Band on the run - Wings - #mesPaulMcCartney

"Banda a la fuga", el título del tercer disco de estudio de Wings, parece una nueva referencia a la separación de The Beatles, tras la que cada uno de los "fab four" emprendieron sus carreras en solitario. La de McCartney comenzó marcada por la incomprensión de su primera propuesta ("McCartney", 1970) y una más trabajada segunda entrega ("Ram", 1971) en la que lanzaba algunas pullas a su ex compañero y amigo John Lennon. Ambos discos contenían un buen puñado de canciones que dejaban entrever lo que podía ser una gran carrera en solitario, pero Macca necesitaba sentirse arropado bajo la manta de un grupo, y fundó una banda hecha a su antojo y a su medida, incluyendo a su esposa Linda McCartney a los teclados. Con Wings la cosa no empezó bien con el primer disco ("Wild life", 1971) y mejoró algo con el segundo ("Red Rose Speedway", 1972), dejando a McCartney con la sensación de necesitar escapar de alguna manera, y lanzarse a la búsqueda del camino correcto para su música.

Y eso fue lo que hizo. Casi literalmente, y cansados de la monotonía y la repetición de las grabaciones en estudios del Reino Unido, los Wings se dieron "a la fuga" y buscaron un lugar exótico en el que las nuevas canciones cobraran vida. Revisando una lista de estudios de EMI por el mundo, a McCartney le llamó la atención que hubiera uno disponible en Lagos (Nigeria), y decidió que ese sería el destino de aquella particular fuga. La idea era que toda la plana mayor de Wings viajara para las grabaciones, pero a pocas semanas del viaje, Henry McCullough abandonó el grupo, y Denny Seiwell hizo lo propio solo un día antes de la partida, dejando a los Wings en un reducido trío (McCartney, Linda y Denny Laine). Para reforzar la parte técnica de la grabación, y al no tener la certeza de qué personal se iba a encontrar en aquellos recónditos estudios africanos, McCartney recurrió al ingeniero de sonido de The Beatles, Geoff Emerick, enrolándole en el exótico viaje de una banda cada vez más "a la fuga".

Al llegar a Lagos, se encontraron un estudio de grabación localizado en un suburbio, mal equipado y en un alarmante estado de abandono, sin mesa de control y un único magnetófono de ocho pistas. La situación política del país era además complicada, gobernado por militares y sumido en una atmósfera de caos y corrupción. En una de las salidas de la pareja, Paul y Linda fueron atracados a punta de navaja, y los asaltantes se llevaron, entre otros objetos de valor, los manuscritos de McCartney y cintas con demos de las canciones que se disponían a grabar. Sin músicos, en un estudio desvencijado y teniendo que recordar las canciones de memoria, la "fuga" de McCartney parecía condenada al fracaso, pero el de Liverpool asumió las labores de guitarra principal y batería, y con Denny Laine en la guitarra rítmica, Linda en los teclados y Geoff Emerick haciendo milagros con el equipo de sonido del que disponían, entre todos sacaron adelante (con los arreglos orquestales a cargo de Tony Visconti que se añadieron ya de regreso en Londres) el que todos consideran el mejor disco de McCartney sin los Beatles, y posiblemente, el mejor disco de cualquiera de los cuatro músicos por separado, en un empate técnico con el "John Lennon/Plastic Ono Band".​ 

El disco arranca con la propia Band on the run, que fue publicada como segundo single del álbum, convirtiéndose de inmediato en un éxito a nivel mundial y vendiendo más de un millón de copias solo en Estados Unidos. A lo largo de sus más de cinco minutos de duración, Band on the run atraviesa por tres partes muy diferenciadas, que van de la balada lenta del tramo inicial, al funk-rock de la parte central, y terminando en un gran final al más puro estilo country, en la que las guitarras acústicas y el slide se entremezclan con los coros. La letra es el nexo entre las tres partes, con un claro mensaje de huida en busca de la ansiada libertad, inspirada en un comentario de George Harrison durante una reunión en las oficinas de Apple. "Si alguna vez salimos de aquí", dijo su ex-compañero, y eso es lo que McCartney se propuso hacer, inventándose "una historia sobre personas que escapan de la cárcel" y adaptando lo que recordaba de la letra tras el robo sufrido, para reflejar el estado en el que se encontraba la banda "atrapada dentro de cuatro paredes" en el estudio africano, en un estado de "sombría incertidumbre".

Tras este espectacular arranque, el ritmo no decae con Jet, la elegida como single de lanzamiento, un tema de fuerte instrumentación de guitarras eléctricas y teclados que cosechó también gran éxito, llegando al nº 7 de las listas de ventas británicas y estadounidenses, aunque no fue comparable a lo que conseguiría después Band on the run. El título de la canción se basa en el nombre de un "perro labrador retriever" de los McCartney, aunque el músico también se ha referido a un pony como el origen de la inspiración, mientras que la críptica letra parece referirse al momento en el que conoció al padre de Linda. Es una de las pocas canciones que no se grabó en Lagos, ya que fue registrada en su totalidad en los estudios Abbey Road después del regreso del grupo de su experiencia africana.

Le sigue una balada marca de la casa McCartney/Beatles, la delicada Bluebird, y la inspirada Mrs. Vanderbilt, con McCartney en uno de sus mejores momentos interpretativos y compositivos. Esta última salió publicada como single, pero solamente en Europa y Australia, y su repercusión fue, por tanto, menor a la de los dos grandes hits con los que abría fuego el disco. Cuenta con la colaboración de Howie Casey al saxofón, y durante la grabación en Lagos, se produjo un corte eléctrico que, afortunadamente, no afectó al sonido de la canción, que se registró con los generadores de emergencia.

Let Me Roll It era otra de las grandes canciones del disco, y aunque desde el principio se le negó la repercusión que habría merecido, al designarla como cara B del sencillo de Jet, se ha mantenido como pieza habitual de los conciertos de McCartney. Escrita tiempo atrás en la granja familiar en Escocia, fue finalmente grabada en las sesiones de Band on the run, y llamó especialmente la atención de la crítica especializada, que encontraba en ella un riff áspero y unos patrones compositivos más cercanos al estilo compositivo de su ex compañero John Lennon.

La cara B comienza con la delicada Mamunia y la "beatleliana" No words, que encajaría por calidad y melodía en muchos de los discos de la banda de Liverpool, para después virar hacia la experimentación y el toque conceptual que tanto le gusta a McCartney, en un tramo en el que de nuevo mezcla pequeñas partes de canciones en parece mezclar pequeñas partes de canciones en ​Picasso's Last Words, grabada junto al batería y antiguo miembro de Cream, Ginger Baker, que usó una lata como instrumento de percusión en uno de los tramos de la canción, con breves guiños a Jet y a Mrs. Vandervilt que dotan al final del disco de un aire cíclico y conceptual. Esa es también la tónica reinante en la animada Nineteen Hundred and Eighty-Five, el tema de marcado ritmo de piano con el que cierra el disco, que vuelve brevemente a la canción Band on the run tras un apoteósico tramo final con toda la banda tocando y apoyada en una exuberante orquesta.

Publicado en diciembre de 1973, Band on the run alcanzó el primer puesto en la lista Billboard 200 en tres ocasiones, y pasó siete semanas en lo alto de las listas del Reino Unido, convirtiéndose en el disco mejor vendido de 1974. La fuga de la banda no pudo tener un final mejor, y el mejor disco de McCartney tuvo también un curioso paralelismo con el mejor disco de su mítica banda de origen. Si en "Sgt. Pepper's Lonely-Hearts Club Band" los Beatles se rodeaban de imágenes de muchas personalidades históricas en una portada icónica, en Band on the run son también varias las celebridades que aparecen, sorprendidas por un gran foco de vigilancia, en el momento de intentar fugarse junto a Paul, Linda y Denny Laine. Vestidos todos como reclusos de una prisión, personajes de la talla de James Coburn, Christopher Lee, o el boxeador de Liverpool John Conteh, entre otros, participaban de la fotografía con la que se inmortalizaba una mágica e irrepetible fuga musical, que llevó a Wings al primer puesto de las listas de éxitos en Estados Unidos, Reino Unido, Australia, Nueva Zelanda, España y Noruega, y que hasta el habitualmente resentido John Lennon consideró un gran álbum.

