Disco de la semana 331: Funky Kingston - Toots & The Mayals

Esta semana, la reseña del "disco de la semana" podría perfectamente la reseña de dos discos, ya que fueron dos "Funky Kingston" de Toots and the Maytals los que se publicaron con la misma portada y título. El primero, que es en el que, en realidad, nos vamos a centrar, vio la luz en Jamaica y Reino Unido en 1973 con la discográfica Dragon Records. Dos años después, en 1975, y al amparo del éxito del primero, un álbum diferente fue publicado en Estados Unidos por la discográfica Mango Records, en esta ocasión formado por canciones de tres de los anteriores discos de Toots and the Maytals.

Elegí recientemente "Funky Kingston" como el primer disco a escuchar, dentro del objetivo que me he marcado de adentrarme por fin en las rítmico oleaje de las aguas del reggae, género al que nunca había prestado antes demasiada atención. El motivo no es otro que, pese a ser reconocido como uno de los mejores álbumes del género, es un disco que tiene una cadencia soul y, como su propio nombre indica, ciertos aires funky que pensé que suavizarían esta primera experiencia. Y acerté. No solo es un discazo de reggae, sino que es una obra que musicalmente trasciende con nota los límites de ese particular género. Baste como ejemplo mencionar que incluye dos eficaces versiones de canciones tan relevantes del rhythm and blues como "Louie Louie" de Richard Berry (popularizada por The Kingsmen y, posteriormente, por The Stooges) o "I can't believe", de Ike & Tina Turner.

El disco comienza a lo grande con "Sit right down", de marcado aire reggae pero que introduce ya una sublime sección rítmica, que aparecerá en otros temas del disco y que constituye uno de los puntos fuertes del álbum. La tonalidad "soul" de la voz de Frederick "Toots" Hibbert encaja a la perfección con los metales y la cadencia soul-funk en un arranque inmejorable, que no decae con "Pomps & Pride" ni con la ya mencionadas versiones de "Louie Louie" y "I can't believe", siendo probablemente esta última la más pegadiza y comercial del disco. La tercera bala con la que Toots and the Maytals se posicionan más allá de los típicos postulados y arquetipos rastafaris la constituyen sus efectivas letras sobre la lucha de la clase más pobre y la vida cotidiana. Son buen ejemplo de ello temas como "Redemption Song", más rítmica y acelerada que la versión de Bob Marley, o "Daddy's home", una balada en la que, de nuevo, los toques soul son más que evidentes en la cadencia de la música y en la voz de Frederick "Toots" Hibbert.

Llega el turno de la canción que da título al disco, la genial "Funky Kingston", una curiosa mezcla de ritmo funky con rasgueos de guitarra que juegan con el funky que el propio nombre de la canción pregona. Hay además ciertos toques en los gritos de Frederick "Toots" Hibbert que recuerdan a James Brown, y todo ello sin abandonar el reggae y acompañado de un efectivo y rítmico piano. Una auténtica joya de la fusión de estilos. Por si todo esto fuera poco, la producción de la canción y de todo el disco es excelente para tratarse de un disco grabado en Jamaica en los primeros años setenta.

El álbum cierra con "It was written down", quizá la más reggae del conjunto, y dejándonos con ganas de más, tras 37 minutos de perfección musical, e impresiona aún más cuando, leyendo particularidades sobre la grabación, descubrimos que apenas se añadieron cosas a las tomas grabadas por la banda. Los periódicos de la época definieron "Funky Kingston" como "rock and roll Jamaicano", principalmente debido a la inclusión de las dos versiones de temas de rhythm and blues americano, y porque el disco estaba a la altura de las mejores grabaciones de los artistas estadounidenses y británicos del momento. 

Quizá por eso, la versión que se publicó en Estados Unidos en 1975 mantenía solo tres canciones del "Funky Kingston" original, sustituyendo el resto por otras versiones de clásicos estadounidenses como el "Take Me Home, Country Roads" de John Denver, entre otros, y añadiendo el single "Pressure drop" que había sido un éxito en 1969 y que a la postre quedó para el recuerdo como la canción más reconocida de la banda. Pero ese es otro "disco de la semana". Hoy, nos quedamos con la versión original de "Funky Kingston", sencillamente inmejorable, por encima incluso de su "doble" estadounidense. 

0896.- Roundabout - Yes

 

Roundabout, Yes

     El 12 de noviembre de 1971 la banda inglesa de rock progresivo Yes publica su cuarto álbum de estudio, Fragile. Dicho trabajo es grabado en los estudios Advision del distrito de Fitzrovia en Londres, bajo la producción del productor discográfico e ingeniero inglés Eddy Offord y del propio grupo, y publicado por el sello discográfico Atlantic Records. Fragile supuso el primer disco de la banda que grabaría el tecladista Rick Wakeman reemplazando a Tony Kaye.

Cuando la banda entra a grabar en el estudio para grabar surge un problema, Tony kaye se niega a grabar tocando teclados electrónicos, lo que provoca su salida del grupo y su rápida sustitución por Rick Wakeman, quien rápidamente deja claras sus habilidades compositivas y su virtuosismo y experiencia con el piano eléctrico, el mellotrón y el sintetizador Moog. Gracias a esto la banda puede ampliar sus prestaciones y sus sonido. 

Otro problema que el grupo se encuentra es la limitación de presupuesto, por lo que no les queda otra solución que realizar varias composiciones grupales, concretamente cuatro, y las cinco restantes son piezas cortas en solitario de cada miembro de la banda. De todas esas composiciones destaca Roundabout, que se acabaría convirtiendo en una canción popular e icónica de la banda. La canción fue lanzada como sencillo en Estados Unidos en enero de 1972 con la pista Fragile en la cara B, y llegó a alcanzar el puesto número 13 en la lista Billboard Hot 100 y el número 10 en las listas de sencillos Cash Box Top 100 de dicho país.

La canción tuvo origen en marzo de 1971 cuando la banda estaba de gira promocionando su álbum The Yes Album, mientras viajaban de Aberdeen a Glasgow después de dar un concierto en la localidad de Aviemore, Escocia. Durante aquel trayecto encontraron muchas rotondas, según Anderson 40 más o menos, lo que inspiró a él y a Howe a escribir una canción sobre el viaje mientras estaban sentados en la parte trasera de las camioneta en la que viajaban. Anderson afirmaba que aquel día había fumado Cannabis durante el viaje, y que todo sucedió de forma muy mística, "Era un día nublado, no podíamos ver la cima de las montañas, sólo podíamos ver las nubes porque estaba muy empinado", fue cuando se le ocurrió la letra "Las montañas salen del cielo y se paran allí". Así surgiría Roundabout, una historia sobre la vida en el campo con una visión psicodélica y con alusiones a la conducción.

