Mostrando entradas con la etiqueta 60s. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta 60s. Mostrar todas las entradas

martes, 23 de agosto de 2022

0600 - 1969 - The Stooges


0600 - 1969 - The Stooges 

The Stooges es el álbum debut de la banda estadounidense The Stooges, lanzado en agosto de 1969 por Elektra Records.

El álbum alcanzó la posición número 106 en las listas musicales de Billboard y es considerado uno de los mejores álbumes de proto-punk, con un fuerte impacto, además, en el hard Rock. 

El álbum abre con "1969".  Que tiene un ritmo acelerado liderado por la guitarra de Asheton, que sugiere que escucharemos un tipo de música, pero es una pista falsa. Unos segundos después del comienzo de la canción, la banda cambia de ritmo, produciendo una melodía simple e hipnótica que tiene influencias de Bo Diddley.  
Es casi como si la banda escuchara a Bo Diddley con algo de su blues, los instrumentos de Asheton se aproximan a esas texturas. Ron Asheton se suelta con un trabajo de guitarra distorsionado, y la sección rítmica suena como si estuviera manteniendo las cosas simples para poder mantenerse juntas. En cambio Iggy se burla de una manera familiar para los fanáticos de los Rolling Stones, y esas burlas parecen ser más naturales para él que para Mick Jagger.

El álbum alcanzó el puesto 106 en las listas de álbumes de EE. UU., y su siguiente álbum, Fun House, muy diferente pero igualmente intransigente, no logró ubicarse en las listas de EE. UU. en absoluto. Pero el tiempo pronto demostró que The Stooges y 1969 son un álbum y una canción importante y que influiría en gran medida en el movimiento punk que se avecinaba.

El álbum se posicionó en el número 185 de la lista Los mejores 500 álbumes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone, conservando la posición en la reedición de 2012.

La misma revista ubicó a 1969 en el número 35 de su lista Las 100 mejores canciones de guitarra de todos los tiempos.

Daniel 
Instagram storyboy 

sábado, 11 de septiembre de 2021

La música en historias: El saxo del irlandés

Rory Gallagher en el Beat Club 
(Show en Alemania, 1970)


     En esta ocasión voy a volver a hablar de la figura de Rory gallagher, un artista por el que en 7dias7notas tenemos devoción, y del que ya hemos hablado en varias reseñas. Un artista para mí especial, para él siempre prevaleció la música por encima de todo, la música para la gente, jamás sacó un single, no buscó nunca las listas de éxitos ni de ventas, la calidad de su música siempre estaba por encima de todo lo demás. Este hecho ha hecho quizás que su nombre no suene tanto cómo el de otros grandes guitarristas de la historia de la música, pero puedo asegurar que Rory forma parte de ese selecto grupo por derecho propio.

     De sobra es conocida la calidad y la maestría de Rory gallagher a la guitarra, y más aún si tenemos en cuenta el hecho de que Rory aprendió a tocarla de forma completamente autodidacta. Pero además de la guitarra, durante su carrera también fue habitual verle hacer las delicias del público con el banjo, el dobro, la mandolina, el sitar ó la armónica.

     Pero además hay un instrumento que también tocó, sobre todo durante los inicios de su carrera y que posteriormente poco a poco fue dejando arrinconado en algún cajón, el saxo. ¿Rory tocando el saxo? sí, también aprendió de forma autodidacta y como no podía ser de otra forma lo tocaba con maestría. Una pena que cada vez fuera prodigándose menos. 

     Cuando Rory formó Taste era bastante frecuente verle en los directos del grupo agarrar el saxo y hacer disfrutar al personal de su magia con él. La lástima es que apenas existen grabaciones de él tocando dicho instrumento, pero si rebuscáis un poco por la red todavía podéis encontrar una grabación de Rory de las sesiones en el Beat Club en Alemania deleitándonos con el tema It's Happened Before, It'll Happen Again, un tema con aire de jazz brutal.

