martes, 8 de febrero de 2022

0404.- Waterloo Sunset - The Kinks



Waterloo Sunset ("Anochecer de Waterloo") es uno de los temas más famosos e universales de la banda británica The Kinks. Su temática local y cercana (el paseo de dos amantes por un puente del Támesis, hacia la estación de Waterloo), la convirtieron además en todo un himno del modo de vida y el orgullo británico, hasta el punto de ser una de las canciones elegidas para ser interpretada en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Londres en 2012.

Lanzada como single en mayo de 1967, e incluida en Something Else, el sexto álbum de estudio de la banda, se convirtió en uno de los éxitos más grandes del grupo en el Reino Unido, y se vio además impulsada por el rumor de que los dos amantes estaban inspirados en personalidades reales del momento, en concreto la relación entre los actores Terence Stamp y Julie Christie, lo cual fue posteriormente negado por Ray Davies, compositor de la canción, desmontando aquel castillo de naipes mediático al desvelar que la misteriosa pareja estaba formada, en realidad, por su hermana y su novio.

La grabación de la canción no fue especialmente compleja, pese a que dedicaron muchas horas a la búsqueda de un nuevo sonido para las guitarras, que le diera al tema un toque diferencial con respecto a otras grabaciones anteriores de la banda. Lo consiguieron utilizando efectos de eco, al estilo del que se empleaba en los viejos hits del rock and roll de los años cincuenta, que aplicados a la estructura de su canción, le dieron el componente de novedad y distinción que habían estado buscando para la descripción de un amanecer tan bello como el que puede verse desde un puente del Támesis, cerca de la estación de Waterloo.

lunes, 7 de febrero de 2022

0403.- Sunshine of Your Love - Cream

 




Sunshine of Your Love, Cream


     En 1967 la formación británica Cream publica su segundo álbum de estudio, Disraeli Gears. Un álbum donde la banda mezcla el blues con un sonido más psicodélico. La portada del álbum fue creada por Martin Sharp, un conocido artista, dibujante, compositor y cineasta australiano. Sharp además crearía posteriormente también la portada del álbum de la banda Wheels Of Fire, y co-escribió Tales Of Brave Ulysses junto con Eric Clapton. La portada del disco consiste en un collage psicodélico con el título centrado y el nombre del grupo a continuación, rodeado de un arreglo floral. Lo que Martin Sharp intentó fue captar el sonido de la música de la banda en la portada del disco, un sonido que definió como "sonido fluorescente clásico".

Disraeli Gears fue grabado en los Atlantic Studios deNueva York en el mes de mayo de 1967, ya que el sello discográfico de CreamATCO, no era más que una subsidiaria que pertenecía al poderoso sello Atlantic Records. De la producción del disco se encargaría Felix Pappalardi, quien luego se forjaría una brillante carrera como miembro del grupo Mountain junto con Leslie West. En cuanto al título del álbum, este fue concebido a partir de que el roadie de la banda Mike Turner pronunciara mal una palabra. El roadie al parecer, cuando se encontraba hablando de bicicletas, para referirse al cambio de las mismas, el cual se pronunciaba Di-rail-yer (un cambio que se usaba frecuentemente en las bicicletas de 10 velocidades que había por entonces), pronunció la palabra de la siguiente manera, Disraeli, y curiosamente Disraeli hacía referencia a un primer ministro británico del siglo XIX, Benjamin Disraeli. El grupo en ese instante tuvo claro cuál debía ser el título del álbum. El álbum fue publicado en noviembre de 1967 en Reino Unido y en diciembre de 1967 en Estados Unidos bajo el sello discográfico Atco Records.

Incluido en el este disco se encuentra Sunshine of Your Love, tema escrito por Eric Clapton, Jack Bruce y Pete Brown, éste último un poeta beat amigo de Ginger Baker y Jack Bruce . El sencillo se convirtió en la canción más comercial y más vendida del grupo y de la discográfica Atlantic Records a través de su sello Atco Records en aquel momento. Fue grabada en en mayo de 1967 y publicada como sencillo en enero de 1968. La famosa primera línea de la letra fue escrita por Pete Brown después de estar toda la noche trabajando con Jack Bruce en el tema al ver la salida del sol. La canción fue ideada después de que Jack Bruce y Eric Clapton asistieran a un concierto de Jimi Hendrix en el Saville Theatre de Londres. Jack Bruce al regresar a casa se le ocurrió el riff de guitarra el cual está basado en un riff de bajo, luego Pete Brown y Bruce escribieron la letra en una sola sesión que duró toda la noche, Bruce y Clapton se encargaron de la música y Clapton ideó y escribió el estribillo.

domingo, 6 de febrero de 2022

0402.- Heroes and Villains - The Beach Boys

0402 Heroes and Villains - The Beach Boys

Heroes and Villains es una canción de la banda de rock estadounidense The Beach Boys que fue incluida en su álbum Smiley Smile de 1967. 
Escrita por Brian Wilson y Van Dyke Parks, Brian Wilson imaginó la canción como una comedia musical con temática del Viejo Oeste. Y su sencillo fue el primer lanzamiento de la discografíca Brother Records, pero no cumplió las expectativas comerciales y de la crítica, aunque fue un disco de éxito, alcanzando el número 12 en Estados Unidos y el número 8 en el Reino Unido.

Brian Wilson había estado trabajando en Heroes and Villains durante un tiempo antes de pedirle a Van Dyke Parks que le ayudará con la letra en de julio de 1966. 

De este modo Heroes and Villains fue la primera canción que Wilson y Parks escribieron juntos. Al igual que con las demás que escribieron para el álbum Smile, Parks escribió la letra mientras Wilson componía la música, dicen que cuando le presentaron la melodía, Parks recordó la canción "El Paso" de Marty Robbins de 1959 e inmediatamente concibió la línea inicial: "Llevo tanto tiempo en este pueblo que en la ciudad me han dado por perdido y desaparecido y desconocido durante mucho, mucho tiempo". 

Antes del lanzamiento de Smiley Smile, the Beach Boys intentaron grabar un álbum en directo conocido como Lei'd in Hawaii. Debido a las dificultades técnicas, decidieron grabar el álbum en los estudios Wally Heider, una sesión que incluía un ensayo de Heroes and Villains. Una cinta de audio que se conserva de esta actuación incluye un monólogo hablado sobregrabado, a cargo de Mike Love, en el que ridiculiza la canción, ya que los comentarios de Mike Love pasan de ser burlones y amargamente sarcásticos y se vuelve aún más mordaz a medida que avanza en la crítica de la canción. Se supone que otra voz risueña en el audio pertenecía a Wilson, y que éste podría haber coordinado la grabación él mismo.

Daniel 
Instagram storyboy 

#MesTheBeatles: A hard day´s nigh - The Beatles

A Hard Day's Night - The Beatles #mesTheBeatles 

Amigos vamos con una de las bandas de rock que ha revolucionado la escena de la música, y en este mes de febrero que hemos denominado el #mesTheBeatles.

Y hoy hablaremos de A Hard Day's Night que es el tercer álbum de estudio, The Beatles, publicado este álbum el 10 de julio de 1964 bajo la discográfica Parlophone.

La fama que ya tienen en la década de los '60, hace que The Beatles alcanzará la posición número uno y superará su anterior álbum, y permaneciendo en esa posición durante veintiún semanas de las treinta y ocho que se mantuvo en lista.

