martes, 16 de abril de 2024

1202.- On the Beach - Neil Young

On the Beach fue la primera grabación de estudio que Neil Young lanzó después de su gran éxito Harvest, a pesar de haber grabado las canciones que luego aparecerían en Tonight's the Night mientras tanto, también había publicado una banda sonora que no tuvo éxito, Journey Through the Past, y el ahora bien considerado álbum en vivo Time Fades Away. Distinguido por su producción flexible, On the Beach representó una especie de enigma para muchos oyentes que compraron Harvest. Las canciones eran meditaciones sobre la fama, la política y los ideales desvanecidos de los años 60. Pero, en última instancia, Young demostró tener esperanzas a su manera. “Ellos hacen lo suyo/yo haré lo mío”, canta en “Walk On”. También reclutó a músicos que tocaron en sus álbumes anteriores, creando un conjunto que se erige como una de sus declaraciones más fuertes y sentidas. Tras el éxito de “Harvest”, el mundo parecía necesitar más sonidos suaves del vaquero solitario, continuadores de ese corazón de oro tan melancólico que nos acompañaba a todas horas en la radio, y que dio lugar a una serie ininterrumpida de hits en la misma onda como “A Horse Without a Name”, “Rose of Cimarron”, o “Take It Easy”. Pero Neil ya había acumulado decepciones, sinsabores y había conocido el daño de la aguja a su alrededor. Y el todavía peor del triunfo y la adulación en medio de unos años negros en la política norteamericana. Vietnam + Nixon, era una combinación destructiva insuperable, incluso para un país tan inmenso, por muchos recursos y poder que se tengan.


La hermosa y triste canción que da título al quinto álbum de estudio es la canción con la comienza las tres últimas pistas del álbum que forman la cara b y que juntas que componen uno de los mejores momentos musicales en la carrera de Young. “On The Beach” es una grabación lenta y confusa que describe la alienación que siente Young debido a su fama, sus fans y los medios musicales. Young repite este estribillo con líneas como: "Necesito una multitud de personas, pero no puedo enfrentarme a ellas día a día". Young también agrega la advertencia de que estos problemas de alienación y ansiedad social que tiene son básicamente nulos y sin valor en comparación a los problemas del mundo, pero incluso con ese conocimiento, “eso no los hace desaparecer”. Esta canción es la definición de belleza en la tristeza y es una de mis canciones favoritas en toda su discografía, la guitarra de Neil es un puro lamento, parece que llorara, un excepcional Molina en la percusión ayuda a crear un tema hipnótico en su no escasa duración, que no te importaría en absoluto que se alargase el doble o el triple, tal es la tela de araña tejida a tu alrededor. Comienza con una secuencia de acordes desolados respaldados por un djembé, ambientando el escenario de una playa abandonada. Al comienzo de la canción, murmura la esperanza de que el mundo "no se dé la vuelta". Al final de la canción, acepta que así será, pero solo espera no verlo y, en cambio, elige concentrarse en sus propios problemas. La letra y la música de la canción pintan perfectamente la atmósfera sombría de un hombre en conflicto.


lunes, 15 de abril de 2024

1201 - Neil Young - Walk on

1201 - Neil Young - Walk on

"Walk On" es una canción emblemática del legendario cantautor Neil Young, que forma parte de su álbum de estudio de 1974, "On the Beach". Con una duración de casi siete minutos, la pista es una mezcla perfecta de letras introspectivas y melodías cautivadoras que capturan la esencia del estilo distintivo de Neil Young.

Desde los primeros acordes de guitarra acústica, "Walk On" establece un ambiente melancólico y reflexivo que se mantiene a lo largo de toda la canción. La letra, característica de Young, está impregnada de una profunda introspección y un sentido de búsqueda de autenticidad y libertad. A medida que la canción avanza, las letras sugieren un viaje personal, con referencias a dejar atrás las cosas que ya no sirven y seguir adelante hacia lo desconocido. Es un himno para aquellos que buscan encontrar su propio camino en un mundo complejo y cambiante.

La instrumentación de "Walk On" es igualmente impresionante. La guitarra acústica de Neil Young se combina magistralmente con una variedad de instrumentos, incluyendo el piano y la armónica, creando una textura musical rica y evocadora. La estructura de la canción es orgánica y fluida, con cambios de tempo que reflejan la narrativa lírica de la búsqueda y el movimiento.

La voz de Neil Young, áspera y emocional, agrega una capa adicional de profundidad a la canción. Su entrega apasionada y sin pretensiones resuena con autenticidad, haciendo que las letras cobren vida de una manera única y poderosa. A medida que canta sobre dejar atrás el pasado y abrazar el futuro, su voz transmite una sensación de determinación y esperanza que es palpable.

"Walk On" es una de esas canciones que trasciende el tiempo y el espacio. A pesar de haber sido lanzada hace décadas, sigue siendo relevante y conmovedora hoy en día. Su mensaje atemporal de perseverancia y búsqueda de autenticidad resuena con personas de todas las edades y experiencias. Es una canción que invita a la reflexión y alienta a los oyentes a seguir adelante, incluso cuando los tiempos son difíciles.

"Walk On" es una obra maestra musical que encapsula todo lo que hace que la música de Neil Young sea tan perdurable y significativa. Con su mezcla única de letras profundas, melodías conmovedoras y una ejecución magistral, esta canción sigue siendo un testimonio perdurable del talento incomparable de Neil Young y su capacidad para tocar los corazones y las mentes de su audiencia.

Daniel 
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domingo, 14 de abril de 2024

1200.- It ain't no use - The Meters



"It ain't no use" fue el single principal de "Rejuvenation" (1974), el quinto álbum de estudio del grupo funk de New Orleans The Meters, y el segundo con la discográfica Reprise, tras tres discos prácticamente instrumentales grabados con Josie Records. Producido por Allen Toussaint, que participó también en los arreglos de viento de muchas de las canciones, es un disco imprescindible del funk de los setenta, y su canción bandera es "It ain't no use", una joya funk de 12 minutos de duración y tantos o más quilates como minutaje.

Este himno funk de The Meters es un claro ejemplo de como la música puede transmitir determinadas emociones y sentimientos, porque la combinación del abrasivo ritmo funk y la sincera letra consiguen que, al escucharla, vivamos con intensidad las dudas del protagonista, que se debate entre romper una relación complicada, y el temor a arrepentirse después y acabar echando de menos a su pareja.

Ponemos aquí el cartel de "Alerta Spoiler" porque las dudas no se resuelven al final de la canción, y todo apunta a que seguirá con ella a pesar de ser consciente de que lo mejor sería dejarla, así que no sabemos si de haber hecho lo contrario habría terminado por arrepentirse, pero de lo que seguro os acabaréis arrepintiendo es de dejar pasar la ocasión de escuchar "It ain't no use" si no lo habéis hecho ya.

Madonna - Erotica (Mes Madonna)

 




Madonna es conocida por ser una maestra del "arte" de la reinvención, su vista siempre está al tanto de la escena musical underground para descubrir qué es genial y qué no, y luego convertirlo en algo accesible y fresco para el público estandar de música en general. El sexo en la imagen de Madonna siempre estuvo ahí, desde la ambición impulsora de sus días New Wave de finales de los 70 y principios de los 80 hasta su personalidad coqueta que impulsó sus dos primeros álbumes, Madonna de 1983 y Like a Virgin de 1984. Luego aposto por esa línea embriagadora y borrosa entre sexo y religión en el seminal Like a Prayer de 1989, pero fue su éxito de 1990 "Justify My Love", un sencillo navideño muy improbable si alguna vez hubo uno, el que realmente le abrió un nuevo camino, un juego apasionante y entrecortado con un video perverso en blanco y negro a juego, que sorprendió a aquellos cuya única exposición a Madonna fue a través de dulces canciones pop como "True Blue" o "Cherish", o incluso provocativas, descaradas pero no completamente sucias como "Material Girl" o "Express Yourself". Es una pena que las esperanzas de credibilidad de Erótica se vieran frustradas por un recurso fuera de lugar, ya que realmente fue un movimiento artístico valiente. Era el año 1992 y tres años antes, Madonna había producido Like a Prayer, un álbum ampliamente anunciado por la mayoría de los críticos como una obra maestra de la música pop moderna. Like a Prayer también había presentado una buena cantidad de controversia, con tener un Jesús negro en el video musical de la canción del mismo nombre, nadie, sin embargo, había predicho que Madonna se transformaría de ídolo pop a seductora sexual en el espacio de un par de álbumes. En entrevistas posteriores, Madonna dijo que esto era para darles a los periodistas entrometidos y voyeristas todo lo que querían para que se saturaran y comenzaran a concentrarse en la música, y Madonna no es de medias tintas.


