0014: Cheek to Cheek - Ella Fitzgerald and Louis Armstrong

"En el el cielo, estoy en el cielo", escuchando a Ella Fitzgerald y Louis Armstrong en "Ella and Louis", uno de los varios discos que realizaron juntos la genial cantante y el virtuoso trompetista en la década de los cincuenta para Verve Records, y que tiene en el tema Cheek to Cheek su pieza más representativa y más conocida. La habéis escuchado en multitud de películas y anuncios televisivos, y en cada una de sus escuchas, la característica voz rota de Louis Armstrong y la aterciopelada garganta de Ella Fitzgerald nos siguen transportando a ese cielo idealizado, que el autor de la canción sintió al bailar "mejilla con mejilla" con su anónimo amor.

Para grabar las canciones que componen el disco, en su mayoría duetos en los que siempre había además espacio para los solos de trompeta de Armstrong, se rodearon del cuarteto de Oscar Peterson, formado por Ray Brown al contrabajo, Herb Ellis a la guitarra, Buddy Rich a la batería y el propio Peterson al piano. Temas como Can't we be friends, Moonlight in Vermont, Tenderly o April in Paris son igualmente destacables, pero fue Cheek to Cheek la que trascendió más allá de las fronteras de una obra conjunta que fue grabada con la delicadeza y virtuosismo de dos monstruos del jazz vocal en estado de gracia.

Para crear la base del disco, Norman Granz (fundador de Verve Records) seleccionó las once piezas, principalmente baladas, para que Fitzgerald y Armstrong añadieran su genial interpretación. El éxito del disco fue tal, que generó hasta dos secuelas posteriores: Ella and Louis again y Porgy and Bess, y las tres obras fueron publicadas posteriormente en conjunto, para hacer las delicias de los seguidores de estos dos grandes intérpretes y de la saga de sus discos a dúo, prolongando al máximo el efecto "cielo" que producía bailar "mejilla con mejilla" mecidos por su música.

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Canciones que nos emocionan: Midnight Train To Memphis - The Steeldrivers

 

The Steeldrivers

     El 15 de enero de 2008, bajo el sello discográfico Rounder Records, se publica The Steeldrivers, el primer álbum de estudio de la banda de bluegrass The Steeldrivers, la cual en ese momento se encuentra integrada por Richard Bailey (banjo), Mike Flemming (bajo, voz), Tammy Rogers (violín, voz), Mike Henderson (mandolina) y Chris Stapleton (guitarra, voz). 

     El disco obtiene una buena valoración de la crítica y también una gran aceptación del público, alcanzando en Estados Unidos el puesto número 57 en la lista Billboard Country Albums. El grupo obtiene también una nominación a los premios Grammy como mejor interpretación de Country de un dúo ó grupo por el tema incluido en el disco Blue Side Of The Mountain.

Incluido en el álbum encontramos otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, Midnight Train To Memphis, escrito y compuesto por Mike Henderson y Chris Stapleton. Chris Stapleton posteriormente vuelve a coger el tema y lo graba para incuirlo en su disco en solitario From a Room: Volume 2 (2017). Stapleton manifestaba al respecto que ese tema pertenecía a su antigua banda The Steeldrivers, y que una vez que dejó la misma el siguió manteniendo el tema en su repertorio pues le encantaba tocarlo en vivo, por lo que pensó que era un tema que debía volver a grabar. 

     Líricamente, el tema trata de un personaje que nos relata en primera persona como se encuentra en la cárcel cumpliendo una condena de 40 días por una multa que no ha podido pagar, y durante todos los días que allí pasa puede escuchar el sonido lejano de un tren que pasa por allí cerca. 

Well, judge looked down, gave me forty days

Instead of the fine that I could not pay

Said "Walk right, you'll soon be home

Cross the line, you'll be on your own"

Forty days of shotguns and barbed wire fences

Forty nights to sit and listen

To the midnight train to Memphis

Well now, whistle blows when the sun comes up

Head to floor, keep your big mouth shut

Eat your breakfast on the ground

Work like hell till the sun goes down

Forty days of shotguns and barbed wire fences

Forty nights to sit and listen

To the midnight train to Memphis

Well now, then for the jury, ten for the judge

Twenty more to forget my grudge

When I get to thirty-nine

That's the longest day in a prisoner's mind

Forty days of shotguns and barbed wire fences

Forty nights to sit and listen

To the midnight train to Memphis

Midnight train to Memphis

Midnight train to Memphis

Oh, Midnight train to Memphis

0013: Don't Be Cruel - Elvis Presley

 

Don't Be Cruel, Elvis Presley

     El 2 de julio de 1956, durante unas sesiones de grabación de los estudios RCA en Nueva York, Elvis Presley graba entre otros temas Don't Be Cruel, Hound Dog y Any Way You Want Me. El 13 de julio de 1956 aparece publicado bajo el sello discográfico RCA victor, el tema Don't Be Cruel como cara B del sencillo Hound Dog, tema del que ya hemos hablado anteriormente. 

Para la grabación de Don't Be Cruel, Elvis cuenta con la participación de los músicos de sesión Scotty Moore a la guitarra, Bill Black al bajo y D. J. Fontana a la batería y coros. El tema rápidamente alcanza el puesto número 1 en las listas de ventas en Estados Unidos, convirtiendo el sencillo que contenía los temas Hound Dog / Dont' Be Cruel en el único sencillo de la historia en el que sus dos lados alcanzan el puesto número 1 en las listas de ventas.

El tema está acreditado a Elvis Presley y al famoso cantante, pianista y compositor afroamericano Otis Blackwell. En navidad de 1955, a Otis las cosas no le iban muy bien por entonces, pero sigue escribiendo canciones nuevas, consiguiendo vender seis de ellas a una editorial por 25 $ cada una. A esta editorial le gustan tanto las composiciones que le ofrecen un trabajo a tiempo completo, Otis acepta de inmediato. Al poco tiempo a Otis le comunican que hay una estrella de rock emergente llamada Elvis Presley que quiere trabajar con el y sus composiciones, pero le imponen una condición, tenía que ceder el 50 % de las regalías de los temas. Otis en un principio se niega, de ninguna manera quiere renunciar a la mitad de un trabajo que es completamente suyo, pero sus amigos logran convencerle, la mitad es mejor que nada. Más tarde se supo que no era Elvis quien quería y gestó ese suculento acuerdo por los derechos de los temas, fue su mánager el coronel Tom Parker. Don't Be cruel se convirtió en uno de los éxitos más grandes de Elvis, y Otis trabajó con Elvis asiduamente y compuso más temas de éxito para él.

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David Bowie - Aladdin Sane (Mes David Bowie)

¿Quién va a querer a Aladdin Sane?