El álbum, fue un gran éxito, y ya se veía el talento de los cuatro de Liverpool, este fue el primer disco del grupo en contener solo composiciones originales y el único en que el catálogo musical estuviera firmado enteramente por Lennon-McCartney. Normalmente, John Lennon y Paul McCartney contribuían a partes iguales con sus canciones en la confección de cada álbum de The Beatles, pero en A Hard Day's Night fue preponderante la autoría de Lennon en la composición de los temas, siendo el responsable de la mayoría de las trece canciones que se presentaron en este disco. 

Este fue también uno de los tres álbumes de The Beatles, junto con Let It Be y Magical Mystery Tour; en que Ringo Starr no aparecía en ningún tema como vocalista principal, aunque sí lo haría en la canción «Matchbox», una versión de un tema de Carl Perkins grabado simultáneamente con las canciones del álbum A Hard Day's Night, y que fue publicado en el EP Long Tall Sally, editado el 19 de junio de 1964.

El álbum contenía algunas de sus canciones más famosas, incluida la que le daba título y Can't Buy Me Love, las dos número uno a ambos lados del Atlántico. Tanto el álbum como la película retrataba perfectamente la clásica imagen del grupo, tal como se les veía en la cúspide de la Beatlemanía.

El sonido de la guitarra solista de 12 cuerdas de George Harrison tendría una enorme influencia en los demás grupos musicales, este álbum llevó a la fama también con la película hizo que los Byrds, entonces intérpretes de música folk, decidiesen asimilar el género del rock and roll en su grupo, creando así el género del folk rock, que tanta influencia tendría después en los mismísimos The Beatles a partir de 1965. Igualmente, el éxito de The Beatles en los Estados Unidos hizo que se abriesen las puertas estadounidenses a otros grupos musicales británicos, como The Rolling Stones, los Animals, o los Kinks. Inspiraron a su vez a grupos jóvenes estadounidenses como los Beau Brummels, los Lovin' Spoonful, y otros, a escribir sus propias canciones, tomando ejemplo de lo que hacían Lennon y McCartney.

El título del álbum y de la película fue, al parecer, una creación accidental del baterista Ringo Starr. Aunque la frase ya constaba por entonces en el libro contemporáneo de John Lennon In His Own Write, y aparentemente ya había sido usada por él en sus días de Hamburgo.

La cara uno del álbum contenía las canciones que aparecían en la película interpretada por ellos, A Hard Day's Night. La cara dos incluía temas que fueron grabados para la película, pero que finalmente no se llegaron a usar en ella, aunque una edición del filme en los años 80 incluía un prólogo antes de los títulos de crédito, en el que sonaba el tema I'll Cry Instead. Este fue asimismo el primer álbum de The Beatles en grabarse sobre cintas de cuatro pistas, y permitió así un mejor mezclado de las canciones para su posterior edición estereofónica.

El álbum incluía los temas Can't Buy Me Love y You Can't Do That, aparecidos previamente en formato sencillo el 20 de marzo de 1964. El mismo día en que se había publicado el álbum, también se editó el sencillo A Hard Day's Night/Things We Said Today.

El éxito de The Beatles es indiscutible, y lo demuestran en toda su carrera artística, realmente son los creadores de una cultura musical que a marcado la historia del rock. 

Daniel 
Instagram storyboy 

sábado, 5 de febrero de 2022

0401.- Massachusetts - The Bee Gees

 

Massachusetts, The Bee Gees


     Entra en escena uno de los grupos musicales británicos de pop rock que más exito cosechó entre las décadas de los  60 y 70: Bee Gees. En 1967 los hermanos Barry, Robyn y Maurice Gibb escriben la canción Massachusetts, que luego sería incluida en el álbum Horizontal, el cual sería publicado a comienzos de 1968. La canción fue grabada entre el 9 y el 17 de agosto de 1967 en los estudios IBC de Londres, y publicada por el sello Polydor en Reino Unido y pulicado en septiembre de 1967. En Estados Unidos fue publicado en noviembre de 1967y por el sello Atco Records.

Robin Gibb se encargó de de la voz proncipal esta canción, siendo el primer tema del grupo donde se atrevió a hacerlo. La canción se convirtió en una fija en prácticamente todos los conciertos del trío. Massachusetts se convirtió en el primer gran éxito de Bee Gees, alcanzando el puesto número 1 en las listas del Reino Unido y de doce países europeos más. En Estados Unidos llegó a alcanzar el puesto número 11 en la lista Billboard Hot 100

Al parecer, la canción fue escrita en el Hotel Regis de Nueva York durante una gira de la banda por Estados Unidos. La canción pretendía ser una antítesis de de las canciones de la época que representaban el movimiento del Flower Power, tales como Let's Go To San francisco o San Francisco (Be Sure to Wear Flowers in Your Hair), temas donde los protagonistas contaban que habían estado en San Francisco para unirse al movimiento hippie. En Massachusetts el cantante, Robin, nos relata que tiene añoranza por regresar a Massachusetts, lugar donde dejó a una chica con el corazón roto. Curiosamente los hermanos no habían estado nunca en Massachusetts, pero les gustó el sonido del nombre.

viernes, 4 de febrero de 2022

Disco de la semana 261: No need to argue - The Cranberries



Escrito en gran parte durante una gira para apoyar a Everybody Else Is Doing It en 1993, No Need To Argue encontró a O'Riordan en un mal momento emocional a causa de una ruptura reciente mientras lidiaba con el éxito de su primer álbum. Pero también se expandió más allá de esta introspección para examinar los eventos del mundo que la rodeaba, lo que le dio al álbum una composición temática más amplia que su predecesor.

El álbum comienza con “Ode To My Family”, la canción habla sobre "tener éxito de repente y mirar hacia atrás a casa y preguntarse dónde quedo mi infancia", como reflexionó O'Riordan para Rolling Stone , la canción es un recuerdo lento y sombrío pero teñido de nostalgia de su juventud donde enfrenta las dificultades de su presente con los de su pasado, y específicamente con la percepción del público que tiene de ella, como se evidencia en el segundo verso de la canción. El ritmo se acelera con "I Can't Be With You", una canción de ruptura llena de arrepentimiento que encuentra a O'Riordan añorando un amor pasado y la historia que compartieron juntos. Sin embargo, funciona como una declaración de desafío e independencia, ya que reconoce que la relación no está diseñada para la longevidad y que no puede prolongar lo inevitable, aunque todavía alberga fuertes sentimientos por su pareja. 

"Twenty One" es una mirada hacia O'Riordan, que tenía solo 21 años cuando publicó el álbum debut de su banda en marzo de 1993, y en la canción enfrenta la relación entre su pasado y su presente y celebra la libertad que acompaña la transición de la adolescencia a la edad adulta, que puede, al menos simbólicamente, protegerla de las dificultades del pasado y ayudarla a seguir adelante con su vida. Llegamos al gran tema del álbum “Zombie” esta inspirada en el atentado con bomba del IRA de 1993 en Warrington, Inglaterra, que mató a dos niños e hirió a decenas más, la mencionada "Zombie" es una apasionada canción de protesta. Denuncia toda la violencia sin sentido y la victimización, “Podría hacer que la gente reflexione un poco sobre nuestra sociedad y en lo que nos hemos convertido”, explicó O'Riordan durante una entrevista de Los Angeles Times en noviembre de 1994 . “Sé que la guerra ha estado ocurriendo durante siglos y siglos, pero se supone que debemos volvernos más civilizados”. Según cuenta la historia, Island Records inicialmente intentó disuadir a la banda de dar luz verde a "Zombie" como el primer sencillo debido a su gran contenido, pero finalmente no lograron convencer a una firme O'Riordan y sus compañeros de banda. La sinfónica "Empty" es una reflexión inquietantemente hermosa sobre el arrepentimiento y la pérdida que conduce a emociones vacías, un hilo temático que resurge más tarde en las tristes "Everything I Said" y "Disappointment".