Elvis is back - Elvis Presley #MesElvisPresley

 

Estamos sin duda ante uno de los cinco mejores álbumes de estudio de Elvis, puede que ya no sea Rock'n'Roll crudo, pero a quién le importa ya que los años 50 ya terminaron y Elvis siempre fue mucho más que solo Rock'n'Roll, y nunca deja de grabar con los mejores músicos de Nashville (el A-Team que incluye a Bob Moore , Floyd Cramer , Hank Garland , Buddy Harman , The Jordanaires , ... además de Scotty Moore también está de vuelta en el barco). Un álbum perfectamente producido (escucha ese sonido limpio y matizado) pero lo mejor es ver como Elvis ha ido creciendo en su voz y su fraseo, tal vez se dio cuenta de lo que realmente es capaz y que tiene las agallas para demostrarlo. El consenso general es que el Rey "murió" en el ejército, pasó de ser una estrella de rock controvertida y oscilante a llamarle señor. Era la opción "segura" para la clase media, sus álbumes y sencillos comenzaron a reflejar eso también: más baladas, canturreos lentos. RCA lo estaba preparando para ser el nuevo Frank Sinatra ya que Elvis tiene una gran voz innegable en todo momento. En este álbum cuestionaría parte del material elegido, no se si Elvis realmente tuvo la última palabra o no en la selección de canciones como a veces se argumenta, pero canta demasiado que el álbum se hizo con la locura del doo-wop en pleno apogeo, ya que escuchamos a The Jordanaires haciendo como un cuarteto en la mayoría de las canciones aquí. Me gusta bastante el doo-wop y puedo pensar en algunos éxitos de Elvis de la época que con Ther Jordanaires mejoraron, pero podría haber sido algo mejor si los productores hubieran dejado la voz de Elvis sin adornos o incluso la hubieran acompañado con coristas femeninas.

A pesar que algunas de las canciones están innegablemente ligadas a su época y es posible que nunca hubieran llegado más lejos si Elvis no hubiera elegido grabarlas, él hace que valgan la pena (esto se vuelve aún más evidente al escuchar sus grabaciones de películas), no es que haya muchas canciones malas o anticuadas aquí: "Fever" y "Such a Night" han sido clásicos antes (más famosas por Peggy Lee y The Drifters, respectivamente), por lo que hay que preguntarse por qué Elvis se molestó en grabarlos y su escucha demuestra que no solo hace justicia a estas canciones, sino que las lleva más allá, algo que no se puede decir de algunas de las versiones con las que llenó sus álbumes de los años 50, la versión de Elvis de Fever, con chasquidos de dedos añadidos, eleva la temperatura de forma brutal. Escucha "It Feels So Right" y ves que Elvis realmente deja que el Blues se haga un hueco en su repertorio (y Boots Randolph toca ese saxo salvaje), lleno de valor y pasión como no lo has escuchado desde los días de Sun Records, dónde ponía su corazón en cada frase. Por otro lado, "Dirty, Dirty Feeling" no es tan sucio como sugiere el título, pero da la talla. Elvis demuestra su versatilidad mucho mejor que en el último álbum que escuchamos, es capaz de cambiar de estilo con mucha facilidad y suena bien al hacerlo. “The Girl Of My Best Friend” es una oda suavemente deambulante a la belleza de la novia de su amigo y está muy en el estilo anodino de sus últimos éxitos de principios de los 60 “Return A Good Luck Charm To A Devil In Disguise”. La sensiblera "Soldier Boy" me resulta un poco demasiado tranquila, pero al menos le sigue una alegre versión del éxito de Johnnie Ray "Such A Night", que de hecho fue lanzada como sencillo provisional tres años después por la etiqueta del sentimiento sórdido que en la canción se mantiene, pero al mismo tiempo se puede tocar en cualquier bar sin ofender a nadie. "It Feels So Right" ciertamente cuenta con la letra más débil aquí sin redimirse por un respaldo de blues y es igualado en mediocridad por el siguiente "The Girl Next Door" que se fue caminando pero no lo suficiente ya que tiene todo el ataque de un Cara B de Frankie Avalon. Afortunadamente, las dos pistas finales ven a Elvis soltarse para cantar blues con buen estilo. En “Like A Baby” y especialmente en la brillante “Reconsider Baby” de Lowell Fulsom, realmente se deja llevar y muestra de lo que podría ser capaz. Los álbumes posteriores de Elvis serían de temática country o gospel, es una pena que nunca haya podido incidir con el blues.

 

Solo con escuchar esa voz de oro, Elvis sigue siendo mejor que la mayoría cuando graba medias canciones mal escritas con sobreproducción, cuando tenemos un caso como este en el que todas las partes (es decir, su convicción, el material de la canción, los músicos y la producción) están equilibradas a la perfección, difícilmente se puede pedir más. Ahora hay un camino por delante difícil de seguir y en los años 60 solo los álbumes de Gospel y la grabación de Memphis pueden competir con la densidad de alta calidad que está presente aquí.

0895.- Black Dog - Led Zeppelin

 

Black Dog, Led Zeppelin

     Poco más se puede decir o añadir de uno de los mejores álbumes de la historia del rock, del cual se han rellenado infinidad de páginas, Led Zeppelin IV. Este indispensable disco se grabó entre diciembre de 1970 y febrero de 1971 en el estudio móvil de los Rolling Stones y los Island Studios de Londres, bajo la producción de Jimmy Page, y publicado el 8 de noviembre de 1971 bajo el sello discográfico Atlantic Records.

A pesar de no tener título, Led Zeppelin IV es como se conoce para mantener la numeración de sus anteriores álbumes, aunque también es conocido por otros nombre como Zoso, Runes, Four Symbols, Four o incluso Untitled. Jimmy Page decidió editar el disco sin título o nombre alguno en la tapa, ni siquiera el nombre del grupo después de la fría recepción que tuvo tercer álbum de estudio de la banda, Led Zeppelin III. La única inscripción que aparecía en la edición original era la frase "Produced by Jimmy Page" en la funda interior. 

Uno de los temas incluidos en el álbum es Black Dog, el cual también fue editado como sencillo junto con Misty Mountain Hop en la cara B. Fue el primer sencillo del disco y llegó a ocupar el puesto número 15 en las listas de ventas de Estados Unidos. El característico riff sobre el que se construye la canción no es el de una guitarra, es el bajo de John Paul Jones. La canción ocupa el puesto número 300 en la lista de "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos", elaborada por la revista Rolling Stone.

