domingo, 28 de mayo de 2023

0878.- You Know, You Know - Mahavishnu Orchestra

 

You Know, You Know, Mahavishnu Orchestra


     Reunámos a 5 auténticos virtuosos de 5 países diferentes y juntémoslos en un estudio, el resultado no puede ser otro que la agrupación Mahavishnu Orchestra con su magnífico e influyente álbum debut The Inner Mounting Flame. Este disco, una gran obra de jazz fusión, fue grabada en agosto de 1971 por John McLaughlin a la guitarra (quien ya había tocado con Miles Davis y Tony Williams), el violinista Jerry Goodman, el tecladista Jan Hammer, el bajista Rick Laird y el baterista Billy Cobham, en los CBS Studios de Nueva York, bajo la producción de John McLaughlin, y publicado ese mismo año por el sello discográfico Columbia Records. Estamos ante un disco con un sonido innovador que combina con maestría elementos de jazz, rock y música clásica, y que además del gran álbum Bitches Brew de Miles Davis, ayudó a definir la fusión del jazz con el rock. El disco combina composiciones originales y arreglos de canciones tradicionales indias y occidentales.

Incluido en este álbum se encuentra You Know, Yow Know, tema instrumental acreditado a McLaughlin y que se caracteriza por su gran complejidad en la estructura musical. La canción comienza con un rabioso riff de guitarra que se convierte en la base y eje principal de la canción, y sobre ese riff la batería de Cobham y el bajo de Laird construyen un magnífico groove rítmico (Muy popular en el jazz, se llama así a la sensación y sentido del swing creado por la interpretación de la música interpretada por la sección rítmica de una banda: bajo eléctrico o contrabajo, guitarra y teclados).Durante la canción experimentamos varios cambios de tempo y ritmo, y presenta partes con solos de guitarra de McLaughlin espectaculares, donde deja muestras de su gran capacidad y habilidad técnica. No en vano, este tema se ha convertido en una de las canciones más icónicas de Mahavishmu Orchestra y de John McLaughlin, y en un claro ejemplo de la influencia de esta banda dentro de la música fusión.

sábado, 27 de mayo de 2023

0877 - Emerson Lake and Palmer - Are you ready Eddie


0877 - Emerson Lake and Palmer - Are you ready Eddie

"Are You Ready, Eddie?" es una canción cómica e improvisada de la banda británica de rock progresivo Emerson, Lake & Palmer. La canción se hizo famosa por su humor absurdo y por ser una burla hacia su ingeniero de sonido Eddie Offord.

La canción comienza con una introducción misteriosa del tecladista Keith Emerson, seguida de la letra repetitiva "Are you ready, Eddie?" del bajista Greg Lake. La canción continúa con la banda improvisando solos instrumentales mientras Lake hace alusiones a una supuesta "mujer maravilla".

El clímax de la canción es cuando Lake y Emerson comienzan a burlarse de Eddie Offord. Lake canta sobre la supuesta maravilla de Eddie, mientras que Emerson reproduce una grabación de Offord diciendo "¿Qué?", seguido de una carcajada de la audiencia. Los dos músicos continúan improvisando y haciendo referencias humorísticas a Offord.

"Are You Ready, Eddie?" es una muestra de la capacidad de Emerson, Lake & Palmer para improvisar y divertir a su audiencia. La canción muestra la habilidad de la banda para no tomarse demasiado en serio, y para crear música que sea divertida y única.

La canción también destaca el talento de los miembros de la banda. La improvisación de Emerson en el sintetizador y el órgano Hammond es impresionante, mientras que la habilidad de Lake para seguir la improvisación es evidente. La canción es un testimonio de la química entre los tres miembros de la banda y de su capacidad para tocar juntos y crear música innovadora.

"Are You Ready, Eddie?" es una canción divertida e improvisada que se destaca en la discografía de Emerson, Lake & Palmer. La canción es un ejemplo de la capacidad de la banda para improvisar y crear música única y divertida, y para no tomarse demasiado en serio. Además, la canción muestra el talento de los miembros de la banda y su capacidad para tocar juntos y crear música innovadora.

Daniel
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viernes, 26 de mayo de 2023

Disco de la semana 328: El Amor despues del Amor - Fito Páez



Disco de la semana 328: El Amor despues del Amor - Fito Páez

El amor después del amor es un álbum que ha dejado una huella indeleble en la historia de la música. Con letras poéticas, arreglos musicales ingeniosos y una voz inolvidable, Fito Páez logró capturar la esencia del amor en todas sus formas, no se si muchos de uds. sabran de quien estoy hablando. 
Para los que no lo conocen Fito Páez es un cantautor y músico argentino. Conocido por sus letras poéticas y su estilo musical ecléctico, Fito Páez ha logrado una destacada trayectoria a lo largo de décadas, pero nos vamos a centrar en uno de sus mayores éxitos, el álbum que lo ha puesto en el lugar que hoy se encuenta, y ya lo deciamos al principio de este post, El amor desuès del amor su séptimo álbum de estudio.

El álbum comienza con una de las canciones más icónicas de Fito Páez y que da nombre al álbum, "El amor después del amor", y el álbum consta de catorce canciones, de las cuales diez fueron lanzados como sencillos. Algunos hits de este álbum son "El Amor después del Amor", "Tumbas de la Gloria", "Dos días en la vida", "Tráfico por Katmandú", "A rodar mi vida", "Pétalo de Sal", "Sasha, Sissí y el Círculo de Baba" y "Un vestido y un amor".

El amor después del amor es un álbum que ha tenido una gran repercusión en la música en español desde su lanzamiento en 1992. En Argentina, el álbum vendió más de 600,000 copias y obtuvo el Premio Konex de Platino como uno de los mejores álbumes de la década de los 90. Además, fue nominado a los premios Grammy en la categoría Mejor Álbum de Rock Latino.

El impacto del álbum no se limitó solo a Argentina, sino que también tuvo un gran impacto en otros países de habla hispana, especialmente en Chile, México y España. En Chile, por ejemplo, el álbum obtuvo un disco de oro y un disco de platino, y varias de sus canciones fueron versionadas por artistas locales. En España, el álbum se convirtió en un éxito de ventas y logró posicionar a Fito Páez como uno de los artistas más importantes de la música en español en ese momento.

El éxito del álbum no solo se reflejó en las ventas y los premios, sino también en la influencia que tuvo en otros artistas y en la cultura popular. El amor después del amor fue un álbum que marcó un antes y un después en la carrera de Fito Páez y se convirtió en un referente para muchos artistas de la época y de las generaciones posteriores. Canciones como "El amor después del amor" y "11 y 6" se convirtieron en himnos generacionales y aún hoy en día son recordadas y cantadas por personas de todas las edades.

El álbum también tuvo una gran influencia en la música y la cultura pop en general. La mezcla de rock, pop y ritmos latinos que caracteriza al álbum se convirtió en una tendencia en la música en español, y muchos artistas comenzaron a experimentar con estos géneros y ritmos en sus propias producciones.

En conclusión, el impacto y la repercusión del álbum El amor después del amor de Fito Páez han sido significativos tanto en la música en español como en la cultura popular en general. El álbum ha sido reconocido como un clásico de la música latinoamericana y ha dejado una huella indeleble en la historia de la música en español.

Asi que los animo a buscar y escuchar este álbum de Fito Paéz, y para los que sabian de el, nunca esta de más volver a recordarlo. 

Daniel
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0876.- Long Cool Woman (in a Black Dress) - The Hollies



Con más de 60 sencillos y 26 álbumes a su nombre, será difícil encontrar a alguien que no haya oído hablar de The Hollies, cconocidos por su distintivo estilo de armonía vocal de tres partes, The Hollies fueron uno de los principales grupos británicos de las décadas de 1960 y 1970, con grandes éxitos a ambos lados del Atlántico. Formados en 1962 por Allan Clarke y Graham Nash, The Hollies saltó a la fama por primera vez en 1964 cuando su versión de Maurice Williams and the Zodiacs' Stay alcanzó el número 8 en la lista de sencillos del Reino Unido. Desde entonces, el grupo ha tenido más de 30 sencillos en las listas del Reino Unido, incluidos Long Cool Woman (In A Black Dress) , The Air That I Breathe , Bus Stop , I'm Alive , Carrie Anne y He Ain't Heavy, He's My Brother.


"Long Cool Woman (in a Black Dress)", es un rockabilly-noir que Allan Clarke escribió con el letrista Roger Cook sobre un agente del FBI, una redada y una mujer que llama su atención. Roger Cook relata como se gestó la canción, todo comenzó en junio de 1971, Allan Clarke de Hollies y yo estábamos en mi oficina en Park Street en Londres donde escribiamos canciones juntos. En algún momento decidimos que esta cancion debería estar ambientada en Nueva York durante la Prohibición del alcohol, a los dos nos encantaban las películas de Hollywood sobre chicos malos y policías que destrozaban barriles de cerveza y botellas de whisky en las calles, yo estaba en el piano vertical y Allan estaba a mi lado en una silla con su guitarra y despues de jugar un poco con las teclas, comencé a tocar un riff de blues melodramático y ligeramente siniestro con la mano derecha. Estaba en la tonalidad de do, mientras mi índice y mi dedo medio tocaban las notas de do y mi, mi pulgar se movía de sol a la, a si bemol y de nuevo a la, no es original, es un viejo riff de rock'n'roll, mientras que a Allan Clarke se le ocurrió una melodía en mi Fender Telecaster Sunburst junto con una secuencia de acordes simple. intercambiando ideas, Allan y yo pensamos que la canción debería cantarse desde la perspectiva de un agente del FBI que trabaja encubierto en un bar clandestino, quería que la letra tuviera el lenguaje de tipo duro que escuchas en las películas de gángsters, se nos ocurrieron líneas como "sentarse en un nido de hombres malos" y "gente que está haciendo algo malo" y quedó algo realmente brillante y que ha pasado a la historia de la forma mas casual.