 

El momento más conmovedor del álbum llega con "The Icicle Melts", inspirado en el asesinato desmedidamente trágico de 1993 de un niño de dos años (James Bulger) en Liverpool, Inglaterra. A pesar de la profunda tristeza del tema de la canción, O'Riordan ofrece un mensaje de esperanza y redención en el coro, mientras canta: "Hay un lugar para el bebé que murió / Y hay un tiempo para la madre que lloró / Y ella lo sostendrá en sus brazos en algún momento / Porque nueve meses es demasiado, demasiado, demasiado tiempo”. "No creerías cuántos hombres hay en la industria de la música que miran a una mujer en un sentido sexual y solo quieren conocerte para llevarte a la cama", reveló O'Riordan durante un Hot Press de enero de 1994, al hacer referencia el ímpetu de "Ridiculous Thoughts". “Incluso personas que alguna vez respetaste y que creías que te valoraban por tu mente, tu alma, tu talento, terminan queriéndote por una sola cosa y eso realmente puede ser decepcionante… Y peor aún, algunos de ellos quieren poseerte, lo cual es aún más aterrador”. El punto culminante supremo del álbum, en mi opinión, la introducción etérea de la canción da paso a un trabajo de guitarra cargado en el que O'Riordan muestra su amplio rango vocal, mientras exorciza el desencanto que surge al encontrar el engaño y la traición entre personas en las que alguna vez confiaste. Sin embargo, no todo es pesimismo a lo largo de No Need To Argue , ya que la entrañable y melancólica canción de amor "Dreaming My Dreams" es optimista y repleta de cuerdas dedicada a su entonces esposo Don Burton, el ex gerente de gira de Duran Duran y el responsable de producción de The Cranberries en ese momento. “Yeats' Grave" traen algo de folk-rock celta a la mesa y presentan una interpretación vocal fuerte y sorprendente en un elegante homenaje al famoso poeta del siglo XX, W. B. Yeats. “Daffodil Lament”, es un tema donde la voz de O'Riordan trasciende por encima de la música donde escuchamos a O’Riordan describir una decisión difícil de terminar un romance con una pareja que no es agradable. La canción es más larga del álbum, ya que contiene una acumulación inquietante al principio con una transición a una canción más alegre in crescendo y se nota que es importante para Dolores. Una de las cualidades brillantes de la banda se muestra en esta canción en particular, y esa es la poderosa presencia femenina que O’Riordan aporta al álbum, y aportaría a muchos más, ya que sus letras comienzan a agregar un tema fuerte y desafiante al grupo. Música para hacer historia y dejar otro gran lugar para la música de Irlanda junto a campeones de la talla de U2 o Thin Lizzy. “No need to argue”, la canción, engarza, como un guante con el final de Daffodil Lament, pero ofrece el colosal registro de voz de la hoy fallecida intérprete, acompañado, únicamente, con un órgano. Con ese final que pone los pelos como escarpias… Una canción para los momentos malos que, singularmente, refuerza el ánimo.


 No Need to Argue sigue siendo el álbum más vendido y ampliamente aclamado del grupo y no es difícil ver por qué. Se mantienen los tonos del álbum anterior, pero hay un poco más de oscuridad en cuanto a las letras y la pesadez de algunas pistas que se centran en los resultados de la guerra y el dolor. Si bien el último álbum tuvo megaéxitos que se destacan como sus firmas, de principio a fin encuentro que No Need to argue es más disfrutable con pistas que nunca me dejan con ganas de un poco más, estoy satisfecho.

0400.- Pata Pata - Miriam Makeba



Miriam Makeba fue una cantante sudafricana que con su voz cálida y agresiva se consolidó a nivel internacional gracias a un repertorio compuesto tanto por cantos populares africanos y afroamericanos como por canción ligera. Conocida como Mamá África, fue además una destacada activista antiapartheid condenada al exilio durante más de tres décadas. Hija de un sangoma o chamán de la tribu xhosa, Miriam Makeba pasó su infancia en Pretoria y comenzó a cantar en Sophiatown, un suburbio de Johannesburgo famoso por ser un vibrante centro multicultural antes de que el gobierno del apartheid obligara a sus residentes negros a abandonar la zona bajo los términos de la Ley de Áreas de Grupos. Grabó su primer single, Lakutshona Llange, en el año 1953, como vocalista del grupo Manhattan Brothers, donde conocería al trompetista Hugh Masekela, quien más tarde se convertiría en su primer marido. En 1958 fundó su propia banda, The Skylarks, una formación íntegramente femenina que mezclaba jazz con música tradicional sudafricana. La gran oportunidad le llegó en 1959 cuando, junto a los Manhattan Brothers, protagonizó el musical King Kong. En una de sus actuaciones llamó la atención del cineasta estadounidense Lionel Rogosin, quien la incluyó en el controvertido documental Come Back, Africa, un alegato antiapartheid que causó conmoción ese mismo año en el Festival Internacional de Cine de Venecia y que dio a la cantante renombre internacional. Tras el éxito del filme, Makeba fue invitada a dar conciertos en Europa y Estados Unidos, donde el cantante y activista social afroamericano Harry Belafonte le pidió que lo acompañara en una serie de actuaciones en el Carnegie Hall de Nueva York. Cuando intentó regresar a su país para asistir al funeral de su madre, descubrió que le habían revocado el pasaporte. Comenzaba así un largo exilio (Venecia, Londres, Estados Unidos, Guinea-Conakry) que duraría más de tres décadas. Su aparición ante la Asamblea General de las Naciones Unidas en 1963 denunciando la política del apartheid suscitó aún más las iras del gobierno sudafricano, que respondió prohibiendo sus grabaciones.


La canción en la que nos vamos a detener, Pata Pata, es un tema de pop soberbio, exuberante y alegre que debería estar junto a lo mejor de Southern Soul y Motown como uno de los grandes sencillos pop de la década de 1960. Miriam Makeba hizo una adaptación muy bailable de un tema popular sudafricano antiguo, y realizó una grabación superexitosa en el año 1967. La letra (en lengua Xhosa) es prácticamente intraducible, ya que se trata más bien de palabras sueltas de sentido onomatopéyico, que no tienen ningún sentido textual. Por eso Miriam Makeba introdujo, a mitad de la canción un recitado libre en el que, en inglés, viene a invitar a todo el mundo a bailar y divertirse con la música. La canción popular original es una danza de "toca, toca" que es lo que viene a significar PATA PATA. Si bien, la letra no tiene un significado textual concreto en el contexto tradicional de la danza sugiere la representación de un joven que le gustaría tocar a la chica de sus sueños, y a pesar de que la chica es huidiza el chico sigue insistiendo, pero al final la chica grita pidiendo ayuda a su madre.


jueves, 3 de febrero de 2022

0399.- Soul Man - Sam & Dave

 

Soul Man, Sam & Dave


     El 26 de octubre de 1967 el dúo de R&B Sam & Dave pubica el álbum Soul Men. El disco, de género soul, es grabado entre el 10 de agosto y el 4 de octubre bajo la producción de Isaac Hayes y David Porter, y publicado el 26 de octubre de 1967. Soul Men llegó a alcanzar un notable quinto puesto en la lista estdounidense Black Album Chart, y el puesto número 62 en la también lista estadounidense Pop Album Chart. De todos los temas incluidos en este disco encontramos Soul Man, tema al que dedicamos esta reseña y que acabarían de popularizar The Blues Brothers en 1978. 