     Si rebuscamos un poco en su extensa discografía en solitario podemos encontrar algún que otro tema dónde aparece Rory utiliza el saxo. En su disco homónimo, el primero después de abandonar Taste, Rory Gallagher utiliza el saxo para la grabación del álbum, ahí podemos encontrar la maravillosa y delicada pieza Can't Believe It's True.

     Rory utilizaría el saxo en la grabación de dos discos más, Blueprint (1973) y Tattoo (1973), dos discos además absolutamente recomendables. Es una pena que Rory no quisiera sacar más partido al saxo, daba igual el instrumento que cayera en sus manos, banjo, armónica, saxo o guitarra, pues con todos ellos hacía maravillas. No en vano cada vez coincido más con el Maestro Rosendo sobre la figura de Rory, pues artistas cómo él hay pocos.

viernes, 28 de junio de 2019

El disco de la semana 133: Junior Wells - Hoodo Man Blues

Hoodoo man Blues


     
     Salvaje y rebelde, así es como se le recuerda, pero con demasiado talento con una armónica  como para no aprovecharlo, y eso lo sabía todo el mundo en la escena de Chicago y por eso sus servicios eran muy demandados. Un talento que dejaría plasmado con la publicación de su primer disco, un disco que es catalogado como uno de los mejores álbumes de blues jamás editados, el álbum en cuestíon es Hoodoo Man Blues, grabado en 1965 por Junior Wells.

     Amos Welss Blakemore Jr "Junior Wells" nace en 1934 en Memphis, Tennessee (Estados Unidos), y comienza a tocar la armónica a la edad de siete años con su primo Junior parker, posteriormente pasaría a recibir las enseñanzas del mismísimo Sonny boy Williamsom II. En 1948 y justo tras el divorcio de sus padres, Junior se traslada con su madre a vivir a Chicago, donde se empezaría a  mimetizar con el entorno del blues de Chicago y empezaría a tocar con músicos de allí y en fiestas y locales. la primera banda de la que forma parte es The Aces, grupo que desarrolla un blues más moderno y evolucionado. En 1950 intenta entrar en la mismísima banda de Muddy Waters, pero es rechazado no por su innegable talento, es rechazado porque no llega al micrófono. Perseverante él, consigue entrar dos años más tarde en sustitución de Little Walker.
      Después de sus servicios con Muddy Waters, Junior durante los años 60 pone su armónica al servicio de Buddy Guy, esa estrecha relación musical nos deja aportaciones de indudable valor, uno de ellos es el primer disco que graba en solitario Junior. En 1965 y fruto de esa relación con Buddy, Junior le pide que aporte su guitarra en la grabación de su primer disco, algo a lo que Buddy acepta.

     Hoodoo Man Blues es grabado y publicado por la discográfica Delmark Records. Bob Koester, el fundador de Delmark Records y uno de los descubridores de Junior, a pesar de la preocupación por la respuesta comercial que pudiera tener el disco debut de un todavía desconocido Junior Wells, sabía que tenía tanta calidad y le gustaba tanto que tuvo los arrestos de darle la libertad suficiente para elegir sobre los temas y la grabación del disco. Esta apuesta se tradujo en que Hoodoo Man Blues se convirtió en el disco estrella en ventas de Delmark Records y sentó las bases de la increíble carrera de Junior Wells. Además ha sido reconocido por la crítica especializada como uno de los mejores álbumes de blues jamás grabados, tanto es así que una copia original se guarda en el Registro Nacional de Grabación de Estados Unidos (Serie de grabaciones que se consideran  cultural o históricamente importantes y que reflejan la vida y la historia de Estados Unidos).

     En la grabción participó Buddy Guy. Buddy tenía contrato con la discográfica Chess Records, y esta al final accedió a que participara pero no permitió que su nombre apareciera en los créditos del disco, Buddy aparece acreditado en el disco con el nombre de Friendly Chap. Otra curiosidad de la grabación del disco es que el amplificador de Buddy Guy no funcionaba correctamente, así que ingeniaron una solución, conectaron la guitarra al altavoz Leslie del órgano hammond que había en el estudio.