Long Cool Woman (in a Black Dress) es la historia de un agente del FBI que de repente ve a una mujer le quita el aliento, esa figura "Era una mujer larga y genial con un vestido negro" y aunque la historia de la letra estaba ambientada en la década de 1920, la canción suena como un rock de los años 50, con ese acento y urgencia. A mediados de los años 60, los Hollies no grabaron mucho rock 'n' roll después de que los Beatles triunfaran.


jueves, 25 de mayo de 2023

0875 - Wild Night - Van Morrison

0875 - Van Morrison - Wild Night

"Wild Night" es una canción del cantante y compositor irlandés Van Morrison, lanzada en 1971. La canción fue el primer sencillo del álbum "Tupelo Honey" y tuvo un buen desempeño comercial, alcanzando el puesto #28 en el Billboard Hot 100 en los Estados Unidos y el puesto #20 en el UK Singles Chart en el Reino Unido. A lo largo de los años, la canción se ha convertido en uno de los mayores éxitos de Van Morrison y se ha incluido en muchas listas de las mejores canciones de rock de todos los tiempos.

En 1972, Van Morrison recibió el premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Pop Masculina por su álbum "Tupelo Honey", que incluye la canción "Wild Night". La canción ha sido versionada por varios artistas a lo largo de los años, incluyendo a John Mellencamp y la cantante de R&B Alicia Keys. La canción ha recibido críticas positivas por su energía y su mezcla de estilos musicales, incluyendo el rock, el R&B y el soul.

"Wild Night" es una canción sobre disfrutar del momento y vivir la vida al máximo con la persona que amas. La canción ha sido un éxito comercial y ha recibido el reconocimiento de la crítica y la industria musical, incluyendo una nominación y un premio Grammy para Van Morrison. La canción sigue siendo popular y es considerada una de las mejores canciones de rock de todos los tiempos.

En 2019, la revista Rolling Stone clasificó "Wild Night" en el puesto #285 en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. 

Daniel
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miércoles, 24 de mayo de 2023

Iggy Pop - Instinct (Mes Iggy Pop)

 

Instinct, Iggy Pop

     Mediada la década de los 80, y a pesar de estar saboreando las mieles del éxito, Iggy Pop siente la necesidad de hacer un disco a su manera, con su propio sonido, pues a pesar del gran éxito comercial de su anterior álbum, Blah blah blah, coproducido por David Bowie y con un estilo más orientado hacia el pop rock y new wave, siente la necesidad de sacar a relucir su propio estilo. Para ello, aprovechando que tiene atado todavía un contrato con el sello discográfico A&M Records decide que ha llegado la hora de desquitarse, y para ello cuenta con la colaboración del guitarrista Steve Jones, el tecladista Shamus Beghan, el bajista Leigh Foxx y el baterista Paul Garisto. Para la producción Iggy decide contar con Bill Laswell, y su razonamiento para su elección es cuanto menos curioso: "Era una persona tan hecha polvo que pensé: Este es el tipo de gente que necesito. No era alguien muy razonable ni normal. No era una persona con quien la compañía de discos (A&M) podría tener una conversación agradable, era extraño, como un criminal, y pensé: puede ocurrir cualquier cosa. Encaja".

Iggy graba este nuevo disco en los estudios Sorcerer Sound y B. C. Studio de Nueva York, bajo la producción del citado Bill Laswell, quien además de ser bajista y propietario de un sello discográfico estadounidense, había estado involucrado en miles de grabaciones de estilos como el funk, World music, jazz, dub y ambient. El disco fue publicado por A&M Records el 20 de junio de 1988. Indudablemente la rebeldía de Iggy Pop tuvo sus consecuencias, pues el sello discográfico decide abandonar a Iggy Pop, quien a pesar de todo, con éste, su octavo álbum de estudio, consiguió alcanzar el puesto 11 en la lista estadounidense Billboard 200, y la canción Cold Metal, además consiguió una nominación al premio Grammy a la Mejor Interpretación de Hard Rock / Metal. La revista especializada Kerrang incluyó Instinct en el puesto 69 de su lista de Los 100 mejore álbumes de heavy metal de todos los tiempos

El sonido de Instinct cambia radicalmente con el sonido de su antecesor, Blah Blah Blah, apostando por un sonido mucho más crudo y agresivo que se mueve entre el hard rock, el heavy metal y el glam metal, los experimentos quedaron atrás. Iggy Pop, en cuanto a la temática del álbum, explora temas como la lucha por la supervivencia, la decadencia de la sociedad o la lujuria. Es cierto que comercialmente el disco no obtuvo el éxito de otros discos anteriores, pero consiguió lo que realmente perseguía Iggy, reconectar de nuevo con sus seguidore más fieles y ganar nuevos adeptos. 



En Instinct vamos a encontrar un conjunto de canciones compuestas por Iggy, excepto 4 que fueron co escritas junto al ex-Sex Pistols Steve Jones, llenas de poderío, energía y actitud que reflejan el regreso del artista a su orígenes. Canciones como Cold Metal, con un sonido de guitarras muy intenso y duro mientras nos habla sobre la atracción por el peligro y el deseo de vivir al límite; High on You, otro de los temas más destacables del disco por su ritmo frenético y que viene al pelo con la letra, pues nos habla de la euforia de estar enamorado; Power & Freedom, compuesta por Iggy Pop y Steve Jones, y que destaca por un gran ritmo pesado y un mensaje que nos habla del poder y la libertad individual; Instinct, la canción que da nombre al álbum, otro contundente tema que nos habla de los instintos primarios y la lucha por sobrevivir en un mundo caótico; o Squarehead, otra de las canciones compuesta a medias entre Iggy y Jones y que cierra de manera muy notable el álbum mientras aborda la diferencia en la sociedad. 

Instinct es disco más que recomendable, pues en él Iggy Pop recupera la energía y vitalidad de antaño con una gran explosión de pura energía, actitud y agresividad.

0874.- La Question - Françoise Hardy

Mick Jagger la llamó su "mujer ideal", Carly Simon siempre “trató de vestirse como ella”. Alexa Chung y Rei Kawakubo la citan como inspiración. La larga y prolífica carrera de Françoise Hardy ha trascendido el mundo de la música francesa, transformándola en un icono mundial de la música y la moda. Su alegre oda a la juventud "Le temps de l'amour" aparece en "Moonrise Kingdom" y, en su mayor parte, representa lo que la mayoría de la gente, incluyéndome a mí en un momento, reconoce de su vasta discografía. Sin embargo, su primer alejamiento de su característico estilo de pop pegadizo, pero desechable, sigue siendo mi favorito y su cima musical. Después de nueve años y más de 15 lanzamientos en el estilo pop francés del ídolo adolescente "Yé-yé" que ganó fama por primera vez con el éxito de 1962, Françoise Hardy decidió cambiar de marcha. Si bien algunos críticos pintan el cambio estilístico que ocurrió con La Question como una especie de cambio radical para Hardy, en realidad es menos un alejamiento audaz de la música pop y más un cambio sutil dentro del pop hacia una música más misteriosa, atmosférica y jazzística. En lugar del pegadizo pero genérico sonido pop de chicle de sus primeros discos, donde los límites de su técnica vocal a menudo se hacían evidentes por el material, la dinámica suave y el misterio espacioso de las canciones de este álbum ponen más énfasis en la personalidad de la cantante y al mismo tiempo cultivan un estado de ánimo palpable. Hardy canta en un estilo más entrecortado y susurrante, solo de vez en cuando eleva su voz al registro superior, ese contraste solo hace que la música sea más dramática y se sienta más, bueno, como esa mirada que tiene. Este estilo al que muchos denomina pop barroco es un estilo de música difícil de conquistar porque la idea misma es pomposa: ¡mezclar elementos clásicos con un descarado rock n' roll!, pero hubo un período mágico en el que este estilo de música se estaba filtrando y, para algunos, Francia es el lugar donde todo sucedió, es un sonido que esta presente en muchos discos. En el caso de La Question, hay un joven guitarrista extremadamente talentoso llamado Tuca (Valeniza Zagni Da Silva, una guitarrista que Françoise había conocido en una reunión de amigos) en el centro de todo, de quien se puede argumentar que es un factor tan importante para el éxito del álbum como el cantante de las canciones. Después de grabar un par de discos en Brasil, Tuca en el exilio graba este disco, y uno de los otros grandes discos de Francia en 1971, Dez anos depois. Pero ningún álbum está hecho solo por un guitarrista, asi que también disfrutas en esta grabación de pop barroco por excelencia, las cosas habituales que obtienes en los grandes álbumes franceses de la época: líneas de bajo fabulosas, arreglos de cuerdas completamente apropiados y, lo más importante, melodías sólidas. Entonces, lo que realmente hace que este álbum sea especial es el hecho de que Francoise Hardy es la cantante, y que ella misma había madurado hasta convertirse en una artista segura de sí misma a estas alturas.


