Disco de la semana 379: Leak 04-13 (Bait Ones) - Jai Paul

 

Lamentablemente, la filtración de música siempre ha sido un problema desde que se ha podido descargar música de Internet, tanto de forma legal como ilegal. A lo largo de los años, ha habido muchas ocasiones en las que un artista ha descubierto que alguien ha conseguido hacerse con sus archivos, ya sea mediante piratería informática o mediante alguien en quien confiaba enviándolos. Es un acto increíblemente inmoral y tremendamente cruel con el artista en cuestión, especialmente cuando el álbum en cuestión no está terminado. Esto da como resultado que en algunas ocasiones las fechas de lanzamiento del álbum se adelanten, como en Whatever People Say I Am That's What I'm Not de Arctic Monkeys o Future Nostalgia de Dua Lipa, pero en estos casos al menos eran la versión terminada del álbum. En el otro extremo de la escala está el disco fundamental de Sza de 2017, Ctrl, que su sello sintió la necesidad de filtrar y publicar, ya que sentían que ella siguió modificando tanto el álbum que nunca vería la luz si no lo hubieran hecho. Sin embargo, la filtración más cruel puede remontarse hace diez años a un artista británico excepcionalmente talentoso llamado Jai Paul.

 

En 2013, Jai Paul es un nombre que muchos amantes de la música conocían desde hacía bastante tiempo, había sido nombrado en la lista BBC Sound of 2011 debido a su demo de BTSTU, que se grabó en 2007, despegó durante 2010 y recibió mucha atención, a medida que crecía el revuelo en torno a esta canción, Jai Paul se mantuvo alejado de la atención del público, no concedió muchas entrevistas y se contentó con calendarios de lanzamiento inconsistentes para garantizar que las canciones se lanzaran en sus formas finales. Si bien generó frustración en algunos que estaban hambrientos de más música suya, esto también generaría un interés aún mayor en él y muchos estarían anticipando ansiosamente su próximo lanzamiento. A principios de 2013, todo lo que el mundo tenía de Jai Paul eran dos demos lanzados como singles y una aparición especial en la canción Higher Res del ex miembro de OutKast, Big Boi. Naturalmente, hubo interés en su música, pero no hubo noticias oficiales sobre si un álbum estaba en camino o no. Hasta el 14 de abril de 2013, llegó el día que ningún artista querría que sucediera: un usuario desconocido subió varias pistas sin título a Bandcamp y se pusieron a la venta como un álbum. A las pocas horas de su aparición la prensa musical se dio cuenta y publicitó que finalmente había surgido un álbum de Jai Paul. Debido a la naturaleza misteriosa de Jai Paul en ese momento, esto generó un escepticismo generalizado, como si él o su sello XL lo filtraran con fines publicitarios o si Paul lo filtró él mismo para vender música fuera de su sello y editor, aunque en una carta abierta, en 2019, Jai Paul no solo reveló que nunca fue responsable de la filtración ilegal, sino que le molestó que la gente asumiera que lo había hecho a pesar de decir en ese momento que no tenía nada que ver con la filtración. La principal frustración para Paul fue que el álbum se filtró en un formato inacabado y estaba decepcionado de que el mundo escuchara su trabajo en una versión incompleta, lo cual es totalmente comprensible si se considera que no lanzó ningún sencillo hasta que sentía que estaban listos, mostrando una vena perfeccionista que llegaba a su música. Por supuesto, puedes imaginar lo desgarrador que fue para él, horas de esfuerzo y pasión puestas en un álbum solo para que una versión inacabada se filtrara al mundo y no pudiera hacer nada al respecto.

 Empieza este trabajo incompleto con dos chicos escuchando música de Jai Paul y gritándolo en lo que tiene el audio equivalente a un teléfono plegable de la década de 2000, pero rápidamente toma un giro futurista en Str8 Outta Mumbai, la nota de sintetizador de piano es muy prominente en esta canción e inmediatamente exige atención al dulce estribillo donde Jai canta, haciendo de esta canción una favorita instantánea antes del minuto 1, me encanta el sentimiento futurista de esta canción con el autotune en la voz de Jai y los sintetizadores durante el estribillo entrecortado que es increíblemente pegadizo y los instrumentos que se agregan a lo largo de la canción, como el saxofón y las voces femeninas cantando, que le dan mucha vida a esta canción, me encanta lo genial y bailable que es esta canción, estoy realmente impresionado. Zion Wolf es más melancólica con la producción de estilo synthwave y la batería, así como las voces lentas de R&B, casi suena como si pudiera ser una canción de Blade Runner o algo parecido, me gustan mucho las voces de esta canción, donde dan una sensación de anhelo que se muestra en la letra, sin duda, a fuego lento. Garden of Paradise es otra canción con sonido de onda sintética que sirve más bien como interludio, pero realmente me gusta este ritmo y muestra el oído de Jai para las melodías. Genevieve tiene una vibra más alegre como Str8 Outta Mumbai, pero desde el punto de vista de la producción creo que es mucho mejor, el sonido electrónico en capas que se produce durante la mayor parte de la canción proporciona un ritmo agradable y el tono más alto de la voz de Jai funciona muy bien aquí, me gusta cómo esta canción utiliza el espacio vacío de manera más consistente y mejor que las otras canciones aquí hasta el punto en que realmente no parece efectista ni distrae la atención de la canción (probablemente un subproducto de que la canción no está completa) y el estribillo. Cerca del final cambia la dirección de la canción de una pista de baile muy pesada a una canción más dulce y emotiva. Raw Beat es un interludio instrumental rápido y simple que creo que en realidad suena divertido y desearía que ampliara más la producción real. Me encantan las guitarras y el sintetizador corto en Crush y cómo conducen a la estrofa, lamentablemente creo que las estrofas son bastante poco interesantes en sí mismas, pero el estribillo realmente salva esta canción con el sintetizador volviéndose más largo y con más profundidad. Good Time es otro interludio que desearía que se convirtiera en una canción real, Jai tiene muy buen oído para la melodía y esta pequeña canción alegre lo demuestra también, corta y dulce. Jasmine es otro punto destacado de este ya fantástico álbum, todo encaja en su lugar con facilidad y nada parece acaparar demasiado la canción. Las diferentes guitarras en esto, como la guitarra rítmica en la introducción, hacen que esta canción sea realmente oscura y sombría, y la guitarra eléctrica principal con la forma en que se lamenta le da a esta canción una atmósfera fuerte junto con las letras realmente tristes y anhelantes y los sintetizadores que aumentan más adelante en la canción que hacen de esta una favorita instantánea, increíblemente triste pero hermosa. Adoro los sintetizadores que se reproducen en 100.000, lo que le da un sonido muy eléctrico, así como las muestras e improvisaciones que incorpora Jai. Lamentablemente, esta es otra canción que la lastra el que este inacabada porque las voces tienden a ser ahogadas por el sintetizador, lo cual es una pena porque en realidad me gusta cómo Jai fluye en esta canción. La guitarra en Vibin' le da una sensación realmente tropical a la canción que funciona bien con las voces ahogadas, esta es, con diferencia, la canción más relajada y tranquila del álbum (bastante obvio dado el título), una canción extremadamente fácil de escuchar por lo discreta y suave que es, realmente hermosa y relajante. No me gusta la muestra vocal de Baby Beat, pero creo que la producción real es bastante buena. Desert River tiene un sintetizador similar a 100,000 que le da a la canción una sensación eléctrica, pero Desert River es mucho más oscuro con lo bajos que llegan los sintetizadores y la suave interpretación vocal de Jai, partes de esta canción se sienten como si hubieran sido de Genevieve, sobre todo en el comienzo del coro. Lo primero que escucho cuando escucho a Chix es Flashing Lights de Kanye West, donde ambas canciones tienen un sintetizador de luz con algo de estática, no creo que sea algo malo, pero cada vez que escucho esta canción es todo lo que puedo imaginar. All Night es otra canción que suena tropical, pero tiene un sentimiento más feliz que Vibin', me gusta el sintetizador ascendente pero no me gustó mucho la guitarra o el ritmo lento. Creo que las voces en All Night tampoco son interesantes y Jai no usa las partes de espacio vacío tan bien como lo hizo Genevieve, probablemente la canción más débil del álbum sin contar los ritmos cortos/interludios. BTSTU es un cierre fantástico que utiliza las mejores partes de cada canción del álbum, la canción comienza muy tranquila con el canturreo de Jai y los versos agudos que dicen "no me jodas, no me jodas" se entregan de una manera tan poderosa que conduce a las trampas consecutivas que finalmente explotan con el sintetizador y la voz fuertemente autoajustada de Jai solo para apagarse y volver a crecer con más muestras introducidas a lo largo de la canción y los sintetizadores volviéndose más fuertes, más nítidos y más esporádicos. Me encanta la yuxtaposición entre los dulces versos y el estribillo explosivo que le dan a esta canción tanta energía y vida y el saxofón que se introduce y se vuelve realmente vibrante en los sintetizadores, una obra maestra absoluta.

