0868 - The Revolution will not be televised - Gil Scott-Heron

"The Revolution Will Not Be Televised" ("La revolución no será televisada") fue grabada inicialmente por Gil Scott-Heron para su disco "Small Talk at 125th and Lenox" (1970), en una versión que, con apenas un leve acompañamiento de congas y bongos, era más un poema que una canción propiamente dicha. Scott-Heron la regrabó después, manteniendo la estructura vocal de "spoken word" pero ya con el acompañamiento de una banda, para incluirla en el álbum "Pieces of a man" (1971) y como cara B del que sería el primer single del disco: "Home Is Where the Hatred Is".

El título de la canción se convirtió en un slogan muy popular de la comunidad afroamericana y del movimiento "Black Power" en los Estados Unidos, mientras que la letra de la canción es un refrito de alusiones y referencias a series de televisión, anuncios, presentadores y actores que en la época conducían algún programa de entretenimiento en televisión, que Scott-Heron utilizaba como ejemplos de lo que formaría o no parte de una supuesta y anhelada revolución, en lo que en realidad era una respuesta a otra canción de "spoken word" ("When the Revolution Comes" de "The Last Poets"), que comenzaba con la frase "When the revolution comes some of us will probably catch it on TV" ("Cuando la revolución comience, algunos de nosotros nos enteraremos por la televisión").

Entre las múltiples referencias culturales y políticas que Scott-Heron lanza a lo largo del recitado de la canción, destacan las menciones en "slang" (jerga) a la heroína ("Skag") o la policía ("Pigs") y las referencias a figuras políticas del momento como los presidentes de los Estados Unidos Spiro Agnew y Richard Nixon, el General Creighton Abrams, comandante en las operaciones militares en el sur de Asia durante la guerra de Vietnam, el líder de los derechos civiles Whitney Young, el barrio de Watts en Los Ángeles, en referencia a las violentas "revueltas de Watts" de 1965, los colores de la bandera "Pan-Africana" ("Red, black, and green"), el compositor del himno estadounidense "The Star-Spangled Banner" (Francis Scott-Key), y personajes populares del momento como los músicos Tom Jones y Johnny Cash, y los actores Steve McQueen y Natalie Wood.

0867 - Barbra Streisand - One Less Bell To Answer A House Is Not A Home

0867 - Barbra Streisand - One Less Bell To Answer A House Is Not A Home

"One Less Bell to Answer/A House is Not a Home" es una de las piezas más icónicas de la legendaria cantante y actriz Barbra Streisand. Escrita por Burt Bacharach y Hal David, la canción fue lanzada originalmente por la banda The 5th Dimension en 1970, antes de que Barbra Streisand hiciera su propia versión en 1971.

La letra de la canción se centra en la idea de perder a alguien que amamos y cómo esto cambia nuestra percepción del hogar y de la vida misma. La canción comienza con los versos "Uno menos de los que pensar / uno menos para llorar / uno menos para elegir / entre el amor y el miedo". Esta línea de apertura establece la sensación de pérdida y dolor que recorre toda la canción.

A medida que la canción avanza, Barbra Streisand canta sobre cómo el hogar ya no es el mismo sin la persona que ha perdido. La línea "una casa no es un hogar / cuando hay uno solo" resume el sentimiento de soledad y vacío que se siente después de una pérdida. A medida que la canción llega a su clímax, Streisand canta con una intensidad emocional: "¿Qué me queda por vivir? / ¿qué me queda por hacer? / ¿sin ti, qué soy yo?"

La canción ha sido regrabada por muchos artistas a lo largo de los años, pero la versión de Barbra Streisand sigue siendo una de las más populares y emotivas. Su interpretación es verdaderamente poderosa, lo que demuestra su habilidad para transmitir la emoción y la sensibilidad a través de su música.

En resumen, "One Less Bell to Answer/A House is Not a Home" es una canción atemporal que habla sobre la pérdida, el dolor y el cambio que esto trae a nuestras vidas. La interpretación de Barbra Streisand es una versión emotiva y conmovedora que sigue resonando con el público hoy en día.