La canción de apertura y el primer sencillo, "Erotica", son todo ritmos tintineantes y susurros fríos, con Madonna informándote que su nombre es Dita y que su boca irá a donde quiera. Es totalmente diferente a todo lo que ha hecho antes y, sospecho, demasiado para los niños que esperan otro sencillo boppy como "Holiday" (iba a mencionar "True Blue", pero luego me di cuenta de que eso es exactamente lo que obtuvieron). Sorprendentemente en este caso, también resulta extrañamente poco atractiva la siempre maestra del cálculo, Madonna supo exactamente cómo causar controversia y eso parece ser lo que sucedió aquí. Los jadeos sin aliento y la producción chirriante están muy bien, pero, al final del día, en realidad no es tan erótico, incluso con ese famoso video negro que solo se mostró tres veces en MTV. "Fever" siguió los pasos dance de Deeper and Deeper, siendo una versión optimista del original de Little Willie John en 1956 y dos años más tarde llevada a la fama por Peggy Lee, queda como un tema útil al objetivo al aumentar el tempo, y por tanto la temperatura, la verdad que la reelaboró radicalmente hasta convertirlo en un tema de fuego que podría quemar la pista de baile. La dualidad entre placer y dolor resurge en el atrevido sexto y último sencillo “Bye Bye Baby”, pero desde la perspectiva del amor roto, mientras Madonna interroga a su amante, cantando “Esto no es una canción de amor / Me gustaría hacerte daño / ¿Qué te excita? ¿Qué te excita? / ¿Qué te hace sentir bien? / ¿Te hace sentir bien verme llorar? / Creo que sí / Por eso es hora de decir adiós / Adiós”. Madonna inflige un tipo diferente de dolor en este beso asesino, la amarga frialdad de esta despiadada canción de ruptura se filtra a través de un chirrido computarizado que hace que Madonna suene completamente desprovista de emoción humana mientras da una patada con una bota de látex en la acera. De lo más destacado del álbum es el segundo sencillo, “Deeper and Deeper”, una porción sublime de disco house eufórico que todavía suena tan fresco como siempre, 30 años después. Un himno vigorizante del despertar sexual, la narrativa también puede interpretarse a través de la lente de un hombre que reconoce y revela su homosexualidad, como quizás mejor se evidencia en el segundo estribillo (Voy a esconderlo otra vez / Más dulce y más dulce y más dulce y más dulce / Nunca tendré que fingir”) y el cuarto y último verso de la canción (“Este sentimiento dentro / No puedo explicar / Pero mi amor está vivo / Y nunca Lo esconderé de nuevo”). "Where Life Begins" tiene un agradable ambiente de jazz, combinado con las obscenas proclamaciones de Madonna sobre la bondad del sexo oral (todo lo cual significa que es mucho más sensual que la canción principal), es la canción más abiertamente sexual del álbum, pero también la única que hace referencia al sexo seguro. 

Entre los otros tres sencillos lanzados oficialmente por Erótica, “Bad Girl” deja la impresión más fuerte, y no solo por su memorable video. Una balada sinfónica y llena de drama sobre una mujer atormentada y autodestructiva que ha hecho daño a su amante al sucumbir a la tentación, bellamente orquestada, refuerza la inclinación de Madonna por crear baladas que tengan peso emocional sin parecer exageradas, a su estilo. Hay una belleza melancólica en el largo camino de la vergüenza mientras la “Chica Material” regresa a casa después de una noche donde ha tenido un mal comportamiento. A pesar de todos esos placeres temporales, llega a la conclusión de que "no soy feliz cuando actúo de esta manera”. "Waiting" continúa el estilo jazzístico de Where Life Begins, pero agrega una caja de ritmos fuera de lugar y una melodía casi desafinada, una verdadera secuela de la férrea y directa palabra hablada de Justify My Love, aborda el rechazo y el amor no correspondido de una manera más brutalmente honesta: “No vayas a romper mi corazón como dijiste que lo harías”, canta abatida pero sinceramente. Aquí hay una mujer que inició una relación después de que el hombre que ama le dijera que él no podría amarla. Y aun así corrió el riesgo, que es exactamente de lo que se trata. “Thief of Hearts” tiene los encantos de los grupos de chicas de los años 60, “Cherish”, “True Blue” y “Angel”, a un ritmo contundente, Madonna te lleva desde la cama hasta la pista de baile. Es un momento de tonta frivolidad en medio de tanta rareza. En "Words" sorprenden los efectos tipo máquina de escribir de esta canción producida por Pettibone, eran ingeniosos hace 30 años, pero no han envejecido bien, simplemente no se obtiene el mismo sonido con el teclado de una MacBook Air, aún así, el ritmo contundente del deep house habla más fuerte que las palabras cuando se trata de mover el cuerpo.

 

La pulida “Rain” es posiblemente la única oferta banal entre las catorce pistas del álbum, el cuarto sencillo norteamericano de Erotica (y su tercer mayor éxito, alcanzando el puesto 14 en el Hot 100, detrás de la canción principal y “Deeper and Deeper”) puede parecer una concesión comercial a las masas por parte de Madonna, aunque si miras más profundamente, esta balada desesperadamente romántica imagina un amor en la era del SIDA que “lavará mi pena, quitará mi dolor”. Por muy bueno que sea un álbum de Madonna como Erótica, hay un par de cosas que nos sorprenden, y “Why's It So Hard” es de las más interesantes, es una llamada a “ama a tu hermana, ama a tu hermano” con un ritmo de reggae con mucho bajo que suena como si hubiera estado inspirado tanto en Soul II Soul como en Bob Marley. "In This Life" presenta algunas de las letras más conmovedoras que Madonna haya escrito jamás, pero lamentablemente están acompañadas de un aburrido canto fúnebre que no inspira a seguir escuchando, un homenaje de Madonna a dos confidentes cercanos que perdieron trágicamente sus batallas contra el SIDA: Martin Burgoyne , artista y su primer manager de gira, y Christopher Flynn , su maestro de ballet y mentor. “Did You Do It?” es exagerada pero ridículamente divertida, la marca de viruela en el trasero impecable de Madonna de 35 años, es el huésped que pasó la noche y que parece mucho menos deseable a la luz del día. Lo que nos lleva a, quizás, el momento más personal y revelador de Erótica, el inesperado cierre del jazz house “Secret Garden”, otra producción de Betts.


 A lo largo de las catorce composiciones de Erotica (trece en la versión editada del LP), Madonna subvierte con éxito el diálogo anticuado y dominado por hombres heterosexuales sobre el sexo al tomar el control total de la conversación y brindar una clínica de liberación sexual. Con confianza y carisma a raudales, le da la vuelta a los roles y la ética tradicionales impulsados ​​por el género, desdibuja las líneas socialmente construidas entre la multitud de identidades sexuales que existen y da voz y validación a aquellos tradicionalmente marginados hacia los márgenes de la sociedad. aceptación. Y si bien Erótica es un álbum conceptual del calibre más cautivador, ya sea que compartas o empatices con la perspectiva de Madonna o no, su impulso temático con demasiada frecuencia eclipsa su importancia dentro del contexto de la progresión musical de su creador.

sábado, 13 de abril de 2024

1199.- Porque te vas - Jeanette

"Porque te vas" fue publicada por la compañía Hispavox en 1974, compuesta por José Luis Perales y producida por Rafael Trabucchelli, en el momento de su lanzamiento no alcanzó gran éxito, pasó desapercibida e inicialmente no tuvo apenas reconocimiento, hasta que Carlos Saura tuvo la brillante idea de incluirla en la BSO de su película Cría Cuervos. En 1976 se estrenó esta película con la hermosa Geraldine Chaplin y una joven Ana Torrent, la película tuvo el Gran Premio del Jurado en Cannes 76, empatada con La Marquesa de O, luego ya sabemos lo que pasó. En el momento en que formó parte de "Cría cuervos", no solo se produjo el gran impulso de Perales como compositor, sino que también contó con una amplia difusión consolidada al ganar en Cannes. Tal fue así que estuvo en el "Top 10" de países como Portugal, Alemania, Francia o Suiza, se hizo una versión en Japones y la revista "Rolling Stone" la incluyó en el listado de "Las 200 mejores canciones del pop-rock español".


