0323: Sunny Afternoon - The Kinks

Sunny Afternoon, incluida en el disco Face to face de The Kinks, es una canción hermanada en temática con el Taxman de The Beatles, denunciando los altos niveles de impuestos aplicados por el gobierno británico de la época. A diferencia del toque rockero y áspero de la canción de los de Liverpool, la canción de The Kinks da un giro hacia el music hall y el cabaret, una línea de progresión en la que profundizarían después en sus discos conceptuales más reconocidos (The Village Green Preservation Society, Arthur y, en menor medida, Lola vs. Powerman).

La canción nace en un momento en el que Ray Davies afrontaba una enfermedad pasajera. La sensación de sentirse mal y estar encerrado en casa sin hacer nada le llevó a escribir la letra, sobre un aristócrata en decadencia que se había peleado con su novia tras una noche de borrachera. La grabación del tema fluyó de manera rápida y sencilla, cuando el bajista empezó a tocar unos breves y divertidos ritmos clásicos, y Nicky Hopkins, que estaba tocando el piano en esa sesión, le siguió el juego al mando de las teclas, generando el embrión de lo que sería la desenfadada atmósfera musical de la versión definitiva.

El decadente y alcohólico aristócrata no estaba, a pesar de todo, exento de carisma. Lanzado como single el 3 de junio de 1966, Sunny Afternoon alcanzó el nº 1 de la listas de singles del Reino Unido y de Irlanda en poco más de un mes. En Estados Unidos no llegó tan alto, quedándose en un honroso puesto 14 del Billboard Hot 100. No está nada mal para la historia de un tipo sin horizonte ni esperanza, sumergido en el mar de la pereza en una tarde soleada.

0322 For What It's Worth - Buffalo Springfield

 

For What It's Worth, Buffallo Springfield

     El 5 de diciembre de 1966 la banda de rock canadiense - estadounidense Buffalo Springfield, formada por Stephen Stills (voz, guitarra, teclados), Neil Young (voz, armónica, guitarra, piano), Richie Furay (voz, guitarra rítmica), Bruce Palmer (bajo) y Dewey Martin (batería), publica su álbum debut de título homónimo, Buffalo Springfield. El disco es grabado bajo la producción de Charles Greene y Brian Stone entre los Gold Star Studios de Los Angeles, California y los Columbia Recording Studio en Holliwood, California. El disco es publicado por el sello discográfico Atco Records y llega a alcanzar el puesto número 80 en la lista estadounidense Billboard Top Pop Albums.

En marzo de 1967 se lanza una reedición del álbum donde se incluye la canción For What It's Worth, la cual había sido lanzada como sencillo por Atco Records el 23 de diciembre de 1966. La canción es grabada en los estudios Columbia Square de Hollywood, y logra posicionarse en el puesto número 7 en la lista Billboard Hot 100, por lo que se decide incluirla en dicha reedición del disco debut de la banda. 

La canción fue escrita por Stephen Stills, quien el mismo relata que se basó para escribirla en los disturbios del toque de queda ocurridos en Sunset Strip en West Hollywood, California, en noviembre de 1966. La canción, en pro de la contracultura, trata de reuniones de jóvenes que protestaban contra las leyes de toque de queda y el cierre de la discoteca Pandora's Box de West Hollywood. Stills no se encontraba allí cuando cerraron dicha discoteca, pero se enteró porque sus compañeros del grupo se lo contaron. Stills tenía en en mente escribir una canción sobre la situación de los niños en el sudeste asiático y de como la situación se desmoronaba. Pero aquel día según bajaba  caminando a Sunset desde su casa, y observó como una gran multitud de jóvenes habían organizado un funeral a modo de protesta frente al Pandora's Box por el cierre del mismo y contra las leyes del toque de queda. Luego observó como la policía antidisturbios se posicionaba al otro lado de la calle con sus cascos y sus escudos frente a un gran número de jóvenes que se encontraban de pie en la calle, de forma pacífica, sin realizar ningún tipo de acción violenta. Sin embargo, aunque aquellas manifestaciones habían surgido de forma pacífica, acabaron surgiendo problemas.  Fue entonces cuando Stills se preguntó "¿Por qué están haciendo esto?", por lo que decidió que la canción original que tenía en mente sería For What It's Worth, y trataría sobre estos sucesos en West Hollywood.

Los sucesos en los que Stills se basó para escribir la canción se sitúan a mediados de 1966, los residentes y las empresas locales de West Hollywood se habían quejado y presionado a las autoridades del condado por la forma en que los jóvenes iban a los clubes de música de la zona, ya que causaban grandes congestiones de tráfico y molestias de ruído a altas horas de la noche. Las autoridades decidieron entonces aprobar unas estrictas leyes que incluían el toque de queda en la zona a partir de las 10 de la noche. La multitud de jóvenes, que únicamente querían disfrutar de la música, sintieron que esas restrictivas nuevas leyes infringían sus derechos civiles.

0321: Yo soy aquel - Raphael

 

Nació el 5 de mayo de 1943 en Linares, Jaén, su nombre, Miguel Rafael Martos Sánchez todos le conocemos como Raphael. Con su familia, se mudó a Madrid con tan solo nueve meses de edad y empezó su carrera como cantante a los tres años, recibiendo el sobrenombre del “Ruiseñor de Linares” y “El divo de Linares”. Un año después se unió a un coro infantil y a los nueve años fue reconocido como la mejor voz infantil de Europa en un concurso de Salzburgo, Austria. Raphael empezó su carrera profesional cómo cantante con el sello discográfico Philips. Para distinguirse asimismo adoptó la grafía «ph» del nombre de la compañía y se «bautizó» como «Raphael». En 1962 ganó tres primeros premios del Festival Internacional de la Canción de Benidorm con las canciones Llevan, Inmensidad y Tu conciencia.

 

Yo soy aquel es una canción compuesta por Manuel Alejandro que interpretaba Raphael y fue con la que representó a RTVE en el Festival de la Canción de Eurovisión 1966. La canción alcanzó la séptima posición entre 14 participantes, habiendo recibido nueve puntos (5 de Portugal, 3 del Reino Unido y 1 de Yugoslavia). Su puesto no desmerece el éxito y popularidad que tuvo la canción durante aquel año, de hecho, fue el disco más vendido en España en 1966 en cifras absolutas, y es que esta canción de amor rasgado, hay que sumarle su gran presencia vestido de negro, su forma de retorcerse ante el micrófono girando la mano como quien desenrosca una bombilla eran motivos suficientes para calar en la sociedad de aquel momento

 

Puede resultar muchas cosas, pero lo que es indudable es su calidad vocal, unida a una gran capacidad histriónica y expresiva, han sabido conquistar al público de todo el mundo hispano por más de cuatro décadas y no solo al hispano, fue numero uno en Japon con el tema con el tema Escandalo, pero antes, el 25 de octubre de 1970 se presenta en el famoso "Show de Ed Sullivan", de la cadena televisiva estadounidense CBS, cantando en vivo en español, inglés e italiano, volviendo a aparecer en el mismo a los pocos meses. En 1967 cantó en el Madison Square Garden de Nueva York de la mano de Brian Epstein (manager de Los Beatles). Actuó en los teatros más importantes, como el Carnegie Hall de Nueva York, el Opera House de Sydney, el Bolshoi y el Rossia de Moscú, el Olympia de París, el Palladium de Londres, se puede decir que tras su paso por Eurovision Raphael fue la primera estrella española global. Pronto fue conocido en Italia, Francia, Alemania, Japón o Australia. . Y siempre será recordado con lo de Yo soy aquel que cada noche te persigue…., su canción más emblemática al igual que El tamborilero lo es de los especiales televisivos de Navidad.

