1464.- Jean Michelle Jarre - Oxygene, Pt 4

"Oxygen" es uno de los álbumes más famosos de Francia y una obra maestra de la música electrónica. Grabado en el estudio privado de Jean Michel Jarre en París, utilizando un 8-tracks, "Oxygen" es el ejemplo más directo de cómo un artista con el uso de sintetizadores analógicos y digitales puede simular una orquesta. Al escuchar "Oxygen" nos emocionamos por la poderosa magia que libera la música, es como si nuestra mente volara libre en el espacio, aterrizando, entonces, en un planeta lleno de flores y árboles, limpio y mágico. A lo lejos un castillo, protegido por un escudo mágico. Sin embargo, la amenaza inminente de una invasión desde el espacio. La guerra nos traerá de vuelta al espacio. Pero será derrotado por el bien. Musicalmente, "Oxygen" es una larga suite en 6 partes que no tiene otros pasos que una música dulce, altamente evocativa (incluso técnica, si nos fijamos bien) pero demasiado llena de atmósfera mágica. No hay ningún intento de utilizar sintetizadores para encontrar nuevos sonidos, sino que los sintetizadores están ahí para buscar nuevos horizontes en la música, como si quisieras continuar una conversación iniciada por Mozart o Beethoven.

'Oxygen, Part I' un comienzo acuático espacial, donde cuando el agua fluye de un agujero negro al final de su vida; el sonido tan único en ese momento, recuerda, aparte de VANGELIS, TANGERINE DREAM o Klaus SCHULZE, el ascenso solemne está llegando, lo recuerdas por supuesto, crepita por todas partes; hoy lo encuentro simplista, pero ayer era otra historia... 'Oxygène, Part Ii' continúa la senda, más de 20 minutos sin pausa, eso fue prodigioso e innovador, no sabemos cuándo si con esta forma de tormenta sintética, vemos salir las notas, parece fácil... vanguardista y simplista para quien toca un poco diferentes secuenciadores ahora, pero fue algo extraordinario y la melodía es excelente, aterciopelada, nos sumerge entre algodones; Sigue Oxygen, Part Iii' un momento corto, solemne, dantesco, lo básico que soñaste con escribir en un teclado. Con 'Oxygène 4' estamos en uno de los raros éxitos de radio que ha traspasado el tiempo, hermoso, sensual, metronómico, hipnótico, danzante, notas que se retuercen; el tubo interplanetario 'Oxygen, Part V' corta literalmente con burbujas llevándonos del hiperespacio a abismos profundos; palpitante, ruido rosa o casi, un himno, un himno, una canción basada en la contemplación; 4 minutos antes de salir a una Parte2 más mundana, más solemne, más majestuosa; así que sí podemos criticar, hablar del lado básico, pero ¿cuándo te vas a asentar y aceptar escuchar la belleza sin quejarte?. Vienen las olas, sabemos que el agua nos traerá de vuelta a la tierra 'Oxygen, Part Vi' mar, oxígeno, gaviotas y un sintetizador y la recta final con un sonido más apagado pero no necesariamente mejor en sí mismo; un poco más personal este sonido de olas rodantes, sí, es solo un sonido de sintetizador pero ¡qué bien hecho estaba, qué resuena bien todavía!

Jean Michel Jarre lanzó un álbum único en su tiempo, no lo olvidéis, eso es todo y es demasiado, no podemos olvidar estos álbumes iniciadores sin los cuales no estaríamos aquí escuchando música electrónica ahora. El único problema de “Oxygen” es haber sido compuesta, grabada y editada en 1976, el año cero del Punk, porque “Oxygen” fue, es y será siempre una obra maestra.

Canciones escondidas: Water From A Vine Leaf - William Orbit (1993)

Si tuvieras que escuchar solo un álbum de William Orbit debería ser este Strange Cargo III, sin embargo, el disco más reconocible y el que más viaja de boca en boca es Pieces In A Modern Style al que se le etiqueta como su único álbum verdadero, pero sin el éxito de Strange Cargo III, puede que ni siquiera hubiera habido un Pieces In A Modern Style, vale, eso es exagerar. Orbit ya tenía una reputación en el mundo de los clubs a principio de los 90 como remezclador, proporcionando pinceladas para una variedad ecléctica de artistas (Prince, Nitzer Ebb, Erasure, Kraftwerk, Betty Boo, Peter Gabriel, Sven Väth, The Cure, The Shamen, The Human League, Madonna). También estaba publicando su música bajo distintos pseudonimos desde principios de los 80: synth-pop en el grupo Torch Song, house ravey del Reino Unido con Bassomatic. Sin embargo, William "Orbit" era el principal medio creativo de Wainwright, donde se entregaba artísticamente a la fusión de géneros ambient, pop, funk y cualquier otro que le atrajera en ese momento. Por lo tanto, Orbit no era un desconocido para los DJ de todo el mundo, en todo caso, eran bastante receptivos a cualquier música que produjera, aunque quizás con un oído cauteloso, ya que Orbit a menudo se movía entre las armas de club de elite y el material de crossover descarado. Sin embargo, cualquier recelo que los DJ pudieran haber tenido con el material anterior de Wainwright se apaciguó rápidamente cuando Water From A Vine Leaf se lanzó como el primer sencillo de Strange Cargo III, prácticamente una reintroducción de Orbit a toda una nueva generación de ravers y espectadores que no estaban familiarizados con su producción de los 80.