Dentro de este disco destacamos "La Question" una cancion de extraña belleza donde el musica es tan importante como las palabras. Su desnudez nos revela la verdadera naturaleza de una intérprete que nunca quiso esconder su esencia, pero que no había podido exponerla en todo su esplendor, una hermosa meditación sobre lo que podría interpretarse como una relación moribunda, con Hardy cantando: "Je ne sais pas pourquoi je reste dans une mer où je me noie" ("No sé por qué me quedo en un mar en el que me ahogaré”), pero también confesando a su amante: “Tu es ma question sans réponse, mon cri muet et mon silent” (“Tú eres mi pregunta sin respuesta, mi grito mudo y mi silencio” ).


La Silueta: Un relato de música y muerte

 



"Empujado a un misterioso juego de música y muerte por las calles de la imaginaria ciudad de Babylon, el detective Norman Yuste deberá perseguir a un asesino en serie conocido como La Silueta, con la inesperada ayuda del dependiente de una vieja y solitaria tienda de discos. A través de la música, Norman irá acercándose cada vez más a la verdad oculta tras los asesinatos, y a los recuerdos de un pasado doloroso que durante años había mantenido enterrado."

Este es el argumento de "La Silueta", el primer libro que he escrito, tras muchos relatos cortos, reseñas y artículos, firmando como Nevermind en este blog. Como no podría ser de otra manera, la música es un "personaje" omnipresente a lo largo y ancho del libro, así que no hay lugar mejor que 7dias7notas para publicar de manera gratuita el primer capítulo del libro: "La nube negra". Ojalá no podáis dejar de leerlo, porque yo no pude parar de escribirlo.

LA NUBE NEGRA

Cientos de personas iban de un lado a otro, por el largo pasillo del centro comercial. Caminaban como autómatas desprovistos de su propia humanidad. Seres alienados por el poder de las marcas y la publicidad, consumiendo la basura incesante generada por la televisión y las redes sociales, al ritmo implacable del estridente hilo musical de la gran superficie, que no dejaba de escupir banales canciones fabricadas en serie. Así es como lo veía el Sr. Kite, mientras caminaba entre la gente, en aquel reducto estrafalario de lo que, para él, era una sociedad desquiciada y carente de toda conciencia.

No sabía, a ciencia cierta, cómo había acabado allí. Las últimas horas habían trascurrido en una negra nebulosa, en uno de sus ya habituales lapsos de memoria, y no recordaba bien el recorrido previo a su errático caminar actual. Antes de la “nube negra”, estaba seguro de que el director de su oficina le había llamado a su despacho y, tan fría como educadamente, le había comunicado el cese de la relación laboral. A sólo cinco años de la jubilación, la noticia le había caído encima como una losa, bajo la que ahora yacían los restos putrefactos de su carrera profesional, convirtiéndole en un desdichado zombi andante, una triste figura que deambulaba lastimosamente por el pasillo del centro comercial.

Al escuchar el frío y estudiado discurso del director, sintió en un primer momento cómo el aire le faltaba en los pulmones, y pensó que no sería capaz de mantener el control, derrumbándose allí mismo, en el flamante despacho en el que estaba siendo despedido. Pero no lo hizo. En lugar de eso, “aguantó el tipo con dignidad, y en el más completo de los silencios”, según las palabras del propio director, entrevistado por la policía sólo un día después, en el mismo despacho. “Escuchó resignado y con la mirada perdida, con una extraña expresión de vacío en el rostro. Cuando me levanté de mi asiento, él hizo lo propio, y sin mediar palabra alguna, se giró lentamente y salió del despacho. Y eso fue todo. Recogió sus pocas pertenencias y se marchó. No podíamos hacer otra cosa, cuando le daban esos episodios de ausencia era una persona inestable, diría que incluso incontrolable”.

La realidad no hablaba de dignidad, ni de resignación silenciosa, en la manera de tomarse el despido, sino simplemente de “ausencia”. El Sr. Kite no estaba ya realmente allí, en el momento posterior a que el director le anunciara su despido. Como mecanismo de defensa, y cual reflejo vaso-vagal que provoca un desmayo como medida de “desconexión” ante un estado límite, provocado por una infección y la consiguiente fiebre, el cerebro del Sr. Kite evitó la inminente crisis nerviosa concentrando todos los recursos mentales y sensoriales en un solo punto para, de alguna manera, distraer a su dueño de todos los demás estímulos disponibles, y poder así salvar aquella difícil situación sin agravarla. El punto crítico elegido, para tal fin, fue una grotesca mancha de grasa en la cara corbata del director, comprada (ironías del destino) precisamente en el centro comercial en el que ahora se encontraba el Sr. Kite. Tanto se concentró en aquella mancha, que no solo fue la última imagen que su frágil memoria guardó antes del vacío de la nube negra, sino que fue, además, la primera disponible en el momento de volver a la consciencia y observar a los cientos de personas de las que se encontraba rodeado. En ese momento, interrumpió su errante caminar y se detuvo delante del escaparate de una tienda de discos, presidido por un cartel enorme que decía “Liquidación total por cierre”, y pensó: “¿Qué más puede ir mal hoy?”. Entró en la tienda, y vagó por su interior como alma en pena, mirando con desgana los cd’s en las estanterías, y deteniéndose a continuación a mirar en uno de los cajones llenos de vinilos. Mientras rebuscaba, se topó con un vinilo que llamó su atención, y se detuvo a contemplar su portada. Era el disco “The rise and fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars” en cuya portada David Bowie aparecía solo, en plena noche, junto a la entrada de un portal en un frío callejón londinense. Esbozó una leve y extraña sonrisa, al pensar que así era, realmente, como se sentía en esos momentos. Sólo y a la intemperie, perdido en la fría noche de un mundo que giraba en dirección contraria a la suya.

- ¿Puedo ayudarle en algo? - preguntó una bella y joven dependienta de largos cabellos rubios y ojos del color de la hierba en otoño, que tras el cierre que anunciaba el cartel del escaparate, se llevaría seguramente su belleza natural a alguna de esas franquicias de ropa para adolescentes. O quien sabe si, tras algunos pequeños retoques de interiorismo, la franquicia no acabaría estando en el mismo lugar en el que aquel establecimiento daba sus últimas bocanadas de aire, antes de pasar a mejor vida en el cielo de las tiendas de discos, un lugar cuya existencia aún estaba por demostrarse, al igual que la del resto de los prometidos paraísos con los que el hombre mundano sobrellevaba la angustia de su inevitable temporalidad.

- ¡Cinco años, me quedaban cinco años! – contestó el Sr. Kite.

- Perdone, ¿Qué ha dicho? – contestó ella, extrañada por la respuesta de aquel hombre.

- No, no puedes ayudarme, ya es demasiado tarde – le contestó el Sr. Kite, mientras daba vuelta al vinilo, observando en la contraportada a David Bowie dentro de una típica cabina londinense. ¿A quién estaría llamando en aquel momento? ¿Y a quién podría llamar él ahora, si no tenía a nadie a quién llamar y pedir consuelo? Eran solo preguntas al aire, y sin mucho sentido, que se hizo a sí mismo mientras la dependienta volvía sobre sus pasos, maldiciendo por tener que aguantar a otro pirado más, y conjurándose para resistir los pocos días que le quedaban en aquel empleo. Tenía muchas de sus esperanzas puestas en una entrevista que había hecho días atrás, para trabajar en “Fashion”, una franquicia de ropa y complementos para modernillos y adolescentes, y la ilusión por ese posible nuevo empleo le daba las fuerzas necesarias para sobrellevar la anodina travesía hacia el cierre definitivo de su empleo actual.

El Sr. Kite miró con desgana como la dependienta se alejaba por el estrecho pasillo de la tienda de discos, y devolvió con cuidado el vinilo a su sitio en el cajón. Resopló por un instante, a la altura del umbral de la salida de la tienda, como si necesitara renovar el aire de sus pulmones, antes de sumergirse de nuevo en las profundidades del pasillo central del centro comercial, dónde cientos de autómatas continuaban su incesante trasiego de una tienda a otra, y luego a otra y… ¿Por qué no otra más?