El alter ego que sustituyó a "Ziggy Stardust" en el siguiente disco triunfal de David Bowie, después de que "matara" al mítico personaje de "The Rise and fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" era un reflejo de las preocupaciones del artista por lo que él interpretaba como una tendencia hereditaria en su familia a sufrir problemas mentales. El miedo que sentía a que los problemas que sufría su hermano fueran hereditarios, y que por tanto pudieran afectarle a él en algún momento, tuvo su personificación e en la figura del icónico "Aladdin Sane", en realidad un juego de palabras para definir a "un muchacho demente" ("A lad insane").

El cambio de personaje trajo consigo, también, una evolución en el sonido de Bowie, que aunque siguió inmerso en el explosivo glam rock que había caracterizado su anterior obra, las canciones de Aladdin Sane dejaron entrever claros tintes stonianos y una innovadora tendencia a la teatralidad y el vodevil, en una combinación que resultó de lo más fresca y efectiva. La mayor luminosidad de la música no afectó a unas letras que volvieron a ser tan sexuales, ambiguas y decadentes como en entregas anteriores.Buena prueba de ese nuevo enfoque "stoniano" es el arranque del disco con Watch that man, pieza marcadamente rockera y revestida con potentes coros, en la que la guitarra de Mick Ronson dibuja brillantes trazos, acompañada del efectivo colchón rítmico que forman la batería, el bajo y, sobre todo, el piano de Mike Garson, que brilla omnipresente a lo largo y ancho de todo el disco, y que tiene su punto de máximo esplendor en Aladdin Sane, tanto en la manera en que da vigor al tema en su parte más ortodoxa, como en la brillante parte de improvisación final, en la que sus dedos vuelan sobre las teclas para dibujar, en clave de jazz experimental, la locura que atormenta al personaje, que en el estribillo se pregunta: ¿Quién va a querer a un muchacho demente?.

Tras el vigoroso arranque de los dos temas anteriores, Bowie se permite en Drive-in Saturday el lujo de homenajear a la música doo wop y el cine de los años 50, en concreto las películas sobre amores adolescentes en los auto-cines al aire libre. Es uno de los temas del disco que más ha perdurado en la memoria de sus fans, estando presente en la mayor parte de recopilatorios de sus mejores temas. Es sólo un brillante alto en el camino de rock vigoroso y de efectivos estribillos, retomado inmediatamente después en temas como Panic In Detroit y Cracked Actor.

El disco entra entonces en el tramo más teatral y cabaretero con Time, pieza clave por su brillante estructura dramática y sus grandilocuentes coros. Una joya oculta e infravalorada de su extensa e interesante discografía, como lo es también The Prettiest Star, más sencilla y menos pretenciosa, y dotada de una melodía dulce y elegante y unos coros que retoman el guiño doo wop que ya había introducido en Drive-in Saturday.

Prueba de su aparente homenaje o acercamiento a la música de los Rolling Stones, es la versión que incluye del Let's spend the night together de "sus satánicas majestades", en la que de nuevo intenta transmitir cierta locura en la interpretación, dotándola de mayor velocidad. Pese al esfuerzo, el tema palidece comparado con el original, y da la sensación de transitar por un camino que podría haberse evitado, para haber tirado directamente por un atajo hacia las dos obras maestras con las que David Bowie despide uno de los mejores discos de su carrera.

La primera de ellas es The Jean Genie, el auténtico hit atemporal del álbum, con un icónico riff de guitarra y un rotundo estribillo, y Lady Grinning Soul es la excelsa rubrica final de unos músicos en estado de gracia y explorando terrenos musicales en el límite entre el rock y esquemas más clásicos, encabezados por el sublime piano de Mike Garson, acompañando a la perfecta ejecución vocal de un Bowie que logra hacer de la demencia un arte, y que sea fácil rebatir la pregunta que Aladdin Sane se hacía a sí mismo: ¿Quién no va a querer a un muchacho demente si es capaz de hacer discos como éste?

0012: Hound Dog - Elvis Presley

 

Hound Dog, Elvis presley

     En 1952, la famosa dupla compuesta por el letrista Jerry Leiber y el compositor Mike Stoller componen y escriben un blues de doce compases llamado Hound Dog. El tema es grabado por primera vez por la cantante de blues Big Mama Thornton en agosto de 1952 y publicado en febrero de 1953 por el sello discográfico Peacock Records. Hound Dog se convierte en el único tema de éxito de Big Mama Thornton, vendiendo más de 500.000 copias y permaneciendo unas 14 semanas en las listas estadounidenses de R&B. De este tema se han grabado más de 250 versiones, y nos vamos a centrar en la más conocida y que más éxito tuvo, la realizada por Elvis Presley.

A principios de 1956 Elvis Presley comienza una gira por el medio de oeste de Estados Unidos, y durante aquella gira tiene la oportunidad de asistir a conciertos de Freddie Bell and The Bellboys en Las Vegas. Freddie Bell había lanzado una versión de Hound Dog en 1955, una versión que a Elvis le fascinó. El grupo realizaba una especie de versión cómica del tema, con una letra que difería algo de la original grabada por Big Mama Thonton. Elvis graba, bajo el sello discográfico RCA Victor, su versión de Hound Dog en julio de 1956 usando la misma letra que habían utilizado Freddie Bell and The Bellboys. El tema con el paso del tiempo se ha convertido en una de los sencillos más vendidos de todos los tiempos, y la revista Rolling Stone lo sitúa en el puesto número 19 de su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. 

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Un país, un artista: Colombia - Kraken

 

Kraken

     Nos adentramos en lo años 80 en Colombia, y tanto las discográficas como las emisoras de radio empiezan a presar atención a los nuevos grupos de rock en español que van emergiendo. Dentro de esta nueva ola de grupos que empiezan a a hacerse se encuentran Compañía Ilimitada, Pasaporte, Ekhymosis, 1280 Almas, Darkness, La Pestilencia (máximo exponente del punk en esa época), Aterciopelados, y el grupo al que vamos a dedicar nuestra sección, Kraken, banda de hard rock y heavy metal fundada enMedellín, Colombia, que tuvo un gran auge en su país natal, en Hispanoamérica y llegó a sonar fuerte en Estados Unidos, México, argentina, Canadá, Perú, y en Europa, siendo  España uno de los países europeos donde más se extendió. 

Para hablar de Kraken tenemos que detenernos en la figura de Elkin Ramírez, un cantante que tene su primer contacto con la música a los 16 años, y entre sus influencias se ecuentran grupos como Black Sabbath, Gotthard, Iron Maiden, DIO, Judas Priest, Mötorhead y Barón Rojo, y clásicos como Puccini, Schubert, Mozart, Beethoven y Wagner. Todos ellos marcarán en el futuro su forma de enender tanto la vida como la música y su forma de componer. Elkin comienza como cantante en 1981, y va forjando su estilo en grupos como Lemon Juice, Hertz, Kripzy, y posteriormente Ferrotrack. Es a finales de 1983 cuando Elkin es invitado a cantar en un grupo que se dedica a versionar temas de grupos reconocidos. Los músicos que conforman la agrupación en ese momento son Hugo Restrepo (guitarra), Jorge Atehortua (bajo), Jaime Tobón (guitarra rítmica) Gonzalo Vásquez (batería), y el recién incorporado Elkin Ramírez (voz).