Escrito en 1967 por David Porter e Isaac Hayes para el sello discográfico Stax, Soul Man surge a raíz de una ocurrencia de Isaac Hayes en julio de 1967 al ver en televisión las noticias sobre los famosos disturbios de la Calle 12 de Detroit, Michigan (Estados Unidos). Isaac se da cuenta que los edificios que no han sido destruidos, y que en su mayoría son propiedad de instituciones y gente afroamericana estan marcados en su fachada por la palabra "alma"David Porter escribe la letra basándose en la idea inicial de Isaac Hayes, una historia sobre la lucha de uno mismo por superar sus condiciones actuales, por salir adelante y mejorar, soy un "Soul Man" (hombre de alma), es una cuestión de orgullo.

     El tema fue grabado por el dúo Samuel "Sam" Moore y David "Dave" Prater, más conocido como Same & Dave, y publicado en septiembre de 1967 por el sello discográfico Stax. El sello Stax, para la grabación, y como solía ser habitual, puso a disposición del dúo la banda de los estudios, Booker T. And The MG's, con la particularidad que el propio Booker no pudo participar en la grabación por encontrarse en la universidad, siendo sustituido por Isaac Hayes.


     Este tema se convirtió rápidamente en aquellas fechas en el single más exitoso del sello discográfico Stax, alcanzando el puesto número 1 en la famosa lista americana Billboard Hot Black Singles,  y el puesto número 2 en Canadá y en la lista Billboard Hot 100 también de Estados Unidos. En 1968 el tema gana el premio Grammy a la mejor interpretación de grupo de Rythm & Blues vocal ó instrumental.

miércoles, 2 de febrero de 2022

0398.- What a wonderful world - Louis Armstrong


Escrita por Bob Thiele y George David Weiss, y ofrecida sin éxito a varios artistas, fue grabada finalmente por primera vez por Louis Armstrong en 1967, surgió como una proclama contra el racismo, que planteaba la necesidad de valorar de manera positiva las cosas simples de cada día, como camino hacia la convivencia y el bienestar. La versión de Armstrong no tuvo éxito en Estados Unidos en el momento del lanzamiento del sencillo, pero alcanzó el nº1 en las listas del Reino Unido.

Veinte años después, y tras ser incluida en la banda sonora de la película Good Morning, Vietnam, se convirtió en un éxito a nivel mundial, con una influencia que perdura hasta hoy, especialmente en lo que al celuloide se refiere, apareciendo en películas de la talla de Doce monos, ¿Conoces a Joe Black?, Madagascar o el documental Bowling for Columbine.

Otras versiones relevantes fueron las de Natalie Cole en 1995 (con Plácido Domingo y José Carreras), Tony Bennett (2002), Joey Ramone (2002), B.B. King (2003), Rod Stewart y Stevie Wonder (2004),  Keane (2007), Katie Melua con Eva Cassidy (2008), o la versión que se interpretó en directo durante la ceremonia de clausura de los Juegos Paralímpicos de Tokio 2020.

#MesTheBeatles: Please, please me - The Beatles

La cualidad más importante de este álbum es que es muy divertido de escuchar. Claro, carece de la producción elegante y la composición innovadora de los álbumes posteriores más aclamados del grupo, pero lo que le falta en pulido lo compensa con encanto y calidez. No es casualidad que algunas de las canciones más queridas de los Beatles estén en este debut. Lo que realmente distingue a este álbum de la discografía posterior de la banda es la forma en que se interpretan las canciones: como una banda. En lugar de asuntos complejos e intrincados con muchas partes deslavazadas, estas canciones se tocan en vivo, de hecho, las canciones de este disco comprenden lo que entonces era su espectáculo en el escenario, y el álbum completo (salvo algunas sobregrabaciones) se grabó en unas 13 horas.

Mucha de la energía que irradia el álbum fue porque fue grabado en un solo día, sin concesiones, siendo ellos mismos y aunque parece absolutamente imposible de creer para aquellos de nosotros que hemos vivido con música como el metal y el punk nuestra vida, este fue el álbum de estudio más ruidoso y estridente que la mayoría los británicos, habían escuchado hasta ese momento. Esto se resume en Lennon "cantando hasta quedarse ronco" en la primera toma de la canción final, su versión de "Twist and Shout", algo que estaba completamente fuera de lugar para un cantante de rock británico en ese momento. Los Beatles escribieron ocho de las catorce canciones, incluidas las cuatro originales que ya se habían lanzado en sencillos, y estas originales abarcaban toda la gama de estilos en ese momento.

  

 

De todas las canciones del álbum debut de los Beatles, "I Saw Her Standing There" es la única canción original de Lennon-McCartney que todavía se reproduce regularmente fuera de las estaciones de radio antiguas, la razón de esto puede ser que estemos ante la canción más rockera del álbum. Estábamos a principios de 1963 y por comparar escuchas Surfin' USA, que salió el mismo mes y la dinámica de esta canción, la velocidad, la energía, todo es significativamente diferente de lo que era común para ese año, y ese detalle es tan emocionante como lo fue la música rock a principios de 1963. La canción es un testimonio de John y Paul como equipo de composición, la melodía está a la altura del inmortal texto, una explosión de adrenalina pura de los gritos de Paul y el grito previo al solo al trabajo de guitarra primordialmente afectivo de George. “Misery” fue escrita por John Lennon y Paul McCartney para Helen Shapiro, una joven de 16 años que estuvo de gira con The Beatles en 1963, su representante rechazó la canción, pero otro cantante de esa gira, Kenny Lynch, la grabó, convirtiéndose en la primera persona que cantó una canción de Lennon/McCartney. El tema es muy similar a “PS I Love You” y una pista de que los Beatles aún no habían llegado al punto en el que abordarían un estilo diferente con cada canción. Pero debemos notar la diferencia en los comienzos de las dos primeras canciones: una comienza rápidamente mientras que la otra comienza más lenta, una yuxtaposición extremadamente extraña para la época. Hay un extraño contraste entre las letras relativamente pesimistas y el estado de ánimo optimista de la música, el piano descendente de George Martin es divertido, y las improvisaciones de John nos hacen saber que se trata de una parodia.