 

Este álbum realmente llama la atención con su producción variada, sintetizadores brillantes y la dulce voz de Jai, el aspecto inacabado del álbum le da mucho carácter y creo que agrega a la experiencia. Es increíblemente triste que esto nunca sea un proyecto terminado y nos tengamos que conformar con lo que tenemos aquí, pero aun así es fantástico e incluso florece a pesar de esa inconclusión, creo que es un álbum absolutamente fantástico. Es terrible que alguien haya sentido la necesidad de subir demos inacabados del álbum de Jai Paul, ya que va en contra del proceso creativo de esperar hasta que un proyecto esté terminado antes de lanzarlo al mundo. Sin embargo, lo sorprendente es que, para una filtración ilegal e inacabada llena de demos, es la alta calidad que hay aquí, con tantas pistas simplemente adelantadas a su tiempo y con una escucha impresionante. Si bien se podría argumentar que estamos contentos de tener un álbum de Jai Paul, solo podemos preguntarnos qué pasaría si realmente tuviera la oportunidad de completar el álbum y si le hubieran dejado hacer su trabajo.

1239.- You're No Good - Linda Ronstadt

La nostalgia es una droga increíble. En los años 70, los baby boomers crecían, se casaban, tenían hijos y extrañaban sus días de juventud, mirando hacia atrás en la cultura pop de los años 70, hay un montón de evidencia del tiempo que los boomers pasaron de luto por su juventud colectiva, recordando con cariño el rock 'n' roll de los años 50 y principios de los 60. "You're No Good" de Linda Ronstadt fue el sexto sencillo número uno de 1975, y fue el tercer sencillo número uno que era una versión de una cacnion de los años 60. Cuando “You're No Good” de Ronstadt llegó a las listas de éxitos, la canción tenía 12 años, pero este tercer tema consiguió llegar de una manera diferente, Ronstadt aprovechó un éxito menor, lo sacudió, lo giró e hizo que sonara como si le perteneciera. Todo un acierto. Surgió de la era pop de Brill Building, la época en la que los profesionales de la composición de canciones de Nueva York producían regularmente piezas de R&B inteligentes y pulidas. La versión de Dee Dee Warwick de “You're No Good”, que no llegó al Hot 100 por completo, fue una pieza clásica de la canción de principios de los 60, con un ritmo fuerte y casi latino y una voz principal de blues. Más tarde, en 1963, Betty Everett llegó al puesto 51 con una versión más lenta y coqueta de la canción. Y un año después, Swinging Blue Jeans, la banda de Merseybeat, llegó al puesto número 3 en el Reino Unido y al puesto 97 en los EE. UU. con su propio “You're No Good”, con cambio de género. Así que la canción ya había pasado por algunas manos y había tenido algunas interpretaciones diferentes cuando Linda Ronstadt grabó su versión. Ronstadt llegó a Los Ángeles, venía de Tucson, hija del dueño de una ferretería con profundas raíces en Arizona, y había abandonado la universidad durante su primer año para hacer música. Comenzó cantando para un trío de folk-rock llamado Stone Poneys, y llegaron al puesto 13 con su sencillo de 1967 " Different Drum ", se separaron en 1968 y Ronstadt se hizo solista, cantando una forma cálida y acogedora de country-rock que, sinceramente, era más country que rock. Principalmente cantaba nuevas interpretaciones de canciones antiguas, y la radio country la acogió antes que la radio pop.

Heart Like A Wheel, el quinto álbum en solitario de Ronstadt, resultó ser su gran avance, una mujer ridículamente hermosa, estaba saliendo con Jerry Brown, el joven político que había sido elegido gobernador de California en 1974, el mismo mes en que se estrenó Heart Like A Wheel . Un cierto nivel de fascinación popular vino junto con eso, pero Heart Like A Wheel también fue donde Ronstadt descubrio completamente su sonido, una combinación difícil de precisar de country, folk, rock y soul, Ronstadt no sonaba como si estuviera realizando acrobacias conscientes cuando combinaba estos sonidos, en cambio, los había internalizado a todos por completo, con ella, sonaban naturales. Ronstadt llevaba un tiempo tocando en directo “You're No Good” cuando la grabó. Su bajista, el ex Stone Poney Kenny Edwards, había sugerido la canción. Necesitaba un cierre entusiasta para su set lleno de baladas, y la canción funcionó, fue una elección de último segundo para su inclusión en Heart Like A Wheel, pero se convirtió en la primera pista y el sencillo principal. La versión de Ronstadt de “You're No Good” no es muy diferente de cualquiera de las versiones que salieron una década antes. La sustancia de la canción es la misma. Es un gruñido a un ex reciente, una acusación: “Aprendí la lección, me dejó una cicatriz / Ahora veo cómo eres realmente”. Pero la narradora también admite que ella no siempre ha sido del todo buena: "Rompí un corazón que es gentil y verdadero / Bueno, rompí un corazón por alguien como tú". Esa es la clásica economía de composición de principios de los 60, un personaje y una situación completos esbozados en un par de líneas. Y la voz de Ronstadt, enorme, expresiva y vibrante, vende esa canción y la convierte en un lamento casi country. El arreglo es de blues, construido sobre ronroneos de órganos depredadores y guitarras punzantes. Ronstadt y sus coristas no hacen mucho para actualizarlo, pero lo alargan y hay un gran colapso hacia el final. Los órganos y las guitarras se desvanecen y regresan, regresando con cuerdas tensas, palmadas apagadas y un pequeño riff helado. Honestamente, desearía que más de la canción sonara como el desvanecimiento. Pero todo funciona.

1238.- Junior's Farm - Paul McCartney & Wings

"Junior's Farm" es una canción escrita por Paul McCartney (y acreditada Paul & Linda McCartney), basada en los casi seis meses que en 1970, tras la turbulenta separación de The Beatles, pasó retirado junto a su familia en una cabaña en Escocia. La idea de escribir una canción sobre la tranquila y bucólica vida en una granja le rondó en la cabeza durante mucho tiempo, y finalmente en 1974 decidió hacerla por fin realidad y grabarla con su grupo Wings.

Inspirada en la temática de otro tema a favor de "escapar a una granja" ("Maggie's Farm" de Bob Dylan), "Junior's Farm" no fue ni mucho menos la única canción que el de Liverpool escribió en aquella cabaña en mitad de la campiña, pero sí la que mejor refleja la sensación de alivio y de paz que sentía al recluirse allí y alejarse del estrés y la formalidad del mundo de las discográficas, y pasar el día componiendo tranquilamente en vaqueros y camiseta.

El sencillo de "Junior's Farm" fue publicado por Apple Records en octubre de 1974 con la canción "Sally G" como cara B, y siguiendo la típica pauta de los años sesenta de publicar algunos singles independientes con canciones que no aparecían en los LPs, ninguno de los dos temas fue incluido en su siguiente disco "Venus and Mars" (1975). El single fue un éxito en Estados Unidos, llegando al tercer puesto de las listas de ventas, y tuvo una recepción más moderada en Reino Unido, dónde solo alcanzó el puesto 16.

Electric Light Orchestra - Discovery (Mes Electric Light Orchestra)

Después del gran, bullicioso y fantástico "Out of the Blue", era difícil adivinar hacia dónde iría el cerebro de Jeff Lynne en términos de composición, con ese álbum que abarca tantos temas y al mismo tiempo se une como algo increíble. Y si bien es comprensible que el álbum sea abrumador para algunos con sus 17 pistas, mostró a la banda en su forma más diversa, conmovedora y grande, debido a esto, es comprensible que el próximo álbum inevitablemente no sea tan bueno. Y, por supuesto, eso es lo que pasó, eso no significa que este álbum no sea genial por sí solo, porque está muy subestimado. Aunque este álbum se centra más en la música disco, no es exactamente lo que yo llamaría un álbum disco completo, sino más bien un álbum de rock con mucho pop, muy parecido a los dos álbumes anteriores de la banda, solo que esta vez, más cursi. Eso no es necesariamente algo malo, ya que puede ser divertido si se ejecuta correctamente, y este álbum lo hace bien, pero no de la forma que piensas. Porque aunque sea más cursi, la banda sigue siendo muy disciplinada y con música avanzada. Me gusta escuchar este álbum de vez en cuando, a pesar de ser casi una creación completamente disco-pop. ELO terminó su transformación de una banda creativa con tendencia orquestal a una máquina de éxitos con Discovery, justo a tiempo para el final de una década de brillante música progresiva. Si bien los arreglos corales y de cuerda todavía están aquí como en álbumes anteriores de ELO, uno debe tener cuidado si escucha este álbum por primera vez (lo cual es difícil de imaginar a menos que haya vivido bajo una roca durante las últimas dos décadas). Junto con el ritmo disco, hay un uso casi abrumador de sintetizadores para crear todo tipo de sonidos interesantes, desde ruidos de multitudes hasta secuencias de sueños, campanas, silbatos de trenes y sonidos para los que no tenemos instrumentos naturales