Daniel
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Iggy Pop - Zombie Birdhouse (Mes Iggy Pop)

"Zombie Birdhouse" es el sexto álbum de estudio en solitario de Iggy Pop, enmarcado dentro de lo que podríamos llamar su "segunda etapa", tras las acertadas colaboraciones con David Bowie ("The Idiot" y "Lust for life") y un no menos inspirado y recomendable "New Values". Tras esa fructífera primera etapa, y la publicación de "Kill City" con James Williamson (en lo que fue un reseñable disco, más en la línea de The Stooges que de lo que hasta entonces había hecho en solitario), Iggy bajó el listón creativo en un par de discos caóticos y desnortados ("Soldier" y "Party") en los que parecía querer experimentar a fondo, pero sin encontrar el camino adecuado. Y como dice el refrán, "a la tercera va la vencida", y fue con "Zombie Birdhouse" con el que logró dar en la diana creativa, que no en la del éxito comercial.

Grabado en una consola de 16 pistas en los estudios Blank Tape de Nueva York, y publicado en septiembre de 1982 por el sello "Animal Records", "Zombie Birdhouse" se adelantó varios años al concepto de "publicación independiente" que tanto se valoró en la década de los noventa, como rasgo diferenciador de los artistas que no sucumbían al embrujo de las grandes multinacionales. La razón no era, en realidad, una cuestión de valores o de integridad musical, y se basaba más en que el bueno de Iggy estaba totalmente pelado económicamente, tras el fiasco de los dos discos anteriores. Según el propio Iggy: "Fue un álbum de cambio. Lo que más recuerdo y de lo que me enorgullezco es que vivía en Brooklyn porque no tenía bastante dinero para vivir en Manhattan, que es dónde grabábamos el disco, e iba a trabajar en metro como cualquier otro trabajador, cogido de la barra, a hacer mi disco. Me siento orgulloso de haberlo hecho una vez, pero no quiero repetirlo nunca más".

A diferencia de los dos discos anteriores, "Zombie Birdhouse" ha adquirido con el tiempo el estatus de disco extraño y legendario, una obra oscura y bizarra que combina el zumbido de los sintetizadores new wave y post punk con curiosos ritmos de estilo afro beat, y un enfoque de extraña poética de asociación libre en las letras. En conjunto, su encanto reside en que, sin ser una gran obra maestra desde el punto de vista musical, es un álbum que, como ya ocurrió en los discos con Bowie, se adelanta varias décadas a su tiempo, y eso es algo que se percibe ya desde el arranque de "Run Like a Villain", un sórdido y a la vez pegadizo rock and roll de apenas tres minutos (te deja con ganas de más, pero le aplican "fade out", seguramente por las restricciones de duración del formato vinilo) en el que menciona el título del álbum.

El filo electrónico del disco empieza a aparecer en "The Villagers", en la que se aprecia un sonido más cercano a alguno de los temas de "Lust for life", y aparecen los primeros "pseudo recitados" en mitad de la canción. "Angry Hills" tiene un sonido más abierto y comercial, con un ritmo de batería que es hasta bailable, y unos poco afortunados coros de fondo. Una pieza más cercana a lo que entregó en algunos tramos de "Soldier" o "Party", y sin ser mala, se queda en poco interesante.

La experimentación electrónica aumenta con el largo acople de sonido que acaba convirtiéndose en el ritmo de la oscura e interesante "Life of Work", en la que Iggy Pop adapta y transforma una canción de temática marinera en una triste reflexión sobre la vida de la clase trabajadora: "¿Qué haces con una vida de trabajo? Afróntalo por la mañana". En algunos tramos, los escuálidos y mecánicos teclados recuerdan a los Doors de su idolatrado Jim Morrison.