 Arthur Alexander escribió “Anna (Go to him)” y se convirtió en la única persona que escribió canciones que fueron grabadas por Bob Dylan, The Rolling Stones y The Beatles. La canción fue presentada a los disc-jockeys estadounidenses en 1963 en un sencillo con "Ask Me Why" y el disco promocional se ha convertido en un raro y muy deseado artículo de coleccionista. A John Lennon le encantaba esta canción, por eso los Beatles la grabaron. Según el historiador de los Beatles, Mark Lewisohn, John Lennon tuvo un terrible resfriado durante las grabaciones, lo que provocó su extraña voz en la canción. El subtítulo (Go to Him) es un poco confuso, ya que en las versiones de la canción de Alexander y The Beatles, cantan "Go with him". Quizás el primer momento que nos chirria en el álbum es "Chains" porque la voz principal la pone George y quizás no es la más adecuada para los sentimientos que canta "I want to tell you pretty baby/I think you're fine", reconozco que el solo de armónica al principio es muy bueno, pero en conjunto la canción me parece cursi. Aun así, la canción tiene un gran ritmo y las armonías suenan muy bien como siempre. “Boys” fue grabada originalmente por The Shirelles, un popular cuarteto vocal femenino que fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1996. John Lennon era un gran admirador de The Shirelles y decidió hacer una versión, pero posiblemente no quedo como ellos esperaban, es más sencilla, sin piano, sin saxofón, con una letra ligeramente diferente. Como compensación queda en la historia como la primera actuación vocal de Ringo Star (y comenzó su tradición de cantar los números de comedia), John y Paul hacen una imitación pasable de las Shirelles en el coro. “Ask me why” es una canción de amor muy común pero lo que la hace especial es que fue en esta canción cuando John Lennon y Paul McCartney escribieron una canción juntos. Fue publicada como cara B de "Please, please me", en el primer sencillo estadounidense de los Beatles y una copia del sencillo promocional entregado a los disc-jockeys en 1964 es ahora un artículo de colección con un valor de al menos 10.000 dólares. "Please, please me" fue el segundo sencillo de los Beatles y es quizás la mejor demostración de lo rápido que crecían los Beatles. Lanzado solo un par de meses después de “Love Me Do”, está en otro planeta desde su debut en términos de escritura, arreglos e interpretación. La letra, por ejemplo, tiene un punto de vista diferente al de la canción promedio de la época, casi como si estuvieras escuchando una conversación. Y la música también es mucho mejor: los acordes son más extraños, el gancho es ciertamente más único, la interpretación es más enérgico, fue un consejo más de George Martin que quiso acelerar la balada influenciada por Roy Orbison que John tenía en mente. Todo encaja, desde la armonía vocal de una sola nota de Paul en los versos hasta el lick de guitarra previo al coro de George y una de las mejores primeras actuaciones de Ringo.


Y llegamos a “Love me Do” John Lennon y Paul McCartney escribieron este tema en 1958, cuando John tenía 17 años y Paul 16 habían escrito otras canciones antes, pero esta fue la primera que les gustó lo suficiente como para grabarla. La letra es de McCartney y la escribió pensando en la que era su novia en ese momento, Iris Caldwell. Love me do se convirtió en el primer sencillo de los Beatles y fue lanzado en Inglaterra por Parlophone Records. En 1962, los Beatles tocaban regularmente en un club de Hamburgo, Alemania. Tocaron muchas versiones de Blues de artistas estadounidenses famosos, y fue un gran problema para ellos cuando lo introdujeron en su repertorio, ya que no sabían cómo quedaría con las versiones que hacían de Little Richard y Ray Charles, inesperadamente la canción fue bien recibida y les dio mucha confianza a The Beatles, lo que los llevó a escribir e interpretar más canciones originales. Cuando la tocaron para una audición con Parlophone Records, el que estaba en la discográfica era George Martin, quien se convirtió en una figura clave en la historia de los Beatles al ayudar a dar forma a su sonido. Comenzó a jugar con la canción de inmediato, agregando la parte de la armónica. Cuando se lanzó en Inglaterra, no fue un gran éxito. El mánager de los Beatles, Brian Epstein, tenía tanta confianza en el grupo que le dio al sencillo un gran impulso de marketing al comprar un montón de copias (algunos dicen 10,000) para su tienda de discos, lo que ayudó a colocarlo en las listas de éxitos y aseguro que se hablara en la calle del grupo. Antes de la grabación para el disco, Lennon siempre cantaba la voz principal, pero cuando se agregó su parte de armónica, McCartney tuvo que cantarla porque Lennon tenía en la boca la armónica. 

Paul McCartney escribió "PS I Love You" en Hamburgo, mientras The Beatles eran la banda de la casa en The Star Club. Los Beatles interpretaron esto en su audición de Parlophone Records el 6 de junio de 1962. Se utilizó como cara B de "Love Me Do", el primer lanzamiento de los Beatles en Inglaterra. Iba a ser su primer sencillo, pero Peggy Lee había lanzado una canción con el mismo título, por lo que la compañía discográfica decidió lanzar "Love Me Do" en su lugar. "Baby It's You" es otra versión de una canción de Shirelles, esta vez de los talentosos escritores de Bacharach y David, John, como de costumbre, suena completamente desesperado en la agonía del amor: sus extensos "wha-oe" después de cada verso hacen de esta una de las mejores pistas aquí por sí mismas. Con los coros acusatorios de George y Paul de "trampa, trampa" y ese momento de silencio antes de la frase del título John Lennon afirmó que “Do you want to know a secret” se le ocurrió basándose en la melodía "I'm Wishing" que su madre solía cantarle de la película de Disney Blancanieves. Al comienzo de la canción de Disney, Blancanieves les canta a las palomas: "¿Quieres saber un secreto? ¿Prometes no contarlo? Estamos junto a un pozo de los deseos". Es quizás la canción más floja de los originales compuestos por Lennon-McCartney para el álbum ya que carece de gran parte de la innovación que se ve en otras canciones. Pero sigue siendo un signo de su versatilidad, ya que es estilísticamente diferente del resto del álbum no solo porque Harrison lo canta sino por el riff de guitarra acústica y es una de las pocas canciones de los Beatles que no canta la persona que la escribió. Lennon dijo en entrevistas de 1971 y 1980 que escribió esta canción a tiempo para su boda en agosto de 1962. La mayoría de las canciones de los Beatles fueron atribuidas a Lennon/McCartney, y mientras la banda estaba junta, rara vez discutían quién escribió realmente qué canciones, por lo que era no fue hasta después de su ruptura que Lennon reveló que él era el compositor de esta canción. "A Taste Of Honey" ha sido grabado por aproximadamente 200 artistas, a nivel internacional, incluidos The Beatles, Herb Alpert & The Tijuana Brass, Barbra Streisand, Tony Bennett, Johnny Mathis, solo por nombrar algunos. Era un tema musical de una adaptación de Broadway de una obra de teatro británica, a la que finalmente un cantante le había puesto letra para una grabación. Es quizás el mayor indicio entre las portadas de que los Beatles no se limitaron a la música rock and roll tradicional. “There´s a place” fue uno de los primeros intentos de John Lennon de escribir una canción al estilo de los grupos de chicas Motown. En esta canción, Lennon canta sobre los lugares a los que viaja con su mente y es probablemente la primera canción de los Beatles que no tiene el tema chico/chica/amor. Llegamos al cierre con otra de las joyas absolutas “Twist and shout” la canción original es de un grupo de R&B de Filadelfia llamado The Top Notes y la grabó en 1961 pero cuando salto a la fama fue en 1962 siendo un éxito para The Isley Brothers, y esta es la versión en la que se basaron los Beatles. El ingeniero Norman Smith explicó cómo surgió la versión de The Beatles: "Alguien sugirió que hicieran 'Twist and Shout' con John como vocalista principal. Pero en ese momento todos tenían dolor de garganta; habían pasado 12 horas desde que comenzamos a trabajar. John's, en particular, se había ido casi por completo, así que realmente teníamos que hacerlo bien la primera vez. John chupó un par más de Zubes (una marca de pastillas para la garganta), hizo un poco de gárgaras con leche y arrancamos la grabacion". Los Beatles usaron esto para terminar muchas de sus primeras presentaciones en vivo. Mucha gente piensa que la canción se grabó una vez, una sola vez. De hecho, hicieron dos tomas y se quedaron con la primera. John estaba totalmente hecho polvo, enfermo como un perro y se había quitado la camisa porque estaba sudando a causa de la fiebre.