La canción fue llamada Black Dog porque en la villa en la que se encontraban grabando aparecía frecuentemente un perro labrador que aparentemente no tenía dueño. Curiosamente la letra no tiene nada que ver, pues nos habla de la dureza y la crudeza una ruptura sentimental. Estamos ante un poderoso blues progresivo con un contundente y poderoso riff , y con la voz de Robert Plant dándolo absolutamente todo. Esta canción se convirtió por derecho propio en imprescindible en la carrera de la banda.

0894.- The Musical Box - Genesis

En el tercer disco de la por entonces banda de rock progresivo Genesis (Nursery Crime, 1971) se encuentra una joya musical de más de diez minutos de duración. En las décadas posteriores a los años setenta, ya sin Peter Gabriel a bordo y liderados por Phil Collins la banda viró hacia un pop rock más comercial, con canciones que nada tenían que ver con temas como The Musical Box ("La caja de música"), ambicioso tema desde el punto de vista instrumental, y rematado con una letra basada en un oscuro cuento de hadas victoriano escrito por el propio Peter Gabriel.

En el cuento, una niña llamada Cynthia mata a un niño llamado Henry, cortándole la cabeza con un mazo de criquet, y quedándose con su caja de música. Al abrirla, suena la melodía de "Old King Cole" y Henry regresa en forma de un espíritu que va envejeciendo muy deprisa. Al llegar rápidamente a la adolescencia y la edad adulta, Henry siente deseos sexuales por Cynthia e intenta convencerla de tener relaciones, interrumpidas por una enfermera que, al verles, les lanza la caja de música, destruyéndoles a ambos. Como veréis, hasta la temática de la letra es totalmente diferente a las canciones más populares de Genesis de las últimas décadas.

Musicalmente, la canción apoya la narración del cuento a través del uso de Phil Collins de un mazo para el ritmo de la batería durante un tramo de la canción, mientras que Peter Gabriel toca el oboe durante la parte en la que se representa la melodía de la caja de música. The Musical Box es uno de los grandes hitos creativos de Genesis, y la canción central de Nursery Crime, hasta el punto de que en la portada del disco aparece la propia Cynthia, sosteniendo el mazo con el que mató a Henry, con varias cabezas cortadas y tiradas por el suelo, así que nuestra recomendación es que disfrutéis de la escucha de The musical box siempre que queráis, pero nunca al lado de una chica que se llame Cynthia, ni de nadie que tenga a mano un mazo de croquet.

0893 - Almendra - Muchachas de ojos de papel

0893 - Almendra - Muchachas de ojos de papel

"Muchachas de ojos de papel" es una canción emblemática de la banda argentina Almendra, que se considera una de las pioneras del rock argentino. Fue escrita por el cantante y compositor Luis Alberto Spinetta, líder de la banda, y fue lanzada en 1969 como parte de su álbum debut homónimo, "Almendra".

La canción se destaca por su lírica poética y su estilo melódico suave y melancólico. La letra describe la belleza y fragilidad de las "muchachas" cuyos ojos están hechos de papel, lo que simboliza su vulnerabilidad emocional y su delicadeza. Luis Alberto Spinetta utiliza metáforas visuales para evocar imágenes de mujeres etéreas y frágiles.

La melodía, compuesta por Luis Alberto Spinetta, es delicada y evocadora, con una guitarra acústica como protagonista principal. La canción también cuenta con arreglos de cuerdas que añaden una sensación de ensueño y romanticismo.

"Muchachas de ojos de papel" se ha convertido en un clásico del rock argentino y ha sido interpretada y versionada por diversos artistas a lo largo de los años. La canción captura la sensibilidad y el lirismo característico de la música de Almendra, y su influencia en la escena musical argentina es innegable.

Almendra, la banda es creada en 1967, fue una banda influyente en el desarrollo del rock en Argentina. Además de Luis Alberto Spinetta, estaba conformada por Edelmiro Molinari en guitarra, Emilio Del Guercio en bajo y Rodolfo García en batería. Juntos, experimentaron con diferentes estilos musicales y dejaron una huella duradera en la música argentina. "Muchachas de ojos de papel" es un claro ejemplo de su talento y creatividad, y sigue siendo apreciada y recordada como una de las canciones más emblemáticas del grupo y del rock argentino en general.

Daniel
Instagram Storyboy

892.- Tiny Dancer - Elton John

Una de las mejores canciones escritas por Elton John y su antiguo compañero de composición Bernie Taupin, "Tiny Dancer" tardaría varios años en alcanzar su estatus icónico. Presentada originalmente como la canción principal de Madman Across the Water de 1971 , "Tiny Dancer" se ha convertido desde entonces en un elemento fijo de las bandas sonoras de películas y televisión, y se erige como una de las canciones más queridas de Elton John.

Cuando "Tiny Dancer" se lanzó por primera vez como sencillo, la canción alcanzó el puesto 41 en la lista Hot 100 Singles de Billboard. El primer problema que tuvo el sencillo fue su duración de 6:12. Muchas estaciones de radio "top 40" se negaron a reproducirlo o pusieron una versión editada, que destruyó el flujo de la canción. Otro de los problemas que tuvo fue que algunas estaciones de radio PROHIBIERON LA CANCIÓN, debido a las controvertidas líneas iniciales del segundo verso "Jesus Freaks out in the street". Las emisoras de radio en el "Cinturón de la Biblia" no la emitían y estaban fuera cuando se calculan las listas semanales. A medida que pasaron los años, la popularidad de la canción fue aumentando, se convirtió en una de las canciones más tocadas entre el formato de "rock clásico de radio". El despegue total fue cuando la canción fue usada en la película "Almost Famous" en el año 2000. Ese canto capturó un momento en el tiempo.

Tiny Dancer es una de las explosiones más alegres, en toda la historia de la música Me pongo de pie de un salto, extiendo mis dedos hacia el sol y doy vueltas como si nadie estuviera mirando. Escucha la belleza de la melodía vocal de falsete. Escucha el encanto impulsor de las teclas del piano, escuche las capas sobre capas de sonidos que requieren múltiples exámenes para darse cuenta!

0891-. Madman Across the Water - Elton john

 

Madamn Across the Water, Elton John

     El 27 de febrero de 1971 se publica Madman Across the Water, el cuarto álbum de estudio del músico inglés Elton John. Este trabajo fue grabado en los Trident Studios de Londres bajo la producción de Gus Dudgeon, y publicado bajo los sellos discográficos Uni Records para el mercado estadounidense y DJM Records para el mercado británico. En este álbum Elton John apuesta por el género rock progresivo, nueve canciones compuestas por el propio Elton con letras escritas por Bernie Taupin. El disco cuenta con unos muy buenos arreglos de cuerda de Paul Buckmaster, reputado violonchelista, arreglista, director de orquesta y compositor británico, quien da a las canciones un halo de oscuridad e inquietud. Un muy buen trabajo que no se vio recompensado en las listas de ventas, ya que en el Reino Unido únicamente llegó a alcanzar el puesto 41 en dichas las listas. Algo mejor le fue en el mercado estadounidense, llegando a alcanzar el puesto número 8 en los mejores álbumes Pop de la famosa lista Billboard.