“Shine a Little Love” abre el álbum y no deja dudas sobre el tipo de música que se presenta (Discovery = disco-very, como aprendimos rápidamente en ese entonces), ritmo trepidante, más sintetizador que instrumentos en su mayor parte (aunque Lynne logra algunos riffs de guitarra decentes) y Kelly Groucutt con una línea de bajo que enorgullecería a una banda de funk. Un sencillo de gran éxito mundial, nada más que música de baile popular, ni siquiera lo pretendamos y que marca el tono y el estado de ánimo del álbum: canción disco-pop alegre que te lleva a la suave pista de baile con sintetizadores brillantes, cuerdas arremolinadas y letras que celebran la sensación de estar enamorado de alguien (además de un descarado grito "ELO" en la coda). Sí, no es la canción más compleja o hermosa que jamás hayan hecho, ¡pero qué melodía tan pegadiza! Que así sea. “Confusion” es más de lo mismo, aunque con un ritmo un poco más lento y con algunos teclados y voces de vocoder interesantes, mantiene la bola de espejos girando, aunque sea para un baile lento y romántico. Esta canción continúa y enfatiza el enamoramiento de toda la vida de Lynne por el muro de sonido de Phil Spector, así como por el falsete-pop melodramático de Roy Orbison. “Need Her Love” es una de las dos baladas (“Midnight Blue” es la otra) y fue muy popular durante la parte de baile lento de una buena noche disco en esa época. La guitarra tocando los lánguidos arreglos de cuerdas es bastante seductora. “The Diary Of Horace Wimp” es una especie de “Irene Wilde” cursi, suponiendo que no clasifiques ya a esta última como cursi. Es una canción con historia, que personalmente me gusta, pero lo más importante es que confirmó que la banda al menos estaba tratando de hacer música que fuera más que pistas de baile, si no te importa el uso excesivo del vocoder, un concepto un poco tonto que gira en torno a los días de la semana y un poco de elementos de los Beatles en la mezcla, esta pista es muy divertida.

Con diferencia, la canción más simpática del álbum es “Last Train to London”, otra canción con historia, trata sobre un chico que pierde su tren para poder pasar tiempo con una mujer. También tiene un ritmo de baile, pero los arreglos de cuerdas y la guitarra de Lynne son ELO antiguos y, combinados con el tempo alegre y la voz cómoda de Lynne, se ha convertido en una canción para los amantes a lo largo de los años. El coro es contagioso y los violines disco son el paraíso, el bajo es ligero y juguetón, lo que me gusta es que todavía puedes escuchar rastros de ELO antes de la fama, como mi odiado ELO 2, en estas canciones. Sorprendentemente, la canción decididamente no disco, “Midnight Blue”, es también probablemente la más aburrida, debido en gran parte al arreglo poco ambicioso y al molesto falsete de Lynne. “On the Run” es pura felicidad ELO con sintetizadores fantásticos y extravagantes. “Wishing” con su introducción de sintetizador de ensueño suena como si fuera una película de tu infancia que nunca has visto, quizás estas son las dos canciones mas flojas. El álbum cierra con “Don't Bring Me Down”, que no necesita descripción ya que fue un éxito disco-pop intergaláctico en 1979 que todavía se reproduce regularmente en la radio FM en la actualidad.

Cinco de las nueve canciones del álbum se convirtieron en éxitos en Europa, Estados Unidos o ambos: “Shine a Little Love”, “Confusion”, “The Diary of Horace Wimp”, “Last Train to London” y la primera y Único sencillo #1 “Don't Bring Me Down”. La única manera justa de calificar este álbum es en su contexto con el resto del trabajo de ELO; de lo contrario, cualquier valoración debe considerar su relevancia como estándar de danza, o como trabajo progresivo (obviamente no lo es), o como álbum pop, que en realidad tampoco lo es. Como se dijo anteriormente, Lynne y el resto de la banda hicieron tantas paradas para su álbum anterior, que no dejaron una dirección clara para su próximo álbum, lo que significó que sin duda tendrían dificultades con su próximo lanzamiento en términos de encontrar uno. Entonces, parece que simplemente popificaron lo que funcionó y lo condensaron, y aunque eso no arruinó el álbum de ninguna manera, se siente mucho menos como un paso adelante, sino más bien como una forma de atraer a la audiencia cuando se lanzó este álbum. Sigue siendo bueno, pero la ambición era menor, ya que la mayor parte ya se usó en su álbum anterior. Además, creo que el álbum también podría haber fluido mucho mejor, porque si bien la estructura del álbum no es mala, el ritmo se sintió un poco incómodo, lo que también hizo que el álbum se sintiera un poco desigual. Aparte de eso, si mezclas el excelente material antes mencionado con la excelente composición y producción habitual, lo que tienes aquí es una joya subestimada en la discografía de ELO, un gran álbum en una situación incómoda, ya que viene justo después de un lanzamiento tan monumental, además de que falta una dirección musical clara. De hecho, el hecho de que siga siendo tan bueno es casi increíble, con muchas secuelas de álbumes increíbles que generalmente apestan. Se centra en la función sobre el estilo, porque si bien no es nada alucinante de ninguna manera, la música sigue siendo excelente y los tecnicismos detrás del álbum están bien hechos. Puede que no sea la banda en su mejor momento, pero está lejos de ser la banda en su peor momento, y es una banda por la que no puedo evitar mostrar un poco de amor, ya que, a pesar de sus defectos, no me deprime.

1237.- Slow Train - Status Quo

Los Status Quo de principios de los setenta eran una banda de cuatro melenudos que bajaban sus cabezas, subían el volumen de sus amplis a tope y rockeaban sin rivales. Para los amantes de las efemérides deciros que fueron los pioneros del doble punteo (sí,sí!), los que impusieron la estética heavy rockera gracias a la brutal portada para la época de Piledriver (1972) e hicieron que muchos chavales se interesasen por el hard rock, incluidos gente tan famosa y grandes fans de la banda como Lars Ulrich de Metallica o Bob Rock. En 1974 Status Quo ya tenía suficiente base de fans para que tuviera exito casi todo lo que hacían y llegara directamente a los niveles más altos de las listas. Queriendo ser tomado en serio como un acto de valor propio, 'Quo' varía ligeramente la fórmula exitosa. En general dieron un toque más duro a las canciones y actuaciones, con menos énfasis en el lado más pop de la banda. 'Quo' por lo tanto es rock n roll desde la cabeza a los pies, algunas canciones ofrecen solos de guitarra adecuados y/o duelos, otras ofrecen muchos actos destacados por parte del baterista, a pesar de que constantemente parecen entrar en mi cerebro imágenes de bateristas explotando, también conocidos como Spinal Tap. Al final, todo es muy divertido, ya que Quo ha construido su base de fans a través del trabajo duro y presentaciones en vivo bien recibidas. 'Quo' es un álbum para complacer a un fan del rock, es un álbum que contiene una sección media magníficamente sólida, suficiente variación para que el oyente no se aburra y una gratificación instantánea cuando escuchas el disco por primera vez.

El tema elegido del disco es la canción que cierra el disco y en sus casi ocho minutos de duración nos recuerda a un tren con sus constantes cambios de ritmo que pudieran ser las paradas y salidas de las diferentes estaciones con sus viajeros subiendo y bajando en este tren lento, todo ello con el particular ritmo, santo y seña de los Quo, con arreglos de nuevo a doble guitarra, con un final de canción con un mini solo de batería incluido que da paso a un estruendoso final donde puedes imaginarte perfectamente, gracias a la evidente potencia que desprende, a toda la banda al unísono menear sus larguísimas melenas mientras sus piernas se entrecruzan para hacer una piña demoledora. Su portada demuestra la fuerza del disco, donde las cuatro cabezas emergen voluptuosas de la faz de la Tierra sin poder contener toda su energía. Y recordad que es un disco de 1974. Ya les gustaría a muchas bandas de hoy día sonar así, so,lo os queda preparaos para disfrutar del paisaje y de la compañía que a cada uno os haya tocado en el vagón de este tren, disfrutad de la música y de las vistas que podemos contemplar a través de las ventanillas al paso de este tren mientras el tiempo avanza lento pero imparable a través de las bucólicas praderas. 

1236.- Autobahn- Kraftwerk

 

Autobahn, Kraftwerk

     Autobahn es el cuarto álbum de estudio de Kraftwerk, lanzado en 1974. La banda alemana, conocida por su enfoque pionero en la música electrónica, quería capturar la sensación de conducir en una autopista alemana. La canción homónima, Autobahn, es la pieza central del álbum y se extiende a lo largo de 22 minutos en la versión original del álbum. Sin embargo, también se lanzó una versión más corta para sencillo. La canción comienza con el sonido de un motor de automóvil arrancando, seguido de una línea de bajo pulsante interpretada en un sintetizador Minimoog. A medida que la canción avanza, se incorporan elementos acústicos, como una flauta y guitarras atmosféricas, creando una sensación de movimiento constante. La voz procesada con vocoder agrega un toque futurista y robótico a la canción.