Please Please Me fue el nacimiento de la banda de rock más grande que ha dado la música, sino que fue el nacimiento del "rock" en oposición al "rock and roll". Con eso quiero decir que, antes de Please Please Me, el rock and roll denotaba un estilo específico de R&B, pero la marca de rock and roll que propusieron los Beatles abarcaba mucho más que solo este estilo de música, incorporó soul, pop, Motown, musicales, aparentemente todo lo que se consideraba música popular excepto folk y country. Sin embargo, los Beatles fueron sin duda una banda de rock and roll, por la forma en que tocaban y vestían. El resultado fue que, comenzando con los primeros álbumes de los Beatles y siguiendo las ideas musicales en constante expansión de ellos, los Beach Boys, Dylan, los Rolling Stones, los Kinks, los Who, los Byrds y otras bandas de rock, se unieron a ese estilo, es el nacimiento del rock como el supragénero de música Popular.

martes, 1 de febrero de 2022

0397.- Both Sides, Now - Judy Collins

0397 - Both Sides, Now - Judy Collins

Both Sides, Now es una de las canciones más conocidas de la cantautora canadiense Joni Mitchell.

Grabada por primera vez por la artista Judy Collins, su singles producido en los Estados Unidos fue lanzado durante el año 1968, y al año siguiente se incluyó en un álbum de Mitchell Clouds. 

Desde entonces ha sido grabada por decenas de artistas, como Frank Sinatra, Glen Campbell, Willie Nelson, Gang of Youths, Herbie Hancock y la propia Mitchell, que volvió a grabar la canción con un arreglo orquestal en su álbum de 2000 Both Sides Now. Bob Dylan interpretó la canción a dúo con Mitchell cuando apareció como invitado sorpresa en su concierto en Austin, Texas, en 1976.

Poco después de que Mitchell escribiera la canción, Judy Collins grabó la primera versión comercial para su álbum Wildflowers de 1967. 

En octubre de 1968, la misma versión se lanzó como single, alcanzando el número 8 en las listas de singles de Estados Unidos. A principios de 1969 ganó un premio Grammy a la mejor interpretación folclórica El disco alcanzó el número 3 en la encuesta Easy Listening de Billboard y Both Sides, Now se ha convertido en una de las canciones emblemáticas de Judy Collins. A Mitchell no le gustó la grabación de la canción por parte de Judy Collins, a pesar de la publicidad que su éxito generó para la propia carrera de Mitchell La versión de Collins aparece como música de apertura de la comedia romántica de 2014 And So It Goes, y como música de final de la película de terror sobrenatural de 2018 Hereditary.  También aparece en el primer tráiler de Toy Story 4. La canción ocupa un lugar destacado en el final de la sexta temporada de la serie de televisión Mad Men, y señala un momento de anagnórisis entre Don Draper y su hija Sally.

Daniel 
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Grandes éxitos y tropiezos: Depeche Mode


Grandes éxitos y tropiezos: Depeche Mode

Depeche Mode, para mi unas de las bandas británicas de música electrónica más populares de la historia, y según los expertos son los padres de la música electrónica.

Pero como toda banda, ellos vivieron su esplendor y su ocaso a través de sus discos, por ello en esto que denominamos  Grandes éxitos y tropiezos, recorreremos algunos de los mayores éxitos de la banda y donde han tenido un tropiezo. 

Vamos a comenzar con uno de los mejores discos de la banda donde están sus mejores canciones. 

Violator es el séptimo álbum de estudio de la banda británica Depeche Mode, producido durante 1989-90 y publicado en marzo de 1990 por Mute en el Reino Unido, y Sire Records en los Estados Unidos

Todo lo aprendido en los años ochenta desembocó en la obra más completa de Depeche Mode, con 14 millones de copias vendidas, algo solo al alcance de los padres del rock electrónico. La sola enumeración de las canciones transmite la grandeza que tiene este disco. 'World in my eyes', 'Sweetest perfection', 'Personal Jesus', 'Halo', 'Waiting for the night', 'Enjoy the silence', 'Policy of truth', 'Blue dress' y 'Clean'.
Si no conoces nada de la banda este es un muy buen comienzo. 

Songs of Faith and Devotion es el octavo álbum del grupo inglés de música electrónica, Depeche Mode, producido durante 1992-93 y publicado en 1993.

No se puede dudar de la capacidad de Depeche Mode para adaptarse a unos noventa liderados por el grunge y el rock alternativo. 
De hecho, ya eran una banda de rock a estas alturas, sin perder un ápice de su opresiva oscuridad (y muy comparados con los U2 de 'Achtung Baby'). La nueva imagen de Dave Gahan, ya entregado a las adicciones y viviendo su propio infierno de estrella, apuntalaba canciones tan enormes como 'I feel you', 'Walking in my shoes', 'In your room', 'Mercy in you' y el gospel 'Condemnation'. 
Este su siguiente álbum es como una continuación de Violator. 

Black Celebration es el quinto álbum del grupo inglés de música electrónica, Depeche Mode (David Gahan, Andrew Fletcher, Martin Gore, Alan Wilder), producido durante 1985-86 y publicado en 1986.

Al menos cuatro canciones de 'Black celebration' siguen excitando a las masas treinta años después. Hablamos de 'Stripped', 'A question of time', 'A question of lust' y el tema titular repleto de oscura espiritualidad cercana al gospel. Además, el grupo encontró su imagen perfecta gracias a las fotografías en blanco y negro de Anton Corbijn, colaborador fijo desde entonces.
Aunque anterior a los otros dos álbumes, ya se veía el éxito, por ello si quieres conocer a esta banda de música electrónica, con sólo estos tres álbumes podrán conocerlos perfectamente. 

Delta Machine es el tredécimo álbum del grupo inglés de música electrónica Depeche Mode (Andrew Fletcher, David Gahan, Martin Gore), producido durante 2012-13 y publicado en 2013.

No es el mejor de los álbumes de la banda por todo lo hecho durante años, se podría decir que contiene todo lo que se puede esperar de Depeche Mode a estas alturas pero palidecen al ser comparadas con su propio legado. Pero sus conciertos son ceremonias de nostalgia de los años de esplendor. Y son álbumes que sólo muestran o marcan una época. 

Depeche Mode, unas de las banda más importante de su de género y la cual ha alcanzado el máximo explendor el cual hemos dejado demostrado en estos cuatro álbumes, aunque el último de ellos no lo consideremos un éxito, pero de los fracasos también se aprende

Pero bueno esto es una mera percepción de un servidor, están en todo su derecho de opinar.  

