domingo, 6 de junio de 2021

La música en historias: Loco por incordiar #MesRosendo




Loco por incordiar fue el primer trabajo en solitario de Rosendo Mercado, después de una exitosa carrera tanto de crítica como de público con Leño, decidió dar un paso al frente e iniciar una carrera en solitario que ha durado hasta que en diciembre de 2018, al cumplir 65 años tomo la decisión de dejar su carrera musical. D. Rosendo Mercado Ruiz dejó Ñu porque J.C. Molina decía que la música que componía era un Leño, y tito Rosen, ofendido por ello, en 1978 creó una banda llamada así, Leño, y que supuso una piedra angular de todo el rock español, estuvo marcada por un estilo de música que hasta ahora era muy minoritaria y que puso en solfa el estilo rock urbano arrastrando a gente de todo tipo, con tan solo tres discos de estudio supieron darle una calidad a ese estilo de música minoritario.  El día que nos enteramos que los Leño se separaban, a muchos nos parecía que se acababa el mundo, que llegaban las tinieblas al rock español. Pero no. Año y medio más tarde, ROSENDO hacia su aparición con un álbum donde dejaba claras sus intenciones desde el mismo titulo del mismo: LOCO POR INCORDIAR. Acompañaron a Rosendo para la grabación del álbum, que se hizo en tres estudios en Colonia, Bruselas y Bochum, Sergio Castillo a la batería, Tato Gómez al Bajo, Andreas Schmidgen a los Teclados y Carlos Narea con la percusión y coros, quien también realizó la producción para RCA. Corría el año 1985, quien suscribe tenía 13 años y un vinilo no dejó de sonar en su infancia cuando en nuestra casa de campo los hermanos de mi Vallecano favorito, Vito, lo ponían a todo tronar, hoy en día, cada vez que lo pincho dejo que se me caiga una lagrimilla de ilusión por esta música que tanto amé cuando empezaba a ser un adolescente, el Rock, y si hay alguien que representa sus valores ese es Rosendo Mercado, porque Rosendo Mercado es el ROCK.


El maestro te bloquea en el primer sonido de la primera canción y es que “Agradecido” empieza con un sonido de sintetizador y hasta que no pasan unos segundos, todos aquellos que seguían la carrera de Leño se quedan locos… ¿Qué es esto? Pero tranquilos, es solo un guiño, ha vuelto a sus inicios con cuatro guitarrazos de esa Fender inseparable de Rosendo, batería y ¡caña!, rock and roll en estado puro y lo que tienes delante es una pieza fundamental del rock español, fundamentalísima, es la base, es la punta de lanza. Y ese estribillo al final lo hemos cantado de todas las maneras posibles, convirtiéndose en una de las frases más populares de todo el rock en Español y asistimos al nacimiento de un nuevo héroe. Agradecido es, quizá, la canción más versionada del rock español. Una de las básicas de Rosendo y por supuesto una de mis preferidas del disco. “Corazón” sigue con la cañita rockanrolera, es imposible no recordar a Rory pero al estilo carabanchelero, a su manera, con su chuleria; Con “Y dale!”, nos enseña que además de rock también sabe mezclar otros ritmillos, y encontramos un poquito de funk, matices de reggae que más adelante iba a desarrollar de forma más clara, no todo van a ser rasgar guitarras, esta abierto a nuevas sensaciones en esta nueva etapa y no las va a dejar escapar. Con “Callejones” parece que llega el momento de pausa con ese comienzo melancólico, esa guitarra que tiene eco de romanticismo, pero no, estamos ante otra obra de rock urbano puro, de denuncia y de realidad por partes iguales que seguro ha pasado muy desaparecida para muchos fans, pero que en cuanto te sumerges en ella te encuentras un temazo, con una letra brillante. 

Y todos en pie porque Rosendo es Rosendo y él ha venido aquí “Loco por incordiar”, a su manera, de una forma que nos encanta, un tema que barrió en Tocata y sobre todo en las emisoras de radio que sirvió, además de para crear otro himno carabanchalero, para darle el empujón definitivo y poner en órbita su sonido, la canción termino cantada por miles de personas en miles de noches de fiesta, y sin cambiar un ápice lo que era para él la música, un tema rápido y cañero, que te deja extasiado, aunque con ganas de más, y él, tenlo claro. “Me gusta asi” tranquiliza el ritmo frenético que llevamos, y es que además se marca un tema de reivindicación absoluta, simplemente le sale del corazón y nos lo muestra tal cual. Y tras la calma la tormenta (es al revés, pero Rosendo hace lo que le sale del higo, tenlo claro) y nos da otro himno, otro clásico imperecedero “Pan de higo” es otro de los temas que no hemos dejado de cantar en ningún momento, increíble lo de este tipo, un disco de poco más de media hora y tenemos tres himnos imperecederos del rock español, y es que esta es otra de las que atronaron en las emisoras de radio y en esos programas de RTVE que cuidaba de la música como nunca más se ha hecho por méritos propios. Pan de higo no se si habremos comido mucho aquellos que estáis leyendo esto, pero sin duda hemos crecido y nos hemos hecho grande con ese alimento, y no precisamente entrando en nuestra boca, sino saliendo de forma desgarrada y festiva. 

Con “Cruxificacion” el maestro se nos pone Heavy, es quizás la canción mas fuerte y loca del disco, por momentos no parece firmada por él mismo, pero es detenerte en su letra y te das cuenta que indudablemente tiene su sello. Cerramos el álbum con “Buenas noches” que es una forma de despedir su primera obra en solitario con buenos deseos… la personalidad de Rosendo es tal que después de hacer himnos para el rock Español, se despide de forma suave con una especie de balada instrumental…. Genio y figura, no lo dudéis, este ha sido solo el primer paso en su discografía y ya estamos extasiados, pero no colmados, nos quedan muchas emociones que compartir en el #MesRosendo.

sábado, 5 de junio de 2021

0156: Not Fade Away - The Rolling Stones


La versión que los Rolling Stones hicieron de este tema de Buddy Holly en 1964 tiene, como seña de identidad y de diferenciación respecto a otras versiones anteriores, un marcado ritmo al más puro estilo de los temas de Bo Diddley, y se convirtió al instante en uno de los primeros éxitos de la banda de Jagger y Richards, especialmente en el Reino Unido.

El sencillo, grabado en Decca Records, salió con una cara B distinta en las ediciones británica (Little by little) y estadounidense (I wanna be your man, el tema que la entente Lennon-McCartney les cedió). Pese al buen resultado comercial del tema en las islas, Not Fade Away no fue finalmente incluida en la versión británica del álbum de debut, titulado simplemente The Rolling Stones. Por el contrario, sí que se destinó a la versión estadounidense, siendo además el tema que abría el disco.

Los Rolling Stones volverían a ella habitualmente en directo, tanto durante los primeros años como en la gira Voodoo Lounge (1994-95), y también la incluyeron en Stripped, su disco "pseudo-unplugged" de la misma gira en 1995. Un tema que siempre les ha gustado utilizar como canción de apertura de sus shows, quizá porque, como reza su título, "no envejece".