El 18 de junio de 1984 nace oficialmente la banda Kraken, la cual tiene ya un repertorio propio, y la banda tiene una curiosidad, las composiciones del grupo son en español. El 22 de setiembre de 1984 la banda, que va dando pasos para afianzarse, da un concierto de lanzamiento de la banda en su Medellín natal, concretamente en el teatro Lux de Manrique, ante unas 1200 personas. Al año siguiente, 1985, el guitarrista Jaime Tobón abandona la formación, siendo sustituido por Ricardo Posada, siendo los cambios de componentes en el grupo, una tónica general durante la trayectoria del mismo, siendo el único que se matiene en el mismo hasta su fallecimiento Elkin Ramírez. El grupo sabe que tiene que tiene que ir quemando etapas, y mientras sigue forjándose con uno directos llenos de intensidad, garra y fuerza, tienen claro que su objetivo pasa por componer sus propios temas. Y así nacen sus primeros temas, Nada ha cambiado aún, Todo hombre es una historia, y Muere libre. Cuando se quieren dar cuenta, se encuentran tocando en 1986 en la Plaza de Toros de Medellín, junto al grupo brasileño Santuario, donde los 6.000 asistentes ya cantan y corean los temas inéditos de Kraken. No han grabado todavía ningún disco y grabaciones piratas de sus temas circulan por todo el país como si de un virus se tratase, y además ya cuentan con un gran número de fans que convierten a la banda en ese momento en una de las más representativas de Colombia.

La banda viene pisando fuerte, y esto no pasa desapercibido, por lo que a finales de 1986 consigue publicar su primer sencillo, compuesto por los temas Todo hombre tiene una historia y Muere libre. Para la grabación del mismo les imponen una condición, tienen que aportar 500 firmas de personas comprometidas en comprar otras tantas copias. La banda conseguirá vender mas de 10.000 copias. Todo esto hace que el grupo haga las maletas y salga y comience a tocar fuera de Medellín. A comienzos de 1987 graban su segundo sencillo compuesto por los temas Escudo y espada y Soy real, del cual venden unas 7.500 copias. Todos esto hace que su sello discográfico, Codiscos, que tiene ciertos miedos y reservas debido a la poca tradición que hay por entonces por el hard rock y el heavy metal, se tire al charco y por fín publique su primer disco de estudio de larga duración, Kraken I, compuesto por 8 temas entre los cuales se encuentran los 4 lanzados anteriormente como sencillos, y donde predomina el heavy metal. El disco irrumpe como un torbellino en una Colombia donde predomina la música popular, salsa, vallenato, merengue, etc., La banda consigue vender en pocos meses más de 150.000 copias en el país y se convierte en la primera banda de este estilo en tener una gran aceptación y aparecer tanto en televisión como en la radio. 

La banda va como un tiro y en 1988 realizan su primera gira nacional por el país, tocando en ciudades como Bogotá, Manizales, Pereira, Armenia, Cúcuta, Cali y Medellín entre otras. La banda sabe lo que necesita para crecer, y se rodea de un reresentante y mánager, de asesores de imagen, equipos de fotografía, marketing y patrocinadores, y a pesar de la retirada de su guitarrista lider, Ricardo Posada, para proseguir sus estudios universitarios, esto no impedirá a la banda seguir creciendo y meterse en el estudio para preparar su segundo álbum de estudio. 

Con un disco a sus espaldas y una gira nacional, la banda ya se ha consolidado como la banda más influyente del género y una de las más importantes de colombia. Pero la banda también crece y se enriquece musicalmente, pues en su segundo álbum de estudio, Kraken II, publicado en diciembre de 1989, el grupo también se adentra en el metal progresivo. Tanto la música como las letras son mucho más elaboradas y cuidadas, y el grupo además incluye teclados a su sonido. El resultado, por primera vez en Colombia un tema heavy metal, Vestido de cristal, incluido en este segundo trabajo de la banda, se convierte en número 1 de ventas en las listas colombianas. El grupo sigue dando los pasos adecuados para afianzarse, que seguirán con la publicación de su tercer disco de estudio, Kraken III, pulbicado en septiembre de 1990. El grupo además del heavy metal, y como ya demuestran en su anterior trabajo, en éste siguen explorando otros géneros como el metal progresivo y el rock progresivo, convirtiendo este tercer disco en el más consistente y maduro de la formación. Todo esto le vale al grupo para realizar a finales de 1991 su primer concierto fuera del país, concretamente en la localidad venezolana de Poliedro de Caracas, ante unas 20.000 personas.

La banda durante este tiempo ha sufrido inconvenientes con la retirada y cambio de algunos de sus componentes, pero ha sabido superarlos y en noviembre de 1993 nace Piel de cobre, su cuarto álbum de estudio. El grupo vuelve a la senda del sonido heavy metal, pero las letras, compuestas por Elkin Ramírez, se centran en acontecimientos mitológicos y culturales que marcaron las principales culturas prehispánicas (Maya, Azteca e Inca), y agregan instrumentos propios de esas culturas. Este disco requirió un profundo estudio por parte de la banda de las costumbres y dialectos de las culturas prehispánicas que duró unos dos años. El disco resulta ser un gran éxito y se cuela en el top 10 de la lista internacional Wold Chart hispanoamericana. 

El grupo, fiel a su inquietud, publica en 1995, El símbolo de la huella, donde siguen explorando sonidos, y donde demuestran influencias de jazz y blues, y se adentran en sonidos menos comunes como el Adult Oriented Rock o el Soft Rock. El disco curiosamente apenas tiene repercusión en las emisoras de radio nacionales, pero con el paso del tiempo se convierte en un clásico de la banda y parte indispensable de su repertorio. Ese año Jorge Atehortua, miembro fundador y amigo inseparable de Elkin, se retira de la banda volutariamente, por lo que a comienzos de 1996 Elkin audiciona y ficha a nuevos músicos para continuar con las giras. Esta etapa se hace dura, pues entre 1994 y 1996 la banda realiza mś de 100 conciertos, y mientras tienen que ir venciendo dificultades y audicionar a la vez a nuevos músicos, por lo que los rumores de el final de la banda crecen como la espuma.

Dichos rumores quedan disipados con la nueva formación que monta Elkin Ramírez y que durará hasta 2003. Elkin, consciente de que las discográficas se suelen quedar la mayoría de los ingresos, funda a mediados de 1998 su popio sello independiente, Athenea Producciones, y fija la sede de la banda en Bogotá. A finales de 1999 se publica Una leyenda del rock, con un sonido orientado al heavy metal, el álbum se compone de dos partes diferenciadas, una primera que comprende los 5 primeros temas que fueron compuestos, grabados y producidos de forma independiente por el grupo en un estudio particular de Medellín, y otra parte compuesto por tres temas elaborados en formato digital. Uno de sus temas, Frágil al viento, se lanza como segundo sencillo y alcanza el número 1 no sólo en Colombia, también en Ecuador y Venezuela, y la banda es invitada a tocar por primera vez en Ecuador, donde tiene una gran acogida.