Daniel 
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lunes, 31 de enero de 2022

0396.- Strange Days - The Doors

 

Strange Days, The Doors


     El 27 de septiembre de 1967 se publica, bajo el sello discográfico Elektra Records, el segundo album de estudio del grupo The Doors, Strange Days. El disco es grabado entre mayo y agosto de 1967 en los estudios Sunset Sound Recorders de Hollywood, California, bajo la producción del destacado productor estadounidense Paul A. Rothchild. El Disco alcanzó el puesto número 3 en la famosa lista de ventas estaounidense Billboard 200.

Dentro de este álbum, que abarca géneros que van desde el rock psicodélico, pasando por el acid rock y hasta el pop psicodélico, se encuentra el tema que da título al álbum, Strange Days. Para la grabación de esta canción, la voz de Jim Morrison fue procesada utilizando un sintetizador Moog, el cual fue conectado con la ayuda de Paul Beaver, pionero en el uso de este instrumento. El ingeniero del grupo en aquel momento, Bruce Botnik, que participó en el proceso, relataba como lo hicieron, "crearon una envolvente en la que podían enviar la pista de Morrison para que pudiera tocar cualquier nota en el teclado y éste procesara su voz. Luego Botnik agregó un poco de retardo y pasó todo a una repetición de cinta infinita".

Sobre la temática de la canción, el crítico de Allmusic Tom maginnis afirmaba que esta es una reflexión donde Morrison habla sobre el estado de la cultura juvenil hippie emergente en aquél momento, y como eran percibidos entonces por la sociedad dominante del momento. Según John Densmore en el libro The Doors: Unhinged, Morrison decía que se estaba destruyendo la antigua y artesanal forma de hacer música, y que deberían encontrar otro lugar. Para escribir Strange Days el grupo, al parecer, se inspiró en una visita que habían realizado a la ciudad de Nueva York.

Thin Lizzy: El final del Mes Thin Lizzy

Thin Lizzy




     Mis primeros recuerdos de Thin lizzy vienen de mi infancia, una infancia donde descubrí a mi primer gran amor musical, Gary Moore. Mi afán por conseguir todo material del guitarrista de Belfast me llevó con tiempo, esfuerzo  y dedicación (ya que por entonces no teníamos las facilidades de búsquedas e información a un sólo clic de Internet) a descubrir que habia formado parte de un grupo llamado Thin Lizzy y que incluso había grabado un disco con dicha banda. Con aquella información me fuí con la determinación del pirata que acaba de encontrar un tesoro a la busqueda de aquel disco donde había participado, un disco titulado Black Rose. Así me planté en la acogedora tienda de discos llamada Discos Lennon, ubicada en la C/ San José de Calasanz en Getafe, el lugar donde me crié. Todavía recuerdo vagamente la figura del dueño, curtido en mil batallas musicales, y cómo al preguntarle por aquel disco de Thin Lizzy fue a uno de los múltiples expositores y sacó el vinilo de Black Rose

Con la ilusión de un niño con zapatos nuevos fuí corrienddo a casa para poder escucharlo en el flamante equipo de música que con mucho esfuerzo mis padres me habían comprado. Una vez en casa me puse cómodo, me senté frente al equipo de música y procedí a disfrutar del ritual que suponía comprar un vinilo nuevo, un proceso que comenzó por sacarlo de aquella bolsa amarilla de la tienda donde en uno de los lados tenía impresa la cara de los cuatro músicos de Liverpool. Lo primero que me llamó la antención del vinilo fue la portada, que estaba ocupada por entero por una rosa negra, y en la parte inferior derecha venía la firma de su creador Jim Fitzpatrick. ¿Cómo podía ser que el disco se llamara Black Rose si la rosa de la portada era morada? Con el tiempo descubrí que debido a su especiales características, las rosas negras únicamente crecen en una parte el mundo de forma natural, ubicada en Turquía, en el distrito de Halfeti, perteneciente a la provincia de Şanlıurfa. El secreto está en el PH del agua que hay allí, y sólo adquieren el color negro durante el verano, el resto del año presentan un color rojo oscuro / morado. En la contraportada, también diseñada por Jim Fitzpatirck, en el interior de la rosa negra estaban dibujados la imagen de los cuatro músicos del grupo: Gary Moore, Scott Groham, Phil Lynott y Brian Downey.



Inmediatamente después del ritual de disfrutar de la portada y contraportada saqué el vinilo y me dispuse a ponerlo en le tocadiscos. El disco lo compré porque en él figuraba Gary Moore, y en aquella primera escucha no me pude llevar un chasco más grande, el disco no era un compendio de sólos y virtuosismo del guitarrista irlandés. Me encontré con un compendio de temazos donde Gary era sólo una de esa partes perfectamente compenetradas y engranadas. Fue amor a primera vista, ese mítico sonido de guitarras gemelas unido a esas historias que Lynott relataba con maestría y que tuvieron su punto culminante en Roisin Dubh (A rock Legend). Ese día empezó mi relación con una banda que acabaría acompañándome por siempre, ya que a día de hoy lo sigue haciendo. 

Cuando surgió la idea de dedicarle este mes de enero a la formación irlandesa me invadió nuevamente aquella sensación de antaño, la ilusión de aquel chiquillo que fue a la caza de un tesoro y que se llevó algo mucho más grande: descubrir a Thin Lizzy. Durante este mes hemos podido compartir con vosotros la historia del grupo contada a través de sus discos, desde sus inicios, donde un chiquillo irlandés de color demostró, además de un gran compositor, ser también una gran poeta y contador de historias. Lynott, acompañado de su inseparable amigo de la escuela, el baterista Brian Downey, y el guitarrista Eric Bell, iniciaba en 1969 la fulgurante carrer de una banda que sería de las primeras en lograr abrirse paso fuera de las fronteras irlandesas y marcar el camino a seguir por las que llegarían después. 



Thin Lizzy
era una de las bandas más peligrosas del planeta, no todo el mundo podía tocar en ella, tenías que estar preparado para lo bueno y lo malo. La banda consiguió un estilo propio, en directo eran de lo mejorcito del panorama rockero, una apisonadora, y su indiscutible líder, Phil lynott se erigió como uno de los mejores compositores que ha dado la historia del rock. Pero para pertenecer a Thin Lizzy también debías estar preparado para lidiar con el alcohol y las drogas. Thin Lizzy era una banda arrolladora dentro y fuera del escenario, y en 1983, sus componentes, extenuados por vivir siempre al límite dirían basta. Tan sólo tres años después de la disolución de la banda, el 4 de enero de 1986, nos dejaría su líder Phil Lynott. Pero con apenas 36 años, Lynott y sus Thin Lizzy habían dejado su impronta, quedaría para la historia su enorme legado musical, siendo nombrada como una gran influencia por artistas de la talla de Alice in Chains, Def leppard, Creed, Bruce Dickinson, Creed, Blondie, Guns & Roses, y tantos otros. En España Los Suaves siempre se declararon abiertamente grandes admiradores del grupo y de Phil Lynott.