La música en historias: La canción incompleta, tributo a Janis Joplin

 

Pearl, Janis Joplin


     Comienzos de 1970, Janis Joplin parece haberse desenganchado de las drogas, aunque no del alcohol, y vive en sus casa con David Niehouse, con quien tiene una relación. Parece que la vida le sonrie en lo personal. Albert Grossman, mánager de Janis, le propone una nueva banda, la Full Tit Boogie Band, en el mismo momento que su pareja, Niehouse le pide que se marchen juntos a viajar por el mundo. Janis escoge quedarse con su música y su audiencia y acepta la  proposición de Grossman. Una vez formada la banda, Janis encaja muy bien con ésta, hay feeling entre ella y la banda.

En verano de 1970 conoce en una fiesta de los Hell's Angels en San Francisco a Seth Morgan, y se enamora de él. En septiembre de 1970 Janis se traslada a Los Ángeles para grabar su nuevo dico, Pearl. El 3 de octubre había sido un buen día en el estudio y Janis decide salir de copas con sus compañeros de banda para elebrarlo, sería la última noche que Janis fuera vista con vida. El 4 de octubre de 1970 fallecía a causa de una sobredosis de heroína. El hecho fue una sorpresa, pues aunque seguía consumiendo alcohol, nadie, o casi nadie, pensaba que consumiera drogas en aquel momento. Como homenaje póstumo, se lanza Pearl,el último álbum que estaba grabando bajo el sello discográfico Columbia Records, incluyendo el tema Mercedes Benz a capella, que fue el último tema que grabó en el estudio en vida. Y también se incluye la canción instrumental Buried Alive in the Blues, un tema que realmente estaba incompleto, pues faltaba la voz de Janis, ya que no le dió tiempo.

Las circunstancias de la muerte de Janis fueron muy confusas, y se manejaron varias hipótesis. Al parecer, el 3 de octubre de 1970 Janis Joplin visita el estudio de grabación Sunset Sound Records de Los Ángeles, para escuchar la parte instrumental del tema en el que estaban trabajando ella y la banda, Buried Alive in the Blues, ya que al día siguiente tenía programada la grabación de la parte vocal, y Janis había mostrado su contento con los resultados. Pero al parecer durante aquel día se produce un hecho que disgusta a la cantante, recibe una llamada telefónica en la que le informan de que su novio, Seth Morgan, se encuentra en casa jugando al billar con otras mujeres. El hecho no pasa despercibido en el estudio pues Janis muestra allí su enfado por aquella noticia. No obstante, esa noche decide salir con sus compañeros a celebrar los buenos avances de la grabación del disco y se marchan del estudio al bar Barney's Beanery. Pasada la medianoche, y tras dejar a sus compañeros, Janis se retira la habitación que tiene en el Landmark Motor Hotel. Sería la última vez que se la viera con vida.

El tema Buried Alive in the Blues, a pesar de no tener las voces de Janis grabadas, decide incluirse tal cual como tributo a la figura de la artista en el disco Pearl. El tema había sido compusto por Nick Gravenites, quien también había escrito en 1969 para Janis los temas As Good As You've Been to This World y Work Me, Lord. Pearl es publicado el 11 de enro de 1971, alcanzando el puesto número 1 en la lista Billboard 200, manteniendo ese puesto durante nueve semanas seguidas. También fue considerado po la crítica como el mejor álbum hecho por la cantante como solista.

viernes, 4 de junio de 2021

0155: Hello, Dolly! - Louis Armstrong


"Hello, Dolly!" fue compuesta por Jerry Herman en 1964, alcanzando ese mismo año la fama y el número 1 del Billboard Hot 100 de la mano de la interpretación de Louis Armstrong, cosechando además los premios Grammy a la mejor interpretación vocal y a la mejor canción del año. Este tema fue el mayor éxito en single de toda la carrera de Armstrong, convirtiéndose en la flor más preciada del jardín musical del cantante y trompetista, intérprete de temas como What a wonderful world o When the Saints go marchin' in.

Una bella flor que, sin embargo, no se libró de la polémica por las acusaciones de plagio que alegaban que, anteriormente, había sido un "girasol". El también compositor Mack David demandó a Jerry Herman por los derechos de autor de la canción, alegando que los primeros compases de Hello, Dolly! eran iguales que el estribillo de su canción de 1948 "Sunflower" ("Girasol"). Aunque Herman defendió hasta el final que nunca había escuchado esa canción con anterioridad a la composición de Hello, Dolly!, aceptó llegar a un acuerdo para evitarse todo el ruido mediático que habría supuesto un juicio, y no perjudicar así el devenir comercial de la canción.

Disco de la semana 228: Love travels at illegal speeds - Graham Coxon

 


No debe ser fácil abandonar la seguridad de un grupo de éxito para lanzarse a vivir la aventura de una carrera en solitario. No si, además, estás dejando atrás a compañeros a los que conocías desde el colegio. Y a pesar de esas dificultades, a veces uno tiene que hacer lo que le dicta el corazón, desobedeciendo a lo que para otros sería lo que dictaría la cabeza. Eso es lo que hizo Graham Coxon, guitarrista de Blur, que cansado del rumbo que su amigo de la adolescencia Damon Albarn imprimía a la nave nodriza tras superar los efímeros mares del brit-pop, decidió lanzarse al agua y nadar hacia las orillas del punk rock desenfadado y sin pretensiones.

Alcanzar las cotas de popularidad a las que llegaron los autores de "Parklife" o "The Great Escape" era una empresa imposible, pero eso no significa que el bueno de Graham Coxon, con su aspecto desaliñado y sus gafas de pasta, y su particular e inconfundible estilo con la guitarra eléctrica, no haya entregado un buen puñado de discos destacables, incluyendo la banda sonora de las dos entregas de la serie "The end of the f***ing world"  y Love travels at illegal speeds (2006), su sexto álbum en solitario y disco de la semana 228 en 7días7notas.

"El amor viaja a velocidades ilegales", como lo hacen las canciones de este disco desenfadado y urgente, en el que la guitarra punk rock de Coxon ocupa un lugar predominante, y en el que además su protagonista da rienda suelta a su faceta compositiva en solitario, con un buen puñado de canciones eléctricas y divertidas, plagadas de letras sobre relaciones de pareja que no siempre acaban bien (Standing on my own again) o fugaces encuentros en los garitos de la noche londinense, oscuros laberintos en los que el deseo puede hacer que caigas en las garras de peligrosas vampiresas (I can't look at your skin) o liberadas novias infieles (Don't let your man know).

Tras un breve receso (Just a state of mind es una de las pocas canciones que nos recuerdan su pasado en Blur), la jovialidad y el descaro a la hora de contar experiencias de pareja continúa en la pegadiza You and I, y en el acelerado ritmo de Gimme some love. El eterno adolescente de las gafas de pasta y los arrebatos guitarrísticos hace su aparición en I don't wanna go out, en la que clama a los cuatro vientos que no sabe si entrar, salir, ir de frente o darse la vuelta. Una sensación que todos hemos tenido alguna vez en la adolescencia, y que quizá él tuvo en el difícil momento de lanzarse al vacío, pero canciones como Don't believe anything I say o Tell it like it is son lo suficientemente brillantes como para asegurarle una red de seguridad que aguante cualquier caída.