En el centro de aquel gran pasillo, varias personas esperaban la llegada de uno de los dos grandes ascensores a los que daba acceso esa zona, para dirigirse a las plantas superiores o al aparcamiento subterráneo. De camino hacia los ascensores, metió su mano derecha en el bolsillo lateral del abrigo, y se sorprendió al sentir el contacto con un frío metal, que encontró allí donde debería haber estado el teléfono móvil. No necesitó sacar el objeto del bolsillo para saber que se trataba de una pistola. ¿Cómo había llegado un arma hasta el bolsillo de su abrigo? Sobresaltado, sacó la mano y se tocó nerviosamente la cara, tapándose la boca y apretándose la nariz con los dedos índice y pulgar mientras el resto de los dedos acariciaban su descuidada barba de dos días. Con la mano izquierda, rebuscó en el otro bolsillo, y encontró el móvil que hubiera esperado encontrar en el primero, pero con la excitación producida por el descubrimiento del arma, había olvidado completamente lo que quería hacer con él, y pensó que, en cualquier caso, no habría nadie al otro lado de la línea para poder ayudarle. Bowie ya hacía tiempo que habría abandonado aquella cabina, y era la única persona con la que querría haber hablado en aquel momento, y a ser posible a cobro revertido. Siguió caminando, hacia la zona de acceso a los ascensores, en la que varias personas seguían esperando, mirando al suelo o a las pantallas de sus teléfonos móviles con una mano, mientras con la otra sujetaban bolsas de plástico con los logos de las tiendas en las que las habían llenado de, a su juicio, innecesarios artilugios y complementos, adquiridos a precios descaradamente inflados por las marcas corporativas y sus agresivas estrategias de marketing.

El ascensor destinado a las plantas inferiores llegó casi al momento en que el Sr. Kite pasó a formar parte de la fila de “los que esperaban”. Las puertas automáticas se abrieron, como un gran telón descorriéndose a ambos lados del escenario de una gran obra teatral, mostrando un decorado de planchas metalizadas de color rojizo y un gran panel de botones luminosos en el lado izquierdo, con los que elegir la próxima parada, o el destino final del viaje. El grupo de personas fue entrando ordenadamente en el ascensor, seguidos por el Sr. Kite, y generando entre todos un leve y curioso ruido plástico, producido con el roce de las bolsas de las compras con los bordes de la entrada al elevador. Mirando al cuadro de botones, el desorientado Sr. Kite llegó a la conclusión de que todo lo acontecido, hasta ese momento, había tenido lugar en la planta tercera, porque los botones de las plantas segunda, primera y aparcamiento estaban iluminados en azul, marcando las próximas paradas. Respiró hondo de nuevo, y pidió amablemente a la anciana que tenía al lado que se apartara, para pulsar el botón de su destino. Y ese destino estaba, en realidad, marcado en rojo en aquel panel eléctrico, con cuatro letras blancas que formaban la palabra “stop”. El ascensor se paró en seco, generando una breve sensación sísmica en el interior del habitáculo, con el epicentro del temblor situado bajo los pies de sus ocupantes. Las bolsas de plástico volvieron a chocar entre sí, repitiendo aquel leve pero molesto ruido.

- Pero… ¿Qué hace, hombre? – le espetó un tipo de unos treinta años, dueño de un engominado y a la vez milimétricamente despeinado corte de pelo, unos estratégica y concienzudamente rotos pantalones vaqueros, una camiseta de licra ajustada a sus exagerados y artificiales pectorales, y unos grandes tatuajes de dragones y mujeres desnudas que le cubrían totalmente la piel de ambos brazos. Casi sin pensarlo, la respuesta del Sr. Kite a la pregunta fue sacar el arma del bolsillo del abrigo y encañonar al recauchutado treintañero, que en un acto reflejo soltó sus bolsas y extendió las manos para protegerse y cubrirse el rostro, girando la cabeza hacia un lado mientras gritaba:

- ¡Mierda, tío, controla, no lo decía en serio!

La anciana, a su lado, dio un respingo y gritó asustada, y el resto de los ocupantes del ascensor hicieron lo mismo unas milésimas de segundo después, como un coro góspel acompañando fielmente a su cantante principal. Instintivamente, el coro se aplastó contra la esquina opuesta del ascensor, apretándose unos contra otros y cubriéndose el rostro con las manos, tapándose los ojos para no mirar, y a la vez seguir mirando, en lo que para el Sr. Kite fue un ejemplo más de la incongruencia del ser humano, que ve sólo lo que quiere ver y se engaña a veces no queriendo verlo.

- Para mí ya es tarde, pero aún tengo tiempo de acabar con esta mediocridad antes de irme – masculló el Sr. Kite. Calculó que tendría seis balas, porque en las películas de acción las pistolas siempre tienen esa capacidad. Contó seis personas en el ascensor además de él, así que pensó que tendría más que suficiente. Sacó el móvil del bolsillo izquierdo, sin dejar de apuntarles con el arma, ajeno a los gritos y súplicas de todos ellos. Ya no les oía, porque su cerebro estaba ya concentrado de nuevo en un solo punto de emergencia, y las voces de aquellos desdichados habían pasado a formar parte de la nube negra. Buscó una aplicación de reproducción de música, seleccionó una de las listas disponibles y pulsó en la primera canción. Un lejano ritmo de batería fue haciéndose cada vez más audible a través del altavoz del móvil, que reproducía la entrada in crescendo de “Five Years” de David Bowie, que a cada segundo sonó con más fuerza en el interior del ascensor.

- ¡Mediocridad! - gritó el Sr. Kite, mientras movía el arma de un lado a otro, apuntando a las cabezas de las personas mientras decidía por quién empezar - ¡Tú! – dijo señalando al hombre de la camiseta ajustada y los tatuajes - ¿Cuál es el título de esta canción?

- ¡Por favor, tranquilícese, guarde el arma y no haga una locura! – dijo el hombre, balbuceando. De repente, aquel “musculitos” de pelo engominado había dejado de tutearle.

- ¡Que me digas el título de esta canción! Seguro que te pasas el día escuchando esa mierda de reggaetón en el coche, y no tienes ni idea de lo que está sonando. Lo siento mucho, amigo, pero ésta es la oportunidad que te doy… ¡Jugamos a todo o nada! – le contestó airado, mientras le seguía apuntando con la pistola.

- Yo…Yo… ¡No lo sé…! – dijo el hombre, mientras cerraba los ojos, de los que brotaban ya las primeras lágrimas, a punto de precipitarse por sus mejillas. Sabía perfectamente que, en manos de aquel loco, esa respuesta no le conducía a un destino favorable, y no quería mirar al mensajero de la muerte que tenía frente a sus ojos.

El Sr. Kite apretó con fuerza la empuñadura del arma para afianzarla. El sudor en sus dedos y en la palma de su mano hacía que se le resbalara. Cerró también los ojos por un segundo, tras el cual apretó con fuerza el gatillo. El disparo resonó dentro del ascensor cerrado, y al instante los gritos histéricos de los ocupantes llenaron el reducido espacio y se clavaron como cuchillos en sus tímpanos. El cuerpo del treintañero cayó al suelo como un fardo, junto a las bolsas de plástico que había arrojado al suelo unos segundos antes, salpicadas de miles de gotas de sangre, como si un incómodo sarampión se hubiera adueñado de ellas. El Sr. Kite abrió los ojos y miró nerviosamente a su alrededor, y levantó después la voz por encima de los gritos histéricos del resto de ocupantes del ascensor. La anciana tenía manchas de sangre del treinteañero por todo el rostro, y parecía en grave riesgo de sufrir un desmayo, por lo que el Sr. Kite retomó apresuradamente su discurso:

- ¡Era “Five Years”, de David Bowie! ¿Pero qué narices le está pasando a este mundo? ¡Está en un disco que se debería enseñar en la escuela! – dijo mientras apuntaba el arma hacia la anciana, para continuar con su macabro concurso - ¡Vamos con la siguiente… un rotundo tema de rock y psicodelia, con uno de los mejores solos de guitarra del disco, llevado hasta el límite en la apoteosis final del tema, hasta hacernos creer que el mundo va a estallar… ¡Y hoy lo va a hacer por fin! - dijo a modo de épica introducción radiofónica, mientras en el móvil seleccionaba “Moonage Daydream”. Fueron tan solo los primeros acordes, porque la anciana puso los ojos en blanco antes de poder dar una respuesta, en un claro indicio de estar a punto de desmayarse. La ejecutó casi al tiempo en que la anciana perdía la consciencia, por lo que la mujer tuvo un tránsito casi indoloro hacia la otra vida. Tras esta “piadosa” muerte, llegaría el turno de “Starman”, errada por una estudiante de diminutos pantalones vaqueros cortos y trenzas de colores en el pelo. "El hombre de las estrellas está esperando en el cielo, le gustaría venir a conocernos, pero cree que eso nos destrozaría las mentes" - dijo el Sr. Kite, parodiando el tono de un exaltado predicador, mientras el cerebro de la chica estallaba de un disparo a bocajarro. Misma suerte corrió un hombre claramente obeso, cercano a los cincuenta y con un llamativo y poblado bigote, que no supo reconocer “Ziggy Stardust”, y al que acompañó al más allá su mujer, dueña de una exagerada permanente pelirroja, que en ninguna de sus largas sesiones de peluquería había escuchado “Sufragette City” en el hilo musical del centro de estética de ese mismo centro comercial. Fue la última canción que escuchó en su vida, antes de que la caída de su cuerpo sin vida fuera amortiguada por el blando e inerte cuerpo de su marido, que la esperaba para siempre en el suelo del ascensor.