0738.- Southern Man - Neil Young

"After the gold rush" (1970) es uno de los discos más relevantes e influyentes del músico canadiense Neil Young. En el que fuera su tercer disco de estudio, Young incluyó algunos temas que son ya clásicos de su cancionero. Uno de ellos era "Southern man", que rompía además la marcada línea country-folk del álbum con una gran salva de rock vibrante y poderoso.

Neil Young escribió esta canción sobre la esclavitud y la quema de cruces en el sur de Estados Unidos en el vestuario del teatro Fillmore East en 1970. "Southern man" narra la historia de un adinerado "hombre del sur" que maltrataba cruelmente a sus esclavos, y en la canción Young le pregunta a su protagonista cuando devolverá todo el daño causado y la fortuna conseguida de manera tan ilícita ("Veía algodón y veía en negro, altas y blancas mansiones y pequeñas chozas. Hombre del sur, ¿Cuándo lo devolverás?"). 

Curiosamente, "Southern man" no fue elegida como single del disco, en favor de "Only Love Can Break Your Heart" y "When You Dance I Can Really Love", pero a día de hoy es un clásico imprescindible del artista canadiense, incluso por encima de los singles mencionados. Buena culpa de ello la tuvo el grupo de rock sureño Lynyrd Skynyrd, que escribieron su "Sweet Home Alabama" en respuesta a la letra de "Southern Man" y de la canción "Alabama", que aparecería en el álbum "Harvest" de Young dos años después. Lejos de alimentar ninguna polémica, Young declaró también su admiración por el tema de Lynyrd Skynyrd, e incluso llegó a interpretarla ocasionalmente en alguno de sus conciertos.

0737.- After the gold rush - Neil Young

Siempre hay un álbum que puede sernos útil en cualquier momento de tu vida, lo puedes escucharlo cuando estas feliz o cuando estas triste, un disco donde no hay una historia exacta a la tuya pero cualquiera de las canciones puede encajar y formar parte de la banda sonora que es tu vida, unas canciones de una gran profundidad y significado, aquí lo encuentras, las letras y los instrumentos cobran vida con su creatividad, algo muy extraño de ver en un álbum de folk rock. Pero es mucho más que eso, es un material que surge de todo lo que Young ha hecho un disco perfecto y un gran ejemplo de lo que debe ser cualquier disco de rock. Incluso los errores aquí solo hacen que el álbum sea aún mejor. Un verdadero disco de cantautor, lanzado en los albores de una década que estaría dominada por ese estilo, After The Gold Rush es donde Young comenzó a presentar argumentos convincentes a favor de su estatus como uno de los principales escritores de su generación.

Lo primero que nos llama la atención de la canción que da titulo al álbum, After de gold rush, son los sencillos acordes de piano que resaltan una melodía sobresaliente, cuya claridad siempre se siente como si Neil Young fuera el metafórico leñador que tira el árbol, y si alguna vez hubo algunas líneas que describieran mejor a Neil Young joven son estas "Acostado en un sótano quemado / Con la luna llena en mis ojos". Bill Peterson toca la melodía principal sin un solo adorno adicional, simplemente flotando en el sonido cálido y vibrante del instrumento durante casi 50 segundos de una canción no precisamente larga. Cada estrofa de la canción no habla de un recuerdo de la vida real, sino de un sueño, que describe lugares de otro mundo de caballeros con armadura que hablan con reyes y reinas, y termina con naves espaciales que vuelan hacia la neblina del sol y la Madre Naturaleza misma esparciendo su semilla plateada. Sin embargo, estas desconcertantes descripciones tienen una delicada belleza e intimidad, ese espíritu surrealistamente confesional se encarna en los grandiosos y tambaleantes acordes del piano, induciendo esa sensación de asombro mientras trata de resolver esas experiencias trascendentes para comprenderse a sí mismo en el proceso. "After the Gold Rush" se siente como algo genuinamente mágica desde las primeras notas, te sientes tan irremediablemente perdido en estos fascinantes mundos como él, y su atmósfera se vuelve tan impresionante que tal vez quieras quedarte allí un poco más, un testimonio de lo increíble que es la canción que no perdió nada de su brillo místico es cuando se interpretó en vivo con el solo de armónica reemplazando al fliscorno. No podíamos esperar menos que esto del genio de nuestro querido viejo Neil, continúe y escuche la canción una vez más para rendir el homenaje que merece esta brillantez compositiva

Iron Butterfly - In-A-Gadda-Da-Vida Píldora #18

Surgidos en la segunda mitad de la década de los 60, Iron Butterfly fue una de las principales formaciones acid rock de la época, llevando al extremo a la psicodelia americana y nutriendo su música y letras con el consumo de drogas en un desarrollo sonoro hacia el rock progresivo. Fue a principios de 1968 cuando Iron Butterfly se mete de lleno a la grabación del que sería su segundo álbum, la banda, enclavada en la psicodelia empezó a experimentar con tonos mas graves y ritmos cadenciosos pero contundentes, llegando a la cumbre de dicha experimentación con este disco. Bajo el liderazgo compositivo de Doug Ingle, grabaron “In-A-Gadda-Da-Vida” un extenso tema homónimo con excitantes tramos instrumentales, un insistente y poderoso riff, un célebre solo de batería y un teclado de inspiración clásica. Se suponía que el título sería "En el Jardín del Edén", el bateria Ron Bushy lo escribió como "In-A-Gadda-Da-Vida" porque no podía entender que estaba cantando el vocalista Doug Ingle y gustó el título ya que sonaba exótico y la espiritualidad oriental estaba de moda en ese momento. El principal problema que se encontraron grupo y discográfica fue el de que como single no daba opción alguna ya que ningún DJ iba a poner un tema de 17 minutos. Se tiró de tijeras y se realizó una versión corta de 4 minutos para que pudiera emitir por las emisoras.

"My Mirage", tiene una larga introducción de órgano, giros y vueltas melódicos y ritmo de parada/arranque, que hace de ella una curiosidad o la furiosa "Are You Happy" que contiene mucha más intensidad que lo que habíamos escuchado hasta ahora. Lo cierto es que el resto de pistas del álbum están bastante debajo del nivel que da esta canción, podríamos destacar "Flowers And Beads" que se toma la mentalidad hippie demasiado en serio y carece de la visión o el mensaje subliminal de otras canciones de la cultura ácida de la época. El álbum tiene claras influencias de The Doors y obtuvo estupendos resultados comerciales, alcanzado el número 4 en listas y convirtiéndose en uno de los discos puntales en la era del flower power, lamentablemente el grupo no volvería a brillar como en los 17 minutos de su tema más conocido.

0736 - Domino - Van Morrison

0736 - Van Morrison - Domino

Van Morrison había escrito la canción Domino varios años antes de su lanzamiento en 1970. Conjuntamente con Lewis Merenstein como productor, se grabó en tres tomas que se remontan a las sesiones de otoño de 1968, en Warners Publishing Studio en la ciudad de Nueva York. Luego se grabaron otras ocho tomas de la canción durante varias sesiones en 1969 en el mismo estudio y nuevamente con Merenstein como productor.

La versión lanzada en His Band and the Street Choir se grabó en la primavera de 1970, en A & R Recording Studios en la ciudad de Nueva York con Elliot Scheiner como ingeniero. El periodista musical Erik Hage escribe que una de las razones para no lanzarlo hasta 1970 puede haber sido que Van Morrison creía que podría ser un sencillo exitoso y lo retuvo para evitar que cayera bajo la cláusula de un año en su lanzamiento de contrato. Este comunicado establecía que la editorial musical tendría derecho a la mitad de los derechos de autor de cualquier sencillo lanzado por Van Morrison en el año comprendido entre septiembre de 1968 y septiembre de 1969. Van Morrison había recibido una promoción de alto perfil cuando apareció en una portada de Rolling Stone y fue entrevistado por Happy Traum en julio de 1970. Como relató Van Morrison, Warner Bros. lo alentó posteriormente a lanzar un single aptos para la radio: "La compañía discográfica me estaba pidiendo un single, así que hice algunos como 'Domino', que en realidad era más largo pero lo cortaron". Al cumplir el deseo de Warner de una canción de éxito, Hage escribió que "Domino" "brillante, firme y maravillosa encaja a la perfección. La letra toca un tema frecuente de Van Morrison, la renovación ("Creo que es hora de un cambio". ), y la dinámica vocal, puntuada por el guiño de 'Señor, ten piedad' al gospel y a James Brown (quien se basó en gran medida en el gospel)."