Water From A Vine Leaf se convirtió en un clásico instantáneo en los círculos de la música house balear y progresiva (los remixes de Spooky y Underworld ayudaron), y fue incluido en las listas de reproducción de los DJs más importantes de la escena e incluso fue elegida por la poderosa Virgin para su distribución, sería uno de los sencillos más exitosos de Orbit jamás lanzados bajo su propio nombre. Es una pista con mucho ritmo y una secuencia de notas hipnótica como base, la voz estuvo a cargo de Beth Orton, colaboradora frecuente de Will Orbit, su vívido diálogo sobre cuatro chicas jóvenes que le dan agua de una hoja de parra (simplemente dejándola caer sobre su lengua) la convirtió en una vocalista muy solicitada por los productores (Chemical Brothers se dieron cuenta). Los remixes realizados por Spooky fueron un gran éxito en las pistas de baile, May & Forbes despojaron la pista de sus sintetizadores y esqueleto eléctrico y dieron forma a dos trancers enérgicos. La versión de Xylem Flow es más enérgica, mientras que la versión de Acid Bath tiene tonos más sutiles. Las versiones de Underworld mantuvieron el tempo original y decidieron simplemente expandir las producciones de Orbit en dos grandes y deliciosas pistas etiquetadas como parte 1 y 2. La primera interpretación es esencialmente un gran refuerzo, el breakbeat se elimina a favor de un sólido four-on-the-floor, el bajo está mucho más acentuado y los paisajes sonoros son grandes y exuberantes. La segunda interpretación es lo opuesto a la primera, con una gran reducción ya que en la primera versión se reduce a sus paisajes sonoros y deja el ritmo a la mitad.

Es difícil superar un sencillo así, por lo que Orbit ni siquiera lo intenta, en su lugar pasa el resto de Strange Cargo III saltando de género en género y mezclando estilos de la época como solía hacer. Aparecen algunas melodías más progresivas ( Into The Paradise , The Story Of Light , A Touch Of The Night , Gringatcho Demento, completa con un solo de guitarra estridente), el proto trip-hop naturalmente tiene su lugar ( Time To Get Wize ; Best Friend, Paranoia)., aparecen indicios de su futuro flirteo con la música clásica moderna ( Harry Flowers , Water Babies ) y un poco de relax étnico-fusión ( A Hazy Shade Of Random , The Monkey King , Deus Ex Machina ). Strange Cargo III no es en absoluto un álbum perfecto, se arrastra con ciertos errores de Orbit en la segunda mitad, y algunas pistas han quedado anticuadas, pero, aun así, es mucho más interesante que gran parte de su trabajo y merece totalmente los elogios que recibió en su momento.

Canciones escondidas: Deadbeat Summer - Neon Indian (2009)

Neon Indian de Austin, sobrenombre del compositor electrónico Alan Palomo, creó un synth-pop retro-psicodélico plagado de todo tipo de efectos de sonido, imbuido de disonancias y sonidos encontrados, este era el arquetipo de las canciones de Palomo, que ocasionalmente podía acercarse al power-pop convencional, pero en su mayoría sonaba como una parodia del pop. Algunos lo aclamaron como el próximo fenómeno del electro-pop, y otros lo han criticado como una estridente pérdida de tiempo dentro de nuestra pequeña burbuja musical de apuntar y hacer clic. Asi que, para que el oyente de música normal se ponga al día tendremos que obviar el revuelo en la blogósfera en torno a Neon Indian, que fue lo suficientemente grande como para que engrandara parte del escepticismo que rodea al artista. Es cierto que Palomo toma prestadas cosas en gran medida del pop centrado en los sintetizadores de la era de los 80, al mismo tiempo que empapa su música en una neblina de baja fidelidad que oscurece algunos de los muchos sonidos que introduce. Y sí, Palomo es un miembro destacado del género creado por blogueros y con un título absurdo conocido como “chillwave”, junto con Washed Out, Memory Tapes y otros, todos los cuales se caracterizan por este discreto y brumoso estilo ochentero: sonido influenciado y con mucho sintetizador.