Y así llegó el momento cumbre, en una escena dantesca dentro de un ascensor con las paredes totalmente salpicadas de sangre, y con los cuerpos de las cinco víctimas esparcidos por el suelo. Dos personas se miraban fijamente entre el amasijo de cadáveres, en un duelo que recordaba a los del “far west”, si en el salvaje y lejano oeste hubieran existido los ascensores. El Sr. Kite apuntaba al otro, con el arma todavía humeante, y una última bala por disparar. El otro, un universitario con gafas de pasta y pelo cortado a cepillo, con la cara manchada de una mezcla de sangre ajena y lágrimas propias, respiraba profunda y entrecortadamente, sin dejar de mirar fijamente al arma de su contrincante, en un intento de concentrarse en un punto concreto para no sucumbir a la locura que le rodeaba, como horas antes había hecho su adversario ante la inesperada y traumática noticia de su despido. La guitarra acústica de “Rock and Roll Suicide” rompió el macabro silencio. El cañón del arma apuntó al chico, como la flecha de una ruleta, que acabara de pararse en la casilla de la bancarrota. El asesino arqueó las cejas y, esbozando una macabra media sonrisa, dijo:

- ¿Y bien? ¿Sabes que canción es?

El chico le miró fijamente y controló, como pudo, su respiración acelerada, encontrando en algún lugar de su cerebro la calma necesaria para jugar la que podía ser su última carta en la vida, antes de responder:

- "Demasiado viejo para perder, demasiado joven para elegir, y el tiempo espera pacientemente tu canción, caminas fuera de la cafetería, pero no has comido nada y has vivido demasiado, eres un suicida del rock and roll" 

El asesino bajó la mirada, y un segundo después hizo lo propio con el arma, visiblemente abatido por la inesperada derrota. Todo había terminado, o eso creía él. La novia del estudiante, conocedora de su enfermiza puntualidad, esperaba preocupada por su inesperado retraso, y en un ejercicio de oportuna impaciencia, le llamó por teléfono en ese preciso instante, desde algún punto del abarrotado centro comercial. La canción que el universitario tenía seleccionada como tono de llamada sonó dentro del ascensor, desde el interior de la cazadora del muchacho. Visiblemente aturdido, el Sr. Kite no reaccionó a la misma velocidad que el chico, que sacó el móvil del bolsillo y, mirándole directamente a los ojos, dijo:

- ¿Y tú, sabes qué canción es ésta?

El Sr. Kite cerró los ojos un segundo y soltó una bocanada de aire y de resignación. Volvió a abrir los ojos de nuevo, y mirando al suelo dijo: “¡Ostia puta! ¿Qué más puede ir mal hoy?”, al tiempo que apuntaba con la pistola hacia su propia cabeza, para que una sola bala se enfrentara, definitivamente, a la nube negra.


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martes, 23 de mayo de 2023

0873.- Cosmic dancer - T.rex


Marc Bolan es la figura central de T. Rex, sus letras son un poco enfermizas, y su interpretación es genuinamente funky y, sin embargo, también un poco inquietante, con su estilo y su marca deliciosamente oscura de misticismo hippy, fue mas que audaz. Si bien su carrera presentó una producción enloquecedoramente desigual (así como un libro de poesía superventas titulado The Warlock Of Love ), su obra cumbre fue Electric Warrior. T. Rex ya había logrado el éxito en el Reino Unido, sin embargo, Bolan quería llegar al otro lado del Atlántico. Saliendo a la carretera con los nuevos miembros Steve Currie en el bajo, y el baterista Bill Legend instigando al percusionista Mickey Finn, la banda comenzó a grabar pistas sobre la marcha en Londres, Nueva York y Los Ángeles. Si bien los sencillos lanzados en ese momento insinuaban un sonido más audaz para el grupo, la maravilla completa de Electric Warrior solo se hizo evidente en su lanzamiento. Su portada personifica la peligrosa promesa del poder del rock, con Bolan empuñando un arma eléctrica ante un depósito de municiones de amplificadores.


"Cosmic Dancer" es una pieza musical bellamente elaborada que muestra la combinación única de T.Rex de glam rock, folk y influencias psicodélicas, la canción abre con una suave melodía de guitarra acústica, estableciendo un tono soñador e introspectivo. La voz de Bolan es suave y melódica, atrayendo a los oyentes con una sensación de vulnerabilidad y mística. Líricamente, "Cosmic Dancer" es poética y enigmática, reflejando el estilo introspectivo y algo místico de Bolan. La letra evoca una sensación de añoranza y escapismo, con referencias a imágenes celestiales y un deseo de bailar y conectarse con algo más grande que uno mismo. El coro, "Bailé para salir del útero, ¿es extraño bailar tan pronto? Bailé para entrar en la tumba, pero de nuevo, una vez más", es particularmente brillante. Musicalmente, la canción presenta un arreglo exuberante con capas de guitarras, percusión sutil y toques atmosféricos que crean un rico paisaje sonoro. El uso característico de T.Rex de aplausos y coros agrega un toque de estilo glam rock a la pista, dándole una energía contagiosa que es difícil de resistir. "Cosmic Dancer" ha perdurado a lo largo de los años y sigue siendo un favorito de los fans, su calidad atemporal y resonancia emocional continúan cautivando a los oyentes, lo que la convierte en una pista destacada en la discografía de T.Rex. Estamos ante una canción fascinante y evocadora que muestra el sonido único de la banda y la destreza lírica de Marc Bolan. Su atmósfera de ensueño, letras poéticas y melodía contagiosa lo convierten en un tema destacado que ha resistido la prueba del tiempo.


lunes, 22 de mayo de 2023

0872 - Get it on - T. Rex



T. Rex obtuvo su mayor éxito y reconocimiento con el disco "Electric Warrior" (1971), y la canción "Get it on", compuesta por su líder Marc Bolan, fue el segundo nº 1 de la banda en el Reino Unido. Tras el éxito del tema "Hot Love", y durante una gira por Estados Unidos, Bolan estaba dándole vueltas a una idea sobre una canción, y pidió al baterista Bill Legend que le ayudara reproduciendo un ritmo que tenía en su cabeza, desde que tiempo atrás intentara una versión del tema "Little Queenie" de Chuck Berry, en el que se basó también para el característico riff de "Get It On".

La canción se grabó en los estudios Trident de Londres, con Tony Visconti a la producción, inmortalizando de manera brillante un disco que, retrospectivamente, pasa por ser el momento creativo más alto de la carrera del malogrado Marc Bolan que, entusiasmado con el resultado de la canción, le envió una copia en primicia a su amigo John Peel, el famoso discjockey radiofónico responsable de las "Peel Sessions", pero la falta de entusiasmo que éste mostró por la recién grabada "Get it on" supuso el final de la amistad entre ambos, hasta el punto de que solo volvieron a hablarse una vez más, antes de la muerte de Bolan en un accidente automovilístico en 1977. Sin duda, Peel se equivocaba con su indiferencia hacia la canción, porque a la postre sería recordada como el tema más representativo y reconocible de T. Rex.

domingo, 21 de mayo de 2023

0871.- Mambo Sun - T. Rex

 

Mambo Sun, T. Rex


     El 24 de septiembre de 1971 la banda de rock inglesa T. Rex, liderada por Marc Bolan, publica su segundo álbum de estudio, Electric Warrior. El disco es grabdo ente marzo y junio de 1971 entre los estudios Trident y Advision de Londres, los Wally Heider de San Francisco y los Hollywood Mediasound de Nueva York, bajo la porducción del gran Tony Visconti.

Este álbum marcó un punto de inflexión en el sonido de la banda, alejándose del sonido folk de sus anteriores trabajos y acercándose al sonido glam  rock, convirtiéndose en uno de los pioneros de dicho estilo. El disco alcanzó el puesto número 1 en las listas de ventas del Reino Unido, y ha sido descrito por la crítica especializada como un disco fundamental para el movimiento glam rock, teniendo una gran influencia en muchos artistas posteriores de diversos géneros musicales.

Incluido en este álbum se encuentra el tema Mambo Sun, una propuesta escrita por Marc Bolan llena de descaro  y cantada prácticamente susurrada acompañado por unos hipnoticos coros de fondo. Estamos ante un ejemplo prefecto de una fusión de rock con el mambo, estilo característico de la música latina. La letra es algo enigmática y nos describe un paisaje tropical mientras evoca un sentido de libertad y aventura, como si el oyente fuera transportado  una isla exótica donde la fiesta nunca acaba.

Iggy Pop - Blah Blah Blah (Mes Iggy Pop)

#mesIggyPop - Blah Blah Blah

El álbum "Blah Blah Blah" es el sexto álbum de estudio del músico Iggy Pop, lanzado en 1986. Este álbum fue producido por David Bowie, quien había trabajado previamente con Iggy en sus álbumes solistas de la década de 1970.

La historia detrás de este álbum se remonta a la colaboración de Iggy Pop con el guitarrista de Kiss, Ace Frehley, en el álbum de 1985 "Instinct". Durante la grabación de ese álbum, Iggy Pop y Ace Frehley comenzaron a escribir canciones juntos, y decidieron trabajar juntos en un álbum completo.