El grupo se da cuenta de que tiene un problema, cada vez parecen mayor número de grabaciones caseras tomadas por sus seguidores en los conciertos, por lo que Elkin toma la determinación de realizar grabaciones de la banda en directo, y así nace su primer directo, Kraken en vivo: Huella y camino, publicado en 2002, y el cual recoge la extensa gira que el grupo comienza en abril de 2002 y que finaliza a finales de 2002 por tierras colombianas además de tocar en la localidad venezolana de Valencia. Con este disco la banda gana un Disco de Oro gracias a las suculentas ventas generadas. A finales de 2004 se embarcan en un proyecto llamado Kraken filarmónico, una serie de 3 conciertos dados junto a la Orquesta Filarmónica de Bogotá, y acabará con la publicación del disco Filarmónico en 2006. A principios de 2006 la banda ya había sido invitada a tocar en dos de los principales festivales de rock argentinos, Cosquín Rock y Gessell Rock, y en 2007 realizan una serie de coniertos en Ecuador y Estados Unidos, cerrando ese año con una gira por cinco ciudades colombianas acompañados del grupo argentino Rata Blanca. 

En 2008 se publica y comercializa en Colombia y México un disco tributo a Kraken, llamado Tributo internacional a Kraken, un disco con 30 temas grabados por grupos de Colombia, Iberoamérica y España. En 2009 publican su séptimo disco de estudio, Humana deshumanización, con el que celebran sus 25 años en activo, y donde incluyen temas conocidos de la banda que no tenían versión en estudio todavía, como Amnesia y Extraña predicción. En 2013 la banda además de trabajar en material para su siguiente trabajo celebran su 30 aniversario con varias actividades, donde una de las más destacadas es la presentación de su Filarmónico acompañados de la Orquesta Nueva Filarmónica y el Coro Filarmónico de Bogotá, y del que se edita un DVD llmado Kraken 30 años: La fortaleza del titán. 

El 10 de septiembre de 2016 se publica el octavo y último álbum de larga duración en estudio de la banda, Sobre esta tierra. Un disco que se retrasó bastante debido a los problemas de salud de su líder Elkin, quien en junio de 2015 se somete a una operación para extraerle un tumor en el cerebro, y a partir de entonces es sometido a constantes procedimientos de recuperación y quimioterapia. El 24 de diciembre de 2016 ingresaba en la Clínica las Américas producto de complicaciones asociadas al tumor maligno del que estaba siendo tratado, y desgraciadamente fallecía el 29 de enero de 2017 en su Medellín natal. Numerosos artistas y agrupaciones se manfiestan tras la muerte de Elkin para agradecere el gran legado musical que ha dejado el artista, entre los que se encuentran, Aterciopelados, Juanes, Tres de Corazón, La Pestilencia, Ángeles del Infierno y Mago de Oz entre otros muchos. 

Tras la muerte del líder de Kraken, Elkin Ramírez, es su hijo, Andrés Ramírez quien se encarga buscar nuevo vocalista, Roxana Restrepo, para que la banda no pare y continúe con el legado de su padre, quien cantó más de una vez "Mi voz no ha muerto, solo ha tomado un nuevo aliento..."

0011: Blueberry Hill - Fats Domino

 

En el año 56, Fats Domino ya conocía las mieles del éxito con alguno de sus trabajos previos, como Ain't that a shame (1955) pero es probablemente con este disco, y en concreto con el tema Blueberry Hill, con el que conquistó la cima de las listas de ventas del momento, gracias a su peculiar estilo sonoro, un "rock and roll cadencioso y pausado, con generosas y genuinas gotas del ambiente de taberna y desfile propios de su querida Nueva Orleans.

Años más tarde, a partir de los sesenta, su estrella se fue poco a poco apagando, aunque él nunca dejó de estar activo, con publicaciones circunscritas a la escena local y apariciones periódicas en los Festivales de Jazz de Nueva Orleans, dónde permaneció hasta que, en 2005, el huracán Katrina le obligó a abandonarla. Las aguas desatadas a punto estuvieron de llevárselo, pero se aferró con fuerza a la vida y a la tierra removida de aquella vieja "colina de arándanos", publicando incluso en 2006 un nuevo álbum, Alive and Kicking (Vivo y golpeando o, adaptado al refranero castellano, Vivito y coleando), cuyas ventas se destinaron a la conservación de la cultura de Nueva Orleans.

Venerado y versionado por artistas de la talla de Paul McCartney o Led Zeppelin, sirva este trocito de música en canciones para mostrar también nosotros nuestro humilde reconocimiento a un músico que encontró su libertad "en la colina de arándanos, cuando te encontré a tí. La Luna se quedó inmóvil, en la colina de arándanos, y así se mantuvo, mientras hacías realidad mis sueños. El viento soplaba en los sauces una dulce melodía, pero todas esas promesas que nos hicimos nunca se hicieron realidad. Y aunque hoy estamos separados, tu sigues siendo parte de mí, porque tu fuiste mi sentimiento, en aquella colina de los arándanos".

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0010 La música en canciones: Be-bop-a-Lula - Gene Vincent

0010 La música en canciones: Be-bop-a-Lula - Gene Vincent 

Para la historia de esta canción comenzaremos hablando de su autor Eugene Vincent Craddock cuyo nombre artístico era Gene Vincent fue un cantante del genero de rockabilly, cuyo principal exito no es ni más ni menos que Be-bop-a-Lula, cuando en la primavera de 1956 logra junto a The Blue Caps, conformaban Gene Vincent & The Blue Caps.

Se podría decir que la letra de “Be-Bop-A-Lula”, principalmente no es una complejidad en el gusto musical, pero su historia esta llena de controversias o versiones según quien la cuente. Oficialmente, el manager de Gene Vincent, Bill "Sheriff Tex" Davis, es el coguionista, pero el sheriff Tex, un inteligente hombre de 40 años de Connecticut, parece una fuente poco probable de una joya tan ingenua. 

La historia que suena más a verdad acredita a un joven llamado Donald Graves, un amigo que Gene Vincent hizo en un hospital de veteranos de Portsmouth, Virginia. Vincent, llegada la primavera de 1955 sufriría Gene Vincent una fuerte lesión en una pierna en un accidente de motocicleta. 

Esa lesión lo llevaría al hospital por más de un año, donde un paciente recuerda a Vincent y Graves trabajando en las instalaciones para componer la canción que eventualmente se convertiría en un clásico. Sin embargo, cuando la cinta de demostración de Gene Vincent llegó a Capitol Records la primavera siguiente, el Sheriff Tex había comprado a Graves su participación en "Be-Bop-A-Lula", supuestamente por solo $ 25 Dólares.

Pero no fue la brillantez obvia de "Be-Bop-A-Lula" lo que hizo que esta canción se convirtiera un un éxito, sino el asombroso parecido entre la voz de Gene Vincent y la de Elvis Presley lo que explica la velocidad con la que Capitol atrapó a Vincent y lo llevó a sus estudios. 