Comienzo afirmando que sí, que el título de la canción no es una pregunta, no es «¿por qué te vas?», sino una afirmación, un «porque te vas» con mucho mensaje dentro y una melodía sencilla, lineal pero pegadiza. Musicalmente hablando, el acento de «porque te vas» suena en el «qué», y creo que de ahí viene la confusión la mayoría de las veces con su título, pero este punto, que si analizáramos desde un punto de vista musical estricto sería considerado un error en la forma de acoplar letra y música, a mí me parece un detalle bonito, porque este acento musical es capaz de aportar varias interpretaciones a la letra, al tono de la canción, a las imágenes que transmite y hasta a su historia. Todo comenzó en una tarde lluviosa, la inspiración de Perales nació cuando el artista pasaba unos días en Castejón, su tierra natal, la soledad en su casa de campo se sumó a la nostalgia y anhelo que produce cualquier tarde de tormenta, lo que produjo que la letra estuviese envuelta de añoranza. Habla de ese amor adolescente que cuando menos lo esperas se escapa de entre las manos, una letra y melodía que fueron compuestas de manera intencionada para una artista determinada: el cantautor explicó en 2012 en un programa de televisión mexicano que "cuando no había grabado nadie conocido canciones mías, yo soñaba que una intérprete como Jeanette, que entonces era número uno, me grabara una canción que había hecho pensando en ella. Se titulaba 'Porque te vas'. Pero aquello era simplemente un sueño". Sin duda Porque te vas es uno de los mejores, sino el mejor tema cantado por Jeanette, una instrumentación llena de desparpajo con intervenciones casi burlonas de los metales y el crash de la batería soltando inesperados trallazos arropan una voz que esta vez se aleja un tanto de la dulzura habitual para convertirse en un aire infantil y juguetón. 


viernes, 12 de abril de 2024

El disco de la semana 373: Explorando la Energía Reveladora de Onda Vaga, Una Inmersión en su Álbum Debut "Fuerte y Caliente"


El disco de la semana 373: Explorando la Energía Reveladora de Onda Vaga. Una Inmersión en su Álbum Debut "Fuerte y Caliente"

En el vasto universo de la música independiente argentina-uruguaya, hay una constelación de talentos que iluminan el panorama sonoro con su frescura y originalidad. Entre estas estrellas brillantes se encuentra Onda Vaga, una banda cuyo nombre evoca la energía insondable de las olas del mar y cuya música fluye con la misma vitalidad y vitalidad. En este artículo, nos sumergiremos en el hipnótico océano de sonidos de Onda Vaga, centrándonos en su álbum debut, "Fuerte y Caliente", un viaje auditivo que cautiva y revela la esencia misma de la banda.

El Espíritu de la Ola: Onda Vaga

Onda Vaga, formada en el año 2007, se distingue por su estilo ecléctico y su enfoque innovador hacia la música. Conformada por Nacho Rodríguez (voz y guitarra), Marcos Orellana (voz, guitarra y acordeón), Marcelo Blanco (voz, guitarra y percusión), Tomás Justo Gaggero (bajo y voz) y Germán Cohen (batería y voz), la banda fusiona una amplia gama de influencias musicales que van desde el folk hasta el reggae, pasando por el rock y la música tradicional argentina.

Desde sus primeros pasos, Onda Vaga irrumpió en la escena musical con una frescura y una energía contagiosas. Su música, impregnada de un espíritu nómada y aventurero, invita al oyente a embarcarse en un viaje sonoro lleno de sorpresas y emociones. Con una instrumentación variada que incluye guitarras, acordeones, percusión y voces que se entrelazan en armonías exquisitas, Onda Vaga crea paisajes sonoros que son al mismo tiempo íntimos y expansivos.

Fuerte y Caliente: El Debut Revelador

En el año 2008, Onda Vaga lanzó su álbum debut, "Fuerte y Caliente", un trabajo discográfico que sentó las bases para su ascenso meteórico en la escena musical. Desde el primer acorde, el álbum emana una energía palpable y una sensación de calidez que envuelve al oyente. Con once canciones que exploran una amplia gama de temas y emociones, "Fuerte y Caliente" es un viaje musical que deja una impresión duradera.

El álbum se abre con "Parque", una canción que establece el tono con su ritmo animado y sus letras evocadoras. Con su melodía pegajosa y su atmósfera festiva, "Parque" invita al oyente a sumergirse en el mundo vibrante de Onda Vaga y dejar atrás todas las preocupaciones.

A lo largo del álbum, Onda Vaga demuestra su habilidad para fusionar diferentes estilos musicales de una manera fluida y cohesiva. Canciones como "Mambeado" y "Serpientes y Escaleras" son ejemplos perfectos de esta fusión, combinando elementos de reggae, folk y rock en una mezcla irresistible. Con letras que oscilan entre lo poético y lo mundano, Onda Vaga teje historias cautivadoras que resuenan con la experiencia humana.

Una de las joyas ocultas de "Fuerte y Caliente" es "Tataralí", una balada melancólica que destaca por su belleza lírica y su emotiva interpretación vocal. Con su melodía delicada y su letra conmovedora, "Tataralí" es una canción que deja una marca indeleble en el corazón del oyente.

El álbum cierra con "Juntito", una canción que resume perfectamente el espíritu de camaradería y conexión que define la música de Onda Vaga. Con su ritmo contagioso y sus armonías exuberantes, "Juntito" es un himno a la amistad y la solidaridad que deja al oyente con una sensación de alegría y satisfacción.

Un Viaje Inolvidable "Fuerte y Caliente" de Onda Vaga es mucho más que un simple álbum debut; es un testimonio del talento y la creatividad de una banda que ha sabido conquistar corazones con su música sincera y emotiva. Con su mezcla ecléctica de estilos y su enfoque audaz hacia la composición, Onda Vaga ha creado un trabajo discográfico que resiste el paso del tiempo y sigue siendo tan relevante y estimulante como el día en que fue lanzado.

Al sumergirse en las profundidades de "Fuerte y Caliente", el oyente se encuentra inmerso en un mundo de sonidos y emociones que despiertan los sentidos y alimentan el alma. Con cada nota y cada palabra, Onda Vaga nos invita a explorar los rincones más oscuros y luminosos de la experiencia humana, recordándonos que, en última instancia, somos todos viajeros en este vasto océano de vida.

Así que la próxima vez que necesites un impulso de energía o un recordatorio de la belleza del mundo que nos rodea, simplemente ponte "Fuerte y Caliente" de Onda Vaga y déjate llevar por la marea de su música etérea y transformadora. Te prometo que no te arrepentirás.

Daniel 
Instagram storyboy 

1198.- Don't let the sun go down on me - Elton John



"Don't Let the Sun Go Down on Me" fue originalmente escrita por Elton John y su colaborador habitual Bernie Taupin para formar parte de Caribou (1974), el octavo disco de estudio de Elton John. Fue lanzada además ese mismo año como primer single promocional del disco, con la canción "Sick City" en la cara B, y alcanzó el segundo puesto del Billboard Hot 100 estadounidense, y el 16 de las listas de ventas del Reino Unido.

En esta versión original, el estribillo de "Don't Let the Sun Go Down on Me" está apoyado con un arreglo de vientos de Del Newman, una línea de percusión de Ray Cooper, un mellotron interpretado por Dave Hentschel, y cuenta además con los coros de Carl Wilson y Bruce Johnston de los Beach Boys.

Años después, volvió a gozar de popularidad y repercusión mediática, cuando Elton John la regrabó en 1991 a dúo con George Michael, con quien ya la había interpretado en directo en el concierto Live Aid celebrado en Londres en el estadio de Wembley en 1985. Ya sea en una versión o en otra, "Don't Let the Sun Go Down on Me" es una de las canciones más poéticas que Elton John ha escrito jamás, una balada intensa y melódica imprescindible en cualquier colección de discos que se precie.

jueves, 11 de abril de 2024

1197.- Step Into Christmas - Elton John

En 1973, Elton John acababa de lanzar dos álbumes número uno: Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player y Goodbye Yellow Brick Road. Luego, culminó el año con el lanzamiento de su primer sencillo navideño, “Step Into Christmas”. “¡Hagamos un disco navideño! pensamos”, dijo Elton al contar cómo él y su compañero compositor Bernie Taupin escribieron la canción. “En aquellos días hacíamos discos todo el tiempo. A Bernie le encantan las canciones navideñas, así que estuvo totalmente de acuerdo”. Lanzado como sencillo único, "Step Into Christmas" alcanzó el número 1 en la lista Billboard Christmas Singles y alcanzó el puesto número 4 en la lista de singles del Reino Unido, donde permaneció durante siete semanas.  En la canción, John invita a los oyentes a adentrarse de lleno en la temporada navideña. Enviar tarjetas de Navidad. Mirar cómo cae la nieve , por los siglos de los siglos. Come, bebe y regocíjarte, la letra también sugiere llevar el espíritu navideño de asombro y alegría al nuevo año y los días siguientes.


John escribió “Step Into Christmas” con Taupin el domingo 11 de noviembre de 1973 y lo grabó esa misma tarde en Trident Studios en Londres, Inglaterra. "Fue escrita y grabada el domingo y estará en las tiendas esta semana", dijo John sobre la rápida producción de la canción en el momento de su lanzamiento. “Queríamos hacer un homenaje a Phil Spector. Parte de lo que hizo que Phil Spector grabara fueron las salas, los músicos y el ambiente”, dijo Elton sobre la canción, que también cuenta con Kiki Dee como coros no acreditados. La canción fue lanzada como sencillo independiente con la cara B “Ho, Ho, Ho (Who'd Be a Turkey at Christmas)”, una canción irónica sobre un encuentro con Santa Claus después de una noche llena de brandy. Step Into Christmas” apareció más tarde en la caja de John de 1990, To Be Continued… , la canción que cierra su versión de lujo de 2023 de su álbum de grandes éxitos Diamonds , y continúa resurgiendo y escalando en las listas del Reino Unido cada temporada navideña. En 2009, "Step into Christmas" figuraba como la novena canción navideña más reproducida de la década de 2000 en el Reino Unido y la canción fue certificada triple platino por la Industria Fonográfica Británica por ventas y transmisiones de 1.800.000 unidades. Estamos ante una clásico absoluto de la navidad sobre todo en Reino Unido.