Las letras en alemán describen la experiencia de conducir por una autopista, con referencias a señales de tráfico, paisajes y la sensación de velocidad. El estribillo principal, “Fahren Fahren Fahren” (que significa “conducir, conducir, conducir”), se repite a lo largo de la canción. Aunque algunos oyentes pensaron que la frase era “Fun Fun Fun” en inglés, no hay relación directa con la canción de The Beach Boys con el mismo título. 

La canción fue un éxito para Kraftwerk, alcanzando el puesto número 11 en las listas británicas y el número 25 en el Billboard Hot 100 de EE. UU. La canción se convirtió en un himno para la banda y estableció su reputación como innovadores en la música electrónica, y su enfoque en la repetición rítmica y la creación de paisajes sonoros influyó en géneros posteriores como el techno y el ambient.

Autobahn se ha convertido, por derecho propio, una obra maestra que combina elementos electrónicos y acústicos para evocar la experiencia de viajar por una autopista. Su influencia perdura hasta hoy y sigue siendo un hito en la historia de la música electrónica.

Electric Light Orchestra - Out of the Blue (Mes Electric Light Orchestra)

"Out of the Blue" (1977) es el séptimo disco de estudio de la Electric Light Orchestra. Como en discos anteriores, Jeff Lynne se encargó de la composición de las canciones y de la producción del álbum, escribiendo todos los temas durante un mes que pasó "encerrado" en un chalet alquilado en los Alpes Suizos. Algo más complejo fue el proceso de grabación, que se llevó a cabo durante dos meses en un estudio en Munich.

El disco comienza con el tema "Turn To Stone", un tema de pop rock aderezado por arreglos de cuerdas y efectivas armonías en falsete, creando un juego de llamada y respuesta con la voz principal de Jeff Lynne, en un efecto que es aún más potente cuando el resto de instrumentos se detienen y un trabalenguas de voces superpuestas se desata al ritmo de la solitaria batería de Bev Bevan. Tras este brillante comienzo, le llega el turno a "It's Over", una canción de corte más clásico y sencillos acordes, dónde de nuevo destaca la intensidad de las voces y los arreglos de cuerda. Con "Sweet Talkin' Woman" llega el primer gran cambio de tercio del disco, en un giro hacia ritmos más bailables y cercanos a la música disco, en un gran trabajo del batería Bev Bevan, sin dejar de lado por ello el toque de pop clásico en las melodías y las voces, y los arreglos de piano y cuerdas marca de la casa. Y para terminar la cara A del primer disco, llegan los aires mexicanos de "Across the Border", con un destacable solo de violín a cargo de Mik Kaminski.

En la cara 2 encontramos grandes canciones, pero sin duda la más top es "Night in the City", uno de los mejores temas de la discografía de la banda británica. Canción redonda y de brillante estribillo, que comienza con un teclado que simula el intenso ruido producido por un atasco de tráfico, mezclado con una sección de cuerdas. No es gratuito ni azaroso el orden de las canciones, porque tras este reflejo de una ajetreada y ruidosa noche en la ciudad, en "Starlight" Jeff Lynne busca el contraste extremo y nos escribe una noche mirando las estrellas en su retiro de los Alpes Suizos, y nada más lejos del asfalto y el ruido de automóviles que "Jungle", plagada de sonidos que recuerdan a Tarzán en una frondosa jungla plagada de elefantes, en la que probablemente sea la canción más extraña del disco. Tras esta rareza, en esta cara aún encontramos espacio para un breve interludio de piano y orquesta ("Believe Me Now"), y para "Steppin' out", la tierna balada a la que sirve de orquestal introducción, un tema de suaves arreglos y letras sobre el momento de abandonar el hogar y buscar tu propio destino, que en el último tramo de canción se vuelve más compleja entre capas y capas de guitarras y coros, cerrando la cara 2 en lo más alto.

La cara 3 está dedicada a las cuatro partes de una suite musical completa, plagada de arreglos orquestales y titulada "Concerto for a Rainy Day" ("Concierto para un día de lluvia"). La suite se inspira en la lluvia de las montañas de Suiza, y por tal motivo salteada de efectos de lluvia y truenos entre cada una de las diferentes partes, tituladas "Standin' in the Rain", "Big Wheels", "Summer and Lightning" (la mejor pieza de esta mini obra y una de las mejores canciones que nos dejó la ELO a lo largo de su carrera discográfica) y "Mr. Blue Sky", una canción que celebra la llegada del amanecer después de una intensa tormenta nocturna en el chalet de Lynne en las montañas de Suiza, y que fue publicada como segundo single del disco.

En la última cara del segundo disco encontramos piezas de corte funk y pinceladas de glam rock ("Sweet Is the Night"), temas instrumentales y atmosféricas ("The Whale", inspirada en un programa de televisión sobre la caza de las ballenas), canciones de blues rock de carretera y manta ("Birmingham Blues") y sobre todo "Wild West Hero", el que fuera tercer single del disco, una canción que cierra en lo más alto Out of the Blue, un disco que se convirtió en su obra de más éxito a nivel comercial, pues vendió cerca de cuatro millones de copias en su lanzamiento, con cinco singles de éxito (fue el primer disco doble en tener cuatro singles que alcanzaran el top 20 de las listas británicas), y llegó a la friolera de diez millones de copias vendidas en 2007. En resumen, "un disco increíble", entrecomillado y en cursiva porque no (solo) lo decimos nosotros, sino que son las palabras con las que lo definió Axl Rose, declarado fan de la Electric Light Orchestra, nuestra protagonista del mes de mayo de 2024 en 7dias7notas.

1235 - Bob Marley and the Wailers - No woman, no cry

1235 - Bob Marley and the Wailers - No woman, no cry

Bob Marley and the Wailers es una de las bandas más influyentes de la música reggae, y su legado se extiende mucho más allá de las fronteras de Jamaica. Fundada en 1963 bajo el nombre original de The Wailing Wailers, la banda se consolidó como un pilar fundamental del género, liderada por la icónica figura de Bob Marley. Marley, junto a los miembros originales Peter Tosh y Bunny Wailer, creó una mezcla única de reggae, ska y rocksteady que resonó con audiencias globales, difundiendo mensajes de amor, resistencia y unidad.

Bob Marley y los Wailers comenzaron su carrera en una Jamaica marcada por la desigualdad y la agitación política. Las primeras canciones de la banda, como "Simmer Down" y "One Love", se centraban en temas de paz y amor, con un ritmo pegajoso que capturó la atención tanto de los locales como de un público internacional emergente. En 1974, Peter Tosh y Bunny Wailer abandonaron la banda, y Bob Marley continuó con los Wailers, añadiendo nuevos miembros como los hermanos Barrett, Aston en el bajo y Carlton en la batería, quienes contribuyeron significativamente al sonido distintivo del grupo.

El éxito internacional llegó con álbumes como "Catch a Fire" (1973) y "Rastaman Vibration" (1976), pero fue "No Woman, No Cry" la canción que se convertiría en un himno universal. Este tema, incluido en el álbum "Natty Dread" de 1974 y popularizado por la versión en vivo de "Live!" de 1975, encapsula la esencia de la música de Marley: un mensaje de esperanza y consuelo frente a la adversidad.

"No Woman, No Cry" es, sin duda, una de las canciones más emblemáticas de Bob Marley and the Wailers. Escrita por Marley y Vincent Ford, un amigo cercano de su juventud, la canción se inspira en las experiencias de la vida en los barrios pobres de Trenchtown, Kingston. A través de sus letras, Marley pinta una imagen vívida de la lucha diaria y la resiliencia de las comunidades empobrecidas, mientras ofrece un mensaje de consuelo a las mujeres y a todos los que sufren.

El título, a menudo malinterpretado como una declaración contra las mujeres, en realidad significa "No, mujer, no llores". Es un llamado a mantener la esperanza y la fortaleza a pesar de las dificultades. La canción recuerda tiempos más simples, momentos de camaradería y apoyo mutuo, como se refleja en líneas como:

> "Good friends we have, oh, good friends we've lost along the way.

> In this great future, you can't forget your past;

> So dry your tears, I say."

La versión en vivo de "No Woman, No Cry" es particularmente poderosa, con la emotividad de la voz de Marley y el acompañamiento instrumental que crea una atmósfera cálida y reconfortante. Esta versión, grabada en el Lyceum Theatre de Londres en 1975, se convirtió en un éxito masivo y consolidó la reputación de Marley como un artista que podía tocar el alma de su audiencia con su música.

El impacto de "No Woman, No Cry" trasciende lo musical. La canción ha sido interpretada como un símbolo de resistencia y esperanza, y ha sido versionada por numerosos artistas de diversos géneros, lo que atestigua su relevancia y universalidad. Bob Marley, a través de esta y otras canciones, se convirtió en una voz para los oprimidos y un ícono del movimiento rastafari, que aboga por la paz, el amor y la igualdad.