"The Ballad of Cookie McBride" es más accesible y llevadera, con un ritmo de fondo al que podrían haberle sacado más contundencia y partido. La melodía y la manera de cantarla recuerda, anticipándose, a la de algunas canciones de Primal Scream, más desde lo primario que desde el alarido. Una digna pieza de complemento, pero a años luz de "Ordinary Bummer", probablemente la mejor canción del disco, y junto a Run like a Villain, la única que podría entrar en una recopilación de los mejores temas de Iggy, si para esos discos no se tuvieran en cuenta los criterios de comercialidad de los que esta canción carece.

La cara B comienza con "Eat or be eaten", rítmicamente pegadiza y basada en sintetizadores y teclados acompañando a la guitarra rítmica. Hacia la mitad de la canción, Iggy se desentiende por momentos del ritmo para dar rienda suelta a una especie de "spoken word", para terminar tarareando en lo que parece realmente una sátira de canción, dentro de un disco que seguramente a Iggy le resultó muy divertido grabar. Bulldozer vuelve a la senda guitarrera, pero a la del oscuro art rock de discos como The Idiot. La diferencia está en que, de nuevo, la interpretación vocal de Iggy resulta extremadamente paródica y humorística, restándole mucho peso al tema.

En Platonic se toma las cosas más en serio, entregando uno de los temas más asequibles y hasta radiables del disco, con una sencilla combinación de teclados y guitarra rítmica y cierto toque new wave ochentero. El rock de guitarras ásperas y cortantes vuelve a mezclarse con la ruda experimentación y el art rock minimalista en The Horse Song. Cómo han cambiado los tiempos, porque el que antes "quería ser tu perro", ahora dice "sentirse como un caballo", antes de partirse literalmente de risa en el último verso de la canción, evidenciando que estaba realmente de vuelta de todo, y jugando al filo de la navaja con su carrera musical, que fácilmente pudo haber arruinado con la extraña "Watching the news" en la que lleva la experimentación y la rareza hasta el límite de lo que sus fans más acérrimos le permitirían. No lo arregla tampoco en "Street Crazies", la más tribal del disco, pero sorprendentemente carente de un mínimo de estructura o intención de construir o adecentar una canción, reafirmando que hace ya rato que el disco transitó hacia la locura más absoluta.

La acogida del disco fue, como no podía ser de otra manera, desigual. Parte de la crítica valoró estar ante el álbum más experimental de Iggy hasta el momento, mientras la otra parte valoró negativamente la extraña mezcla de proclamas, bromas, gruñidos y pseudo poesía del bizarro e incoherente conjunto final. Con estas credenciales, el álbum fue un fracaso comercial, pero como ya dijimos al principio, fue un fracaso de lo más interesante, por su audacia ante la falta de medios, sus mezclas a veces toscas, sus desarreglados y desnudos coros, su frescura primitiva y su sincera y fascinante irreverencia.

Después de semejante guantazo (tanto el que se llevaron como el que este disco supone para la industria más ortodoxa), Iggy no tenía ya margen de error. Ya no era tan joven, ni tan respetado, y en los bolsillos solo tenía agujeros. O se sacaba de la manga un disco serio y comercial, o ya no podría grabar nunca más, así que decidió gastar, una vez más, el comodín de la llamada y pedir a David Bowie que le produjera el disco Blah Blah Blah, una obra tan depurada como carente de riesgo, que actuó como auténtico salvavidas de la mítica "Iguana del Pop" en el tumultuoso y complicado mar artístico de los ochenta.

0866.- How Do You Sleep? - John Lennon

 

How Do You Sleep, John Lennon

El 9 de septiembre de 1971 John Lennon lanza su segundo álbum de estudio, Imagine. Coproducido por el mismo Lennon junto a Yoko Ono Y Phil Spector, es grabado entre febrero, mayo y julio de 1971 en los estudios Ascot Sound de Berkshire (Inglaterra), los Record Plant de New York y los Abbey Road de London, bajo el sello Apple Records. Al contrario que su primer disco, donde los arreglos son más básicos, en este segundo trabajo destaca la exuberancia de los mismos. El disco se convirtió en todo un éxito, tanto comercial como por parte de la crítica, llegando a alcanzar el puesto número uno tanto en las listas de ventas del Reino Unido como en las de Estados Unidos. El disco es considerado, junto a John Lennon/Plastic Ono Band, uno de sus mejores trabajos en solitario. En 2012, el disco ue votado en el puesto 80 en la  lista de la revista Rolling Stone de Los 500 mejore álbumes de todos los tiempos.