De hecho, cuando Vincent y sus Blue Caps grabaron "Be-Bop-A-Lula" el 4 de mayo de 1956, fue con un lado "B" con una canción ahora en gran parte olvidada llamada "Woman Love". Sin embargo, tan pronto como los disk jockeys comenzaron a "voltear" el sencillo debut de Vincent, "Be-Bop-A-Lula" se convirtió en un éxito, subiendo al número 7 en las listas de éxitos y vendiendo más de 2 millones de copias en su primer año de lanzamiento.

"Be-Bop-A-Lula" un clasico en la historia del Rock and Roll, que fue incluso cantada por el mismo Elvis (Presley) y muchos más artistas.

Daniel 

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David Bowie - Hunky Dory (Mes David Bowie)

 

El primero de los monumentales clásicos de Bowie. Hunky Dory es claramente el intento de Bowie de hacer un álbum de "cantautor", repleto de pintorescas canciones cargada con bastante piano y con música un poco más variada tanto en sonido como en calidad que el glam rock consistentemente sublime de Ziggy Stardust. Hunky Dory se inspiró parcialmente en una gira por Estados Unidos, de ahí que contenga canciones de tributo a Bob Dylan, Andy Warhol y Velvet Underground, fue algo así como un cambio para Bowie en ese momento y esta considerado un buen golpe en la mesa de Bowie y para su tiempo una verdadera revelación entre las grandes obras míticas de otros músicos (en 1971 estaba el volumen IV de Led Zeppelin, Master of Reality de Black Sabbath, Who´s Next de The Who, y el Stick Fingers de los Rolling Stones) que consiguió situarle en un lugar mucho más alto, permitiéndole desenvoltura a nivel compositivo y preparándolo para lo que sería su momento de fama mundial.

 

Abre el álbum con Changes con ese famoso coro tartamudo que encarna gran parte de lo que Bowie iba a ser, cambiando y evolucionando a lo largo de su carrera musical ya que él nunca tuvo miedo de enfrentar a lo extraño. La canción es muy pegadiza y se te clava en el cerebro entre otras cosas por ese coro que sobresale del resto de la canción. Bowie haciendo "ch-ch-ch-changes", imitando el ritmo del piano sobre el funk deliberado de Trevor Bolder. Oh! You Pretty Things una canción divertida y pegadiza con un sonido muy optimista que logra ser sobresaliente, una vez más, se escuda principalmente en el encanto y la melodía increíble que Bowie es capaz de crear con tanta eficacia, una canción increíble sin pretensiones, que rezuma amor paternal y felicidad difusa. Eight Line Poem la podemos categorizar de curiosidad, más que una canción propiamente dicha. Aunque posiblemente sea la canción más débil del álbum, no está mal, ya que está impregnada de melancolía y sirve para prepararnos para otra de las joyas. Si la escucháramos aparte no pasaría del minuto, ensamblada en el álbum puede resultar hasta apropiada, ya que después de esta vamos a descubrir Life on Mars?, inmensa y atemporal canción de, adopta un enfoque mucho más grandioso, en el que cada momento de la canción conduce al imponente coro culminante. Si bien la melodía y la letra es algo repetitiva, los cambios de tono dan una sensación constante de escalada que hace que la canción sea tan memorable como es. Bowie se ha referido a este tema como "la reacción de una joven sensible a los medios de comunicación" y explicó despues que ella "Creo que se siente decepcionada con la realidad ... que aunque está viviendo en la triste realidad, le dicen que hay una vida mucho mejor en alguna parte, y está amargamente decepcionada de no tener acceso a él ". Bowie se le ocurrió escribir este tema después de que le pidieran que pusiera la letra en inglés de una canción francesa llamada "Comme d'habitude", Paul Anka finalmente compró los derechos de la canción francesa original y la reescribió en inglés como " My Way ", que más tarde se hizo famosa por Frank Sinatra. Life on Mars? utiliza prácticamente los mismos acordes que "My Way" y las notas escritas en el vinilo de Hunky Dory afirman que la canción está "inspirada en Frankie". Aunque es la canción más famosa del álbum no fue lanzada en single hasta pasados dos años de la publicación del álbum.

Kooks está escrita para el hijo recién nacido de David, y espera que él esté feliz de quedarse con 'la pareja de locos' que son sus padres. Es otro número pegadizo, con la voz cautivadora de Bowie y la producción que hace que su marco melódico simple sea aún más interesante convirtiéndose en un buen tributo a The Kinks acompañado de un piano que suena muy a Elton John. Quicksand es una sutil epopeya que se acerca lentamente a ti, llevándote de un lado a otro, desde el juguetón piano de Rick Wakeman a los acordes de guitarra característicos de Mick Ronson, mientras escuchas como Bowie lamenta con tristeza la naturaleza inhibidora de la religión. Esta es una canción tristemente triste, una sátira del ateísmo (en cuyo caso me ofende) o un retrato genuinamente pesimista y desgarrador del cansancio y el cansancio del mundo (¡y este fue solo su cuarto álbum!). Fill Your Heart es extraña, pero encaja perfectamente, un pequeño número deliciosamente juguetón y optimista, que le permite a Wakeman correr arriba y abajo del teclado con una destreza envidiable, después de lo escuchado es quizás una de las más flojas del álbum. Andy Warhol se disfruta con esa guitarra acústica que sube y baja sobre acordes furtivos, convirtiéndose en un tributo al artista, que no pudo vivir para escucharlo, como no se transforma en un paseo en alfombra mágica psicodélica. La guitarra conductora y las letras extrañas ("Andy caminando Andy cansado, Andy duerme un poco") horrorizaron a muchos de los compañeros del artista, pero para el oyente, la canción es una maravilla psicodélica gloriosamente tonta.

En Song for Bob Dylan Bowie se las arregla para sonar un poco como Dylan. La canción es un hermoso tributo a Dylan, pero también queda corta para otras canciones que hemos escuchado. Queen Bitch está bien, una buena imitación de "Sweet Jane" de la Velvet Underground solo que es mucho más energética, utiliza un tono de guitarra más abrasivo, que cuando se combina con la entrega vocal más sarcástica que Bowie proporciona en esta pista, hace que suene muy parecida a una canción de Velvet Underground. No solo aporta algo de frescura al álbum, por ser una pista divertida y contagiosa con un sonido muy optimista que logra ser sobresaliente una vez más, basado principalmente en el encanto y la melodía asombrosa que Bowie es capaz de crear de manera tan efectiva. Cerramos con The Bewlay Brothers, una de las canciones más débiles del álbum, con el mismo tono que "Quicksand" pero no tan conmovedora. Es una bella canción, con aliteraciones y letras que cuentan una historia real, pero que termina este brillante álbum con una nota negativa