Marley utilizó su plataforma no solo para entretener, sino también para educar y movilizar a las masas. Canciones como "Get Up, Stand Up" y "Redemption Song" complementan "No Woman, No Cry" en su mensaje de lucha por la justicia y la libertad. Su influencia se siente en movimientos sociales y culturales en todo el mundo, y su música sigue siendo una fuente de inspiración para generaciones enteras.

Bob Marley and the Wailers, y en particular la canción "No Woman, No Cry", representan mucho más que simples expresiones artísticas. Son testimonio de la capacidad de la música para unir a las personas, para proporcionar consuelo en tiempos difíciles y para inspirar cambios sociales significativos. La historia de Marley y su banda es una de superación, creatividad y un profundo compromiso con los principios de igualdad y justicia. Su legado perdura, y "No Woman, No Cry" sigue siendo un faro de esperanza y resistencia en un mundo que a menudo necesita ser recordado de la importancia de ambos.

Daniel 

Instagram storyboy 

1234 - Kiss - Parasite

1234 - Kiss - Parasite

Kiss es una banda de rock estadounidense formada en Nueva York en enero de 1973. Conocidos por su estilo glam rock, maquillaje icónico y actuaciones en vivo llenas de energía, Kiss ha dejado una huella indeleble en la historia del rock and roll. Entre sus numerosas canciones, "Parasite" destaca como una joya menos conocida pero igualmente poderosa. Este tema, incluido en su segundo álbum de estudio, *Hotter Than Hell* (1974), captura la esencia cruda y vibrante de la banda durante sus primeros años.

"Parasite" fue escrita por el guitarrista principal de la banda, Ace Frehley, quien en ese momento era una de las fuerzas creativas más importantes de Kiss. Aunque Frehley escribió la canción, fue interpretada vocalmente por el bajista Gene Simmons, ya que Frehley no se sentía cómodo cantando en ese momento de su carrera.

Musicalmente, "Parasite" se destaca por su riff inicial, un patrón de guitarra agresivo y pegadizo que inmediatamente capta la atención del oyente. Este riff establece el tono de la canción: directo, enérgico y sin concesiones. La batería de Peter Criss proporciona un ritmo sólido y contundente que complementa perfectamente las guitarras de Frehley y Paul Stanley.

La letra de "Parasite" refleja una temática de traición y desilusión. La figura del "parásito" se utiliza como una metáfora para describir a alguien que se aprovecha de otra persona, drenando su energía y recursos. Gene Simmons canta con un tono de desprecio y resignación, transmitiendo la frustración y el dolor de sentirse utilizado.

El estribillo es simple pero efectivo, con la repetición de la palabra "parasite" que refuerza la idea central de la canción. La letra, aunque no es excesivamente compleja, es directa y efectiva en su mensaje, lo que resuena con el estilo general de Kiss en esa época.

La producción de *Hotter Than Hell* ha sido objeto de críticas mixtas a lo largo de los años. Algunos fans y críticos consideran que el sonido del álbum es más "sucio" y menos pulido en comparación con otros trabajos de la banda. Sin embargo, este enfoque de producción añade una capa de autenticidad y crudeza a "Parasite" que, de otra manera, podría haberse perdido.

La mezcla destaca los elementos más importantes de la canción: las guitarras y la batería. La voz de Simmons está bien equilibrada con la instrumentación, permitiendo que las letras sean claramente audibles sin opacar la fuerza musical de la pista. El solo de guitarra de Frehley en "Parasite" es otro punto culminante, mostrando su habilidad técnica y su estilo característico que mezcla velocidad y melodía.

Aunque "Parasite" no fue lanzada como sencillo, ha sido una favorita de los fans en los conciertos de Kiss. La energía bruta y la actitud desafiante de la canción la han convertido en una pieza esencial en muchos de sus setlists en vivo. Con el tiempo, ha sido reconocida como una de las mejores composiciones de Ace Frehley y un ejemplo representativo del sonido clásico de Kiss.

El legado de "Parasite" se ha mantenido fuerte a lo largo de las décadas, siendo versionada por varias bandas y apareciendo en numerosos recopilatorios de Kiss. La canción es un testimonio del impacto duradero de la banda y su capacidad para crear música que resuena con generaciones de fans del rock.

"Parasite" es una muestra vibrante de la destreza musical y la actitud sin concesiones de Kiss en sus primeros años. La canción encapsula perfectamente la mezcla de energía cruda, letras provocadoras y habilidad técnica que define a la banda. A pesar de ser una pista menos conocida en comparación con sus éxitos más grandes, "Parasite" es una pieza esencial en el catálogo de Kiss y un recordatorio del poder duradero de su música.

"Parasite" no solo destaca como una de las mejores canciones de *Hotter Than Hell*, sino también como un testimonio del talento de Ace Frehley y la química inigualable de Kiss como banda. Su energía cruda y su mensaje directo continúan resonando con los fans, asegurando su lugar en la historia del rock.

Daniel 

Instagram storyboy 

1233.- It's Only Rock 'N Roll (But I Like IT) - The Rolling Stones

 

It's Only Rock 'N Roll (But I Like IT)

     It's Only Rock 'N Roll es el duodécimo álbum de estudio de la banda inglesa The Rolling Stones. Fue grabado en varias etapa entre 1972, 1973 y 1974, bajo la producción de The Glimmer Twins, y publicado el 18 de octubre de 1974 bajo el sello discográfico The Rolling Stones, propiedad del propio grupo. Fue el último álbum que contó con el guitarrista Mick Taylor. Curiosamente, la canción que da título al disco tuvo una conexión con el eventual reemplazo de Taylor, Ronnie Wood. Es este un disco que combina el sonido del blues y el rock and roll con elementos de funk y reggae. A pesar de no tener tanto éxito como su álbumes anteriores, llegó a alcanzar el puesto número uno en Estados Unidos y el número dos en Reino Unido.

Tras la salida del productor Jimmy Miller, el álbum fue autoproducido por el guitarrista Keith Richards y el cantante Mick Jagger bajo el pseudónimo "The Glimmer Twins". Taylor, el bajista Bill Wyman y el baterista Charlie Watts tocaron en la mayoría de las pistas, mientras que lo colaboradores habituales Ian Stewart, Nicky Hopkins y Billy Preston contribuyeron con la instrumentación adicional. También contó el disco con la primera colaboración del percusionista Ray Cooper, quien continuó trabajando con los Rolling Stones hasta la década de los años 80.

La canción principal, It's Only Rock 'N Roll (But I Like It), se grabó por separado del resto del disco. La pista rítmica básica había sido creada por miembros del grupo The Faces, incluidos Ronnie Wood, durante una sesión improvisada con Jagger, David Bowie y el bajista Willie Weeks. A Jagger le gustó tanto la canción que le llevó la pista básica a Keith Richards, quien añadió alguns sobregrabaciones de guitarra, y después de pulirla un poco, se incluyó en el álbum tal cual.

Estamos ante una sencilla pero efectiva celebración del rock and roll, en la que el guitarrista de The Faces, Ron Wood, que todavía no estaba en el grupo, tuvo un papel importante. Wood vivía en una finca londinense llamda The Wick, que más tarde compraría Pete Townshend. Fue allí donde surgió aquella improvisada canción con Jagger en la voz, Bowie cantando de fondo, Willie Weeks en el bajo, y el compañero de Woods, Kenney Jones, en la batería, además del citado Woods en la guitarra. Más tarde le serían añadidas al tema algunas guitarras de Keith Richards.

sobre este tema el propio Mick Jagger explicó: "El título ha sido usado muhco por los periodistas, la frase se haconvertido en una gran cosa. Esa versión que está allí es la versión original, que fue grabada a medias en el sótano de Ron Wood, si mal no recuerdo. Ea una Demo. Es una canción muy de Chuck Berry, pero tiene un sentimiento diferente a de una canción de Chuck Berry. En realidad, no puedes hacer imitaciones de las personas. En la pintura, siempre tienes que empezar imitando a algún artista famoso. Siempre comienza siendo un impresionista y luego se convierte en el artista abstracto más famoso. O un actor comienza imitando el estilo de otra persona y luego desarrolla el suyo propio. Y creo que eso es lo que pasó con esta banda y todos los músicos que la componen. Has jugado con él. Comienzas con una cosa y luego mutas en otra, pero aún reconoces el hecho de que estás influencias vienen de aquí y de allí, porque no todos lo saben... Con toda esa música diferente, todo este blues, toda esa música country, todo este jazz, música dance y reggae, ya sabes, haces algo que es tuyo".

El disco de la semana 378: "La Biblia": Un Épico Viaje Musical de Vox Dei

El disco de la semana 378: "La Biblia": Un Épico Viaje Musical de Vox Dei

En el vasto paisaje del rock argentino, pocos álbumes han dejado una huella tan profunda y duradera como "La Biblia" de Vox Dei. Este trabajo seminal, lanzado en marzo de 1971 bajo el sello Disc Jockey, no solo consolidó la posición de la banda en la escena musical, sino que también se convirtió en un hito cultural que resonó mucho más allá de las fronteras argentinas.

