al público una memorable y atronadora sesión musical.

     Thin Lizzy después de aquella actuación se marcharon a realizar la memorable gira que se marcaron por Estados Unidos como teloneros del grupo Queen. Acabada dicha gira, Lynott se vuelve a juntar con Cook y Jones para realizar otra actuación, esta vez acompañados de Brian Downey, Scott Gorham y Gary Moore (toda la formacion de Thin Lizzy en ese momento junto con Lynott), a los que se le suman Bob Geldoff y Johnnie Fingers (Componentes por entonces de los Boomtown Rats). Todos juntos volvieron a deleitar a todos con otro memorable y estruendoso concierto.

     La última vez que tocaron los Greedy Bastards, Lynott, Cook y Jones fue para hacer su propia versión del Merry Jingles. Esa sería la última vez que tocarían juntos. 

En cierto modo, aunque lo negaran, quizás daban igual las pretensiones de futuro que pudieran tener todos estos músicos, ya que igual simplemente significó una válvula de escape para todos ellos, ya que por encima de todo, lo que querían era divertirse y pasárselo bien, después de tanta presión soportada en sus respectivos grupos de origen, que es justamente lo que hicieron, quizás.

El disco de la semana 112: Helloween - Keeper of the Seven Keys part I

Helloween

Keeper of the Seven Keys part I

(1987)

     Para esta ocasión traemos bajo el brazo a uno de los padres del género Power Metal, Helloween. Si bien es cierto que ya habia algún que otro grupo que ya había hecho sus pinitos con aquel por entonces nuevo sonido, Helloween fue uno de los que acabaron por darle un empujón defintivo convirtiéndose en unos de los padres del género.
El disco elegido es Keeper of the Seven Keys part I, publicado en 1987 y considerado una de las obras maestras del género Power Metal.

     Corría el año 1986, y Helloween ya tenían publicados un EP titulado Helloween (1985), y un LP, Walls of Jericó (1985), disco donde el grupo ya empieza a dejar muestras del sonido Power, con unas composiciones con mucha más melodía de lo normal para lo que imperaba en la época.
      Como dato comentar que debido al éxito que alcanzaron después, en 1988, por motivos estratégicos decidieron editar ese primer EP y Walls of Jericó juntos en formato compilatorio.

     Como comentaba, nos encontramos en 1986, y el grupo se encuentra formado por Ingo Schwichtenberg a la batería, Markus Grosskopf al bajo, Michael Weikath a la guitarra y Kai Hansen a la guitarra y las voces. Pero el grupo tiene un problema, Kai Hansen, es el hombre que lleva la gran parte de composición de los temas, además de tocar la guitarra y ocuparse de la parte vocal. Todo esto generaba problemas para Kai, que tenía problemas para cantar y tocar la guitarra a la vez, por lo que deciden contratar a un vocalista, y después de darle vueltas y alguna que otra negativa de vocalistas contrastados a unirse al grupo acaban fichando a un joven de 18 años llamado Michael Kiske, el cual cantaba en una desconocida banda local llamadaIII Prophecy.

     El fichaje de Kiske, magnífico vocalista con influencias de Dickinson entre otros, unido al magnífico grupo y a las grandes composiciones del genial guitarrista Kai (que por fín se podía centrar en las composiciones y los arreglos) darían como resultado una auténtica joya, dónde las melodías se suceden tocadas por los dos guitarristas al unísono y a una velocidad endiablada y donde Kiske el jovenzuelo nos pone los pelos de punta desde el primer momento que abre la boca.

     En un principio, los planes del grupo eran sacar un disco doble Keeper of the Seven Keys  part I y Keeper of the Seven Keys part II, pero su discográfica, Noise Records se negó y al final no les quedó otra que sacarlos por separado.

     Comienza el disco con Initation, una breve apertura de poco más de un minuto en plan banda sonora, que empalma directamente con el segundo tema I'm Alive, donde el tema se sucede a una velocidad endiablada, donde empezamos a descubrir una sucesión de solos que van alternados con otros solos pero doblados por los dos guitarristas, brutal. Y Michael Kiske hace demostración de su gran poderío vocal.

     A Little Time, uno de los grandes clásicos de la banda, curiosamente compuesto por Kiske (y es que el chaval también compone). Tema en una línea más clásica, hasta que empiezan a sucederse los endemoniados solos, y empiezan a sonar relojes, sí, relojes con su característico tic-tac, momento que acaba con el sonido de un despertador y entonces el tema vuelve a romper con el estribillo cantado a dúo, una verdadera joya.

     Twilight of the Gods, tema compuesto por Kai, donde se pueden comprobar el estilo épico de sus temas, donde vuelve el lucimiento vocal de Kiske en la primera parte del tema, que narra la perfección de sus Dioses y cómo les protegen en el campo de batalla. En la segunda parte volvemos a deleitarnos con esas guitarras dobladas que nos acompañan durante todo el disco. Como dato comentar que Kai introduce una novedad en este tema con las guitarras, convirtiéndose en el primer tema en la historia del Power Metal donde se introduce la técnica del barrido (Sweep Picking), técnica que consiste en barrer con la púa tres o más cuerdas en el mismo sentido haciendo que suene una sola nota, consiguiendo así dos cosas, economizar y conseguir más velocidad.

     A Tale That Wasn't Right, balada del disco, compuesta por el otro guitarrista, Weikath, donde demuestran que si pueden tocar a una velocidad brutal, también saben jugar con los tiempos y hacer baladas igual de buenas. Que más puedo decir del jovencísimo vocalista, porque siempre que escucho este tema me pone los pelos de punta.

     Y llegamos a otro de los temas buque insignia del grupo, Future World, un tema compuesto por Kai que es ya todo un himno del Metal. Sentaros y disfrutad.

     Helloween, obra de Kai, tema de más de 13 minutos de duración, donde los cambios de ritmo se suceden sin fín, un tema donde las guitarras dobladas parece que nos hablan, donde el grupo juega con el tempo, ralentizando o acelerando el tema a su antojo, y donde nos encontramos con más de 15 solos de guitarra durante todo el tema, algo impensable para la época y rara vez superado.

     Cierra el disco Follow the Sign, compuesto por Kai y Weikath. Tema que no llega a dos minutos, y mientras Kiske nos va susurrando el adiós, Kai se marca un sólo al estilo clásico que nos recuerda al mismísimo Gary Moore (¿influencia?). Un tema final que nos deja con ganas de más, que llegaría con la segunda parte.
     En definitiva, un álbum magnífico, un álbum mágico.