Incluido en este álbum se encuentra la canción que da título al mismo, Madman Across the Water. Una canción muy oscura donde Barnie Taupin inventa una historia sobre un lunático que despotrica el día que tiene que visitar el psiquiátrico. Tanto por la oscuridad del tema como la oscuridad de su sonido, la canción no tuvo demasiado éxito en las listas de ventas, pero proporcionó un buen número de especulaciones sobre Elton sobre si estaba cantando sobre el presidente de los Estados Unidos, Richard Nixon. Barnie Taupin siempre desmintió esto, manifestando que el lunático de la canción no era nadie en particular.

0890-. Tarkus - Emerson, Lake & Palmer

 

The Sage, Emerson, Lake & Palmer

     El 14 de junio de 1971 la banda inglesa Emerson, Lake & Palmer lanza su segundo album de estudio, Tarkus. El disco es grabado entre los meses de enero y febrero de 1971 en los Advision Studios de Londres bajo la producción de uno de los integrantes de la banda, Greg Lake, y publicado por el sello discográfico Island Records. El disco llegó a posicionarse en el puesto número uno en las listas de ventas del Reino Unido, convirtiéndose en el único álbum de la banda que lograría tal hito. En estados Unidos tampoco le fueron mal las cosas, alcanzando el puesto número 9 en las listas de ventas de dicho país.

La cara A del álbum está ocupada por un único tema, el tema principal y de mismo título que el disco, Tarkus, una canción conceptual escrita por Emerson, cuya apertura creó cierta fricción entre Lake y el propio Emerson, que a punto estuvo de costar la separación de la banda. Finamente Lake accedió a seguir con la canción de Emerson y contribuyó aportando ideas musicales y además escribió la letra. Tarkus es toda una epopeya musical que consta de siete partes y dura algo más de 20 minutos. Su título se refiere al armadillo tanque que aparece en la portada del álbum y que fue diseñada por el artista escocés William Neal. La canción a través de las aventuras de su protagonista Tarkus nos traslada la inutilidad de la guerra y sus consecuencias. 

A través de las siete partes de esta epopeya, conoceremos el nacimiento y explosión de Tarkus siglos antes de la historia conocida. La primera parte, Eruption, presenta una erupción musical en cascada de los teclados muy bien respaldados por la batería de Carl Palmer, que dan paso a la segunda, tercera, cuarta y quinta partes, que son supuestamente los enemigos que Tarkus se encuentra: Stones Of years, el segundo movimiento representa el viaje de nuestro protagonista y el encuentro de su primer enemigo, una especie de versión de piedra de una criatura cibernética parecida a una araña con púas, un escudo incrustado en un costado, dos antenas y lo que parece ser un conjunto de dos tanques de gas venenoso en la parte posterior. Llegando al final del interludio, Tarkus consigue dominar y rematar a su enemigo justo antes de que la canción vuelva a ser vocal. El tercer movimiento, Iconoclast, representa al enemigo que Tarkus se encuentra en segundo lugar, el Iconoclasta, una mezcla de pterodáctilo y un avión de guerra, el cual es también dominado. El cuarto movimiento, Mass (Misa), hace referencia al tercer enemigo de Tarkus, y del cual se pensaba que era una mezcla de un lagarto, un saltamontes y un lanzacohetes. Manticore es el enemigo final que Tarkus se encuentra, produciéndose una batalla final en la que nuestro protagonista Tarkus caerá derrotado, dando paso a Battelfield, que es la única parte escrita íntegramente y acreditada a Greg Lake. Aquatarkus es el séptimo movimiento, el cual se encarga de cerrar esta fascinante suite. Esta última parte se centra principalmente en una marcha basada en el movimiento anterior, Battelfield, y luego regresa al primer movimiento, Eruption, convirtiéndose en una despedida a Tarkus y dando paso y la bienvenida al personaje de Aquatarkus.

Disco de la semana 330: Hail To The Heroes - Girish And The Chronicles

 

Hail To The Heroes, GATC

     En un país donde prácticamente toda la industria cinematográfica y musical se encuentra eclipsado por el mundo de Bollywood, es donde por casualidad encontré una banda que con un estilo comletamente diferente, está llamada, si no se tuerce por el camino, a ser una de las próximas dominadoras de la escena musical del heavy rock: Girish and the Chronicles.

Nos vamos a remontar a la juventud de los hermanos Pradhan, Girish y Yogesh. Según Girish, cuando su hermano Yogesh estaba aprendiendo a tocar la guitarra, él también se puso, y en el poceso descubrió que podía cantar y hacerlo mucho mejor cuando tocaba dicho instrumento. Así es como Girish comenzó en sus inicios a imitar a artistas como Bon jovi, Steven Tyler o Bruce Dickinson, estos dos últimos sus mayores influencias. En aquellos años, un amigo de Girish subió al famoso canal Youtube una versión que este había hecho de la canción I Don't Want To Miss a Thing de Aerosmith. A raíz de aquel vídeo empezaron a llegar comentarios y visitas de todas partes, lo que impulsó a Girish en 2008 a crear su  propio canal de youtube, un canal que ahora es un canal reservado para la banda.

Un año después es cuando nace Girish and the Chronicles, también conocidos por sus siglas, GATC, en la localidad india de Gangtok en 2009. A Girish (vocalista y guitarra rítmica) y Yogesh (bajo), se unen Suraz Sun (guitarra principal) y Nagen Mongrati (batería). Ese mismo año, en 2009, la banda lanza su primer sencillo promocional, Angel, al que segurían una serie de demos y lanzamientos entre 2011 y 2013, principalmente a través del canal Youtube. 

En el año 2014 llegará el primer álbum de estudio de la banda, su disco debut, Back On Earth. En un país donde por entonces Spotify todavía no se había lanzado al mercado indio e iTunes era algo a lo que no todos tenían acceso, únicamente les quedaba el canal Youtube, y sumado al hecho de que la banda estaba más enfocada en las giras, hizo que el grupo no tuviera excesivo interés en lanzar un disco. A principios de 2013, y sin estar seguros como iban a lanzarlo, la banda se muda a Bangalore para grabar el material del que ya disponían desde el año 2012, junto con algún que otro tema compuesto para la ocasión. A mediados de ese año se ponen en contacto con Universal Music India y consiguen llegar a un acuerdo para lanzar el disco debut. Back On Earth no llegó a tener un gran impacto. La banda conseguiría filmar el disco completo más tarde con Music Mojo (Kappa TV) y fue lanzado en Youtube, lo que ayudó a llegar a un público más amplio.

