1747.- Last Train to London - Electric Light Orchestra

Last Train to London, ELO

 

     En 1979, Electric Light Orchestra lanzó Discovery, un álbum que marcó un giro estilístico en la trayectoria de la banda. Tras el éxito de Out of the Blue (1977), Jeff Lynne decidió explorar terrenos más cercanos al pop y al disco, sin abandonar del todo la sofisticación sinfónica que había definido a ELO. Discovery fue recibido con un gran entusiasmo comercial, merced a éxitos como Shine a Little Love o Don’t Bring Me Down, pero también con cierta controversia entre los fans más aferrados al rock progresivo debido a ese giro de sonido que la banda da. Era un disco más accesible, más rítmico, más directo, sin embargo, entre sus surcos se escondía una melancólica joya: Lost Train to London.

Lost Train to London no busca el protagonismo, su atmósfera, su narrativa y su producción lo convierten en una pieza única dentro del universo ELO: un viaje nocturno entre la niebla, un lamento ferroviario que mezcla nostalgia y misterio con una gran precisión musical. Comienza la canción con un ritmo pausado, casi espectral. La percusión simula el traqueteo de un tren en la distancia, mientras una línea de bajo profunda y envolvente marca el compás de un viaje sin destino. La guitarra acústica entra con unos acordes suaves, y la voz de Jeff Lynne, más introspectiva, más grave de lo habitual, narra una historia de espera, de pérdida, de estaciones que ya no existen. No hay coros grandilocuentes ni arreglos orquestales exuberantes: todo está contenido, como si la canción se desarrollara en un vagón solitario bajo la lluvia.

Musicalmente, el tema se apoya en una estructura sencilla. La progresión armónica nos recuerda a los trabajos más introspectivos de George Harrison, con quien Lynne colaboraría años después en los Traveling Wilburys. Hay un uso sutil de teclados que simulan ecos ferroviarios, y un solo de guitarra eléctrica que aparece brevemente, como un faro en la niebla. La producción es minimalista, es una canción que respira, que deja espacio al silencio, que se mueve como un tren fantasma entre recuerdos. La letra es deliberadamente ambigua. No se sabe quién perdió el tren, ni por qué, Pero sí se siente en el ambiente el peso de esa ausencia. Un reloj detenido, una promesa rota, una ciudad que duerme. La canción no busca respuestas, sino transmitir una emoción: la de haber perdido algo que no se puede recuperar. Hay mil formas de interpetarlo, como el tren como símbolo del tiempo, del amor, de las oportunidades que se escapan, como una reflexión sobre los cambios estilísticos de la banda, sobre los caminos que ya no se recorren, sobre los sonidos que se dejan atrás, como una postal melancólica... Y eso es lo fascinante de esta canción, que cada cual elija la suya...

1554.- Sweet Talkin' Woman - Electric Light Orchestra

Sweet Talkin' Woman se grabó en los estudios Musicland de Múnich, Alemania, durante el verano de 1977. Originalmente, comenzó como una canción titulada Dead End Street, con una letra y un arreglo muy diferentes. Probablemente la letra que sobrevivió de esa versión se puede escuchar en el inicio del tercer verso, "He estado viviendo en una calle sin salida". Por razones desconocidas, Jeff no quedó satisfecho con la canción y escribió y grabó una letra completamente nueva. La canción se lanzó como sencillo de 7" en Inglaterra a través de Jet Records el 7 de octubre de 1978. En EE. UU., se lanzó siete meses antes, en marzo de 1978, como el decimocuarto lanzamiento de sencillo en EE. UU. Fue lanzado por Jet Records (distribuido por United Artists) con el número de stock "JT-XW 1145" y una edición de Fire On High en la cara B. Se publicó tanto en vinilo morado como en vinilo negro estándar. Aunque la edición en vinilo morado es interesante y buscada como artículo de coleccionista, la edición en vinilo negro es en realidad la más rara de las dos.

No está claro si la versión original de Dead End Street o la versión sin editar han sobrevivido. Lo más probable es que Dead End Street fuera destruida en el proceso de grabación de las nuevas voces para la canción. Seguramente la versión sin editar de Sweet Talkin' Woman fue respaldada antes de ser editada. En la década de 1970, el proceso de edición implicaba cortar trozos de cinta de grabación y descartarlos o volver a unirlos en un orden diferente. Un error y el trabajo se destruiría, por lo que tiene sentido que se hiciera una cinta de respaldo. Sin embargo, no está claro si la cinta sin editar sobrevivió. Es posible que haya sido borrada o grabada después de que se completara la mezcla final de la canción. En cualquier caso, corre el rumor de que las cintas multipista originales de Out Of The Blue se perdieron, por lo que incluso si esta primera versión de la canción se guardó en cinta, es probable que se haya perdido. El bajo de Bev Bevan se usa mucho en la canción, sobre todo en los coros a partir del cuarto estribillo. En los estribillos uno al tres, Jeff, Bev y posiblemente Kelly cantan los coros, la canción hizo un uso intensivo del Vocoder 2000, al igual que varias canciones del álbum Out Of The Blue. El vocoder después del tercer estribillo es muy sutil, dando la impresión de que el violín y los violonchelos dicen la frase en lugar del vocoder. El acento británico de Jeff destaca especialmente en la tercera estrofa. Los británicos tienden a añadir una "r" al final de las palabras que terminan con "ah", como "Donna" en "Donner", "panda" en "pander" e "idea" en "idear". Escuchen con atención y se puede oír claramente a Jeff cantando "insufficient dater coming through".

1544 - ELO - Mr Blue Sky

1548 - ELO - Mr Blue Sky

"Mr. Blue Sky" es, sin duda, una de las canciones más icónicas y alegres de la historia de la música pop. Lanzada en 1977 como parte del álbum Out of the Blue de Electric Light Orchestra (ELO), esta obra maestra de Jeff Lynne se ha convertido en un himno atemporal que celebra la luz, la felicidad y la esperanza. Con su mezcla única de rock sinfónico, arreglos orquestales y un toque de psicodelia, la canción es un viaje sonoro que invita a sonreír incluso en los días más grises.

Desde el primer acorde, "Mr. Blue Sky" te transporta a un mundo de colores brillantes y emociones positivas. La introducción, con su ritmo pegajoso y los efectos de sonido que imitan la lluvia y los truenos, prepara el escenario para una explosión de energía. La letra, simple pero efectiva, personifica al cielo despejado como un personaje amigable que llega para alejar la tristeza: "Mr. Blue Sky, please tell us why / You had to hide away for so long?". Es una celebración de la luz después de la oscuridad, un recordatorio de que los días soleados siempre regresan.

La producción de la canción es simplemente brillante. Jeff Lynne, conocido por su perfeccionismo y su amor por los detalles, creó una pieza que combina guitarras vibrantes, teclados luminosos y un coro celestial. Los arreglos de cuerdas y vientos, característicos de ELO, añaden una capa de grandiosidad que eleva la canción a otro nivel. Además, la estructura de "Mr. Blue Sky" es una montaña rusa de emociones: desde el puente instrumental con su solo de guitarra juguetón hasta el coro final que te deja con ganas de volver a escucharla.

Lo más fascinante de "Mr. Blue Sky" es su capacidad para resonar con audiencias de todas las edades y culturas. A pesar de haber sido escrita hace más de cuatro décadas, su mensaje universal de optimismo sigue siendo relevante hoy en día. La canción ha sido utilizada en películas, comerciales y series de televisión, convirtiéndose en un símbolo de alegría y renovación. Es imposible escucharla sin sentir una oleada de energía positiva.