Flights to the sea marca un nuevo momento de transición y calma, antes de adentrarse de nuevo en terrenos cercanos a los Blur más fiesteros (What's he got), antes de remontar el vuelo con la garajera You always let me down, y cerrar el disco con la sinuosa rítmica de See a better day. Con canciones y discos así, para Graham Coxon sin duda los días mejores habían llegado de nuevo, después de un largo viaje para empezar de nuevo, en el que por momentos alcanzaría las "velocidades ilegales" que proclamaba este disco.

jueves, 3 de junio de 2021

0154: Rock Me Baby - B.B. King

 

Rock Me Baby, BB King



     En mayo de 1964 BB King publica bajo el sello discográfico Kent Records el tema Rock Me Baby. El tema es acompañado en la cara B del sencillo por I Can't Lose. El tema se convierte en el primero de BB King en alcanzar el Top 40 en la famosa lista de la revista Billboard Hot 100.

Rock Me Baby fue escrito por BB King y por Joe Josea, que en realidad era el pseudónimo de Joseph Bihari, quien junto a tres hermanos más fundó Modern Records, y subsidiarias de ésta como Meteor Records. Estos hermanos junto con sus sellos, se convirtieron en piezas clave para la evolución del Rhythm & Blues en Rock & Roll. Para la composición del tema se basaron en la canción Rockin' and Rollin', compuesta por el guitarrista y cantante de blues Lil 'Son Jackson, tema donde Jackson cantaba acompañado únicamente de su guitarra.

En enero de 1962, BB King ya había fichado por el sello discográfico ABC-Paramount Records, pero su anterior sello, Kent Records, siguió publicando temas grabados por King. Se estima que los temas que Kent lanzó, entre los que se encuentra Rock Me Baby, fueron grabados entre 1958 y 1962. 

Tanto la grabación de este tema por parte de BB King, como la efectuada por Muddy Waters, ayudaron a convertir Rock Me Baby en un clásico y estándar de blues.

miércoles, 2 de junio de 2021

0153: Fun, fun, fun - The Beach Boys

Fun, fun, fun - The Beach Boys

Detrás de esta canción de The Beach Boys hay una historia real, que dio la idea para una canción a Brian Wilson y Mike Love, la historia trata de lo que le sucedió un día a la hija del dueño de una emisora de radio, donde la banda The Beach Boys realizaría una entrevista.

La banda escucho la historia de la adolescente cuando estuvo en la radio, esta adolescente le pidió el coche de su familia porque tenía que ir a estudiar a la biblioteca. Pero la chica se marchó a un restaurante de comida rápida para irse de fiesta con sus amigos.


Su padre, al saber lo que había hecho su hija, su padre se lo recriminó en público en la radio. En ese momento The Beach Boys visitaban la emisora para dar una entrevista y promocionar sus canciones. Al escuchar esta historia, y fue cuando Wilson y Love decidieron escribir la canción.

Sin embargo, el padre de los hermanos Wilson, y productor de sus primeras grabaciones, intentó evitar que grabasen la canción asegurando que no sería un éxito por su contenido inmoral. Aun así, la banda acabó grabando Fun, Fun, Fun en enero de 1964. La canción cuenta con Mike Love como vocalista principal.

Tras el éxito de esta canción la banda decidió decirle al padre de los hermanos Wilson que dejaría de ser su productor y manager, Fun, Fun, Fun marcaran un antes y después para la banda. 

Daniel
Instagram Storyboy

La música en historias: Presentación #MesRosendo

 

Rosendo


     Acabado el mes de mayo, abandonamos definitivamente el color púrpura, un color que nos ha acompañado durante dos meses, primero con Prince y luego con Deep Purple, y regresamos a casa, concretamente a Madrid, de donde es el artista al que vamos a dedicar el mes de junio, considerado como uno de los mejores, si no el mejor representante del rock español, que abrió brecha y marcó el camino a seguir a tantos y tantos artistas y grupos de rock del país. No podía ser otro que el Maestro de Carabanchel, Rosendo.

Rosendo nace en 1954 en el municipio de Bolaños de Calatrava, Ciudad Real, y se cria primero en el madrileño barrio de Lavapiés y posteriormente en el de carabanchel, barrio en en el que vive desde entonces. A los 18 años, en 1972, abandona los estudios que está cursando en la Escuela Superior de Ingenieria (ICAI) de la Universidad Pontificia de Comillas, para dedicarse a la música, su gran pasión, y se enrola en el grupo Fresa como guitarrista. Fresa, con diversos cambios posteriores y la incorporación como cantante de José Carlos Molina, acaba derivando en el grupo llamado Ñu. Además de sus marcadas influencias de artistas como Jethro Tull, Canned Heat, Cream, Deep Purple o Black Sabbath entre otros, hay uno que le marcará defintivamente y se convertirá en su mayor influencia, el guitarrista irlandés Rory Gallagher, al que descubre allá por el año 1974. 

En 1977, tras desavenencias con José Carlos Molina, abandona Ñu y forma Leño. Leño, tras tres discos de estudio y uno en directo editados, se separa en 1983, habiéndose convertido en apenas 6 años en uno de los grupos más influyentes del rock español y del movimiento del rock urbano. En 1985, Rosendo iniciaba su carrera en solitario, la cual, tras 16 álbumes en solitario y 9 en directo publicados, le convierten como hemos comentado anteriormente, por derecho propio, en estandarte y santo y seña del rock español, influenciando a infinidad de artistas del rock patrio. Dada la importancia del Rosendo por toda su obra tanto en Leño como en solitario, y por lo que ha significado para la evolución del rock español, en 7dias7notas vamos rendir tributo al Maestro y a dedicar todo este mes en desgranar parte de su obra en solitario.

Siempre que intento explicar lo que Rosendo significa para mí, me viene a la cabeza la canción Si la tocas otra vez, que el grupo Platero y Tú dedicó al Maestro, y que está incluida en su álbum Hay poco rock & roll (1994), y que define muy bien lo que Rosendo significa y ha significado para mí y para otros tantos y tantos aficionados y apasionados por la música:

Fuiste tú
Rock n' roll callejero bebiendo blues
Para mí
El primero en decir lo que yo sentí
Es igual
Ahora he dado la vuelta y puedo cantar
Y explicar
Que tu vieja guitarra me hace soñar
Y tú
Tú puedes seguir así
Y debes ser siempre así
Dónde estás
Es difícil seguir sin mirar atrás
Y he pensado
Que aunque nada es igual nada ha cambiado
Sigue así
Con un micro debajo de tu nariz
Es igual
Ahora he dado la vuelta y puedo cantar
Y tú
Tú puedes seguir así
Y debes ser siempre así
Si la tocas otra vez
Te prometo que esta noche yo
Nunca la olvidaré
Si la tocas otra vez
Me calientas la cabeza
Y no puedo parar
Si la tocas otra vez
Te prometo que esta noche yo
Nunca la olvidaré
Si la tocas otra vez
Me calientas la cabeza
Y no puedo parar los pies
El tren ya no pasa
Y tú sigues ahí
Bebiendo y fumando en ese Madrid
Nunca cambiaste tu manera de vivir
Me contaste tu vida
¡que más puedo yo pedirte a tí!
Si la tocas otra vez
Te prometo que esta noche yo
Nunca la olvidaré
Si la tocas otra vez
Me calientas la cabeza
Y no puedo parar
Si la tocas otra vez
Te prometo que esta noche yo
Nunca la olvidaré
Si la tocas otra vez
Me calientas la cabeza
Y no puedo parar los pies
Si la tocas otra vez
Te prometo que esta noche yo
Nunca la olvidaré
Si la tocas otra vez
Me calientas la cabeza y no puedo
¡¡¡no puedo!!!