 

La música en historias: The Head On The Door - #MesTheCure

 

The Head On The Door, The Cure

     En 1985 The Cure, formada en ese momento por Robert Smith (voz, guitarra, teclados), Simon Gallup (bajo), Lol Tolhurst (teclados), Porl Thompson (guitarra, teclados) y Boris Williams (batería, percusión), lanzan el sexto álbum de la banda, The Head on the Door, siendo el primer disco donde se presenta la banda como un quinteto. El álbum está marcado por el regreso a la banda de Simon Gallup. El guitarrista Porl Thompson, quien había tocado teclados y saxofón durante la gira anterior, llamada The Top, se convierte aquí en miembro oficial.

El disco es grabado en los estudios Angel Recording de Londres bajo la producción del líder de la banda Robert Smith y de David M. Allen, y publicado el 26 de agosto de 1985 por el sello discográfico Fiction en Reino Unido y por el sello Elektra en Estados Unidos. El álbum supone el primer gran éxito comercial de la banda y el espaldarazo definitivo hacia la fama, alcanzando el puesto número 75 en las listas de Estados Unidos, alcanzó además el Top 20 en numerosos países, y consiguió la certificación de oro en Estados Unidos, Reino Unido y Francia. 

En este disco Robert Smith, quien compone y escribe todas la canciones, da una nueva dirección musical a la banda, buscando un equilibrio entre el sonido más triste y oscuro de la banda con un sonido más comercial y bailable de estilo pop, mostrando la capacidad del cantante de usar ritmos más pop y bailables para expresar sus sentimientos de angustia. 

Para la composición de los temas que componen el álbum, Robert declaró haberse inspirado en los discos Kaleidoscope de Siouxsie & The Banshees y Dare de Human League. Robert tenía clara la dirección de su nuevo trabajo, quería un disco ecléctico con diferentes estilos, sonidos y estados de ánimo. 

El álbum abre con el que fue el primer sencillo del disco, In Between Days, convirtiéndose en un gran éxito internacional, siendo la  primera canción de la banda que conseguía meterse en la famosa lista estadounidense Billboard Hot 100, y consiguiendo grandes cifras en Europa. Un tema donde las optimistas guitarras y el riff del sintetizador contrastan con unas letras que reflejan envejecimiento, pérdida y miedo. Tema que es un fiel reflejo del genial equilibrio de Robert para transmitir sentimientos tristes a través de pegadizas y algres melodías. Le sigue Kyoto Song, tema con un fuerte toque japonés, que refleja la idea de Robert de incorporar otros sabores internacionales, y que se verá reforzada con el aire flamenco de la guitarra en el tema The Blood. En Six Different Ways el cantante utilizó la línea de piano que había usado anteriormente para el sencillo Swimming Horses de Siouxsie & The Banshees. Cierra la cara A The Push, tema que presenta una geniales letras de corte psicodélico acompañadas por unas geniales guitarras.

Comienza la cara B con The Baby Screams, tema con una excelente línea de bajo donde Gallup se luce, y que precede a otro de los grande temas de siempre de la banda, Close To Me, un tema que curiosamente no tenían claro que fuera a ser definitivamente de la partida de álbum. No fue hasta que se puso Robert a grabarla y realizar las tareas de producción cuando sintió ese sonido claustrofóbico que cobró vida y que le hizo cambiar de opinión. Además de la versión para el disco se lanzaron dos versiones más, una extendida de 12" y otra más simple de 7". La versión del disco no contiene una parte incluida de la sección de metales que sí tienen las otras, que fue adaptada de una melodía tradicional, "La marcha fúnebre de Nueva Orleans". A Night Likes This, temazo de corte oscuro, uno de los puntos álgidos del disco donde Robert Smith nos regala uno de sus mejores lamentos escoltado por unas repetitivas guitarras que logran crear el ambiente, y que contiene además un brutal sólo de saxofón realizado a cargo de Ron Howe. Screw, quizás el tema más flojo del disc y que precede al último de esta cara y que se encarga de cerrar por tanto el álbum, Sinking, apostando por un sonido muy pesado del sintetizador, y donde Robert Smith juega con unas letras de corte introspectivo y muy oscuras. 

The Head On The Door es uno de los mejores trabajos de The Cure, y pone de manifiesto la habilidad de su líder, Robert Smith, para combinar esa oscuridad que rodea el aura de la banda con ritmos más frescos y alegres.

Grandes éxitos y tropiezos: El ultimo de la fila

 

Con Grandes éxitos y tropiezos iniciamos una nueva sección en 7días7notas, en las que os ayudaremos a elegir los mejores discos de los grupos y artistas más relevantes de la historia de la música, casi como si os estuviéramos acompañando en una de esas viejas tiendas de discos de segunda mano, esas pequeñas y escondidas anomalías que aún pueden encontrarse dentro del Matrix en el que se está convirtiendo este mundo en el que vivimos. Para esta cuarta visita a nuestra imaginaria tienda virtual, hemos pensado en meter producto nacional, vamos en busca de alguno de los 7 discos de estudio de El último de la fila, el grupo Barcelones compuesto por Manolo Garcia y Quimi Portet que en la década que fue de 1985 – 1995 hicieron las delicias de muchos amantes de la música con sus ritmos rockeros con toques de tradición sureña.

 

Estás tardando en comprarlo:

“Como la cabeza al sombrero” (1988), sin duda el disco con el que llegaron a todos los rincones y a todas las emisoras del país, el reto lo tenían ahí delante y lo superaron con creces, tras sus dos primeros discos “Cuando la pobreza entra por la puerta, el amor salta por la ventana” y “Enemigos de lo ajeno” realizados cuando aún estaban buscando su lugar en la industria y un sonido que les desmarcaran del resto de grupos, un avispado manager vio que había material suficiente para dar una vuelta al sonido que estaban desarrollando, y en 1987 sacaron una especie de álbum recopilatorio donde les daban una nueva dimensión a su producto retocando los temas que ya habían editado. Aquel disco pegó fuerte, y tenían que confirmarlo, y su nueva entrega llegó en 1988 “Como la cabeza al sombrero” un auténtico crisol de sonido y sobre todo de sentimientos, canciones escupidas desde el corazón, increíblemente bien producido para los cánones de la época, es el disco en que las letras de Manolo y Quimi rayan a mayor altura, alcanzan un nuevo nivel sobre todo en “En los árboles” o en “Ya no danzo al son de los tambores”, que tienen influencias del romancero español y de las historias de marineros y piratas, respectivamente. De las melodías ¿qué se puede decir?, todas las canciones fueron hits potenciales y cada una con su esencia, ¿Cómo no estremecerte con los aires arábigos de “Sara”? ¿Y esa especie de rock-jazz que es “A veces si enciende”? ¿No te resulta imposible ponerte festivo con los acordes de “Piedra Redonda”? ¿Y el casi rock tenso de “Como la cabeza al sombrero” con ciertas reminiscencias a Joaquin Sabina?..... pero, sobre todo, el añorante dramatismo en el que te mete el ritmo en “Llanto de Pasión”.

 

Si te queda pasta, llévate también:

Metidos en la rueda del éxito tras su último disco, hicieron un trabajo bastante estimable en “Nuevo pequeño catálogo de seres y estares” (1990), donde hacen un álbum lujoso y desbordante que se opone a la sobriedad registrada en “Como la Cabeza al Sombrero” y al que, en aquel tiempo, dobló en ventas. Teclados y sintetizadores pueblan un disco en el que vuelven a enchufar las guitarras después de una obra de corte más acústico como fue su anterior álbum, es cierto que pudieran caer en lo comercial, temas como “Cuando el mar te tenga” la cúspide en sus obras de radioformulas tiene un tufillo que echa para atrás, pero como contrapartida como no disfrutar de esa declaración de intenciones de “Músico Loco” o de la espiritualidad de “En mi pecho”, el dramatismo urbano y actual donde no existe la magia de “Barrio Triste” o la mística heroica de “Sucedió en la antigüedad”.