En definitiva la canción Domino es una exitosa canción escrita por el cantautor de Irlanda del Norte Van Morrison, y es la pista de apertura de su cuarto álbum de estudio, His Band and the Street Choir. Esta canción es el tributo musical personal de Van Morrison al cantante y pianista de R&B de Nueva Orleans, Fats Domino.

Daniel 

Instagram storyboy 

Disco de la semana 309: Never Forget My Love - Joss Stone

 

Never Forget My Love, Joss Stone

     Para la recomendación de esta semana traemos una mujer con una voz espectacular, con un rango vocal que se mueve entre mezzosoprano y contralto, que suele actuar descalza y le han llegado a apodar "la Aretha Franklin blanca". Nos estamos refiriendo a Jocelyn Eve Stoker, más conocida como Joss Stone. Estamos ante una cantante, compositora y actriz inglesa que saltó a la fama a finales de 2003 con su álbum debut, The Soul Sessions, el cual llegó a ser multiplatino.

Joss Stone nació el 11 de abril de 1987 en Dover, perteneciente a la región de Kent, Reino Unido, y pasó su adolescencia en la localidad de Ashill, un pequeño pueblo de la región de Devon. La tercera de cuatro hijos, su padre Richard Stoker era dueño de un negocio de importación y exportación de frutas, y su madre Wendy trabajó como representante de Joss hasta octubre de 2004. La cantante, que padece dislexia, dejó la escuela a los dieciséis años, y su primera aparición publica fue en Uffculme, Devon, donde realizó una versión de "Reet Petite" de Jackie Wilson. 

Joss creció escuchando una amplia variedad de música, desde el R&B estadounidense de las décadas de los 60 y 70, pasando por la música soul interpretada por artistas de la talla de Dusty Springfield o Aretha Franklin. Esto le llevó a desarrollar un estilo muy profundo y lleno de feeling y sentimiento. Con tan sólo 13 años audiciona para el programa de talentos de la BBC llamado Star for a Nigth en Londres, llegando a ganar el concurso con versiones como (You Make Me Feel Like) A Natural Woman de Aretha Franklin, It's Not Right It's Okay de Whitney Houston, o la magnífica On The Radio de Donna Summer. En diciembre de 2001 actúa en un programa benéfico y llama la atención de los productores londinenses Andy Dean y Ben Wolfe, quienes afirman que "acaban de escuchar al mejor cantante que jamás habían escuchado de su país". Todo esto le vale para que el director ejecutivo Steve Greenberg, del sello discográfico S- Curve Records, la lleve a una audición a Nueva York. Nada más acabar dicha audición Steve Greenberg la firma para dicho sello discográfico.

En 2003 Joss Stone debuta con su primer álbum de estudio, The Soul Sessions, lanzado por el sello discográfico S-Curve Records para el mercado estadounidense, y por EMI Music para el mercado internacional. El disco resulta ser todo un pelotazo, llegando a ser álbum multiplatino y  ser finalista a los reconocidos Premios Mercury (Premio anual otorgado al mejor disco lanzado en el Reino Unido por un artista británico o irlandés) en 2004. Joss Stone iniciaba así una más que prometedora carrera que con el tiempo se ha quedado a medio camino. Quizás no se ha hecho justicia con la increible calidad que atesora, porque tiene, y de sobra para ser considerada una de las mejores sin duda.

En 2022 aparecía publicado Never Forget My Love, el octavo álbum de estudio de la cantante y el recomendado para la ocasión. El disco fue grabado entre los Blackbird estudios de Nashville, Tennessee, los Dogwood estudios y los Little Big Sound de Bellevue, Tennessee, bajo la producción del músico, compositor y productor inglés Dave Stewart, y publicado el 11 de febrero de 2022. Una delicia de disco donde todas las pistas están escritas por Dave Stewart y Joss Stone, y que pretende colocar a Joss en el selecto grupo de grandes cantantes, algo que le ha costado mucho, y no es porque no la haya intentado. 

Never Forget My Love nos habla de los errores cometidos, el amor y los corazones rotos. Por momentos parece estar hablando de aspectos y vivencias de su vida, pues aunque ha vendido hasta la fecha unos 14 millones de álbumes en todo el mundo, hay quien sigue tachándola de eterna promesa desde su fulgurante debut con The Soul Sessions. También se nota, y mucho, la colaboración con Dave Stewart, con quien no había vuelto a colaborar desde 2011, y el resultado es un excelente disco donde los temazos se van sucediendo uno tras otro. 

El disco es una auténtica delicia, donde todo está en su sitio, nada sobra, y podemos disfrutar de temazos como Breaking Each Other's Heart, donde podemos apreciar las excelentes influencias de Dusty Springfield, Never Forget My love, que da título al disco y que nos recuerda a la gran Duffy; No Regrets, donde se entremzclan el pop y el soul, ambos de la vieja escuela; la alegre y adictiva Oh to Be loved by You con una contagiosa melodía apoyada por la magnífica voz de Joss; You're My Girl, toda una pegadiza oda a la amistad que podría haber firmado el mismísimo Allen Tousaint; o Does It Have to Be Today y You Couldn't Kill Me, donde nos habla de amores anhelados y rotos y relaciones abusivas.

Never Forget My Love es un excelente disco, desde la composición, pasando por la producción y hasta la interpretación del mismo. Un disco a la altura de una de las grandes voces del momento, aunque haya quien se niegue a aceptarlo.

0735-. Proud Mary - Ike & Turner

 

Proud Mary, Ike & Tina Turner

     Workin' Together fue el segundo álbum de estudio que Ike & Tina Turner lanzaban con el sello discográfico Liberty, y el más exitoso. Al igual que su disco anterior, Come Together, contó con varias versiones de canciones de rock, además de versiones renovadas de canciones anteriores de la pareja, lo cual era algo que hacían habitualmente. Tres sencillos del disco fueron lanzados en Estados Unidos, la canción principal, Workin' Together, el segundo sencillo fue Proud Mary, y el tercero Ooh Poo Pah Doo.

Ike y Tina Turner lanzaron Proud Mary en enero de 1971 como segundo sencillo del disco, una versión del tema compuesto por John Fogerty e interpretada un año antes con su grupo, la Creedence Clearwater Revival. Proud Mary resumía el espíritu de la Creedence Clearwater Revival en su forma de concebir y entender la música. John Fogerty creó este temazo basándose en una estructura bastante sencilla, utilizando únicamente cinco acordes, y utilizando un estribillo de lo más pegadizo. En un principio John concibió la historia de una mujer que trabajaba como sirvienta para gente acaudalada, ella se monta todas las mañanas en el autobús para ir a trabajar y después regresa a casa. fue el bajista Stu Cook quien tuvo la idea de introducir el aspecto fluvial de la canción al ver junto al resto del grupo un programa de televisión llamado Maverick. John estuvo de acuerdo en que el barco parecía tener algo que ver con la canción. Entonces hizo que los primeros acorde de la canción evocaran una rueda de paletas de un barco fluvial dando vueltas. Así es como Proud Mary pasó de ser una sirvienta a un barco.

La versión de Ike & Tina Turner difiere bastante de la estructura del original, y según Tina Turner, Ike no estaba interesado en la versión original, pero la versión que había hecho el grupo Checkmates Ltd. despertó su interés. La versión, retocada por Ike Turner y Soko Richardson, comienza con un tono lento y sensual en el que Tina presenta la canción a la audiencia, comentando que la van a comenzar de forma "agradable y fácil" y la van a terminar de forma "agradable y áspera". Después de esa intro suave, la canción se convierte en un poderoso funk rock con Tina y The Ikettes dándolo todo. La canción llegó a alacanzar el puesto número 4 en la lista estadounidense Billboard Hot 100 en 1971, dos años después de que alcanzara su apogeo la versión original de la Creedence Clearwater Revival. Además la versión de Ike & Tina Turner ganaría uun premio Grammy.