Después de algun que otro single la banda publica su segundo álbum de estudio en 2020, Rock the Highway. Este disco supone un punto de inlfexión de una banda que sigue creciendo y asentandose en el panorama muical. La revista Rolling Stone se llega a hacer eco de este álbum, llegando a decir del mismo que es "puro caos para cualquier fanático del rock y el metal de los 80", y la revista especializada Metalsucks incluyó este álbum en la tercera posición de su lista "Los 15 mejores álbumes de metal de 2020 de Vince Neilstein".

A principios de 2021 la banda firma un contrato con la discográfica Frontiers Records, convirtiéndose en la primera banda india en ser firmada por el sello. Así llega Hail to the Heroes, el disco recomendado para la ocasión, publicado el 11 de febrero de 2022. Con este tercer trabajo la banda demuestra una solida madurez, no han inventado nada, se mueven como peces en el agua en el heavy rock que tantas alegrías nos dio en la década de los años 80 y principios de los 90, pero con una producción adecuada al siglo XXI. Y nos lo van a demostrar durane los 12 temas que componen este disco. Temas como Primeval Desire, con un sonido muy norteamericano, temas más cañeros, como Children Of the Night, con una sección rítmica mucho más pesada que el tema anterior y con un rollo muy trash, Love's Damnation, que sigue una línea muy similar al tema anterior;, el melódico Clearing The Blur y el también rock melódico Lovers Train; Hail To The Heroes, que contiene una pequeña intro, y que es una clara muestra de las influencias del grupo en el hard rock de los 80, Shamans Of Time, donde Girish nos regala una interpreción vocal brutal, o Rock N' Roll Fever, donde cuentan con la colaboración del percusionista norteamercano Chris Adler, el guitarrista Rowan Robertson y del músico Myrone.

Hail To The Heroes, como su propio título indica, es todo un homenaje a los héroes del rock y de los que la banda se ha nutrido e influeciado en su carrera, rock de la vieja escuela de finales de los ochenta y principios de los noventa. El grupo ya se ha ganado el reconocmiento de la industria de la música dentro de su país, y ahora se encuentran en plena expansión fuera de sus fronteras, habiendo compartido escenario ya para grupos como Skid Row, Kamelot o Bonfire, y han sido sido anunciados como teloneros ni más ni menos que de Guns 'N Roses en el Etihad Arena de Abu Dhabi para su concierto el día 1 de julio de 2023. Este mismo año, la banda ha regrabado, mejorando la producción y el sonido, su álbum debut, Back On Earth, y además tienen anunciados cuatro conciertos en nuestro país, en Madrid (6 de julio, sala Revi Live), Burgos (7 de julio, festival Zurbarán Rock), Santander (8 de julio, Escenario) y Cangas do Morrazo (9 de julio, Salason), por lo que si puedes no deberías perderte el gran potencial de esta banda en directo.

0889.- Bluebird - Bonnie Raitt

Bonnie Raitt nació en uno de los hogares musicales más eminentes de Estados Unidos: su padre era el famoso cantante y actor de Broadway John Raitt, Su madre, Marjorie Haydock, era una pianista consumada. El matrimonio no duró. Ha recibido diez premios Grammy, también figura en el puesto 50 en la lista de los 100 mejores cantantes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone y en el puesto 89 en su lista de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos. Ha sido llamada la mejor guitarrista slide viva en la actualidad y aclamada como una de las 25 mejores artistas de blues de los últimos cincuenta años. Cantante de folk, intérprete de blues/roots, rock and roll, especialista de baladas: Bonnie Raitt lo ha visto todo y lo ha hecho todo. Sacó varios discos geniales en la década de 1970 y se convirtió en la niña mimada de la crítica (esto significa, que apenas vendió ningún álbum). Entró y salió del alcoholismo y del abuso de drogas.

Tenía veintiún años cuando lanzó su primer disco en 1971. Fue un asunto bastante tranquilo, considerando su herencia musical, pero Bonnie estaba siguiendo su propio camino: el camino del blues. En retrospectiva, su primer álbum nos mostró todo lo que iba a ser. La canción de apertura 'Bluebird' fue escrita por Stephen Stills y lanzada por él como miembro de Buffalo Springfield a mediados de la década de 1960. Stills lo interpretó como un deslumbrante folk-rockero que enfatizó su forma virtuosa de tocar la guitarra y su inclinación por la construcción tipo suite que resultó ser la base de Crosby, Stills y Hash (juego de palabras). Era una melodía hipnótica en el arreglo original que incluía banjo, psicodélicos y una gran cantidad de noodles, pero Bonnie tenía una visión diferente de la pista y entregó algo sorprendente, algo deliberadamente discreto, sin solo de guitarra, pero con un ritmo funky de Nueva Orleans. complementado con

0888 - Neil Diamond - I am I said

0889 - Neil Diamond - I am I said

"I Am... I Said" es una canción icónica del cantante y compositor estadounidense Neil Diamond. Fue lanzada en 1971 como parte de su álbum "Stones". La canción destaca por su emotiva letra y la poderosa interpretación vocal de Neil Diamond, convirtiéndose en uno de sus mayores éxitos.

La letra de "I Am... I Said" refleja la sensación de soledad y desorientación de un individuo en busca de su lugar en el mundo. Neil Diamond canta sobre un sentido de desarraigo y una búsqueda interna de identidad. La frase repetitiva "I am... I said" (Yo soy... dije) se convierte en un estribillo pegadizo y se convierte en el leitmotiv de la canción, reforzando el tema central.

La melodía de la canción es melancólica y evocadora, con un piano y una guitarra acústica que brindan un acompañamiento sencillo pero efectivo. La voz distintiva de Neil Diamond transmite una profunda emoción y vulnerabilidad, capturando la angustia y la determinación del narrador mientras lucha con su propio sentido de identidad y propósito.

"I Am... I Said" ha perdurado en el tiempo como una de las canciones más memorables de Neil Diamond. Su resonancia emocional y la habilidad del cantante para transmitir sus sentimientos de manera auténtica la han convertido en un clásico atemporal. La canción ha sido interpretada en conciertos y continúa siendo apreciada por sus seguidores, ya que se conecta con la experiencia humana universal de buscar un sentido de pertenencia y autenticidad.

"I Am... I Said" es una poderosa balada de Neil Diamond que explora temas de identidad y búsqueda de propósito. Con una melodía emotiva y una interpretación vocal conmovedora, la canción ha dejado una huella duradera en la música popular y sigue siendo admirada como una de las obras maestras de Neil Diamond.