Aunque en 2018 Rosendo decide retirarse de los escenarios, su compromiso por el personal y la música cuando se le ha necesitado es innegable, no en vano, cuando empezó a golpearnos duramente esta maldita pandemia, el Maestro decidió arrimar el hombro y abrió un canal en Youtube bajo el nombre Rosendo Mercado 2.0. La finalidad del mismo según el propio Rosendo era, al igual que otros tantos compañeros de profesión, mandar fuerza y ánimo en forma de regalo musical y aportar su granito de arena para ayudar a sobrellevar de la mejor manera posible tantos y tantos días de aislamiento que hemos sufrido. Una canal en el que podemos disfrutar de diverso material inédito, en forma de vídeos de conciertos, ensayos y entrevistas que hasta ahora no habían visto la luz. Así que poneros cómodos porque empieza el mes dedicado al Maestro.

martes, 1 de junio de 2021

0152: Don´t worry baby, The beach boys




Para los seguidores de The beach boys y fanaticos de Brian Wilson, Don't worry baby es una de las cumbres del grupo en su primera etapa, antes de publicar su obra maestra Pet Sounds. La cancion surgio como una continuación del éxito de las Ronettes "Be My Baby" Brian Wilson cuando escuchó la canción de las Ronettes en la radio, se preguntó en voz alta si podría conseguir llegar a esa perfección, su esposa Marilyn lo tranquilizó diciéndole: "No te preocupes, cariño". Wilson lo recordó cuando llegó el momento de escribir y decidió dar el titulo a la canción esa frase expresada desde el cariño creando una hermosa balada que expresa los propios miedos internos sobre sus propias deficiencias como persona, y cómo a través del tierno cuidado y el amor se encuentra la determinación de continuar, destaca sin duda por la dulce voz de Brian (aquí todavía la conservaba) apoyada en los espléndidos coros del grupo, la instrumentación se mantiene simple pero resulta perfecta: líneas de piano palpitantes, percusión insistente y notas de guitarra punteadas silenciosamente que crean una tensión necesaria debajo de las armonías Con este sencillo, The Beach Boys se afirmaron como un grupo con posibilidades de competir contra la invasión británica que se estaba viniendo encima.


Hay que disfrutar cada acorde de la canción, la sofisticación que infunde todos los ángulos de "Don't Worry Baby" lo convierte en uno de los grandes logros de los Beach Boys. También ha inspirado una amplia variedad de interpretaciones, la mejor de las cuales es la versión con inflexión country de BJ Thomas y la portada de Bryan Ferry con el surf rock y Bacharach en These Foolish Things. Sin embargo, la grabación de los Beach Boys "Don't Worry Baby" sigue siendo la versión elegida por muchos oyentes porque captura las emociones que se desvanecen dentro del corazón de cada adolescente de una manera que pocas canciones lo han hecho.


 

Un país, un artista: Malta - Abysmal Torment

 

Abysmal Torment


     Abysmal Torment es un banda de death metal de Malta, y fue fundada en el año 2000 por Nick Farrugia. El grupo actualmente está compuesto por Nick Farrugia (voz), Melchio Borg (voz), David Depasquale (guitarra), Max Vasallo (batería) y Claudio Toscano (bajo).

Los orígenes de la banda se remontan al año 2000, cuando surge como una banda de death metal extremo, bajo el nombre de Molested. El grupo se caracteriza por hacer una música tocada a gran velocidad, con multitud de riffs técnicos y por el dúo de voces guturales de sus dos vocalistas. En cuanto a la temática de los temas del grupo, estos se caracterizan por la opacidad y oscuridad de sus mensajes, que a menudo incluyen temas de muerte y sangre. 

El primer concierto de cierta entidad que la banda realiza es en el años 2002, pero no será hasta el año 2004 cuando consigan grabar su primer material de estudio, concretamente un EP autoeditado por la propia banda llamado Incised Wound Suicide. Dicho álbum consigue críticas bastante positivas, lo que le le vale para firmar un contrato de tres años con el sello Underground Brutal Bands de los Estados Unidos. Lo primero que hace dicho sello es reeditar Incised Wound Suicide y relanzarlo al mercado ese mismo año.

En febrero de 2006, la banda publica con Brutal Bands su primer disco de larga duración, Epoch of Methodic Carnage. El lugar elegido para grabar son los Temple Studios de Malta, lugar donde ya habían grabado su primer EP. El disco fue distribuido por los principales sellos discográficos por Europa, Estados Unidos y el resto del mundo. Parecía que las cosas iban sobre ruedas para el grupo, pero en el año 2006 sufren un importante revés al ver como tienen que cancelar por completo la gira americana que tienen contratada, además de varios festivales de importante entidad. A mediados de 2007 el grupo conseguirá revertir la situación al conseguir tocar en un importante festival en Italia, y posteriormente tocar en 23 fechas más por Europa, encabezando importantes festivales como Ludwigshafen Deathfest o el Slovak Deathfest

El grupo sigue asentándose como una importante banda dentro de la escena del death metal y graba su siguiente disco de larga duración, Omnicide. El disco es publicado y lanzado bajo el sello Brutal Bands en 2009, y vuelven a embarcarse en una gira que les llevará por varios países europeos, incluidos varios de los mejores festivales de la escena del death metal de Alemania y Suiza.

En 2014 la banda publica bajo el sello discográfico Willowtip Records su tercer álbum de estudio de larga duración, Cultivate the Apostate. Seguidamente a la publicación del disco la banda, como es habitual se embarca en numerosas giras y conciertos por Europa, batiéndose el cobre en numerosos festivales y asentándose dentro del género. En 2018 la banda repite con el sello discográfico Willowtip y publica su siguiente trabajo y último hasta la fecha, The Misanthrope. Con este disco la banda da un giro de tuerca a su estilo y decide endurecer su sonido utilizando guitarras de ocho cuerdas, lo que da más dureza y profundidad a su sonido.

Abysmal Torment ha jugado un importantísimo papel para el establecimiento y difusión del death metal en su país de orígen Malta, y es, en definitiva, una interesante banda que no debes perder de vista si te gusta este género musical.

lunes, 31 de mayo de 2021

0151: Flamenco - Los brincos

 


Los brincos es el primer grupo español que aparece en nuestro repaso de las mejores canciones de la historia, si bien es cierto que anteriormente el panorama musical español tenía sus estrellas, la mayoría estaban enmarcadas dentro del estilo de la copla, ahí podemos encontrar nombres tan grandes como Juanito Valderrama, Pepe Pinto, Juanita Reina o Antonio Molina, pero aunque es un estilo musical que no dejamos de admirar, lo cierto es que no tenemos la suficiente capacidad de analizar esos temas y consideramos que se salen un poco del ámbito de este blog, que cimenta sus bases en el rock. Este es quizás el principal motivo por el que hayamos tenido que esperar a reseñar 150 temas para que demos paso al producto nacional encarnados en la banda madrileña.