Incluida en este álbum se encuentra la pieza How do You Sleep?, canción donde Lennon muestra su enojo hacia su compañero de banda en The Beatles, Paul McCartney. Cuando se lanzó originalmente el álbum Imagine, este contenía una postal de John sosteniendo las orejas de un cerdo grande, una clara alusión a modo de burla del disco de Paul McCartney, Ram, lanzado unos meses antes que Imagine, donde Paul McCartney aparecía en la portada sosteniendo los cuernos de un carnero, mientras en la parte posterior aparecía una imagen de dos escarabajos en una actitud explícita, lo que podía ser considerado como otro claro mensaje hacia John Lennon. La canción contó con la colaboración de George Harrison quien aportó el solo de guitarra slide que aparece en la misma. Nos encontramos en el momento de máximo apogeo de la enemistad entre Lennon y McCartney, y eso se nota en las letras de este tema, pues cada línea de la canción es un ataque a algún aspecto de la vida o la música de Paul McCartney.

0865.- Jealous Guy - John Lennon

Jealous Guy fue escrita por Lennon después de separarse de The Beatles. La historia dice que Yoko Ono quería ser el quinto miembro de The Beatles y a pesar de muchos intentos de persuadirla, no hizo caso y exigió ser el quinto miembro. Finalmente, The Beatles decidieron separarse; como intuían, ella habría empeorado aún más las cosas. John Lennon luego le dedicó esta canción a Paul McCartney y trató de decirle que la ruptura fue culpa suya y no de Yoko Ono. Pero para entonces ya era demasiado tarde. Toda la canción se basa en la disculpa de Lennon a McCartney. La canción era originalmente 'Child Of Nature' , de la cual Lennon grabó una demostración en el bungalow Esher de George Harrison antes de las sesiones de grabación del White Album.

La canción comienza con una hermosa melodía de piano (Cortesía de Nicky Hopkins), John Lennon inicia las voces, el tono y la suavidad de su voz hacen que la canción sea tan realista que duele. La letra de la canción es SIMPLEMENTE EXCEPCIONAL y si escucha con atención, puede escuchar la guitarra acústica tocando de fondo, se introduce la batería y el tempo de la canción se establece en un ritmo lento y constante. Un hecho sorprendente sobre esta canción es que el bajo se usa como instrumento principal. Todo se combina perfectamente, y el resultado es una canción alucinante. John Lennon comienza a silbar, no hace falta decir que los silbidos también agregan un poco más de emoción a la canción.

Jealous Guy cuenta la historia de un hombre impulsado por la inseguridad y la paranoia a hacer algo de lo que se arrepiente. Nunca se especifica lo que hace, ni el tema de la canción. Pero las emociones que transmite son claras: por favor, perdóname, actué por dolor y miedo. Lennon nunca explicó en detalle la inspiración de lo descrito en la letra, pero a menudo (repetidamente) habló ampliamente sobre los problemas de celos que lo atormentaron a lo largo de su vida. En 1971, cuando se le preguntó sobre los celos, aludió tanto a experiencias pasadas como a su relación actual con Ono.

Iggy Pop - New Values (Mes Iggy Pop)

#mesIggyPop - New Values

El álbum "New Values" de Iggy Pop es considerado por muchos críticos y fans como un hito en la carrera del músico. Fue lanzado en 1979, después de una pausa de tres años en la que Iggy Pop había luchado contra sus adicciones y había trabajado para reconstruir su carrera musical.

El álbum presenta una combinación única de punk, rock y elementos de funk y soul, que lo hacen sonar diferente a cualquier otra cosa que Iggy Pop había hecho antes. Canciones como "Five Foot One" y "Don't Look Down" son ejemplos de la energía punk del álbum, mientras que temas como "I'm Bored" y "New Values" muestran una nueva madurez en las letras de Iggy Pop.