Daniel
Instagram Storyboy

King Creole de Elvis Presley: Una joya del rock and roll en el reinado del Rey #mesElvisPresley

King Creole de Elvis Presley: Una joya del rock and roll en el reinado del Rey #mesElvisPresley

King Creole es un álbum icónico lanzado por el legendario artista Elvis Presley en 1958. Fue la banda sonora de la película homónima y se convirtió en uno de los trabajos más destacados de su carrera. Con una combinación de rock and roll, blues y baladas cautivadoras, King Creole muestra la versatilidad y el talento innato de Elvis Presley como cantante y performer. En este análisis, exploraremos las distintas facetas de este álbum y su impacto en la música popular.

El álbum abre con la enérgica canción que lleva el mismo nombre, King Creole, una pista que establece el tono rockero y rebelde del álbum. Elvis Presley demuestra su habilidad vocal excepcional y su habilidad para transmitir la pasión en cada nota. La instrumentación en esta canción es poderosa, con destacados solos de guitarra y un ritmo contagioso que invita a bailar.

Otra canción destacada es Hard Headed Woman, un clásico del rock and roll que muestra la destreza vocal y el carisma de Elvis Presley. Con su voz única y su entrega apasionada, logra transmitir la historia de una mujer testaruda y desafiante. La fusión de rock and roll y blues en esta pista es perfecta, creando una atmósfera enérgica y cautivadora.

En contraste, Don't Ask Me Why es una balada conmovedora que destaca por la emotividad y vulnerabilidad en la interpretación de Elvis Presley. Su voz suave y melódica transmite una sensación de nostalgia y anhelo, y la instrumentación suave y los arreglos de cuerda complementan perfectamente el tono romántico de la canción.

El álbum continúa con Lover Doll, una canción más alegre y optimista que muestra la versatilidad de Elvis Presley. Aquí, su voz se mezcla con armonías vocales y melodías pegadizas, creando un ambiente festivo y alegre. La canción es un escaparate del talento de Elvis Presley como intérprete, mostrando su capacidad para abordar diferentes estilos con facilidad.

Una de las joyas del álbum es Trouble, una canción emblemática que encapsula el espíritu rebelde y seductor de Elvis Presley. Con una introducción de guitarra inolvidable y una interpretación vocal intensa, Elvis Presley demuestra su dominio del género rockabilly. La letra atrevida y la energía contagiosa hacen de esta pista una de las más memorables del álbum.

Además de las canciones destacadas mencionadas, el álbum también incluye otras gemas como Dixieland Rock, una pista animada con influencias del jazz, y Young Dreams, una balada melódica que muestra la sensibilidad lírica de Elvis Presley.

King Creole de Elvis Presley es un álbum que destaca por su diversidad musical y la maestría vocal de su intérprete. Elvis Presley demuestra una vez más por qué es conocido como el Rey del rock and roll, con su habilidad para abordar diferentes estilos musicales y su capacidad para transmitir emociones a través de su voz única.

El álbum captura la esencia del sonido de los años 50 y establece a Elvis Presley como una figura dominante en la música popular de la época. King Creole es un testimonio del talento y la influencia duradera de Elvis Presley en la historia de la música.

King Creole es una joya del rock and roll que merece un lugar destacado en la discografía de Elvis Presley. Con su combinación de canciones enérgicas, baladas emotivas y un estilo único, este álbum sigue siendo una prueba del talento y el legado perdurable del Rey del rock and roll.

Daniel

Instagram Storyboy

0887.- Without you - Harry Nilsson

"Without You" era una canción original de Pete Ham y Tom Evans, del grupo inglés de rock Badfinger, que la grabó por primera vez en 1970 para su álbum "No Dice". Cuando Harry Nilsson la escuchó por primera vez en 1971, creyó estar oyendo una canción de The Beatles, pero cuando se dio cuenta de que los que cantaban no eran los chicos de Liverpool, se atrevió a grabar su propia versión para su disco "Nilsson Schmilsson", y la lanzó como single en Octubre de 1971, con la canción "Gotta get up" en la cara B.

El single alcanzó los primeros puestos de las listas de ventas, convirtiéndose en una de las canciones más emblemáticas de toda su carrera, manteniéndose en lo más alto del Billboard estadounidense y las listas de singles de UK durante varias semanas. Fue también número 1 de ventas en países como Australia, Irlanda o Nueva Zelanda, coronándose como una de las baladas de rock más comerciales de todos los tiempos, eclipsando a la versión original hasta el punto de que muchos creyeran erróneamente que se trataba de un tema original suyo.

La idea inicial de Nilsson era convertir la canción de Badfinger en una pieza de piano, pero el productor Richard Perry le convención de que la transformara en una gran balada apoyada en los arreglos de una orquesta completa. Entre los músicos que participaron en la grabación de la remozada e histórica versión de "Without You" estaban Gary Wright (que había trabajado previamente con Badfinger y George Harrison) al piano, Klaus Voormann al bajo, Jim Keltner a la batería y John Uribe a la guitarra acústica.

0886.- A pillow of winds - Pink Floyd

Pink Floyd es uno de los nombres más importantes en el mundo de la música y sus canciones son amadas por millones de fanáticos en todo el mundo. Una de las canciones más populares de la banda es A Pillow of Winds, que fue lanzada en 1971 como parte de su álbum Meddle. La canción es una de las piezas musicales más icónicas y duraderas jamás grabadas. A pillow of winds es una canción de amor acústica suave, que puede ser poco comun en el repertorio del grupo, considerando el material anterior (y futuro) de la banda. El guitarrista David Gilmour compuso la secuencia de acordes, tocada en una serie de arpegios, y Roger Waters escribió la melodía y la letra. Esta canción también presenta el trabajo de guitarra deslizante de Gilmour, así como un bajo sin trastes interpretado por Waters, es una canción de amor, pero mucho más rica que las canciones de amor populares que llenan las listas de éxitos. La letra de A Pillow of Winds es poética y enigmática, lo cual es típico del estilo de Pink Floyd. En esencia, la canción trata de encontrar paz y comodidad en el mundo natural, lejos del caos y el ruido de la sociedad moderna. El verso inicial encuentra a los amantes acurrucados juntos en la cama a la luz de las velas que se desvanecen. Además de la letra poética, A Pillow of Winds tiene un estilo musical distintivo que complementa perfectamente la letra. La canción presenta una melodía lenta y soñadora con un ritmo fluido que crea un tono relajado y calmante. El uso de guitarras acústicas, percusión sutil y armonías vocales en capas dan a la canción una sensación cálida y orgánica que refleja los temas de la naturaleza y la paz.S egún Nick Mason, el título de la canción se origina en una posible mano en el juego de mahjong, del que la banda se había enamorado durante la gira. El título de la canción es una metáfora de la sensación de ser llevado por la vida, como una almohada en el viento. La idea de una almohada sugiere una sensación de comodidad y seguridad, que es algo que muchas personas encuentran en la naturaleza.