Like a Prayer #MesMadonna




Tras el gran éxito de "True Blue" (1986), la fórmula de música pop enfocada a un fiel público adolescente había llegado a su momento más álgido, pero Madonna sentía que era el momento de dar un giro con el que lograr también el respeto y la admiración de un público más adulto y el deseado reconocimiento por parte de la crítica especializada. Esa era su aspiración y su gran objetivo cuando empezó a trabajar en "Like a prayer", su cuarto disco de estudio, publicado por Sire y Warner Bros. Records en marzo de 1989.

Llamado "Like a prayer" ("Como una oración") por la fuerte influencia del catolicismo en su infancia y sus conflictos interiores con sus creencias durante su juventud, y dedicado a la memoria de su madre, fallecida siendo ella una niña, el álbum es una descarnada exploración y declaración de sus sentimientos y vivencias más personales, y un impresionante despliegue de estilos entre los que, además del pop, hay inspirados momentos dance, funk, góspel y soul. Estamos ante su trabajo más serio e introspectivo, una obra que en lo musical supuso un tremendo salto de calidad respecto a los discos anteriores, y en las letras presentó un enfoque mucho más oscuro y sincero, con continuas referencias a sus complicadas relaciones familiares y de pareja, así como a sus convicciones religiosas y sus conflictos con sus sentimientos más personales, que hasta entonces había escrito y guardado en un cajón sin llegar a plantearse que pudieran convertirse en letras de canciones.

Pese al evidente cambio estilístico que se estaba planteando, seguía confiando plenamente en sus compositores y productores habituales Patrick Leonard y Stephen Bray, con quienes ya había trabajado en "True Blue". Su método de trabajo no contemplaba que los dos productores escribieran o produjeran juntos, sino que era la propia Madonna la que trabajaba con uno u otro por separado, escribiendo letras para la música que ellos le presentaban. Bray tendía más hacia el dance y el pop más luminoso de temas como "Express Yourself" o "Keep It Together", mientras que Leonard tenía una mayor predilección por estilos más orquestales y melódicos, y de sus sesiones salieron temas como "Spanish Eyes", "Till Death Do Us Part", "Dear Jessie", "Promise to Try", "Like a Prayer" y "Cherish"

Y no quedó la cosa ahí, porque para diversificar aún más la producción y elevar la temperatura creativa del disco, Madonna llamó a Prince para participar en el álbum. Prince aportó la canción "Love Song" en la que canta a dúo con Madonna y, aunque no acreditado, participó con su guitarra en "Keep it together", "Act of Contriction" "Like a prayer", el tema que titula y abre el disco, y la primera de las canciones que se crearon en las sesiones con Patrick Leonard, que interpretó en el estudio los primeros acordes para que Madonna fuera escribiendo mientras la escuchaba la letra sobre "una joven tan enamorada de Dios que sentía como si Él fuera la única figura masculina en su vida". "Like a prayer" comienza con un riff de guitarra de Prince (y parece que algunos efectos de guitarra en el puente y el estribillo llevarían también su firma, aunque no quedó acreditado) para después dar protagonismo a un órgano de iglesia, que junto a los impactantes coros góspel de The Andrae Crouch Chorus contribuyen a la atmósfera religiosa de la canción, que juega con el doble sentido carnal y religioso ("Estoy de rodillas, quiero llevarte allí") y en la que destaca sobremanera la gran línea de bajo interpretada por Guy Pratt.

Para "Express Yourself" el enfoque fue similar. Bray le envió a Madonna un cassette con la música, y se reunieron después para trabajar juntos en las partes que a ella más le gustaron. Aquí el enfoque es mucho más cercano al dance y al pop, mientras que la letra es una llamada al empoderamiento femenino, a no conformarse con estar en un segundo plano y a superar los obstáculos mediante la libre "autoexpresión". Más optimista que "Like a prayer", es otro de los grandes singles del disco, con una producción que brilla entre palmadas, cajas de ritmos y unos potentes coros de acompañamiento.

Tras estos dos cañonazos, llega la calma en "Love Song", el único tema completo que surgió de la colaboración con Prince, que en principio iba a ser producido por Stephen Bray, pero era un reconocido admirador del "príncipe" y se sintió abrumado ante la posibilidad de trabajar con material suyo. Alegando no estar "emocionalmente preparado" para asumir esa responsabilidad, Bray rechazó la proposición de producir el tema. "Fue una de las pocas cosas de las que me arrepiento en la vida" declararía después de dejar que Madonna y Prince se encargaran de la producción. El trabajo entre los dos grandes divos se produjo a distancia, y comenzó con Prince grabando un loop con partes de guitarra que envió a Madonna, que añadió teclados y voces y lo envió de vuelta, y entonces Prince añadió más voces y otros instrumentos, y así poco a poco fueron dando forma al tema hasta lograr una balada funk que es a la vez bella y extraña, y completamente diferente al resto del disco.

Tras la singular rareza de "Love Song" el disco entra en uno de sus tramos más personales y oscuros con "Till Death Do Us Part", en la que Madonna saca a la luz las heridas emocionales de su reciente ruptura matrimonial con el actor Sean Penn, y "Promise to Try", que describe el dolor por la muerte de su madre, y lo importante del proceso de aceptación de la muerte y la necesidad de "dejar ir" a las personas queridas para curar el dolor de su marcha. Musicalmente, es quizá la canción más desnuda del disco, con una base de piano y un cuarteto de apoyo, para no quitarle protagonismo al descarnado mensaje de la letra y la voz de Madonna.

"Cherish" es un buen tema pop, quizá con menos encaje en el marco de este disco, pero que habría sido pieza clave en cualquiera de los anteriores. Algo parecido ocurre con "Dear Jessie", y juntas parecen conformar el tramo del disco dedicado a la infancia, con melodías pegadizas pero no exentas de una cierta melancolía. Nada que ver con lo que viene a continuación, porque en "Oh Father", que describe desde la tristeza y el recuerdo la difícil relación con su padre, vuelve la oscuridad y una temática claramente emparentada con "Promise to try", con la salvedad de que para este tema sí que se optó por el revestimiento de una orquesta, y el resultado es simplemente impresionante.

La vertiente funk, dance y pop del disco vuelve a aflorar en "Keep it together", un tema sobre la importancia de mantener a la familia unida, en el que Stephen Bray sí que se atrevió a trabajar con la guitarra de acompañamiento que Prince interpretó para el disco. Tras la correcta "Spanish eyes", el músico de Minneapolis aún tuvo una nueva aparición para cerrar el álbum en "Act of Contriction", un recitado de Madonna sobre la base invertida de la canción "Like a prayer", la guitarra distorsionada de Prince y un coro góspel. Es apenas un susurro enmarañado en distorsión y psicodelia, el reverso de una extraña plegaria, o algo que pudiera entenderse "como una oración", y al mismo tiempo y por todo ello, es el mejor final imaginable para un disco como "Like a Prayer".

La obra en conjunto, apoyada por la publicación de seis de sus canciones como singles ("Like a Prayer", "Express Yourself", "Cherish", "Oh Father", "Dear Jessie" y "Keep It Together") obtuvo la aclamación unánime de crítica y público, y su producción "múltiple" no solo no afectó a la unidad de su mensaje, sino que acabó siendo el mejor y más cohesionado de todos sus discos. Fue además una "oración" muy lucrativa, vendiendo más de 15 millones de copias y llegando al primer puesto de las listas de ventas en más de treinta países. El mundo entero valoró la grandeza de un disco que en su mayor parte se grabó con los músicos tocando juntos y en vivo en el estudio, en lugar de las sobregrabaciones en las que se basaban sus discos anteriores, y la cruda sinceridad de las letras de la nueva Madonna, que se abría con franqueza a hablar de temas muy personales y profundos, dando un golpe sobre la mesa de los que, hasta entonces, le negaban el calificativo de artista "seria". Si, a pesar de todo, hay alguien que aún hoy se lo siga negando, no tiene más que aprovechar el #MesMadonna en 7días7notas.net y animarse a escuchar "Like a Prayer" para comprobar lo que sus prejuicios hacia esta artista le han impedido disfrutar todos este tiempo.

miércoles, 10 de abril de 2024

1196 - Eric Clapton - Motherless Children

1196 - Eric Clapton - Motherless Children

Eric Clapton, una leyenda viviente del rock y el blues, ha dejado una marca indeleble en la música con su habilidad incomparable en la guitarra y su voz distintiva. Con una carrera que abarca décadas y numerosos éxitos, Eric Clapton se ha ganado el respeto y la admiración de músicos y fanáticos de todo el mundo. Una de sus piezas más emblemáticas es "Motherless Children", una canción que encapsula la esencia del blues y muestra la maestría de Eric Clapton como intérprete y compositor.