"New Values" es el tercer álbum en solitario del icónico músico Iggy Pop, lanzado en 1979. Fue grabado después de que Iggy se recuperara de una adicción a la heroína y se trasladara a Alemania, donde trabajó con el productor alemán, Michael Beinhorn. El resultado es un álbum que representa un nuevo comienzo para Iggy Pop, tanto en términos de sonido como de contenido lírico. A continuación, una descripción de algunas de las mejores canciones de este disco:

"Tell Me a Story" - Una canción enérgica y optimista que invita al oyente a sentarse y escuchar una historia. Iggy Pop canta sobre la importancia de la narración y cómo puede inspirar e influir en las personas.

"New Values" - El título de la canción y del álbum. Es una canción enérgica y rápida que celebra los valores nuevos y diferentes que Iggy Pop ha descubierto en su vida después de superar su adicción a las drogas.

"Girls" - Una canción sobre la obsesión de Iggy Pop por las mujeres. La letra describe a las mujeres como criaturas misteriosas y atractivas que son difíciles de entender.

"I'm Bored" - Una canción punk rock que expresa el aburrimiento y la insatisfacción de Iggy Pop con su vida y su carrera. La letra describe la sensación de estar atrapado en una rutina y la necesidad de hacer algo nuevo y emocionante.

"Don't Look Down" - Una canción que trata sobre la lucha de Iggy Pop con la adicción y su determinación por no volver a caer en ella. La letra describe la sensación de estar al borde de un precipicio y la importancia de mantenerse fuerte y no mirar hacia abajo.

"The Endless Sea" - Una canción más suave que habla de la búsqueda del amor y la felicidad. La letra describe la vida como un mar sin fin y la necesidad de encontrar un puerto seguro.

"Five Foot One" - Una canción enérgica y divertida que celebra la pequeña estatura de Iggy Pop. La letra describe cómo su tamaño pequeño no lo detiene y cómo siempre está listo para luchar.

En general, "New Values" es un álbum punk rock clásico que presenta la madurez y la evolución musical de Iggy Pop. Las letras exploran temas como la adicción, la lucha por la felicidad y la necesidad de valores nuevos y diferentes. La energía y la pasión de Iggy en cada canción hacen que el álbum, aunque no fue un gran éxito comercial en su momento, haya sido considerado un álbum influyente y significativo en la carrera de Iggy Pop. La crítica lo recibió positivamente y muchos lo ven como un punto de inflexión en su carrera, ya que fue su primer álbum después de superar su adicción a las drogas. Muchas de las canciones han sido interpretadas en vivo por Iggy durante años y algunas de ellas, como "Tell Me a Story" y "Five Foot One", se han convertido en favoritas de los fans.

Además, el álbum ha sido reeditado varias veces y ha sido incluido en varias listas de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos. En resumen, aunque no tuvo una gran acogida comercial en su momento, "New Values" ha sido valorado por la crítica y por los fans como un álbum importante en la carrera de Iggy Pop y en la historia del punk rock.

Daniel
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0864.- Gimme Some Truth - John Lennon

"Gimme Some Truth" está incluida en el disco "Imagine" (1971) de John Lennon, y aunque eclipsada por la célebre y universal canción titular, es una de las mejores canciones de uno de los mejores discos del ex-beatle. Podríamos catalogarla como "canción protesta" por la multitud de referencias políticas que contiene, de la época en la que fue escrita (con Nixon al frente de la Casa Blanca, durante los últimos años de la guerra de Vietnam) y sus ácidos alegatos contra la hipocresía y las mentiras de la propaganda política de los gobiernos, que le enferma y le cansa, y "solo quiere que le digan la verdad".