0885.- Echoes - Pink Floyd

"Echoes" es la canción principal del disco Meddle (1971) de Pink Floyd y su esfuerzo musical más encomiable para el disco. Hablamos de, probablemente, la composición más elaborada de la historia de la banda, por encima de otras ambiciosas aventuras musicales como Atom Heart Mother o Shine on you crazy diamond, precisamente los únicos dos temas que, por poco (y considerando las dos partes de Shine on you crazy diamond como el tema único que en un principio concibieron) la superarían en duración.

Estratégicamente situada como cierre del disco (ocupando toda la segunda cara en el formato de vinilo), en los más de 23 minutos de Echoes, asistimos a un impresionante despliegue de tramos instrumentales y atmosféricos efectos de sonido, en una composición que corrió a cargo de todos los miembros de Pink Floyd. La creación de un tema tan largo estuvo inevitablemente basada en composiciones e improvisaciones más pequeñas, que se fueron insertando en el conjunto, pero a diferencia de Atom Heart Mother, de la que se diferenciaron y nombraron sus diferentes partes, Echoes se presentó al mundo como un todo cohesionado y cerrado, y solamente se dividió en dos partes para utilizarla como apertura y cierre del filme del concierto Live at Pompeii.

La canción comienza con el solitario sonido de una nota de Richard Wright al piano, extrañamente amplificado y tratado para que suene como el sonar de un submarino. A partir de ese sonido aislado, Wright se lanza a una improvisación de piano, a la que se une David Gilmour con un delicado solo de guitarra. Según el tema va creciendo, se van incorporando el bajo de Roger Waters y la batería de Nick Mason, arropados por la intensidad de un órgano Hammond, y la evocadora letra cantada por Wright y Gilmour. Éste último aporta al tema una impresionante capa de múltiples guitarras en superposición, repartiendo solos distorsionados y efectivos riffs de fondo a diestro y siniestro.

Elvis - #MesElvisPresley

 

Elvis Elvis Presley

     Elvis, también conocido como Elvis Presley No. 2, es el segundo álbum de estudio del cantante de Rock & Roll estadounidense Elvis Presley. El disco fue grabado entre enero y septiembre de 1956 en los  Radio Recorders Studio de Los Ángeles y los RCA Victor Studios de Nueva York, bajo la producción de Steve Sholes, y publicado el 19 de octubre de 1956 por el sello discográfico RCA Victor. El personal que colabora con Elvis en este disco son Scotty Moore a la guitarra, Shoty Long  y Gordon Stoker al piano, Bill Black al bajo, D. J. Fontana a la batería, y el formidable grupo The Jordanaires a los coros. En un principio, el pianista de este disco no fu registrado en los archivos oficiales de RCA Victor, a excepción de la canción So Glad You're Mine. En una entrevista realizada en 1984, Gordon Stoker, del grupo The Jordanaires, afirmó ser el pianista que grabó la mayoría e las canciones del álbum.

Fue lanzado originalmente en el Reino Unido en 1957 bajo el título Elvis Presley No. 2 con una portada diferente. Este fue el primer disco que utilizó la práctica durante los primeros años de acreditar a Presley solo por su nombre en carátulas de los  álbumes, Elvis, aunque su nombre completo continuó usándose en las etiquetas. El disco pasó cuatro semanas instalado en el puesto número 1 en la lista estadounidense Billboard Top Pop Albums Chart, convirtiendo al artista en el primero en tener dos discos dirctamente en el número uno en el mismo año, el disco debut, Elvis Presley y éste segundo, Elvis. 

Será el productor Steve Sholes quien encargue el tema Paralyzed, escrita por Otis Blackwell para este segundo álbum de Elvis, donde además el cantante recibió crédito parcial como compositor del tema. También tiró de un tema de Jerry Leiber y Mike Stoller, los autores el éxito del verano de Elvis, Hound Dog, así surge  y se graba Love Me, concebida como una parodia de la música country y del oeste, fue grabada por primera vez en 1954 por el dúo de R&B Willy & Ruth. La canción no fue lanzada como sencillo para evitar confusiones con Love Me Tender.

Elvis se decantó para este segundo disco por tres versiones de Little Richard, de las que destacan Long Tall sally, escrita por Robert Blackwell, Enotris Johnson y el propio Little Richard, quien la lanzó como sencillo en marzo de 1956. Esta canción figura en la lista de Rolling Stone de "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos", y ha sido muy versionada por otros ilustres, como Fleetwood Mac, The Kinks o The Beatles; y Ready Teddy, escrita por John Marascalco y Robert Blackwell, y grabada por Richard por primera vez también en 1956. Otro clásico muy versionado a lo largo de la historia por artistas como Buddy Holly, The Tornados o Tony Sheridan entre otros muchos. 

También figuran delicias como When My Blue Moon Turns to Gold again, una canción que data de 1940, cuando la compusieron Wiley Walker y Gene Sullivan en 1940, y que fue grabada por primera vez en 1941; la triste y quejumbrosa balada First in Line, escrita por Aaron Schroeder y Ben Weisman. Esta fue la primera canción que Weisman escribió para Elvis Presley; y Old Shep, compuesta por Red Foley, con letra de Arthur Willis, y graba por Foley en 1935. La canción trata sobre un perro que Foley tenía cuando era niño. El perro, un pastor alemán llamado Hoover, fue envenenado por un vecino. Esta canción fue interpretada por Elvis por primera vez el 3 de octubre de 1945, con diez años de edad, para un concurso de canto en una feria de Mississippi, en el estado de Alabama. En aquel concurso quedó quinto y recibió un premio de cinco dólares y un boleto gratis para las atracciones de la feria. En 1951, contando con dieciséis años, volvió a realizarla para un concurso de talentos en la escuela de secundaria LC Humes, donde estudiaba. Finalmente, y como no podía ser de otra forma, acabaría grabándola en este su segundo álbum de estudio.

Estamos ante un disco que tuvo un gran impacto en la industria musical y la cultura popular de la época, siendo uno de los primeros discos de rock and roll en alcanzar una gran popularidad entre el público, y empezando a proyectar la figura de Elvis Presley como un icono y líder del género. Con sus exitosas canciones, este disco ayudó a situar la figura de Elvis como uno de los grandes exponentes de un género musical que revolucionaría la industria musical.