Los Brincos nacen de la necesidad de crear un grupo musical en España que pueda representar todos los movimientos musicales que estaban sacudiendo la escena tanto en Inglaterra, como en Estados Unidos, no vamos a negar que antes de su aparición hubo otros que intentaron tomar esa bandera, ahí tenemos a Los Estudiantes, Los pantalones azules o Los pájaros locos, pero su importancia dentro del panorama musical nacional se limitaba pequeños grupos de jóvenes que estaban tratando de descubrir que era esto del rock. El paso de poner el rock en boca de todos a nivel nacional lo dio Los brincos, que para ello contaron con un fuerte apoyo mediático y fueron lanzados como un producto Beat pero con el típico toque Español representado en las letras de sus canciones, el uso de capas, la guitarra española o zapatos con cascabeles, elementos muy alejados de la estampa del rockero que se veía por el resto del mundo anglosajón principalmente. El grupo se crea tras la disolución de los Los estudiantes, anteriormente mencionados, y el cuarteto estaba integrado por Fernardo Arbex (batería y ex componente de Los estudiantes) Juan Pardo y Junior (ocasionalmente habían formado parte de Los Pekenikes) y Manuel Gonzalez (bajo de The blue shadows). El grupo había tenido sus publicaciones en formato single y en 1964 decidieron dar el salto al LP, agrupando todas aquellas canciones en un larga duración. Su carta de presentación seria “Flamenco” y se convirtió en la canción que marcaría su carrera y su estilo. El tema era una especie de pop beat de influencia británica, pero con mucha personalidad española y cuenta con uno de los comienzos más recordados de nuestra música, con una guitarra y batería que se citan en duelo con la música, para dejar paso a los juegos vocales, que sería una de las señas del grupo, y una letra, muy juvenil y atrevida, aunque también con un punto de chulería que para la época era algo inaudito y una forma de romper con lo establecido en ese momento.

No creo que nadie pueda negarme que en algún momento de su vida ha tenido la oportunidad de cantar o bailar este clásico, tanto si le ha pillado con 20 años cuando surgió la canción como si nació 20 años después de su aparición. Gracias por llegar hasta aquí y leer la primera baldosa en el camino de la música en español que ponemos en el blog, y que os aseguro será un camino largo y apasionante.

 

La música en historias: Despidiendo el #MesDeepPurple

 



     Llega el final del mes de mayo y toca despedir a Deep Purple, el genial grupo brotánico que nos ha acompañado todo el mes y del cuál hemos intentado desgranar una pequeña parte de su obra, pues para hacerlo de toda nos llevaría una larga temporada.

Ya he comentado en más de una ocasión mi pasión por este grupo, el cual me viene desde bien joven, al  igual que al baterista de Metallica Lars Ulrich, que fue llevado por primera vez por su padre a un concierto de Deep Purple cuando tenía 9 años, y al escuchar Child in Time quedó completamente prendado. según Lars, aquel fue uno de esos momentos que le cambiaron la vida, y no se cansa nunca de escuchar este tema. 

A Deep Purple parece que todavía le queda cuerda para rato, pues en 2020 publicó su último álbum de estudio, Whoosh!, con el que suman desde su formación allá por 1968 nada menos que 21 álbumes de estudio. Siempre se ha dicho que el grupo era más una banda de directo que de estudio, algo que puedo corroborar, pues he tenido la fortuna de verlos varias veces en directo. No en vano atesoran más discos publicados en directo que en estudio, concretamente 25, a los que hay que sumar las 28 giras mundiales que llevan a sus espaldas desde su fundación, casi nada.

Durante sus más de cincuenta años en activo, esta banda se ha ganado el derecho a ser reconocida como una de las mejores bandas de rock de la historia, y como es lógico, muchos son los artistas y grupos que se han visto influenciados por ellos. Agunas versiones que me vienen a la cabeza a bote pronto son Black Night, interpretada por Bruce Dickinson y que acabó en formato single con el nombre Dive! Dive! dive! en 1990; En 2007 Dream Theater publican en directo Made in Japan, disco tributo a Deep Purple, una de sus bandas favoritas, algo que ya habían hecho anteriormente con Metallica, Iron Maiden y Pink Floyd; La banda alemana Helloween se marcaron en su disco de 1999, Metal Jukebox una interesante versión del Rat Bat blue del álbum Who do We Think We Are (1973) de los británicos.En 1972 la banda liderada por Phil Lynnot, Thin Lizzy, bajo el seudónimo de Funky Junction, se marcaron un disco tributo a Deep Purple, llamado Play a Tribute to Deep Purple, a petición del empresario discográfico Dave L. Miller, que usó también el seudónimo de Leo Muller. Miller era un reputado coleccionista, y ofreció a Lynott y compañía la cifra de mil libras por la grabación del citado álbum, que contenía varios temas y entre los que se encontraban cinco de Deep Purple, Fireball, Black Nigth, Strange Kind of Woman, Hush y Speed King.

Podríamos estar recordando covers del banda durante horas, pero me gustaría cerrar con el pedazo de versión en directo de Highway Star que Chickenfoot realizó en 2012 para el álbum tributo a la banda, publicado cuando se cumplieron 40 años del lanzamiento de Machine Head, y que se tituló Re-Machined: a Tribute to Deep Purple's Machine Head. La super formación Chickenfoot está compuesta por Sami Hagar, Michael Anthony, Chad Smith y uno de los considerados miembros oficiales de Deep Purple, Joe Satriani. En aquel disco tributo, muy recomendable por cierto, además del Highway Star, interpretado por Chickenfoot, fueron grabados Smoke on the Water por Carlos Santana, Jacobby Shaddix y Dennis Chambers, Maybe I'm A Leo por Glenn Hughes y Louis Maldonado, Pictures of Home por Black Label Society, Never Before por Kings of Chaos, Lazy por Joe Bonamassa y Jimmy Barnes, Space Truckin' por Iron Maiden, y la denostada por Ritchie Blackmore When A Blind Man Cries grabada por Metallica.

No nos queda más remedio que despedir el emocionante mes dedicado a Deep Purple, pues hay que dejar paso al artista que nos acompañará en junio, y ya os voy avanzando que regresamos a casa, así que abrocharos bien el cinturón, no vaya a ser que "tengáis flojos los pantalones" y se os caigan, porque este mes que se avecina, junio, llega el "Maestro"...

domingo, 30 de mayo de 2021

0150 The Girl From Ipanema - Stan Getz / Astrud Gilberto

 

The Gril From Ipanema



     En marzo de 1964 se publicaba, bajo el sello discográfico Verve, el álbum Stanz/Gilberto, grabado por el saxofonista estadounidense Stan Getz y el guitarrista brasileño João Gilberto, acompañados por el pianista y compositor Antônio Carlos Jobim (Tom Jobim), quien además compuso muchas de las pistas del disco. Este disco fue el que popularizó la bossa nova en todo el mundo, además de convertirse en uno de los álbumes más vendidos de jazz de todos los tiempos. Fue nominado en diez categorías de los premios Grammy de 1965, ganando en cuatro categorías: Mejor grabación del año (Astrud Gilberto y Stan Getz por The Girl from Ipanema), álbum del año, Mejor interpretación de jazz instrumental - solista o grupo pequeño, y Mejor arreglo para álbum, no clásica.