Co-producida por Phil Spector junto al propio Lennon, en la grabación participó George Harrison, que se encargó de la guitarra eléctrica, mano a mano con Lennon, y del solo de slide guitar, mientras Nicky Hopkins estuvo al piano, Klaus Voormann al bajo, Alan White a la batería, y Rod Linton y Andy Davis aportaron guitarras acústicas a la grabación final del tema. Sin embargo, las primeras tomas de la canción datan de 1969, de las grabaciones y ensayos del proyecto "Get back" de The Beatles, que acabaría saliendo a la luz con el título final de "Let it be". Según Lennon, fue escrita "uno o dos años antes, probablemente en La India". La canción estuvo un tiempo rondándole en la cabeza, hasta que, finalmente, y tras las sesiones de "Get back", tomó cuerpo para el disco "Imagine" con un sustancial cambio en las letras.

Considerada una de las mejores canciones de Lennon en solitario, dio nombre al film documental "Gimme Some Truth: The Making of John Lennon's Imagine Album", y son muchas las versiones que, desde su publicación, otros artistas han querido hacer de ella. Generation X la grabó como cara B de su single "King Rocker" en 1978 y la incluyó en su disco homónimo y como bonus track de la reedición de 1979 de su "Valley of the Dolls". Travis hizo lo propio en la cara B de su single "More Than Us", de 1998, y Primal Scream como cara B de la canción "Country Girl". Matthew Sweet y Susanna Hoffs hicieron una versión en su disco de versiones "Under the Covers, Vol. 2" (2009), y más recientemente, Cheap Trick la grabó como single en 2019, y un año después, Billie Joe Armstrong (Green Day), la incluyó también en un disco de versiones en clave de power rock y punk.

0863 - John Lennon - Imagine

0863 - John Lennon - Imagine

"Imagine" es una de las canciones más icónicas e influyentes de la carrera de John Lennon, y se ha convertido en un himno para la paz y la unidad en todo el mundo. Fue lanzada en 1971 como la canción principal de su álbum del mismo nombre.

La letra de la canción es una reflexión sobre la visión de un mundo sin fronteras, sin religiones y sin propiedad privada, en el que todos los seres humanos viven en paz y armonía. La canción comienza con las palabras "Imagine there's no heaven" ("Imagina que no hay cielo"), sugiriendo que si no hubiera divisiones religiosas en el mundo, entonces todos podrían vivir juntos en paz.

La canción también hace referencia a otros temas importantes, como la abolición de las guerras, la eliminación de las barreras culturales y la creación de una comunidad global en la que todos los seres humanos son iguales. La canción es especialmente conocida por su coro optimista y pegajoso, que invita a los oyentes a imaginar un mundo mejor.

Musicalmente, "Imagine" es una canción sencilla, con un piano suave y melancólico como su instrumento principal. La voz de John Lennon es cálida y emotiva, transmitiendo la importancia y la urgencia de su mensaje. La canción ha sido versionada innumerables veces por artistas de todo el mundo y se ha utilizado en varias ocasiones como un himno para la paz y la justicia social.

"Imagine" de John Lennon ha sido un gran éxito comercial desde su lanzamiento en 1971. En los Estados Unidos, alcanzó el número 3 en el Billboard Hot 100 y se mantuvo en las listas de éxitos durante 14 semanas. A nivel internacional, la canción también tuvo un gran éxito, alcanzando el número 1 en las listas de varios países como Reino Unido, Canadá, Australia y España.

Además, el álbum "Imagine" se convirtió en un éxito mundial, llegando al número 1 en las listas de varios países, incluidos los Estados Unidos, Reino Unido, Japón y Australia. También fue certificado como Disco de Platino en varios países.

Desde su lanzamiento, la canción "Imagine" ha sido versionada por numerosos artistas y ha aparecido en varias películas, programas de televisión y anuncios publicitarios. Además, su mensaje de paz y unidad ha resonado en todo el mundo, convirtiéndola en un himno para la paz y la justicia social.

En resumen, "Imagine" es una canción icónica que se ha convertido en un llamado a la unidad y la paz en todo el mundo. Su letra sencilla pero poderosa y su melodía conmovedora la convierten en una de las canciones más importantes e influyentes de la historia de la música.