Iggy Pop contactó a David Bowie para que produjera el álbum, y Bowie aceptó. La grabación tuvo lugar en los estudios Mountain en Montreux, Suiza, y en los estudios Power Station en Nueva York. El álbum presenta una mezcla de estilos, incluyendo rock, funk y dance, y cuenta con colaboraciones de artistas como Nile Rodgers y Steve Winwood.

El álbum fue un éxito comercial moderado, con sencillos como "Real Wild Child (Wild One)" y "Cry for Love" llegando a los primeros puestos de las listas de éxitos. Aunque recibió críticas mixtas en el momento de su lanzamiento, "Blah Blah Blah" ha sido considerado un álbum influyente en la carrera de Iggy Pop y un ejemplo temprano de la fusión de rock y música electrónica.

Además de contar con la producción de David Bowie, el álbum también incluyó la colaboración del tecladista de los Talking Heads, Bernie Worrell, quien contribuyó a la creación de la mezcla de estilos que caracteriza al álbum.

El sencillo "Real Wild Child (Wild One)" fue un gran éxito comercial, tanto que se convirtió en el sencillo más vendido de Iggy Pop en su carrera en solitario. La canción fue una versión del tema "Wild One" de Johnny O'Keefe, y se convirtió en un himno del rock and roll de los años 80.

Otro sencillo importante del álbum fue "Cry for Love", una balada rock que alcanzó el puesto número 10 en la lista de éxitos del Reino Unido. La canción fue escrita por Iggy Pop y su guitarrista, Rob Duprey, y es considerada una de las mejores baladas de la carrera de Iggy Pop.

En general, "Blah Blah Blah" recibió críticas mixtas en su lanzamiento, con algunos críticos elogiando la fusión de estilos y la producción de Bowie, mientras que otros criticaron la falta de cohesión en el álbum. Sin embargo, a lo largo del tiempo, el álbum ha sido reconocido como un punto de inflexión en la carrera de Iggy Pop, y ha sido citado como una influencia en la música de artistas posteriores como Nine Inch Nails y Marilyn Manson.

El álbum "Blah Blah Blah" de Iggy Pop incluye las siguientes canciones:

1. "Real Wild Child (Wild One)": Como mencioné antes, este sencillo se convirtió en uno de los más grandes éxitos de la carrera en solitario de Iggy Pop. Es una versión del tema "Wild One" de Johnny O'Keefe, y presenta una mezcla de rock and roll y música electrónica.

2. "Baby, It Can't Fall": Esta canción tiene un estilo más suave y melancólico que otros temas del álbum. La letra habla sobre la necesidad de encontrar un sentido de propósito en la vida.

3. "Shades": Una canción de estilo más funk y dance, con un sonido influenciado por la música disco de los años 70. La letra habla sobre la idea de usar gafas de sol para ocultar el dolor emocional.

4. "Fire Girl": Una balada rock con una letra que habla sobre la atracción intensa hacia una mujer. La canción tiene un sonido más suave y melódico en comparación con otros temas del álbum.

5. "Isolation": Una canción más introspectiva, con una letra que habla sobre la soledad y la desconexión emocional. La música tiene un sonido más oscuro y atmosférico, con un uso prominente de sintetizadores.

6. "Cry for Love": Como mencioné antes, este sencillo fue otro gran éxito del álbum. Es una balada rock con una letra que habla sobre la lucha por encontrar el amor verdadero. La canción tiene un sonido más dinámico que otras baladas de Iggy Pop.

7. "Blah Blah Blah": La canción que da título al álbum tiene un sonido más pesado y agresivo, con una letra que critica la superficialidad de la cultura pop.

8. "Hideaway": Una canción de estilo más funk y dance, con un sonido influenciado por la música disco y soul de los años 70. La letra habla sobre la necesidad de escapar de la vida cotidiana.

9. "Winners and Losers": Una canción de estilo más punk rock, con una letra que critica la mentalidad de "ganadores y perdedores" de la sociedad.

10. "Tell It to Me": Una canción de estilo más hard rock, con una letra que habla sobre la necesidad de decir la verdad sin importar las consecuencias.

En general, "Blah Blah Blah" es un álbum muy diverso en términos de estilo y tema, y muestra la capacidad de Iggy Pop para experimentar con diferentes géneros musicales.


Daniel
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sábado, 20 de mayo de 2023

0870.- Theme From Shaft - Isaac Hayes

 

Theme From Shaft, Isaac Hayes


     Isaac Hayes, artista muy importante por ser uno de los impulsores junto a Booker T & The Mg's y David Porter del sonido del famoso sello Stax Records, y además de ser cantante, compositor, productor y actor  fue el precursor del movimiento llamado Blaxplotation. En esta ocasión vamos a hablar del tema que dió origen a ese movimiento y que fue el tema central de una película.

En 1971 Isaac compone, Theme From Shaft, el tema principal de la película Shaft (Las noches rojas de Harlem), de la Metro Goldwyn-Mayer. La película se estrena en junio de 1971, y debido al éxito de la misma el sello Stax publica una edición del tema algo más corta como sencillo en septiembre de 1971. Con un estilo funk y soul, el tema llega a alcanzar el puesto número 2 en la famosa lista Billboard Soul Singles y el número 1 en la lista Billboard Hot 100.

Isaac acepta escribir y grabar la banda sonora de la película después de que el productor de la misma le prometa una audición para el papel principal de la misma, una audición que nunca llegó. El papel fue dado al actor Richard Roundtree, quizás la inexperiencia de Isaac pesa para que finalmente no se le dé la oportunidad ni siquiera de audicionar, aunque el sí mantiene el trato y compone la banda sonora. Al final haría un cameo en la película haciendo de barman.

En cuanto a la letra del tema, habla de Shaft como un tipo muy duro que se alimenta del peligro constante y no teme a nada ni a nadie, además de ser una máquina sexual, una especie de James Bond negro. El personaje de la película rápidamente se convierte en un icono, y el tema gana un premio Grammy al mejor arreglo instrumental y un Oscar a la mejor Banda Sonora Original. Isaac se convierte en el tercer artista afroamericano en ganar un Oscar, por detrás de Sidney Poitier y Hattie McDaniel, y el primer afroamericano que lo gana en la categoría de compositor. Theme From Shaft se convirtió  además en la primera canción del llamado movimiento y subgénero musical Blaxplotation, un género que consistía en bandas sonoras de cine negro que tenían como protagonista principal a la comunidad negra.

viernes, 19 de mayo de 2023

0869 - How can you mend a broken heart - Bee Gees



"How can you mend a broken heart" (¿Cómo se repara un corazón roto?) fue el primer sencillo y la canción estrella del disco "Trafalgar" (1971), el noveno disco de estudio de los Bee Gees. Escrita por los hermanos Barry y Robin Gibb durante su reencuentro tras el período que habían pasado separados, es una balada melódica con el característico tono suave de las melodías de la banda, con una emotiva letra sobre la tristeza que se experimenta tras una ruptura amorosa, y la dificultad y el esfuerzo que supone encontrar una manera de superar el dolor y pasar página.

Fue inicialmente ofrecida al músico Andy Williams, pero en el último momento los Bee Gees se arrepintieron y la grabaron para su propio disco el 28 de enero de 1971. Los tres hermanos se encargaron de las voces y armonías vocales de los coros, y en la parte instrumental Barry Gibb se encargó de las guitarras, acompañado por Alan Kendall y Maurice Gibb, que también tocó el bajo y el piano, con Geoff Bridgeford a la batería. Durante la grabación, se añadieron arreglos de cuerda y vientos a cargo de Bill Shepherd.

La canción se convirtió en uno de los mayores éxitos de los Bee Gees y en un clásico de su repertorio. Pese al relativo fracaso en los charts del Reino Unido (alcanzó el top ten pero no llegó a los primeros puestos de la lista), sí que saboreó las mieles del éxito y del primer puesto en las listas de ventas de Estados Unidos, Canadá y Australia. Con los años, se ha convertido por derecho propio en una canción habitual de las listas de las mejores canciones de todos los tiempos. 

Disco de la semana 327: Tragic Songs of Life - The Louvin Brothers






Simón y Garfunkel, Sonny y Cher, The Everly Brothers, esos nombres suelen surgir cuando piensas en grandes dúos musicales, The Louvin brothers nunca se mencionan. Charlie e Ira Louvin nacieron como Charlie e Ira Loudermilk en la década de 1920 en Alabama, criados con bluegrass y música gospel, Charlie tocaba la guitarra y la mandolina Ira, y armonizaban en cada canción, los hermanos tocaron juntos durante 20 años, y su punto culminante se produjo cuando consiguieron un contrato con Capitol Records en 1956. Se quedaron con Capitol hasta que terminaron su carrera en 1963.

