Funkadelic - Cosmic Slop (Mes Funkadelic)

 

Lo primero que nos llama la atención al escuchar Cosmic Slop no es que el Funk sea menos palpable, a veces incluso trasciende lanzamientos anteriores, pero lo primero que nos salta es que aquí hay indicios de que el grupo quería hacer las cosas un poco diferentes. Esto es más evidente en 'March To The Witch's Castle', un viaje a la tierra prometida bellamente orquestado, asombrosamente simple y, sin embargo, evidentemente poderoso. Es como 'Maggot Brain' improvisado en seis minutos, no recortado, proporcionando suficientes giros interesantes a pesar de seguir hurgando en una línea de batería de marcha. En otros lugares se centran más en el Evangelio glorificado que mancha debajo de un puñado de sus huellas. 'The Broken Heart' y 'Can't Stand The Strain' hacen esto, con múltiples partes vocales cantando una debajo de la otra, aportando algunos elementos country desafinados que brindan una gran perspectiva y un sonido maravilloso. Cosmic Slop se puede resumir como la paradoja definitiva del canon Funkadelic, si bien la banda suena aquí más limpia que nunca, el material del tema es decididamente extraño. Otra de las características es que el álbum con la formacion más "pequeña" de la banda, después del elenco de miles de personas que aparecieron en 'America Eats Its Young', la formación aquí se limita a dos guitarristas, un bajista, un baterista y un teclista, sin lujos adicionales, salvo un arreglo de cuerdas ideado por Bernie Worrell en la hermosa balada "This Broken Heart", estamos con diferencia, ante el álbum más esquizofrénico de su discografía, ya que el R&B generalmente "seguro" (aunque empapado de una capa ácida) se yuxtapone con rugientes excursiones de funk y rock.

 

El disco comienza con "Nappy Dugout", donde se presenta al baterista original de Funkadelic, Tiki Fulwood, como invitado, y su típico estilo de ejecución de asalto funk frontal establece un ritmo inmortal aquí. En los primeros 30 segundos de esta canción, entendemos que se trata de algo nuevo, es un ritmo al estilo Meters, justo cuando el riff comienza a volverse aburrido, aprecias las complejidades, como el ritmo del bongo, luego entra un trino de armónica e introduce una nueva sensación, George no puede evitar agregar sonidos de bocinas de autos viejos para equivocarse un poco y mantener al oyente consciente del hecho de que este es el mismo George Clinton que estaba detrás de todos los clásicos. Las voces de esta canción no deben pasarse por alto. Aunque solo constan de tres palabras, "Eyyyy Nappy Dugout", se usan de tal manera que realmente añaden valor a la canción, y no solo la hacen exagerada. "You Can't Miss What You Can't Measure" es una interpretación modificada de la antigua canción de Parliaments "Heart Trouble", una improvisación de R&B tipo Motown-by-way-of-Saturn llevada por un delicioso riff de guitarra en capas, está subiendo una escalera, cuando llegas a lo alto de esa escalera, abres una puerta y entras a un grupo. Esta fiesta la organiza nada menos que el loco George Clinton, así que sabes que has venido al lugar correcto. Al entrar a la fiesta, te asalta el jolgorio, como una armonía vocal de tres partes sobre un ritmo impenetrable de batería y bajo. Mientras deambulas por la habitación encuentras puertas, al abrir cada puerta liberas a un nuevo cantante, en una puerta se esconde Gary Shider, en the Brides of Funkenstein. Después de haber liberado a todos los cantantes a la fiesta, te relajas y admiras la hermosa orquestación de estos increíbles talentos por parte de George Clinton. Las cosas se vuelven inquietantes con la espeluznante "March to the Witch's Castle", un ritmo oscuro, inquietante y lento que trata sobre la "pesadilla del reajuste" que afectó a muchos veteranos de Vietnam que regresaban a casa en esa época. La voz principal de bajo profundo de Ray Davis, que aquí suena como un predicador siniestro, convierte este inquietante paisaje sonoro musical en un terrible sermón sobre la locura de la guerra, escuchas a George predicar sus caminos pacíficos junto a la excelente guitarra de Eddie Hazel que establece un tono muy apropiado para la canción. Continua con “Let's Make It Last” donde el arreglo musical se inclina más hacia la vibra psico-rockera del estribillo, aunque esta canción conceptualmente no tiene relación con su predecesora, es una gran canción por derecho propio, tiene un ritmo como ningún otro, y la voz de Gary Shider en esta canción es simplemente increíble, sus impresionantes falsetes simplemente perfeccionan la canción y el tono wah característico de Eddie devuelve el rock a Funkadelic.

 

"Cosmic Slop" es lo más destacado de este disco, es simplemente una pieza musical increíble, nos sumerge en una atmósfera de pesadilla mientras Garry Shider canta la historia de una mujer del gueto obligada a prostituirse para mantener a sus hijos. Presentada sobre un ritmo funk duro y plagada de arrebatos espásticos en la guitarra, esta está lejos de ser una canción con mensaje sensiblero. Es una dura realidad de la vida ambientada en un ritmo macabro de funk-rock. Déjate hipnotizar por los gemidos de la guitarra de Eddie y una fascinante sección de percusión. “No Compute” ¿Qué es esto?, esto no es funk, esto no es rock, esto es... ¡esto es bueno! Vaya, lo que me doy cuenta es que George entiende que hemos escuchado suficiente funk rock y suficientes epopeyas hipnotizantes, así que nos ofrece algo completamente diferente donde nos relata el débil intento de un hombre por lograr el placer sexual. “This Broken Heart” es otra ruptura del asalto funk-rock que estamos acostumbrados a escuchar. Escucho mucha influencia de los Beatles en esta canción y George no estaría en desacuerdo. Esta canción tiene un gran estribillo que realmente hace que la canción se sienta completa, y no solo cabos sueltos atados. Tiene una gran parte de batería que se vuelve más importante más adelante en la canción. Una vez más, esta canción no es demasiado larga, realmente cuenta una historia completa y tiene un final satisfactorio. Otro gran pico en el disco es este “Thrash-a-Go Go” una vuelta con la habitual explosión de funk-rock que estamos acostumbrados a escuchar. En esta canción tenemos a George Clinton en la voz y Eddie Hazel en la guitarra, además de quien tocaba la pandereta. George raspa y canta con toda su capacidad, mientras Eddie gime y baila con otro gran solo. Esta canción sentó las bases para canciones como "Get Off Your Ass And Jam" y otros rockeros dinámicos. “Can't Stand the Strain” es muy extraña, quizás un epilogo no a la altura, pensé: "¿Qué es esto? ¿Fleetwood Mac?" Luego escuché a the Brides of Funkenstein formar equipo con Shider y Clinton para lograr excelencia vocal con grandes armonías y a George gritar "Este viejo corazón no puede soportar la tensión", supe que esta canción era realmente un clásico.

Un álbum fantástico, a veces divertido y funky, a veces completamente oscuro y sucio... Puro Funkadelic. También apareció la primera portada diseñada por Pedro Bell, el maestro de las palabras y los marcadores mágicos, cuyos extraños paisajes aparecerían en muchas portadas posteriores. Un álbum conciso, con muy pocos músicos involucrados y una lista de canciones bastante corta, con este disco, vemos una nueva cara de Funkadelic, un Funkadelic más ajustado y completo, con menos cabos sueltos y combinaciones y capas más sofisticadas. Esto no quiere decir que Funkadelic estuviera perdiendo originalidad, no, para nada. De hecho, Funkadelic, aunque lo mantuvo todo junto, realmente superó los límites con este disco. Después de todo, ¿qué tenían que perder?