0009 La musica en canciones : I walk the line - Johnny Cash.

Johnny Cash nace en una granja de Arkansas en 1932. Son los años de la Gran Depresión y su infancia fue lugar de penalidades, trabajo duro, la muerte de su hermano mayor en un accidente laboral en un molino le marcaría profundamente. Empezó en la música merced a su madre que le enseña a tocar la guitarra y a aficionarse al góspel

I walk the line fue grabada el 2 de abril de 1956, en un principio Cash soñaba con una balada lenta, pero el productor Sam Phillips le convenció de que hiciera un tema más rápido y fue un acierto absoluto, el single fue número uno durante seis semanas en la lista de música country y llegó a encaramarse al puesto 19 en las listas de pop. La guitarra marcando el “Freight Train” (un ritmo de tren de carga), el juego de bajos, y esa imperturbable y característica voz grave con ese zumbido gutural de Cash eran ingredientes suficientes para el éxito, pero nadie pensaba que iba a llegar tan alta. El tema habla de lo que le supuso al cantante llevar sus días al límite, atrapado en una profunda adicción al alcohol y las anfetaminas, un infierno de donde logró salir gracias al cariño y apoyo incondicional de June Carter, que fue quien recogió los pedazos de su vida y en cierta manera le hizo resucitar, y juntos pasarían el resto de sus vidas y Cash en su autobiografía mencionaría que “….June era mis señales del camino, me hacía alzarme cuando estaba débil, me animaba cuando me desanimaba, y me amaba cuando estaba solo y me sentía desamparado. Es la mujer más grande que jamás he conocido. Nadie más, excepto mi madre, se le acerca….”

 

Estamos ante una canción excelsa, que cuenta con cerca de 160 versiones y regaló a Cash su primer número uno, pero, por encima de esto, fue una de las bases sobre las que Cash asentaría su estilo, unas canciones nacidas del country y con tendencia marcadamente rockabilly. Tal fue el impacto que solo en su año de lanzamiento ya se habían grabado dos versiones, las de Carole Bennett y la de Benny Barnes.

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La música en historias: Los músicos de sesión XVI

 

     Durante las décadas de los 50 y 60 los músicos solían juntarse y concentrarse en determinadas escenas de grabación como The Wreckin Crew en Los Ángeles, MFSB en Filadelfia, The Rhythm Section en Muscle Shoals, Alabama, The A-Team en Nashville, Los Memphis Boys en Memphis, Booker T & The MG's en los estudios Stax de Memphis, ó The Funk Brothers en los Estudios Motown de Detroit. Una concentración que con el paso de los años se ha ido diluyendo. Vamos con la decimosexta entrega dedicada a los músicos de sesión.

Sly Dunbar, baterista nacido en 1952 en Kingston, Jamaica. Sly es conocido por ser la mitad del prolífico dúo de producción de música reggae y sección rítmica Sly and Robbie. Su primera grabación en un estudio es en el álbum Double Barrel, de los hermanos Dave y Ansell Collins, famoso dúo instrumental jamaicano. Posteriormente se unea una banda liderada por Ansell Collins, Flesh & Bones. El mentor de Sly fue el baterista Lloyd Knibb del grupo The Skatalites, y entre sus influencias se encuentran Santa y Carly, ambos de The Wailers Band, Winston Bennett, Paul Douglas, Al Jackson Jr. de Booker T & The MG's, así como el sonido de Filadelfia. En 1972 conoce y se hace amigo de Robbie Shakespare, por entonces bajista de los Hippy Boys. Es Shakespeare quien recomienda a Sly como baterista de sesión para el grupo The aggrovators al productor Bunny Lee. A partir de ahí se inicia una larga y duradera relación entre Sly Y Dunbar y deciden seguir tocando juntos. Durante 5 años trabajan para Peter Tosh, grabando 5 álbumes suyos. En 1980 los dos fundan su propia etiqueta, Taxi Records. Peter Tosh, Bob Dylan, Mick Jagger, Grace Jones, Gilberto Gil, The Roling Stones, Steve Gainsbug, Gary Barlow, Yoko Ono y Sinéad O'Connor son algunos de los artistas con los que ha trabajado tanto en solitario como con Robbie.

Robbie Shakespeare, bajista nacido en Kingston, Jamaica en 1953. Considerado como uno de los bajistas más influyentes de reggae, es la otra mitad y componente del famoso dúo rítmico sly & Robbie. Provenía de una familia muy ligada a la música, por lo que su casa parecía un local de ensayo, y allí está en permanente contacto con una gran variedad de músicos y estilos musicales. Empieza probando  con la guitarra acústica y la batería, pero al escuchar a una banda llamada Familyman se siente atraído por el sonido grave y profundo del bajo. Es el bajista  de Familyman el que empieza dado clases a Robbie. La primera vez que pisa un estudio es ayudando a llevar la batería de su hermano Carlie, y sintiéndose fascinado por todo aquello se suele colar siempre que Familyman graba y se dedica a observar y aprender del bajista. Posteriormente recibe clases del bajista de los Upsetters, Aston Barrett.  Cuando Barrett se une a The Wailers, Robbie ocupa su puesto en la banda The Hippie Boys, y posteriormente forma parte de The Revolutionaries y The Aggrovators. A principios de los 70 nace una fuerte amistad con Sly, y en 1974 deciden asociarse y crean su propio sello discográfico independiente Taxi Records. Jackson Brown, Bunny Wailer, Gregory Isaacs, Augustus Pablo, Cindy Lauper, Simply Red, Michael Franti, Sting, Khaled, Carlos Santana y Paul McCartney son algunos de los muchos artistas con los que ha trabajado junto con Sly tanto en la grabación como en la producción.

Philip Donnelly, guitarrista, compositor y productor irlandés nacido en 1948 en Clontarf, Dublin, y fallecido en 2019. Con una gran reputación internacional, era conocido como The Clontarf Cawboy. Comienza su carrera a finales de los 60 en una banda de Dublín llamada Potrait, que a la postre se convertiría en la banda Elmer Fudd, abandonando ésta en 1972 para ir de gira con Donovan. En 1974, finalizada la gira con Donovan, decide mudarse a Los Ángeles, donde comienza trabajando en cuatro discos de Lee Clayton como guitarrista, compositor y haciendo coros. Su estilo tan personal y único, mezclando rock, folk y música tradicional irlandesa hace que se convierta en un músico de sesión muy solicitado. Decide mudarse a Nashville donde comienza otra aventura como músico de sesión, trabajando durante los siguientes once años sobre todo con músicos de country y folk. A finales de la década de los 80 decide volver a Irlanda para ayudar a cuidar a su madre, y allí prosigue componiendo y trabajando con numerosos artistas irlandeses. A mediados de los 90 se dedica a grabar como solista y a realizar giras con su banda The Regulators. Guy Clark, Don Williams, Jim Rooney, The Everly Brothers, Johnny Cash, Nanci Griffih, Crystal Gayle, John Prine, Clannad, Fleadh Cowboys y Townes Van Zandt son algunos de lo artistas que tuvieron la suerte de trabajar con Donnelly.