Nos vamos a centrar precisamente en el tema que ganó el premio Grammy a la Mejor grabación del año, The Girl from Ipanema. La canción, una bossa nova, es compuesta por los compositores brasileños Vinicius de Moraes, que escribió la letra, y Carlos Jobim, que compuso la melodía del tema. Originalmente fue compuesta como bajo el nombre Menina que passa, y estaba pensada para una comedia musical llamada Dirigível (Dirigible), una obra en la que estaba pensando y trabajando en solitario vinicius. Las letras en ingles serían escritas más adelante por el productor Norman Gimbel.

Jobim y Moraes se inspiraron para componer el tema en una joven brasileña llamada Helô Pinheiro (Heloísa Eneida Menezes Paes Pinto). Esta joven solía pasar en bikini todos los días por delante del bar-café Veloso debido a sus quehaceres diarios. La joven, muchas veces, además de pasar por delante, solía entrar al café para comprar cigarrillos para su madre. Jobim y Moraes se enterarían más adelante que la mujer que inspiró este tema llegó a posar para la revista Playboy dos veces, tuvo cuatro hijos, y abrió una boutique en Sao Paulo llamada Garota de Ipanema

Durante la sesión de grabación en Nueva York con Gilberto, Jobim y Getz, surge la idea de de hacer una versión en inglés. En un principio se pensó en la cantante Sara Vaughan, pero cuando Gilberto escuchó la traducción al inglés, decidió que debía cantarla su esposa Astrud, quien además hablaba perfectamente inglés. Convencida Astrud, ella demostró que Gilberto tenía razón, la sutileza de su voz (Astrud nunca había cantado ni grabado profesionalmente) agregó un matiz a la canción que resultó funcionar sorprendentemente bien con la música. The Girl from Ipanema se ha convertido en una de las canciones más grabadas de todos los tiempos, además de convertirse, quizás, en la canción de bossa nova más famosa jamás escrita. esta versión grabada por Getz al saxo tenor ayudaría en el futuro a popularizar en el mundo el sonido de la bossa nova. 

La música en historias: InFinite - #MesDeepPurple

 





Hasta ahora, los álbumes recientes de Deep Purple no evocaban nostalgia, ni siquiera intentaban recordar recuerdos de tiempos pasados. Esto es aparte del remake de 'Bloodsucker' en Abandon (rebautizado como 'Bludsucker'). La llegada de Steve Morse parece haber animado a la banda a explorar y experimentar. InFinite cambia esto, manifestándose como un regreso al rock duro célebres como Deep Purple in Rock y Machine Head. Como tal, carece del carácter colorido y peculiar de Rapture of the Deep o Now What?!. Sin embargo, lo compensa con un sentido revitalizado de energía y propósito.

 

Donde se encuentran los mejores momentos de InFinite casi se puede deducir directamente de la lista de canciones. Si el oyente toma los dos sencillos y las dos canciones más largas, tienen un EP que puede igualar cualquier cosa que Deep Purple haya hecho. El resto del material tiene sus momentos, claro. Está el descenso suave y jazzístico en el coro de 'One Night in Vegas' y las claras compensaciones entre Gillan y la banda en 'Hip Boots', por nombrar solo dos casos. Hay algunas canciones creativas y pegadizas aquí, en particular la oda a las bandas de rock que es 'Johnny's Band' y el pisotón de Get Me Outta Here '. Sin embargo, simplemente carecen de la calidad espectacular de las cuatro canciones mencionadas anteriormente.


 

'Time for Bedlam'. Como primera canción de lo que podría ser su último álbum, es una celebración poderosa de su supervivencia y capacidad para prosperar en su estado actual. Ya no son jóvenes, pero suenan más jóvenes que su edad promedio de 68 (aunque puede que no lo parezcan) imita el enérgico swing en clave menor de 'Pictures of Home' de Machine Head. Si el oyente conoce su Purple, apreciará el parecido casi tanto como las uniones instrumentales polirrítmicas y el contenido lírico sorprendentemente profundo. El otro single, 'All I Got is You', es igualmente impresionante. Se basa en un ritmo compuesto melancólico similar, pero es mucho más dinámico y de ritmo descendente, la estructura de la canción refleja esta frustración lírica, aumentando gradualmente las capas y la intensidad hasta el puente culminante. y sección media. Los centros de mesa de un álbum son a menudo una delicia en la historia de Deep Purple ('Sail Away', 'Child in Time' y 'Uncommon Man', por hablar solo de algunos) y la mini-épica 'The Surprising' es una afirmación de eso. La sección central dramática, con su yuxtaposición de grandilocuencia sincopada y atmósferas de ensueño, es un momento verdaderamente impresionante que presenta lo mejor de la alineación de Mark VIII. Esta canción y la pista de cierre (al menos, el cierre de las canciones escritas por la banda) 'Birds of Prey' son del agrado por su duración similar y ritmo mesurado, así como por un clímax estruendoso. Sin embargo, el crescendo de 'Birds of Prey' no viene en forma de llamativos entrenamientos instrumentales, sino en el triunfante solo de Steve Morse que cierra brillantemente la canción. Tiene una progresión muy constante,

 


Esto serviría como un cierre perfectamente satisfactorio de la legendaria carrera de Deep Purple si no fuera por la mediocre cover de Doors que es 'Roadhouse Blues'. ¡¿Ahora que?! tenía el tibio 'It'll Be Me' después de 'Vincent Price', pero al menos era un bonus track. InFinite se presentaría mejor como un álbum conciso de 39 minutos con diez pistas. A pesar del contenido musical más sencillo esta vez, las letras siguen siendo tan indiferentes y extrañas como siempre. Cuando hay una canción llamada 'Hip Boots', que promete una reflexión profunda sobre las complejidades de la vida. Ian Gillan escuchó una melodía en su cabeza mientras escuchaba el resto de las improvisaciones de la banda, luego escribió un montón de palabras que encajaban, ese es su enfoque real para escribir canciones. Se muestra en el documental del álbum, From Here to InFinite, con él sentado en una mesa anotando palabras que encajarán con lo que está tocando la banda. Teniendo esto en cuenta, es una agradable sorpresa que en realidad haya algunas canciones líricamente sólidas. 'Time for Bedlam' se preocupa por el tema de la manipulación gubernamental, profundizando en el adoctrinamiento, el estado de y el efecto que tienen sobre las masas.

Ian Gillan tiene una voz bien mantenida para un septuagenario, de eso no hay duda. Incluso puede sacar los gritos a la antigua de vez en cuando, pero esto no tiene nada que ver con su consistencia. Está bien poder imitar su juventud en el estudio, pero hay un momento en que ya es suficiente. Gillan ya no puede tocar el material clásico de Deep Purple en vivo, comparar una interpretación de 'Highway Star' desde principios de los 70 hasta ahora es un triste recordatorio de que nada dura para siempre.