0985 - Nino Bravo - Libre

0988 - Nino Bravo - Libre

Nino Bravo, un icónico cantante español de la década de 1970, dejó una huella imborrable en la música hispana con su emotiva interpretación de la canción "Libre". Esta emblemática pieza musical, lanzada en 1972 como parte de su álbum del mismo nombre, captura la esencia de la libertad y el anhelo de un futuro prometedor.

"Libre" se destaca por la emotividad de la voz de Nino Bravo y su habilidad para transmitir sentimientos profundos. La canción comienza de manera suave y apacible, pero rápidamente cobra fuerza a medida que Nino Bravo va plasmando su pasión y compromiso en cada verso. La letra, escrita por José Luis Armenteros y música compuesta por José Luis Navarro, se convierte en una oda a la libertad personal y la superación de obstáculos.

La canción aborda temas universales como el deseo de escapar de las limitaciones y las cadenas que nos atan. La voz apasionada de Nino Bravo canta sobre romper barreras y perseguir sueños, evocando una sensación de empoderamiento en quienes la escuchan. La lírica trasciende las barreras del tiempo y del idioma, resonando con personas de diferentes generaciones y culturas.

El legado de "Libre" va más allá de su éxito en las listas de éxitos. La canción se ha convertido en un himno de inspiración y valentía, recordándonos que cada uno tiene el poder de forjar su propio destino. El estilo distintivo de Nino Bravo, que combina pasión y melancolía, infunde a la canción una autenticidad que sigue siendo conmovedora décadas después de su lanzamiento.

Trágicamente, la carrera de Nino Bravo fue interrumpida por su prematura muerte en un accidente automovilístico en 1973. Sin embargo, su legado perdura en sus canciones, especialmente en "Libre", que continúa tocando los corazones y las almas de quienes la escuchan. La canción ha sido versionada por numerosos artistas a lo largo de los años, lo que atestigua su impacto duradero en la música popular.

En resumen, "Libre" de Nino Bravo es mucho más que una simple canción; es un himno intemporal a la libertad y la determinación. La emotiva interpretación de Nino Bravo y la profundidad de la letra hacen que la canción sea una pieza inolvidable en la historia de la música en español, y su mensaje resuena en cada nota, recordándonos la importancia de perseguir nuestros sueños con pasión y coraje.

Daniel 

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0984.- Rubber Band - The Waterson

Originalmente, The Waterson eran los hermanos Norma, Michael (Mike) y Elaine (Lal) Waterson, con su primo segundo John Harrison. Provienen de Hull y los tres, que quedaron huérfanos desde temprano, fueron criados por su abuela, una comerciante de segunda mano. Son en parte de ascendencia gitana irlandesa. Como miles de personas, llegaron a las canciones populares gracias a un interés temprano por el jazz y el skiffle. Formaron un grupo llamado The Mariners y tocaron un rato en una cafetería. Luego, a medida que su estilo se volvió cada vez menos "emergente", más serio, decidieron iniciar un club de canciones folklóricas que se hacían llamar The Folksons antes de finalmente usar su apellido. Tenían un amplio repertorio, pero su interés permanente estaba en las canciones y costumbres de su East Yorkshire natal. La primera grabación de los Waterson fue para el sampler de Topic Records New Voices y su primer álbum, Frost and Fire , ambos de 1965. De la misma época es la película de Derrick Knights Travelling for a Living. Después de dos discos más en 1966, The Watersons y A Yorkshire Garland , Johh Harrison dejó el grupo ese mismo año y se mudó a Londres. Los Waterson se separaron en 1968, Norma se fue a trabajar como DJ en una estación de radio en las Indias Occidentales y se reunieron nuevamente cuatro años después. John es reemplazado primero por Bernie Vickers y luego por Martin Carthy, quien se unió a los Watersons reformados en 1972 y asumió un compromiso familiar permanente al casarse con Norma ese mismo año.

Mientras tanto, Mike y Lal se dedicaron a escribir canciones contemporáneas, que fueron grabadas por Bill Leader para el notable álbum Bright Phoebus (1972) con un montón de los mejores músicos de la escena folk inglesa. Inspirados por el resurgimiento del folk, llevaron su estilo de armonización con fuerza de chorro de arena hacia el sur, y su repertorio de canciones tradicionales de su Yorkshire natal demostró ser todo un éxito en las salas situadas encima de los pubs. Sin embargo, la vida como cantantes profesionales pronto se convirtió en un fastidio, y en 1968 dieron por terminado su carrera, Norma se fue al extranjero con su prometido. De vuelta en Humberside y algo desamparados, los Waterson más jóvenes sintieron una llamada musical, las visitas regulares a la hora del almuerzo del pintor y decorador Mike adquirieron una nueva intensidad cuando se dieron cuenta de que ambos estaban escribiendo canciones, algo que ninguno de los dos habría tolerado en sus días en el circuito folklórico. Mike era una mezcla idiosincrásica de rockabilly y music hall; Lal gótico acústico avinagrado y de bordes irregulares. Cuando el futuro Sr. Norma Waterson, Martin Carthy , los escuchó por primera vez, quedó impresionado. Cuando su compañera de banda Steeleye Span, Ashley Hutchings pudo escucharlos, rápidamente reunió un conjunto para ayudar a darles forma en un disco, involucrando a Carthy y a sus compañeros ex alumnos de la Fairport Convection, Richard Thompson y Dave Mattacks. Grabado durante una semana en un sótano de Cecil Sharp House , hogar de los padres tradicionales de la English Folk Dance And Song Society, representó un alejamiento abrupto de todo lo que los Waterson habían hecho.

En su lanzamiento, Bright Phoebus resultó no ser lo suficientemente folk para el público incondicional del folk, que se resistió a su distintiva composición original, a pesar de que la música sigue siendo marcadamente de raíces en su mayor parte. Mientras tanto, los oyentes convencionales pueden haber esperado erróneamente que estos 12 temas se ajustaran a los modelos intransigentemente reacios al cambio de la música tradicional gracias al pedigrí de sus autores como miembros de una de las bandas familiares folk predominantes de Gran Bretaña, The Watersons. Para ser justos, el alegre baile del abridor "Rubber Band" bien podría estar diseñado para asustar a los oyentes casuales reacios al folk; El canto salpicado de cerveza de la canción alcanza niveles de alegría que coinciden con el trío ficticio permanentemente optimista The Folksmen en la brillante sátira folk revival A Mighty Wind. Sin embargo, tan pronto como el ritmo baja y la alegría brillantemente iluminada se convierte en baladas sombrías, el album Bright Phoebus acumula una atracción irresistible e hipnótica. Una vez que dejamos de preocuparnos sobre si las canciones fueron escritas en el siglo XVII o en la década de 1970, el álbum sobresale como escaparate de dos notables talentos compositores que finalmente encontraron una salida para su propio material fuera de las reglas a menudo rígidas del circuito folk.