Lanzada en 1974 como parte de su álbum "461 Ocean Boulevard", "Motherless Children" es un himno que fusiona el blues tradicional con el rock contemporáneo de la década de 1970. La canción comienza con un riff de guitarra inconfundible, marcado por la destreza técnica y el estilo único de Eric Clapton. Este riff establece el tono para la canción, que irradia una sensación de melancolía y desesperación.

La letra de "Motherless Children" aborda temas de soledad, pérdida y redención. Eric Clapton canta sobre la ausencia de una figura materna, una experiencia que resuena con la audiencia debido a su universalidad y emotividad. A través de sus letras sinceras y emotivas, Eric Clapton logra conectar con los oyentes a un nivel profundamente personal, transmitiendo una sensación de vulnerabilidad y autenticidad.

La estructura de la canción es típica del blues, con versos repetidos que se entrelazan con improvisaciones de guitarra. Sin embargo, lo que distingue a "Motherless Children" es la forma en que Eric Clapton infunde nueva vida en este género clásico con su estilo único y su pasión palpable por la música. Su interpretación vocal está llena de emoción y matices, capturando la angustia y el anhelo que impregnan la canción.

La instrumentación en "Motherless Children" es igualmente impresionante, con solos de guitarra ardientes que muestran la virtuosidad de Eric Clapton. Cada nota está imbuida de emoción, transmitiendo la intensidad y el poder del blues. La sección rítmica proporciona un fondo sólido para la expresión ardiente de Clapton, creando un contraste efectivo entre la melancolía de la letra y la energía cruda de la música.

Además de su impacto musical, "Motherless Children" también es significativa por su influencia en generaciones posteriores de músicos. La canción ha sido versionada y reinterpretada por numerosos artistas, demostrando su duradera relevancia en el mundo de la música. El legado de Eric Clapton como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos se ve reforzado por joyas como esta, que continúan inspirando y emocionando a oyentes de todas las edades.

"Motherless Children" es una obra maestra del blues-rock que destaca el talento incomparable de Eric Clapton como músico y compositor. Con su emotiva letra, potente instrumentación y la pasión palpable de Clapton, la canción se ha ganado un lugar especial en el canon de la música popular. Es un testimonio perdurable del impacto duradero de Eric Clapton en la música y su habilidad para tocar los corazones de sus oyentes.

Daniel 
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martes, 9 de abril de 2024

1195.- I Shot the Sheriff - Eric Clapton

 

I Shot the Sheriff, Eric Clapton


     461 Ocean Boulevard es el segundo álbum de estudio en solitario de Eric Clapton. Fue grabado entre los meses de abril y mayo de 1974 en los Criteria Studios de Miami, bajo la producción de Tom Dowd, y publicado en julio de 1974 por el sello discográfico RSO Records. Su regreso, después de sus problemas con la heroína, con este disco se saldó encabezando muchas listas de países y vendiendo más de dos millones de copias. El título del disco hace referencia a la dirección en Ocean Boulevard, en Golden Beach, Florida, donde Clapton estuvo viviendo mientras grababa el álbum.

Después de superar sus adicciones a la heroína, Clapton se dio cuenta de que había desperdiciado tres años de su vida, donde lo único que había hecho es estar tirado y ver televisión. Cuando el guitarrista buscó ayuda, se puso a trabajar en una granja y comenzó a escuchar mucha música nueva y viejos discos de blues que había traído consigo, además comenzó a tocar la guitarra de nuevo, escribiendo incluso canciones enteras a partir de ideas simples. Con estas ideas en mente, Clapton recibió una cinta de demostración del ex bajista de Dereck and the Dominos Carl Radle, con canciones interpretadas por el propio Radle, con el tecladista Dick Sims y el baterista Jamie Oldaker. A Clapton le encantaron estas grabaciones, las cuales le parecieron simplemente magníficas.

Cuando Clapton se puso a escribir material para su nuevo disco, quería dejar sus canciones lo más incompletas posible, para que los músicos que fueran a grabar con él, tuvieran la oportunidad de colaborar y hacerlas suyas. El músico estaba ciertamente preocupado por el éxito comercial y artístico que el disco pudiera tener. Tenía la certeza de que sólo funcionaría si había química entre los músicos. Para tal empresa fichó a Carl Radle (bajo), Jamie Oldaker (batería), Dick Sims (teclados), Albhy Galuten (piano) y George Terry (guitarra, coros).

Incluido en este álbum se encuentra una versión de una canción de Bob Marley, titulada I Shot the Sheriff. Dicha canción había sido lanzada por Marley con su banda The Wailers en 1973. Sobre el significado de la canción, Marley llegó a afirmar: "Quería decir 'le disparé a la policía' pero el gobierno habría montado un escándalo, así que dije 'le disparé al sheriff' en su lugar... pero la idea es la misma: justicia". Clapton no estaba muy seguro de publicar su versión porque pensaba que podría parecer una falta de respeto para Bob Marley. Los miembros de su banda y su mánager lo convencieron de que no solo debía ir en el disco, sino que también debía lanzarse como sencillo. Más tarde Clapton llegó a Hablar con Marley sobre la canción: "Traté de preguntarle de qué se trataba la canción, pero no pude entender mucho su respuesta. Me sentí aliviado de que le gustara lo que habíamos hecho". Clapton mantuvo el timo reggae de la canción original, pero le metió un estilo más rockero, con órgano y guitarra marcando el ritmo. En Estados Unidos, por aquella época el reggae no era muy grande, pero Clapton, con su toque de reggae mezclado con rock dio en el clavo.

lunes, 8 de abril de 2024

1194 - Grateful Dead - Scarlet Begonias

1194 - Grateful Dead - Scarlet Begonias

Grateful Dead es una banda icónica que surgió en la escena musical de San Francisco a finales de la década de 1960. Con una mezcla única de rock psicodélico, folk, blues y improvisación, Grateful Dead se convirtió en una fuerza revolucionaria en la música, no solo por su sonido innovador, sino también por su enfoque en vivo, donde cada concierto era una experiencia única y orgánica.

Una de las canciones más emblemáticas de Grateful Dead es "Scarlet Begonias", lanzada en 1974 como parte de su álbum "From the Mars Hotel". La canción, escrita por Jerry Garcia y Robert Hunter, es un viaje auditivo que combina letras poéticas con melodías pegajosas y arreglos intrincados.

"Scarlet Begonias" transporta a los oyentes a un mundo lleno de colores vivos y personajes misteriosos. Las letras cuentan la historia de un encuentro casual entre el narrador y una mujer llamada Scarlet, cuyo encanto y presencia lo cautivan. La narrativa está impregnada de imágenes surrealistas y metáforas, creando una atmósfera etérea y evocadora que invita a la reflexión y la imaginación.

Musicalmente, la canción es un ejemplo brillante del estilo característico de Grateful Dead. Desde el riff de guitarra distintivo de Jerry Garcia hasta los ritmos fluidos de la sección rítmica, "Scarlet Begonias" despliega una complejidad armoniosa que es al mismo tiempo accesible y fascinante. La habilidad de la banda para tejer capas de sonido y explorar diferentes texturas sonoras se destaca especialmente en esta pista, donde cada instrumento contribuye a la riqueza del paisaje sonoro general.

Pero lo que realmente hace que "Scarlet Begonias" sea especial es su capacidad para evolucionar y transformarse en vivo. Grateful Dead era conocido por sus improvisaciones extensas durante las presentaciones en directo, y esta canción no fue la excepción. Cada interpretación en vivo de "Scarlet Begonias" era única, con la banda explorando nuevos territorios musicales y llevando a los oyentes en un viaje improvisado e inolvidable.

Además de su impacto musical, "Scarlet Begonias" también se ha convertido en un símbolo de la cultura contracultural de la época. Sus letras llenas de referencias a la contracultura, la naturaleza y la espiritualidad resonaron con una generación de jóvenes que buscaban una alternativa al status quo establecido.

"Scarlet Begonias" de Grateful Dead es mucho más que una simple canción; es un testimonio de la creatividad y la innovación de una de las bandas más influyentes en la historia de la música popular. Su combinación única de letras evocativas, melodías cautivadoras y improvisaciones brillantes la convierte en una pieza atemporal que sigue inspirando y emocionando a oyentes de todas las generaciones.

Daniel 
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domingo, 7 de abril de 2024

1193 - Aerosmith - Lord of the things


1193 - Aerosmith - Lord of the things

Aerosmith, una de las bandas más icónicas del rock, ha dejado una marca indeleble en la historia de la música con su distintivo sonido y su energía inigualable en el escenario. Desde sus inicios en la década de 1970 hasta el presente, la banda ha cautivado a millones de fans en todo el mundo con sus inconfundibles riffs de guitarra, letras emotivas y la poderosa voz de su líder, Steven Tyler.

Una de las canciones más destacadas de Aerosmith que merece especial atención es "Lord of the Things". Esta pista, incluida en su álbum de 1975 "Toys in the Attic", es un brillante ejemplo de la habilidad de la banda para combinar letras poéticas con un ritmo frenético y una instrumentación excepcional.