Desde el momento en que se presenta con la majestuosa "Génesis", el álbum catapulta a los oyentes a un viaje épico a través de las páginas de la historia y la espiritualidad. Con letras profundas y melodías arrolladoras, Vox Dei teje una narrativa que abarca desde los relatos bíblicos hasta las reflexiones contemporáneas sobre la condición humana.

La producción magistral de Jorge Álvarez proporciona un lienzo sonoro rico y envolvente para las composiciones del grupo. Canciones como "Libros Sapienciales" y "Las Guerras" son testimonios vívidos de la habilidad de Vox Dei para combinar la energía del rock con la profundidad lírica.

Pero más allá de su impacto musical, "La Biblia" se destaca como una obra que desafía las convenciones y enfrenta la adversidad. En un momento en que Argentina estaba inmersa en la agitación política de la dictadura militar, Vox Dei se atrevió a explorar temas sensibles y a desafiar la censura de la Iglesia Católica. El resultado fue un álbum que resonó tanto en los corazones como en las mentes de quienes lo escucharon.

La colaboración con el director y arreglista Roberto Lar eleva aún más la grandeza de "La Biblia". Su trabajo orquestal en temas como "Cristo (Nacimiento)" y "Cristo (Muerte y Resurrección)" agrega una capa de profundidad y emoción que trasciende los límites del rock convencional.

Pero más allá de la música, "La Biblia" es una obra de arte en sí misma. El diseño de la portada, con su simbolismo intrincado y evocador, sirve como un preludio perfecto para la experiencia musical que aguarda a los oyentes.

La historia detrás de la creación de "La Biblia" es tan fascinante como el álbum mismo. Surgiendo en un momento de efervescencia cultural en Argentina, la idea de "La Biblia" tomó forma en la librería de Jorge Álvarez y el sello discográfico Mandioca. El proceso creativo estuvo marcado por tensiones internas y presiones externas, incluida la censura de la Iglesia Católica. Sin embargo, Vox Dei perseveró, dando vida a un trabajo que desafiaría las expectativas y cambiaría el panorama musical argentino para siempre.

El legado de "La Biblia" trasciende generaciones y fronteras. En 2007, la revista Rolling Stone lo clasificó en el puesto 14 de los 100 mejores álbumes del rock argentino, un testimonio de su impacto perdurable en la cultura musical del país. A lo largo de los años, ha continuado inspirando a músicos y oyentes de todo el mundo, recordándonos el poder transformador de la música cuando se combina con un propósito más grande.

"La Biblia" de Vox Dei no es simplemente un álbum de rock; es un monumento a la creatividad, la resistencia y la búsqueda de la verdad. Cuarenta y tres años después de su lanzamiento, sigue siendo una obra maestra que sigue resonando con fuerza en el corazón de quienes la escuchan, recordándonos la capacidad única de la música para unir, inspirar y transformar.

Daniel 

Instagram storyboy 

1232.- Ain't Too Proud to Beg - The Rolling Stones

"Ain't Too Proud to Beg" ("No tan orgulloso como para no suplicar"), escrita por Norman Whitfield y Edward Holland Jr., es una canción grabada originalmente por la banda estadounidense The Temptations, que la publicaron como sencillo en el año 1966 con la discográfica Motown Records. Solo ocho años después, y quizá acuciados por la necesidad contractual de grabar material para un nuevo disco, los Rolling Stones versionaron este tema en el estudio y lo incluyeron en "It's Only Rock 'n' Roll" (1974).

El sencillo de The Rolling Stones alcanzó el top 20 de las listas del Billboard estadounidense, un resultado que no mejoró los números de la versión original, pero que contribuyó en buena manera a reforzar las ventas de "It's Only Rock 'n' Roll" (1974), un disco en el que, junto a la archiconocida canción titular y la rockera "If You Can't Rock Me", la versión que sus Satánicas Majestades hacen de "Ain't Too Proud to Beg" es de lo mejorcito que podemos encontrar.

La letra de la canción encaja como un guante de seda con la aureola de amante canalla y rockero de Mick Jagger, pidiendo una segunda oportunidad a una amante, y reconociendo que a pesar de su imagen y su orgullo estaría dispuesto incluso a suplicar para que no se vaya ("Sé que quieres dejarme, pero me niego a dejarte ir... No soy tan orgulloso como para no suplicar"). Como curiosidad, no son los Stones los únicos que versionaron este tema, y artistas como Rick Astley o Phil Collins grabaron también sus propias versiones de "Ain't Too Proud to Beg".

Electric Light Orchestra - A New World Record (Mes Electric Light Orchestra)

 

A New World Record, ELO

     A New World Record es el sexto álbum de estudio de la banda británica Electric Light Orchestra. Fue grabado entre los Musicland Studios de Munich, los De Lane Lea Studios de Wembley y los Cherokee Studios de Los Ángeles, bajo la producción de Jeff Lynne, y publicado el 15 de octubre de 1976 por el sello discográfico United Artist Records en los Estados Unidos y por el sello Jet Records en el Reino Unido. Este disco marcó un cambio en el sonido del grupo hacia canciones pop más cortas, una tendencia que continuaría a lo largo de su carrera. El disco supuso un gran avance en la carrera del grupo en el Reino Unido. Tras tres grabaciones anteriores que no consiguieron llegar a las listas de ventas de su tierra natal, A New World Record se convirtió en su primer trabajo en colarse entre los diez primeros del Reino Unido, sumado al gran éxito que alcanzó también en Estados Unidos.  La portada presenta el logo de ELO, diseñado por el diseñador y director de arte inglés Kosh. Este logotipo se incluiría en la mayoría de los lanzamientos posteriores del grupo.

En 1977 cuatro de las canciones del álbum aparecieron en la banda sonora de la película Joyride, dirigida por Joseph Ruben. En 2006 el disco fue remasterizado y lanzado con pistas extras por el sello discográfico Epic / Legacy, propiedad de Sony. La canción Surrender también se publicó como sencillo promocional y como sencillo de descarga de iTunes, llegando a entrar en la lista de las 100 descargas principales. Esta canción fue escrita originalmente en 1976 para la banda sonora de una película que fue cancelada y se acabó terminando en 2006. En 2012 la compañía discográfica de vinilo Music on Vinyl relanzó A New World Record en vinilo de 180 gramos con una portada en relieve. 

El álbum fue muy bien recibido por la crítica especializada, que consideraba que el grupo fue concebido para crear un grupo que fusionara la emoción y el color del rock and roll con las líneas de la música clásica, y que este trabajo es lo más cerca que ELO ha estado de lograrlo. Con este disco el grupo da un paso de gigante para lograr ese sonido, siendo más que destacable la progresión de la banda con el uso de orquesta y coros. La combinación de guitarras eléctricas con sinfonías musicales es bastante atrevida, pero a Lynne y compañía le funciona en un disco que ha sabido capturar la esencia del pop sofisticado. También es verdad que una parte de la crítica mostró ciertas reservas sobre este disco, que consideraba que el grupo había dejado de lado su parte más creativa para abrazar otros sonidos más comerciales. Su buena aceptación tanto por parte del público como de la crítica le valía al grupo para ser reconocidos finalmente como uno grupo importante en su país, Reino Unido.

A New World Record marcó un cambio en la dirección musical de ELO, ya que se inclinaron hacia un sonido más pop con canciones más cortas. Jeff Lynne, líder de la banda, fue el principal arquitecto detrás del sonido del álbum. Su habilidad para combinar elementos de rock, pop y música clásica resultó ser una mezcla única. La orquestación y los arreglos de cuerdas se convirtieron en una marca registrada de la banda, destacando precisamente, por ese uso creativo de instrumentos clásicos, en canciones como Tightrope o Rockaria, esta última Una fusión única de rock y ópera, con Lynne cantando en un estilo operístico mientras la banda toca con fuerza detrás de él.

El álbum produjo varios sencillos exitosos, entre los que se encuentran Livin' Thing, que se ha convertido en todo un éxito en la radio. La combinación de guitarras eléctricas, sintetizadores y cuerdas crea una atmósfera irresistible para el oyente; Telephone Line, el primer sencillo de la banda en conseguir certificación de oro en Estados Unidos. Una balada melódica con una emotiva interpretación vocal de Lynne; o Do Ya, una versión rockera y coro muy pegadizo de la canción de 1972 de The Move, grupo del cual Jeff Lynne fue miembro. La canción Shangri-La fue originalmente escrita para el disco, pero no se incluyó en la versión final, siendo lanzada como lado B de algunos sencillos. 