0983.- Whiskey In The Jar - Thin Lizzy

 

Whiskey In The Jar, Thin Lizzy

     Whisky in the Jar es una canción tradicional irlandesa ambientada en las montañas del sur de Irlanda, la cual menciona además específicamente los condados de Cork y Kerry. Esta canción tradicional relata la historia de un bandolero que después de robar a un funcionario militar es traicionado por una mujer, la cual no queda claro si es su novia o su esposa. Versiones posteriores de la canción sitúan la acción en otros condados además de los citados kerry y Cork. También hay quien ha situado el relato en el sur de Estados Unidos, en las montañas Ozarks o en los Apalaches, probablemente debido al asentamiento de irlandeses que existían en ambos lugares. Los nombres de los protagonistas de la versión también son cambiantes, así como los detalles de la traición.

La canción cobró mucha importancia cuando la banda irlandesa de folk The Dubliners la interpretó por primera vez, llegando a grabarla en tres álbumes en la década de los años 60. En Estados Unidos sería el grupo The Highwaymen quien la graba por primera vez, concretamente en 1962. Muy famosas son las versiones que realizarían más tarde The Pogues en 1990, Brian Adms en 2019, o Metallica en 1998, cuya versión les llevó a conseguir un premio Grammy en el año 2000.

De todas estas versiones destaca quizás una por encima de las demás, la realizada en 1973 por el grupo irlandés Thin Lizzy, liderado por Phil Lynott. La importancia de la versión de este grupo radica en que la matoría de las versiones posteriores son realizadas bajo los estándares empleados por el grupo de Phil Lynott. 

En 1973 Thin Lizzy saca su tercer álbum de estudio, Vagabonds of the Western World, disco que supone el último grabado por Eric Bell, y cuya portada es la primera elaborada por el artista irlandés Jim Fitzpatrick, quien realizará pra el grupo unas cuantas más posteriormente. Curiosamente en este disco no aparece incluida Whiskey in the Jar, la cual fue incluida en la reedición posterior de este disco para formato CD del año 1991. 

La explicación de que no aparezca este gran éxito del grupo en ningún álbum en aquel momento es muy simple. La canción era un tema que el grupo solía tocar entre bastidores durante las giras de conciertos, por lo que son animados para que la graben, algo con lo que la banda no estaba muy de acuerdo, pues Phil Lynott consideraba Thin Lizzy una banda de rock, no de folk. Originalmente esta canción estaba destinada a salir como single ocupando la cara B, pues para la cara A habían grabado Black Boys On The Corner, la cual aparece en el segundo álbum de estudio del grupo, Shades of a Blue Orphanage. Incluyeron Whiskey in the Jar en el sencillo porque en realidad no tenían nada más que ofrecer en aquel momento. Serán los responsables de la compañía discográfica, Decca Records, quienes inviertan el orden de caras en el single, poniendo en la cara A Whiskey in the Jar, Pensaban que esta canción podría ser un potencial sencillo, no se equivocaban.

Phil Lynott no era el único miembro del grupo al que no le gustaba en demasía este tema, según Brian Downey, baterista del grupo: "En cierto modo, fue algo malo para la banda, porque nos encasilló como un grupo de folk - rock. Dimos unos pocos conciertos en el norte de Inglaterra y todo el mundo acudió esperando escuchar algo de música folk. Y claro, cuando se dieron cuenta de que éramos una banda de rock directo y conciso, muchos de ellos se acabaron marchando"... "Así que este hit nos hizo dar unos cuantos pasos atrás. También es cierto que tampoco ayudaba que tanto Phil Lynott como Eric Bell (los otros do miembros de la banda en aquel momento) estuvieran dando conciertos por su cuenta en clubs de folk irlandeses. Eso, añadido a la creencia de que Thin Lizzy tocaba música folk, nos dejo en una mala situación". 

Esta es la explicación de por qué Phil Lynott renegaba de su primer gran éxito, pues consideraba que esta canción no representaba para nada la esencia musical de la banda ni la suya propia.

Funkadelic - America Eats Its Young (Mes Funkadelic)

El artista del mes Funkadelic y su álbum America Eats Its Young #mesFunkadelic

El álbum "America Eats Its Young" de Funkadelic es una obra maestra musical que encapsula la creatividad, la diversidad y la audacia de la banda en su máxima expresión. Lanzado en 1972, este álbum doble es un viaje emocionante a través de una variedad de géneros y temas, ofreciendo una visión única de la América de la época y desafiando las convenciones musicales establecidas.

Desde su apertura con "You Hit the Nail on the Head", el álbum establece de inmediato su tono enérgico y festivo. Esta pista presenta una mezcla electrizante de funk y rock, con guitarras ardientes y ritmos contagiosos. La voz líder y las armonías respaldadas por coros brindan un dinamismo vocal distintivo que se convierte en una característica recurrente a lo largo del álbum.

A medida que avanza, el álbum se sumerge en una variedad de temas, desde cuestiones sociales y políticas hasta exploraciones psicodélicas y experimentales. Canciones como "Biological Speculation" y "Philmore" llevan a los oyentes a un territorio sonoro más abstracto, utilizando efectos y capas de sonido para crear paisajes atmosféricos. 

Una de las joyas del álbum es "Babies Makin' Babies", que aborda temas de relación y reproducción con un ritmo contagioso y letras ingeniosas. La fusión de los elementos funk y soul en esta canción muestra la habilidad de Funkadelic para crear música que invita a moverse mientras mantiene una profundidad lírica. 

"Pussy" destaca por su atmósfera hipnótica y sus elementos electrónicos. Esta pista se adentra en un territorio más psicodélico, con efectos de sonido que evocan imágenes surreales. La voz de George Clinton guía al oyente a través de esta experiencia alucinante, donde la música y la narrativa se fusionan de manera intrigante.

En "America Eats Its Young", Funkadelic también aborda temas más serios y reflexivos. "March to the Witch's Castle" y "Miss Lucifer's Love" son ejemplos de canciones que exploran la oscuridad y la ambigüedad de la sociedad. Las letras provocativas y a veces crípticas invitan a los oyentes a interpretar y reflexionar sobre el contenido.

La diversidad instrumental es un punto fuerte en todo el álbum. Desde los impresionantes solos de guitarra hasta los interludios instrumentales, Funkadelic demuestra su destreza musical y su capacidad para fusionar una variedad de influencias. La incorporación de sintetizadores y efectos electrónicos agrega una dimensión futurista y experimental a la música, mostrando cómo la banda estaba dispuesta a ir más allá de los límites convencionales.

En última instancia, "America Eats Its Young" es un testimonio atemporal de la creatividad y la innovación de Funkadelic. A través de su mezcla única de géneros, su enfoque audaz en la experimentación y su voluntad de abordar temas sociales y políticos, la banda creó un álbum que sigue siendo relevante en la actualidad. Esta obra maestra musical refleja la América de su época y establece un estándar elevado para la música que trasciende generaciones. Con su diversidad de canciones y su riqueza artística, el álbum sigue siendo un monumento perdurable a la influencia duradera de Funkadelic en la historia de la música.

Daniel 

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0982.- Un canto a Galicia - Julio Iglesias

Un canto a Galicia es la canción con la que Julio Iglesias dio el salto internacional en 1972 ya que número uno en varios países de Europa (Bélgica, Holanda, Alemania, Francia e Italia), Hispanoamérica, norte de África y Oriente Medio, una letra (mal) traducida en un mítico restaurante coruñés, su estreno mundial el día en que Ana Belén y Víctor Manuel se conocieron, una accidentada y sudorosa grabación en la que participó Pepe Domingo Castaño y, por último, un éxito mundial que hizo preguntarse a los alemanes quién era esa guapísima chica a la que ese artista tan moreno cantaba cosas tan bonitas.