"Mr. Blue Sky" es mucho más que una canción; es una experiencia que ilumina el alma. Jeff Lynne y ELO lograron capturar la esencia de la felicidad en poco más de cinco minutos, creando una obra que trasciende el tiempo y el espacio. Si alguna vez necesitas un recordatorio de que el sol siempre sale después de la tormenta, solo tienes que poner "Mr. Blue Sky" y dejar que su magia te envuelva. Es, sin duda, un tesoro musical que seguirá brillando por generaciones.

Daniel 

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1440.- Livin' Thing - Electric Light Orchestra

 

Livin' Thing, Electric Light Orchestra

     La Electric Light Orchestra, más popularmente conocida como E.L.O., cobró vida en los años sesenta como parte del nuevo escenario del "rock progresivo". Surgieron como una combinación del rock de los 60 y el nuevo sonido de la tecnología y las tendencias en el uso de equipos para hacer música. Esta combinación creó un estilo musical que jugó un papel conservador en hacer del rock sinfónico la leyenda que es hoy. Con sus estrategias de rock melódico de los 60 y armonías al estilo de los Beatles, junto con el arte de diseñar estructuras clásicas en música rock, E.L.O. tuvo ideas innovadoras inigualables en su época.

El 15 de octubre de 1976 E.L.O. publica su sexto álbum de estudio, A New World Record. Fue grabado en diferentes estudios de Alemania, Reino Unido y Estados Unidos bajo la producción de Jeff Lynne, y publicado por el sello discográfico Jet United Artists en Estados Unidos el 19 de noviembre de 1976, y por Jet Records en el Reino Unido el 15 de octubre de 1976. Este disco marcó un cambio radical en el grupo, que apostó por canciones de corte pop más cortas, una tendencia que continuaría en años sucesivos.

Incluido en este disco se encuentra Livin' Thing. Esta canción es otro intento de E.L.O. de mantener la música clásica a la moda: mantiene la tendencia de mezclar la armonía y la melodía del rock con lo mejor de Johann Strauss. Esta canción establece una nueva tendencia de la banda: arreglos de clavicémbalo largos y prolongados influenciados por la música clásica. La canción hace uso de acordes aumentados. Sobre esto, Lynne dijo: "Livin' Thing" tenía un acorde aumentado. George (Harrison) también usó muchos de esos acordes. Creo que la influencia de usar ese tipo de acordes vino de las canciones de Long Wave (segundo álbum en solitario de Lynne, publicado en 2012). Tratar de unir los dos estilos, tratar de poner esos viejos y divertidos acordes victorianos en una nueva canción le da un buen impulso. La convierte en una canción más especial, porque tiene un acorde extraño y nadie sabe cómo tocarla. "Livin' Thing" tiene eso. Hay algunos míos que tienen ese tipo de acordes. Traté de hacer las canciones un poco diferentes. "Livin' Thing" habría tenido una secuencia de acordes mucho más normal y corriente de lo contrario; el coro habría sido C, La menor, Fa y Sol en lugar de Do, La menor, Re menor, Sol aumentado y de vuelta al Do. Ese acorde aumentado de sol añade un poco de tensión y elevación a la canción. Ese acorde está más en la línea de las canciones de Long Wave que en el lenguaje pop. Estoy seguro de que estaba incorporando ese tipo de acordes inconscientemente, pero estuve expuesto a todos esos acordes desde el principio, y obviamente voy a tomarlos a bordo con todos los acordes más de rock and roll. He usado acordes extravagantes en muchas de mis canciones, como "All Over the World", que también tiene uno travieso".

Ha habido mucha especulación sobre de qué trata esta canción. Hay un rumor popular que argumenta que se trata de una declaración contra el aborto. El líder del grupo, Jeff Lynne, decía al respecto que se trataba simplemente de la pérdida del amor, aunque su inspiración inicial fue un ataque de intoxicación alimentaria. Este argumento lo dejó escapar en una charla con Hi-Fi News & Record Review en 2014. "Nunca podrás volver a escucharlo de la misma manera", dijo. "No me gustaría que nadie pensara que se trata de una mala paella en unas vacaciones españolas". La canción cuenta con las voces no acreditadas de Patti Quatro (hermana de Suzi Quatro), Brie Brandt y Addie Lee, quienes fueron miembros del grupo de rock femenino Fanny.

1439.- Telephone Line - Electric Light Orchestra

Lynne tenía un don para combinar melodías beatlescas, instrumentación clásica y técnicas de producción impecables para crear un deleite para el oído al que era imposible resistirse. Su técnica funcionaba bien en los temas de ritmo rápido y con sabor a rockabilly de la banda, pero era realmente excelente en las canciones lentas. De New World Record de 1976, “Telephone Line” fue la balada que dio el salto a la fama a ELO y se coló en el Top 10 en ambos lados del charco.

La introducción telefónica de la canción ha llamado mucho la atención a lo largo de los años. Hay dos cosas notables al respecto. Primero, el tono de llamada que se escucha (como el que se escucha cuando se espera que la línea responda) es un tono de llamada de América del Norte que es bastante distinto del que se escuchaba en el Reino Unido en ese momento. La banda estaba teniendo mucho más éxito en Estados Unidos en ese momento y esto los inspiró a usar el sonido norteamericano en lugar del sonido británico. Para lograr el sonido perfecto, la banda llamó a una oficina en Estados Unidos cuando sabían que nadie respondería. El otro detalle interesante de la introducción es el sonido monofónico apagado, como si el oyente estuviera escuchando a través del teléfono la introducción de la canción. Esta fue una adición muy tardía a la canción. La grabación estaba terminada y Jeff estaba trayendo las cintas de Inglaterra a California cuando tuvo la idea de agregar el efecto a la canción que suena normalmente hasta la primera línea vocal del primer verso, cuando entra el efecto monofónico de escucha por teléfono. Esto continúa, junto con el tono de llamada, hasta la línea "lonely, alone, alone, alone, alone nights" cuando la versión estéreo completa de la canción entra lentamente y el tono de llamada se detiene. 

El significado de la canción es bastante claro: el cantante está esperando a que su amante al otro lado del teléfono levante la línea y está expresando su soledad mientras espera. La forma en que se describe la historia es inteligente en muchos sentidos. En primer lugar, el efecto de escucha silenciosa por teléfono y el tono de llamada al comienzo de la canción, así como la línea "Hola. ¿Cómo estás?", dejan en claro que está al teléfono esperando una respuesta. La transición al efecto estéreo completo en la línea "noches solitarias, solitarias, solitarias, solitarias" expresa la tristeza y la soledad de la canción. La siguiente línea, "eso es lo que diría", subraya que el oyente de la canción acaba de escuchar la triste llamada telefónica y el profundo dolor del cantante. La suave letra doo-wop del puente evoca el estado de ánimo de las canciones doo-wop sentimentales de los años 1950 y 1960 (como Sincerely de The Moonglows y Only You de The Platters), lo que pinta más una imagen de la canción. El tono de espera en la línea se escucha nuevamente a mitad de la canción, justo después del estribillo (y también al final de la canción en la versión alternativa), lo que produce el efecto de que toda la canción ocurre mientras el cantante está en la línea, esperando que respondan. Todo esto se combina para dar una sensación notable y conmovedora a la canción, como si la persona que llama estuviera esperando y esperando una respuesta mientras vierte el dolor y la soledad que está sintiendo.