     Hoodoo Man Blues es un disco que capta excelentemente toda la esencia del Chicago Blues (sonido blues de Chicago).  Algunos de los temas que nos podemos encontrar son:
Good Morning Schoolgirl, un blues tradiconal del que se desconoce la autoría y que fue grabado por primera vez en 1937 por Sonny Boy Williamson I en 1937.
Houng Dog, una eléctrica pieza llena de ritmo escrita por Jerry Leiber y Mike stoller y grabado por primera vez por Big Mama Thornton. Aunque la versión que más se recuerda de este tema es la realizada por Elvis Presley en 1956, versión que está catalogada en el puesto número 19 de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos hecha por la revista Rolling Stone.
In the Wee Hours, donde Junior nos demuestra que además de meter ritmazo a sus temas también sabe hacer temas lentos llenos de sensibilidad que llegan al corazón.
Early in the Morning , otro blues tradicional que fue grabado por primera vez por Sonny Boy Williamson I.
You Don't Love Me baby, con una genial melodía de guitarra de Buddy que hace que se nos despeguen los pies del suelo y nos pongamos inmediatamente a bailar.
Chitlin con Carne, fantaśtico tema compuesto por Kenny Burrell en 1963 y donde el dueto guitarra de Buddy y Junior es sensacional.
Hoodoo Man Blues, un fantástico tema que había sido grabado por Junior años atrás en un disco de 78 rpm, y que una vez fue presentado a cierta emisora de radio, y se cuenta que este tema fue rechazado y de malas formas la tiraron al suelo y la pisotearon. Un tema que Junior no iba a incluir debido a aquella desagradable experiencia y el mal trago que pasó con este tema, pero al final se decidió a incluirlo gracias a Bob Koester que le animó a ello.

     En la contraportada del disco aparece además una historia de cómo Junior se hizo en su juventud con una armónica y además evito ir a la carcel por ello, una historia que ya contamos aquí en 7dias7notas, "La armónica de Junior"



     Si cogemos una coctelera y mezclamos a Junior Wells, uno de los mejores armonicistas de blues, a Buddy Guy y a Bob Koester que tuvo los arrestos de dejarle libertad para la creación de su primer disco, nos da como resultado Hoodoo Man Blues, uno de los mejores discos de blues que nos podemos encontrar.

lunes, 25 de febrero de 2019

La música en historias: Eva Von Zeppelin y "Los cuatro monos chillones"

Led Zeppelin


     Corría el año 1968 y el grupo The Yardbirds decidió separarse. En ese grupo se encontraban el guitarrista Jimmy Page y el bajista Chris Dreja, quienes decidieron formar otra banda.

     Jimmy y Chris ayudados por el mánager Peter Grant emprendieron viaje a Birmingham para audicionar a un vocalista llamado Robert Plant el cuál actuaba con un grupo llamado Hobbstweedle. Aquél viaje acabó siendo muy fructífero pues Plant acabó uniendose al proyecto, y además recomendó a un amigo suyo que tocaba la batería, John Bonham, el cuál también se acabaría uniendo. Pero poco tiempo después el bajista Chris decidió dejar el grupo, por lo que Jimmy y compañía se vieron obligados a emprender la búsquedas de un nuevo bajista, tarea que duraría poco tiempo pues el bajista John Paul Jones que era amigo de Jimmy Page al enterarse de dicha baja se ofreció a Jimmy y compañía, siendo admitido.
   
     La búsqueda de músicos se daba por finalizada y el grupo quedaba compuesto por Jimmy Page a la guitarra, Robert Plant a las voces, John Bonham a la batería y John Paul Jones al bajo, y sentaba las bases de la que sería considerada como una de las mejores bandas de rock de la historia del rock. Ahora sólo quedaba elegir un nombre para el grupo.