En 2009, Palomo publica Psychic Chasms una deliciosa tarta de canciones pop psicodélicas que resalta las mejores partes de las actitudes revivalistas nostálgicas y de baja fidelidad que se han vuelto tan frecuentes recientemente. A pesar de su carácter alucinante, es sorprendentemente accesible, identificable y, lo más importante, divertido. Palomo sabe cómo crear una canción pop: cada canción (menos los interludios) sigue una estructura rígida de estrofa-estribillo-estribillo-solo/coda-y viste sus pistas con suficientes sintetizadores deformados, ritmos bailables y ganchos pegadizos para que mantenga alto el valor de Psychic Chasms, los sintetizadores voladores, los estribillos melódicos abrasadores y el enfoque claramente colorido que, aunque se promociona ocasionalmente como un tributo al pastiche synthpop, no cae en un papel tan inútil. Este álbum es engañosamente infeliz, uno podría evaluar fácilmente las letras y comprender que el propósito de crear un conjunto compacto de melodías veraniegas para sentirse bien no era la intención. Lo que tenemos aquí es un glorioso mecanismo de defensa, el silenciamiento poético de las muestras y las imperfecciones empalagosas transmiten exactamente lo que es enfermizamente dulce (énfasis en enfermizo) del manifiesto chillwave en primer lugar. Palomo llegó a una oda perfecta a los tiempos en los que todo debería ser completamente cuadrado y la existencia debería ser una brisa sin esfuerzo, y todo parece estar perfectamente en su lugar, junto con la dura comprensión de que la vida tiene otros planes y puede lanzar golpes fácilmente, inesperadamente y sin razón. Esta es la conmemoración ciega de aquellos tiempos inquietantemente turbulentos, experimentados a través de los espectáculos color de rosa de la retrospectiva.

El momento destacado del álbum es “Deadbeat Summer” que deja claro lo que le espera al oyente con Psychic Chasms: conducción, ritmos de caja de ritmos, ritmo, sintetizadores pop, un poco de guitarra distorsionada, chirridos y pitidos de 8 bits, voces confusas y monótonas y, en general, sonidos de los 80 actualizado para el siglo XXI. A Deadbeat summer se le ha pegado “(AM)” que son 25 segundos de felicidad nostálgica que descienden en un caos que suena como el mal funcionamiento de una Super Nintendo, lo que lleva a “Summer”, que está liderado por su alegre riff de bajo, sus sintetizadores gorjeantes, efectos Atari salpicados y la música de Palomo, un zumbido relajado sobre su propio hastío un verano hace algún tiempo. Inmediatamente se establece el tono y se hace evidente de inmediato que este es un álbum que te hace sentir esos días de pereza de años pasados.

Canciones escondidas: Garden - Nicolas Jaar (2020)

Nicolás Jaar encabeza los festivales, sus álbumes siempre aparecen en las listas de los mejores del año en las revistas especialistas, ganó la Palma de Oro en Cannes 2015 por su banda sonora para Dheepan. ¿Cómo lo ha conseguido? La música de Jaar tiene un toque humano, una solidez, de la que carecen muchos de sus colegas, es rara pero nunca suena fabricada o robótica, no se trata de golpes y sacudidas, los instrumentos de cuerda y de viento son tan esenciales para él como los sintetizadores, su voz, cantada alternativamente en español e inglés, juega un papel central en su música, haciéndola accesible a los oyentes fuera del mundo de la IDM/electrónica. La discografía del productor chileno, desde su material en solitario hasta su trabajo con Darkside, y hasta su reciente producción en clubs como Against All Logic, es un diluvio de melancolía y tristeza, Jaar siempre ha pintado con pinceladas oscuras, estos "fragmentos negativos" que se abren paso a través de todo lo que ha hecho. Sería una gran tarea deshacerse de ellos por completo.