Una de las razones por las que la canción fue un éxito es que describía una situación que todos conocían. Como dijo el tecladista de ELO, Richard Tandy, sobre Lynne y la canción en el documental Mr. Blue Sky: The Story of Jeff Lynne and ELO : “Creo que todo el mundo ha tenido la experiencia de tener una mala llamada telefónica con alguien a quien aprecia y cómo te afecta. Y creo que él captó eso”. El inimitable muro de coros que Lynne fue pionero con el tubo ELO en ese momento como una especie de coro griego que detalla el dolor del tipo, hasta que a este triste saco no le queda nada más que hacer que dirigirse a la línea telefónica. Solo hace falta una sola línea en el emocionante coro para describir con maestría la región inferior en la que habita este tipo: "Estoy viviendo en el crepúsculo". En el segundo verso, con cuerdas que comentan sutilmente lo que ocurre, el narrador se ve obligado a suplicar que le den más tiempo con la inútil esperanza de que la chica conteste. ¿Cuánto tiempo necesita? “Que suene para siempre”, canta Lynne. Ha habido algunas canciones clásicas sobre el teléfono en la era del rock, pero pocas han capturado la impotencia de estar en el extremo solitario del receptor tan bien como “Telephone Line”, una obra maestra de melancolía cortesía de Jeff Lynne y ELO.

Electric Light Orchestra - Zoom (Mes Electric Light Orchestra)

Zoom, Electric Light Orchestra

 

     Zoom es el duodécimo álbum de estudio de la banda británica de rock sinfónico Electric Light Orchestra. Grabado entre los años 2000 y 2001 bajo la producción del líder del grupo Jeff Lynne, fue publicado el 12 de junio de 2001 bajo el sello discográfico Epic Records. Este fue el primer álbum oficial del grupo tras Balance of Power, publicado en 1986. El disco fue concebido en su mayoría únicamente por Jeff Lynne, que contó  con músicos invitados como George Harrison y Ringo Starr. Fue también el primer trabajo que no presentaba al baterista original Bev Bevan, y fue una de las últimas grabaciones de George Harrison antes de su muerte. El único miembro, además de Lynne, que aparece en el álbum es Richard Tandy, que aparece en la canción de apertura y actuó en vivo en conciertos promocionales.

A diferencia de las producciones con sintetizadores que se escuchaban en la década de los 80, Zoom tiene un sonido más orgánico, y vuelve a utilizar una sección de cuerdas mediante chelos. El 19 de abril de 2013, el sello discográfico Frontier Records publicó una versión remasterizada de Zoom con dos canciones extra: una versión en directo de "Turn to Stone", interpretada en CBS Television City de Los Ángeles durante la grabción de Zoom Tour Live, y "One Day", una canción inédita grabada en 2004.

El proceso creativo de Jeff Lynne para el disco fue a través de un viaje personal y musical, suponiendo un regreso a las raíces. Después de una pausa de 15 años, Lynne decidió revivir ELO, quería volver a las raíces del sonido clásico de la banda, fusionando rock, pop y elementos clásicos. Para ello el artista mezcló la mayor parte del álbum en su estudio casero, lo que le dio libertad creativa para experimentar con arreglos y sonidos. Las letras del disco reflejan experiencias personales y reflexiones de Lynne. El artista utilizó gran variedad de instrumentos, incluyendo chelos, para darle al disco un sonido más orgánico. La mezcla de melodías pegajosas y armonías vocales distintivas fue otra de las características del proceso creativo de Lynne. 

Hay quien se pregunta por qué no fue este un álbum en solitario de Jeff Lynne, pues quizás porque fue diseñado para que fuera un regreso al sonido clásico de ELO. Además de eso, la producción, aunque claramente no es producto de los años 70 / 80, evita gran parte del estilo de sobreproducción moderna, que imperaba en la época, y suena calida y acogedora. También hay quien acusaba a Lynne de no inventar nada nuevo, lo que está claro es que su propósito no era ese, sino regresar al clásico sonido de la banda. Lynne nos regala un álbum con canciones increíblemente bien elaboradas, no cayendo en la sobreproducción, ofreciendo un álbum final de pop clásico con unos arreglos magníficos de rock y sinfónicos. 

Como he comentado anteriormente, Lynne retoma la esencia del sonido clásico de la ELO, caracterizado por la fusión de rock, pop y elementos sinfónicos. Lynne asumió la mayor parte de la producción y grabación en su estudio casero, lo que le dio tiempo para experimentar con gran cantidad de arreglos y sonidos diferentes. También contó con colaboraciones, como la de George Harrison, dándole a la canción "Alright" un toque distintivo. En cuanto a las letras, la inspiración de Lynne proviene de diversas fuentes y experiencias personales y reflexiones, componiendo estas con su característico estilo lírico y melódico. En cuanto a las canciones, muy destacables Alright, una optimista canción donde la voz de Lynne cuenta con la colaboración de la guitarra de George Harrison. La amistad de Lynne y Harrison se remonta a los días de The Traveling Wilburys, y eso se nota en esta posterior colaboración; la emotiva Moment in Paradise, un claro ejemplo de donde podría venir la letra, de experiencias personales, reflexiones sobre la vida y la búsqueda de momentos especiales de Jeff Lynne; y State of Mind, canción llena de energía que era un fiel reflejo del estado de Lynne en ese momento. En cuanto a las letras de esta canción, estas sugieren una lucha interna y la búsqueda de la racionalidad.

Zoom no obtuvo un gran éxito comercial, pero con el tiempo se ha ido ganando el aprecio y respeto de los fans de la banda, que apreciaron el regreso a sus raíces musicales. Estamos ante un disco que combinaba muy acertadamente nostalgia, creatividad y buenas colaboraciones, y que se acabó convirtiendo en algo más que un simple álbum, un álbum de culto para los verdaderos fans de Lynne y del grupo.

"Time" de Electric Light Orchestra con la reseña de sus canciones más destacadas: (Mes Electric Light Orchestra)

"Time" de Electric Light Orchestra con la reseña de sus canciones más destacadas: 

#MesElectricLightOrchestra

Electric Light Orchestra (ELO) es una banda legendaria que ha dejado una marca indeleble en la historia del rock. Fundada en Birmingham, Inglaterra, en 1970 por el talentoso músico Jeff Lynne, la banda combinó la energía del rock con la sofisticación de la música clásica para crear un sonido único y distintivo. Uno de los álbumes más destacados de ELO es "Time", lanzado en 1981, que marcó un punto de inflexión en su carrera y demostró la versatilidad y la genialidad de la banda.

"Time" es un álbum conceptual que narra la historia de un hombre que viaja en el tiempo desde 1981 hasta el año 2095. Este concepto futurista y la temática del viaje en el tiempo proporcionan un marco fascinante para el álbum, que se refleja tanto en su música como en sus letras. Desde la apertura con "Prologue", donde se introduce la premisa del viaje en el tiempo, hasta el cierre con "Epilogue", que reflexiona sobre las experiencias del protagonista, "Time" te sumerge en un viaje emocionante y lleno de aventuras.

Una de las características más sobresalientes de "Time" es la habilidad de Jeff Lynne para combinar elementos de rock, pop y música electrónica con arreglos orquestales elaborados. Esto se evidencia en canciones como "Yours Truly, 2095" y "Ticket to the Moon", donde los sintetizadores y las guitarras eléctricas se entrelazan con cuerdas exuberantes y coros grandiosos para crear una experiencia auditiva épica y cinematográfica. Además, la producción impecable de Lynne le otorga al álbum una calidad atemporal que lo hace sonar tan fresco y relevante hoy como lo era en su lanzamiento.

Las letras de "Time" también son dignas de mención, ya que exploran temas como el amor, la nostalgia y la humanidad en el contexto de un mundo futurista. Canciones como "The Way Life's Meant to Be" y "From the End of the World" capturan la melancolía y la esperanza de un hombre que se encuentra fuera de lugar en una era desconocida. Además, la habilidad de Lynne para escribir letras pegadizas y emotivas se destaca en canciones como "Hold on Tight" y "Twilight", que se han convertido en himnos atemporales de la banda.