     Jeff Beck juntó para una sesión de grabación de una canción suya a los músicos Jimmy Page, John Paul Jones, John Entwiestle (bajista en The Who) y Keith Moon (batería en The Who). En esa sesión de grabación salió el tema del nuevo proyecto en el que se habían embarcado Jimmy y John, es entonces cuando Keith dió su opinión al recpecto y les dijo que ese proyecto fracasaría y caería "como un zeppelin de plomo", hecho que alentó a Jimmy y compañía a llamar al grupo Lead Zeppelin (Zeppelin de plomo), aunque por consejo del manager Peter Grant decidieron acortarlo para evitar problemar fonéticos en ingles, pasando a llamarse Led Zeppelin.

     Page, Plant y compañía ya tenían nombre, Led Zeppelin, pero se encontraron con otro pequeño problema, el grupo se encontraba realizando gira de promoción de su disco en 1970, y al llegar a Dinamarca no pudieron usar su nombre ya que la baronesa Eva Von Zeppelin, familiar del inventor del dirigible, Ferdinand Von Zeppelin, les había prohibido su uso, demandando además a la banda por mancillar el nombre de su familia argumentando que eran  "cuatro monos chillones". El grupo realizó dicha gira en Dinamarca bajo el nombre The Nobs.
     Afortunadamente el grupo ganó aquella batalla legal, ganándose el derecho a usar el nombre Led Zeppelin.


miércoles, 6 de febrero de 2019

La música en historias: El cine, Mario Brava, Boris Karloff y Black Sabbath

Black Sabbath



     ¿Que relación tienen Mario Brava, reputado director de cine italiano, Boris Karloff, mítico actor de cine del género de terror y Black Sabbath, la mítica banda de rock? Más de lo que parece......

     Corría el año 1968 y el guitarrista Tony Iommi y el batería Bill Ward acababan de dejar el fallido proyecto de un grupo llamado Mythology, entonces deciden formar su propia banda y se lanzan a la caza de músicos para completar su proyecto. Como resultado de esa búsqueda el dúo acabó contratando al bajista Geezer Butler y al cantante Ozzy Osbourne, que venían de tocar juntos en otro grupo llamado Rare Breed, fichan también al guitarrista Jimmy Philips y al saxofonista Alan Clarke. A este nuevo proyecto decidieron llamarlo The Polka Tulk Blues Company, nombre que copiaron de una compañía textil india aunque  poco tiempo después acabaron acortando el nombre y llamaron a la banda Polka Tulk. El paso de de Jimmy Philips y Alan Clarke fue bastante efímero pues decidieron abandonar la formación, quedando compuesta por Tony, Bill, Geezer y Ozzy, como también efímero fue el nuevo nombre del grupo, pues decidieron volver a cambiarlo y a partir de aquel momento pasaron a llamarse Earth
   
     El grupo por aquel entonces hacía versiones de blues y rock (de gente como Hendrix o Cream entre otros). El grupo también se caracterizaba por realizar largas improvisaciones bluseras. Por cosas del destino, a finales de ese año Tony Iommi decidió dejar el grupo para unirse al grupo de Jethro Tull, aunque la experiencia duró sólo un par de meses, lo que tardó Tony en volver a Earth, y es que ya se sabe, cuando se juntan dos gallos en un mismo gallinero siempre sobra uno.

     El grupo ya estabilizado, mientras se encontraba girando por Inglaterra se da cuenta de que les estaban confundiendo asiduamente pues tenían el mismo nombre que otra banda de rock, entonces para evitar más confusiones decidieron cambiar el nombre del grupo.

     Andaban los cuatro dándole vueltas al tema del cambio de nombre, cuando un día encontrándose los cuatro en el local de ensayo, Geezer se dio cuenta de que enfrente había un cine con una cola enorme para ver una película de Mario Brava. Mario Brava fué un reputado director de cine italiano de terror, y una de los máximos exponentes junto con Dario Argento de la denominada corriente de cine Il Giallo, corriente basada en un estilo característico de películas de suspense, terror, misterios y asesinatos que se producían en Italia.
La película en cuestión tenía como protagonista al aclamado Boris Karloff, rodada en 1963 bajo el título original I tre volti della pura (Las tres caras del diablo), traducida al ingles Black Sabbath.