0884-. Fearless Pink Floyd

 

Fearless, Pink Floyd

     El sexto álbum de estudio de Pink Floyd, Meddle, sería el que confirmaría el cambio de dirección del grupo hacia los designios del rock progresivo. David Gilmour, Roger Waters, Richard Wright y Nick Mason dejan de lado los sonidos orquestales que tanto protagonismo habían tenido en Atom Heart Mother para dar paso a las improvisaciones y la experimentación en el estudio.

Así nace Meddle, grabado entre enero y agosto de 1971 en varios estudios de grabción de londres, entre los que se encuentran los Abbey Road Studios. En cuanto a composición del material, este disco muestra un esfuerzo de todo el grupo a la hora de aportar, si bien en posteriores discos sería Roger Waters el que asumiría la mayoría de la responsabilidad a la hora de escribir las letras. El disco fue publicado, bajo el sello discográfico Harvest el 31 de octubre de 1971 en Estados Unidos, y el 13 de noviembre de 1971 en Reino Unido. Para concebir Meddle, el grupo no tenía ningún tema central en el que apoyarse para el proyecto, por lo que decidieron usar varios experimentos en un intento de estimular el proceso creativo. El disco se grabó a ratos entre las multiples obligaciones de la banda, por lo cual la produción delmismo se alargó mucho. A pesar de las buenas reseñas por parte de la crítica musical del momento y de conseguir muy buenas cifras en Reino Unido, la pésima publicidad por parte de la distribuidora en Estados Unidos condenó al fracaso de este excelente álbum en dicho país.

Incluido en este incomprendido trabajo de la banda se encuentra Fearless, acreditada a Gilmour y Waters, tema lento y acústico con el sonido de una guitarra afinada a la española. En la canción podemos escuchar el mítico I'll Never Walk Alone, compuesto por Rodgers y Hammerstein, grabado a pie de campo por los aficionados durante un partido de fútbol, concretamente los del Liverpool, quienes usan este tema como himno de su equipo.

Disco de la semana 329: Chulahoma - The Black Keys

 

Siempre he sido bastante fan de The Black Keys por su fuerza y la diversión que trasmiten, es por eso que me he sorbido sus disco pero un buen día llego a mi conocimiento la existencia de un EP de The Black Keys que aún no había escuchado y que consistía en canciones escritas originalmente por Junior Kimbrough, tenia que poner solución así que les propuse que para empezar el mes de junio no íbamos a tener disco de la semana, sino que se transformaría en el EP de la semana, ellos al comprobar el artista que proponía me dieron su beneplácito y bueno, 7 canciones y casi media hora es un buen EP, hemos reseñado discos con menos canciones.

Lo primero es presentar a Junior Kimbrough, que fue una de las primeras influencias del pionero del rockabilly Charlie Feathers, y representaba la visión modélica e hipnótica del bluesman del Delta del Mississippi, a pesar de que su carrera no trascendió mas allá de su región hasta que a principios de los 90, cuando apareció en la película de 1991 'Deep Blues'. Junior Kimbrough nació y creció en Hudsonville, Mississippi, donde aprendió a tocar la guitarra escuchando discos de los bluesmen del Delta. En 1968, cortó su primer sencillo, 'Tramp', para el sello local Philwood. Durante los años 70 y 80, Kimbrough toco a lo largo del Mississippi, donde el periodista musical Robert Palmer lo descubrió a finales de los años 80. Palmer presentó a Kimbrough en su documental 'Deep Blues'. Esto le condujo a un contrato discográfico nacional con Fat Possum y lanzó su primer álbum de larga duración, 'All Night Long', en 1992. El disco fue aclamado por la crítica tanto de ambientes blues como de otras tendencias. Después de una oleada hiperactiva en 1992, Junior Kimbrough volvió a tocar por el Delta, grabando su segundo álbum, 'Sad Days, Lonely Nights', en 1993. Las cosas empezaron a no ir bien en 1997, y un año después Kimbrough regresó con 'God Knows I Tried'. Murió de un ataque al corazón el 17 de enero de 1998.

Muchos álbumes tributo parecen nada más que artistas que han perdido la inspiración y deciden extraer viejos discos por un falso sentido de lo nuevo, pero en Chulahoma: The Songs of Junior Kimbrough, Dan Auerbach y Patrick Carney, conocidos juntos como The Black Keys , canalizan el espíritu del difunto Kimbrough con inmensa dedicación y precisión, sin apropiarse nunca de las canciones pero logrando dejar su propia huella en ellas. En las breves notas que acompañan al álbum, Auerbach habla de su fascinación por Kimbrough que lo inspiró a dejar la escuela para trabajar en su técnica de guitarra y ese amor es evidente aquí con el trato cálido y expresivo que él y Carney le dan a algunas de las mejores canciones de Kimbrough, como la suave y bellamente sentida “Meet Me In The City”. La canción está llena de afecto y romance, como los que son raros en la música blues y The Keys, que no rehúyen lo extraño y psicodélico, la tocan con la delicadeza y el detalle que la música de Kimbrough merece. La versión de Black Key de "My Mind is Ramblin" es como las luces de la calle que brillan en una carretera mojada: una canción llena de imágenes nítidas y contrastes audaces. Todo en este EP es poderoso y conmovedor. Otro de los momentos brillantes del EP es probablemente el minuto 2:15 en "Have Mercy On Me" cuando Dan comienza a hacer un solo de guitarra (que llega a su clímax alrededor de las 3:15). Solo cierro los ojos, empiezo a mecer todo mi cuerpo al ritmo del tambor y dejo qu e el tono de su guitarra me transporte a lugares lejanos. El órgano que entra en el minuto 1:04 es impresionante y no demasiado autoritario como para quitarle la sensación de blues de la canción.

Al escuchar estas canciones, es evidente lo arraigadas que están en la mente y el alma de Auerbach, pero en lugar de recrear las canciones de su héroe, tomó la inspiración de su juventud y la usó para reinterpretar estas canciones a través de su propia voz, permitiéndoles solo coquetear brevemente con los originales crudos de Kimbrough. Es un tributo hermoso, a menudo extraño, a un gigante del blues moderno que es perfecto para una noche de sábado oscura, solitaria y tranquila; una noche en la que el propio Kimbrough probablemente habría estado en su Juke Joint, en Chulahoma, Mississippi, manteniendo las caderas y los corazones de su público moviéndose y palpitando. En lo que respecta a los Keys, Chulahoma es, con mucho, uno de sus trabajos más singulares y menos apreciados y se deslizará en sus corazones como Kimbrough se deslizó en los Keys. En ese sentido, si te gusta Chulahoma, asegúrate de respetar a la leyenda que inspiró el álbum tributo y echa un vistazo a algunos de los trabajos de Junior. Ninguno defraudará.