Hoy nos detenemos en su trabajo de 2020, puede no ser más duro que los discos anteriores de Jaar, pero sí es más profundo, es un disco sombrío y turbio, más para viajes en automóvil a altas horas de la noche que para escucharlo en un club, estamos ante un trabajo menos inmediato, menos contundente que álbumes como Sirens y Space Is Only Noise, no hay éxitos de pista de baile, solo dos temas son lo que estan impulsados por ese ritmo: "Mud" y "Faith Made of Silk" (y esos dos no son lo que llamaríamos "clubby"). El título del álbum es “Cenizas", en español, un álbum que prefiere flotar en el borde de las cosas, mareado y ambiental, balanceándonos sobre un abismo, pero nunca dejándonos caer en él. Hay una canción llamada "Rubble”, donde, encima de un solo de saxo, escuchamos el sonido de escombros reales cayendo, hay otra titulada "Mud”, donde Jaar canta, "And no one could hear / The cry from the ground", seguido de una triple repetición de "There's something in the mud". Su canto, aquí, tiene una calidad sumergida, como si su voz estuviera luchando por salir de debajo de la instrumentación, o bajo tierra, este fenómeno surge a menudo en Cenizas y hace que la escucha sea más moderada que la mayoría de su música reciente. Jaar dice que ve este álbum como una muestra de la oscuridad para luego “mostrar un camino para salir de ella”, en otras palabras, su objetivo es enfrentarse a sus fragmentos negativos (depresión, tristeza, melancolía, decadencia) para destruirlos, la música es un grito de batalla para estar completamente presente con las emociones negativas, para finalmente comenzar a superarlas. Tomemos, por ejemplo, el escalofriante tema de apertura, "Vanish”, aquí, Jaar abre el disco con dos minutos de un órgano de tubos gótico y siniestro, seguido de una armonía vocal inquietante en la que Jaar canta "Say you're coming back" una y otra vez. O "Agosto”, donde siniestras flautas de caña tocan sobre un piano entrecortado que parece demasiado nervioso para saber qué hacer consigo mismo. En "Xerox”, Jaar canta en un barítono sin palabras y siniestro entre dulcémeles, piano y gaitas distantes, es una canción que recuerda a Swans de principios de la década de 2010 más que cualquier otra en el catálogo anterior de Jaar.

Me voy a quedar con Garden, posiblemente este es el tema ideal para esas personas que no conocen a Jaar o que no tienen mucho conocimiento de la música electrónica, puede ser un lugar donde empezar y desde ese “Jardin” continuar el paseo. Esta tiene que ser la pieza más bonita que Jaar haya escrito jamás, toda la pista está impulsada por una simple secuencia de piano de nueve notas que se repite una y otra vez, pero cada vez, la secuencia se empapa un poco más de reverberación que la anterior. Es aquí donde el enigma de Cenizas y los pensamientos sobre el futuro pueden suavizarse, a medida que la sublimidad del momento presente se precipita a través de la repetición de la delicada armonía. Tambien hay una abrumadora sensación de tranquilidad, una melodía bien educada que más o menos permanece sin acompañamiento durante cinco minutos donde nos da tiempo para dar un paso atrás y rastrear nuestros pensamientos. "Garden" es suave, como el sol de verano, es quizás la pieza más minimalista que Jaar haya escrito, un movimiento brillante donde el efecto es que la pista parece difuminarse, distorsionarse, a medida que avanza, no necesita golpes fuertes de cuatro por cuatro, el minimalismo es su fuerza.

1236.- Autobahn- Kraftwerk

 

Autobahn, Kraftwerk

     Autobahn es el cuarto álbum de estudio de Kraftwerk, lanzado en 1974. La banda alemana, conocida por su enfoque pionero en la música electrónica, quería capturar la sensación de conducir en una autopista alemana. La canción homónima, Autobahn, es la pieza central del álbum y se extiende a lo largo de 22 minutos en la versión original del álbum. Sin embargo, también se lanzó una versión más corta para sencillo. La canción comienza con el sonido de un motor de automóvil arrancando, seguido de una línea de bajo pulsante interpretada en un sintetizador Minimoog. A medida que la canción avanza, se incorporan elementos acústicos, como una flauta y guitarras atmosféricas, creando una sensación de movimiento constante. La voz procesada con vocoder agrega un toque futurista y robótico a la canción.

Las letras en alemán describen la experiencia de conducir por una autopista, con referencias a señales de tráfico, paisajes y la sensación de velocidad. El estribillo principal, “Fahren Fahren Fahren” (que significa “conducir, conducir, conducir”), se repite a lo largo de la canción. Aunque algunos oyentes pensaron que la frase era “Fun Fun Fun” en inglés, no hay relación directa con la canción de The Beach Boys con el mismo título. 

La canción fue un éxito para Kraftwerk, alcanzando el puesto número 11 en las listas británicas y el número 25 en el Billboard Hot 100 de EE. UU. La canción se convirtió en un himno para la banda y estableció su reputación como innovadores en la música electrónica, y su enfoque en la repetición rítmica y la creación de paisajes sonoros influyó en géneros posteriores como el techno y el ambient.

Autobahn se ha convertido, por derecho propio, una obra maestra que combina elementos electrónicos y acústicos para evocar la experiencia de viajar por una autopista. Su influencia perdura hasta hoy y sigue siendo un hito en la historia de la música electrónica.