     Geezer se dió cuenta de que la gente pagaba bastante dinero por ver películas de terror, y empujado por aquello decidió escribir la letra de una canción a la que llamó Black Sabbath, la cual estaba inspirada en una visión que había tenido sobre una figura encapuchada que se había postrado a los pies de su cama e inspirada también en el trabajo del escritor ocultista Dennis Wheatley, autor de muchísmos Best Sellers entre los años 50 y 60.

     Para la composición de la música el grupo hizo uso del famoso Tritono ó "intervalo del diablo", quedando el tema en cuestión con una música y unas letras un tanto oscuras.
El Tritono ya era rechazado en la época medieval por su dificultosa entonación, considerando su sonido como siniestro. Ya en el Renacimiento el tritono fue considerado como un intervalo instable y fue rechazado por la mayoría de teóricos y eruditos musicales.

     A partir de aquel momento el grupo tuvo claro el nombre, Black Sabbath, como también tuvo clara la dirección que debían tomar, apostando por un sonido y unas letras más oscuras, desafiando las corrientes musicales que imperaban en la época, el flower power, el folk y la cultura hippie. El grupo tuvo claro que quería hacer en música el equivalente a las películas de terror. Lo demás es de sobra conocido, como llegaron convertirse en una de las mejores bandas de rock de la historia y pioneras del heavy metal.

lunes, 26 de noviembre de 2018

La música en historias: El sonido de los Beatles


Geoff Emerick (1945 - 2018)


     En 1962, con quince años, Geoff Emerick empezó a trabajar como asistente de grabación en los míticos estudios Abbey Road de la compañía EMI. En ese mismo año trabajó como ayudante en la grabación del primer tema que hicieron los Beatles, "Love Me Do".

     Los Beatles con el tiempo llegaron a ser la mejor banda de Rock de la historia, pero en mi modesta opinión gran parte de culpa la tuvo este personaje, Geoff Emerick, que revolucionó el arte de la ingeniería sonora y dotó de ese sonido característico que tan famoso hizo a los Beatles, siendo capaz de sacar adelante las innovadoras ideas de los Beatles y las suyas con los escasos recursos técnicos de la época.

     En 1966, Norman Smith, el que había sido el ingeniero de sonido habitual de los Beatles desde su llegada a Abbey Road, dejaba su puesto de ingeniero para convertirse en productor, lo que dejaba la plaza ingeniero de sonido de los Beatles vacante. Así, de forma inesperada para él, Geoff con tan solo 19 años se convertía en el ingeniero de sonido de paul, John y compañía, y juntos  llevarían el sonido de los Beatles a otra dimensión.
 
     A principios de abril de 1966 comenzaron a trabajar en el primer tema del álbum Revolver, "Tomorrow Never Knows", compuesto por John Lennon. En ese tema John quería  que su voz sonara "Cómo el Dalai Lama cantando desde la cumbre de una montaña a kilómetros de distancia". Mucha presión para un novato de 19 años..........que lejos de arrugarse tuvo una idea. En el estudio había un órgano Hammon que estaba conectado a un sistema llamado Leslie, que básicamente constaba de un amplificador y dos altavoces giratorios, y que era el responsable del característico sonido del órgano  Hammond. A Geoff se le ocurrió acoplar dos micrófonos al sistema Leslie. La idea era que John cantara a través de esos dos altavoces, y que el sistema Leslie procesara el sonido.
El resultado fue que todos quedaron mas que satisfechos con el resultado,  incluso Paul después de aquella sesión dijo : "Es el Dalai Lennon"

     Los Beatles revolucionaron el panorama musical con sus ideas, pero necesitaban a alguien que fuera capaz de llevarlas a cabo, y Geoff fue esa persona. Juntos revolucionaron el panorama musical.