“Tragic Songs of Life” fue su primer álbum para Capitol y el título no es engañoso, su tema es la miseria humana y sus causas y esto no era comun, especialmente para la música country, y especialmente en la década de 1950. Ocho años antes de "Bitter Tears" de Johnny Cash (1964) y casi 20 antes de "Red Headed Stranger" (1975), Charlie e Ira Louvin crearon el primer álbum conceptual de country-western. Las canciones son una mezcla de versiones originales y versiones, en su mayoría baladas tradicionales, lo que los hace tan conmovedores es la variedad de voces que se escuchan. “What Is Home Without Love” se trata de un hombre rico cuya esposa se casó con él por dinero. Ahora se sienta solo en su mansión, sin bebé, sin esposa, sin “labios para besar”. El título es su triste estribillo: una pregunta retórica cuya respuesta es obvia. Un niño de siete años es el tema de “Tiny Broken Heart”, su “pequeño compañero de juegos” de al lado se está mudando, ve el camión y se ofrece a comprar la casa con sus centavos. El padre razona con el hijo y le dice que el casero “dice que tiene que ser así”, son trabajadores migrantes, “y su trabajo ya está hecho”. "I'll be All Smiles Tonight" trata sobre un amante abandonado que mantiene las apariencias. Es una balada tradicional contada desde la perspectiva de una mujer, el hecho de que dos hombres la canten en armonía no la hace menos efectiva. La mayoría de las canciones están contadas en una perspectiva clásica en tercera persona, y el chico de masas moribundo de "Take the News to Mother" y los suicidios de Romeo y Julieta de "Katie Dear" se pueden agregar a la lista anterior. La única excepción es la tradicional balada asesina "Knoxville Girl", contada en la primera por "Willy", un hombre "que asesinó a esa chica de Knoxville, esa chica a la que amaba tanto", no se da ningún motivo, y la canción es solo un catálogo de sus acciones, el asesinato de su niña, una visita a su madre, encender una vela en su cama. Las únicas canciones de amor en 'Tragic Songs' están dedicadas a estados [“Kentucky” y “Alabama”], y la devoción por otra persona siempre termina en dolor o muerte. La interpretación de Louvins de "In the Pines" es probablemente lo más destacado del disco.

El crítico musical Alex Abramovich dijo: “Ira Louvin era una cabeza más alta que su hermano menor, tocaba la mandolina como Bill Monroe y cantaba con un tenor increíblemente alto, tenso y tembloroso. Charlie tocó una guitarra, sonrió como un vodevil y tocó el registro inferior, pero de vez en cuando, en medio de una canción, alguna señal oculta destellaba y los hermanos cambiaban de lugar, con Ira descendiendo en picado desde las alturas y Charlie inclinado hacia arriba, e incluso los oyentes más cuidadosos perdían la noción de qué hombre llevaba el dirigir. Los fans de The Louvin Brothers suelen calificar a 'Tragic Songs' y su disco de gospel “Satan is Real” [1959], como sus dos mejores trabajos, uno es sobre el pecado, el otro sobre la redención, y los hermanos lucharon con ambos. Al menos Ira lo hizo, era un alcohólico que se casó cuatro veces en 20 años. Su tercera esposa, Faye, le disparó cuatro veces en el pecho después de que trató de estrangularla hasta la muerte. Según la leyenda, ella dijo "si el bastardo no muere, le dispararé de nuevo". Sobrevivió, pero los hermanos Louvin no: Charlie renunció en 1963, harto del temperamento violento de Ira y sus muchas adicciones.Dos años después de que Charlie se fuera, Ira y su cuarta esposa fueron asesinados por un conductor ebrio. Tenía 41 años.


jueves, 18 de mayo de 2023

0868 - The Revolution will not be televised - Gil Scott-Heron



"The Revolution Will Not Be Televised" ("La revolución no será televisada") fue grabada inicialmente por Gil Scott-Heron para su disco "Small Talk at 125th and Lenox" (1970), en una versión que, con apenas un leve acompañamiento de congas y bongos, era más un poema que una canción propiamente dicha. Scott-Heron la regrabó después, manteniendo la estructura vocal de "spoken word" pero ya con el acompañamiento de una banda, para incluirla en el álbum "Pieces of a man" (1971) y como cara B del que sería el primer single del disco: "Home Is Where the Hatred Is".

El título de la canción se convirtió en un slogan muy popular de la comunidad afroamericana y del movimiento "Black Power" en los Estados Unidos, mientras que la letra de la canción es un refrito de alusiones y referencias a series de televisión, anuncios, presentadores y actores que en la época conducían algún programa de entretenimiento en televisión, que Scott-Heron utilizaba como ejemplos de lo que formaría o no parte de una supuesta y anhelada revolución, en lo que en realidad era una respuesta a otra canción de "spoken word" ("When the Revolution Comes" de "The Last Poets"), que comenzaba con la frase "When the revolution comes some of us will probably catch it on TV" ("Cuando la revolución comience, algunos de nosotros nos enteraremos por la televisión").

Entre las múltiples referencias culturales y políticas que Scott-Heron lanza a lo largo del recitado de la canción, destacan las menciones en "slang" (jerga) a la heroína ("Skag") o la policía ("Pigs") y las referencias a figuras políticas del momento como los presidentes de los Estados Unidos Spiro AgnewRichard Nixon, el General Creighton Abrams, comandante en las operaciones militares en el sur de Asia durante la guerra de Vietnam, el líder de los derechos civiles Whitney Young, el barrio de Watts en Los Ángeles, en referencia a las violentas "revueltas de Watts" de 1965, los colores de la bandera "Pan-Africana" ("Red, black, and green"), el compositor del himno estadounidense "The Star-Spangled Banner" (Francis Scott-Key), y personajes populares del momento como los músicos Tom Jones y Johnny Cash, y los actores Steve McQueen y Natalie Wood.

miércoles, 17 de mayo de 2023

0867 - Barbra Streisand - One Less Bell To Answer A House Is Not A Home

0867 - Barbra Streisand - One Less Bell To Answer A House Is Not A Home

"One Less Bell to Answer/A House is Not a Home" es una de las piezas más icónicas de la legendaria cantante y actriz Barbra Streisand. Escrita por Burt Bacharach y Hal David, la canción fue lanzada originalmente por la banda The 5th Dimension en 1970, antes de que Barbra Streisand hiciera su propia versión en 1971.

La letra de la canción se centra en la idea de perder a alguien que amamos y cómo esto cambia nuestra percepción del hogar y de la vida misma. La canción comienza con los versos "Uno menos de los que pensar / uno menos para llorar / uno menos para elegir / entre el amor y el miedo". Esta línea de apertura establece la sensación de pérdida y dolor que recorre toda la canción.

A medida que la canción avanza, Barbra Streisand canta sobre cómo el hogar ya no es el mismo sin la persona que ha perdido. La línea "una casa no es un hogar / cuando hay uno solo" resume el sentimiento de soledad y vacío que se siente después de una pérdida. A medida que la canción llega a su clímax, Streisand canta con una intensidad emocional: "¿Qué me queda por vivir? / ¿qué me queda por hacer? / ¿sin ti, qué soy yo?"

La canción ha sido regrabada por muchos artistas a lo largo de los años, pero la versión de Barbra Streisand sigue siendo una de las más populares y emotivas. Su interpretación es verdaderamente poderosa, lo que demuestra su habilidad para transmitir la emoción y la sensibilidad a través de su música.

En resumen, "One Less Bell to Answer/A House is Not a Home" es una canción atemporal que habla sobre la pérdida, el dolor y el cambio que esto trae a nuestras vidas. La interpretación de Barbra Streisand es una versión emotiva y conmovedora que sigue resonando con el público hoy en día.


Daniel
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Iggy Pop - Zombie Birdhouse (Mes Iggy Pop)



"Zombie Birdhouse" es el sexto álbum de estudio en solitario de Iggy Pop, enmarcado dentro de lo que podríamos llamar su "segunda etapa", tras las acertadas colaboraciones con David Bowie ("The Idiot" y "Lust for life") y un no menos inspirado y recomendable "New Values". Tras esa fructífera primera etapa, y la publicación de "Kill City" con James Williamson (en lo que fue un reseñable disco, más en la línea de The Stooges que de lo que hasta entonces había hecho en solitario), Iggy bajó el listón creativo en un par de discos caóticos y desnortados ("Soldier" y "Party") en los que parecía querer experimentar a fondo, pero sin encontrar el camino adecuado. Y como dice el refrán, "a la tercera va la vencida", y fue con "Zombie Birdhouse" con el que logró dar en la diana creativa, que no en la del éxito comercial.

Grabado en una consola de 16 pistas en los estudios Blank Tape de Nueva York, y publicado en septiembre de 1982 por el sello "Animal Records""Zombie Birdhouse" se adelantó varios años al concepto de "publicación independiente" que tanto se valoró en la década de los noventa, como rasgo diferenciador de los artistas que no sucumbían al embrujo de las grandes multinacionales. La razón no era, en realidad, una cuestión de valores o de integridad musical, y se basaba más en que el bueno de Iggy estaba totalmente pelado económicamente, tras el fiasco de los dos discos anteriores. Según el propio Iggy: "Fue un álbum de cambio. Lo que más recuerdo y de lo que me enorgullezco es que vivía en Brooklyn porque no tenía bastante dinero para vivir en Manhattan, que es dónde grabábamos el disco, e iba a trabajar en metro como cualquier otro trabajador, cogido de la barra, a hacer mi disco. Me siento orgulloso de haberlo hecho una vez, pero no quiero repetirlo nunca más".