Stuart Hamm, bajista estadounidense nacido en 1960 en Nueva Orleans, Lusiana (Estados Unidos). Stuart pasa su infancia en Champaign, Illinois, donde estudia bajo y piano, y comienza tocando en la banda escolar de la Champaign Central High School, que le sirve de trampolín par ser seleccionado por la Illinois All-State Band. Después de la escuela secundaria, sus habilidades musicales le sirven para asistir a la prestigiosa Berklee College of Music, en Boston. Es allí donde conoce a Steve Vai, y posteriormente a través de Vai,  también conoce a Joe satriani. Con un estilo que abarca desde blues, jazz fusión, rock progresivo ó country, Stuart además de haber publicado 8 discos en solitario hasta la fecha, ha hecho gala de sus habilidades al bajo tocando con artistas de la talla de Joe Satriani, Stev Vai, Frank Gambale, Eric Johnson, Ritchie Kotzen, Michael Schenker Group, Yngwie Malmtseen, Ronnie James Dio y Adrian Legg entre otros.

Paulinho da Costa, percusionista brasileño nacido en un barrio de Río de Janeiro, Irajá, en 1948. Desde bien pequeño aprende a tocar el pandeiro (tipo de tambor de mano) y actúa en los desfiles de samba de Río de Janeiro. Posteriormente se une al ala juvenil de Portela's Bateria, la sección de ritmo de la escuela de samba. Comienza su carrera como músico de samba, convirtiéndose en uno de los percusionistas más reconocidos internacionalmente de Brasil, tocando con muchos tríos, cuartetos, conjuntos y orquestas brasileñas. Paulinho se interesa por el jazz y la música cubana y amplia la gama de instrumentos que puede tocar. En 1972 se muda a Los Ángeles y toca con la banda de Sergio Mendes desde 1973 hasta 1976. A partir de ahí, Paulinho se convierte en uno de los músicos de sesión más solicitados de los estudios de Los Ángeles., convirtiéndose en uno de los músicos más grabados de los tiempos modernos. Abarca multitud de estilos, como blues, jazz, música latinoamericana, rock, R&B, pop, disco, country, gospel y hip hop, toca más de 200 instrumentos de percusión, siendo el atabaque, campanillas, bombo, batá, bongos, cabasa, cajón, claves, conga, cencerro, maraca, pandeiro, shekere, tambor, timbales triángulos, udu y la zabumba algunos de ellos, y además de publicar 6 discos en solitario, ha trabajado en bandas sonoras de peliculas y con más de 900 artistas y bandas musicales, entre los que se encuentran Celine Dion, Madonna, Diana Krall, Sergio Mendes, Dizzy Gillespie, Earth, Wind & Fire, Quincy Jones, The Brothers Johnson, George Benson, Donna Summer, Barbra Streisand y Michael Jackson.

0008: Roll Over Bethoven - Chuck Berry

 

Roll Over Beethoven, Chuck Berry

Nos encontramos en abril de 1956, fecha en la que Chuck Berry se mete en el estudio y graba en Chicago, Illinois el tema Roll Over Beethoven. El tema es producido por los hermanos Leonard y Phil Chess, y publicado en mayo de 1956 bajo el sello discográfico de éstos, Chess Records. Chuck Berry fue acompañado en la grabación del tema por Johnnie Johnson al piano, Willie Dixon al bajo, y Fred Below a la batería.

El tema es lanzado como cara A del single, ocupando la cara B del mismo el tema Drifting Heart. El tema rápidamente se convierte en un éxito, alcanzando el puesto número 2 en la lista Billboard R&B, y el puesto 29 en la listas pop del país estadounidense. En el año 2003 es elegida por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos para agregarse al Registro Nacional de Grabaciones. En 2004 la revista Rolling Stone posiciona el tema en el puesto número 97 de su lista Las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

Chuck se inspiró en la rivalidad que tenía con su hermana menor Lucy y escribió el tema para burlarse de ella, pues solía tocar música clásica en el piano de la familia, mientras que Chuck quería tocar R & R. La letra del tema alude a los compositores Beethoven y Tchaikovsky, quienes se revuelven en sus tumbas al escuchar que la música clásica ha dado paso al R & R. La letra del tema también hace alusión a canciones de otros artistas, como Early In The Mornin' (Louis Jordan), Blues Suede Shoes (Carl Perkins), o la canción infantil Hey Diddle Diddle (grabada por Bo Diddley). En aquel momento muchos críticos especializados de la época descartaron la música rock, entendiéndola como una moda pasajera. Cuánto se equivocaban...

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El disco de la semana 207: Farmacia de Guardia - TNT Punk Pop

Hay una Farmacia de Guardia, en Murcia, muy diferente a cualquier otra a la que podamos acudir en mitad de la noche por una necesidad urgente. En esta farmacia, regentada en los años 80 por las "tres jotas del rock murciano" (J. Albarracín, J. Cassinello y J. Reyes) encontraremos efectivas píldoras analgésicas en forma de grandes canciones "punk pop", tal y como ellos autodenominaban su estilo en el título de su primer EP: TNT Punk Pop 1982, el protagonista de esta reseña, o más bien receta, del disco de la semana en 7dias7notas.

En 1982, el sello Subterfuge Records reeditaría, con un nuevo tema añadido, los temas que contenía la  primera maqueta del grupo, grabada en 1982 en los Estudios Audiofilm de Madrid, y que fue distribuida en formato cassette junto a temas de otro grupo punk (los canarios Familia Real). El disco comienza con Cazadora de cuero, un tema con estructura de canción "rockabilly" y sabor a música del período conocido como la "movida", pero que en la letra ya toca temas más relacionados con el punk, a través de la historia de un chaval rockero que se pasa al punk tras la muerte del idolatrado bajista de los Sex Pistols. Tras el contundente arraque de este himno generacional, el disco toma carrerilla con la pegadiza Ella es demoledora, un tema muy conocido y muy asociado a la "nueva ola" de los años de la movida.
 
Las guitarras suben de tono en Moda Pop, como si el grupo se pusiera efectivamente en la piel de ese muchacho de cazadora de cuero, e hiciera el mismo tránsito del rock and roll al punk dentro del EP. El final de esta evolución del personaje llega sin duda en A Johnny le gusta el punk, el tema más fiero del disco, en el que incluso se aprecia un cambio en la voz y la forma de cantar, más acelerada y rabiosa, y más cercana a los Sex Pistols que a otras tendencias pop del momento. El EP termina con Bronca callejera, otro de los temas de la primera maqueta del grupo, y de alguna manera una vuelta al rock and roll, aunque de nuevo acelerado y con temática navajera y suburbial.

Así es TNT Punk Pop 1982, de venta sólo en Farmacias de Guardia, y sin contra-indicaciones ni efectos secundarios identificados. Son cinco temas urgentes y directos, cuya ingesta puede hacerse en cualquier momento del día, y que proporcionan una sensación de bienestar y mejoría casi instantánea en el oyente. ¿Qué más se puede pedir? Quizá, habría estado bien que hubieran incluido algún tema más, pero eso habría sido superar la dosis indicada en el prospecto, así que nos conformamos con estas cinco salvas de pura dinamita y punk pop de los murcianos Farmacia de Guardia.