 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

“La rebelión de los hombres rana” (1995) es un absoluto despropósito, si eres muy fan de ellos, aun podrás encontrar ecos de su sonido, de su sensibilidad en temas como “Sin llaves” o “Uva de la vieja parra” pero su esencia ha desaparecido, la poesía es forzada. Después de esta aventura, los integrantes tomarán caminos separados y eventualmente volverán a juntarse para grabar versiones más añejas de algunas canciones, aunque con resultados menores. Para quienes los recordamos por los años mozos, la discografía de los barceloneses es esencial y cada uno de sus entregas es una parte de nuestra vida, solo por eso, La rebelión de los hombres rana es un punto final que se deja escuchar, sin más. Si estas buceando en ellos por primera vez… Huye de este disco.

 

Si lo que buscas son canciones sueltas:

Estas son las cinco canciones top que no pueden faltar en tu colección o en tu playlist:

1.      Llanto de pasión

2.      Son cuatro días

3.      Ya no danzo al son de los tambores

4.      Músico loco

5.      Mar antiguo

0320 7 and 7 Is - Love

 

0320 7 and 7 Is - Love 

7 and 7 Is es una canción escrita por Arthur Lee y grabada por su banda Love el 17 y 20 de junio de 1966 en Sunset Sound Recorders en Hollywood, fue producida por Jac Holzman y diseñada por Bruce Botnick

La canción fue lanzada como la cara A del single de Elektra en julio de 1966. La cara B era "No Fourteen", una toma de las grabaciones anteriores de la banda, "7 and 7 Is", que entró en la lista Billboard Pop Singles el 30 de julio. 1966, alcanzó el puesto 33 durante una carrera de diez semanas y se convirtió en el sencillo de mayor éxito de la banda. La grabación también apareció en el segundo álbum de la banda.

Al describir cómo compuso la canción, Arthur Lee dijo: "Estaba viviendo en Sunset y me desperté temprano una mañana,toda la banda estaba dormida, fui al baño y escribí esas palabras. las canciones solían venir a mí justo antes del amanecer, las escuchaba en sueños, pero si no me levantaba y las escribía o si no tenía una grabadora para tararear". 

En una entrevista de 1989, Arthur Lee declaró que él mismo le enseñó a Alban Pfisterer cómo interpretar el papel, y que el disco final presentaba a Alban Pfisterer en lo que se ha descrito como un "coqueteo", la canción culmina en una explosión apocalíptica - el supuesto sonido de una bomba atómica - antes de una conclusión pacífica, en forma de blues, que luego se desvanece aunque muchos oyentes pensaron que la explosión al final de la canción era una unidad de reverberación que se estaba pateando, fue (según el ingeniero Bruce Botnick en el libro "Forever Changes"), en realidad, esos efectos son tomado de un registro de efectos de sonido. 

Él especuló que era una grabación de un disparo ralentizado, para presentaciones en vivo, la explosión fue reproducido pateando una unidad de reverberación, el crítico musical Robert Christgau llamó a la canción un rockero perfecto. 

Daniel
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0319 You're Gonna Miss Me . 13th Floor Elevators

 

You are Gonna Miss Me, 13th Floor Elevators

     Turno para la banda de rock psicodélico de Austin, Texas (Estados Unidos), 13th Floor Elevators, formada y liderada por el vocalista y guitarrista Roky Erickson. Esta considerada como  la primera banda que se refirió a su música como rock psicodélico. En 1966 la banda debuta con su primer álbum: The Psychedelic Sounds of the 13th Floor Elevators, haciendo referencia ya en el título a su sonido psicodélico. El disco es grabado en los Sumet Sound Studios de Dallas, Texas, publicado el 17 de octubre de 1966 bajo el sello discográfico International Artist, y producido por el productor y ejecutivo discográfico Lelan Rogers.

El sonido de la banda incluye elementos de psicodelia, hard rock, garage rock, folk y blues. Incluido en este álbum debut encontramos el que supuso a la postre el gran éxito del grupo, You're Gonna Miss Me. El tema fue lanzado como sencillo en enero de 1966 por el sello discográfico Contact Records y alcanzó un más que meritorio puesto número 55 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos a pesar de una mala gestión y distribución por parte del sello discográfico. 

Para la grabación del tema se uso el instrumento casero conocido como jarra instrumental, y durante todo el proceso de grabación la banda estuvo bajo los efectos del ácido, la droga alucinógena. La canción, compuesta por Roky Erickson, trata sobre una mujer que tras su separación está haciendo daño al cantante, pero él se jacta de que al final ella "le va a a extrañar y echar de menos" cuando pase tiempo de su separación. Un significado alternativo hace referencia a las ausencias prolongadas lejos de su familia del compositor Roky. El compositor reconoció en su momento que hubo tres canciones que influyeron en la composición de la canción, I Don't Mind de James Brown, Early in the Morning, y la grabación menos conocida   de Muddy Waters, You're Gonna Miss Me.

0318 Good Vibrations - The Beach Boys

0318 Good Vibrations - The Beach Boys 

Good Vibrations es una canción del año 1966 del grupo de rock estadounidense The Beach Boys, la cual fue compuesta por Brian Wilson y su letra es de Mike Love. 

Se publicó como sencillo en octubre de 1966 y fue un éxito comercial, encabezando las listas de éxitos en varios países, y sobre todos en los Estados Unidos y el Reino Unido.

Caracterizado por sus complejo sonido,  fue el sencillo más costoso jamás grabado por la banda. Por ello Good Vibrations fue ampliamente reconocida como una de las mejores y más importantes obras de la era del rock.

Good Vibrations determinó una nueva forma de crear música, en lugar de canciones enteras con estructuras sintácticas claras a gran escala, el autor  se limitó a grabar fragmentos cortos e intercambiables. Mediante el método de empalme de cintas, cada fragmento podía ensamblarse en una secuencia lineal, lo que permitía producir posteriormente cualquier número de estructuras más grandes y estados de ánimo divergentes Este fue el mismo enfoque modular utilizado durante las sesiones para Smile y Smiley Smile. 

La producción de Good Vibrations abarcó más de una docena de sesiones de grabación en cuatro estudios diferentes de Hollywood, en una época en la que la mayoría de los singles pop se solían grabar en uno o dos días. 

Se dice que se utilizaron más de 90 horas de cinta magnética, con un presupuesto final estimado en decenas de miles de dólares, lo que lo convierte en el single más costoso grabado hasta la fecha. 

Una estimación de los gastos generales de producción es de entre 50.000 y 75.000 dólares (equivalente a 400.000 y 600.000 dólares en 2020), En comparación, la totalidad de Pet Sounds había costado 70.000 dólares (560.000 dólares), en sí mismo un coste inusualmente alto para un álbum. 

Daniel 

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The Top - The Cure #MesTheCure

 

Pornography fue un hito absoluto, tanto para el grupo como para el panorama musical, y eso había pasado factura, después de dos años largos The Cure finalmente volvió para lanzar su tan esperado siguiente disco, la banda volvia a ofrecernos un nuevo trabajo o más bien, sería más exacto decir que su líder siempre presente y el único que ha permanecido siempre en el grupo, Robert Smith, volvia a dar el callo. Y era algo maravilloso tener de nuevo un LP con el nombre de The Cure, pero esto es poco más que un álbum de Cure solo de nombre, en palabras de Smith, el "álbum en solitario que nunca hice, es responsabilidad mia” asi podemos encontrar algo de la música más brutal, fea, amarga, enojada, maníaca e intransigente de The Cure que la banda (¿Robert Smith?) había hecho. El álbum es complicado, os advertimos desde aquí, y mas si no eres un fan absoluto de los chicos de Crawley, quizás puedas encontrar refugio en The Caterpillar una canción de amor extraña y caprichosa, pero también delicada y bonita, aunque surrealista, esta canción no debería haber sido una gran sorpresa, por supuesto, para aquellos que habían escuchado The Glove's Blue Sunshine y / o las canciones posteriores de 1983 Cure, con las que  comparte su fantasía psicodélica y distorsión de modismos populares. Su extraordinaria introducción, que comienza con una nota de piano baja con altas disonancias chirriantes en el mismo instrumento. Pero esta canción es totalmente inusual en The Top en su conjunto, y desafortunadamente esto en sí mismo es el defecto fundamental del álbum.