A lo largo de "Time", la ejecución magistral de los miembros de la banda, incluidos Bev Bevan en la batería, Richard Tandy en los teclados y Kelly Groucutt en el bajo, complementa perfectamente la visión creativa de Jeff Lynne. La química entre los músicos y su habilidad para fusionar diferentes estilos y géneros musicales son fundamentales para el éxito del álbum.

En cuanto al impacto cultural y el legado de "Time", es innegable que este álbum ha dejado una marca indeleble en la música popular. Su combinación única de rock, pop y elementos electrónicos sentó las bases para el sonido de la década de 1980 y ha influido en innumerables artistas y bandas desde entonces. Además, la narrativa futurista de "Time" sigue siendo relevante en la actualidad, ya que aborda temas universales como el paso del tiempo y la búsqueda del significado en un mundo en constante cambio.

Por último, las canciones individuales de "Time" ofrecen una experiencia musical variada y emocionante que complementa perfectamente la narrativa del álbum. Desde la apertura con la atmósfera evocadora de "Prologue" hasta el cierre reflexivo de "Epilogue", cada canción contribuye a la riqueza y la profundidad del álbum. Destacan canciones como "Twilight", con su melodía pegajosa y letras melancólicas, y "Hold on Tight", con su ritmo animado y estribillo contagioso, que se han convertido en favoritas de los fanáticos y han perdurado a lo largo de los años como ejemplos clásicos del talento creativo de Electric Light Orchestra.

"Time" es un álbum magistral que encapsula lo mejor del talento creativo y la visión artística de Electric Light Orchestra. Con su mezcla ecléctica de estilos musicales, letras evocadoras y producción impecable, este álbum sigue siendo un hito en la historia del rock y un testimonio perdurable del genio musical de Jeff Lynne y su banda.

Daniel 

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Electric Light Orchestra - Discovery (Mes Electric Light Orchestra)

Después del gran, bullicioso y fantástico "Out of the Blue", era difícil adivinar hacia dónde iría el cerebro de Jeff Lynne en términos de composición, con ese álbum que abarca tantos temas y al mismo tiempo se une como algo increíble. Y si bien es comprensible que el álbum sea abrumador para algunos con sus 17 pistas, mostró a la banda en su forma más diversa, conmovedora y grande, debido a esto, es comprensible que el próximo álbum inevitablemente no sea tan bueno. Y, por supuesto, eso es lo que pasó, eso no significa que este álbum no sea genial por sí solo, porque está muy subestimado. Aunque este álbum se centra más en la música disco, no es exactamente lo que yo llamaría un álbum disco completo, sino más bien un álbum de rock con mucho pop, muy parecido a los dos álbumes anteriores de la banda, solo que esta vez, más cursi. Eso no es necesariamente algo malo, ya que puede ser divertido si se ejecuta correctamente, y este álbum lo hace bien, pero no de la forma que piensas. Porque aunque sea más cursi, la banda sigue siendo muy disciplinada y con música avanzada. Me gusta escuchar este álbum de vez en cuando, a pesar de ser casi una creación completamente disco-pop. ELO terminó su transformación de una banda creativa con tendencia orquestal a una máquina de éxitos con Discovery, justo a tiempo para el final de una década de brillante música progresiva. Si bien los arreglos corales y de cuerda todavía están aquí como en álbumes anteriores de ELO, uno debe tener cuidado si escucha este álbum por primera vez (lo cual es difícil de imaginar a menos que haya vivido bajo una roca durante las últimas dos décadas). Junto con el ritmo disco, hay un uso casi abrumador de sintetizadores para crear todo tipo de sonidos interesantes, desde ruidos de multitudes hasta secuencias de sueños, campanas, silbatos de trenes y sonidos para los que no tenemos instrumentos naturales

“Shine a Little Love” abre el álbum y no deja dudas sobre el tipo de música que se presenta (Discovery = disco-very, como aprendimos rápidamente en ese entonces), ritmo trepidante, más sintetizador que instrumentos en su mayor parte (aunque Lynne logra algunos riffs de guitarra decentes) y Kelly Groucutt con una línea de bajo que enorgullecería a una banda de funk. Un sencillo de gran éxito mundial, nada más que música de baile popular, ni siquiera lo pretendamos y que marca el tono y el estado de ánimo del álbum: canción disco-pop alegre que te lleva a la suave pista de baile con sintetizadores brillantes, cuerdas arremolinadas y letras que celebran la sensación de estar enamorado de alguien (además de un descarado grito "ELO" en la coda). Sí, no es la canción más compleja o hermosa que jamás hayan hecho, ¡pero qué melodía tan pegadiza! Que así sea. “Confusion” es más de lo mismo, aunque con un ritmo un poco más lento y con algunos teclados y voces de vocoder interesantes, mantiene la bola de espejos girando, aunque sea para un baile lento y romántico. Esta canción continúa y enfatiza el enamoramiento de toda la vida de Lynne por el muro de sonido de Phil Spector, así como por el falsete-pop melodramático de Roy Orbison. “Need Her Love” es una de las dos baladas (“Midnight Blue” es la otra) y fue muy popular durante la parte de baile lento de una buena noche disco en esa época. La guitarra tocando los lánguidos arreglos de cuerdas es bastante seductora. “The Diary Of Horace Wimp” es una especie de “Irene Wilde” cursi, suponiendo que no clasifiques ya a esta última como cursi. Es una canción con historia, que personalmente me gusta, pero lo más importante es que confirmó que la banda al menos estaba tratando de hacer música que fuera más que pistas de baile, si no te importa el uso excesivo del vocoder, un concepto un poco tonto que gira en torno a los días de la semana y un poco de elementos de los Beatles en la mezcla, esta pista es muy divertida.

Con diferencia, la canción más simpática del álbum es “Last Train to London”, otra canción con historia, trata sobre un chico que pierde su tren para poder pasar tiempo con una mujer. También tiene un ritmo de baile, pero los arreglos de cuerdas y la guitarra de Lynne son ELO antiguos y, combinados con el tempo alegre y la voz cómoda de Lynne, se ha convertido en una canción para los amantes a lo largo de los años. El coro es contagioso y los violines disco son el paraíso, el bajo es ligero y juguetón, lo que me gusta es que todavía puedes escuchar rastros de ELO antes de la fama, como mi odiado ELO 2, en estas canciones. Sorprendentemente, la canción decididamente no disco, “Midnight Blue”, es también probablemente la más aburrida, debido en gran parte al arreglo poco ambicioso y al molesto falsete de Lynne. “On the Run” es pura felicidad ELO con sintetizadores fantásticos y extravagantes. “Wishing” con su introducción de sintetizador de ensueño suena como si fuera una película de tu infancia que nunca has visto, quizás estas son las dos canciones mas flojas. El álbum cierra con “Don't Bring Me Down”, que no necesita descripción ya que fue un éxito disco-pop intergaláctico en 1979 que todavía se reproduce regularmente en la radio FM en la actualidad.