Daniel
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0862.- Coat of Many Colors - Dolly Parton

Si bien a Dolly Parton se la reconoce como una de las artistas más icónicas de la música country, y de toda la música popular, como puede atestiguar su incorporación al Salón de la Fama del Rock & RollDolly Parton y que tuvo una serie de éxitos a finales de los años 60 como compañera de dúo de Porter Waggoner , pero el éxito en solitario no le llego hasta su álbum de 1971 Coat of Many Colors. La música está muy arraigada en su familia y aunque muchos jugaron un papel importante en el éxito de Dolly, ella le da casi todo el mérito a su tío Bill Owens por ayudarla a iniciarse en el negocio de la música. Ambos compositores lanzaron canciones en Nashville sin éxito y Parton comenzó a cantar en pequeños locales. A principios de 1965, tanto Parton como Owens finalmente encontraron trabajo cuando Fred Foster los contrató para Combine Music donde publicaron varios albums. Estos discos atrajeron la atención de la estrella del country Porter Waggoner, quien buscaba contratar a una nueva cantante para su programa de televisión, Parton aceptó la oferta y comenzó a aparecer en el programa el 5 de septiembre de 1967 aunque la audiencia de Waggoner tardó en simpatizar con Parton. RCA Records lanzó su primer sencillo a dúo con Porter Waggoner, una versión de la canción de Tom Paxton 'The Last Thing on My Mind', que se lanzó en 1967 y alcanzó el top ten del país a principios de 1968. Los siguientes seis años fueron testigos de una inquebrantable los diez mejores sencillos de esta asociación.

Coat Of Many Colors fue un sencillo Top Ten, y efectivamente se convirtió en su canción insignia, lanzada en septiembre de 1971 como el segundo sencillo y tema principal del álbum del mismo nombre, es un astuto ejemplo de percepción autobiográfica, contada desde una perspectiva personal mientras comparte lecciones que son universales en una extensión más amplia de emociones. De hecho, pocas canciones comparten sentimientos tan singulares y revelan tanto sobre el artista que las ofrece. La narración es simple pero directa, extraída de la educación rural de Parton como uno de los 12 niños criados en una cabaña de una habitación en las montañas del este de Tennessee. Como muchas familias de los Apalaches, los Parton eran personas empobrecidas que apenas tenían medios para sobrevivir, esos recuerdos de sus raíces rurales siguen siendo parte integral de su personalidad, que la define aún hoy. La canción en sí se inspiró en circunstancias de la vida real, su madre recibió una colección de trapos de varios colores y posteriormente los usó para coserle a su hija, Dolly, un abrigo multicolor mientras le contaba una historia bíblica sobre Jacob dándole a su hijo favorito José su propio abrigo de muchos colores. Parton estaba encantada, pero cuando se puso el abrigo en la escuela, sus compañeros de clase se burlaron de ella porque se enorgullecía tanto de un abrigo que consistía en harapos. Parton recordó cómo viajaba con su compañero Porter Waggoner en su autobús de gira, cuando de repente se le ocurrió la canción, sin nada en qué escribir, tomó un recibo de tintorería que encontró en uno de los elaborados trajes de escenario.

0861.- No other - Gene Clark

Harold Eugene “Gene” Clark fue, por supuesto, miembro fundador de The Byrds y, al menos en los primeros años del grupo, fue la principal fuerza artística detrás del éxito de la banda. Sus contribuciones compositivas al repertorio de la banda incluyeron clásicos como I'll Feel A Whole Lot Better, Set You Free This Time y la innovadora Eight Miles High. Su influencia en la música popular fue inconmensurable y fue uno de los principales defensores de géneros musicales como el rock psicodélico y el country alternativo. Además de su talento para escribir canciones, Gene también era un consumado guitarrista rítmico, un armonicista sin igual y un vocalista verdaderamente sobresaliente; talentos que se sentía cada vez más incapaz de ejercer en toda su extensión dentro de los confines de The Byrds. Durante 1970, sin embargo, Gene se escondió en Mendocino, en el norte de California, y compuso una serie de canciones que se convertirían en White Light. Se reunió con el guitarrista/productor Jesse Ed Davis y un pequeño grupo de músicos en Village Recorders en Los Ángeles para producir un álbum de extraordinaria belleza y musicalidad. La instrumentación escasa (las canciones están estructuradas principalmente en torno a guitarras acústicas entrelazadas) proporciona el respaldo para una colección de nueve canciones que son completamente impecables. Y la voz de Gene, clara, suave y apasionada, es siempre encantadora.