0734.- Hope you're feeling better - Santana

Santana después de un fantástico debut en 1969, lo petó en Woodstock cuando no les conocía nadie, y seguirían avanzando como banda en 1970 con Abraxas, con la misma formación, es decir, Carlos Santana a la guitarra solista, Greeg Rolie a los teclados, Mike Shrieve a la batería, David Brown al bajo y la sección rítmica de congas y timbales, etc., a cargo de Mike Carabello y Chepito Areas. Llevaron un paso más allá su música de fusión, juntando temas suyos y alguna versión, y donde el blues, el jazz, la salsa y el aire mariachi dominaban el trabajo con su ejecución rockera. La portada mítica del disco era la de un cuadro llamado Anunciación de Mati Klarwein, y vendió muchos millones de copias reventando las listas de venta, un exito.

Abraxas, quizás más que cualquier otro álbum en la era psicodélica, es un crisol de muchas influencias. El gancho principal de este álbum, por supuesto, es Carlos Santana, el guitarrista principal que destroza todo esto. Como muchos de los otros dioses de la guitarra de la época, Santana creció idolatrando a guitarristas de blues como BB King y John Lee Hooker, y se puede escuchar en las formas sutilmente intrincadas en que toca canciones como "Black Magic Woman" y "Se A Cabo". ". Habiendo dicho eso, Santana realmente no hace el tipo de acrobacias de guitarra llamativas y alucinantes que escucharías en, digamos, un disco de Jimi Hendrix, con tanta frecuencia. Cuando lo hace, como en la estimulante segunda mitad de "Hope You're Feeling Better", te sorprende y rápidamente tomamos conciencia del tipo de guitarrista ante el que estamos, pero en parte debido a los cambiantes intereses musicales de Santana, también obtenemos una mezcla verdaderamente única de rock con géneros como el jazz y la salsa. Gran parte de las influencias latinas en este álbum provienen de la sección de percusión, que utiliza congas y timbales y muchos otros instrumentos para lograr ritmos profundamente funky. Cuando la batería hace lo suyo, podría decirse que es más dura que la guitarra de Santana

Hope you're feeling better es uno de mis temas favoritos del disco, y sin duda es de los más rockeros.“¿Eres tú, la de ojos que lentamente se desvanecen? ¿Eres tú la de la mente llena de lágrimas? ¿Eres tú la que busca diversión? ¿Eres tú la que ha esperado todos estos años?… Hope you're feeling better es un tipo de tema completamente diferente, en esta canción encontramos uno de los pocos momentos en que Abraxas llega a ser 100% rock and roll. Las travesuras rugientes de la guitarra de Carlos Santana están empapadas de distorsión para agregar volumen e intensidad, ell teclista y vocalista, Gregg Rolie, hace un trabajo fantástico potenciando a Carlos Santana con los adornos de su órgano y su tono de voz terriblemente blusero. "Hope You're Feeling Better" es, francamente, uno de los mejores momentos del álbum porque, mientras que todas las demás canciones bordean el límite de los géneros para trascender fácilmente de alguna otra forma en cualquier momento, este tema abandona todas las tendencias experimentales para ofrecer una actuación de rock tradicional, pero igualmente cautivadora.

El artista del #mesPaulMcCartney con su disco Ram

El artista del #mesPaulMcCartney, presentamos su álbum Ram

Comienza un nuevo año y con él no podía faltar un artista de la talla de Paul McCartney, que no se ustedes, pero yo creo que se merecía estar entre lo que hemos denominado el artista del mes.

Y para comenzar este mes iremos con uno de sus álbumes como solista, su titulo Ram, que es el segundo álbum de estudio de su carrera como solista después de la separación de The Beatles. 

Pero no sólo es el segundo álbum sino que Ram es el único álbum acreditado al dúo musical entre Paul McCartney y Linda McCartney, lanzado el 17 de mayo de 1971 por Apple Records. Que fue grabado en Nueva York con los guitarristas David Spinozza y Hugh McCracken, y el futuro baterista de Wings Denny Seiwell. 

De este álbum se editaron tres singles, "Uncle Albert / Admiral Halsey", y este fue el primer éxito número 1 de Paul McCartney  en Estados Unidos sin The Beatles, luego "The Back Seat of My Car" y "Eat at Home".

Las canciones básicas del álbum se grabaron en el Estudio B de Columbia del 12 de octubre al 20 de noviembre de 1970 antes de que los Paul McCartney regresaran a su granja escocesa para las vacaciones de Navidad. El trabajo continuó en los Studio B y A&R Recording Studios, Nueva York, donde desde la segunda semana de enero de 1971 hasta febrero. Tocando la guitarra o el piano y cantando al mismo tiempo, Paul McCartney optó por sobregrabar su bajo más tarde. Aunque era un proyecto colaborativo, las funciones vocales de Linda McCartney se limitaban principalmente a cantar armonías y apoyar a Paul McCartney, quien cantaba casi todas las partes principales. Linda McCartney cantó como co-líder en "Long Haired Lady". Así también la hija de los McCartney, Heather, que había sido adoptada por Paul McCartney el año anterior, cantó coros en "Monkberry Moon Delight". de la secuencia del álbum incluía "Little Woman Love" y canciones que luego aparecieron en el álbum Red Rose Speedway de Wings de 1973 : "Get on the Right Thing", "Little Lamb Dragonfly" y "Big Barn Bed". "I Lie Around", publicado como cara B del single de Wings de 1973 "Live and Let Die", se grabó durante estas sesiones. También se grabó la primera encarnación de "Seaside Woman". Paul McCartney también grabó "Hey Diddle", "A Love for You", "Great Cock and Seagull Race", "Now Hear This Song of Mine", "Rode All Night", "Sunshine A veces" y "When the Wind Is Blowing".

Según Peter Brown, ex socio comercial de The Beatles, John Lennon creía que varias de las canciones de Ram contenían burlas personales dirigidas a él y a Yoko Ono, entre ellas "Dear Boy" y, en particular, "Too Many People". Paul McCartney admitió más tarde que algunas de las letras de "Too Many People" habían sido "una pequeña provocación para John y Yoko", con "prácticas de predicación" y "tomaste tu golpe de suerte y lo partiste en dos" como referencias directas a Lennon. Brown también describió la imagen de dos escarabajos copulando en la contraportada como un símbolo de cómo McCartney sentía que los otros Beatles lo estaban tratando. Se dijo que George Harrison y Ringo Starr interpretaron la canción "3 Legs" como un ataque contra ellos y Lennon. Según McCartney, "Dear Boy" estaba dirigida al exmarido de Linda, y no a Lennon.

Todo ello hizo que tras su lanzamiento, el álbum Ram fue recibido de manera negativa por parte de la prensa musical, la cual estaba mayormente influenciada por la reciente separación de The Beatles aunque, con el paso de los años, la crítica ha sido mucho más favorable con el álbum, y es un álbum que a pesar de las críticas, a nivel comercial Ram obtuvo un mayor éxito y encabezó las listas de álbumes más vendidos en países como Canadá, España, Noruega, Países Bajos, Reino Unido y Suecia. 

Por todo ello, en este el primer mes del año seguiremos recorriendo la carrera de Paul McCartney en su etapa solista, en lo que hemos denominado como #mesPaulMcCartney. 

Daniel 

Instagram storyboy 

0733 - Santana - Samba pa ti

0733 - Santana - Samba pa ti

Samba pa ti es un tema instrumental de la banda de rock latino Carlos Santana, de su álbum de 1970, Abraxas. En inglés, el título significa Samba para ti. Fue lanzado como sencillo en 1973. La canción se ubicó en el puesto 11 en los Países Bajos, en el puesto 43 en las listas alemanas, y en el puesto 27 en la lista de singles del Reino Unido, el primer sencillo de Santana en las listas del Reino Unido.