     Geoff trabajó con los Beatles en Revolver, Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band, Magical Mistery Tour y Abbey Road. También trabajo con Paul en solitario, Elvis Costello, Supertramp y Art Garfunkel entre otros. A lo largo de su carrera ganó cuatro premios Grammy, y en 2006 publicó ayudado por el periodista musical Howard Massey, el libro "El sonido de los Beatles" (donde cuenta sus andanzas desde que empieza en los estudios Abbey road y su trabajo a lo largo de los años con los Beatles), libro absolutamente recomendable.


El sonido de los Beatles
Geoff Emerick y Howard Massey


     Recientemente, el 2 de octubre de 2018, con 72 años, Geoff nos dejaba por culpa de un ataque al corazón. Rendimos desde aquí nuestro pequeño homenaje a este ingeniero de sonido, que al empezar en 1962 en los estudios Abbey Road, ni el mismo se imaginaba como llegaría a revolucionar el mundo musical junto con los Beatles.










viernes, 23 de noviembre de 2018

La música en historias: El último acorde del Sgt. Peppers de los Beatles





La grabación del disco Sgt. Peppers de los Beatles está plagada de detalles y anécdotas con las que tendríamos material de sobra para mantener este blog activo durante mucho tiempo.

Una de las más curiosas es la del último acorde de "A day in the life", la obra maestra aportada por Lennon al disco y completada con un puente sacado de un trozo de canción que Paul había compuesto y que encajó a la perfección, y las transiciones de una orquesta completa tocando la escala de notas en un aparente caos sinfónico.

Con la canción prácticamente completada, decidieron que le faltaba el final grandioso que esa canción, que además habían decidido que fuera el final del disco, merecía: Un acorde de piano que durara "eternamente".

Para lograr la grandiosidad de este momento final, requisaron todos los pianos que encontraron en Abbey Road para que mucha gente tocara simúltaneamente el acorde, que después se duplicaría en varios overdubs para hacerlo todavía más múltiple y espectacular.

El ingeniero de sonido, Geoff Emerick, responsable del sonido de los mejores discos de los Beatles, y de contarlo en el mejor libro que he leído sobre ellos ("El sonido de los Beatles"), fue el encargado de poner la imaginación y los recursos técnicos para que el acorde quedara registrado al máximo volumen y lograr que durara el mayor tiempo posible, lo más cercano al "acorde eterno" que se habían propuesto.

La noche en que se realizó la grabación del acorde estaban presentes tres de los cuatro Beatles, solo George Harrison estuvo ausente, lo cual enfadó a John. Se recurrió a Mal Evans, ayudante de la banda, y al mismísimo productor George Martin. Paul y Ringo compartieron piano para que Paul enseñara al batería el acorde que debía tocar.

El personal de Abbey Road trasladó todos los pianos al estudio 2, que presentaba un aspecto impresionante con dos pianos de cola, un piano de pared desafinado a propósito, un piano eléctrico, una espineta y un armonio. Seis pianos para tocar un solo acorde en un momento único y dificil de conseguir ya que requería que todos lo tocaran exactamente al mismo tiempo.

 Se grabó a un volumen tan alto que podría haberse registrado cualquier mínimo ruido, por lo que el silencio y la concentración eran claves durante la interpretación del acorde. Casi lo habían conseguido cuando, hacia el final de la grabación, Ringo movió el pie para cambiar de posición y su zapato chirrió en el suelo.

La mirada asesina que Paul le dirigió y la expresión culpable de la cara de Ringo han pasado a la historia de la música aunque no quedaran registradas en imágenes. Pero lo que si quedó grabado para la posteridad, y se puede comprobar si se escucha atentamente con el volumen al máximo, hacia el final de la pista cuando el sonido se va desvaneciendo, es el ruido del zapato de Ringo girando en el suelo y haciendo también historia en el cierre de un disco monumental e irrepetible.