Abre el álbum "Shake Dog Shake" un tema bastante bueno, abriendo el álbum y que nos regala una buena cantidad de energía, estamos ante una de las canciones más ruidosas y angustiosas, que desarrolla una inquietud en tu mente a base de golpes y reverberación en la voz de Robert Smith, sin darte cuenta eres testigo del desconcertante estado psicótico de Robert, el psicópata cargado de graves, una combinación perfecta para la alarmante filantropía y el auto-disgusto, una rareza muy jodida, y sin embargo, es un éxito tan grande que han continuado incluyendala en sus conciertos desde que vio la luz. “Bird Mad Girl” es más moderada y melancólica hasta el punto que puede resultar más interesante en todos los aspectos, ya que recibimos y agradecemos un poco más de calidez y melodía, con una línea de bajo alegre, casi bailable, un atractivo riff de guitarra acústica rasgueada, contramelodías de teclado, el ramalazo más pop y brillante que podremos encontrar en este álbum. “Wailing Wall” transmite esta sensación de oscuridad y sufrimiento, es un punto culminante en el album, con su ominoso pero hipnótico tamborileo, sirenas de teclado y melodías grandiosas y claramente moriscas que se desvanecen desde la breve y brumosa introducción, evocando un estado de ánimo de misticismo fatal pero magistral. Podemos estar ante uno sus ritmos más inventivos hasta la fecha, al convertirse en un ominoso zumbido de ruidos inescrutables, que la vuelve aún más enigmática. “Give Me It” representa la ruptura definitiva y el grito desesperado de ayuda de Smith y una liberación de su tormento: lo más cerca que se acerca este álbum a la veloz energía punk de la era de los Three Imaginary Boys, pero mucho más frenético, neurótico, intenso y paranoico que cualquier otra cosa de aquel período, con sus gritos, remolinos nauseabundos de guitarra, tambores frenéticos, coros vocales que se gritan más que se cantan y un saxofón estridente que de vez en cuando emerge entre todo el estruendo. “Dressing up” es extraña, es darte de bruces con The Cure en modo synthpop, no es que sea de sus mejores canciones pero agrada el oído después de la tormenta anterior y se desliza dulcemente en teclados gomosos, flautas falsas y un Smith que suena a hada.

 

 

La segunda cara empieza con el único single oficial que sacaron del disco “The Caterpillar”, uno de sus experimentos pop más entrañables e ingeniosos, y también para el que escribe, la mejor canción del disco. Caprichosa y hermosa, la canción nos entrega un pop psicológico de la manera en que solo The Cure puede hacerlo, esa melodía tan cursi solo podría ser ellos y salirle tan bien, añade una intro totalmente fuera de lugar de pianos en cascada, tambores silenciados y violines disonantes. Llegamos a “Piggy in the Mirror”, Robert continúa con sus intentos de expandir su rango vocal, pero sinceramente, la jugada no le sale muy bien, no logra nada, es la primera y única canción que realmente quedas con la sensación de que sobra, por lo que no vamos a ahondar más en ella. “The Empty World”, es flojita pero en cambio es agradablemente pegadiza, con una letra engañosamente oscura, como tantas veces en The Cure, la voz triste de Robert es acompañada por una melodía de flauta folclórica irónicamente optimista sobre un ritmo militar. 

“Bananafishbones” nos da la oportunidad en reparar en la inquietante forma en que utiliza principalmente los registros externos, combinando una floritura de armónica introductoria, un riff de órgano agudo dominante, una línea de guitarra eléctrica y más coros de falsete, con una parte de teclado grave y retumbante aderezado con una batería que suena ligeramente borracha pero resulta, el motico de incluirla quizás sea un ligero guiño al período gótico de The Cure. Cerramos con “The Top”, que contiene una atmósfera pesada, la voz de Robert se llena de pavor y un ritmo lento y melancólico nos va envolviendo, y un mensaje sobre su loca vida inducida por las drogas o la confusión de la banda que se desmorona. Una canción de libro de The Cure por si acaso pensábamos desviarnos.

0317: Green Green Grass of Home - Tom Jones

Green, Green Grass of Home es un tema country escrito por Claude "Curly" Putman Jr., que fue grabado por Johnny Darrell por primera vez en 1965. Obtuvo cierta popularidad ese mismo año en una versión de Porter Waggoner, e incluso fue grabada por Jerry Lee Lewis para su disco Country Songs for City Folks, pero fue la versión de Tom Jones en 1966 la que pasó a la posteridad. Impresionado por la escucha de la canción de Jerry Lee Lewis, decidió grabarla y alcanzó con ella el nº1 de las listas del Reino Unido, dónde permaneció durante siete semanas.

La letra describe la vuelta de un hombre al hogar de la infancia, al que no había vuelto desde mucho tiempo atrás, y el reencuentro con sus padres y su amor de juventud, que le reciben emocionados en la estación de tren. La canción narra después un paseo con su amada hasta "el viejo roble en el que jugaba", sintiendo la emoción del contacto con "la hierba verde, verde del hogar". De repente, todo parece ser un sueño, del que despierta entre "cuatro paredes grises" de la celda de la prisión en la que se encuentra recluido.

La vida real es, en contraposición al sueño, una auténtica pesadilla, porque el hombre despierta justo el día programado para su ejecución, a la que asiste con tristeza y amargura su padre, que regresará después a casa, "a la sombra de ese viejo roble, para recostarle bajo la verde y verde hierba del hogar".

0316: Gimme Some Lovin' - The Spencer Davis Group

Capitaneados por los hermanos Winwood (Steve y Muff) y con la inestimable colaboración de Spencer Davis quien daba nombre al grupo porque entre todos los componentes decidieron que él fuera la cabeza visible del grupo ya que era el único que disfrutaba dando entrevistas, The Spencer Davis Group fue una banda británica formada en Birmingham fundada en 1963 y que en su corta carrera publicaron cuatro Lp’s el ultimo días antes de que su principal valedor, Steve Winwood decidiera abandonar este proyecto para embarcarse en Traffic, y si bien el grupo sigio adelante con cambios de componentes, su época gloriosa la podemos enmarcar cuando Winwood permaneció en el grupo.

 

Gimme Some Lovin' fue escrita por Steven Winwood a la edad de 17 años, y cuentan entre risas y asombro que la hizo en tan solo 10 minutos, dicen que las mejores canciones casi se escriben ellas mismas. Roy Orbison afirmó que Oh, Pretty Woman le llevó media hora. A Tony Iommi se le ocurrió el riff de Paranoid mientras el resto de Black Sabbath estaban almorzando. Keith Richards supuestamente soñó (I Can't Get No) Satisfacción en una habitación de hotel de Florida. Windwood había nacido para esto y estaba tocado por la magia… Dame algo de amor, gritaban, este tema es una gota de agua fría que te sacude la mente, dispuesta a refrescarte, arrastrándose como un hielo que recorre tu cuerpo, su sonido logrará que olvides el calor y se extravíen en sus acordes. Arranca con un punteo de bajo, constante y desafiante, la batería entra sin grandes aspavientos, pero manteniendo un ritmo imprescindible. Entonces es cuando llega el Hammond, haciendo acto de presencia Steve Winwood con vigor y descubriéndonos la melodía que tantas veces hemos escuchado, notas que han resonado en nuestros cerebros en un sinfín de ocasiones…. Y cuando todos están a tope, confirmando que tienes delante un verdadero temazo, entra en escena la voz de Spencer Davis, posee nervio, elegancia y un registro propio que pocos pueden presumir de ellos. No es poco que en aquellos turbulentos años sesenta londinenses Gimme Some Lovin´ llega al número 2 de las listas británicas y al siete en los Estados Unidos, sufriendo, como era habitual para la época, una edición distinta a cada lado del Atlántico: más reposada la de aquí, mucho más desbocada la de allí. El regusto negroide de la canción no es ni mucho menos casual ya que, como la mayoría de músicos británicos, el Spencer Davis Group bebía en las fuentes de la música negra americana de la que recibía más que influencia e inspiración, de hecho el riff básico de la canción estaba basado en el tema (Ain't That) a Lot of Love de un cantante y compositor negro llamado Homer Banks que años más tarde escribió cosas para los Staple Singers y Elvis Costello, pero que no vio ni un penique de su aportación a uno de hits más importantes del “British Rhythm & Blues”. La canción ha sido multitud de veces versionada, y ha aparecido en multitud de películas, la disfrutamos en la BSO de “Días de Trueno” (Tony Scott, 1990), o con los Blues Brothers en “Granujas a todo ritmo” (John Landis, 1980). Pero además es protagonista de escenas claves como en Slepeers o Nothing Hill, está claro que es una canción que ha calado muy profundo.