0007: Heartbreak Hotel - Elvis Presley

 

Heartbreak Hotel fue grabada en enero de 1956 en Nashville, y lanzada como single a finales del mismo mes, con la canción "I Was the One" en la cara B. El sencillo se convirtió en su primer n.º 1 en las listas de ventas de Estados Unidos. La canción fue originariamente escrita por Thomas Durden, guitarrista de Smiling Jack Herring and his Swing Billies, y Mae Boren Axton, publicista de Hank Snow, cantante de country que por aquel entonces estaba también representado por el Coronel Tom Parker, el férreo manager de Elvis.

El propio Presley apareció en los créditos como co-autor, tras los grandes cambios que realizó sobre el tema original, un tema de estructura blues al que le dio un importante giro tanto en el ritmo como en la letra, terminando de hacerla suya con su particular interpretación vocal y su guitarra rítmica. Acompañaron a Elvis en este mítico tema los músicos Bill Black al bajo, Scotty Moore a la guitarra, DJ Fontana a la batería y Floyd Cramer al piano, dando juntos forma a una de las grabaciones más laureadas del cantante de Memphis.

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La música en historias: El veto argentino a Eric Clapton

 

Cocaine, Eric Clapton

     El 25 de noviembre de 1977 se publicaba bajo el sello discográfico RSO Records el quinto álbum de estudio de Eric Clapton, Slowhand. Para la grabación de éste disco Clapton tenía muy claro el productor con quien quería trabajar, Glyn Johns, pues era un productor que entendía muy bien tanto a los músicos británicos como a los estadounidenses y sabía como trabajar con ellos, lo que quedaba reflejado en su trabajo con formaciones de los ambos países como The Rolling Stones, Eagles, The Who, The Clash, The Beatles, Steve Miller Band, Small Faces, Blue Oÿster Cult y Humble Pie entre otras muchas. El disco se graba durante el mes de mayo en los Olympic Studios de Londres, y durante las sesiones Clapton se da cuenta que a Glyn no le gustan demasiado las improvisaciones porque le quitan mucho tiempo de grabación y que no le gusta dejar nada al azar, pero también se da cuenta que sabe sacar lo mejor de cada músico, pues aunque tanto Clapton como los músicos que le acompañaban solían sufrir problemas de adicciones a las drogas o el alcohol, Glyn supo sacar el mayor partido de cada uno de ellos. 

El álbum recibió en general buenas críticas, pero en Argentina fue objeto de polémica, pues una de las canciones incluidas en el disco, Cocaine, fue censurada por el Gobierno Militar argentino alegando que ésta canción era perjudicial para los jóvenes, ya que los incitaba a drogarse. Clapton al enterarse de la censura mostró toda su indignación, pues el gobierno argentino no se había enterado que la canción era precisamente una canción anti-droga y no a favor del consumo de ésta. Afortunadamente, en 1983 el gobierno argentino levantó el veto a la canción. De hecho, Clapton, para disipar dudas, solía añadir una frase, "That dirty cocaine" (cocaína sucia), en sus conciertos en directo para que quedara claro que el tema estaba en contra de las drogas

Cocaine fue originalmente compuesta por el guitarrista estadounidense J.J. Cale, que graba el tema y lo publica en su cuarto álbum de estudio, Troubadour. Cuando Cale escribe este tema, lo hace pensando en una canción de jazz, pero su productor Audie Ashworth le convence para que la componga como una canción rockera. El tema grabado por Cale alcanza el puesto número 96 en las listas de ventas estadounidenses, pero será Clapton el que se encargue de popularizar el tema con su versión incluida en Slowhand un año después. El tema grabado por clapton alcanza el puesto número 30 el la lista Billboard Hot 100. Cocaine es un tema que está escrito en contra de las drogas, y Clapton comentaba al respecto que si se escuchaba con atención la canción se podía percibir que estaba ingeniosamente escrita contra estas, la cuales Clapton conocía muy bien. Por aquella época el británico había dejado de consumir heroína, y había sustituido ésta por el consumo de cocaína y alcohol. Era precisamente la adicción a la cocaína lo que le daba cierta objetividad a la hora de cantar sobre una droga que consumía. 

If you want to hang out, you've gotta take her out, cocaine

If you want to get down, get down on the ground, cocaine

She don't lie, she don't lie, she don't lie,

Cocaine

If you got that lose, you want to kick them blues, cocaine

When your day is done, and you want to ride on cocaine

She don't lie, she don't lie, she don't lie,

Cocaine

If your day is gone, and you want to ride on, cocaine

Don't forget this fact, you can't get it back, cocaine

She don't lie, she don't lie, she don't lie,

Cocaine

She don't lie, she don't lie, she don't lie,

Cocaine

0006: I've got you, under my skin - Frank Sinatra

Quien no ha escuchado nunca en su vida I got you, under my skind se podría decir que ha estado fuera de este mundo, porque de los clásicos de Frank Sinatra, es uno de las canciones para mi que mejor interpreta, I got you, under my skind fue escrita por Cole Porter en 1936.

Frank Sinatra canto por primera vez esta canción en un programa radial en 1946, donde puso su sello indiscutible, y década tras década creo un sello indiscutible, coincidirán conmigo que una de las versiones más espectaculares del artista es la que interpreto con el mismísimo Bono de U2, en el año 1993, casi 5 décadas después que Frank Sinatra la interpretara por primera vez, esta versión de I got you, under my skind seria parte de un álbum que Sinatra en dicho año llamado "Duets", donde se re editarían algunos de sus más resonados éxitos, curiosidades de este disco, es que el mismo Sinatra, pediría que las canciones fueran grabadas por los diferentes artistas, en solitario y ensambladas luego en forma de dueto juntos al artista, y otra de las curiosidades, antes de la grabación del disco “Duets”, cuando a Sinatra, que siempre había odiado la música rock, le sugirieron cantar con Bono, del grupo U2, pensó que se trataba del cantante Sonny Bono, el músico, productor y actor italoamericano que integrara junto a su esposa, la actriz y cantante Cher, el dúo de los años 60′ y 70′ Sonny & Cher.

De todos modos, Frank Sinatra y Bono se conocerían personalmente luego que el cantante de U2 volara a los Estados Unidos para grabar el videoclip promocional de la canción “I’ve got you under my skin”. Ambos cantantes, pese a la diferencia de edad, nacionalidad y de cultivar géneros musicales totalmente diferentes, harían buenas migas y se harían algunos regalos: Bono le regaló a “La Voz” una añejada botella de whisky irlandés, mientras que Sinatra le correspondió el favor regalándole al cantante de U2 un cuadro.

Lo maravilloso de todo esto es que con más de 25 años de este dueto, y más de medio siglo que la interpretara por primera vez no me canso de escucharla

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Daniel
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