"Lord of the Things" comienza con un riff de guitarra inconfundible, cortesía del legendario Joe Perry, que establece de inmediato el tono enérgico de la canción. La batería de Joey Kramer y el bajo de Tom Hamilton se unen para crear una base rítmica sólida que impulsa la canción hacia adelante con una intensidad implacable.

Las letras de "Lord of the Things" son un testimonio del ingenio lírico de Aerosmith. Con metáforas evocadoras y una narrativa surrealista, la canción transporta al oyente a un mundo de fantasía donde la realidad se entrelaza con la imaginación. La voz distintiva de Steven Tyler da vida a las letras con su entrega apasionada y emotiva, capturando la esencia de la lucha entre el bien y el mal que permea la canción.

Uno de los aspectos más destacados de "Lord of the Things" es su estructura musical dinámica. La canción presenta cambios de ritmo y melodía que mantienen al oyente completamente absorto, desde los suaves versos hasta los explosivos estribillos. Los solos de guitarra de Joe Perry agregan una capa adicional de emoción y virtuosismo, demostrando por qué es considerado uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.

Además de su calidad musical, "Lord of the Things" también ha dejado un impacto duradero en la cultura popular. La canción ha sido utilizada en varias películas, programas de televisión y comerciales, lo que demuestra su relevancia continua y su capacidad para resonar con audiencias de todas las edades.

"Lord of the Things" es una joya dentro del vasto repertorio de Aerosmith que encapsula perfectamente la esencia de la banda. Con su combinación de letras ingeniosas, instrumentación magistral y la inconfundible voz de Steven Tyler, esta canción sigue siendo un testimonio del talento y la creatividad de una de las bandas más influyentes en la historia del rock.

Daniel 
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Renacimiento Pop: Reseña del Álbum "Like a Virgin" de Madonna #mesMadonna

Renacimiento Pop: Reseña del Álbum "Like a Virgin" de Madonna #mesMadonna

En el tumultuoso mundo del pop de los años 80, Madonna emergió como un ícono deslumbrante, desafiando convenciones y redefiniendo los límites del género. Su segundo álbum, "Like a Virgin", lanzado en 1984, no solo consolidó su estatus como una fuerza imparable en la música, sino que también encapsuló la esencia de una era.

Desde los acordes iniciales de "Like a Virgin", el álbum desata un torbellino de energía y provocación. Con su letra audaz y su melodía contagiosa, Madonna proclama su autonomía y sexualidad de una manera que desafía las expectativas sociales. La canción no solo captura la esencia de la era del pop de los 80, sino que también establece a Madonna como una voz provocativa y empoderada en la industria musical.

El álbum continúa su viaje con pistas como "Material Girl" y "Angel", donde Madonna fusiona el glamour con la rebeldía de una manera que solo ella puede lograr. "Material Girl" se convierte en un himno de la cultura popular, desafiando las nociones tradicionales de romance y feminidad, mientras que "Angel" ofrece una mezcla intoxicante de ritmos pop y funk que invitan al oyente a bailar.

Sin embargo, "Like a Virgin" también muestra un lado más vulnerable de Madonna. Canciones como "Over and Over" y "Love Don't Live Here Anymore" revelan una profundidad emocional y una sensibilidad que va más allá de la fachada de la superestrella del pop. Estas pistas muestran la capacidad de Madonna para conectarse con su audiencia de una manera íntima y auténtica, añadiendo una capa de complejidad a su imagen pública.

El álbum alcanza su punto culminante con la emotiva balada "Stay", donde Madonna expresa una vulnerabilidad desgarradora mientras canta sobre el deseo de mantener viva una relación. Con su voz emotiva y la instrumentación conmovedora, esta pista demuestra la versatilidad artística de Madonna y su habilidad para conmover a su audiencia en un nivel emocional profundo.

"Like a Virgin" de Madonna no solo es un hito en la carrera de la artista, sino también un punto de inflexión en la historia del pop. Con su mezcla única de provocación, glamour y vulnerabilidad, el álbum captura la esencia de una era y establece a Madonna como una fuerza imparable en la música. Más de tres décadas después de su lanzamiento, "Like a Virgin" sigue siendo una obra maestra atemporal que continúa inspirando a generaciones de fanáticos en todo el mundo.

Daniel 
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sábado, 6 de abril de 2024

1192 - Robin Trower - Bridge of sighs


1192 - Robin Trower - Bridge of sighs

En el mundo del rock y el blues, hay ciertas canciones que trascienden el tiempo y el espacio, dejando una impresión indeleble en quienes las escuchan. Una de esas canciones es "Bridge of Sighs" de Robin Trower, una obra maestra que captura la esencia misma del talento y la pasión musical. En esta reseña, exploraremos a fondo la riqueza emocional y el virtuosismo técnico que hacen de esta canción un punto culminante en la carrera de Robin Trower.

Antes de sumergirnos en la música misma, es importante comprender el contexto en el que "Bridge of Sighs" fue creada. En la década de 1970, el mundo de la música estaba experimentando una revolución, y artistas como Robin Trower estaban en el centro de la acción. Con influencias que van desde el blues hasta el rock psicodélico, Robin Trower estaba perfectamente posicionado para dejar su huella en la escena musical.

El corazón de "Bridge of Sighs" reside en su composición y ejecución magistral. Desde el cautivador riff de guitarra que abre la canción hasta el épico solo que sirve como clímax, cada nota está impregnada de emoción y expresión. La voz suave y etérea de Trower complementa a la perfección la intensidad de la música, mientras que la letra enigmática añade una capa adicional de profundidad emocional.

A lo largo de los años, "Bridge of Sighs" ha dejado una marca indeleble en la cultura musical. Ha sido sampleada, versionada y elogiada por generaciones de músicos y aficionados por igual. Su influencia se extiende mucho más allá del mundo del rock y el blues, sirviendo como un recordatorio atemporal del poder transformador de la música.

En última instancia, "Bridge of Sighs" de Robin Trower es mucho más que una simple canción. Es una experiencia auditiva que trasciende el tiempo y el espacio, capturando la esencia misma del talento y la pasión musical. A medida que continúa cautivando a oyentes de todo el mundo, su legado perdurará, recordándonos a todos la magia que se encuentra en la intersección del arte y la emoción humana.

Gracias por acompañarnos en este viaje a través de la fascinante historia de "Bridge of Sighs" de Robin Trower. Esperamos que esta reseña haya iluminado un poco más la belleza y la profundidad de esta obra maestra musical. ¡Hasta la próxima!

Daniel 
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Disco de la semana 372: Tim - The Replacements

 



La próxima vez que escuches este álbum, presta mucha atención a la letra. Si bien Let it Be capturó perfectamente lo que es ser un adolescente, Tim habla de quien llega a la edad de veintitantos años, cuando te das cuenta de que todo lo que aprendiste sobre ser un adulto estaba mal. Cuando cumples dieciocho años te entregan todas estas responsabilidades, pero lo que no te dicen es la forma correcta de cumplirlas, porque la verdad es que ellos tampoco lo saben. No tienen ni idea. Incluso los momentos más optimistas del álbum, como el ridículamente encantador "Kiss Me on the Bus", tienen un toque amargo y angustiante, y suenan como el trabajo de alguien que intenta desesperadamente recuperar los momentos de la vida en los que todo parecía más simple. ¿Recuerdas esa última semana de la escuela secundaria, cuando amabas todo lo que sucedía a tu alrededor simplemente porque estabas a punto de salir disparado de allí? ¿Y el verano siguiente, cuando estabas lleno de optimismo y feliz de estar vivo y listo para afrontar cualquier desafío que la vida te ofreciera? ¿Y tu primer semestre en la universidad, cuando finalmente pudiste deshacerte de esas viejas limitaciones y vivir un poco? Sí, se trata de darte cuenta de que las cosas nunca volverán a ser tan buenas. En ningún otro lugar esto queda más claro que en el magnífico final "Here Comes a Regular", el momento en el que te das cuenta de que, maldita sea, ya no eres un niño, que todos tus intentos de ser un adulto te han fallado y que no hay nada Queda por hacer en este punto, salvo bebertelo todo noche tras noche. Hasta ahora, Tim puede parecer el álbum más deprimente de todos los tiempos, y lo es cuando realmente lo digieres y piensas en ello. No es que haya mucha felicidad en "Swingin' Party" o "Little Mascara", dos canciones que transmiten perfectamente la sensación de decepción de la que hablo aquí, pero también tiene un par de momentos edificantes. En particular, "Left of the Dial" simplemente se dispara, es una oda alegremente edificante a la radio universitaria, construida alrededor de un riff tremendamente pegadizo e infundida con algo que honestamente se parece al drama real y convincente, particularmente en el puente. Es una maldita balada poderosa, pero no te lo reproches; en lo que respecta a ese tipo de cosas, no hay nada mejor que eso. Mientras tanto, "Waitress in the Sky" es una canción maravillosamente sarcástica con influencia country,

 Empieza el álbum con Hold My Life, su letra se define como poesía posmoderna: no tiene mucho sentido racional (al menos en la superficie), pero crea un ambiente definido de alienación y desesperación. El único lugar donde su significado se hace evidente alto y claro es en el estribillo:

Y mantén mi vida

hasta que esté listo para usarla

Mantén mi vida

Porque podría perderla

Porque podría perderla

Porque podría perderla

 

Es una clara advertencia de lo que vamos a encontrar aquí, le sigue I'll Buy aunque está lejos de ser excelente, sigue siendo un buen rock, reconociendo sus raíces punk rock, y Kiss Me on the Bus continúa con este estilo de vida de alegría de vivir, una canción gana puntos líricamente cuando reconoce la yuxtaposición de alegría que se convierte en madurez cuando el cantante pide un beso en un vehículo público abarrotado, musicalmente, es un poco un retroceso, casi un estilo aleatorio de los años 60, guitarras vibrando por todos lados, tempo acelerado, pero ni remotamente alto. No es que la canción sea mala, pero comparada con el resto del álbum Dose of Thunder parece de relleno, suena como si Westerberg entrara corriendo al bar/salón de billar buscando meterse en tantos problemas como pudiera, y ese final abrupto sugiere que no ha encontrado nada (especialmente con ese horrible grito). Llega Waitress in the Sky lo que los oyentes quizás no se den cuenta es que la canción no es una queja sobre el mal servicio: viajar en avión no era un lujo que los 'Mats normalmente pudieran permitirse, y ciertamente no habrían esperado que les sirvieran champán sí volaran. (Es posible que hayan intentado robarlo en primera clase), Bob Mehr explica que la canción en realidad se inspiró en las historias que el compositor Paul Westerberg escuchó de su hermana Julie, una azafata. "Yo estaba interpretando el personaje del canalla que exige ser tratado como un rey", dijo Westerberg a Mehr. "Había escuchado todas las historias de mi hermana sobre cómo los pasajeros les gritaban a las azafatas y luego cómo 'accidentalmente' les derramaban algo". Finaliza la cara A (y la más floja del álbum) con el falso optimismo de Swingin Party que trata sobre el peligro de beber, interpretadas por chicos que se dan cuenta de que están viviendo vidas insatisfechas (“dejar la escuela y ir a trabajar y nunca ir a pescar”) y pasar demasiado tiempo en la taberna del vecindario (“una tonto que desperdicia su vida, que en paz descanse sus entrañas”). La bravuconería que se encontró en “Hold My Life” ha sido reemplazada por melancolía y desesperanza, de acuerdo con el estado de ánimo, la dura música rock que se reproduce en la mayor parte del álbum ha desaparecido por una melodía fácil y lenta que te hechiza.


Abre la cara B un de sus obras maestras Bastards of Young es la llamada a las armas de esta generación y es un puto himno. En realidad, tacha eso. Llamado a las armas es un nombre inapropiado, es más bien una aceptación de la nada que parecía caracterizar su futuro, una llamada a la apatía parece más apropiado. "¡No somos hijos de nadie!" - una generación abandonada por sus padres, muchos de estos niños tuvieron que resolver las cosas por sí mismos. "Sueños incumplidos, graduados no calificados": una versión más descriptiva de los gritos de los Sex Pistols de ¡No hay futuro!, "La falta de voluntad para reclamarnos, ya no tienes guerra para nombrarnos" siempre ha sido una letra interesante para mí, es cierto que la generación de Westerberg fue la primera en mucho tiempo sin una guerra masiva que la caracterizara. "Los que más nos aman son aquellos a quienes dejaremos descansar / Y visitaremos sus tumbas durante las vacaciones en el mejor de los casos / Los que menos nos aman son aquellos por quienes moriremos por complacer / Si te sirve de consuelo, no lo hago". No empiezo a entenderlos" - Bastards of Young sigue siendo una canción punk en el fondo, solo una que está dispuesta a abrazar la melancolía más que el punk promedio. Es una puta mierda trabajar para gente que odias. Hay agudas observaciones sobre perder el primer peldaño en la escalera del éxito, sueños incumplidos y graduados no calificados.

 

Los que más nos aman son aquellos a quienes dejaremos descansar

Visitamos sus tumbas durante las vacaciones en el mejor de los casos

Los que menos nos aman son los que moriremos por complacernos.

Si te sirve de consuelo, no empiezo a entenderlos.

 

Westerberg parece indicar que damos por sentado a quienes nos muestran más afecto, ya sean jóvenes amigos o viejos abuelos. Sin embargo, hacemos todo lo posible para impresionar a quienes no se preocupan por nosotros, ya sean familiares indiferentes o los fríos jefes corporativos. Lay It Down Clown es una relativa caída en el álbum, Let's Help Bob se refiere al guitarrista principal de REM, Peter Buck, una broma interna si alguna vez hubo una. Afortunadamente, es sólo una distracción de poco más de dos minutos que conduce a la muy superior “Left of the Dial”, una pista más lenta y atmosférica que aún conserva la energía del power pop, cuenta la historia de la radio universitaria durante la década de 1980, las estaciones que tocaban bandas como The Replacements solían estar a la izquierda de la mayoría de las estaciones de radio convencionales, tanto literalmente en términos de radio física como en un sentido más ideológico en el sentido de que la música. Sus protagonistas, probablemente la propia banda, están de gira, recorriendo América y escuchando diferentes estaciones de radio a medida que avanzan, cogiendo gusto por las bandas alternativas locales. Es interesante la perspectiva que toma LOTD, siempre me ha parecido un arma de doble filo, por un lado, es triste, las bandas que están de gira intentan desesperadamente abrirse camino en la escena, envejeciendo en los bares. Pero, por otro lado, hay vitalidad en la forma en que Westerberg cuenta la historia. Me recuerda a All My Friends de LCD Soundsystem , momentos pasados luchando en el camino que, mirando hacia atrás, parecen el mejor momento de tu vida. El verso final siempre me emociona por alguna razón. Westerberg canta "Y si no te veo, dentro de mucho, mucho tiempo / Intentaré encontrarte / A la izquierda del dial". tradicional La penúltima canción Little Mascara tiene un gancho de guitarra alegre y pegadizo, pero no dejes que eso te engañe: el tema es muy pesado, en un juego de palabras westerbergiano, el estribillo de la canción dice que lo único que pierde el protagonista es un poco de rímel. Dado que desde el principio se estableció que dicha protagonista es madre y esposa, entendemos que esto significa que a cambio de los beneficios del matrimonio debe renunciar a su felicidad. Esta sensación de matrimonio tradicional que aprisiona a la mujer se explora a lo largo de toda la canción, la obligación percibida de un individuo hacia su familia supera su deseo de edificación personal y llega a arrepentirse de esta decisión. Ciertamente, el sexismo no es un tema ajeno a Westerberg, ya que antes exploró el desprecio que los hombres tienen por las mujeres de servicio en Waitress In The Sky y el abuso crónico de las actrices en Hollwood en Grandpaboy's Silent Film Star. La descripción que hace Little Mascara del encarcelamiento que experimentan las mujeres y las madres convierte a esta en su canción más desoladora, un reflejo frente al alcoholismo, la depresión y una vida insatisfecha y desperdiciada, o el desamparo y la melancolía de los bares de los pueblos pequeños. Here Comes A Regular es, con diferencia, la pista más lenta y atmosférica de Tim. Sobre una guitarra acústica de cuerdas agudas y sintetizadores silenciosos y melancólicos, cuenta la historia de un individuo, probablemente un hombre, cuya triste vida consiste en el odio a sí mismo, el aburrimiento y la bebida. Abordando nuevamente un motivo de Westerberg en el alcoholismo, el protagonista de la canción encuentra su única felicidad en ir al bar local todas las noches, pero incluso esto se vuelve vacío y deprimente para él. Honestamente, podría elegir cualquier letra de esta canción para ejemplificar la habilidad de Westerberg para invocar el desamor, pero quizás el mejor ejemplo de esto es el cierre del primer verso. Solía vivir en casa, ahora me quedo en casa. Nuevamente utilizando juegos de palabras, Westerberg juega con la vieja figura retórica “el hogar es donde está el corazón”. Lógicamente, “vivir en casa” y “quedarse en casa” significan lo mismo, pero como “hogar” y “casa” generalmente tienen connotaciones diferentes, la línea logra comentar el cambio en la vida del protagonista cuando todo comienza a cambiar. perder significado. Vivir en casa significa que su hogar y su vida todavía tienen significado para él, pero quedarse en casa significa que lo único que significa para él es protegerse del mundo exterior. Se ha disuelto con cualquier recuerdo o amor que solía asociar con su casa, como ha sucedido con su vida a medida que se hunde cada vez más en el alcoholismo, pinta una imagen tan cruda y desnuda de la depresión que es casi imposible alejarse de ella sin una lágrima en los ojos. Ya nada en la vida de este hombre ofrece consuelo; a medida que pasan los años, se da cuenta cada vez más de que está viviendo una vida vacía. Ya no quiere "ocupar mi lugar atrás con los charlatanes", pero su dependencia del alcohol le hace imposible evitar el bar al que es habitual. "Todo lo que sé es que estoy harto de todo lo que mi dinero puede comprar / Un tonto que desperdicia su vida, que Dios le descanse", la canción es muy explícita en lo que está sucediendo.