Julio decía que su padre era gallego, tenia familia en Orense, me encantan las gentes de esta tierra y me gusta Galicia y por eso les canto, como un homenaje pequeño. Cuando estrenó su canción en un festival hubo una mala traducción de una palabra, al darse cuenta volvió a repetir la actuación. Además en ese festival se encontraba el cantante Asturiano Víctor Manuel que actuó delante para que diera tiempo a retocar la canción y dió la casualidad que después metieron a una artista que estaba dando sus primeros pasos en la canción melódica... Efectivamente era Ana Belen, quien estaba representando en la ciudad una obra teatral, Sabor a miel. Mientras esto acontecía el periodista Pepe Domingo Castaño que se encontraba en el lugar, ayudó a revisar letra que le habían pasado a Julio Iglesias y descubrió algún que otro error, que juntos pudieron subsanar. Así fue como el hijo del doctor Iglesias, con un traje blanco, cerró la noche musical. Subió al escenario decidido, pero se comió el último escalón. El espectacular tropezón asustó al público, pero Julio supo recuperar la compostura. Y fue aclamado tras interpretar por primera vez su nueva canción. Aún no sabía cuántas alegrías le traería.

Un tema cantado en gallego, que la discográfica no quería publicar como cabeza de disco, iba a convertirse en uno de los mayores éxitos de la carrera de Julio Iglesias, vendiendo cuatro millones de ejemplares en toda Europa, número uno en España y bombazo de proporciones universales para este himno cargado de buenas sensaciones. Un gran trabajo publicitario en la televisión y los muchos emigrantes españoles europeos hicieron el resto. 

Disco de la semana 343.- Actually - Pet Shop Boys

Pet Shop Boys es considerado por la mayoria como el grupo de synth-pop de mas exito y calidad de todos los tiempos, sus primeros álbumes forman un gran trabajo, que sirvió como fuente de inspiración para todo el sonido comercial de los 80. Además, el dúo logró alejarse del carácter demasiado exclusivista de bandas como New Order y Orchestral Maneuvers In the Dark, apuntando a un sonido totalmente accesible que evitaba los clichés disco o las armonías superficiales que se encontraban en la música comercial europea. Su obra maestra, “Actually”, sigue siendo una creación influyente que aún entretiene al oyente que desea un sonido rítmico y armónico eficiente. “Actually” no está pensado como un álbum de dance, sino que es un trabajo artístico donde expresan miedos, pecados y la idea de conciencia. Las melodías son más oscuras, más realistas y carecen de esa exuberancia de la música de club. Neil Tennant y Chris Lowe diseñan un estilo que sorprende con temas como la promiscuidad y la ambigüedad sexual, presentando el disco muy evolucionado con respecto a lo que se escuchaba en ese momento. La música es sólo un acompañamiento para una dura descripción de la decadencia urbana, concebida en un Londres lúgubre, los ritmos rápidos contornean un nerviosismo que sobrevuela las melancólicas líneas musicales. Como toda obra innovadora de los años 80, “Actually” toca tabúes y temas intocables en esos dias, dando una descripción iconoclasta de una nueva sociedad, una declaración que evidencia la afirmación de una nueva mentalidad.

Los primeros momentos de "One More Chance" forman una introducción claustrofóbica en la ciudad de neón, los ritmos de baile se acentúan por un extraño sonido vocal que sugiere una sensación de estrangulamiento. El oyente se siente destrozado por la decadencia de la ciudad y el baile se convierte en una forma de combatir la ansiedad. Quizas gran parte debido a la colaboración con Dusty Springfield, "What Have I Done To Deserve This" es una de las canciones favoritas de los seguidores, al ser más que un dúo comercial, la canción incide en el misterio creado al principio, mostrando un romance marchito cuya amargura se ve acentuada por el estribillo repetitivo la canción subraya un sentimiento melancólico que sostiene una amalgama de estilos que forman una coherencia sorprendente, gran fusión de soul, disco e incluso rap para crear una emotiva canción de gran complejidad y arreglos majestuosos. "Shopping" es una brillante sátira del consumismo marcada por una introducción de vocoder que subraya la idea de artificialidad, nos da todo lo que amamos de la música de Pet Shop Boys: los arreglos con muchos sintetizadores, los estribillos sentimentales y el lirismo con carga social. “Rent” constituye un ejercicio de profundidad musical, lleno de emoción y pasión, fusiona el tema del amor (aunque la canción trata prácticamente sobre la prostitución de alto nivel) con el espíritu de una oscura fotografía Polaroid del Londres de los 80, disfrutamos de una impresionante línea melódica, "Rent" contornea la encantadora tristeza del hedonismo como una pintura de una escena decadente con matices edificantes. Sin una consistencia creativa, "Hit Music" es un mas decepcionante un cambio demasiado brusco despues de lal sentimental "Rent", pretende ser una sátira de la música comercial, pero rápidamente pasó de moda debido a las letras cuestionables y los aburridos arreglos.

Contrariamente a la aridez de “Hit Music”, “It Couldn’t Happen Here” amplifica emocionalmente la atmósfera misteriosa, los arreglos orquestales (dirigidos por el compositor de David Lynch, Angelo Badalamenti el creador de la banda sonora de Twin Peaks) dan resonancias majestuosas a la hermosa oscuridad de la composición, es encantadora, cálida y profundamente conmovedora, y los matices crean un paisaje nocturno de ensueño. "It's A Sin" constituye el pináculo del álbum, siendo una mezcla perfecta entre temas sociales y ritmos ardientes, la canción es un resumen del estilo de Pet Shop Boys, destacando la fuerza expresiva del synth pop. Al combinar el significado metafórico con los ritmos explosivos, la canción adquiere un poder que le da a todo el álbum una dirección definida. Sin "It's a Sin", "Actually" no sería parte de la actualidad musical actual, debido a su fuerza, el oyente toma conciencia del poder del álbum ante el que estamos. "I Want To Wake Up" crea una atmósfera lúgubre que nos traslada al pesimismo, es un ejemplo de la nueva dirección del realismo pop británico, el ambiente es deprimente y desesperanzado, aderezado de una inquietante ambigüedad. "Heart", al igual que "Hit Music", no construye un gran tema, siendo parte de las peores canciones de "Actually", se la nota demasiado anclada en la música genérica de los 80, por lo que decepciona en comparación con las otras canciones. El final, "King's Cross", representa el momento más melódico, siendo una fusión entre la melancolía, aquí." Pet Shop Boys terminan el álbum con un tono elaborado que combina los puntos más fuertes de todo el trabajo, demostrando nuevamente los picos creativos de "Actually".

A pesar de algunos tropiezos conceptuales, la importancia de "Actually" se vuelve cada vez más evidente con cada escucha. Los ritmos complejos, las composiciones empáticas y el arte lírico hacen del álbum un punto de inflexión en toda la decoración pop. Esto demuestra que la música comercial puede tener inteligencia definitiva. Romántico, accesible y caótico, "Actually" resalta las cimas conceptuales del synth-pop, siendo el lanzamiento de Pet Shop Boys el que dio la combinación más lograda entre complejidad musical y atmósfera de club. "Actually" todavía inspira y encanta, siendo una exhibición fascinante de ritmos, ideas hedonistas y composiciones emotivas. "Actually", el álbum que llevó a estos británicos a la cima, un artefacto que cruzará océanos de tiempo para sonar siempre fresco, perfecto y hermoso. Mientras tanto, estaremos mareados mientras gira, hipnotizados por la impecable dicción de Neil Tennant y por la fantasía y los precisos arreglos de Chris Lowe.