A New World Record influyó en muchos artistas posteriores. Su enfoque en una meticulosa producción y la experimentación sonora allanó el camino para la música pop y el rock sinfónico de las décadas posteriores. Lynne ya lo avisaba en el título del disco, sugiriendo un mundo nuevo y emocionante, algo que cumplió en parte con este trabajo. Queda de sobra reconocida la creatividad de ELO para fusionar dos mundos musicales tan diferentes y su habilidad para crear melodías inolvidables. Estamos ante un disco cuyo legado perdura y está considerado como una joya en la historia del rock y el pop, marcando además un punto de inflexión en el grupo, consolidando su éxito global y estableciendo su estilo característico de pop orquestal.

1231.- If You Can't Rock Me - The Rolling Stones

"If You Can't Rock Me", escrita por la dupla Jagger-Richards para el disco "It's Only Rock 'n' Roll" (1974) de The Rolling Stones, fue también la elegida para abrir el disco y ser publicada como uno de los singles de promoción del mismo. Para muchos, y junto a la canción que da título al álbum y la versión del tema "Ain't Too Proud to Beg" de los estadounidenses The Temptations, se trata del mejor tema de un disco que no está entre los mejores publicados por la banda.

Varias cosas la hacen destacable respecto a otros temas de "It's Only Rock 'n' Roll", y la primera de ellas es su letra, a la que se le han atribuido distintos significados y que juega con el doble sentido de la palabra "rock", refiriéndose en el estribillo tanto al estilo musical como al sexo ("If you can't rock me somebody will", que se podría traducir como "Si tú no puedes darme caña, otra lo hará"). Por otro lado, la frase "I think I better just sing one more song" ("Creo que es mejor que solo cante una canción más") parece una referencia velada al agotamiento de un estilo de vida, al matrimonio de Jagger o incluso al hecho de haber grabado el disco como trámite para cumplir con su contrato discográfico.

Musicalmente, destaca la profundidad de la voz de Mick Jagger,  la enérgica batería de Charlie Watts, y el distintivo riff de guitarra de Mick Taylor, uno de los últimos que grabaría con la banda. Curiosamente, Keith Richards asume la labor de tocar el bajo en esta canción, y no se conformó con llevar el ritmo, sino que además se marcó un solo a las cuatro cuerdas. Con todos esos ingredientes, estamos ante una canción más que destacable, que los Stones incluyeron muchas veces en sus conciertos y en varios de sus discos recopilatorios, como en el caso del álbum "Love You Live" (1977), en el que forma parte de un medley junto al tema "Get Off of My Cloud".

1230.- One More Red Nightmare - King Crimson

 

One More Red Nightmare, King Crimson

     Red es el séptimo álbum de estudio de la banda inglesa de rock progresivo King Crimson. Fue grabdado entre junio y julio e 1974 bajo la producción del mismo grupo y publicado el 1 de octubre de 1974 por el sello discográfico Island Records para Reino Unido y por el sello discográfico Atlantic Records para Norteamérica y Japón. Fue grabado en los Olympic Studios de Londres, y algunas de las piezas, como el tema Providence, fueron concebidas durante improvisaciones realizadas por la banda en vivo.

Red contiene un sonido más pesado que sus álbume anteriores, llegando a ser calificado por la prestigiosa revista "Q" como uno de los 50 "álbumes más pesados de todos los tiempos". Esto se realizó con las actuaciones de sólo tres miembros de la banda, el guitarrista Robert Fripp, el bajista y vocalista John Wetton y el baterista Bill Bruford. El denso sonido del disco fue creado mediante el uso de capas, múltiples sobregrabaciones de guitarra y apariciones clave de músicos como los ex miembros del grupo Ian Mcdonald, Mel Collins, el oboísta clásico Robin Miller y el trompetista de jazz inglés Mark Charig. 

Unas dos semanas antes del lanzamiento del álbum, el grupo se disolvió. Red resultó ser el álbum con los resultados más pobres en las listas de ventas en ese momento, llegando a ocupar el puesto 45 en las listas de ventas del Reino Unido y el puesto 66 en la lista estadounidense Billboard 200. Sin embargo, fue bien recibido tanto por la crítica como por los fans de la banda, llegando a ser reconocido como uno de los mejores trabajos de King Crimson y ha sido reeditado muchas veces.

Incluído en este álbum se encuentra la canción One More Red Nightmare. Según el cantante y bajista del grupo, John wetton, la canción fue concebida en una época donde el grupo solía volar constantemente, una situación que se alargó durante meses y meses: "No hace alta decir que conocíamos personalmente a las tripulaciones de las aerolíneas, y caminábamos por el avión charlando, 'Oh, hola Joe, hola Cindy, ¿cómo están los niños?'. Es increíble la cantidad de vuelos que hizo esa banda y tuvimos algunas experencias bastante difíciles, One More Red Nightmare es solo eso". Con un duración de algo más de 7 minutos, la canción contiene una mezcla de compases inusuales que significan la discordia de los desafortunados pasajeros de la aerolínea en la letra.

1229 - Van Morrison - Streets of Arklow

1229 - Van Morrison - Streets of Arklow

"Streets of Arklow" es una joya oculta en el vasto repertorio de Van Morrison. Lanzada como parte de su álbum de 1974, "Veedon Fleece", esta canción se destaca por su delicada instrumentación y letras evocadoras que capturan la esencia de un lugar y un momento específicos.

Desde los primeros acordes de guitarra y la suave armonización de las cuerdas, "Streets of Arklow" te transporta a un viaje emocional a través de las calles de Arklow, una ciudad costera en el condado de Wicklow, Irlanda. La atmósfera que crea Van Morrison es inconfundiblemente melancólica, pero también impregnada de una sensación de nostalgia y belleza atemporal.

La voz distintiva de Van Morrison, rica en matices y cargada de emoción, guía al oyente a través de las imágenes poéticas de la canción. Él pinta un retrato vívido de Arklow, describiendo sus calles adoquinadas, los "barcos de pesca meciéndose" y las "colinas verdes" que rodean la ciudad. A medida que avanza la canción, el oyente se siente inmerso en este mundo de tradición y encanto antiguo.

Una de las cualidades más notables de "Streets of Arklow" es su capacidad para transmitir una sensación de intemporalidad. A pesar de estar arraigada en un lugar específico, la canción trasciende lo geográfico y lo temporal para capturar la esencia misma de la experiencia humana: el anhelo, la belleza efímera y la conexión con nuestras raíces.

La instrumentación meticulosamente elaborada complementa perfectamente la narrativa de la canción. Los arreglos de cuerdas, sutiles pero evocadores, añaden una capa de profundidad emocional, mientras que la guitarra acústica y el piano crean una sensación de atmósfera íntima y nostálgica. Cada nota parece estar impregnada de historia y significado, añadiendo peso y textura a la historia que Van Morrison está contando.

Las letras de "Streets of Arklow" son un testimonio del talento poético de Van Morrison. Su habilidad para capturar la esencia de un lugar y un momento con una precisión casi fotográfica es verdaderamente impresionante. A través de sus palabras, somos transportados a las calles empedradas de Arklow y podemos sentir la brisa marina en nuestros rostros mientras nos perdemos en la narrativa de la canción.

"Streets of Arklow" es una obra maestra de Van Morrison que merece ser redescubierta y apreciada. Con su combinación única de letras poéticas, instrumentación exquisita y la emotiva entrega vocal de Morrison, esta canción captura la esencia misma de la belleza y la melancolía de la experiencia humana. Es una joya musical que perdura a lo largo del tiempo y sigue resonando con aquellos que tienen la fortuna de escucharla.

Daniel
Instagram storyboy

1228 - Van Morrison - Linden arden stole the highlights

1228 - Van Morrison - Linden arden stole the highlights

Linden Arden Stole the Highlights: Un Viaje Melódico por la Profundidad Emocional

La música es un medio poderoso para explorar las complejidades del alma humana, y pocas canciones ejemplifican esto mejor que "Linden Arden Stole the Highlights" de Van Morrison. Esta obra maestra, que forma parte de su álbum de 1974 "Veedon Fleece", es un viaje melódico que captura la esencia misma de la nostalgia, el arrepentimiento y la redención.

Desde los primeros acordes de guitarra acústica, somos transportados a un mundo de melancolía y reflexión. La voz única y emotiva de Van Morrison sirve como guía a través de la narrativa de la canción, que narra la historia de un hombre llamado Linden Arden, cuya vida está marcada por las decisiones difíciles y las consecuencias inevitables.

La letra de la canción es una obra de arte en sí misma, con imágenes poéticas que pintan un retrato vívido de los desafíos y las luchas internas de su protagonista. Las letras evocan una sensación de pérdida y desesperanza, pero también contienen destellos de esperanza y redención. A medida que la historia de Linden Arden se desarrolla, somos testigos de sus altibajos emocionales, sus momentos de triunfo y sus caídas.

La instrumentación de la canción es igualmente impresionante. Desde los suaves acordes de guitarra hasta los arreglos de cuerdas exquisitamente elaborados, cada nota contribuye a la atmósfera emocional de la canción. La música se eleva y cae en perfecta sincronía con la narrativa, creando una experiencia auditiva que es tanto conmovedora como conmovedora.