Disco de la semana 249: 2112 - Rush

 

2112, Rush

     El 1 de abril de 1976 los candienses Alex Lifeson (guitarra), Geddy Lee (voz, bajo, teclados) y Neal Peart (batería), o lo que es lo mismo, el grupo Rush, publican su cuarto album de estudio, 2112, para mí una de sus operas primas. El álbum es grabado en lo estudios Toronto sound de Toronto, Canadá, bajo la producción del propio grupo y del británico Terry Brown. El disco llega a alcanzar un más que notable quinto puesto en las listas de ventas candienses. Y en Estados Unidos llega a alcanzar el puesto número 61 en la lista Billboard Top Lps & Tape, consiguiendo además la certificación de oro en dicho país. Pero para el grupo llegar hasta aquí no iba a ser fácil, ni mucho menos...

El grupo ha editado ya tres discos de estudio y tiene serios problemas financieros, de hecho, su sello discografico, Mercury Records, quiere dejarlos abandonados a su suerte. Sin embargo, el mánager de la banda Ray Danniels consigue que la discográfica les de una última oportunidad y les concede la grabación de otro álbum, pero a cambio les exige que graben para éste un material más comercial y accesible. Lejos de arrugarse, Lifeson, Lee y Peart deciden que esa última oportunidad sea para reafimarse y seguir evolucionando con su sonido pase lo que pase. Así nace 2112, una de las obras maestras del rock progresivo. 

Abre la cara A del álbum, 2112, tema que con sus poco más de 20 minuos es el único corte de esta cara. Estamos ante una auténtica joya, no sólo del disco, también de toda la discografía del grupo canadiense. La letra del tema está basada en a novela Himno del novelista judio-estadounidense nacido en Rusia Ayn Rand. El tema nos relata una historia ambientada en la ciudad imaginaria de Megadon en el año 2112, donde el individualismo y la creatividad están prohibidos y penados. Una ciudad que está controlada por unos sacerdotes malvados que resien en los Templos de Syrinx. Hay una guerra en la galaxia que provoca que todos los planetas se unan para luchar contra la Federación Solar, que se encuenta simbolizada por la Estrella Roja de la portada del álbum. La canción, como si de una suite se tratase, está dividida en siete partes: Obertura, la introducción al año 2112 que comienza con la letra "y los humildes heredarán la terra...", referencia a los pasajes de Libro de salmos 37:11 y San Mateo 5:5; Los Templos de Syrinx, que trata de los templos y los sacerdotes que los habitan; Decubrimiento, que relata el decubrimiento por parte de un hombre de un antiguo artilugio que en realidad es una guitarra; Presentación; que relata como presenta este antiguo artilugio a los sacerdotes y éstos destrozan la guitarra considerando que no es necesario ese camino, el de la música; Oráculo, donde el hombre vuelve a la cueva de la que salió y durmiendo sueña con que el Oráculo o raza mayor lo lleva de vuelta a su mundo, lejos de los lazos implacables de la Federación controlada por los sacerdotes; Soliloquio, el hombre ya no puede más y no quiere estar bajo el control de la Federación, y su única esperanza de evadirse de este control es la muerte. Cree que así se librará del control de los sacerdotes; y Gran Final, que deja paso al cierre del tema con un gran final instrumental. En defintiva: más de 20 minutos de puro éxtasis progresivo.

Abre la cara B A Passage To Bangkok, canción que habla sobre la marihuana, Como Lifeson afirmaría más tarde, es un pequeño y divertido viaje por todos los lugares del mundo donde se cultiva la mejor "hierba": Bogotá, Acapulco, Marruecos, Bangkok, Katmandú o Nepal. Para el título de la cancion Neal Peart se basó en la novela A Passage To India de E. M. Forster. The Twilight Zone, el baterista Neal Peart era un gran fan de la serie de televisión The Twilight Zone, y se basó en dos episodios de dicha serie para ecribir la canción, el episodio 28 de la temporada 2, que se desarrolla en un restaurante y que se centra en el tolerante contador de tres ojos, y el episodio 30 de la temporad 5, que trata sobre una pareja que se va de fiesta y se emborracha y al día siguiente despiertan en una casa vacía y al mirar hacia arriba ven a un niño gigante que les guiña ojo. Se han convertido en los juguetes del pequeño niño. Lessons, aunque Neal Peart es el responsable de la mayoría de las letras desde su llegada, esta es una de las únicas canciones escritas y compuestas únicamente por el guitarrista Lifeson. Turno para la romantica balada Tears, tema con el que la banda quería dotar al disco de más variedad y profundidad. Esta es la pimera canción donde el grupo incorporaráel sonido de un Mellotron. Cierra la cara B y por tanto el disco Something For Nothing, tema que explora las ideas de la libertad y el libre albedrío. Para escribir la letra Neal Peart se inspiró en unos grafitis que vió en una pared cuando se dirigía de camino a un concierto al Shrine Auditorium en Los Angeles. Dichos grafitis contenían frases como "Freedom ins't for free" (La libertad no es gratis), y decidió adaptarlo para la canción.

Al igual que en la suite de más de veinte minutos que abre el disco, los chicos de Rush decidieron no seguir las imposiciones de los Sacerdotes de la discográfica y gracias a su empeño y rebeldía nos regalaron esta joya de disco llamada 2112.

0315 Lilac Wine - Nina Simone

 

Lilac Wine, Nina Simone

     El 16 de septiembre de 1966 se publica el sexto álbum de estudio de la gran Nina Simone, bajo el título Wild Is The Wind. El disco es publicado por el sello Philips Records y consiste en una compilación de varias grabaciones que se habían realizado entre 1964 y 1965 para álbumes anteriores y que se habían quedado fuera. El disco fue producido por el compositor y arreglista estadounidense Hal Mooney. En el año 2020 la revista Rolling Stone la situó en el puesto número 12 de los "500 mejores álbumes de todos los tiempos de Rolling Stone", fue calificado como el quinto mejor álbum de la década por Pitchfork, y también fue incluido en los "101 álbumes de Robert Dimery que debes escuchar antes de morir".

Incluido en este álbum se encuentra la canción Lilac Wine, compuesta y escrita por el conocido compositor y escritor estadounidense de Broadway de los años 30 James Shelton en 1950. La letra nos cuenta la angustia de perder a un amante y tener como único consuelo el vino hecho de un árbol de lilas, centrándose en el felíz olvido que se logra al caer bajo los efectos del vino. La canción fue inspirada a partir de una situación que aparece en la novela de 1925 Sorrow in Sunlight, del novelista inglés Ronald Firbank, en la que el personaje principal, Miami Mouth, aparece en una fiesta ofreciendo "un vino ligero, lila, dulce y embriagador".

La canción, además de Nina Simone, también ha sido grabada por multitud de artistas, incluidos Eartha Kitt, Helen Merrill, Katie Melua, Jeff Buckley, Clare Maguire, Jeff Beck, John Legend, Miley Cyrus y The Cinematic Orchesta entre otros, pero la única versión que obtuvo un auténtico éxito fue la realizada por Elkie Brooks en 1978.

0314: Wild is the wind - Nina Simone

Wild Is the Wind fue escrita originalmente por Dimitri Tiomkin y Ned Washington para la película del mismo título, estrenada en 1957. La canción, grabada por Johnny Mathis para la película, se convirtió en single a finales de ese año, consiguiendo una nominación a la mejor canción original en los Oscars de 1958.

La versión de Nina Simone, que dio también título a su sexto álbum de estudio de 1966, ralentizaba la instrumentación y elevaba el nivel lírico y sentimental en una interpretación más intensa y conmovedora. La cantante estadounidense la interpretó en directo por primera vez en 1959, y aquella primera versión quedó registrada en el álbum en vivo Nina Simone at Town Hall, pero su interpretación más conocida acabó siendo la del disco Wild Is the Wind, incluido en los 1001 discos que debes escuchar antes de morir de Robert Dimery.

Wild Is The Wind fue también interpretada por David Bowie en su álbum de 1976 Station to Station, en una versión igualmente memorable e intensa. Bowie decidió grabarla tras un encuentro entre ambos músicos en 1975, y comentó que la versión de Nina Simone le había calado tan hondo, que decidió grabarla como homenaje a la genial intérprete y pianista.

La música en historias: Pornography - #MesTheCure

 

Pornography, The Cure

     The Cure en su primera etapa musical había desarrollado un estilo propio dentro de la corriente post-punk que imperaba por aquellos años, y gracias a su personal estilo fue considerado como grupo de culto dentro de la corriente dark wave (rock gótico). Durante esa primera mitad de los años 80 tanto la música como la actitud del grupo se había vuelto muy introspectiva, durante las actuaciones no solían atender a las peticiones e interpretar de su repertorio sus temas más antiguos y alegres. La situación llegaba hasta el punto de que Robert Smith tenía que abandonar los conciertos llorando debido a que se había metido tanto en el personaje que le tocaba interpretar que llegaba a afectarle.

En 1982 llegaría su punto más álgido, hasta el momento, con la publicación de Pornography, un disco que será considerado fundamental en la carrera de la banda. Pornography se convertirá en el último disco de la llamada Trilogía Gótica junto con sus dos anteriores discos: Seventeen Seconds (1980) y Faith (1981). Así, Robert Smith (voz, guitarra, chelo y teclados), Simon Gallup (bajo y teclados) y Laurence Tolhurst (batería y teclados), graban en los estudios RAK de Londres, entre enero y febrero de 1982 el material que verá la luz en Reino Unido bajo el sello discográfico Fiction Records, en Estados Unidos bajo el sello Elektra Records, y en el resto del mundo bajo el sello Polydor Records. El álbum cuenta con la producción del propio grupo y del compositor y productor discográfico británico Phil Thornalley. El encargado para el diseño de la carátula del álbum fue el fotógrafo Michael Kostiff , y el disco llegó a alcanzar el puesto número 8 en las listas de ventas del Reino Unido, así como buenas cifras en países como Países Bajos, Francia, Nueva Zelanda y Suecia. 

Para comprender Pornography hay que remontarse a finales del año 1981, pues por aquella época Robert Smith había sufrido una crisis personal, y la base del material de este disco fue concebido en aquella época. Justo antes de la publicación de Pornography, el grupo edito el sencillo Charlotte Sometimes, tema que únicamente alcanzó el puesto número 44 en las listas británicas. Para la grabación del video de este tema, el grupo se trasladó a un manicomio abandonado, donde al parecer, Robert Smith se encontró una calavera que usó para confesarse de manera análoga en plan soliloquio "ser o no ser" de Shakespeare, lo que a la postre inspiraría los versos del tema The Figuerehead. A partir de aquel momento Robert Smith empezó a sentir un gran interés por la salud mental, ya que aquel suceso le había servido para exorcizar sus demonios internos. Las relaciones con el resto de la banda habían empezado a deteriorarse y Robert Smith había empezado a monopolizar la faceta creativa de la banda. Todo esto sumado a la muerte por suicidio de Ian Curtis, líder de la banda Joy Division (que afectó prfundamente al vocalista), fueron el caldo de cultivo que dio como resultado Pornography.

Las letras de álbum nos hablan sobre la frustración, la muerte, la autodestrucción, la violencia, la moral, la fascinación por las drogas (los excesos con las drogas fueron una constante en aquella época) y el apocalipsis. Las letras, acompañadas por unos pesados y oscuros ritmos, nos trasladan a una atmósfera de auténtica desesperanza. Entramos en materia y nos encontramos abriendo la cara A y por tanto el disco One Hundred Years, donde unos tristes teclados y unas dolorosas guitarras con sus riffs, acompañan la oscura y duras letras de Robert Smith: "It doesn't matter if we all die / Ambition in the back of a black car / In a high building there is o much to do / Going home time / a story on the radio" - "No importa si todos morimos / Ambición en la parte trasera de un autobús negro / En un edificio alto hay tanto que hacer / Hora de irse a casa / Una historia en la radio". Demoledor comienzo y toda una declaración de intenciones sobre lo que nos espera en éste álbum. A Short Term Effect, donde las guitarras y la línea de bajo ayudan a recrear esa atmósfera para que el vocalista siga recreandose en la amargura y la oscuridad. The Hanging Garden, conocido también como A single, fue el único lanzado como sencillo del álbum. Publicado en 7 y 10 pulgadas, llegó a alcanzar el puesto numero 34 en las listas de sencillos del Reino Unido. Muy destacables los contínuos redobles de batería que hacen que el tema suene bastante menos oscuro y sea, en cuanto a sonido se refiere, el menos deprimente del disco . Cierra la cara A Siamese Twins, tema vuelve la oscuridad absoluta para hablarnos de un mundo apocalíptico donde prima la muerte. 

Abre la cara B The Figuerehead, donde el recitado de Shakespeare de "ser o no ser" inspiró unos versos donde Robert nos dibuja sobre un escenario frío y desolador un panorama de tristeza y desesperanza. A Strange Day, tema que sigue con es oscuridad que rodea el disco, con una batería y una línea de bajo casi hipnóticos mientras que el cantante nos lanza sus lamentos: "Move slowly through drowning waves / Going away on a strange day / My head falls back and the walls crash down" - "Muévete lentamente través de las olas que se ahogan / Irse en un día extraño / Mi cabeza cae hacia atrás y las paredes de derrumban". Cold, como su nombre bien indica, y gracias al chelo de Robert, es capaz de trasladarnos más aún si cabe a un ambiente y una atmósfera muy gélida y triste. Cierra la cara B, y por lo tanto este álbum impactante, Pornography, tema que da título al álbum, y que según va avanzando va creciendo hasta sumergirnos en esa oscura atmósfera en la que Robert Smith se encuentra atrapado. el comienzo de esta canción abre con una parte del debate que aconteció sobre el tema de la pornografía entre Germaine Greer, académica, escritora y locutora australiana considerada como una de las representantes feministas más importantes del siglo XX, y el comediante del conocido grupo Monty Python Graham Chapman. La canción, que trata sobre la pornografía, ya se encontraba escrita cuando el productor Phil Thornalley y Robert Smith se encontraron el debate por accidente, probaron a ensamblarlo en la canción, y sencillamente funcionó.

Pornography, como hemos comentado anteriormente, suponía el cierre de la llamada Trilogía Gótica, un álbum que realiza un recorrido a través de la oscuridad, la depresión y la desesperanza, y que se convirtió, por derecho propio, en imprescindible y fundamental para la evolución de la música gótica.

0313: Summer in the city - The Lovin' Spoonful

Summer in the City, grabada por The Lovin Spoonful para su álbum de 1966 Hums of the Lovin' Spoonful, alcanzó el número 1 en el Billboard Hot 100 y se mantuvo en lo más alto durante tres semanas consecutivas, y fue incluida en el puesto 401 dentro de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

Necesitado de canciones para completar el tercer disco de la banda, John Sebastian tomo prestado un esbozo de canción que su hermano pequeño Mark Sebastian había dejado sin terminar, y que databa de su período de adolescencia en la ruidosa ciudad de Nueva York. John Sebastian añadió varios versos, y completó la canción con efectos de sonido de tráfico, bocinas de automóviles y martillos neumáticos, para reflejar el ruido de las calles de la ciudad.

La letra describe una puesta de sol en el corazón de la urbe, ese momento en el que el calor veraniego empieza a dar una tregua y la efervescencia de la vida nocturna empieza a desplegarse por toda la ciudad. Salir, bailar, conocer chicas, y anhelar que los días fueran siempre noches bajo el cielo estrellado de la ciudad que nunca duerme. Pero el sol termina siempre por salir de nuevo, y con él vuelve del desagradable calor del verano y el ruido ensordecedor del tráfico. Y todo vuelve a empezar de nuevo, al ritmo de las manecillas del reloj y de este brillante tema de Lovin' Spoonful.

Grandes éxitos y tropiezos: INXS

Grandes éxitos y tropiezos: INXS

Quienes hemos vivido el rock de la década de los '80 seguro que tenemos algún disco de esta banda australiana formada por los hermanos Farris a fines de los '70, en Australia más específicamente en la ciudad de Sídney.

Pero no venimos a contar su historia, sino a comprar sus discos, a llevarnos una colección de esta banda que tiene tantos géneros como discos ha logrado editar, Pop rock, new wave, rock alternativo, dance rock y  funk rock. 

Así que si quieres llevarte algo de esta banda de nuestra tienda virtual de 7dias7notas, aquí van algunos de sus mejores discos de estudio y álbumes en vivo que tiene la banda. Pero como en toda discografía o carrera artística, nos podemos encontrar con al tropiezo. 

INXS tiene en su haber 12 álbumes de estudio editados, y si no eres muy fanático de la banda también tienes para elegir cerca de 10 álbumes compilados que te podrían interesar, donde tendrás más de uno de sus éxitos. 

Y dentro de esos éxitos de la banda no te puede faltar The Swing, su cuarto álbum de estudio, disco que INXS lanzará en mayo de 1984. Este álbum se convirtió en un éxito de ventas y sobre todo el tema 'Original Sin', una canción que sonó en todas las radios del mundo. Después de haber publicado este álbum a la banda se le abrieron las puertas para participar en el concierto Live Aid de 1985.

Otros de los álbumes que no deberían faltar son Listen Like Thieves y Kick, que son dos de los álbumes que se podría decir de demuestran la consagración del grupo.  En 1985 lanzaron el álbum Listen Like Thieves, cuyo sonido es un poco más roquero pero sin dejar de lado sus influencias new wave, uno de los éxitos fue la canción What You Need se colocó, en el Top 10 en los Estados Unidos, convirtiéndose en el éxito internacional que sería consolidado con su siguiente disco Kick, el cual se lanzaría en 1987. Y podemos hablar de muchos de sus éxitos que se encuentran en este álbum, como New sensation, Need You Tonight, una balada única como Never Tear Us Apart, o también mencionar  Mystify.   

Y si quieres tener un álbum en vivo con todos sus éxitos no te puede faltar el Live Baby Live, su primer álbum en directo. Contiene temas grabados en diferentes ciudades, y fue lanzado al mercado el 11 de noviembre de 1991. 

Pero lamentablemente la banda tubo un golpe muy duro con la muerte de Michael Hutchence, su líder y vocalista, en el año 1997. La banda a pesar de la muerte de Hutchence, continuó como grupo reclutando a vocalistas temporales, entre ellos Terence Trent D'Arby, Suze DeMarchi y Jimmy Barnes, pero no fue lo mismo, y ha editado un último álbum en 2005, Switch, su undécimo álbum de estudio con el cantante J. D. Fortune, pero ya no será lo mismo sin la voz inconfundible de su líder Michael Hutchence. 

Una banda que ha marcado muchos éxitos en la historia de la música, y aquí hemos dejado una muy buena selección de discos que te puedes llevar a casa. 

Daniel

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0312 The 59th Street Bridge Song - Simon & Garfunkel

0311 The 59th Street Bridge Song - Simon & Garfunkel 

"The 59th Street Bridge Song" es una canción del dúo británico de folk-rock Simon & Garfunkel, está canción fue escrita por Paul Simon e incluida en su álbum de 1966 Parsley, Sage, Rosemary and Thyme.

Paul Simon ya se había inspirado en historias asociando lugares y momento en sus canciones, con esta canción saca su nombre del puente de la calle 59, (conocido también como Ed Koch Queensboro Bridge) que es un puente de la ciudad de Nueva York que se completó en 1909.

En la versión de estudio participan los miembros del Dave Brubeck Quartet Joe Morello (batería) y Eugene Wright (contrabajo). En la película Monterey Pop de 1967 aparecen imágenes de Simon y Garfunkel interpretando la canción, En su gira de despedida, Simon se "penalizó" por interpretar erróneamente la letra de otra canción cantando este tema, que confiesa odiar.

Un problema legal que tuvo la banda fue cuando se descubrió que el tema del programa de televisión infantil estadounidense H.R. Pufnstuf, compuesto originalmente por Sid y Marty Krofft, imitaba estrechamente "The 59th Street Bridge Song" después de que Simon lo demandara; posteriormente se añadió su crédito de autoría al tema de H.R. Pufnstuf.

Se han hecho varias versiones de esta canción, una de ellas la versión popular de 1967 fue grabada por el grupo californiano Harpers Bizarre, alcanzando el número 13 en el Billboard Hot 100 y el número 4 en la lista Easy Listening Su versión fue arreglada por Leon Russell, que tocó el piano en el tema. Otros músicos fueron Glen Campbell, Carole Kaye y el baterista Jim Gordon; también contó con una sección coral armónica a cappella y un cuarteto de vientos con flauta, oboe, clarinete y fagot.

Daniel 

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0311.- Scarbourg Fair / Canticle - Simon and Garfunkel

 

'Scarborough Fair / Canticle' como bien se comprueba en el titulo se compone de dos canciones, la primera Scarborough Fair es una canción cuya melodía y letra aparecieron alrededor del año 1300, que fue escrita y cantada por bardos medievales en toda la campiña inglesa. Se desconoce quién fue el autor de la canción de la que tratamos, ni tampoco en qué momento exacto se compuso o interpretó por primera vez, pero la hipótesis más aceptada sitúa su aparición en torno al siglo XII. En aquella época, la ciudad de Scarborough, ubicada en la costa oriental inglesa y bañada por el Mar del Norte, era uno de los nodos comerciales más importantes de la isla. De hecho, su feria -que comenzaba cada 15 de agosto- se prolongaba durante 45 días, atrayendo comerciantes de toda Gran Bretaña e incluso de la Europa continental, en un momento en el que el intercambio comercial era más intenso de lo que popularmente se suele creer. Como ocurre con la mayoría de la música folclórica, a medida que pasaba el tiempo, se añadían más letras y versos. Pero aparte sobre esa melodía Simon & Garfunkel agregaron "Canticle", la canción se vuelve legendaria no solo en un nivel estético sino en un nivel de genio. ENTONCES, agregue las octavas de rango inferior de Andy Williams y obtendrá ... una clase magistral de armonía. “Scarborough Fair” se basa en una balada inglesa y es más o menos una canción de amor. "Canticle" que es una reelaboración de "The Side of a Hill", con una nueva melodía compuesta principalmente por Art Garfunkel, incluyendo una letra antibélica que Paul Simon hizo en 1963 Es bastante común que ambas canciones se combinen en una, pero técnicamente son dos canciones separadas. Paul Simon conoció esta canción cuando estaba de gira por Inglaterra, donde la escuchó en boca de un popular cantante de folk llamado Martin Carthy. Cuando Carthy escuchó la interpretación de Simon & Garfunkel, acusó a Simon de robar la forma en que la cantaba él. Esto creo una serie de conflictos en tre Carthy y Simon que no se solución hasta el año 2000, cuando Simon le pidió a Carthy que la cantara con él en un espectáculo en Londres. Carthy dejó a un lado sus diferencias e hizo el espectáculo y en cierto modp Paul admitia que Carthy tuvo que ver mucho en la canción.

 

En cuanto a la temática, un joven le habla al oyente y le solicita que, en caso de que se dirija a la feria de Scarborough, hable con su antigua amada -que vive allí-, y le diga que solo podrá recuperar su amor en caso de completar una serie de tareas imposibles (que le teja una camisa de batista -un tejido de lino- sin costuras o remiendos, que le consiga un acre de tierra entre el agua del mar y la tierra, que siegue la tierra con una hoz de cuero…). En cada una de las estrofas se repite un verso: “parsley, sage, rosemary and thyme” (en español, “perejil, salvia, romero y tomillo”). Aunque no está del todo claro a qué se debe esta enumeración de hierbas, posiblemente se refiera a una pócima popular por aquel entonces se creía que si la tomabas podrías lograr el enamoramiento de la persona deseada.

Faith - The Cure #mesTheCure

Faith - The Cure #mesTheCure

Luego del exitoso debut de la banda, nos vamos a parar en su tercer álbum de estudio Faith, el cual se lanzó el año 1981 y el cual está considerado uno de los álbumes de culto de la banda Británica.

Y es parte de una trilogía de álbumes que sacó The Cure entre los años 1980 y 1982.

Pero el trasfondo del álbum que lleva a tener esa estética y estilo tan gótico, con sus letras existencial y carácter depresivo, pone en manifiesto la situación vivida tanto por el vocalista de la banda Robert Smith con la muerte de su abuela, y el baterista Lol Tolhurst con la pérdida de su madre. Esta situación vivida por ambos miembros de la banda se verán reflejada en la composición de las canciones de la banda.

Y así lo noto la crítica especializada, quien destacó un poso de angustia adolescente que hacía que uno no pudiera tomarse aquello demasiado en serio..., pero sin embargo desde su lanzamiento en 1981, Faith ha ido ganando peso dentro de la discografía de The Cure, como uno de los más importantes de su carrera.

La promoción del disco se hizo en una gira de presentación del disco Faith que se dividió en dos fases, la primera de ellas The Primary Tour tan solo en UK y Europa, y el The Picture Tour su segunda etapa, donde se le añadieron Estados Unidos, Australia y Francia.

El exito de The Cure desde sus inicios se había convertido en imparable y eso lo demuestra en sus comienzos, y lo continúa en este si tercer disco de estudio, tanto que Faith es remasterizado en el año 2005 como parte de las series Deluxe de la discográfica Universal. La nueva edición, de dos CD incluyó una versión remasterizada del LP original, y la canción «Carnage Visors» en el primer CD, así como una colección de demos, canciones en vivo y el sencillo «Charlotte Sometimes», no incluido en ninguno de los álbumes de la banda. También existe una edición monodisco, que incluyó el álbum original remasterizado. 

Por ello The Cure es una de las bandas de rock gótico más emblemáticas de todos los tiempos.

Daniel 

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0310 Homeward Bound - Simon & Garfunkel

 

Homeward Bound, Simon & Garfunkel

     El 24 de octubre de 1966 aparece publicado el tercer álbum de estudio de Simon & Garfunkel, Parsley, Sage, Rosemary and Thyme, bajo el sello discográfico Columbia Records. El disco es grabado entre diciembre de 1965 y agosto de 1966 en el estudio, y consiste en su mayor parte en piezas acústicas que fueron escritas en su mayoría durante el periodo que Paul Simon había pasado en Inglaterra el año anterior.

El disco fue considerado por parte de la crítica como un gran avance en el proceso de grabación del dúo y uno de sus mejores trabajos. Algo que se vio reflejado en las listas de ventas, alcanzando el puesto número cuatro en el Billboard Pop Album Chart de Estados Unidos, consiguiendo además la certificación triple platino en dicho país merced a sus ventas.

Incluido en dicho álbum se encuentra la canción Homeward Bound, compuesta por Paul Simon y producida por el conocido productor estadunidense Bob Johnston. La canción fue lanzada como sencillo el 19 de enero de 1966, fue grabada durante las sesiones de su anterior álbum, Sounds of Silence, e incluida en en ese disco en el Reino Unido, siendo incluida posteriormente en Parsley, Sage, Rosemay and Thyme. 

En Estados Unidos el tema alcanzó el puesto número cinco en la lista Billboard Hot 100, permaneciendo en dichas listas durante doce semanas. También consiguió buenas cifras en países como Canadá, Países Bajos, Nueva Zelanda, Sudáfrica, Reino Unido y Australia. En cuanto a la temática del tema, Paul Simon escribió la canción mientras vivía en Inglaterra, concretamente en Brentwood, Essex. Ideó la canción en la estación de tren mientras esperaba el tren de regreso a casa después de haber estado en Wigan, donde tocaba habitualmente. La canción tiene un doble significado, pues además de hablar literalmente de querer un ticket de regreso a su casa por entonces en Brentwood, también hablaba del anhelo del artista por regresar a su hogar en Estados Unidos.

0309.- Here, there and everywhere - The Beatles

 

La última canción que repasamos del disco Revolver es una balada perfecta, hasta tal punto que John Lennon declararía que era la “única” canción compuesta por Paul McCartney que le parecía buena. Cuenta la historia de la canción que Paul fue a casa de John Lennon y mientras esperaba a que se levantara, al lado de la piscina empezó a trabajar en la canción, “Me senté al lado de la piscina con mi guitarra y empecé a tocar, poco después ya tenía algunos acordes. Para cuando Lennon se había despertado ya tenía casi terminada la canción, entonces entré y la terminé... “ Se inspiró, al menos en parte, en la canción de The Beach Boys, God Only Knows". A McCartney se le preguntó en 1990 sobre la influencia de The Beach Boys en esta canción, Paul comento con respecto al asunto: "En realidad, es solo la introducción la que está influenciada. John y yo solíamos estar interesados ​​en lo que los escritores anticuados solían llamar el verso, que hoy en día llamaríamos la introducción: todo este preámbulo de una canción, y quería tener uno de esos en la entrada.' John y yo estábamos muy interesados ​​en las canciones antiguas que solían tenerlas, estábamos haciendo armonías, y la inspiración para eso fueron los Beach Boys”. Las armonías estaban compuestas por Paul, John y George y fueron arregladas por George Martin, más tarde explicaría…. “Las armonías en esta canción son muy simples, solo tríadas básicas que los chicos tarareaban desde atrás, algo fácil de hacer, no hay nada extraordinario, no hay contrapunto, solo armonías, muy fácil pero muy eficaz, teníamos claro que las teníamos que meter durante la introducción.

El tema es muy reconocido por su tonalidad agridulce, por las armonías antes mencionados y por su sencillo y simple arreglo, la ayuda el hecho de que contiene una melodía muy dulce que junto a la interpretación la hacen una pequeña obra maestra. Fue McCartney, que siempre ha dicho que es uno de sus temas preferidos, quien mencionó en la serie de radio de 1989, McCartney On McCartney, que el comienzo de la canción con los coros de "ooh-aah" en el fondo, estaba planeado para tener un sonido como el de los Beach Boys. Here, There and Everywhere presenta uno de los rangos vocales más altos de McCartney, ya que, si bien la canción fue escrita con Jane Asher en mente, McCartney encontró inspiración para su voz en una fuente menos probable… “cuando la canté en el estudio, recuerdo haber pensado, la cantaré como Marianne Faithfull; algo que nadie sabría jamás ... Así que esa era una vocecita, utilicé una voz casi en falsete” En muchas ocasiones McCartney ha descrito esta canción como su favorita de todas las canciones de los Beatles, no es de extrañar, ya que es el tema musical más versionado del cuarteto después de “Yesterday”