0981.- You wear it well - Rod Stewart

"You Wear It Well" fue escrita por Rod Stewart y Martin Quittenton para ser incluida en el álbum "Never a dull moment" (1972), y con la idea de crear un single que repitiera el éxito cosechado el año anterior con el gran hit "Maggie May". Quizá fruto de ese objetivo tan marcado, la canción está compuesta de acordes y arreglos muy similares a los de la ya mítica canción de Stewart, pero más allá de las posibles similitudes melódicas, estamos ante una de las canciones imprescindibles del cancionero del genial cantante británico.

En cuanto al resultado, puede decirse que cumplieron el objetivo que se habían marcado, porque "You Wear It Well". El single salió publicado el 12 de agosto de 1972, obteniendo un gran éxito internacional. Llegó al nº de las listas de ventas de singles del Reino Unido, y en Estados Unidos se quedó en un más que meritorio puesto 13 del Billboard Hot 100 chart.

Para promocionar el single, Rod Stewart interpretó "You Wear It Well" en directo en el mítico programa de la BBC "Top of the Pops", reuniendo para la ocasión a The Faces al completo, con el coautor de la canción Martin Quittenton a la guitarra clásica y Dick "Tricky Dicky" Powell tocando el violón para la ocasión.

0980.- Papa was a Rolling Stone - The Temptations

Escrita por Norman Whitfield y Barrett Strong en 1971, y originalmente publicada en single por el grupo de Motown "The Undisputed Truth" en mayo de 1972, "Papa Was a Rollin' Stone" es, sin embargo, recordada por la versión que The Temptations grabaron posteriormente y en ese mismo año, que llevaba el tema original hasta los 12 minutos de duración y que ha pasado a la historia como un clásico del soul. Mientras que la versión de "The Undisputed Truth" ha sido prácticamente olvidada, la revisión de The Temptations, incluida en su disco "All Directions" (1972) en su versión larga, y recortada a 7 minutos en la versión single, se alzó con tres premios Grammy y con el primer puesto del Billboard Hot 100 estadounidense, en lo que a la postre sería su último gran hit internacional.

"Papa Was a Rollin' Stone" comienza con un largo tramo instrumental de casi 4 minutos, y entre los tramos cantados hay espacio para que la generosa instrumentación siga abriéndose paso, con el bajo y la guitarra rítmica como instrumentos clave en la estructura rítmica de una canción irrepetible, acompañado de un piano electrónico, guitarras eléctricas y bluseras, sonidos wah-wah, un solo de trompeta y arreglos de cuerdas y palmas. Los arreglos vocales son también impresionantes, con varios cantantes (Dennis Edwards, Melvin Franklin, Richard Street y Damon Harris) alternándose a lo largo de la canción).

Tanto la intensidad de la música como la temática se alejan completamente de las baladas soul de la época. La letra es un crudo y sombrío relato sobre como se sienten los niños que nunca llegaron a conocer a su padre, y que tuvieron que crecer escuchando solo cosas malas sobre su progenitor. La referencia a los Rolling Stones no es tal, sino al significado del nombre del grupo. Un "rolling stone" es un "bala perdida" o, literalmente, una "piedra rodante" que nunca se asienta en ningún sitio.

La fuerza bruta de todos y cada uno de estos ingredientes hicieron de "Papa Was a Rollin' Stone" un auténtico monumento sonoro, que posteriormente otros artistas han intentando emular, sin llegar nunca a superar la versión de The Temptations. Especialmente reseñable es la gran versión que George Michael interpretó en directo en el Wembley Arena, que posteriormente remezcló en estudio, fusionándola con una versión de "Killer"de Adamsky, dándole otra vuelta de tuerca a una canción que no para de crecer y que parece no querer detenerse nunca, como si de una "piedra rodante" se tratase.

Funkadelic - Free Your Mind and Your Ass Will Follow (Mes Funkadelic)

La mejor manera de describir Free Your Mind... and Your Ass Will Follow ("Libera tu mente, y tu culo la seguirá"), la segunda entrega del imprevisible funk rock de Funkadelic, es haciendo referencia a un comentario de su líder George Clinton, que describió la grabación del disco en los United Sound Studios, Audio Graphic Services, and G-M Recording Studios de Detroit como "un intento de ver si eramos capaces de crear un álbum completo bajo los efectos del ácido".

El disco comienza con "Free Your Mind and Your Ass Will Follow", la larga pieza que da título al disco, que ocupa prácticamente un tercio de la duración del mismo, y en la que George Clinton y compañía combinan letras cargadas de subversivas referencias a la salvación del mundo a través de la liberación de la mente, con una instrumentación recargada de feedback y distorsión. En ésta y otras canciones, como "Eulogy and Light", utilizan para las letras conceptos cristianos que envuelven y distorsionan hasta convertirlos en lisérgicos y satíricos mensajes.

La canción titular y los cinco minutos de "Friday Night, August 14th" componen la totalidad de la cara A de un disco tan interesante como, en ocasiones, musicalmente caótico y confuso, que tiene en "Funky Dollar Bill", la canción que abre la segunda cara, uno de los momentos más apreciables del mismo. A partir de aquí, y sin abandonar la línea lisérgica y enloquecida de toda la obra, es difícil encontrar canciones que bajen del notable. Temas como "I Wanna Know If It's Good to You?", que fue la elegida como single promocional del álbum y llegó hasta el nº 82 en las listas de ventas de singles, "Some more" o la ya mencionada "Eulogy and Light", que ejerce de gran broche final, conforman un magnífico álbum de funk sucio con un espectacular despliegue de irreverentes e inesperados efectos de sonido marca de la factoría Clinton.

 

Publicado en Julio de 1970 por la discográfica Westbound Records, Free Your Mind... and Your Ass Will Follow llegó al puesto 92 en las listas de ventas estadounidenses, quizá una posición discreta pero la mejor que había alcanzado el grupo hasta entonces, y un récord que mantuvieron hasta el pelotazo definitivo de One Nation Under a Groove en 1978, un disco que también reseñaremos aquí en 7dias7notas.net, dentro del apetecible y extravagante #MesFunkadelic.

0979.- It Never Rains In Southern California - Albert Hammond

 

It Never Rins In Southern California, Albert Hammond

It Never Rains In Southern Califonia fue el álbum debut del cantante, compositor y productor discográfico británico Albert Hammond. Este disco fue producido por el mismo artista y por Don Altfeld, contó con arreglos del cantautor, arreglista, teclista y productor estadounidense Michael Ormatian, y fue publicado el 21 de octubre de 1972 bajo el sello discográfico Mums Records. Este trabajo llegó a alcanzar un meritorio lugar en las listas de ventas estadounidenses, concretamente el número 77 en la lista Billboard 200.

Incluido en este álbum e encuentra la canción que da título al mismo, It Never Rains In Southern California, escrita y compuesta por el cantautor y compositor británico Mike Hazlewood y por el propio Albert Hammond. La canción fue publicada como sencillo de promoción del álbum ocupando la cara A, siendo acompañada en la cara B por Anyone Here in the Audience, también incluida en el álbum.

La canción cuenta en primera persona la lucha de un aspirante a actor que llega a Los ángeles en busca del éxito y la fama, y acaba enfrentándose solo a la dura realidad de la industria del entretenimiento. Hammond nos relata la historia con el clima soleado y aparentemente perfecto del sur de California de fondo, y nos acaba sugiriendo que en ese lugar tan aparentemente perfecto la vida no es tan fácil como parece. 

El acompañamiento instrumental en la grabación de Hammond corrió a cargo de músicos de sesión del famoso colectivo musical de la década de los 60 y 70 Wrecking Crew. El sencillo llegó a alcanzar el puesto número 5 en la lista de ventas estadounidense Billboard Hot 100, y el puesto número 51 en la lista de sencillos del Reino Unido. Sobre esta canción Albert Hammond decía: "Una de mis canciones más importantes no sólo porque creo que es una gran canción y me encanta y creo que cuenta la historia de mi vida de alguna manera, sino porque también yo era el artista, el productor, el escritor...".

0978.- The Ballad of El Godoo

 

The Ballad of El Goodo, Big Star

     #1 Record es el álbum debut de la bnda estadounidense Big star. El grupo estaba formado por aquel entonces por Chris Bell (guitarra y voz), Alex Chilton (guitarra y voz), Andy Hummel (bajo y voz) y Jody Stephens (batería). Este disco, con sabor a power pop y hard rock, es grabado entre mayo de 1971 y febrero de 1972 en los Ardent Studios de Memphis, bajo la producción de John Fry, y publicado el 24 de abril de 1972 por el sello discográfico Ardent Records. Todos los temas de este álbum están acreditados al dúo Alex Chilton y Chris Bell, y el brillante y pulido sonido, en contraste con los sonidos más crudos de trabajos posteriores del grupo, es atribuido según el productor John Fry a la presencia de Bell, quien ya no figurará en ningún trabajo posterior de la  banda. Según Fry: "Cuando Bell todavía estaba en la banda, se interesó más que nadie en la producción y la tecnología. Tenía una buena mente de producción... la razón por la cual el segundo álbum es más tosco, con menos armonías, e debe  la ausencia de Bell en el estudio".

Gran parte de la crítica elogió las armonías vocales y las canciones del disco, pero a la vez este sufrió una mala distribución y vendió menos de 10.000 copias en su lanzamiento inicial. A pesar de este contratiempo, #1 Record ganó la atención a finales de la década de los años 70 en el Reino Unido cuando el sello discográfico EMI lo reeditó con su segundo álbum de estudio, Radio City (1974) como un paquete de doble LP debido a la creciente demanda en aquel momento. 

Incluido en este disco se encuentra The Ballad of El Goodo, canción conocida por su sonido suave y su pegajosa melodía, y por su gran armonización vocal y unas letras introspectivas que nos hablan sobre la esperanza y la perseverancia a pesar de los desafíos. Siempre se ha especulado que la letra de este tema de Bell y Chilton alude más concretamente a la Guerra de Vietnam. La Guerra de Vietnam fue muy importante para Chilton, de hecho, tras la muerte de Alex Chilton, John "Bucky" Wilkin, cantante y compositor del grupo de surf rock de lo años 60 Ronny & the Daytonas, llegó a afirmar que Vietnam fue la guerra con la que ambos más se indentificaron.

0977 - Big Star - Thirteen

0977 - Big Star - Thirteen

"Thirteen" de la banda Big Star es una joya atemporal que captura la esencia de la adolescencia y la nostalgia en una dulce y melancólica melodía. Lanzada en su álbum debut "No. 1 Record" en 1972, la canción destila la sensación de inocencia y los sentimientos incipientes del primer amor de una manera que resuena con oyentes de todas las edades.

Con una simple instrumentación que incluye guitarras acústicas y una voz suave y emotiva, "Thirteen" transporta a los oyentes a través del tiempo, evocando recuerdos y emociones universales. La canción está imbuida de una pureza y sinceridad que refleja la juventud y la ingenuidad. Sus letras pintan una imagen vívida de la transición hacia la madurez, capturando momentos íntimos compartidos entre dos jóvenes enamorados.

A medida que la voz principal canta versos como "Won't you let me walk you home from school? / Won't you let me meet you at the pool?" ("¿No me dejarás acompañarte a casa desde la escuela? / ¿No me dejarás encontrarte en la piscina?"), se crea una sensación de vulnerabilidad y un deseo inocente de la cercanía. La canción captura la intensidad de las emociones adolescentes con una simplicidad lírica que resuena profundamente.

La producción minimalista y la ejecución sincera de "Thirteen" permiten que las letras y la melodía brillen con claridad. La canción ha sido versionada y reinterpretada por numerosos artistas a lo largo de los años, lo que demuestra su impacto perdurable en la música popular. Su influencia se extiende a través de generaciones, conectando a oyentes jóvenes y adultos en su aprecio por la experiencia humana compartida.

En resumen, "Thirteen" de Big Star es una canción intemporal que captura la belleza y la complejidad de la juventud y el amor incipiente. Su simplicidad y sinceridad la convierten en un tesoro musical que sigue siendo conmovedor incluso después de décadas de su lanzamiento. A través de sus letras y melodía, la canción nos invita a reflexionar sobre nuestras propias experiencias y recuerdos, creando un lazo emocional que perdura mucho después de que termine la última nota.

Daniel 

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Funkadelic - Funkadelic (Mes Funkadelic)

 

Funkadelic

     Mommy, What's a Funkadelic? (Mama, qué es Funkadelic?). Con esta pregunta que servía de título para la primera canción de su primer álbum, arrancaba la andadura de Funkadelic. Esta banda, junto con su banda hermana Parliament, serán de uno de los grupos que marcarán una nueva era dentro del Funk, Rock y música psicodélica al mezclar estos estilos con absoluta brillantez y marcar la era del llamado sonido P-Funk, cuyo padre no es otro que Geroge Clinton, el creador de ambas bandas. Parliament se movía en un sonido funk más tradicional mientras que Funkadelic era la encargada de experimentar con sonidos como el rock o la música psicodélica y mezclarlos con gran maestría con el funk. Y este mes de septiembre nos vamos a centrar en la rama más experimental del sonido P-Funk, e intentar durante este mes, a través de una selección de sus discos, explicar que es Funkadelic y que significa el sonido P-Funk.

Para hablar de Funkadelic inevitablemente tenemos que hablar de su fundador, George Clinton. George nace en 1941 en Kannapolis, Carolina del Norte (Estados Unidos). A finales de los años 50 George que era copropietario de una barbería en New Jersey, decide fundar en la parte de atrás de la misma un grupo de música para entretener a los clientes, en la parte de atrás de esa barbería nacería The Parliaments. Al principio hacían un sonido doo-woop (género que nació mezclando básicamente los géneros R&B y góspel), pero durante la década de los 60 van evolucionando en su forma de enender y hacer música hasta acabar desarrollando un sonido único basado en el soul y el funk. Además de hacer un sonido único, también se empiezan a inclinar por unas letras más ocuras.

Durante los 60, George encuentra empleo en la potente discográfica Motown records, empleo que compatibiliza con el grupo The parliaments. En 1967, con el sello discográfico Revilot Records graba su primer éxito con The parliaments, llamado (I Wanna) Testify, tema con el que consiguen una gran acogida en las listas de ventas. Con motivo del éxito del single George decide iniciar una gira, para la cuál se lleva a The Parliaments y además crea una banda de acompañamiento para que respalde al grupo durante dichas gira. Sin embargo justo en ese momento, cuando empieza a despegar George, se ve envuelto en una batalla contractual con Revilot Records y pierde los derechos del grupo. Lejos de desanimarse y para poder seguir en la brecha George cambia el nombre a toda aquella formación (The parliaments y la formación de apoyo) que había fichado para la gira y la llama Funkadelic.

Y así nace Funkadelic, una banda que además se aleja del sonido doo-woop, que se inspira en Jimi Hendrix y Sly & the Family Stone entre otros, y mezclan en sus composiciones soul, funk, rock psicodélico e incluso hard rock. Posteriormente refundaría a los extintos The parliaments llamándolos Parliament, y así George grabaría y haría innumerables giras cons sus grupos parliament y su banda hermana Funkadelic. Todo esto daría lugar al denominado sonido P-funk, un sonido bailable a la vez que psicodélico y con tintes rockeros. 

En este contexto nace Funkadelic, el álbum debut de la banda estadounidense. El disco es grabado entre 1968 y 1969 en los Tera Shirma Sound Studios de Detroit, Michigan, bajo la producción de George Clinton y publicado el 24 de febrero de 1970 por el sello discográfico Westbound Records. En los créditos del disco figuran como Funkadelic el propio George Clinton junto a Mickey Akins (órgano hammond), Tiki Fulwood (batería), Eddie Hazel (guitarra), Billy "Bass" Nelson (bajo) y Tawl Ross (guitarra rítmica). También se incluyó en los créditos al resto de vocalistas que habían formado parte de The Parliaments, Clarence "Fuzzy" Haskins, Calvin Simon, Ray Davis y Grady Thomas, así como varios músicos de sesión que por entonces eran empleados del sello Motown. 

Este disco debut es para mí uno de los mejores álbumes del grupo de principios de la década de los 70. En aquel momento  había muchos grupos que habían apostado por sonidos soul y funk más psicodélicos, sin embargo ningún grupo había sido capaz de conseguir un equilibrio entre los sonidos más suaves y melódicos del soul y los potentes riff de guitarras rockeras hasta que llegó Funkadelic con esos ritmos y densos arreglos de coros y voces, pero con unas guitarras ruidosas y saturadas. En este disco la banda conseguirá sentar las bases de sus sonido marcado por sus raíces del soul de los 60 entremezclándolo con el funk de los 70 y todo aderezado con altas dosis de rock y psicodelia a partes iguales.  

La edición original de Funkadelic contiene 7 canciones, Mommy, What's a Funkadelic?, uno de sus temas más icónicos. La canción comienza con una cómica introducción para irse transformando en todo un trallazo lleno de un potente ritmo funk. I'll Bet You es otra de las canciones más brillantes del álbum. Bajo una prominente línea de bajo y un ritmo pegajoso, mezcla con gran destreza elementos del rock y el funk. Music My Mother es otra rítmica y animada pieza con una mezcla de voces y coros que resaltan el sonido funk. En I Got a Thing, You Got a Thing, Everybody's Got a Thing  las guitarras con el efecto wah wah y el órgano Hammond marcan el paso mientras suenan unos grandes coros que por momentos tienen toques de gospel. En Good Old Music George Clinton vuelve a capturar con maestría la esencia del soul y el funk. La sensación rítmica con el groove que se marcan aquí es espectacular. Qualify and Satisfy es una de las canciones más tranquilas del disco, una mezcla entre elementos R&B y funk donde destacan las excelentes voces y armonías. What Is Soul cierra este brillante álbum, una introspectiva canción donde George Clinton explora en la esencia, el alma y el significado de las letras de la música soul.

Funkadelic, a través de su particular enfoque a la hora de experimentar y fusionar géneros en este primer disco, sentó las bases para la evolución de su sonido en sus trabajos posteriores. George Clinton y Funkadelic en este álbum son capaces de plasmar su capacidad y visión única para crear música innovadora y llena de ritmo y energía.

0976.- Ballrooms of Mars - T.Rex

Ballrooms of Mars ("Salones de baile de Marte") es una canción escrita por Marc Bolan para The Slider (1972), el séptimo álbum de estudio de su banda T. Rex. Escondida en el cuarto lugar de la segunda cara de aquel disco, esta joya oculta del glam rock tiene una estructura musical que combina el estilo de los años cincuenta con un rompedor enfoque glam y unos intermitentes y rockeros solos de guitarra, todo ello conducido de la mano del que fuera productor de los mejores discos de David Bowie, el gran Tony Visconti.

Si no conocéis la versión original de Marc Bolan (el auténtico precursor del glam rock en los sesenta, incluso antes de que Bowie se llevara todos los focos con su personaje de Ziggy Stardust) o la aún menos conocida versión que de este tema hicieron los estadounidenses The Bongos, sin duda sí que os sonará la versión en castellano que nuestros Radio Futura publicaron como segundo sencillo de su disco "Música Moderna" (1980), con el título de "Divina (Los Bailes de Marte)", dedicada a Alaska y con una letra adaptada a las circunstancias de la "movida madrileña", un período de libertad e inquietud artística muy influenciado por la música glam de Bolan y Bowie en los sesenta.

0975 - Metal Guru - T-Rex

"Metal Guru": El Resplandeciente Himno del Glam Rock de T-Rex

En la efervescente época del glam rock de los años 70, una canción brilló con una luz propia y dejó una huella imborrable en la historia de la música: "Metal Guru" de la icónica banda T-Rex, liderada por el inimitable Marc Bolan. Lanzada en 1972 como parte del álbum "The Slider", esta canción capturó la esencia misma del género, llevándolo a nuevas alturas de extravagancia y magnetismo.

Con su apertura instantáneamente reconocible, "Metal Guru" inmediatamente se apodera de los sentidos. Los acordes de guitarra contundentes y el ritmo contagioso establecen el tono para una experiencia musical única. Bolan, con su voz distintiva y ligeramente melancólica, guía al oyente a través de un viaje musical lleno de pasión y vitalidad. La letra, en su simplicidad aparente, agrega un toque de enigma, permitiendo que cada oyente cree su propia interpretación de la canción.

Uno de los aspectos más fascinantes de "Metal Guru" es su capacidad para transmitir una sensación de euforia y celebración. Los coros resonantes y el estribillo repetitivo se convierten en un mantra adictivo que invita a unirse en una comunión musical. La canción encarna la actitud desafiante y el espíritu de autenticidad que caracterizaban al glam rock. Bolan y su banda nos invitan a un mundo donde la individualidad es celebrada y la autoexpresión es una forma de arte.

A medida que la canción avanza, la instrumentación adquiere mayor profundidad y complejidad, revelando la maestría musical de T-Rex. Los riffs de guitarra enredados y las capas de sonido agregan dinamismo y emoción a la pista. La producción pulida pero no excesiva permite que la energía cruda del grupo brille, capturando la esencia de sus actuaciones en vivo.

"Metal Guru" no solo fue un éxito en las listas de éxitos, sino que también se convirtió en un himno para una generación que buscaba escapar de la monotonía y la normatividad. Su legado perdura a lo largo de los años, con su influencia palpable en artistas contemporáneos y futuros. La canción sigue siendo una entrada obligada en cualquier recorrido por la historia del glam rock y una puerta de entrada a la extravagancia y la autenticidad de la era.

"Metal Guru" de T-Rex trasciende el tiempo como un himno atemporal del glam rock. A través de su combinación distintiva de letras enigmáticas, melodías infecciosas y actitud audaz, la canción sigue siendo un faro luminoso en la constelación musical, recordándonos la importancia de abrazar nuestra individualidad y celebrar la música en su forma más exuberante.

Daniel 

Instagram storyboy 

0974.- Love me like a man - Bonnie Raitt

 

Bonnie Riatt es conocida hoy particularmente por el trabajo que creó a finales de los 80 y principios de los 90. Álbumes como Nick Of Time y Luck of the Draw , además de canciones como “Something To Talk About” y “I Can't Make You Love Me”, dieron lugar a un montón de Grammys. También revelan el gran dominio de Raitt en cuanto a tono emocional y arreglos, incluso si fueron creados con un sonido pulido y contemporáneo para adultos. Pero su carrera comenzó mucho antes de que se creara ese trabajo, sobre una sólida base de blues.

Love me like a man es una melodía de blues tosca tocada y cantada durante una época en la que los roles de género todavía estaban arraigados en la tradición de "papá es el cabeza de familia" y cuando la comprensión generalizada sobre las dinámicas saludables entre hombres y mujeres tal como los entendemos hoy estaban sólo en sus etapas de formación. Por supuesto, esas dinámicas todavía están evolucionando hoy en día. Pero a principios de los años 70, incluso el lenguaje de la igualdad entre sexos era todavía bastante nuevo. Entonces, bajo la superficie sexy de esta canción, y hay mucho sensual aquí, también se está haciendo una especie de declaración política.  La parte “blues” de esta ecuación se hace obvia con las increíblemente diestras líneas de guitarra acústica de blues de Raitt, combinadas con la conmovedora liquidez de su voz. En cierto modo, este es otro aspecto de su naturaleza contemporánea, con Raitt poniendo toques de blues y hablando de masculinidad en un género que históricamente ha comercializado una versión bastante diferente de lo que es ser un hombre. La melodía de Raitt ofrece una perspectiva importante con una mujer interpretándola, pero también como una forma de presentarla como una guitarrista y cantante que sabe llorar . Eso es lo que realmente establece su autoridad.

La letra sugiere que Raitt ha experimentado relaciones con hombres que no están emocionalmente disponibles y estan ensimismadoscon Ellis mismos, por eso anhela a alguien que "no se ponga por encima" de ella y que pueda amarla como a un hombre. En otras palabras, Raitt busca a alguien que pueda amarla de una manera fuerte, solidaria y genuina. También es una poderosa llamada a defenderse y exigir el tipo de amor que uno merece. Raitt quiere ser amada por lo que es y no sólo utilizada por sus talentos o sacudida "como si [su] espalda no tuviera huesos". Las últimas líneas de la canción, "Love me like a man", no dejan lugar a la ambigüedad. Raitt quiere que su pareja dé un paso al frente y la ame con la fuerza y la sinceridad que un verdadero hombre puede brindar.

Disco de la semana 342 - Small Change - Tom Waits

Small Change ("Pequeño cambio"), el cuarto álbum de estudio de Tom Waits, es como su nombre indica un "pequeño gran cambio" en su discografía. Publicado en septiembre de 1976 con la discográfica Asylum Records, superó con creces las ventas de cualquiera de sus anteriores tres discos, e impulsó a Waits a la altura de los grandes cantautores estadounidenses del momento, una posición de la que ya no se bajaría, convirtiéndose en una figura de culto para muchas generaciones de músicos y oyentes posteriores. Como resultado del espaldarazo comercial del disco, Waits montó The Nocturnal Emissions, una "big band" de apoyo para que el álbum luciera convenientemente en directo, en la consiguiente gran gira por Europa y Estados Unidos.

Con la gira y las ventas del disco, podría decirse que, efectivamente, los tiempos estaban cambiando, y Waits empezaba a jugar en las grandes ligas. Buena culpa del éxito del álbum la tuvo que fuera grabado y producido a imagen y semejanza de las grandes grabaciones de jazz de los años cincuenta, con Tom Waits cantando y tocando junto a una gran orquesta de jazz en la misma sala de grabación, lo que sin duda se refleja en la cercanía y la autenticidad del sonido. La influencia musical del jazz no se quedó solo en el método, sino que impregnó también el estilo de las canciones, que basadas en su mayor parte en piano, bajo, batería y saxofón (con ocasionales arreglos de cuerda) y acompañando a la áspera y taciturna voz de Waits, beben de las fuentes de artistas de la talla de Louis Armstrong, Dr. John o Howlin' Wolf, distorsionadas y retorcidas tras pasar por el tamiz de unas letras y una atmósfera más propias de un relato de Charles Bukowski.

Otra gran responsable del éxito del disco fue la canción con la que da comienzo, el tema "Tom Traubert's Blues (Four Sheets to the Wind in Copenhagen)", basado en la célebre canción australiana "Waltzing Matilda" (1890), y por la pista que nos da el subtítulo (Cuatro sábanas al viento en Copenhage), la letra parece basarse en los recuerdos de una noche de fiesta en la capital danesa junto a la cantante local Mathilde Bondo, según comentarios del propio Waits durante un concierto en Sidney en 1979: "Conocí a esa chica llamada Matilda, y bebí demasiado aquella noche." La propia "Matilda" confirmó en una entrevista de 1998 que acompañó a Waits durante una noche de alcohol y fiesta por los bares de la ciudad, pero en 2006 Waits dio un giro al significado de la canción, declarando que Tom Traubert era un "amigo de un amigo que había muerto en prisión".

Durante la grabación del disco y la gira, Tom Waits bebía cada vez más, y el pesimismo y la depresión resultantes de ese estado de embriaguez bohemia y casi constante se filtran también a lo largo de las canciones de Small Change, especialmente en la cínica y aguda "The Piano Has Been Drinking (Not me)" (El piano es el que ha estado bebiendo, no yo") o en la honesta y casi humorística confesión alcohólica de "Bad Liver and a Broken Heart" (Mal hígado y un corazón roto"). Son dos canciones en las que la broma alcohólica prevalece, pero Waits era consciente de que el camino de la botella no iba a llevarle a un buen destino, y con Small Change buscó en realidad todo lo contrario a la broma fácil, describiendo el oscuro y desolado mundo de privación que iba asociado con la adicción al alcohol, contando las penurias de sórdidos y desafortunados perdedores, prostitutas y strippers. En sus propias palabras: "No hay nada gracioso en un borracho (...) Terminé diciéndome a mí mismo que cortara esa mierda".

Quizá con ese objetivo, y tras "Small Change (Got rained on with his own)", la pieza que da título al disco, la última de las canciones del álbum puede ser vista como un rayo de esperanza. En "I Can't Wait to Get Off Work (And See My Baby on Montgomery Avenue)", minimalista pieza de voz, bajo y piano inspirada en el primer trabajo de Waits en una pizzería de San Diego, el sentimiento y el mensaje son, por una vez, positivos, y el protagonista simplemente está como loco por terminar su jornada, para poder reunirse con su novia y salir por ahí, como si solo fuera necesario un pequeño cambio para que un mal día se convirtiera en uno mágico, o para que la oscuridad le diera al fin paso a la luz. Solo es un pequeño cambio en un gran disco, firmado por uno de los compositores más grandes y más malditos de la historia de la música estadounidense.