A decir verdad, InFinite serviría como un adiós final de Deep Purple. Atraería principalmente a aquellos que ya siguen a la banda, ya que una gran parte del atractivo del álbum es que es un regalo de despedida para los fans. Para el oyente imparcial, InFinite puede compararse desfavorablemente con otro material de estilo similar. No es particularmente rebelde, innovador o ambicioso. Sin embargo, aquellos que ya tenían un gran respeto por la banda, tendrán aún más respeto por ellos si cierran un álbum tan bien ejecutado y consistente como este. Deep Purple ha tenido una buena racha. Veinte discos, cincuenta años y mucha buena música. Si este es el final, entonces es digno.

sábado, 29 de mayo de 2021

0149: A change is gonna come - Sam Cooke



Un cambio está por llegar. Ese era el sueño de los que en los años sesenta luchaban por los derechos civiles en Estados Unidos, y más aún desde que, a finales de 1963, Sam Cooke puso voz a ese sentimiento, pocos meses antes de su repentina y violenta muerte. Influenciado por otro de los grandes temas reseñados en esta compilación de las mejores canciones de la historia, el Blowin' in the Wind de Bob Dylan, compuso en su autobús de gira la letra de lo que acabaría siendo A Change Is Gonna Come.

El cambio al que hace referencia el título era también personal. Preocupado por el "encasillamiento" en el papel de cantante romántico (You send me) y bailable (Twistin' the Night Away), quiso dar un giro hacia temas más serios, y abordar en sus letras la discriminación y el racismo que se respiraban en el país. Este cambio supuso un gran crecimiento a nivel compositivo para este artista, que volcó en la canción sus propias vivencias personales, incluyendo episodios de racismo sufridos por el propio cantante y su banda, arrestados durante una gira por intentar registrarse en un hotel para blancos. 

Grabada el 21 de diciembre de 1963 en los estudios RCA de Los Ángeles, y publicada en el álbum Ain't That Good News de 1964, se convirtió en la canción emblema del movimiento por los derechos civiles, y con el paso de los años ha sido versionada por toda una legión de músicos posteriores, de la talla de Otis Redding, Tina Turner, The Supremes o el propio Bob Dylan. De todas ellas, y en mi más sincera y subjetiva opinión, la mejor es la de Terence Trent D'Arby, con Booker T. and the MG's como banda de acompañamiento. Una versión que, como la original, me ayudó a levantarme en esos momentos en los que "pensé que no aguantaría demasiado" y me hizo encontrar "las fuerzas necesarias para continuar". Con canciones así, es cuestión de tiempo que, realmente, "un cambio esté por llegar".

La música en historias: Bananas - #MesDeepPurple

 

Bananas deep Purple


     Corre el año 2001 y John Lord se ha sometido a una operación de rodilla para solucionar una vieja lesión que lleva arrastrando. Sin embargo el hecho de no recuperar todo lo rápido que él quisiera, sumado al fallecimiento a causa del cáncer del pianista, productor y compositor Tony Ashton, quien es amigo personal desde hace muchos años de John Lord, dejan muy tocado al músico, quien pasado el verano de 2001 decide comunicar a Deep Purple que lo deja. Antes de abandonar la formación cumple con los compromisos que el grupo tenía realizando una gira por el Reino Unido. Don Airey, quien le ha estado sustituyendo mientras se encuentra de baja, pasa a formar parte del grupo como miembro oficial en marzo de 2002.

Sin embargo, parte de la gira británica, que debía ser la última del grupo, ha de suspenderse debido a que tanto el grupo como el personal de apoyo contraen la gripe. La banda decide realizar una serie de once conciertos que comienza en verano de 2002 para que John Lord pueda despedirse en condiciones de la banda. Una gira donde Airey y Lord comparten teclados, normalmente iniciaba el concierto Airey, quien tras ocho canciones, cedía el puesto a Lord que finalizaba el concierto.



Steve Morse, Roger Glover, Ian Paice, Ian Gillan y Don Airey graban entre enero y febrero de 2003 el material que comprende el decimoséptimo álbum de estudio de la banda en los Royaltone Studios de Burbank, California. El disco es producido por Michael Bradford, conocido bajista y productor musical estadounidense, quien además colabora tocando la guitarra en un tema, Walk On. Michael Bradford también contribuye en este disco en la composición de material del álbum, al igual que John Lord, quien ha dejado recientemente la formación. El resultado es Bananas, editado en agosto de 2003 por el sello discográfico EMI, y Sanctuary sólo para Estados Unidos. En Reino Unido el disco alcanzó únicamente el puesto 85 en las listas, mientras que en Estados Unidos pasó desapercibido, sin embargo registró muy buenos números en países como Alemania, Finlandia y República checa, además de, para sorpresa del grupo, registrar unas muy buenas cifras en Sudamérica, con Argentina a la cabeza, donde alcanzó el puesto número 10 en las listas de ventas.



Si nos dejamos llevar por la portada, donde aparecen dos hombres sentados encima de una inmensidad de plátanos que ocupan toda la portada, automáticamente perderemos el interés por escuchar el disco, por lo que, como muy bien dice el dicho, no hay que dejarse guiar por el envoltorio del producto, y en este caso, el envoltorio, es decir, la portada, es horrorosa. El resultado es un muy buen trabajo, en la línea que se espera de Deep Purple, con sonidos que van desde el rock, al blues y al funk, con un Steve Morse, que desde su llegada ha aportado frescura al grupo, y con un Don Airey, músico excepcional curtido en mil batallas, que aporta su personal toque a los teclados. El disco contiene temas muy rockeros y con mucha fuerza, como House of Pain, Razzle Dazzle Silver Tongue, y temas de corte más blusero, como Walk On y Bananas. También encontraremos temas con base muy funky como House of Innocence. Nos encontraremos con una preciosa balada, Haunted, que además tiene una curiosidad, los coros están hechos por la magnífica Beth Hart. También hay espacio para un tema instrumental, Contac Lose, compuesto por Steve Morse tras el accidente del Transbordador Columbia que se desintegró el 1 de febrero de 2003 en su regreso a la tierra-

Bananas es un buen disco, hecho desde una tranquilidad y un sosiego que el grupo alcanzó hace ya unos años, y los seis meses que la banda estuvo parada sin realizar eventos y giras para centrarse en hacer el álbum, dan buena muestra de ello. 

viernes, 28 de mayo de 2021

0148 Sam Cooke - Ain’t Another Saturday night

0148 Sam Cooke - Ain’t Another Saturday night

"Another Saturday Night" es el título de un sencillo de 1963 de Sam Cooke del álbum Ain't That Good News

La canción fue escrita por Cooke mientras estaba de gira en Inglaterra, y cuenta la historia que esta canción fue escrita por el propio Cooke cuando se hospedaba en una habitación de hotel donde no se permitían huéspedes femeninos, será por ello que en su letra no puede encontrar compañía un sábado por la noche, como bien arranca su canción "Another Saturday night and i ain't got nobody".

Esta historia que interpreta Cooke, alcanzó el número 10 en el Billboard Hot 100 y fue el número 1 en la lista de R&B durante una sola semana. En el Reino Unido, la canción alcanzó el puesto 23 en la lista de singles del Reino Unido.

La versión creada por Cooke destaca una parte hablada, que se puede escuchar durante el descanso instrumental.

El baterista de sesión Hal Blaine tocó en la versión de Cooke de la canción. Otros músicos en el disco fueron John Anderson en trompeta, John Ewing en trombón, Jewell Grant en saxo, Ray Johnson en piano, Clifton White y Rene Hall en guitarra y Clifford Hills en bajo.