En 1971, en el apogeo de la era de los cantautores, Clark lanzó un álbum sencillo de canciones brillantes. White Light debería haber sido un gran éxito, pero solo se vendió bien en los Países Bajos. El principal colaborador de Clark es el productor Jesse Ed Davis, cuya elegante guitarra principal complementa las melancólicas canciones de Clark. Las melodías y las letras de los versos de Clark son exquisitas. Incluir una versión de una canción de Dylan ('Tears of Rage') invita a comparaciones poco halagadoras, pero las canciones de Clark son dignas de estar junto a ellas con orgullo. Muchas de estas canciones cuentan con una sección rítmica, pero es discreta y, a menudo, se siente como si fuera Clark con la guitarra solista. 

Nos vamos a detener en No Other, una canción escrita por el propio Gene Clark, la letra de la canción es bastante enigmática y abierta a interpretaciones subjetivas, pero la opinión general es que es un alegato por buscar siempre la verdad y la felicidad en un mundo que puede ser confuso y caótico. Un empujón a encontrar un camino hacia la luz y la claridad a pesar de los obstáculos y las dudas que puedan surgir en el camino, también contiene conceptos espirituales y filosóficos como la unidad de todas las cosas y la idea de que todo lo que hacemos les afecta a los demás. Musicalmente abre con una intro con tendencias progresivas, demostrando que el country y el progresivo se pueden fusionar. Las percusiones hacen su acto de presencia, acompañando los arreglos de teclado y el trabajo vocal de Clark y las coristas. Mención aparte para el trepidante bajo que se bate en un duelo con las percusiones. El conjunto de elementos que fluyen, da como resultado un brillante ejercicio de country progresivo gospel funk.

Iggy Pop - Lust for Life (Mes Iggy Pop)

 

Lus for life, Iggy Pop

De Iggy Pop, al cual estamos dedicando este mes de mayo, recuerdo dos momentos especiales ligados a mi juventud, el primero fue en la sala Aqualung de Madrid en abril de 1994, si no recuerdo mal, donde tuve la oportunidad de verle por primera vez en directo. Y la segunda fue la primera vez que vi la película británica Trainspotting (1996), dirigida por Danny Boyle, la cual nos narra la historia de un grupo de jóvenes de clase baja de Edimburgo y sus problemas cotidianos en un ambiente destructivo. Recuerdo que la primera escena, donde el protagonista Mark Renton y sus amigos corren por las calles perseguidos por la policía mientras suena Lust for Life de Iggy Pop, me voló literalmente la cabeza. Y es precisamente en Lust for Life donde nos vamos a centrar.

Lust for Life es el segundo álbum de estudio del músico estadounidense Iggy Pop. El disco fue grabado en los Hansa Studios de Berlín Oeste bajo la producción de David Bowie y Colin Thurston bajo el pseudónimo de Bewlay Bros (llamado así por la última pista de Hunky Dory de Bowie de 1971) y publicado el 9 de septiembre de 1977 bajo el sello discográfico RCA Records. Estamos ante la segunda colaboración entre David Bowie e Iggy Pop. Después de The Idiot, donde colaboraron juntos, Bowie lanzó su disco Low, donde Iggy colaboró en dicha gira como tecladista de Bowie. Al final de la gira, Iggy y Bowie se juntaron en Berlín para trabajar en Lust for Life. 

Iggy Pop, después de una etapa sumido en su adicción a las drogas, se unió a su amigo David Bowie en su gira Isolar Tour de 1976 y luego se mudó a Europa con éste con la esperanza de recuperar la sobriedad. