David Bowie - Héroes (Mes David Bowie)

Héroes, David Bowie

 

     En esta ocasión vamos a detenernos en Héroes, como el segundo disco de la llamada trilogía berlinesa de David Bowie. Recordemos que a finales de 1976 se muda a vivir a Berlín Occidental en un intento por dexintosicarse y revitalizar su carrera. Allí comparte piso con Iggy Pop y comienza a trabajar con el cantante, compositor y productor musical Brian Eno. En 1977 ayuda a componer y escribir el álbum debut de Iggy Pop, The Idiot, y ese mismo año publica Low, el cuál ha reseñado nuestro querido Nevermind. Con Low le da a su forma de componer letra y música una forma más oscura y abstracta, y el disco aunque obtiene críticas negativas y no es recibido tampoco con mucha alegría por su compañía discográfica en ese momento, RCA Records, que lo que pretendía era mantener el tirón comercial que Bowie tenía y pensaba que iba a fracasar con éste disco, acaba superando en ventas en el Reino Unido a su anterior trabajo, Station To Station. 

El 14 de octubre de 1977 Bowe publica el duodécimo disco de su carrera en solitario, y el segundo de la trilogía berlinesa, Héroes. Para éste álbum Bowie trabaja con Biran Eno al igual que con el anterior disco, Low, y es grabado en el Hansa Studio by the Wall, de Berlín Occidental entre julio y agosto de 1977 bajo la producción de él mismo y Tony Visconti. El disco contiene el mismo concepto minimalista e instrumental que Low, pero le dota de un aire más alegre y positivo y le introduce más elementos pop y rock. El personal que colabora con Bowie para la grabación de Héroes está compuesto por Carlos Alomar (guitarra rítmica), Dennis Davis (percusión), George Murray (bajo), Brian Eno (sintetizador y teclados), Robert Fripp (guitarra), Tony Visconti (coros) y Antonia Maass (coros). El disco obtiene una muy buena recepción de la crítica y del público, llegando al puesto número 3 en las listas británicas y permaneciendo en ellas durante 26 semanas seguidas, el puesto 35 en las listas estadounidenses, y obteniendo muy buenos resultados también en países como Alemania y Francia.

Héroes es un disco donde Bowie vuelve a poner de manifiesto el espíritu de la Guerra Fría, y vuelve a rendir homenaje a sus influencias de Krautrock, la corriente musical de rock experimental surgida a finales de los años 60 en la antigua República Federa Alemania. El tema que abre el disco es Beauty and the Beast, compuesta por Bowie, comienza con una especia de música inconexa de guitarra, piano, música electrónica y voz que va in crescendo. Podemos apreciar el toque que Robert Fripp le da con su guitarra eléctrica y el gran trabajo de Brian Eno con los sintetizadores. En cuanto a la letra, es una especie de oda de la relación amor / odio que Bowie mantenía en aquella época con su adicción a las drogas, más concretamente a la cocaína en ese momento. Joe the Lion, compuesta por Bowie, uno de los temas influenciados por el krautrock alemán, es un tributo al artista conceptual estadounidense Chris Burden, quién se crucificó una vez a sí mismo en 1974 en un Volkswagen New Beetle, y al que Bowie compara en el tema con una cruz de hierro. Para la lína de bajo de éste tema Bowie utilizó la de su tema Changes (Hunky Dory - 1971). Héroes, compuesta por Bowie y Brian Eno, el título es un guiño al tema Hero del disco Neu! '75 de la banda alemana Neu!, y cuyo guitarrista de esa banda, Michael Rother, había sido tanteado para tocar en éste álbum. Al parecer la inspiración le vino a Bowie al observar por la ventana del estudio, desde la que podía verse el muro de Berlín, a una pareja besándose, y aquella imgen de contraste entre el amor y la guerra le sugirió la idea del tema. Aquella pareja que Bowie vió en aqel momento no era sino al mismísimo Tony Visconti junto a una mujer, algo que sería confirmado años después. Sons of the Silent Age, compuesta por Bowie, fue el único tem que se gestó antes de las sesiones de grabación, pues todos los demás fueron creados e improvisados en las sesiones de grabación del disco. El tema hace referencia a los personajes de su canción The supermen (1970), y según la crítica, la letra es una revisión en tercera persona de lo temas de la abstinencia psicótica que Bowie había explorado en su anterior álbum, Low. Cierra la cara A Blackout, compuesta por Bowie, es quizás el tema más difícil del disco, con unas letras difíciles de esntender, donde Bowie hace alusión a cortes de energía, refiriendose probablemente al apagón sucedido en la ciudad de Nueva York en 1977,  que ha sido interpretado como al apagón personal sufrido por Bowie en Berlín, donde sufrió un colapso, siendo trasladado al hospital de urgencia. 

Abre la cara B V-2 Schneider, compuesta por Bowie, pieza instrumental donde el artista rinde tributo a Florian Schneider, cofundador de la banda alemana Kraftwerk, para quien Bowie supuso una clara influencia. V-2 era el apodo por el que se conocía a Schneider. También se llamó así al primer misíl balísitico desarrollado por el ejercito alemán durante la Segunda Guerra Mundial. Para ayudar a generar ideas creativas, Brian Eno empleó sus llamadas Oblique Strategies, un método ideado por el mismo y por el artista Peter Schmidt, y cuyas cartas ofrecían desafíos con el fín de ayudar a los artitas a romper los bloqueos creativos y así fomentar la creatividad. Los siguientes tres temas, instrumentales, fueron creados a partir de éste juego entre Eno y Bowie,  Sense of Doubt, compuesta por Bowie, otro de los temas más oscuros del disco, Moss Garden, compuesta por Bowie y Eno, y Neuköln, compuesta también por ambos. Éste último instrumental lleva el nombre de un distrito de Berlín, y según la crítica especializada, con la música Bowie pretendía reflejar el desarraigo de los inmigrantes turcos que constituían un gran parte de la población de dicho barrio berlinés. Cierra la cara B y por tanto éste imprescindible disco del genial artista The Secret Live of Arabia, compuesto por Bowie, Eno y Carlos Alomar, tema que sería versionado en 1982 por la banda y productora British Electric Fundation (formada por los exmiembros de Human League y Heaven 17 Martyn Ware) en su álbum Music of Quality and Distinction.

0026: The Lady is a tramp - Frank Sinatra

“The Lady is a Tramp” es una canción con música de Richard Rodgers (1902-1979) y letra de Lorenz Hart (1895-1943) compuesta para el musical Babes in Arms, que se estrenó en Brodway en 1937, con Mitzi Green y Ray Heatherton en los papeles protagonistas. “The Lady is a Tramp” parodia la alta sociedad de Nueva York y su estricta etiqueta, se canta desde una perspectiva femenina de igual manera que "My Funny Valentine" es del mismo programa y cantada por el mismo personaje. 

La letra se burla de la alta sociedad de Nueva York al retratar a una mujer fuerte e independiente con sus propias prioridades en la vida. No se preocupa lo mas mínimo de las reglas sociales que le imponen, la frivolidad o mantener las apariencias. Así, los estereotipos de la alta sociedad adinerados la etiquetan como una vagabunda (una persona bohemia o de clase baja).

Durante la década de 1950 fueron muchos los cantantes y músicos  –especialmente del mundo del jazz– que la incorporaron a su repertorio y las grabaciones proliferaron. Su éxito fue a más y el cine volvió a tenerla en cuenta al adaptar a la gran pantalla otro magnífico musical de Rodgers y Hart de 1940. La adaptación al cine se hizo en 1957, dirigida por George Sidney y con la coreografía de Hermes Pan, que contaron con un trío de excepción en los principales papeles: Frank Sinatra (Joey), Rita Hayworth (Vera) y Kim Novak (Linda). La película es mucho menos ácida que el musical original, ya que en el film Joey es cantante y Linda es una bailarina del club, y cuando Vera, celosa, obliga a Joey a despedirle pero ante la negativa de él. Linda sabiendo lo que significa el club para Joey habla con Vera diciendo que se marchará si reabre el club, pero Joey lo descubre y corre tras Linda que termina caminando junto a él. Hoy en día la versión más popular es la de Frank Sinatra en esta versión (y otras con cantantes masculinos) él está defendiendo a la mujer por ser poco convencional, aunque las grabaciones de Ella Fitzgerald, Bing Crosby, Wesla Whitfield y Mel Torme también merecen grandes elogios. Los instrumentistas tienden a acelerar el tempo incluso más que los cantantes; Stephane Grappelli, Oscar Peterson, Gerry Mulligan y Kenny Drew también han ofrecido interpretaciones superiores.

Un país, un artista: Dinamarca - Pretty Maids

     En esta ocasón, el elegido por vosotros para esta sección ha sido el país de Dinamarca, y para hablar del grupo elegido nos vamos a principios de los años 80, donde se gestó una de las bandas más influyentes de hard rock y heavy metal del país y que consiguió traspasar las fronteras del país, Pretty Maids, grupo que definió su estilo con unas afiladas y pesadas guitarras mezcladas con elementos melódicos de teclados y voces. A lo largo de su historia ha conseguido vender cientos de miles de discos, y  ha tocado junto a grandes bandas como Black Sabbath, Whitesnake, Deep Purple, Alice Cooper ó Saxon entre otras, siendo el país de Japón donde consiguió tener más éxito durante la década de los 90.

Año 1981, dos amigos de Horsens, localidad de la región de Jutlandia (Dinamarca), Ken Hammer y Ronnie Atkins, deciden formar una banda que en sus comienzos se didica a realizar covers de otros grupos. Pero pronto empiezan a escribir y componer sus propios temas y tras grabar una demo utofinanciada por ellos mismos consiguen un contrato discográfico con el sello inglés Bullet Records. Con éste sello lanzan en 1983 su primer EP, titulado Pretty Maids y lo hacen ya bajo el nombre de Pretty Maids. El lanzamiento supone un gran éxito y gracias a ello consiguen realizar un gira por tierras británicas impulsada por el sello discográfico. La banda ha conseguido una gran popularidad y lógicamente empiezan a tener más ambición por lo que ese mismo año firman con CBS Records quién relanza el EP debut de la banda con una versión diferente.

La banda, que está formada en su inicios por Ronnie Atkins (Vocalista), Ken Hammer (guitarra), Rick Hanson (guitarra), Allan Dellong (bajo), Phil Moorhead (batería) y Alan Owen (teclados), debuta en 1984 con su primer álbum de larga duración, Red, Hot and Heavy, con el que continúan su escalada al éxito durante la década de los 80. A éste le seguirá Future World, publicado en 1987 bajo la produccón de Eddie Kramer, y que será el disco que definirá el sonido de la banda, fuertes y agresivos riffs guitarreros mezclados con elementos muy melódicos y más comerciales. 

En 1990 la banada publica Jump the Gun, disco que va en la misma línea que el anterior, producido por Roger Glover, el bajista de Deep Purple, y pubicado por CBS Records, que puso toda la carne en el asador para que éste disco fuera el que rompiera las listas de ventas, pero eso nunca sucedió, excepto en Japón. La banda, que ignoraba si la falta de éxito del disco se debía a estrategias de marketing, al propio material del álbum, o al creciente interés y despegue de la música grunge que imperaba en la época, se disuelve quedando sólo los dos miembros fundadores, Hammer y Atkins, quienes deciden seguir al frente del cañón, reclutan nuevos músicos y bajo la producción del productor de Metallica, Flemming Rasmusen, publican Sin-Decade en 1992, con el que consiguen abrirse a un público más amplio y además se asientan en el mercado japonés, consiguiendo establecer allí uno de sus bastiones durante toda la década de los 90, pues los temas suaves y con tintes comerciales de la banda le van como un guante al público japonés. A mediados de los 90, concretamente en 1995 sorprenden con la publicación de Scream, enfocándolo hacia un sonido más pesado y más duro y vuelven a posicionarse en primera línea, culminándo ésto con la publicación de su directo Scream Live. sus siguiente trabajos durante la década de los 90, Spooked (1997) y Anything Worth Doing Is Worth Overdoing (1999) siguen la línea de scream, si bien a Anything Worth Doing Is Worth Overdoing le dotan de un sonido algo más comercial. 

El grupo comienza el nuevo siglo con el lanzamiento de Carpe Diem, disco con un sonido más mélodico que los de la segunda mitad de la década de los 90, volviendo a la senda de sonidos más pesados en 2002 con la publicación de Planet Panic. Sin embargo un hecho marcaría el futuro inmediato de la banda, la empresa Rock On, que gestiona los derechos de la banda quiebra, lo que deja en una mala situación financiera y con un cúmulo de prooblemas legales al grupo danés, lo que unido a un ataque al corazón sufrido por Ken Hammer en diciembre de 2003 hace que Pretty Maids corra peligro de desaparecer. Afortunadamente Ken se recupera satisfactoriamente de su dolencia cardiaca y vuelve a los escenarios, el grupo consigue salir de la crisis financiera, y en 2006 publica Wake Up to the Real.

En 2010 publican Pandemonium, considerado por la crítica especializada como uno de sus mejores álbumes. Curiosamente, tras más de 30 años en activo, en septiembre de 2012 tocan por pimera vez en Estados Unidos, concretamente en el festival ProgPower, hecho que ayuda a la publicación y promoción de su siguiente disco, Motherland, en tierras estadounidenses además de en Europa, disco coniderado por uno Ronnie Atkins como el mejor trabajo de la banda canción por canción. Durante ésta década tienen tiempo para pulbicar todavía dos discos más, Kingmaker (2016) y Undress Your Madness (2019).

Es Pretty Maids una más que interesante banda de rock danesa que consiguió abrir brecha y expandir fuera de sus fronteras el hard rock y el hevy metal danés, y que a día de hoy podemos seguir disfrutando, pues es habitual verla dándolo todo en directo además de en Dinamarca, en países como Suecia, Alemania y España sobre todo.

0025: Whole Lotta Shakin' Goin' On - Jerry Lee Lewis

 

Whole Lotta Shakin'Goin' On

     Whole Lotta Shakin' Goin' On es un tema que popularizó Jerry Lee Lewis con su vibrante versión rock and roll, y que generó cierta polémica en cuanto a la autoría, pues tanto el cantante Dave "Curlee" Williams como el pianista James Faye"Roy" Hall se atribuyeron la autoría de la canción. En marzo de 1955 aparece la primera grabación del tema, bajo el sello dicográfico Okeh Records, hecha por la cantante Big Maybelle, y firmada por Curlee. En septiembre de 1955 Roy Hall hace una grabación del tema para Decca Records, manteniendo que él la había escrito y registrado bajo el pseudónimo "Sunny David". Sin embargo, una demo de la grabción de Hall para Decca acreditaba a Curlee como único autor. La cosa quedaría solucionada al aparecer todas las grabaciones posteriores firmadas por Dave Curlee y Roy Hall (bajo el pseudónimo de Sunny David).

Hall era compositor y pianista, dirigía un local de música en Nashville, y además tocaba en la banda del popular cantante Webb Pierce. Al parecer, el origen de la canción la encontramos en 1954 en el lago Okeechobee ubicado en Florida, donde se encontraban Curlee y Hall pescando. Se encontraban ebrios, cuando en un momento dado escucharon el sonido de una campana en medio del lago, comenzaron a bromear sobre ello, y lo reflejaron en un tema que se acabó llamando Whole Lotta Shakin' Goin' On. Jerry Lee Lewis y Hall se conocieron en 1954, año en el que Hall contrata a Jerry para que toque en el local que dirige. 

     En 1956 Jerry ficha por la discográfica de Sam Phillips, Sun Records, y graba su dos primeros temas para el sello, una versión de Crazy Arms de Ray Pierce, y una canción suya llamada End Of The Road, temas con los no obtiene apenas repercusión. Cuando llega el momento de grabar su siguiente tema para Sun Records, Hall desempolva Whole Lotta Shakin' Goin' On y se la ofrece a Jerry para que la grabe.

Jerry acepta y coge la canción, pero le da una vuelta de tuerca y le hace sus propios arreglos bajo la supervisión del productor Jack Clement. Jerry le añade un explosivo ritmo de piano, una potente percusión y le añade una parte hablada. A pesar de que a Sam Phillips no le acaba de convencer el tema debido a su alto contenido sexual, acepta y el tema se graba y aparece publicado el 15 de abril de 1957 como cara B de un sencillo que incluía como cara principal el tema It'll Be Me. La mayoría de las emisoras de radio del país son reticentes y censuran Whole Lotta Shakin' Goin' On por su alto contenido sexual, y aún así la canción se funciona y se vende bastante bien, sobre todo en el sur de Estados Unidos. Habría que esperar a que Jerry aparezca en el programa televisivo The Steve Allen Show el 28 de julio de 1957 e interprete el tema, para que se convierta en un auténtico trallazo, pues a partir de ahí el tema se convierte en un exitazo nacional y vende más de 6 millones de copias. El tema alcanza el puesto número 1 en la lista del país Billboard R&B, el número 3 en la Billboard Hot 100, y el puesto número 8 en la lista de ventas del Reino Unido. 

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0024: All Shook Up - Elvis Presley

0024 La música en canciones: All Shook Up - Elvis Presley

Vamos hablar de uno de los clásicos de Elvis Presley, que uno de los grandes éxitos de su carrera como artista, estamos hablando del clásico All Shook Up, que fue escrito por Otis Blackwell, con arreglos del propio Elvis (Presley), que el propio Elvis, durante una entrevista el 28 de octubre de 1957, dijo: "Nunca tuve una idea para una canción. Solo una vez, tal vez. Me fui a la cama una noche, tuve un gran sueño y me desperté todo agitado. . Llamé a un amigo y le conté. Por la mañana, tenía una nueva canción, 'All Shook Up' ".

La fuerza de Elvis hizo que All Shook Up lograra entrar a todas las listas más importantes de Estados Unidos (pop, country y R&B), permaneciendo en todas ellas durante ocho semanas en 1957, desde el 13 de abril hasta el 27 de mayo. El sencillo fue certificado 2x Platino por la RIAA.​ En la lista de R&B, "All Shook Up" fue el segundo sencillo de Elvis en alcanzar el número uno.

"All Shook Up" se a definido dentro del rock como un género de rock suave. Esta canción también ha demostrado ser una versión cada vez más popular entre los amantes del rock, obteniendo versiones de Paul McCartney, Carl Perkins, Jeff Beck, Ry Cooder, Suzi Quatro, Cliff Richard, Albert King, Jim Dale y Humble Pie, entre otros. 

Daniel
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David Bowie - Low (Mes David Bowie)

 "Hoy voy a empezar a construir la casa dónde estaré para toda la vida..."

No, no me he despistado, creyendo que estoy de nuevo en el #MesCoqueMalla en lugar del #MesDavidBowie. Es que creo que Berlín, la canción de Coque, refleja perfectamente el momento vital en el que se encontraba David Bowie, en el momento de crear y publicar Low (1977), el disco con el que abrió algo más que lo que todos conocemos como su "Trilogía de Berlín" (Completada con los posteriores Heroes y Lodger). Con este disco, y más concretamente con la decisión previa de alejarse del "star system" y buscar el anonimato en Berlín, David Bowie buscaba un nuevo comienzo, una búsqueda de sentido y de dirección para su vida, inmerso como estaba en una lucha por salir del infierno de las drogas. No es de extrañar que un cambio de este tipo no acabara también manifestándose en un cambio relevante en su enfoque artístico. Low nace de ese estado vital y de ese momento personal concreto, además de la fascinación de Bowie por la escena musical alemana.

Tampoco estoy construyéndome una casa, aunque acabo de comprarme una nueva, y espero que sea para toda la vida. Cambiarse de casa es un cambio muy relevante, y una apuesta por un nuevo comienzo. En un pequeño cuarto de esa casa, montaré mi rincón para la música. Será un lugar presidido por estanterías llenas de vinilos y compactos, recopilados durante toda una vida. En ese lugar, habrá un espacio reservado para The Man Who Fell to Earth (1976), la película en la que Bowie encarnó a un extraterrestre llegado a La Tierra. Para la banda sonora del film, le propusieron que trabajara en varios temas, que finalmente no fueron utilizados. Ahí surgió el germen de lo que un año después sería Low, y quizá para reconocer ese nexo con la película, la portada del disco es una imagen de Bowie caracterizado como el personaje que interpretó en el film.

En Berlín, Bowie rompe con el pasado, y mira directamente hacia el futuro, aunque aún no sabe bien que dirección seguirá para encontrarlo. En algún momento, descubrió hacia dónde apuntaba ese Norte, y quizá mirándose en el espejo en alguna de las habitaciones del piso de la Hauptstrasse, se dijo algo parecido a "Voy a saltar, voy a nadar hasta otro lugar, para toda la vida", y tuvo claro que no seguiría el camino de discos anteriores como Young Americans, como le hubiera gustado a los directivos de la discográfica, sino que daría un paso más allá en el enfoque experimental iniciado en Station to Station. Con la inestimable ayuda de Brian Eno y del productor Toni Visconti, empezó a dar forma al que probablemente sea el disco más experimental de su carrera, un disco de culto y situado en las antípodas de lo que pueda considerarse un disco convencional.

UN RECORRIDO POR LAS HABITACIONES DE "LOW"

Veo la pared donde colgué, las fotos que acumulé, durante toda la vida. No reconozco a nadie, y sin embargo, cuando pienso que eran rostros que ayer eran toda mi vida, sé que ya no estoy, y que no quiero mirar la pared nunca más en la vida"

El disco comienza con Speed Of Life, corte instrumental en el que destacan los efectos electrónicos en los teclados, y la áspera guitarra de Ricky Gardiner, primer ejemplo del sonido oxidado y sin depurar que será la gran seña de identidad de toda la primera parte del disco. Con Breaking Glass el disco empieza a contagiarse del tono triste, oscuro y críptico de las letras, que aquí parecen reflejar aspectos de su pasado de los que se arrepiente ("No mires a la alfombra, dibujé algo desagradable en ella". Menos personal es el enfoque de What in the world, con la colaboración de Iggy Pop en los coros. Iggy fue uno de los pocos "rostros de la pared" de los que Bowie no quiso separarse, y aunque su participación en el disco se reduce a este tema, el retiro en Berlín del Duque Blanco no se entiende sin su presencia como compañero de piso y de aventuras en la capital alemana.

Low alcanza su momento más alto en Sound And Vision, tema muy por encima del resto de canciones, y que no por eso puede ser etiquetado como el más convencional. Al contrario, el desamparo que embargaba a Bowie se cuela en la aparentemente inofensiva y colorida letra. El "azul de la habitación en la que viviré" hace referencia a la tristeza,  y las "persianas pálidas todo el día" nos hablan de la depresión que no le permite ver la luz. Es Bowie aislado en su retiro voluntario, sin "nada que hacer, nada que decir", sólo esperar que la inspiración le llegue ("Me sentaré, esperando el regalo del sonido y la visión"). Todo un hit agridulce, que sin duda sonará insistentemente en la terraza de mi nueva casa, dónde pienso "preguntarme a veces sobre el sonido y la visión" con una buena cerveza en la mano.

Always crashing in the same car profundiza en el difícil momento vital que atravesaba. En todo propósito de cambio, hay momentos en los que las cosas parecen no estar saliendo de acuerdo a lo planeado. En una genial metáfora, inspirada en un accidente de coche real, Bowie describe esa sensación de estar dando "vueltas y vueltas en círculo" sin encontrar una salida, y resignado a acabar "estrellándose siempre contra el mismo coche". El tratamiento instrumental, con las guitarras y los teclados distorsionados, y la dejadez con la que la voz de Bowie transmite esa rendición ante el insalvable destino, la convierten en un tema tan irónico como brillante.

Be My Wife tiene un peso bastante marcado de los teclados, tanto en el ritmo como en las secciones de transición melódica, y podríamos decir que es, además de Sound and Vision, el otro hit radiable del disco, dentro de un álbum con pocas balas que disparar en radios convencionales. La primera cara termina con el tema más positivo, A New Career in a New Town ("Una nueva carrera en una nueva ciudad"), que reafirma con su título el proyecto de vida que se escondía tras la experimentación musical de Low. Un tema instrumental que cierra una primera parte que tiene, en sí misma, entidad de obra redonda y terminada, y muy diferente a lo que encontraremos al girar el disco.

Influido por la música vanguardista del emergente estilo Krautrock de grupos como Neu! o Kraftwerk, los temas del segundo tramo de Low son auténticos experimentos de música ambient. Temas como Art Decade o Weeping Wall pierden, con su ambiental minimalismo, el carácter áspero y urbano de los temas anteriores. A cambio, ganan en vanguardismo atmosférico y marcadamente instrumental, salvo por los puntuales gritos tribales de Bowie en Warszawa, o la breve letra de Subterraneans (el mejor tema de esta parte del disco). Son estancias de la futura casa muy marcadas por la influencia de Brian Eno, y que me generan menor entusiasmo. Algo así como el trastero, el tendedero o la plaza de parking, estancias menos cálidas de esa casa que Bowie empezó a construir, y de ese Berlín en el que no sabemos si llegó a pensar quedarse "para toda la vida".

0023: The Everly Brothers - Bye Bye Love

The Everly Brothers eran hermanos (Don y Phil Everly) tal como anuncian en su nombre artístico, nacen en 1937 y 1939 respectivamente dentro de una familia de artistas country que recorrían el país dando recitales en pequeños locales. Su primer sencillo apenas tendrá repercusión, pero atrae la atención de ese genio de la guitarra que fue Chet Atkins que los apadrina y les consigue un gran contrato y el inicio de una carrera fulgurante. Bandas como The Beatles, The Hollies, The Byrds, The Mamas and The Papas o el dúo Simon & Garfunkel, reconocieron su influencia y entre las versiones más conocidas están las de Roy Orbison, Ray Charles, The Righteous Brotheres, Simon and Garfunkel, George Harrison, The Proclaimers o The Coral.

“Bye Bye Love” fue grabada en 1957 en los estudios RCA de Nashville bajo la supervisión del gran guitarrista y productor de country Chet Atkins amigo de la familia que ayudó a los Everly Brothers a conseguir su primer contrato discográfico con Columbia Records. Sin embargo, su primer sencillo, "Keep A 'Lovin' Me", fracasó y el sello los eliminó. Chet les presentó un nuevo tema compuesto por una reconocida pareja de autores, el matrimonio Felice y Boudleaux Bryant, y que llegó por casualidad a las manos de Chet Atkins después de haber sido despreciada por más de una treintena de artistas. El éxito fue impactante en gran parte debido al arreglo que el dúo le implementó con su famoso trémolo al inicio y aderezado con la perfecta armonía de sus voces, lo cual desencadenaría en el popular “Sonido Everly” creado también por sus famosas guitarras Gibson acústicas de tapa plana. El tema fue un bombazo y enseguida llegó al nº 2 de las listas Billboard USA. Fue tan rápido que los hermanos Everly, recién regresados de una gira de tres semanas a lo largo del Mississippi, se encontraron con la sorpresa de haberse convertido en los ídolos musicales de toda América.

La canción arranca con un riff de guitarra mítico que da paso a la armonía cerrada de las dos voces y la perfecta coordinación de las dos guitarras, creando un efecto magnífico, siendo apoyados por un leve ritmo de batería. La letra nos habla de un amor que ha terminado por culpa de un tercero y de la tristeza que deja.

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La música en historias: Los músicos de sesión XVII

 

     Los músicos de sesión, esa fuente inagotable de recursos a la que los artitas pueden recurrir para sacar con éxito sus trabajos. La ventaja de los artistas con estos músicos, no tienen por qué tener ni disponer de su propia banda para sacar adelante esos proyectos y trabajos. Vamos con la decimoséptima entrega dedicada a los músicos de sesión y su vital importancia dentro de la música.

Reese Wynans, teclista estadounidense nacido en 1947. Crece en sarasota, Florida, y al igual que sus seis hermanos empieza a recibir lecciones de piano, con la particulardad que es el único de los hermanos al que le gusta realmente tocar dicho instrumento. Entre noviembre de 1968 y marzo de 1969 forma parte de la banda Second Coming, donde se econtraban dos de los futuros fundadores de los Allman Brothers Band, Dickey Betts y Berry Oakley. Estuvo  involucrado en las sesiones iniciales que llevaron a la formación de Allman Brothers, pero al final no formó parte ya que el tecldista elgido fue Gregg Allman, y Duane allman no quería una banda con dos tecladistas. En 1973 se une a la banda Capitan Beyond, y graba sufficiently Breathless, pero renuncia después de tocar un sólo concierto con la banda, el motivo: a pesar de ser una gran banda, estaba muy desorganizada, algo que no gustaba a Reese. A partir de mediados de los 70 toca en varias bandas, como la de Jerry Jeff Walker, The Explosives, Debert McClinton, trabajando incluso con Carole King. En 1985 se une a Stevie Ray Vaughan y la Double Trouble, donde permanece en la misma hasta el fallecimiento de Ray Vaughan en 1990. Tras la muerte de éste realiza giras para varias bandas. En 1992 se muda a Nashville, Tennessee, donde se establece y toca los eclados como músico de sesión sobre todo para artistas country y blues. Brooks & Dunn, Trisha Yearwood, Martina McBride, Hank Williams Jr, Buddy Guy, Ana Popovic, John Mayall, Kenny Wayne Shepherd, Colin James, Joe Bonamassa y Eli Cook son algunos de los artistas con los que ha trabajado durane su extensa carrera musical.

Anton Fig, baterista sudafricano nacido en 1952 en Ciudad del Cabo. Más conocido como "The Thunder From Down Under", y su trabajo en la banda Paul Shaffer And The World's Most Dangerous Band, la banda de apoyo del programa nocturno de David Letterman. Empieza a tocar la batería a los cuatro años, y después de ganarse una buena reputación local tocando en varias bandas locales, se muda Boston para poder seguir su progresión musical, estudiando en el Conservatorio de Música  de Nueva Inglaterra (Boston), donde estudia jazz y varias disciplinas clásicas. Una vez graduado, se muda en 1976 a Nueva York donde empieza a hacerse una carrera como músico. En 1978 toca en el disco en solitario de Ace Frehley, el guitarrista principal de Kiss, con quien trabajaría también de 1984 a 1987 en su proyecto en solitario Frehley's Comet. En 1979 es el reponsable de grabar la batería en todos los temas menos en uno del álbum Dinasty  y todas las canciones del álbum Unmasked de Kiss. Al parecer los productores pensaban que Peter Criss, el batería de Kiss, tenía un probelma con las drogas y no estaba en forma. Fue miembro de la banda Spider entre 1980 y 1982, y en 1986 ficha como baterista de la banda de Paul Shaffer, grupo que trabaja para la NBC primero y la CBS después acompañando siempre a David Letterman. Algunos de lo artistas con los que ha trabajado son Bob Dylan, BB KIng, Peter Frampton, Cyndi Lauper, Link Wray, Eric Johnson, Joe Bonamassa, Beth Hart, Mick Jagger, Gary Moore, Joe Cocker, Joe satriani, Paul Simon y Booker T & The MG's.

Jeff Bova, tecladista, trompetista, arreglista, compositor y productor estadounidense, nacido en Washington DC, Estados Unidos en 1953. Hijo de un tompetista profesional, coge éste instrumento como referencia desde su niñez, continuando con él en la escuela primaria, y posteriormente en la prestigiosa Berklee College of Music y en la Manhattan School of Music, llegando a recibir lecciones de la leyenda de la trompeta Maury Deutsch. Sin embargo, al final elige los teclados como instrumento de referencia y se especializa en él. Después de dejar la universidad se une a una banda de jazz fusión llamada Flying Island, y posteriormente se muda a Nueva York, donde forma parte de la banda de R&B Change desde 1982 hasta 1984. En 1983, después de colaborar con Norah Hendryx, conoce al bajista y productor de discos Bill Laswell, con quien trabaja durante los cinco años siguientes, incluyendo trabajos en bandas sonoras de películas, como por ejemplo Colors, protagonizada por Sean Penn. Su productiva carrera como músico de sesión, arreglista y productor ya no parará, y su trabajo con artistas como Celine Dion, Meat Loaf, Robert palmer, Yoko Ono, David Lee Roth, Billy Joel, Iggy Pop, Eric Clapton, Richie Sambora, Europe y Iron Maiden entre otros tantos, son una buena muestra de ello.

Thomas Lang, Baterista, multiinstrumenstista, compositor y productor de discos austriaco. Nacido en Viena en 1967, además de ser miembro fundador de la banda de metal progresivo stOrk, es un reputadisimo músico de sesión internacional que abarca una amplia variedad de géneros como jazz, rock, pop, heavy metal, jazz fusión o rock progresivo entre otros. Su fuerte es la batería, pero también toca guitarra, bajo y teclados. Comienza a tocar la batería a la edad de 5 años, y estudia en el Conservatorio de Música de Viena. Una vez acabados sus estudios en el conservatorio en 1985, comienza a abrirse paso en la escena musical europea, pero será en 1990, cuando se muda a Londres (Inglaterra), cuando empieza a despegar internacionalmente. El estilo y práctica de Lang con la batería se convierte en 1995 en la base de unos vídeos instructivos que son lanzados ese año, y en 2004 son reeditados. En 2007 lanza una gira en forma de campamento, el cual es una experiencia de percusión educativa llamada Thomas Lang Drumming Boot Camp, y dicha experiencia educativa la ha seguido compartiendo hasta la fecha, siendo reconocido y galardonado su concepto educativo en 35 países además de albergar más de 120 campamentos por todo el mundo. Su compromiso con la educación musical es tal, que es asiduamente invitado en universidades, seminarios de batería y campamentos de batería de todo el mundo. Como músico de sesión ha colaborado, entre otros muchos, con artistas de la talla de Paul Gilbert, Glenn Hughes, Robert Fripp, Peter Gabriel Asia, Tina Turner, Sugababes, Steve Hackett, Falco, Nina Hagen, Mick Jones, George Michael, Bonnie Tyler y la Orquesta de Arte de Viena.

Andrea Álvarez, baterista, percusionista, cantante y compositora argentina, nacida en Buenos Aires en 1962. formó parte de Rouge, la primera banda de rock argentino integrada únicamente por mujeres. Andrea es pionera entre las bateristas mujeres argentinas, y la primera en llevar y consolidar la carrera con la batería profesionalmente en aquel país. En 1979 entra a formar parte de Rouge reemplazando a Mary Sánchez, y permanece en la misma hasta su disolución a principios de la década de los 80. Como músico de sesión ha colaborado con artistas de la talla de Charly García, Davi Lebón, Memphis la Blusera, Los Rodríguez, Los Tipitos, Marcela Morelo, Patricia Sosa, Attaque 77, Celia Cruz, Tito Puente, Alex Acuña y Draco Rosa entre otros. Aunque una de sus colaboraciones más destacadas es la que hizo con Soda Stereo, con quién toca durante tres años, tanto en la grabación de tres de sus discos (Languis, Canción Animal y Mix), como en giras y shows de despedida de la mítica banda argentina. A finales de la década de los 90 comienza a producir su propia música, primero con el proyecto llamado Plusmadre (un ensamble de percusión formado por mujeres), y posteriormente en solitario. Desde entonces ha publicado ya dos EP's, cuatro discos de estudio y un directo. En 2015 recibe un premio Konex (premios argentinos para reconocer cada año a las personalidades e instituciones más distinguidas en la ramas del quehacer argentino y que sirven de ejemplo para la juventud) a "Mejor artista femenina de rock de la década" junto a otras cinco solistas femeninas argentinas, y en 2016 fue nominada en los premios Grammy Latinos en la categoría de "Mejor álbum de rock" por su disco Y lo dejamos venir.

0022: Venus de Milo - Miles Davis

Venus de Milo es una de las canciones más destacables del disco Birth of The Cool de Miles Davis, publicado en 1957 en el sello Capitol. La historia de la canción se remonta a finales de los años cuarenta, una época en la que el apartamento de Gil Evans en la calle 55 de Nueva York era un lugar frecuentado por muchos músicos de jazz, que siempre encontraban la puerta abierta para pasar el rato improvisando con sus instrumentos. Varios de aquellos músicos (John Carisi, George Russell, John Lewis, Johnny Mandel y Gerry Mulligan) decidieron formar un grupo, y pensaron en Miles Davis como trompetista principal. Gerry Mulligan compuso la mayor parte del material para aquel grupo, incluyendo una canción llamada Venus de Milo, que acabaría formando parte del disco Classics in Jazz: Miles Davis, una primera versión, de solamente ocho temas, de lo que después sería Birth of the Cool. 

Venus de Milo es una grabación particularmente compleja, debido a la inclusión de una trompa y una tuba, instrumentos que tienen prestaciones más lentas que las del saxofón o la trompeta, por lo que fueron necesarios muchos ensayos y varias tomas para lograr ajustar toda la sección de vientos y lograr la ligereza en el ritmo que Mulligan había imaginado para la canción. Formó parte tanto de la primera versión del disco, como de la versión definitiva de 1957, ya bajo el título de Birth of the Cool, y con los once temas que se grabaron para el disco, entre los años 1949 y 1950 en los estudios WMGM de Nueva York.

La crítica trató bien a ambas versiones del disco, considerando la obra final como una de las referencias clave del jazz, creada por un Miles Davis inquieto y veinteañero, que se rodeó de solventes músicos de la efervescente escena jazz neoyorkina, para plasmar en el disco sus pioneras ideas sobre la improvisación, aplicando ese particular tratamiento a temas como Move, Jero, Budo o la ya mencionada Venus de Milo.

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El disco de la semana 209: Camel - Mirage

 

Mirage, Camel

     Para hablar de nuestra siguiente recomendación semanal pemitirme que primero me detenga en la llamada "Escena de Canterbury", también conocida como "Sonido de Canterbury", imprescindible para entender a uno de sus mayores precursores. Así se llama al grupo de músicos o bandas cuyo auge se sitúa a finales de los años 60 y principios de los 70, y que fue formado en torno a la ciudad de Canterbury. El denominador común fue la forma de entender la música, una magnífica mezcla de rock y jazz con tintes y aderezos de música psicodélica. 

Corría el año 1960, y un joven chico australiano llamado Daevid Allen se hospeda en la casa de huéspedes propiedad de los padres de Robert Wyatt, situada en la localidad de Lydden, a unos 16 km de Canterbury. Allen traía consigo una buena colección de discos de jazz, los cuales le influencian como músico. Allen y Wyatt hacen amistad, y en 1963, junto a Hugh Hopper fundan Daevid Allen Trío, que posteriormente pasaría a llamarse Wilde Flowers. Sería esa formación, Wilde Flowers, el caldo de cultivo que da orígen a todo el movimiento, pues en ella se encontraban los músicos que acabarían formando Soft Machine y Caravan, las cuales a su vez fueron las inspiradoras y precursoras de todas las bandas posteriores. En 1966 Daevid Allen, Kevin Ayers y Mike Ratledge fundan Soft Machine. Se acababa de asentar el movimiento de la Escena de Canterbury, alcanzando su pleno apogeo. Grandes bandas han representado este estilo, las citadas Soft Machine y Caravan, Gong, Hatfield and the North, National Heart, Egg, Gilgamesh, Quiet Sun, y la recomendada para ésta ocasión por 7dias7notas, Camel.

 Andrew Latimer (guitarra, flauta), Andy Ward (batería, percusión) y Doug ferguson (bajo), habían estado tocando como un trío llamado The Brew. En febrero de 1971 realizan una audición para ser la banda de respaldo del cantante Phillip Goodhand-Tait, con el que lanzan ese mismo año un álbum titulado I Think I'll Write A Song. El grupo decide reclutar al tecladista Peter Bardens y posteriormente cambian el nombre del grupo, acababa de nacer Camel. El 4 de diciembre de 1971 dan su primer concierto como Camel apoyando a Wishbone Ash en el Waltham Forest Technical College de Londres. Unos meses después, concretamente en agosto de 1972, consiguen su firmar con RCA Records, y en febrero de 1973 lanzan primer álbum de estudio, titulado Camel. El disco apenas tiene repercusión, lo que hace que el grupo cambie de discográfica, marchádose a Deram Records, subisidiaria de Decca Records. 

En noviembre de 1973, Latimer, Bardens, Ward y Ferguson graban entre los Island Studios, Decca Studios y AIR Studios, todos en Londres, el material que compondrá su segundo álbum de estudio. Un material que es publicado en marzo de 1974 bajo la discográfica Deram Records y bajo la producción de David Hitchcock. El título: Mirage. Un trabajo con el que Camel da un gran salto adelante para instalarse en el grupo de grandes formaciones de rock progresivo, y donde Latimer además de guitarrista, también se destapa como una gran flautista.

Abre este disco compuesto únicamente por cinco temas, Freefall, compuesta por Peter Bardens, donde nos encontramos las líneas maestras por las que va a discurrir el disco, una batería y un bajo marcando el rítmo y unos intercambios magníficos entre el teclado de Bardens y la guitarra de Latimer. Supertwister, suave tema instrumental dedicado a la formación holandesa Supersister , y donde destaca la elgante forma de tocar la flauta de Latimer y su exquisita técnica. The White Rider: Nimrodel/The Procession/The White Rider, compuesta por Latimer, podemos apreciar la influencia del escritor J. R. R. Tolkien en estos chicos. El tema consta de tres partes con una compleja composición y que ya deja entrever el camino que la banda seguirá en el futuro con la dificultad y maestría de estas composiciones. El tema nos relata la historia de Nimropel, una bella dama enamorada de Amroth, el rey élfo de Lothlórien. Un tema que es capaz de transmitirnos diferentes estados de ánimo según va avanzando, en definitiva, una maravilla dentro del rock progresivo. Earthrise, compuesta por Bardens y Latimer, tema donde cobran protagonismo los fuertes sólos de guiarra de Latimer acompañados de un trabajo descomunal de la batería de Ward. y llegamos al final con otra maravilla / obra maestra del rock progresivo, Lady Fantasy: Encounter/Smiles for You/Lady Fantasy, compuesta por los cuatro integrantes, Ferguson,Ward, Bardens y Latimer, dividido en tres partes y donde vuelven a demostrar la mestría a la hora de componer complejos temas. Es un épico tema y otro de los momentos cumbre del disco, donde podemos apreciar el clásico sonido rock que el grupo hace en su primer trabajo, y que según va avanzando el tema, va virando hacia un sonido más progresivo con los poderosos riffs de Latimer y un magnífico Bardens al frente del órgano Hammond. 

Latimer, Bardens, Ward y Ferguson con éste segundo trabajo, Mirage, establecieron lo que sería el sonido de Camel y que a la postre influenciaría a tantas otras bandas de rock progresivo.Sin duda es éste un álbum imprescindible en la biblioteca de cualquier seguidor del rock progresivo.

0021: School days - Chuck Berry

 

School Days, Chuck Berry

     School Days, también conocida como School Day (ring! Ring! goes the Bell), es un vibrante rock and roll compuesto por Chuck Berry. El tema fue grabado el el 21 de enero de 1957 en los Universal Recording Studios de Chicago, Illinois. La grabación es producida por los hermanos Phil y Leonard Chess, propietarios del sello Chess Records. Para la grabación, Chuck se encarga la parte vocal y la guitarra, y es acompañado en el estudio por Johnnie Johnson al piano, Hubert Sumlin a la guitarra, Willie Dixon al bajo y Fred Below a la batería, casi nada. El tema es publicado por el sello Chess Records como single en marzo de 1957, y en mayo de 1957 como tema incluido en el álbum de Chuck Berry After School Session.

El tema alcanzó el puesto número 5 en la lista Billboard Hot 100 y el puesto número 1 en la lista de Best Sellers de R&B, convirtiéndose también en el primer tema de Berry que se posiciona en la lista de singles del Reino Unido, alcanzando el puesto número 24. Hay gente que confunde el título de este tema, pensando que es la primera línea del último verso, "Hail, heil, rock 'n' roll". Esta línea se usó para dar título al documental que se hizo sobre Berry en 1988. 

La canción trata sobre la vida adolescente en la escuela secundaria en los años 50. Berry sabía que podía vender mucho si orientaba su música hacia el público adolescente. La temática versa básicamente en como pasar el día en la escuela mientras uno piensa en bailar y estar con su chica. Las paradas e inicio de la canción simulan y evocan las pausas en la escuela secundaria, cuando se pasa de una clase o actividad a otra diferente. Para Berry fue un gran cambio pasar de la escuela primaria, donde se permanecía todo el día en la misma clase, a la escuela secundaria, con todo el ajetreo que aquello suponía.

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La música en historias: El primer lanzamiento de Virgin Records

 

TubularBells, Mike Oldfield

     Finales de la década de los 60 y principios de los 70, un joven británico llamado Richard Branson se dedica a comprar discos pirata y de saldos para luego venderlos a través de outlets o desde su coche como improvisado punto de venta, y posteriormente se dedica a venderlos por correo bajo pedido. Este joven visionario y emprendedor consigue abrir a principios de los 70 un pequeña y modesta tienda de discos en situada en Oxford Street, Londres. Poco a poco va creciendo, y su siguiente paso es comprar con los beneficios obtenidos un lugar donde instalar un estudio de grabación.

Nos encontramos en 1972, y un joven multiinstrumentista británico llamado Mike Oldfield, había compuesto con tan sólo 17 años una pieza instrumental. Oldfield había ofrecido la maqueta de su composición a varias discográficas, pero no había consguido que ninguna se interesara por ella, la razón, se trataba de una composición instrumental muy extensa, a diferencia de las composiciones de la época, lo cual no hacía su producto atractivo de cara a la venta. 

Ese mismo año, 1972, Richard Branson, que poseía ya unas cuantas tendas de venta de discos a domicilio, funda Virgin Records, su propia discográfica junto a dos amigos más, Simon Draper y Nick Powell. El estudio de la compañía era una mansión llamada The Manor, situada en Oxfordshire, a las afueras de Londres, y era pionero en Inglaterra, pues allí las grabaciones se hacían de manera artesanal. A manos de Tom Newman y Simon Heyworth, que trabajaban por entonces en The Manor, llega la maqueta de Mike Oldfield y quedan fascinados e impresionados. Mike y Simon se la muestran a Richard Branson y hacen que éste se interese por ella. 

Richad Branson apuesta entonces por el joven Mike Oldfield, y graban la composición de éste. Al tratarse de una larga sinfonía ejecutada por multidud de instrumentos (Casi todos ellos grabados por Mike Oldfield), tuvieron problemas técnicos para poder grabarlos en The Manor, pues sólo disponian de una mesa de ocho canales para grabar todas las pistas, y tuvieron que recurrir a trucos artesanales para conseguirlo. El 25 de mayo de 1973 se publica la composición de Mike Oldfield, llamada Tubular Bells, bajo el sello discográfico de Virgin Records, convirtiéndose en el primer lanzamiento de la joven discográfica. Parte de la música de Tubular Bells también se usa para la banda sonora original de la película El Exorcista (1973), dirigida por William Friedkin. 

Los caminos de Richard Branson y Mike Oldfield se juntaron para conseguir algo muy grande, por una lado, convertir Tubular Bells, el primer lanzamiento de la joven compañía, en uno de los discos más vendido de la historia del rock, vendiendo más de 16 millones de copias en todo el mundo, encaramándose en las listas británicas de éxitos durante 279 semanas seguidas, y por otro lado dar un espladarazo fundamental a una compañía que creció hasta convertirse en una de las más potentes del mercado mundial, y que durante su historia ha conseguido tener un amplio catálogo de artistas como Roy Orbison, Keith Richards, Janet Jackson, Culture Club, Simple Minds, Lenny Kravitz, The Smashing Pumpkins y Avicii entre otros muchos.

0020: Long tall Sally - Little Richard

Perteneciente al primer album de estudio del artista, Here Little Richard, al que sin duda mas le debemos en el nacimiento del Rock and roll, suyas fueron las siguientes palabras en una entrevista realizada en 2013, "El rock comenzó conmigo y la gente de hoy no lo sabe", por supuesto Mr. Richard. Si preguntas a alguien quienes fueron Bill Haley o el creador de esta canción posiblemente no tengan ni idea, y sin embargo para la música moderna son dos de los colosos que dieron un paso de gigante en la música como hicieran Picasso en la pintura o Giacometti en la escultura. La dotaron de una fuerza y vitalidad tal que su impulso se mantiene hasta hoy en día, y olvidarse de ellos es algo que no podemos consentir desde este blog.

Buena parte del rock and roll encuentra su raíz en el blues. Y esa es, precisamente, la naturaleza de este Long Tall Sally, un blues de doce compases que se convertiría en uno de los éxitos más grandes de la carrera de Little Richard y que terminó de adquirir el estatus de clásico cuando los Beatles la hicieron suya. Richard escribió esto mientras trabajaba como lavaplatos en una estación de autobuses Greyhound en Macon (Georgia), es una canción que te deja boquiabierto, de una velocidad increíble, fuera de los estándares de ese 1956, que incluye el coro stop and go tan típico de esa época, pero ademas contiene un solo de saxofón brillante. La canción nos cuenta la historia del tío John que está fuera de casa porque dice que está enfermo, pero que en verdad se lo está pasando de miedo con la "larga y alta Sally". Su sobrino se entera y lleva a la tía Mary para que le cante las cuarenta mientras él se lo pasa en grande. Richard explicó que realmente existió una "Long Tall Sally", pero no era una travestí como a veces se informó, Sally era una amiga de la familia que siempre estaba bebiendo whisky, ella decía estar resfriada y que estaba bebiendo tés calientes para que la calmaran durante todo el día. Richard la describió como alta y fea, con solo dos dientes y con los ojos muy abiertos. 

El tema ha tenido multitud de versiones, sin duda una la mas conocida fue la de The Beatles, pero también artistas como Marty Robbins, Wanda Jackson, The Kinks (fue su primer single) o ya en el Siglo XXI el grupo Cinderella hicieron suya esa canción. Paul McCartney, llegó a confesar en cierta ocasión que “la primera canción que canté en público fue “Long tall Sally”, y para mí Little Richard es uno de los reyes del rock and roll. Además es un gran tipo, al que ahora considero mi amigo”.

La cancion la podemos encontrar en el album Here's Little Richard incluido en el libro 1001 un discos que debes escuchar antes de morir

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David Bowie - Station to Station (Mes David Bowie)

La música en historias: Station to Station - #MesDavidBowie

Un disco que ni se acuerda el propio David Bowie, según sus dichos por el mismo musico, porque fue una época muy compleja para el músico por su adicción a las drogas, pero este disco de apenas seis canciones.

Pero David Bowie hace una transición del funk y el soul, haciendo un salto hacia sintetizadores y ritmos motorik influenciados por bandas electrónicas alemanas. Una curiosidad del disco, todas las canciones de Station to Station, excepto la que da el título al álbum, eventualmente fueron publicados como sencillos.

Pero vamos con la producción del disco Station to Station fue grabado en 1975 en Cherokee Studios, Los Ángeles, la grabación fue realizada en 10 días de actividad frenética, pero no solo eso fue lo frenético de este disco, el propio David Bowie no recuerda casi nada de la producción del álbum, ni siquiera del estudio, admitiendo el propio artista en declaraciones que "Supe que estaba en L.A porque lo leí".​ El cantante no era el único que abusaba de la cocaína durante las sesiones, Carlos Alomar (Guitarrista) comentó, "Si había una raya de coca que te mantuviera despierto hasta las 8 de la mañana, entonces podías hacer tu parte en la guitarra, y seguías con la raya [...] el uso de coca es impulsado por la inspiración". 

Al igual que Bowie, Earl Slick tiene pobres recuerdos de la grabación "El álbum es un poco borroso ¡por razones obvias! Estábamos en el estudio y fue genial, pasábamos ahí un montón de horas, un montón de noches".

Lo cierto es que pese al olvido de sus artistas Station to Station esta entre los mejores álbumes de Bowie y así lo afirmaron los especialistas, Station to Station fue lanzado en enero de 1976, y Billboard consideró que Bowie "había encontrado su hueco en la música", a raíz de temas como "Fame" y "Golden Years", aunque la "canción de diez minutos aburre" (en referencia a la canción "Station to Station"). Y NME lo llamó "uno de los álbumes más significativos de los últimos cinco años". 

Daniel
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0019: Lucille - Little Richard

 

Lucille, Little Richard

     En julio de 1956 Little Richard grababa Lucille, tema que sería publicado en febrero de 1957 como sencillo bajo el sello discográfico Specialty Records. Adelantado a su tiempo, este  es uno de los temas que marcarían el Rock and Roll que estaba por por venir en la década de los 60. El tema aparece acreditado a Albert Collins, que nada tiene que ver con el gran guitarrista de blues, y a Little Richard, aunque en las primeras ediciones de la discográfica aparecía únicamente acreditado Albert Collins, y al parecer Little Richard compró la mitad de lo derechos cuando Albert se encontraba en la Penitenciaría Estatal de Lousiana. 

El tema, un trallazo lleno de un vibrante ritmo, supuso un éxito, alcanzando el puesto número 21 en la lista Billboard R&B de música pop de Estados Unidos, y el puesto número 10 en las listas de ventas de Reino Unido. Little Richard se encarga del piano y la voz en la grabación, siendo respaldado por Lee Allen al saxo tenor, Alvin "Red" Tyler al saxo barítono, Roy Montrell a la guitarra, Frank Fields al bajo, y Earl Palmer a la batería. 

Al parecer, el origen de Lucille data de 1955, cuando Little Richard formaba parte de la banda de Johnny Otis. Ese año compone una balada llamada Directly From My Heart To You, tema que es lanzado como sencillo por la discográfica Peacock Records. Cuando la carrera de Little Richard despega, decide rescatar el tema y junto con Albert Collins decide utilizar el sonido, retocándolo y acelerando considerablemente el tempo. la letra es reescrita y se basa en una mujer que al parecer rompió el corazón de Little Richard en la vida real. Para los efectos y ritmos de Lucille, y al igual que en muchos de sus temas, Little Richard admitía que se basó en los trenes que pasaban por delante de sus casa, y que le solían servir de inspiración. 

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Un país, un artista: Cuba - Silvio Rodriguez

 

Cuba es música, sin duda, en el país del Caribe encontramos multitud de estilos y sus habitantes son unos grandes apasionados de la música, a primeros de los años 60 se desarrolló una revolución musical en Cuba con la aparición del movimiento Nueva Trova. Dentro de este fenómeno musical se destaca el cantautor Silvio Rodríguez, uno de los músicos cubanos más destacados y queridos por el público.

 

Silvio Rodríguez es un artista de origen cubano, destacado guitarrista, cantautor y poeta. Nació en 1949 en San Antonio de los Baños. De origen campesino de escasos recursos económicos. Hijo de Víctor Rodríguez, un agricultor que en sus buenos tiempos fue tallador de diamantes y ebanista y de Argelia Domínguez una ama de casa, aficionada al canto. A lo largo de su infancia participó en varios concursos uno de ellos auspiciados por la emisora CMQ, en el cual ganó el primer lugar con el bolero “Viajera”. Incursionó en la ejecución de la tambora con su tío Ramiro imitando la música de Benny Moré y la Orquesta Aragón. A los 7 años de edad, comenzó a estudiar piano en el Conservatorio La Milagrosa, pero abandonó estos estudios al poco tiempo. En 1959, estalla la revolución liderada por Fidel Castro que derrocó la dictadura de Batista y Silvio se alistó en las Juventudes Socialistas. En 1967 comienza su carrera musical debutando en el programa de televisión “Música y Estrellas” y en 1968, fue conductor del programa de televisión “Mientras tanto”. Junto con otros cantautores como Pablo Milanés, Vicente Feliú y Noel Nicola, conforma el grupo que inició el movimiento artístico, llamado La Nueva Trova Cubana que tuvo sus raíces en la trova tradicional, pero se diferenció de esta debido a que su contenido fue político, en un sentido muy amplio. La Nueva Trova combinó música popular tradicional con textos “progresistas” y frecuentemente politizados, y estuvo relacionada con el movimiento de la Nueva canción latinoamericana, especialmente con la argentina. Algunos de los miembros de la Nueva Trova fueron también influenciados por el rock y la música pop de su época.

 

En 1969, debido a algunos comentarios hechos sobre la popular banda inglesa The Beatles , Silvio fue despedido de su trabajo en televisión. En este momento decide emprender un viaje por mar a bordo del arrastrero Playa Girón. En un viaje que duraría 4 meses, Silvio compuso un total de sesenta y dos canciones, que grabaría en tres casetes de 90 minutos cada una. De aquí surgió una de las canciones más conocidas de Silvio: Ojalá. Además, compuso en este viaje Resumen de noticias , Fábula de Océano , Cuando digo futuro , Hoy no quiero estar lejos de la casa y el árbol , Cleopatra y Playa Girón , entre otros.

El primer disco de gran disco de Silvio fue Dias y Flores, no nos muestra un músico primerizo, sino un músico que ya llevaba muchos años de carrera a sus espaldas, habiendo editado algunos sencillos y participado en obras colectivas. Silvio Rodríguez rompe con esta magnífica obra algunos de los tópicos que suelen atribuirse a la canción de autor, en estos momentos aún llamada "canción protesta", entre ellos el supuesto panfletarismo. Y sí, Silvio Rodríguez tiene canciones políticas, entre muchas otras temáticas, pero haciéndolo siempre desde un enfoque político o inusual, siendo uno de los más claros ejemplo la canción "Días y flores" que da título al disco, cómo desde una sencilla canción de amor se transita a una canción de rabia ante los males que afligen al mundo. También hay espacio para reflexiones filosóficas ante la vida y la existencia, y ante el propio ejercicio de hacer canciones. En 1978 lanzaría su segundo disco, Al final de este viaje , solo con instrumentos acústicos, una de las mejores grabaciones de la historia en español. Este álbum reúne las canciones que demuestran su gran talento, letras íntimas, que incluyen principios políticos y personales, todo cantado una de las mejores voces de la trova. Incluso si uno no fuera seguidor de los valores de la Nueva trova, es innegable la habilidad de Rodríguez para aplicarle poesía sensible a sus ideales. Sencillamente, no se puede discutir con el manejo de las palabras de este señor, pero no son solo las letras, descubrimos un excelente trabajo en guitarra, a la que Silvio sabe sacarle la melancolía y la pasión que su voz encarna. Este disco tendría canciones tan reconocidas como La era está pariendo un corazón, Canción del elegido y Ojalá. Silvio Rodríguez fue a partir de entonces una de las figuras más reconocidas en los escenarios nacionales y uno de los representantes más queridos de la música isleña en el exterior. Mujeres es otro disco casi redondo nuevamente las letras y la guitarra juegan y se entrelazan con la elegancia, vestidas de poesía con mayúsculas en algunos de sus temas. Creo que es uno de los imprescindibles de Silvio más cuando podemos escuchar el tema Te doy una canción. 

Rabo de nube apareció en 1980, dedicado al vigésimo aniversario de la revolución cubana. Causó

sensación la portada, un collage hecho por la pequeña hija de un escritor amigo llamado Gregorio Selser, vemos un tornado acompañado de rayos y truenos que barre la isla, la canción que da título al álbum habla de cómo “en Cuba a la gente del campo les llama rabo de nube, hay que crecer, vivir el mundo y darse cuenta de lo necesarios que serían, si barrieran con todas las tristezas que no les deja disfrutar. Esta canción significa comunicarme con un sentimiento de todos, seamos de donde seamos y pensemos como pensemos”. Unicornio es un álbum de principios de los ochenta, que era el tipo de época en la que la buena música iba a morir. El álbum tiene su parte de sonidos de sintetizador locos y orquestación exagerada, pero admirablemente mantiene la voz de Rodríguez y la guitarra de cuerdas al frente como protagonista del álbum, en este album Silvio sería acompañado por primera vez por una orquesta y será este disco el que ganaría fama internacional, especialmente en países latinoamericanos. Su historia es más larga pero no queremos abrumar traten de disfrutar de sus primeras cinco joyas.

 

Silvio Rodríguez se ha ganado la admiración de sus oyentes con su voz suave, sus melodías únicas y sus letras llenas de emoción. Sus presentaciones en teatros y barrios de Cuba siempre se caracterizan por una enorme asistencia. Si es música cubana, es una de las grandes que no se escuchan. Silvio Rodríguez sigue siendo un referente de lo mejor de la Isla, en lo que al escenario musical se refiere