A diferencia de los dos discos anteriores, "Zombie Birdhouse" ha adquirido con el tiempo el estatus de disco extraño y legendario, una obra oscura y bizarra que combina el zumbido de los sintetizadores new wave y post punk con curiosos ritmos de estilo afro beat, y un enfoque de extraña poética de asociación libre en las letras. En conjunto, su encanto reside en que, sin ser una gran obra maestra desde el punto de vista musical, es un álbum que, como ya ocurrió en los discos con Bowie, se adelanta varias décadas a su tiempo, y eso es algo que se percibe ya desde el arranque de "Run Like a Villain", un sórdido y a la vez pegadizo rock and roll de apenas tres minutos (te deja con ganas de más, pero le aplican "fade out", seguramente por las restricciones de duración del formato vinilo) en el que menciona el título del álbum.

El filo electrónico del disco empieza a aparecer en "The Villagers", en la que se aprecia un sonido más cercano a alguno de los temas de "Lust for life", y aparecen los primeros "pseudo recitados" en mitad de la canción. "Angry Hills" tiene un sonido más abierto y comercial, con un ritmo de batería que es hasta bailable, y unos poco afortunados coros de fondo. Una pieza más cercana a lo que entregó en algunos tramos de "Soldier" o "Party", y sin ser mala, se queda en poco interesante.

La experimentación electrónica aumenta con el largo acople de sonido que acaba convirtiéndose en el ritmo de la oscura e interesante "Life of Work", en la que Iggy Pop adapta y transforma una canción de temática marinera en una triste reflexión sobre la vida de la clase trabajadora: "¿Qué haces con una vida de trabajo? Afróntalo por la mañana". En algunos tramos, los escuálidos y mecánicos teclados recuerdan a los Doors de su idolatrado Jim Morrison.

"The Ballad of Cookie McBride" es más accesible y llevadera, con un ritmo de fondo al que podrían haberle sacado más contundencia y partido. La melodía y la manera de cantarla recuerda, anticipándose, a la de algunas canciones de Primal Scream, más desde lo primario que desde el alarido. Una digna pieza de complemento, pero a años luz de "Ordinary Bummer", probablemente la mejor canción del disco, y junto a Run like a Villain, la única que podría entrar en una recopilación de los mejores temas de Iggy, si para esos discos no se tuvieran en cuenta los criterios de comercialidad de los que esta canción carece.

La cara B comienza con "Eat or be eaten", rítmicamente pegadiza y basada en sintetizadores y teclados acompañando a la guitarra rítmica. Hacia la mitad de la canción, Iggy se desentiende por momentos del ritmo para dar rienda suelta a una especie de "spoken word", para terminar tarareando en lo que parece realmente una sátira de canción, dentro de un disco que seguramente a Iggy le resultó muy divertido grabar. Bulldozer vuelve a la senda guitarrera, pero a la del oscuro art rock de discos como The Idiot. La diferencia está en que, de nuevo, la interpretación vocal de Iggy resulta extremadamente paródica y humorística, restándole mucho peso al tema.

En Platonic se toma las cosas más en serio, entregando uno de los temas más asequibles y hasta radiables del disco, con una sencilla combinación de teclados y guitarra rítmica y cierto toque new wave ochentero. El rock de guitarras ásperas y cortantes vuelve a mezclarse con la ruda experimentación y el art rock minimalista en The Horse Song. Cómo han cambiado los tiempos, porque el que antes "quería ser tu perro", ahora dice "sentirse como un caballo", antes de partirse literalmente de risa en el último verso de la canción, evidenciando que estaba realmente de vuelta de todo, y jugando al filo de la navaja con su carrera musical, que fácilmente pudo haber arruinado con la extraña "Watching the news" en la que lleva la experimentación y la rareza hasta el límite de lo que sus fans más acérrimos le permitirían. No lo arregla tampoco en "Street Crazies", la más tribal del disco, pero sorprendentemente carente de un mínimo de estructura o intención de construir o adecentar una canción, reafirmando que hace ya rato que el disco transitó hacia la locura más absoluta.

La acogida del disco fue, como no podía ser de otra manera, desigual. Parte de la crítica valoró estar ante el álbum más experimental de Iggy hasta el momento, mientras la otra parte valoró negativamente la extraña mezcla de proclamas, bromas, gruñidos y pseudo poesía del bizarro e incoherente conjunto final. Con estas credenciales, el álbum fue un fracaso comercial, pero como ya dijimos al principio, fue un fracaso de lo más interesante, por su audacia ante la falta de medios, sus mezclas a veces toscas, sus desarreglados y desnudos coros, su frescura primitiva y su sincera y fascinante irreverencia.

Después de semejante guantazo (tanto el que se llevaron como el que este disco supone para la industria más ortodoxa), Iggy no tenía ya margen de error. Ya no era tan joven, ni tan respetado, y en los bolsillos solo tenía agujeros. O se sacaba de la manga un disco serio y comercial, o ya no podría grabar nunca más, así que decidió gastar, una vez más, el comodín de la llamada y pedir a David Bowie que le produjera el disco Blah Blah Blah, una obra tan depurada como carente de riesgo, que actuó como auténtico salvavidas de la mítica "Iguana del Pop" en el tumultuoso y complicado mar artístico de los ochenta.

martes, 16 de mayo de 2023

0866.- How Do You Sleep? - John Lennon

 

How Do You Sleep, John Lennon


El 9 de septiembre de 1971 John Lennon lanza su segundo álbum de estudio, Imagine. Coproducido por el mismo Lennon junto a Yoko Ono Y Phil Spector, es grabado entre febrero, mayo y julio de 1971 en los estudios Ascot Sound de Berkshire (Inglaterra), los Record Plant de New York y los Abbey Road de London, bajo el sello Apple Records. Al contrario que su primer disco, donde los arreglos son más básicos, en este segundo trabajo destaca la exuberancia de los mismos. El disco se convirtió en todo un éxito, tanto comercial como por parte de la crítica, llegando a alcanzar el puesto número uno tanto en las listas de ventas del Reino Unido como en las de Estados Unidos. El disco es considerado, junto a John Lennon/Plastic Ono Band, uno de sus mejores trabajos en solitario. En 2012, el disco ue votado en el puesto 80 en la  lista de la revista Rolling Stone de Los 500 mejore álbumes de todos los tiempos.

Incluida en este álbum se encuentra la pieza How do You Sleep?, canción donde Lennon muestra su enojo hacia su compañero de banda en The Beatles, Paul McCartneyCuando se lanzó originalmente el álbum Imagine, este contenía una postal de John sosteniendo las orejas de un cerdo grande, una clara alusión a modo de burla del disco de Paul McCartney, Ram, lanzado unos meses antes que Imagine, donde Paul McCartney aparecía en la portada sosteniendo los cuernos de un carnero, mientras en la parte posterior aparecía una imagen de dos escarabajos en una actitud explícita, lo que podía ser considerado como otro claro mensaje hacia John Lennon. La canción contó con la colaboración de George Harrison quien aportó el solo de guitarra slide que aparece en la misma. Nos encontramos en el momento de máximo apogeo de la enemistad entre Lennon y McCartney, y eso se nota en las letras de este tema, pues cada línea de la canción es un ataque a algún aspecto de la vida o la música de Paul McCartney.

lunes, 15 de mayo de 2023

0865.- Jealous Guy - John Lennon



Jealous Guy fue escrita por Lennon después de separarse de The Beatles. La historia dice que Yoko Ono quería ser el quinto miembro de The Beatles y a pesar de muchos intentos de persuadirla, no hizo caso y exigió ser el quinto miembro. Finalmente, The Beatles decidieron separarse; como intuían, ella habría empeorado aún más las cosas. John Lennon luego le dedicó esta canción a Paul McCartney y trató de decirle que la ruptura fue culpa suya y no de Yoko Ono. Pero para entonces ya era demasiado tarde. Toda la canción se basa en la disculpa de Lennon a McCartney. La canción era originalmente 'Child Of Nature' , de la cual Lennon grabó una demostración en el bungalow Esher de George Harrison antes de las sesiones de grabación del White Album.


La canción comienza con una hermosa melodía de piano (Cortesía de Nicky Hopkins), John Lennon inicia las voces, el tono y la suavidad de su voz hacen que la canción sea tan realista que duele. La letra de la canción es SIMPLEMENTE EXCEPCIONAL y si escucha con atención, puede escuchar la guitarra acústica tocando de fondo, se introduce la batería y el tempo de la canción se establece en un ritmo lento y constante. Un hecho sorprendente sobre esta canción es que el bajo se usa como instrumento principal. Todo se combina perfectamente, y el resultado es una canción alucinante. John Lennon comienza a silbar, no hace falta decir que los silbidos también agregan un poco más de emoción a la canción.


Jealous Guy cuenta la historia de un hombre impulsado por la inseguridad y la paranoia a hacer algo de lo que se arrepiente. Nunca se especifica lo que hace, ni el tema de la canción. Pero las emociones que transmite son claras: por favor, perdóname, actué por dolor y miedo. Lennon nunca explicó en detalle la inspiración de lo descrito en la letra, pero a menudo (repetidamente) habló ampliamente sobre los problemas de celos que lo atormentaron a lo largo de su vida. En 1971, cuando se le preguntó sobre los celos, aludió tanto a experiencias pasadas como a su relación actual con Ono.