Otras versiones, y mezclas fueron: Claude François grabó la canción en francés como "La vie d'un homme" (literalmente, "La vida de un hombre"). En particular, esto se debe a que Cat Stevens la cantó, ya que Claude François también adaptó "Wild World" (en 1971 como "Fleur Sauvage"; literalmente "Wild Flower"), teniendo así una relación comercial anterior con Cat Stevens y un oído atento a sus éxitos musicales. [cita requerida]

El australiano James Blundell hizo una versión de la canción en su álbum homónimo de 1989.

En 1993, Jimmy Buffett grabó la canción. Su versión alcanzó el puesto 74 en la lista Billboard Hot Country Singles & Tracks.

Sam & Dave grabaron al menos una versión que aparece en álbumes lanzados después de sus años de formación, como la compilación I Thank You lanzada en 2002 por el sello Brentwood Records.

El crooner sueco Andreas Weise lanzó una versión de big band de la canción en mayo de 2012.

Daniel
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Disco de la semana 227: I Am The Blues - Willie Dixon

 

I Am The Blues, Willie Dixon


     Cuando Hablamos de Willie Dixon, nos estamos refiriendo a uno de los compositores de blues más prolíficos de su tiempo, y junto con Muddy Waters, la persona más influyente en el desarrollo del sonido del blues de Chicago posterior a la II Guerra Mundial. Dixon, además de componer, cantaba, arreglaba, producia discos y tocaba con maestría el bajo, el contrabajo y la guitarra.

Muchas de las canciones que Dixon compuso durante su carrera han sido grabadas por innumerables músicos de muchos géneros musicales. Para muestra el disco recomendado para la ocasión, I Am The Blues, que es un álbum que contiene nueve canciones que Dixon compuso para que fueran grabadas por otros artistas en su etapa como compositor principal y músico de sesión para el sello discográfico Chess Records. Nueve temas que Dixon decide grabar el mismo y que ha día de hoy son grandes clásicos y referentes dentro del blues. 

Cuatro de los nueve temas, Back Door Man, Spoonful, I Ain't Superstitious y The Little Red Rooster fueron originalmente grabados por Howlin' Wolf. Los cuatro temas contaron con la presencia al contrabajo de Dixon en aquellas sesiones de grabación de Howlin' Wolf. The Same ThingYou Shook Me y (I'm Your) Hoochie Coochie Man fueron grabadas por Muddy Waters, The Seventh Son fue grabada por el cantante y compositor de R&B Willie Mabon, y I Can't Quit You, Baby, no se llegó a grabar para Chess Records, siendo por primera vez grabada por Otis Rush para el sello Cobra Records.

El disco es producido por Abner Spector y publicado en 1970 bajo el sello discográfico Columbia Records. Dixon, a los mandos vocales y el bajo, contó con la colaboración de Walter Horton a la Armónica, Lafayette Leake y Sunnyland Slim al piano, Johnny Shines a la guitarra, y Clifton James a la batería.



Comienza la cara A con el clásico Back Door Man, tema donde Dixon hace referencia al "Hombre de la puerta trasera", que en la cultura sureña es como se referían a cuando un hombre tenía una aventura con una mujer casada. El hombre siempre usaba la puerta trasera para escapar antes de que el marido engañado regresara a casa. Esta temática del hombre de la puerta trasera era bastante recurrente en las canciones de blues de la época. I Can't Quit You, Baby, donde Dixon se hace eco de las consecuencias del adulterio, y de cuando un hombre no puede renunciar a tener dicha relación, aunque eso sea su ruina. Dixon admitió que para escribir el tema se basó en una relación por la que Otis Rush estaba preocupado en ese momento. De hecho el tema fue compuest para que fuera grabado originalmente por Rush, como así fue. The Seventh Son, tema donde al igual que en "Hoochie Coochie Man", Dixon vuelve referirse al tema popular y folclórico del séptimo hijo de un séptimo hijo: "Ahora todo el mundo habla del séptimo hijo, pero en todo el mundo, sólo hay uno, yo soy el indicado, sí, soy el único, soy al que llaman el séptimo hijo...". Cierra la cara A Spoonful, uno de los grandes clásicos del blues. Dixon se basó para componerlo en los temas "All I Want Is A Spoonful" (1925) de Papa Charlie Jackson, "Cocaine Blues" (1927) de Luke Jordan, y "A Spoonful Blues" (1929) de Charlie Paton. En cuanto a a letra, "Spoonful" significa "cucharada", y Dixon la utiliza metafóricamente para referirse a los extremos que pueden alcanzar las personas para satisfacer sus placeres, como pueden ser el sexo, el alcohol o las drogas. 



Se encarga de abrir la cara B I Ain't Superstitious, donde Dixon trata la temática de las supersticiones como la típica de gato negro cruzando el camino. You Shook Me, acreditada a Dixon y al guitarrista y cantante de blues estadounidense J. B. Lenoir. El tema, interpretado por Muddy Waters, se convirtió en uno de los más exitosos de principios e los años 60. Surge a partir de una improvisación que Earl Hooker utilizó para calentar, utilizando el slide en su guitarra, en las sesiones de grabación que realizó con su banda de respaldo para el  sello Chief Records, que se sucedieron en mayo de 1961. El productor del sello Chief Records, encantado con aquella improvisación decidió publicarla como sencillo bajo el título "Blue Guitar". Leonard Chess, propietario de Chess Records, al escuchar "Blue Guitar", pensó que el tema tenía mucho potencial, y como estaba buscando material nuevo para que lo grabara Muddy Waters, llegó a un acuerdo para que Willie Dixon escribiera la letra de la canción. El resultado de aquello fue you Shook Me, un tema al que tambíen se le atribuyen créditos en la composición al guitarrista y cantautor J. B. Lenoir, que por entonces también trabajaba para Chess Records. (Im Your) Hoochie Coochie Man, otro de los grandes clásicos de siempre. La letra del tema, además de tener referencias sexuales trata de la mística. El término Hoochie Coochie es un eufemismo para referirse a la vagina, y también se llamaba así a un provocativo baile aparecido a finales del siglo XIX. Dixon afirmaba que este tema, Hoochie Coochie Man, era un ejemplo de las conexiones entre los videntes y clarividentes con el folclore del sur de los Estados Unidos. The Little Rooster, para componer este tema, Dixon se basó y utilizó elementos de varias canciones de blues anteriores, entre las que se encuentran "Banty Rooster Blues" (1929) de Charlie Paton y "If You See My Rooster" (1936) de Memphis Minnie. El tema refleja las creencias populares que existían a principios del siglo XX en el sur de Estados Unidos, donde el gallo contribuía a la paz del corral. Y cierra la cara B, y por tanto este disco repleto de grandes clásicos The Same Thing, tema que fue grabado por primera vez en 1964 por Muddy Waters, y que a la grabación de Dixon, padre del tema en 1970, le han seguido artistas de la talla de George Thorogood, The Allman Brothers Band, Grateful Dead, Lousiana Red y Eddie C. Campbell entre otros.

I Am The Blues es un disco que pone de manifiesto la importancia que Willie Dixon tuvo para el desarrollo del blues de Chicago. Basta con mirar los nueve clásicos grabados para la ocasión y fijarse en los créditos, donde Willie Dixon figura como compositor y padre de todos los temas, unos temas que han alcanzado por derecho propio el estatus de grandes clásicos del blues.