Cinco de las nueve canciones del álbum se convirtieron en éxitos en Europa, Estados Unidos o ambos: “Shine a Little Love”, “Confusion”, “The Diary of Horace Wimp”, “Last Train to London” y la primera y Único sencillo #1 “Don't Bring Me Down”. La única manera justa de calificar este álbum es en su contexto con el resto del trabajo de ELO; de lo contrario, cualquier valoración debe considerar su relevancia como estándar de danza, o como trabajo progresivo (obviamente no lo es), o como álbum pop, que en realidad tampoco lo es. Como se dijo anteriormente, Lynne y el resto de la banda hicieron tantas paradas para su álbum anterior, que no dejaron una dirección clara para su próximo álbum, lo que significó que sin duda tendrían dificultades con su próximo lanzamiento en términos de encontrar uno. Entonces, parece que simplemente popificaron lo que funcionó y lo condensaron, y aunque eso no arruinó el álbum de ninguna manera, se siente mucho menos como un paso adelante, sino más bien como una forma de atraer a la audiencia cuando se lanzó este álbum. Sigue siendo bueno, pero la ambición era menor, ya que la mayor parte ya se usó en su álbum anterior. Además, creo que el álbum también podría haber fluido mucho mejor, porque si bien la estructura del álbum no es mala, el ritmo se sintió un poco incómodo, lo que también hizo que el álbum se sintiera un poco desigual. Aparte de eso, si mezclas el excelente material antes mencionado con la excelente composición y producción habitual, lo que tienes aquí es una joya subestimada en la discografía de ELO, un gran álbum en una situación incómoda, ya que viene justo después de un lanzamiento tan monumental, además de que falta una dirección musical clara. De hecho, el hecho de que siga siendo tan bueno es casi increíble, con muchas secuelas de álbumes increíbles que generalmente apestan. Se centra en la función sobre el estilo, porque si bien no es nada alucinante de ninguna manera, la música sigue siendo excelente y los tecnicismos detrás del álbum están bien hechos. Puede que no sea la banda en su mejor momento, pero está lejos de ser la banda en su peor momento, y es una banda por la que no puedo evitar mostrar un poco de amor, ya que, a pesar de sus defectos, no me deprime.

Electric Light Orchestra - Out of the Blue (Mes Electric Light Orchestra)

"Out of the Blue" (1977) es el séptimo disco de estudio de la Electric Light Orchestra. Como en discos anteriores, Jeff Lynne se encargó de la composición de las canciones y de la producción del álbum, escribiendo todos los temas durante un mes que pasó "encerrado" en un chalet alquilado en los Alpes Suizos. Algo más complejo fue el proceso de grabación, que se llevó a cabo durante dos meses en un estudio en Munich.

El disco comienza con el tema "Turn To Stone", un tema de pop rock aderezado por arreglos de cuerdas y efectivas armonías en falsete, creando un juego de llamada y respuesta con la voz principal de Jeff Lynne, en un efecto que es aún más potente cuando el resto de instrumentos se detienen y un trabalenguas de voces superpuestas se desata al ritmo de la solitaria batería de Bev Bevan. Tras este brillante comienzo, le llega el turno a "It's Over", una canción de corte más clásico y sencillos acordes, dónde de nuevo destaca la intensidad de las voces y los arreglos de cuerda. Con "Sweet Talkin' Woman" llega el primer gran cambio de tercio del disco, en un giro hacia ritmos más bailables y cercanos a la música disco, en un gran trabajo del batería Bev Bevan, sin dejar de lado por ello el toque de pop clásico en las melodías y las voces, y los arreglos de piano y cuerdas marca de la casa. Y para terminar la cara A del primer disco, llegan los aires mexicanos de "Across the Border", con un destacable solo de violín a cargo de Mik Kaminski.

En la cara 2 encontramos grandes canciones, pero sin duda la más top es "Night in the City", uno de los mejores temas de la discografía de la banda británica. Canción redonda y de brillante estribillo, que comienza con un teclado que simula el intenso ruido producido por un atasco de tráfico, mezclado con una sección de cuerdas. No es gratuito ni azaroso el orden de las canciones, porque tras este reflejo de una ajetreada y ruidosa noche en la ciudad, en "Starlight" Jeff Lynne busca el contraste extremo y nos escribe una noche mirando las estrellas en su retiro de los Alpes Suizos, y nada más lejos del asfalto y el ruido de automóviles que "Jungle", plagada de sonidos que recuerdan a Tarzán en una frondosa jungla plagada de elefantes, en la que probablemente sea la canción más extraña del disco. Tras esta rareza, en esta cara aún encontramos espacio para un breve interludio de piano y orquesta ("Believe Me Now"), y para "Steppin' out", la tierna balada a la que sirve de orquestal introducción, un tema de suaves arreglos y letras sobre el momento de abandonar el hogar y buscar tu propio destino, que en el último tramo de canción se vuelve más compleja entre capas y capas de guitarras y coros, cerrando la cara 2 en lo más alto.

La cara 3 está dedicada a las cuatro partes de una suite musical completa, plagada de arreglos orquestales y titulada "Concerto for a Rainy Day" ("Concierto para un día de lluvia"). La suite se inspira en la lluvia de las montañas de Suiza, y por tal motivo salteada de efectos de lluvia y truenos entre cada una de las diferentes partes, tituladas "Standin' in the Rain", "Big Wheels", "Summer and Lightning" (la mejor pieza de esta mini obra y una de las mejores canciones que nos dejó la ELO a lo largo de su carrera discográfica) y "Mr. Blue Sky", una canción que celebra la llegada del amanecer después de una intensa tormenta nocturna en el chalet de Lynne en las montañas de Suiza, y que fue publicada como segundo single del disco.

En la última cara del segundo disco encontramos piezas de corte funk y pinceladas de glam rock ("Sweet Is the Night"), temas instrumentales y atmosféricas ("The Whale", inspirada en un programa de televisión sobre la caza de las ballenas), canciones de blues rock de carretera y manta ("Birmingham Blues") y sobre todo "Wild West Hero", el que fuera tercer single del disco, una canción que cierra en lo más alto Out of the Blue, un disco que se convirtió en su obra de más éxito a nivel comercial, pues vendió cerca de cuatro millones de copias en su lanzamiento, con cinco singles de éxito (fue el primer disco doble en tener cuatro singles que alcanzaran el top 20 de las listas británicas), y llegó a la friolera de diez millones de copias vendidas en 2007. En resumen, "un disco increíble", entrecomillado y en cursiva porque no (solo) lo decimos nosotros, sino que son las palabras con las que lo definió Axl Rose, declarado fan de la Electric Light Orchestra, nuestra protagonista del mes de mayo de 2024 en 7dias7notas.

Electric Light Orchestra - A New World Record (Mes Electric Light Orchestra)

 

A New World Record, ELO

     A New World Record es el sexto álbum de estudio de la banda británica Electric Light Orchestra. Fue grabado entre los Musicland Studios de Munich, los De Lane Lea Studios de Wembley y los Cherokee Studios de Los Ángeles, bajo la producción de Jeff Lynne, y publicado el 15 de octubre de 1976 por el sello discográfico United Artist Records en los Estados Unidos y por el sello Jet Records en el Reino Unido. Este disco marcó un cambio en el sonido del grupo hacia canciones pop más cortas, una tendencia que continuaría a lo largo de su carrera. El disco supuso un gran avance en la carrera del grupo en el Reino Unido. Tras tres grabaciones anteriores que no consiguieron llegar a las listas de ventas de su tierra natal, A New World Record se convirtió en su primer trabajo en colarse entre los diez primeros del Reino Unido, sumado al gran éxito que alcanzó también en Estados Unidos.  La portada presenta el logo de ELO, diseñado por el diseñador y director de arte inglés Kosh. Este logotipo se incluiría en la mayoría de los lanzamientos posteriores del grupo.

En 1977 cuatro de las canciones del álbum aparecieron en la banda sonora de la película Joyride, dirigida por Joseph Ruben. En 2006 el disco fue remasterizado y lanzado con pistas extras por el sello discográfico Epic / Legacy, propiedad de Sony. La canción Surrender también se publicó como sencillo promocional y como sencillo de descarga de iTunes, llegando a entrar en la lista de las 100 descargas principales. Esta canción fue escrita originalmente en 1976 para la banda sonora de una película que fue cancelada y se acabó terminando en 2006. En 2012 la compañía discográfica de vinilo Music on Vinyl relanzó A New World Record en vinilo de 180 gramos con una portada en relieve. 