Tim termina con una nota deprimente y creo que es bueno que así sea. Westerberg mira fría y duramente la juventud desperdiciada y no le gusta lo que ve, la pregunta que plantea es hacia dónde ir a partir de ahora con su vida personal. ¿Continúa uno la espiral descendente o intenta liberarse del ciclo? Esa pregunta no se responde aquí, pero descubrir el problema es un primer paso saludable. Tim debería haber sido el álbum que llevó a The Remplacements a una audiencia más amplia, pero el desprecio de la banda por los videos musicales, junto con un infame concierto de borrachos en Saturday Night Live, echo por la borda cualquier impulso, aunque el álbum recibiera enormes elogios críticos. Sin embargo, Tim está en medio de la santa trinidad de álbumes del grupo, después de Let it Be y antes de Complated to Meet Me, (discos que sin duda merecen ser disco de la semana en el blog) como discos inspiradores que la próxima generación de bandas alternativas imitaría y convertiría en oro comercial.

viernes, 5 de abril de 2024

1191.- Irish Jig - Gwendal

 


Gwendal es una banda de música celta que ha dejado una marca única en el panorama musical francés y mundial desde su fundación en 1972. Formada por músicos de una gran calidad y talento que compartían una pasión por la música tradicional celta, la banda ha sabido traspasar y dar un toque único a su música al traspasar límites del género y fusionar elementos celtas con influencias de rock progresivo y música del mundo. La trayectoria de Gwendal está marcada por una serie de álbumes aclamados por la crítica y exitosas giras internacionales que han llevado su música a audiencias de todo el mundo. Desde sus primeros días, la banda cautivó a los oyentes con un enfoque fresco y dinámico de la música celta, incorporando instrumentos tradicionales como la gaita, la flauta y el violín con instrumentos modernos como la guitarra eléctrica y la batería. Pero además han sabido evolucionas ya que a lo largo de los años, Gwendal ha experimentado con una amplia gama de estilos musicales, desde piezas tradicionales hasta composiciones originales que exploran nuevas sonoridades y ritmos. Su habilidad para mezclar lo antiguo con lo nuevo ha sido fundamental para su longevidad y su éxito comercial y de critica, Gwendal ha sido elogiado por su virtuosismo musical y su habilidad para transmitir la rica herencia cultural de la música celta de una manera accesible, sus actuaciones en vivo son conocidas por su energía contagiosa y su capacidad para hacer que el público se sumerja en la magia de la música celta. A lo largo de su trayectoria, la formación de la banda ha experimentado cambios, pero su compromiso con la excelencia artística y la exploración musical ha permanecido constante.

 

Su álbum de debut llevó por nombre Gwendal y dentro de ese disco tenemos dos piezas que fueron la punta de lanza para su reconocimiento, la primera Sopo Song, y en la que nos vamos a detener y que abria el disco es Irish Jig, una pieza emblemática que encapsula el espíritu vibrante y enérgico de la música celta y que fusiona elementos tradicionales irlandeses con influencias contemporáneas, desde sus primeros compases, invita al oyente a sumergirse en un mundo de ritmos animados y melodías exuberantes. La pieza comienza con la icónica combinación de la gaita y la flauta, dos instrumentos emblemáticos de la música celta que establecen de inmediato el tono festivo y emocionante de la composición. A medida que la melodía avanza, se incorporan otros instrumentos, como el violín y la guitarra y la interacción entre los diferentes instrumentos es fluida y dinámica, creando esa sensación de movimiento y vitalidad tan importante en la música celta, convirtiéndola en un tema contagioso y con una clara estructura de baile, que te invitan a danzar, la habilidaosa técnica y el virtuosismo de los músicos de Gwendal son evidentes en cada nota, demostrando su dominio del género y su profundo respeto por la tradición celta. Aunque Irish Jig es una pieza instrumental, su poder evocador y su riqueza emocional trascienden las barreras del lenguaje y la cultura. Es una celebración de la alegría y la camaradería que se encuentra en la música celta, y un recordatorio de la capacidad de la música para unir a las personas y trascender fronteras.

jueves, 4 de abril de 2024

1190.- She - Charles Aznavour

 


Charles Aznavour fue un cantante, compositor y actor francés de origen armenio, conocido por su voz única y sus emotivas interpretaciones. Una de sus canciones más emblemáticas es "She" ("Ella" en español), lanzada en 1974. Esta canción, escrita por Aznavour y Herbert Kretzmer, ha sido versionada por varios artistas y ha perdurado en el tiempo debido a su belleza y profundidad emocional.

She de Charles Aznavour es una canción que trasciende las barreras del tiempo y del idioma, llegando al corazón de quienes la escuchan con un mensaje atemporal de amor y admiración. La habilidad de Charles Aznavour para transmitir emociones a través de su voz y su interpretación magistral hacen de esta canción un tema inolvidable e imprescidible para aquellos que degustamos la música romántica y es que la letra de "She" está llena de metáforas poéticas que pintan un retrato vívido de la relación entre el narrador y la mujer a la que se refiere. Aznavour logra capturar la esencia misma del amor en sus palabras, deteniéndose en temas como la gratitud, la pasión y la devoción de una manera profundamente conmovedora, a lo largo de la canción, el narrador reflexiona sobre la influencia duradera que esta mujer ha tenido en él, describiendo cómo su presencia ha moldeado su mundo y su percepción del amor, las letra evoca imágenes de momentos compartidos, recuerdos preciados y el deseo de mantener viva esa conexión especial, además la música acompaña perfectamente el tono melancólico y reflexivo de la letra, con una melodía suave y envolvente que intensifica la emotividad de la canción, con unos magnificos arreglos instrumentales sutiles que crean una atmósfera íntima y evocadora que transporta al oyente a un estado de contemplación y nostalgia y convirtiendo a She en mucho más que una simple canción, un testimonio perdurable del poder del amor para inspirar, conmover y trascender las barreras del tiempo y del espacio.

A lo largo de los años, "She" ha sido reinterpretada por numerosos artistas, cada uno aportando su propio estilo y sensibilidad a la canción. Sin embargo, ninguna versión puede igualar la emoción cruda y la autenticidad de la interpretación original de Charles Aznavour, que sigue siendo la referencia definitiva para esta pieza icónica. La universalidad de la temática de "She" ha resonado con audiencias de todas las edades y culturas, convirtiéndola en una de las canciones más queridas y recordadas de Charles Aznavour.

 

miércoles, 3 de abril de 2024

1189.- Bad Company - Bad Company

Bad Company, Bad Company


     En 1973, Paul Rodgers (vocalista y pianista) y Simon Kirke (batería) que acababan de dejar el grupo Free, se juntan con Mick Ralphs (guitarra) ex miembro de Mott the Hopple, y con Boz Burrel (bajo) ex miembro de King Crimson, y fundan el grupo llamado Bad Company, llamado así por la obsesión de Paul Rodgers por una película del genero western también llamada así. En 1974 debutan con el disco titulado como la formación Bad Company, publicado por la compañía propiedad de Led Zeppelin Swan Song. Nos encontramos con un disco rockero con marcadas influencias bluseras. 

Incluído en este álbum encontramos la canción que da título al mismo, Bad company, tema que comienza con Paul Rodgers al piano, y que va creciendo por momentos hasta acabar desplegando todo el potencial de la banda. Según casi todas la biografías de la banda, esta canción y el nombre del grupo provienen de Bad company, un western aclamado por la crítica y protagonizado por Jeff Bridges que fue estrenado en 1972. Según Paul Rodgers, decidieron usar una canción con el mismo nombre: "Creo que porque nunca se había hecho, hasta donde yo sabía. Pensé que era interesante salir como una banda nueva con su propio tema musical". Para conseguir el sonido de la pista y su atmósfera especial, Rodgers grabó su voz en el silencio de la noche en medio de un campo bajo la luz de la luna. "Nos llevó unas tres horas configurarlo todo... pero cuando llegó el momento, lo hicimos y lo hicimos en una sola toma"

La canción comienza con un distintivo toque de piano a manos de Paul rodgers, que establece el oscuro y melancólico ambiente de la canción, creando una atmósfera envolvente que perdura a lo largo de todo el tema. Mientras, las letras narran la historia de un hombre que ha vivido un vida de delitos y violencia, buscando la redención y un nuevo comienzo. Con líneas como "I was born, six.gun in my hand" (Nací, pistola en mano), la canción evoca imágenes de un individuo atormentado por su pasado y decidido a cambiar su destino. La voz única y llena de matices de Paul Rodgers añade un extra de emoción y autenticidad a este excelso tema, capturando brillantemente la angustia y el anhelo del protagonista. El ritmo pausado y melódico de la canción crea un genial contraste con la intensidad lírica que transmite el cantante, y la guitarra de Ralphs y la sección rítmica de Kirke (batería) y Burrell (bajo) complementan perfectamente la voz de Rodgers, creando una experiencia sonora y auditiva conmovedora y fascinante.