Uno de los aspectos más destacados de "Linden Arden Stole the Highlights" es su capacidad para resonar con los oyentes en un nivel personal. Aunque la historia de Linden Arden puede ser única en su ejecución, las emociones que transmite son universales. Todos hemos experimentado momentos de arrepentimiento y desilusión, pero también hemos encontrado fuerza y esperanza en medio de la adversidad. Esta canción nos recuerda que, a pesar de nuestros errores y fracasos, siempre hay una oportunidad para la redención y el perdón.

Además de su profundidad emocional, "Linden Arden Stole the Highlights" también destaca por su excelencia artística. La habilidad de Van Morrison para contar una historia a través de la música es verdaderamente incomparable, y esta canción es un testimonio de su genio creativo. Cada nota, cada palabra, está cuidadosamente elaborada para transmitir una experiencia emocional única, y el resultado es una obra de arte que perdura en el tiempo.

"Linden Arden Stole the Highlights" de Van Morrison es mucho más que una simple canción. Es un viaje emocional que nos lleva a las profundidades del alma humana, explorando temas de arrepentimiento, redención y la búsqueda eterna de significado. Con su emotiva letra y su hermosa instrumentación, esta canción perdura como un testamento perdurable al poder transformador de la música.

Daniel
Instagram storyboy

Electric Light Orchestra - Face the music (Mes Electric Light Orchestra)

Artista del mes Electric Light Orchestra, y su álbum Face the music #MesElectricLightOrchestra 

"Face the Music" es un álbum emblemático de Electric Light Orchestra (ELO) que marcó un punto de inflexión en su carrera y sigue siendo un clásico del rock hasta el día de hoy. Lanzado en 1975, este álbum consolidó la reputación de la banda como maestros de la fusión entre rock y música orquestal, presentando una mezcla única de guitarras eléctricas, sintetizadores y arreglos orquestales elaborados. A lo largo de sus nueve pistas, "Face the Music" ofrece una experiencia auditiva envolvente que lleva al oyente en un viaje musical emocionante y variado.

El álbum comienza con "Fire on High", una apertura magistral que establece el tono para lo que está por venir. Con sus misteriosos acordes de guitarra y su atmósfera cinematográfica, esta pista instrumental crea una sensación de anticipación y drama, preparando el escenario para el resto del álbum.

La canción principal del álbum, "Waterfall", sigue con su ritmo contagioso y sus letras introspectivas. Jeff Lynne, líder de ELO, demuestra su habilidad para componer melodías pegajosas mientras reflexiona sobre temas de amor y cambio. La combinación de la voz distintiva de Lynne y los arreglos orquestales exuberantes hace que esta canción sea verdaderamente inolvidable.

"Evil Woman" es quizás una de las canciones más reconocibles de ELO, con su distintivo riff de guitarra y su coro pegadizo. Esta pista es un ejemplo perfecto de la habilidad de la banda para combinar elementos de rock clásico con influencias de música pop y orquestal, creando algo que es al mismo tiempo familiar y único.

Otra destacada del álbum es "Nightrider", una canción impulsada por un ritmo frenético y una energía irresistible. Con sus letras que evocan imágenes de aventura y libertad, esta pista es una celebración del espíritu audaz y la pasión por la vida.

"Strange Magic" ofrece un cambio de ritmo con su atmósfera etérea y sus melodías melancólicas. Esta balada introspectiva muestra el lado más suave y reflexivo de ELO, con letras que exploran el poder del amor y la magia de la conexión humana.

El álbum cierra con "One Summer Dream", una pieza emocionalmente resonante que destaca por sus arreglos orquestales expansivos y su letra evocadora. Esta pista captura la sensación de nostalgia y añoranza del verano, creando un final conmovedor y satisfactorio para el álbum.

"Face the Music" es un álbum que muestra a Electric Light Orchestra en la cima de su juego creativo. Con su combinación única de rock, pop y elementos orquestales, este álbum sigue siendo una joya atemporal que merece un lugar destacado en la colección de cualquier amante de la música. Desde sus aperturas dramáticas hasta sus cierres conmovedores, cada pista de este álbum es una obra maestra en sí misma, lo que demuestra el talento y la visión incomparables de Jeff Lynne y su banda. En definitiva, "Face the Music" es un viaje auditivo que vale la pena emprender una y otra vez.

Daniel 

Instagram storyboy 

1227.- Funky President (People It's Bad) - James Brown

"Funky President (People It's Bad)" fue publicada por James Brown como single en 1974, con la canción "Cold Blooded" en la cara B, y aparece además en el disco "Reality" del mismo año. Escrita y producida por Brown, es una de sus prototípicas canciones funk pero tiene la peculiaridad de presentar un componente de crítica política no tan habitual en otros temas del músico estadounidense, al inspirarse en el nombramiento de Gerald Ford como presidente de Estados Unidos tras la dimisión de Richard Nixon.

No era Gerald Ford, precisamente, un presidente al que se le pudiera etiquetar como "funky" en el sentido más bailongo de la palabra, y mucho menos su antecesor Richard Nixon, pero en "Funky President (People It's Bad)" James Brown utiliza el término "funky" en su acepción original de "olor corporal fuerte y desagradable", en este caso referido al apestoso olor de la corrupción política y de las desigualdades sociales.

Como single, "Funky President (People It's Bad)" alcanzó el cuarto puesto de las listas de ventas de R&B en Estados Unidos y llegó al puesto 44 en las lista general del "Billboard Hot 100", pero su mayor éxito ha sido la enorme influencia en las siguientes generaciones de músicos afroamericanos, siendo su pegadizo groove sampleado por multitud de músicos de hip hop estadounidense como DJ Jazzy Jeff & The Fresh Prince ("Summertime"), Public Enemy ("Fight The Power"), N.W.A ("Fuck Tha Police") o, por poner un ejemplo del rap nacional, los Violadores del Verso ("Mierda").

1226 - Tom Waits - New coat of pain

1226 - Tom Waits - New coat of pain

Tom Waits: Un Maestro de la Escena Musical y su Canción "New Coat of Paint

En el vasto panorama de la música contemporánea, pocos nombres evocan la misma sensación de intriga, misterio y autenticidad que el legendario Tom Waits. Con una carrera que abarca décadas y una capacidad única para fusionar una amplia gama de géneros, Waits se ha establecido firmemente como uno de los artistas más distintivos e influyentes de su generación. Entre sus muchas obras maestras, destaca una joya particular: "New Coat of Paint".

"New Coat of Paint" es una canción que encapsula perfectamente el estilo distintivo de Tom Waits. Lanzada en su álbum de 1978, "Blue Valentine", la canción es un testimonio de la habilidad de Tom Waits para crear imágenes vívidas y evocadoras a través de su narrativa lírica y su entrega vocal única. Desde los primeros acordes de piano, se establece una atmósfera de nostalgia y melancolía que permea toda la canción.

La voz áspera y profunda de Tom Waits, comparada a veces con la de un cantante de blues envejecido, añade una capa adicional de autenticidad a la canción. Cada palabra está impregnada de emoción y experiencia, como si Tom Waits estuviera contando una historia arraigada en la realidad cruda de la vida cotidiana. Es esta capacidad para transmitir verdades universales a través de sus letras lo que ha hecho que las canciones de Tom Waits resuenen con tanta gente a lo largo de los años.

"New Coat of Paint" también destaca por su ingeniosa composición musical. La combinación de piano, instrumentos de viento y una sección rítmica sólida crea un acompañamiento que complementa perfectamente la voz distintiva de Tom Waits. El ritmo contagioso y la melodía pegadiza hacen que sea difícil no dejarse llevar por la canción, incluso mientras se reflexiona sobre las complejidades de sus letras.

En términos de contenido lírico, "New Coat of Paint" es una exploración de la idea de comenzar de nuevo, de reinventarse a uno mismo después de la adversidad. Las letras pintan imágenes vívidas de un individuo que busca escapar de su pasado, buscando un nuevo comienzo en un lugar lejano. Sin embargo, a pesar de la aparente esperanza en la idea de un "nuevo abrigo de pintura", hay un matiz de resignación y aceptación de la realidad que impregna la canción. Es esta mezcla de esperanza y desilusión lo que da a la canción su profundidad emocional y su universalidad.

La influencia de "New Coat of Paint" se extiende mucho más allá de su lanzamiento inicial en 1978. La canción ha sido versionada por numerosos artistas a lo largo de los años, lo que atestigua su duradera relevancia y su impacto en la escena musical. Desde artistas emergentes hasta leyendas establecidas, "New Coat of Paint" sigue siendo una fuente de inspiración y admiración para músicos de todas las generaciones.

"New Coat of Paint" es una prueba más del genio artístico de Tom Waits y su habilidad para crear música que trasciende el tiempo y el espacio. Con su combinación única de letras profundas, melodías cautivadoras y una entrega vocal inimitable, esta canción sigue siendo una joya inolvidable en el vasto repertorio de uno de los más grandes artistas de nuestro tiempo.

Daniel
Instagram storyboy