El álbum fue muy bien recibido por la crítica especializada, que consideraba que el grupo fue concebido para crear un grupo que fusionara la emoción y el color del rock and roll con las líneas de la música clásica, y que este trabajo es lo más cerca que ELO ha estado de lograrlo. Con este disco el grupo da un paso de gigante para lograr ese sonido, siendo más que destacable la progresión de la banda con el uso de orquesta y coros. La combinación de guitarras eléctricas con sinfonías musicales es bastante atrevida, pero a Lynne y compañía le funciona en un disco que ha sabido capturar la esencia del pop sofisticado. También es verdad que una parte de la crítica mostró ciertas reservas sobre este disco, que consideraba que el grupo había dejado de lado su parte más creativa para abrazar otros sonidos más comerciales. Su buena aceptación tanto por parte del público como de la crítica le valía al grupo para ser reconocidos finalmente como uno grupo importante en su país, Reino Unido.

A New World Record marcó un cambio en la dirección musical de ELO, ya que se inclinaron hacia un sonido más pop con canciones más cortas. Jeff Lynne, líder de la banda, fue el principal arquitecto detrás del sonido del álbum. Su habilidad para combinar elementos de rock, pop y música clásica resultó ser una mezcla única. La orquestación y los arreglos de cuerdas se convirtieron en una marca registrada de la banda, destacando precisamente, por ese uso creativo de instrumentos clásicos, en canciones como Tightrope o Rockaria, esta última Una fusión única de rock y ópera, con Lynne cantando en un estilo operístico mientras la banda toca con fuerza detrás de él.

El álbum produjo varios sencillos exitosos, entre los que se encuentran Livin' Thing, que se ha convertido en todo un éxito en la radio. La combinación de guitarras eléctricas, sintetizadores y cuerdas crea una atmósfera irresistible para el oyente; Telephone Line, el primer sencillo de la banda en conseguir certificación de oro en Estados Unidos. Una balada melódica con una emotiva interpretación vocal de Lynne; o Do Ya, una versión rockera y coro muy pegadizo de la canción de 1972 de The Move, grupo del cual Jeff Lynne fue miembro. La canción Shangri-La fue originalmente escrita para el disco, pero no se incluyó en la versión final, siendo lanzada como lado B de algunos sencillos. 

A New World Record influyó en muchos artistas posteriores. Su enfoque en una meticulosa producción y la experimentación sonora allanó el camino para la música pop y el rock sinfónico de las décadas posteriores. Lynne ya lo avisaba en el título del disco, sugiriendo un mundo nuevo y emocionante, algo que cumplió en parte con este trabajo. Queda de sobra reconocida la creatividad de ELO para fusionar dos mundos musicales tan diferentes y su habilidad para crear melodías inolvidables. Estamos ante un disco cuyo legado perdura y está considerado como una joya en la historia del rock y el pop, marcando además un punto de inflexión en el grupo, consolidando su éxito global y estableciendo su estilo característico de pop orquestal.

Electric Light Orchestra - Face the music (Mes Electric Light Orchestra)

Artista del mes Electric Light Orchestra, y su álbum Face the music #MesElectricLightOrchestra 

"Face the Music" es un álbum emblemático de Electric Light Orchestra (ELO) que marcó un punto de inflexión en su carrera y sigue siendo un clásico del rock hasta el día de hoy. Lanzado en 1975, este álbum consolidó la reputación de la banda como maestros de la fusión entre rock y música orquestal, presentando una mezcla única de guitarras eléctricas, sintetizadores y arreglos orquestales elaborados. A lo largo de sus nueve pistas, "Face the Music" ofrece una experiencia auditiva envolvente que lleva al oyente en un viaje musical emocionante y variado.

El álbum comienza con "Fire on High", una apertura magistral que establece el tono para lo que está por venir. Con sus misteriosos acordes de guitarra y su atmósfera cinematográfica, esta pista instrumental crea una sensación de anticipación y drama, preparando el escenario para el resto del álbum.

La canción principal del álbum, "Waterfall", sigue con su ritmo contagioso y sus letras introspectivas. Jeff Lynne, líder de ELO, demuestra su habilidad para componer melodías pegajosas mientras reflexiona sobre temas de amor y cambio. La combinación de la voz distintiva de Lynne y los arreglos orquestales exuberantes hace que esta canción sea verdaderamente inolvidable.

"Evil Woman" es quizás una de las canciones más reconocibles de ELO, con su distintivo riff de guitarra y su coro pegadizo. Esta pista es un ejemplo perfecto de la habilidad de la banda para combinar elementos de rock clásico con influencias de música pop y orquestal, creando algo que es al mismo tiempo familiar y único.

Otra destacada del álbum es "Nightrider", una canción impulsada por un ritmo frenético y una energía irresistible. Con sus letras que evocan imágenes de aventura y libertad, esta pista es una celebración del espíritu audaz y la pasión por la vida.

"Strange Magic" ofrece un cambio de ritmo con su atmósfera etérea y sus melodías melancólicas. Esta balada introspectiva muestra el lado más suave y reflexivo de ELO, con letras que exploran el poder del amor y la magia de la conexión humana.

El álbum cierra con "One Summer Dream", una pieza emocionalmente resonante que destaca por sus arreglos orquestales expansivos y su letra evocadora. Esta pista captura la sensación de nostalgia y añoranza del verano, creando un final conmovedor y satisfactorio para el álbum.

"Face the Music" es un álbum que muestra a Electric Light Orchestra en la cima de su juego creativo. Con su combinación única de rock, pop y elementos orquestales, este álbum sigue siendo una joya atemporal que merece un lugar destacado en la colección de cualquier amante de la música. Desde sus aperturas dramáticas hasta sus cierres conmovedores, cada pista de este álbum es una obra maestra en sí misma, lo que demuestra el talento y la visión incomparables de Jeff Lynne y su banda. En definitiva, "Face the Music" es un viaje auditivo que vale la pena emprender una y otra vez.

Daniel 

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Electric Light Orchestra - ElDorado (Mes Electric Light Orchestra)

Todos tenemos fantasías de una forma u otra, yo intento hacer todo lo que está en mi poder para convertirla en realidad. Si mis esfuerzos son insuficientes, dejo la fantasía y me olvido de ella. Tengo poca paciencia para las fantasías, si no es real y no puedes hacerlo real, a la mierda. Los videojuegos de rol son una de las actividades favoritas para el tiempo libre y me recuerdan que cambiar el mundo es algo que no puedes hacer solo: necesitas formar un equipo con diversas habilidades y perspectivas para lograr tu objetivo. Eldorado es un juego de rol, el personaje principal nos lleva a través de varias de sus fantasías escapistas, he aquí un joven con toda la vida por delante. ¿Por qué se escapa? ¿Realmente tiene la intención de suicidarse, o planea internarse en una clinica, donde podrá pasar los días que le quedan en el país de los sueños una vez que lo encierren y tiren la llave? ¿Qué diablos está pasando aquí?. Recomiendo encarecidamente a los oyentes que escuchen  Eldorado en su totalidad y eviten la tentación de dividirlo en listas de reproducción, como ocurre con el Sgt. Pepper's, simplemente no puedes apreciar el impacto y la unidad fundamental del trabajo sin escucharlo de una sola vez. El primer detalle de estos sueños es la portada, que presenta las zapatillas de rubí de Dorothy auunque tiene poco que ver con la historia aparte de la conexión con el mundo de los sueños, pero sincroniza muy bien con el enfoque musical del álbum. La música orquestal de Eldorado recuerda mucho a las partituras que acompañaron a muchas películas de Hollywood en los años 30 y 40, una época en la que las películas parecían “mágicas”, en parte debido a la orquestación.