Cuando inicié allá por el año 2018 esta aventura musical de 7dias7notas junto a mis queridos amigos Chema, Nevermind y Storyboy, y me dieron la oportunidad de estrenar el blog con la publicación del primer disco recomendado tuve claro que debía ser aquel tesoro que descubrí en aquella tienda de discos y que me abrió las puertas a esta magnífica banda. Un disco cuya rosa negra de la portada llevo tatuada en mi pecho, pues simboliza mi pasión y admiración por este noble arte llamado música.

domingo, 30 de enero de 2022

0395.- Love Me Two Times - The Doors

0395 Love Me Two Times - The Doors 

Love Me Two Times es una canción del grupo de rock estadounidense The Doors. Fue editada por primera vez en su segundo álbum de estudio, Strange Days, y posteriormente se editó con una duración de 2:37 y se publicó como segundo sencillo después de haber editado  People Are Strange de ese álbum. El sencillo alcanzó el número 25 en las listas de éxitos de Estados Unidos.

La canción Love Me Two Times se consideró un poco atrevida para su emisión en la radio, y fue prohibida en New Haven por ser demasiado controvertida, para consternación de la banda, The Doors tiene más de una canción cemsura para la época. 

Al igual que con las demás canciones de Strange Days, en las notas del álbum los autores son The Doors, al igual que en el single Love Me Two Times; la organización de derechos de ejecución ASCAP indica que los autores son los miembros individuales de The Doors.

Love Me Two Times incorpora elementos de la música barroca y ha sido clasificada como una canción de pop y de blues El guitarrista Robby Krieger declaró a Alan Paul, de Guitar World, que la idea musical de la canción procedía de un lick de una de las composiciones de Danny Kalb. El teclista de The Doors, Ray Manzarek, tocó la versión final de esta canción en un clavicordio. Ray Manzarek describió el instrumento como "un instrumento muy elegante que normalmente no se asocia con el rock and roll".

Daniel 
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Thin Lizzy: Thunder and Lightning (Mes Thin Lizzy)

 






"Renegade" fue el undécimo álbum de estudio de la banda de rock irlandesa Thin Lizzy y no tuvo mucho éxito y el estilo de vida comenzó a afectar a la banda: Brian Downey fue noqueado en un bar danés y en varios miembros del grupo el problema de las drogas empeoró lo que influia enormemente en su música y aunque lucharon por encontrar nuevas ideas, Snowy White decidió dejar la banda, sin duda era un tipo muy talentoso pero no era el hombre indicado para tocar la guitarra en una de las bandas más ruidosas y peligrosas del planeta, Thin Lizzy. Los problemas de Scott Gorham y Phil Lynott con las drogas no parecían que fueran a disiparse, por lo que Gorham sugirió tomarse un descanso, pero la gerencia insistió en que la banda debería grabar un álbum más y tocar una gira más antes de tomar un descanso, tanto Lynott como Gorham estuvieron de acuerdo a pesar de estar no estar 100% convencido de esta idea, en ese momento Thin Lizzy estaba casi muerto, el guía espiritual de la banda Phil Lynott lo sabía, pero ese gran espíritu decidio no dejar morir a la banda, y trataron de darle un último empujón, reclutando al joven guitarrista John Sykes para su concierto, la banda comenzó a grabar un álbum de estudio final, saliendo en gira, para luego cancelarlo. No sé si fue la ira que brotaba dentro de la banda debido a su falta de ganas de seguir delante, o si la mera infusión de sangre nueva simplemente prendió la mecha, pero Thunder And Lightning es un poderoso album de metal, más fuerte que cualquier cosa que se les haya ocurrido en la memoria reciente (con la excepción de algunos cortes de Black Rose), es una excursión sin tonterías a grandes canciones, interpretaciones apasionadas y tal vez, solo tal vez, la mejor colección de clásicos de Lizzy hasta ahora. Si has estado siguiendo la historia hasta ahora, entenderás que no sería poca cosa para una banda con un catálogo tan aplastante.

  


Thunder and Lightning despega como el transbordador espacial, haciendo temblar tu boca y golpeando tus tímpanos con su entrega de alta velocidad y lírica frenética, no es innovador, pero ¿a quién diablos le importa? su furia te derribará, algo a lo que no estábamos acostumbrados al desvirgar un disco de los irlandeses, y ya vemos desde el principio que esto va a ser distinto… muy distinto. This is the One es otro tema con un ritmo colosal, un estribillo muy característico y un duelo de guitarras estratosférico. Llegamos a una balada espeluznante y líricamente inquietante The Sun Goes Down (nadie podría escribir letras sin esperanza con el mismo tipo de optimismo condenado que el gran Lynott) tiene un brillo metálico moderno, huele a gran canción y para ser una balada encontramos la mayor cantidad de energía que jamás se haya contenido en un trozo de vinilo de Thin Lizzy, muchas veces, a las buenas bandas les pasan cosas malas, estamos ante el típico tema de Lynott que te arranca una sonrisa seguida de una lágrima, pues hasta el final de sus días, y por mucho que estuviera ahogado en vicios y problemas, conservó siempre ese lado de niño grande que en realidad solo quería divertirse sin hacer daño a los demás. 

La grisácea Holy War cuenta con un riff pausado tremendamente original, con las guitarras girando como un molinillo sobre sí mismas, y un Phil que canta como abatido, con un tono ya imposible de disimular de desesperanza y cansancio. Te taladrara el metal de alta tecnología de Cold Sweat, en el que Sykes muestra exactamente por qué está aquí, escupiendo metralla de cuerdas pirotécnicas a cada paso, también ayuda la letra inteligente de Lynott y un riff que incrusta una calavera. Someday She Is Going To Hit Back juega con riffs progresivos/jazzy entregados bajo la presión del metal, y la verdad que queda de lujo, un esquema típicamente Lizzy, pero que, con la inclusión de los solos de Gorham-Wharton-Sykes (por ese orden) en él, le dan otra dimensión, más metálica. Baby Please Don´t Go, con la enésima exhibición de onanismo guitarrero del bueno y un crescendo de locura en la mitad, nos llevarán de nuevo al terreno por el que la banda es más recordada: El Hard de infinita calidad. Y aunque Bad Habits es un buen número en sí mismo, parece poca cosa en comparación con los otros lamentos de drogas anteriores del hombre ("It's Getting Dangerous", "Got To Give It Up"). Heart Attack te envenena con suficiente furia y dureza para compensar ese ligero paso atrás anterior.


 

Y a veces, a los grandes músicos les pasan cosas malas. Tras la muerte de Lizzy, Phil Lynott descendería aún más a la adicción a la heroína, en medio de los esfuerzos para grabar en solitario y formar una nueva banda (Grand Slam). Pero su dedicación a la autodestrucción fue demasiado para su corazón de poeta, y el 4 de enero de 1986 murió en un hospital en Dublín, Irlanda, con su madre Philomena Lynott a su lado prometiendo ayudarlo a dejar las drogas, la heroína, mezclada con los miles de litros de alcohol ingeridos a lo largo de su vida, llevaron a la tumba al inimitable Phil Lynott, un tipo como Ted Nugent reaccionó con furia contra él, ganándose el desprecio de miles de fans y de unos cuantos críticos, pero no de Philomena, la madre de Phil, que entendía que la Bestia de Detroit estaba lamentándose en voz alta por la pérdida de un talento tan enorme, que no se había sabido cuidar, ni encontrar un equilibrio en su vida, tenía 36 años…. Y había escrito su propia leyenda para la eternidad.