La canción fue escrita por Carlos Santana después de ver a un saxofonista de jazz tocando en la calle frente a su apartamento. 

En 2008, Carlos Santana le dijo a Mojo que Samba Pa Ti fue la primera canción que sintió que podía llamar suya.

"Samba Pa Ti fue concebida en la ciudad de Nueva York un domingo por la tarde,"..."abrí la ventana y vi a este hombre en la calle, estaba borracho y tenía un saxofón y una botella de alcohol en la espalda. Y yo seguí mirándolo porque él seguía luchando consigo mismo. No podía decidir cuál llevarse a la boca primero, el saxofón o la botella y de inmediato escuché una canción "..."escribí todo ahí mismo" dijo Carlos Santana, respecto a la canción. 

Samba Pa Ti es una de las canciones más populares y aclamadas del grupo, y todavía está en las listas de canciones de la gira de la banda.

En 1974 la canción fue versionada por Bruno Battisti D'Amario y Edda Dell'Orso para el álbum Samba para ti. Más tarde fue versionada por José Feliciano con letra añadida en su álbum Escenas de Amor de 1982, por Ottmar Liebert en su álbum Solo para ti de 1992, por Gato Barbieri en el álbum Social Change de Fania All Stars de 1981, y también por Angélique Kidjo, quien puso letras en yoruba en su álbum Oyo. También es una de las pistas que aparecen en el libro de Nick Hornby, Songbook.

Daniel 

Instagram storyboy 

0732.- Black Magic Woman / Gipsy Queen - Santana

Escrita en 1968 por el británico Peter Green para su grupo Fleetwood Mac, y aunque apareció en dos recopilatorios de la banda ("English Rose" publicado en Estados Unidos y "The Pious Bird of Good Omen" en Reino Unido), fue en 1970 cuando alcanzó la fama de la mano del grupo Santana, como primer single de lanzamiento del álbum "Abraxas".

La letra de Peter Green se inspiraba en Sandra Elsdon, su novia de entonces, a la que llamaba "Magic Mamma", mientras que para la música se inspiró en el tema "All your love" de Otis Rush, grabado por John Mayall & The Bluesbrakers, banda en la que Green reemplazaría a Eric Clapton tras la marcha de éste, y en la estructura y melodía de "I loved another woman" de Fleetwood Mac.

En la versión de Santana, grabada en 1970, el blues original se combina con un electrizante ritmo latino, y la canción de Green se convierte en un medley con la inclusión de un tramo en el que interpretan "Gypsy Queen", un instrumental de 1966 de Gábor Szabó que combinaba el jazz con ritmos latinos y melodías de folk húngaro). Gregg Rolie fue el responsable de ponerle voz a la canción, acompañando a la mágica guitarra de Carlos Santana y al resto de la banda, que crea una impactante fusión de blues, rock y jazz latino. El single de "Black Magic Woman / Gypsy Queen" alcanzó el nº 4 de las listas estadounidenses, convirtiéndose en el mayor éxito de Santana hasta que, ya entrados los noventa, Santana publicó el disco "Supernatural"

0731-. Oye Como Va - Santana

 

Oye Como Va, Santana

     En 1970 la banda de rock estadounidense Santana, con Carlos Santana a la cabeza, publica su segundo álbum de estudio, Abraxas. El disco es concebido entre el 17 de abril y el 2 de mayo en los Wally Heider Studios de San Francisco y los estudios Pacific de San Mateo, California, bajo la producción del ingeniero y productor discográfico estadounidense Fred Catero y del propio Carlos Santana, y publicado el 23 de septiembre de 1970 por el sello discográfico Columbia Records.

Abraxas es un disco que va más allá del rock, mezclándolo brillantemente con buenas dosis de música latina, jazz e incluso salsa, llegando incluso la revista Rolling Stone a rendir pleitesía a tan brillante obra, al afirmar que "Santana había por la música los mismo que Chuck Berry por el blues". El disco, sólo en Estados Unidos, llegó a vender más de un millón de copias, llegando a acupar además el puesto número uno en la lista estadounidense Billboard Hot 200. 

La magnífica portada de Abraxas fue diseñada por el pintor alemán Mati Klarwein, que vívía en Mallorca, España. La idea de que fuera el pintor alemán el que diseñara la portada fue idea de Carlos Santana al ver la obra del artista en la que se basó la portada, La Anunciación, expuesta en una revista de arte. 

Incluido en este brillante trabajo se encuentra la canción Oye Cómo Va, un cha-cha-chá compuesto por Tito Puente en 1962, y que fue grabada originalmente ese mismo año por dicho artista. La canción alcanzaría la popularidad mundial en 1970 con la versión del grupo Santana, llegando a alcanzar el puesto número 13 en la lista Billboard Hot 100, y el número 32 en la lista de R&B. La introducción original de la canción y el piano son muy similares al mambo de 1957 Chanchullo, de Israel "Cachao" López. El arreglo de Santana es una versión más dinámica y acelerada en un nuevo estilo de rock latino, agregando guitarra eléctrica, órgano Hammond B-3 y una batería de rock a la instrumentación, y eliminando la sección de metales de la versión original. La guitarra eléctrica, que simula la melodía de la flauta de Tito Puente, y el órgano basan su sonido en las raíces del rock y el blues, pero conteniendo además toques similares a los arreglos originales con sabor latino. Tito Puente explicó en su momento como le indignó la versión del tema hecho por una banda de rock, hasta que le llegó su primer cheque de regalías como autor original del tema. Si bien Puente era muy popular en la comunida latina, la exitosa versión de Santana le ayudó a llegar a una audiencia más amplia.

0730 - Black Sabbath - Iron Man

0730 - Black Sabbath - Iron Man

Iron Man es una canción de la banda inglesa de heavy metal Black Sabbath, que fue lanzada en 1970 en forma conjunta con su segundo álbum de estudio de la banda.

Si escuchamos la canción, alcanzaremos a escuchar el riff de la guitarra principal de Tony Iommi, en el primer ensayo, el vocalista Ozzy Osbourne comentó "que sonaba como un gran tipo de hierro caminando", con Iron Bloke convirtiéndose en el título provisional de la canción, pero esto por un corto tiempo, mientras la banda resolvía el tema de la letra. A medida que se desarrolló la letra de la canción, el título evolucionó a Iron Man.

Mucho tiempo después Iron Man se usó en los créditos finales de la película Iron Man de 2008, así como en su adaptación de videojuego y el tráiler de la secuela de 2010, Iron Man 2. El personaje Tony Stark, el alter ego de Iron Man, también usa una camiseta de Black Sabbath en la película de 2012 Los Vengadores. La canción ganó el puesto número 317 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos a partir de 2004. Iron Man fue clasificada como la sexta mejor canción de Black Sabbath por Rock - Das Gesamtwerk der größten Rock-Acts im CHECK, y VH1 clasificó la canción como la mejor canción de heavy metal de todos los tiempos. Otros logros de esta canción fue alcanzar el puesto 52 en la lista Billboard Hot 100 en 1972, convirtiéndose así en el single The Black Sabbath en llegar al puerto más alto en ese momento. También alcanzó el puesto 68 en el Top 100 de la revista Canadian RPM Magazine.  

Daniel 

Instagram storyboy 

Wilson Pickett - The Exciting Wilson Pickett #Píldora 17

 

El disco The Exciting Wilson Pickett tiene unos musicos de acompañamiento excelentes (Cropper, Hayes, entre otros), pero se necesita Pickett para convertir este disco en uno de los grandes discos de soul de la época solo es capaz de entregar esa implacable dureza en su voz, pero que nunca nos resulta insoportable o áspera. Pickett es la estrella, obviamente, estamos escuchando a uno de los mejores cantantes de soul de su época y no importa si es alguna de las canciones no la conoces acaba impresionando cada tema, hace un trabajo excepcional por eso no es un título inapropiado, sumale a los MG (aquí sin Booker T, con Isaac Hayes en su lugar) que están en buena forma y sale algo casi perfecto. "Emocionante" fue el epíteto correcto para este semental de un disco: Pickett inicia el disco a la velocidad vertiginosa de "Land of 1000 Dances", y no lo suelta ni por un segundo. Incluso aunque todos hemos memorizado "Dances" y "Midnight Hour", no se dejen engañar pensando que son un par de éxitos en un mar de relleno: el disco es aterradoramente consistente y no tienes ningún momento para recuperar el aliento. Aunque la sección de llamada y respuesta "naa-na-na-na-naa" es la parte más icónica de "Land Of 1000 Dances", es realmente la introducción lo que me encanta de la canción. Las secciones de vientos pasan como un rayo mientras el bajo las impulsa hacia adelante, es una canción ejecutada a la perfección. Sin embargo, Pickett sigue siendo la estrella del espectáculo aquí, entregando todos y cada uno de los versos de introducción como un golpe limpio y usando las letras como dispositivos de látigo. El clásico "634-5789" es un himno glorioso del espíritu de los primeros R&B, y "Ninety-nine and One-half" construye un ritmo turbio donde Pickett da su actuación más agresiva y tensa del disco (bien por el público por hacer de esta canción un poco menos comercial un éxito). Atencion al rock duro y duro de "Ninety-Nine and a Half (Won't Do)", con su ritmo sólido, trompetas contundentes y la voz cruda y áspera de Pickett. Además, Isaac Hayes está al piano aquí. La versión individual alcanzó el R&B Top 15, mientras que su lado B, el ritmo "Danger Zone" también se incluye en este LP.

0729.- Electric Funeral - Black Sabbath

 “Electric Funeral” no es la canción más destacable de Paranoid , sin duda, pero a su manera, es un tema esencial para el resto del álbum. No es "War Pigs" y no es "Iron Man", pero es algo muy grande. El album Paranoid es una suite de ciencia ficción, los peligros no están en el mundo demoníaco, sino en el mundo construido por el hombre, la imaginería evocadora en la letra es fantástica, principalmente porque somos conquistados por robots. Escuchar “Electric Funeral” evoca ese miedo a la lluvia radiactiva, algo que las generaciones actuales han sentido con la Guerra Fría y la vida posterior al 11 de septiembre. La letra es espantosa y aterradora: "flores de plástico, sol que se derrite, luna que se desvanece cae sobre / mundo moribundo de radiación, víctimas de frustración loca / globo ardiente de fuego de oxígeno, como una pira funeraria eléctrica". Gracias a artistas como Dalí, podemos imaginar cómo sería ese mundo que se derrite. Sabbath, habiendo vivido en Birmingham, un paisaje devastado por los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial, habla de ese paisaje de destrucción y tierra baldía.

Electric Funeral abre con un riff icónico de Tony Iommi que tiene un fuerte efecto wah, la banda busca un sonido simple, pero un sonido que ciertamente suene bastante oscuro y pesado.Después de pasar por dos estrofas y algunas pausas instrumentales entre las dos, la canción cambia de humor por completo y el pesado riff wah-wah da paso a un ritmo de batería frenético seguido de una serie de acordes de guitarra más oscuros que finalmente culminan en una sección más rápida. Aunque la acumulación de esta sección más rápida parecía que iba a conducir a una sección un poco más oscura, debo admitir que todavía disfruto la energía que emana de esta sección. Otra cosa destacable de esta pista es que el bajo que se vuelve increíblemente prominente a lo largo de esta sección. Una pero que tengo contra esta pista es que después de que termina esta sección más rápida, que es genial en sí misma, la transición de regreso al riff pesado de wah es inexistente, y debido a las grandes diferencias en el tempo y el estado de ánimo general, una transición suave. Fue realmente crucial allí para hacer que la secuencia fuera limpia en lugar de abrupta y un poco incómoda. Sin embargo, en general, Electric Funeral es una canción excelente y por qué es tan conocida y elogiada no es una cuestión difícil de entender. Estos tipos son muy grandes y mas de 50 años despues compruebas atonito como jovenes de 17 años siguen disfrutando de su música, y no es ningún farol, la cara de farol se me quedo a mi cuando el hijo de unos buenos amigos y compañero de mi hija en el Instituto en una celebracion le dije que pusiera la musica que quisiera, y ni corto ni perezoso nos hizo escuchar a todos este album. Grande Manu! 

Disco de la semana 308: Mingus Ah Um - Charles Mingus

 

Mingus Ah Um, Charles Mingus

     Para la recomendación de esta semana traemos la figura de un bajista, pianista, compositor, director de orquesta y autor de jazz estadounidense. Este artista, considerado como uno de los mejores músicos y compositores de jazz de la historia, fue también uno de los grandes defensores de la improvisación colectiva. Nos referimos a la figura de Charles Mingus Jr. Además de sus interpretaciones con sus bandas de repertorio y como solista, tmabién tuvo tiempo de colaborar con otros músicos como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker, Dizzy Gillespie o Herbie Hancock entre otros. Tal es la importancia de este músico, que la Biblioteca Nacional del Congreso de Estados Unidos adquirió los documentos recopilados del artista, incluidas partituras, grabaciones de sonido, correspondencia y fotografías, en lo que describieron como "La adquisición más importante de una colección de manuscritos relacionados con el jazz en la historia de la biblioteca".

Charles Mingus (1922 - 1979), nació en Nogales, Arizona, y su padre, Charles Mingus Sr., era sargento en el ejército de los Estados Unidos. Mingus se crio en gran medida en el área de Watts, en Los Ángeles, y su ascendencia incluía germano americanos, afroamericanos y nativos americanos. En casa, la madre de Charles únicamente permitía música que estuviera relacionada con la iglesia, pero él pronto desarrolló una gran pasión por otra música, especialmente la de Duke Ellington. Todo esto le llevó a estudiar trombón y más tarde violonchelo, aunque con el violonchelo no pudo seguir profesionalmente porque en aquel momento era casi imposible para un músico negro hacer carrera en la música clásica, y el violonchelo no era aceptado como un instrumento en el jazz. A pesar de todo esto, y mientras estudió y comenzó a tocar el bajo, afirmaba que su instrumento seguía siendo el violonchelo. Gran parte de la técnica de violonchelo era aplicable al contrabajo, instrumento que tomó en la escuela secundaria. 

Una pobre educación musical en su juventud, que impidió que pudiera leer las anotaciones musicales con rapidez, tuvo un serio impacto en sus primeras experiencias musicales, pues esto fue aislándole y alejándole de la música clásica. Estas experiencias y sus experiencias en la vida, quedaron reflejadas en su música, la cual se solía centrar a menudo en temas como el racismo, la discriminación y la injusticia. Su formación clásica se refleja sobre todo al comienzo de su carrera, pues escribió piezas que incorporaban elementos de la música clásica. 

Mingus empezó a ganar reputación como un prodigio del bajo, y su primer trabajo profesional importante fue tocando con el ex clarinetista de Duke Ellington Barney Bigard. En 1934 ya había hecho una gira con Louis Armstrong, en 1945 ya grababa en Los Ángeles en la banda dirigida por el trompetista estadounidense Russell Jacquet, y a finales de la década de los 40 tocó con el vibrafonista, pianista, percusionista y director de orquesta estadounidense de jazz Lionel Hampton. La fama y reputación de Mingus va creciendo, y antes de alcanzar el reconocimiento mundial toca en conciertos con Charlie Parker. Mingus consideraba a Parker el mayor genio e innovador en la historia del jazz, pero tenía una relación amor odio con el legado de Parker.

La década de los años 50 suele ser considerada como el periodo más productivo y fértil de Mingus, llegando a realizar 30 discos para varios sellos discográficos. Precisamente de esa época, concretamente 1959, es el disco recomendado para esta ocasión, Mingus Ah Um, uno de sus trabajos más conocidos. Mingus Ah Um fue grabado entre el 5 y el 12 de mayo de 1959 en los estudios Columbia 30th Street de Nueva York, bajo la producción del saxofonista y compositor estadounidense de jazz Teo Macero, y publicado en octubre de 1959 por el sello discográfico Columbia Records, siendo el primero realizado para este sello discográfico. La portada presenta una pintura del reputado diseñador gráfico estadounidense S. Neil Fujita, muy conocido por sus diseños de portadas de libros y discos. 

El disco es una delicia instrumental, del primer al último tema, desde que comienza con Better Git In Your Soul, inspirado en el canto gospel y la predicación de las iglesias con las que Mingus se había criado en su niñez en Watts, Los Ángeles; pasando por Goodbye Pork Pie Hat, una referencia al saxofonista Lester Young, el cual había fallecido poco antes de que se grabara el disco, y que era conocido por llevar sombreros de "pork pie" (ala ancha). A día de hoy este pieza es considerada un estándar de jazz; Boogie Stop Shuffle, un tema basado, como su propio título indica, en el hecho de detener el tiempo, para barajar y volver; Self-Portrait in Three Colors, escrita originalmente para la primera película de John Cassavetes como director, Shadows (Sombras), pero que nunca se llegó a utilizar por razones presupuestarias; Open Letter to Duke, un tributo a Duke Ellington que se basa en tres piezas anteriores de Mingus (Nouroog, Duke's Choice y Slippers); Bird Calls, tema del que se creía era una referencia Charlie Parker, algo que el propio Mingus se encargaría de desmentir, pues "No se suponía que debía sonar como Charlie Parker, se suponía que debía sonar como pájaros"; Fables of Faubus, un tema que generó cierta polémica, pues fue escrita como una protesta directa contra el gobernador de Arkansas Orval E. Faubus, el cual estaba en contra de la integración en las escuelas de Little Rock, Arkansas, llegando a desafiar las sentencias de la Corte Suprema de Estados Unidos. Columbia Records se negó a permitir que se incluyera la letra de la canción, por lo que esta se grabó como instrumental en el álbum. No sería hasta el 20 de octubre de 1960 que la canción fue grabada con letra para el álbum Charles Mingus Presents Charles Mingus bajo el sello independiente Candid. Debido a problemas contractuales con Columbia, la canción no pudo ser lanzada como Fables of Faubus, por lo que la versión de Candid se tituló originalmente Original Faubus of Fables; pasando por la mágica Pussy Cat Dues, hasta llegar al magnífico cierre del álbum, Jelly Roll, toda una referencia y tributo al pionero del jazz, el pianista Jelly Roll Morton.  

Mingus Ah Um es uno de los trabajos más conocidos del gran maestro Charles Mingus, un disco más que recomendable para iniciarse en la escucha de uno de los grandes del jazz, si no lo has hecho ya.

0728.- Paranoid - Black Sabbath

El segundo álbum de los británicos Black Sabbath iba a llamarse inicialmente "War Pigs", pero debido a la fuerte carga política y antibelicista de la canción que iba a darle nombre, la discográfica presionó para que se cambiara. La elegida para dar nombre al disco pasó a ser entonces "Paranoid", una descarga eléctrica de dos minutos que podría englobarse tanto en el terreno del heavy metal como del "protopunk" de The Stooges o The Ramones, y que se había incluido en el disco como relleno, ya que los Sabbath no terminaban de verla como un hit. Grabado y publicado en 1970, "Paranoid" fue nº1 en Reino Unido, lo que significó el primer gran éxito de la banda, y se convirtió después en un disco de culto para las generaciones posteriores.

Pero quizá lo más sorprendente para el grupo no fuera el éxito del disco, sino que una canción que habían compuesto en apenas media hora de descanso entre sesiones de grabación, y que apenas contaba para ellos, se convirtiera en el tema más exitoso de su carrera. La canción surgió cuando Tony Iommi, mientras esperaba a que el resto de la banda volviera de buscar unas cervezas, empezó a tocar un riff que surgió de la nada. No tenía grabadora, así que estuvo tocando el riff hasta que los demás volvieron, para que no se le olvidara. La letra vino después, y en línea con el resto del disco, se centró en la parte más negativa de la condición humana. En el caso de "Paranoid", y como su propio nombre indica, lo que se cuenta es la angustia y la desesperación de un enfermo mental.

El sencillo de "Paranoid" se completó con la canción "The Wizard" en la cara B, y alcanzó el nº4 de las listas de Reino Unido, siendo nº1 en Alemania​ y nº2 en Países Bajos, Bélgica y Suiza. Sorprendentemente, fue en Estados Unidos, la tierra de los mencionados Stooges y Ramones, dónde peores resultados obtuvo, quedándose en el puesto 61 de las listas USA, pero ese pequeño traspiés no hizo que Ozzy Osbourne y compañía se volvieran "paranoicos" al respecto, y acabaron por conquistar también a los oyentes del otro lado del Atlántico.

0727- War Pigs - Black Sabbath

 

War Pigs, Black Sabbath

     En febrero de 1970 el grupo publica bajo el sello discográfico Vertigo, perteneciente a Philips Records, su primer álbum de estudio titulado Black Sabbath, grabado sólo en dos días con un presupuesto de 600 libras. En un principio el disco no consiguió acaparar la atención de la crítica, pero poco a poco y con el tiempo el disco, que estuvo mucho tiempo posicionado en las listas, obtuvo certificación de platino en Estados Unidos y de oro en Reino Unido. Debido a la portada del disco y el estilo del grupo, éste recibe la fama de ser una banda satánica, llegando a ser invitados por una secta satánica para que tocara en uno de sus ritos en Stonehenge. La banda lógicamente se negó, pero al parecer fueron maldecidos por un integrante de la secta. Como medida de protección, el padre de Ozzy les fabricó a cada uno de los integrantes una cruz de plata que debían llevar colgada del cuello a todas partes.

Para aprovechar el éxito que el disco ha tenido en estados Unidos el grupo se mete en el estudio en junio de 1970, y en septiembre de 1970 lanzan al mercado su segundo álbum de estudio, Paranoid. Las composiciones de los temas están dotadas de esa oscuridad tan característica del famoso tritono, y las letras de Paranoid se encargan de hablarnos de la parte más negativa y mala de la condición humana. Todas las composiciones de este álbum están acreditadas a los 4 componentes de la banda. Sobre el título del disco, el grupo lo quería llamar War Pigs, pero debido a presiones de la discográfica tuvieron que cambiarlo por Paranoid. De hecho la portada del álbum fue diseñada por Keith Macmillan y fue concebida para el título War Pigs, pues ilustra un cerdo con una espada y un escudo.

Y precisamente uno de los temas que nos sumerge en este viaje por la oscuridad de la condición humana es War Pigs, el tema que se supone iba a dar nombre al álbum y una auténtica joya. Un trallazo donde el grupo habla de los horrores de las guerras y lanza una dura crítica a éstas, concretamente a la guerra de Vietnam, a los militares y a los políticos, a los que califican como "Cerdos de guerra". Al grupo se le ocurrió la idea de escribir el tema mientras se encontraban tocando por Europa en una base de la Fuerza Aérea Estadounidense. El tema fue escrito en algún lugar de un desierto de Zurich, Suiza, cuando aún se encontraban tocando para audiencias más pequeñas.

Father of all..... - Green Day #MesGreenDay

El grito es casi unánime, estamos ante un álbum es casi infame por su marketing fuera de contacto, y por no cumplir las expectativas y no reflejar lo que realmente es la música de Green Day, pero somos un blog serio y si o si tenemos que terminar el mes Green Day y ese final o es otro que Father of All… o lo que sea que entregaron, asi que me dispongo a volver a escucharlo, ya lo hice en su estreno y se quedó perdido en el limbo, pero sinceramente me apetece volver a enfrentarme a él. Le he dado otro par de intentos esta semana para ver si mi opinión cambia y no ha mejorado, sino que me disgusta más. De hecho, no recordé una sola nota de este álbum entre entonces y ahora, aparte de la canción principal y el coro de 'Take the Money and Crawl', recordé la parte principal del estribillo porque me pareció pegadiza en una especie de comercial de coches, lo que supongo que vale algo, pero la otra razón por la que se quedó en mi cabeza desde que la escuché por primera vez, fue sonaban TAN mal que simplemente no podía olvidarlos. Aparte de que necesito quejarme hay poco que decir sobre las otras canciones, muchas de las pistas suenan como copias unas de otras, es extraño escuchar las mismas estructuras repetidas en algo cercano a la mitad de la lista de canciones. El principal culpable de eso que me viene a la mente es la fórmula del verso de alternar entre golpes de instrumentos y canto, si entiendes a lo que me refiero (DUN DUN DUN DUN - todos los instrumentos se detienen, excepto la batería tal vez - *Cantando* - DUN DUN DUN DUN - *Cantando*, repetición). No puedo señalar ninguna composición inteligente o subversiones musicales (aparte de subvertirse a sí mismo de la buena música). Muchas de las letras tienen exactamente el efecto opuesto de inteligente para mí. El álbum dura 26 minutos, pero cada canción se siente MUCHO más larga que su tiempo de ejecución, lo máximo que ha obtenido de mí es "huh, un poco pegadizo" y luego lo olvido, o algo más en la canción agria lo bueno que traté de encontrar. Creo que si cortas cada sección de estas 10 pistas y descartas todo lo que no tiene valor, tal vez podrías hacer 2 canciones con el contenido restante.

Dicho todo esto, no soy un fanático. No soy particularmente una persona pop-punk, pero puedo disfrutar de algunas canciones de Green Day, así que no soy inmune a que me guste cualquier cosa dentro del género. El marketing boomer acaba de agregar la guinda del pastel que le dio al álbum una cantidad remota de cobertura, de lo contrario, creo que esto se habría olvidado TAN rápido, de manera similar a cómo olvidé aproximadamente 25 de 26 minutos de este lanzamiento solo un pocos meses después de darle una generosa cantidad de escuchas. Y ahora un breve resumen de lo que me ha parecido cada cancion

Father of All, fue el sencillo principal e inmediatamente me hizo saber que este álbum estaba destinado a ser una decepción. la mezcla, como la mayoría de las canciones de este álbum, es confusa. el falsete de Billie Joe es simplemente... un sonido extraño, con una tonelada de distorsión (y no del tipo bueno) y está completamente enterrado en la mezcla: a veces me esforzaba por escucharlo. además de eso, esta es solo una vieja y aburrida canción de Green Day, del tipo que he escuchado antes y que lo hacían mejor. Fire, Ready, Aim cuya mejor descripción que he escuchado es que parece hecha para un anuncio de una competición de carreras…. ¿Y porqué lo comprimen tanto? Acaso es para que entre en el anuncio, al menos Oh Yeah te llega un poco, no es una canción que me gustaría escuchar regularmente, al menos aprecio las voces reverberadas y el sintetizador en la parte posterior de la segunda mitad, no es una canción terrible en general. 

Meet me on the roof es un rock comercial que probablemente me dará migraña después de escucharlo, no odio completamente. la mezcla sigue siendo muy mala. I Was a Teenage Teenager tiene posiblemente el peor título de canción de todos los tiempos, qué demonios significa eso. claro, la melodía no es horrible, pero entre la letra cursi y, de nuevo, una producción terrible, se estropea del todo. Stab you in the heart es una versión pop punk del rock and roll de los años 50, parece genial pero no es inmune a los problemas que planean por el resto del álbum. Sugar Youth y esass guitarras tan poco interesantes, simplemente suenan planas y poco dinámicas esa fue mi concclusion. Además, ¿por qué Billie Joe sigue escribiendo canciones sobre la juventud? Vamos, hombre, tienes casi 50 años, debe haber otras cosas sobre las que escribir ahora. Junkies on a high probablemente tiene la letra más significativa del álbum (es un listón muy bajo), pero una vez más, la mezcla es horrible, todo es tan plano y estático y resulta casi plomiza. Take the Money and Crawl, sí ya ni siquiera sé qué decir, bueno si, suena igual que el resto del álbum. Graffitia...... se me acabaron las cosas que decir. es simplemente mala.

0726.- To Be Young, Gifted and Black - Nina Simone

Grabado en 1969 y lanzado en 1970, Black Gold fue uno de los últimos álbumes lanzados antes de que el tiempo de Nina Simone en los Estados Unidos llegara a un abrupto final. La grabación refleja una actuación en el Philharmonic Hall de Nueva York, frente a una multitud que semanas antes habían agotado las entradas. Simone había lanzado numerosos álbumes en vivo durante los años 60, la mayoría de los cuales fueron grabados en la ciudad de Nueva York en lugares del Midtown como Carnegie Hall y The Town Hall. Cuando se grabo este concierto Nina Simone se encontraba en la cima tanto de su fama como de su pasión política, lo que se refleja en la increíble calidad de la interpretación y su inspirada elección del material. Black Gold presenta una mezcla de canciones folclóricas tradicionales, composiciones originales y versiones en las que Simone le da su propio toque y refleja una breve instantánea de Simone actuando en un momento definitivo de su carrera, un testimonio con el que sin duda queda claro que merece el título de "suma sacerdotisa del soul". La elegancia magistral de su música, a la vez formidable y hermosa, se escucha no solo en la habilidad de su forma de tocar, sino también en la entusiasta recepción que recibe de la multitud presente esa tarde de principios de otoño. Es un recordatorio de que su talento estaba respaldado por una personalidad singular, que era a partes iguales difícil, divisiva, audaz e intransigente. Black Gold nos ofrece el privilegio de escuchar a esta personalidad en todo su esplendor sin adornos, crudo y poderoso, manteniendo vivo el espíritu inquieto de una mujer increíble en los corazones de aquellos a quienes ella inspiró.

Pero Black Gold es especialmente notable por su interpretación de uno de los mejores himnos de derechos civiles de Simone, 'To Be Young Gifted And Black'. Grabado y lanzado en 1969, fue escrito en colaboración con el compositor y multiinstrumentista Weldon Irvine, en memoria de la difunta amiga de Simone, Lorraine Hansberry, autora de la obra A Raisin in the Sun. Fue admirada por otros creativos y activistas, como James Baldwin y Martin Luther King Jr., como una de las escritoras más perspicaces sobre la experiencia de los afroamericanos en la sociedad moderna, y se convirtió en la madrina de la hija de Simone, Lisa. A Simone se le une en el escenario un coro de cantantes, lo que refuerza el mensaje de la canción de levantamiento comunitario y la elevación del talento negro marginado. Su franca introducción explica que "no está dirigida a los blancos; no los menosprecia de ninguna manera, simplemente los ignora... Porque mi gente necesita toda la inspiración y el amor que pueda obtener". La interpretación de la canción de Simone se encuentra entre las mejores, alcanzando momentos de liberación extática que rivalizan con la energía alegre de un coro de gospel y su mensaje inspirador martillado con una pasión insaciable.

0725.- I'll be there - Jackson 5

El primer single del tercer álbum de los Jackson 5, publicado por la Motown en agosto de 1970, es una canción escrita y producida por Berry Gordy, Hal Davis, Bob West y Willie Hutch. Fue el cuarto número 1 consecutivo de la banda de los hermanos Jackson, que venían de cosechar el éxito con "I Want You Back" en 1969, junto con "ABC" y "The Love You Save" en 1970, y que en ese momento establecieron el récord de ser el primer grupo que alcanzara el nº 1 con sus cuatro primeros singles. En concreto, "I'll Be There" tiene también el honor de ser, no solo su single de mayor éxito, sino el de toda la Motown hasta ese momento.

El propio Michael Jackson comentó, en su libro autobiográfico Moonwalk, que "I'll Be There" fue realmente la canción que consolidó a los Jackson 5 en el panorama musical de los años 70 y les quitó la etiqueta de banda infantil. Todo un dato a tener en cuenta, porque el cantante cumplió 12 años al día siguiente de que "I'll Be There" se publicara.

El éxito de "I'll Be There"  ha sido prolongado por la gran cantidad de artistas que lo han versionado desde entonces, siendo especialmente destacable la versión que Mariah Carey y Trey Lorenz realizaron para su actuación en el "MTV Unplugged" de Carey en 1992, y que acabó siendo publicada como single de promoción del disco en directo. El "I'll Be There" de Carey fue también nº 1 en Estados Unidos, demostrando que la canción de los Jackson 5 seguía teniendo vigencia y era, una vez más, poseedora de la llave del éxito.