El disco abre con “Eldorado Overture”, los primeros sonidos identificables que escuchas no provienen de ELO sino de una orquesta de cámara, de todas las decisiones que influyeron en la produccion de Eldorado, esta es la que tuvo mayor impacto en el resultado final. Jeff Lynne quería una orquesta porque sentía que necesitaba una paleta de sonidos más amplia que la que su pequeño conjunto podía ofrecer, en lugar de contratar una orquesta de renombre, reunió a un grupo de treinta musicos con la ayuda del director Louis Clark y el pianista Richard Tandy. La orquesta se utiliza con un gran acierto a lo largo del álbum, a veces apoyando el estado de ánimo de una pieza en particular con sus diversas capacidades de colorido y otras imbuyendo la música con grandeza cinematográfica. Escuchamos esa conexión en la pista inicial que se abre con unos segundos de silencio, no escuchamos nada hasta unos cinco segundos después de comenzar la pista, y lo que escuchamos es una mezcla siniestra de sonidos no identificables. Unos momentos más tarde, escuchamos el descenso de violines relucientes acompañados de piano que se desvanece en un eco, seguido rápidamente por el sonido gradualmente creciente de timbales y cuerdas que a su vez nos lleva al tema musical principal, que esta dominado por  los rápidos descensos desde la sección de cuerdas. Ese pasaje se convierte en una breve coda, que se fusiona perfectamente con el segmento inicial de "Can't Get It Out of My Head”, la introducción emplea un patrón de acordes de piano simple, dando a las cuerdas un camino claro hacia la creación de un paisaje de ensueño, una melodía tranquila pero desesperada sobre un sueño. Muy bien producida y llena de motivos rockeros, orquestales y coros operísticos, esta canción se convertiría en la primera canción de Electric Light Orchestra, que llego como sencillo al Top 10 en los EE. UU. El primer verso describe el evento que motivará al protagonista a comenzar su búsqueda: la aparición de una mujer (“una visión de hermosura” según Jeff Lynne) que inspira un cambio en la perspectiva de la vida del protagonista (Soñador). Jeff Lynne le dijo a VH1 “que encontró inspiración para la canción en los ensueños incumplidos de un tipo común y corriente. "Se trata de un hombre en un sueño que ve esta visión de belleza, se despierta y descubre que en realidad es un empleado que trabaja en un banco", dijo. "Y no tiene ninguna posibilidad de conseguir o de hacer todas estas cosas maravillosas que pensó que iba a hacer en su vida”. A continuación llega “Boy Blue” un rock optimista con un mensaje que describe la reacción de la gente del pueblo ante el regreso de un soldado de la guerra. La canción está impulsada por el piano y el bajo durante los versos y los estribillos con una pausa para florituras orquestales sobre el piano durante la sección media, presenta el mito del héroe conquistador. La canción aparece directamente después del final lleno de coro de “Can't Get It Out of My Head”, lo que resulta un cambio algo abrupto, pero no resulta molesto, el tema comienza con un riff en el pasaje inicial, la orquesta varía la pieza insertando dos pasajes que involucran cuerdas en estilos tanto de arco recto como de pizzicato. “Laredo Tornado” comienza con una guitarra de rock pesada y monótona, pero pronto se asienta como una melodía soul y funk moderada, impulsada por el clavicordio, que se toma su tiempo para navegar por los primeros versos. La canción alcanza su clímax durante los estribillos con la voz aguda de Lynne y tiene un otro extendido para algunas partes de cuerdas que complementan el riff de guitarra inicial. Jeff Lynne nos brinda una de sus mejores voces, combinando valores de trsiteza con momentos en los que comunica la sensación de pérdida con una sinceridad desgarradora. “Poor Boy (The Greenwood)” regresa al rock n roll alegre de antaño, con el final de la canción tocando brevemente el tema principal dando por terminada la primera cara. Explora el mito de Robin Hood, el protagonista encuentra la felicidad en el bosque de Sherwood como un niño pobre que decide unirse con Robin Hood y sus alegres hombres y (¡ejem!) damas. Siempre me ha gustado el concepto de Robin Hood, nos vendría muy bien alguien que les robe a tanto guro de las finanzas y reparta la riqueza entre los necesitados. A nuestro amigo errante se le ve feliz en su nueva situación, porque ha encontrado una vida con un propósito significativo que está dispuesto a defender hasta la muerte.

La segunda cara comienza para muchos con una versión para piano eléctrico de “Across the Universe” de The Beatles (aunque sin acreditar y con letras alternativas), rebautizada como “Mister Kingdom”. La canción se divide en diferentes secciones, en ella encontramos a nuestro protagonista reflexionando sobre el propósito y el valor de su viaje. Esta canción ha sido catalogada incorrectamente como un sueño a pesar de la evidencia lírica de que es una pausa en la odisea que permite al protagonista reflexionar sobre su viaje hasta la fecha. “Nobody's Child” comienza con cuerdas fuertes, casi una marcha nupcial, que se disuelve en un piano de marcha y un arreglo cinematográfico de jazz de club. El protagonista, desesperado por cualquier tipo de sentimiento, le paga a una prostituta de la que se enamora, es una canción jodidamente enfermiza, la amo infinito. “Illusions in G Major” es un rock puro de los años cincuenta, resaltado por una guitarra solista desgarradora, puede ser la canción más rápida y directa de Eldorado. La mejor explicación de la canción se puede encontrar en el ELO Fan Forum de Horace Wimp : ELO solía necesitar al menos un número de rock'n roll en cada álbum, y justo antes de Eldorado era el mejor lugar para resaltar la desolada utopía, la realidad es que nos encontramos una gran canción de rock que no tiene cabida en este álbum, ni lírica ni musicalmente. Puede que se trate de hacer pasar como un sueño, pero es un sueño que simplemente no encaja con la narrativa ni con la personalidad del personaje principal. La canción principal prepara el escenario para el final, por lo que es hora de considerar la curiosa elección de Jeff Lynne: “Eldorado” sigue a la perfección a “Illusions in G Major” con la ayuda de transición de la sección de cuerdas. Encontramos al protagonista al final de su búsqueda sin haber conseguido ningun logro, se da cuenta de que ha vuelto al punto de partida, viviendo en una ciudad sucia con un trabajo de mierda y con perspectivas sombrías. La melancólica canción principal, comienza con cuerdas tocando una especie de rotación que suena casi como una sirena antes de convertirse en una balada tranquila. La voz de Lynne es más sombría y profunda con un tono lírico de resignación melancólica y con la sensacion de vivir en un sueño sin recompensa. Al final de la canción hay un vínculo orquestal agradable con el final climático. “Eldorado Final”, la voz de Jeff Lynne ha sido relativamente apagada, perfectamente sincronizada con la de un hombre que carece de esperanza y probablemente experimenta depresión. En el coro, su voz adquiere un tono que mezcla una intensa melancolía con un deseo abrumador de dejar atrás su “viejo mundo”:

Eldorado describe nuestro mundo como un lugar cruel para cualquiera que desee explorar los pensamientos y posibilidades que surgen de la imaginación, nuestro protagonista vive una existencia miserable porque vive en un mundo que valora la practicidad y la producción por encima de la imaginación y la creatividad. La población en general sólo aprecia la imaginación cuando los empresarios la utilizan para producir bienes de consumo “sorprendentes”, la imaginación del soñador sería vista como frívola e innecesaria. La tragedia de Eldorado —y es una tragedia— es el puro desperdicio de la imaginación y el potencial humano. Es una realidad repugnante que las personas sean relegadas a una existencia sin sentido en la monótona vida moderna. Afortunadamente, hay dos conclusiones positivas de Eldorado, la más importante es que la obra en sí es una celebración de la imaginación y la creatividad, un ejemplo brillante de lo que se puede lograr cuando un artista bendecido con imaginación tiene la oportunidad de colaborar con otros que lo ayudan a hacer realidad su visión artística. La segunda conclusión es que la imaginación es un regalo precioso con un potencial ilimitado. Amo mucho este álbum, es una historia oscura que se esconde detrás de los arreglos de cuerdas más hermosos que jamás haya escuchado, un álbum del que me enamoré rápidamente y del que nunca me he desenamorado. Lo adoro.

Electric Light Orchestra - ELO 2 (Mes Electric Light Orchestra)

La Electric Light Orchestra publicó su segundo disco en 1973, titulándolo simplemente como "ELO 2" en Reino Unido (introduciendo por primera vez las siglas con las que se conocería a la banda en el futuro) o Electric Light Orchestra II en Estados Unidos, títulos que reemplazaron a la idea original, que no era otra que llamar a su segunda obra "The Lost Planet" ("El planeta perdido").

El disco comienza con el tema "In Old England Town", pieza de rock progresivo denso y orquestal de casi siete minutos de duración, y una de las dos canciones en las que aún tocó el bajista y cello Roy Wood antes de dejar la banda en pleno proceso de grabación junto a Bill Hunt para formar el grupo Wizzard. Una versión instrumental de este tema fue utilizada como cara B del single de la canción "Showdown". 

El resto de canciones del disco mantiene una dinámica similar en cuanto a duración y estilo, y de hecho el segundo tema "Momma" (convertido en "Mama" en la versión estadounidense), supera por poco los siete minutos, y el tercer tema "Roll Over Beethoven", una versión del clásico de Chuck Berry, se extiende por encima de los ocho minutos de duración en la versión del disco para Reino Unido, y es aún más larga en la versión estadounidense, aunque para su publicación como single en ambos países fue acortada significativamente. El sencillo logró entrar en el top 10 del Reino Unido y sonó en algunas emisoras de radio estadounidenses durante un tiempo, pero no logró entrar en listas de ventas. 

La cara B abre con la otra canción en la que también dejó su sello Roy Wood, "From the Sun to the World". Tanto en ésta como en la ya mencionada "In Old England Town", y quizá fruto de su abrupta salida, Wood no fue acreditado. Tras los ocho minutos largos de "From the Sun to the World", el disco termina con la canción más larga del disco y de toda la discografía de la banda, el alegato antibélico de "Kuiama", más de 11 minutos de complejo rock progresivo y arreglos orquestales marca de la casa.

Al igual que su predecesor, encontramos en "ELO 2" música de calidad y gran nivel artístico, pero a la vez compleja y alejada de patrones comerciales que habrían contribuido a un mayor éxito, y aún así el álbum entró en el chart top 40 de discos británicos. En cualquier caso, y más allá de los siempre manidos criterios de ventas, la segunda entrega de The Electric Light Orchestra es un disco con mayúsculas, tan grandes como las de las famosas siglas con las que, desde entonces, se daría a conocer la banda liderada por Jeff Lynne, que durante el mes de mayo será la protagonista del #MesElectricLightOrchestra en 7dias7notas.net.

1222.- Can't Get It Out Of My Head - Electric Light Orchestra

La historia cuenta que Lynne estaba cansado de las quejas de su padre de que las canciones que producía la banda de su hijo carecían de la calidad melódica de la música clásica. Lynne estaba decidido a demostrar que podía hacer algo melodioso con la inteligente combinación de estructuras de canciones de rock y florituras clásicas de su banda Electric Light Orchesta.

“Can't Get It Out Of My Head” demostró cuán potente podría ser esa fórmula. Lynne encontró inspiración para la canción en los ensueños incumplidos de un tipo común y corriente. "Se trata de un hombre en un sueño que ve esta visión de belleza y se despierta y descubre que en realidad es un empleado que trabaja en un banco", recordó. "Y él no tiene ninguna posibilidad de conseguirla o de hacer todas estas cosas maravillosas que pensó que iba a hacer". Antes de que Lynne cante una nota, los dramáticos acordes del piano de Richard Tandy evocan la vívida emoción y el melancólico dolor de un sueño que se disipa, la letra habla de una misteriosa “hija del océano” que cautiva al narrador, que camina sobre una “chicana de olas” y lo llama desde la distancia. La naturaleza repetitiva del estribillo es en realidad un golpe inteligente de Lynne, ya que muestra cuán obsesionado se ha vuelto su protagonista con el recuerdo de este sueño. “Ahora mi viejo mundo está muerto”, canta, indicando que no hay vuelta atrás a la vida que conocía antes de esto. El magnífico acompañamiento musical alcanza su punto máximo en la pausa instrumental, cuando las cuerdas se fusionan a la perfección con los sintetizadores antes de dar paso al verso final. Entonces es cuando Lynne nos devuelve a la triste existencia cotidiana del narrador. “Robin Hood y William Tell e Ivanhoe y Lancelot”, dice, nombrando a héroes valientes. “No me envidian”, admite, detallando hasta qué punto él se queda corto en comparación. En los coros finales, Lynne añade algunos de los coros altísimos que se convirtieron en una de las marcas registradas de la banda. Es el equivalente auditivo de la “luz plateada” que emana de esta chica misteriosa mientras navega sobre las olas. 

Durante mucho tiempo ha habido un debate sobre una línea en el verso inicial de la canción. ¿Es "caminar sobre la chicane de una ola" o "caminar sobre una ola que ella vino"? La hoja de letras publicada con el álbum Eldorado lo cataloga como "chicana", pero a menudo se sabe que las hojas de letras están equivocadas, por lo que no se puede confiar completamente en ellas. Incluso mirar los labios de Jeff mientras canta la canción no responde al misterio ya que el movimiento de los labios en ambas letras es demasiado similar. Y luego está la pregunta, ¿qué es exactamente una "chicana"? No es una palabra común, por lo que es posible que no aparezca en un diccionario de inglés promedio, pero se refiere a la punta espumosa de una ola en su cresta. Por lo tanto, si la mujer de la canción camina sobre la chicana de una ola, está caminando sobre la cima de las olas. ¿Jeff estaba siendo obtuso y usó una letra oscura en su canción o fue simplemente un error de transcripción de quien hizo la letra original? Es un misterio.

1220.- Eldorado - Electric Light Orchestra

"Eldorado" es el tema principal del disco de 1974 del mismo título (al que añadieron el subtítulo de "A Symphony by the Electric Light Orchestra") de la banda británica "Electric Light Orchestra" (más conocida por la abreviatura de "ELO") liderada por Jeff Lynne. Como disco conceptual, todas las canciones están relacionadas por una trama central, que en "Eldorado" es la historia de un hombre de vida mundana y anodina, que escapa de la desilusión de la realidad viajando a través de sus sueños a otros mundos idealizados y fantásticos.

Como buen disco conceptual, el tema principal se va repitiendo a lo largo del disco, y así nos encontramos con una apertura orquestal de dos minutos con la que da comienzo la historia ("Eldorado Overture") y los más de cinco minutos de la canción de "Eldorado" propiamente dicha aparecen al final del disco como parte del majestuoso final, que incluye tras ella un nuevo despliegue orquestal de cierre ("Eldorado Finale"), una pieza instrumental de apenas minuto y medio pero de gran intensidad orquestal.

Debido a este enfoque, y salvando las distancias, son evidentes las reminiscencias y la influencia del disco "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de The Beatles en la concepción musical de "Eldorado", que conceptualmente dio un paso adelante respecto al mítico disco de los Fab Four, al narrar una historia completa sobre la búsqueda inconsciente de un mítico y dorado reino, una temática que caló con fuerza en el marco de una desilusionada y combativa generación de los setenta.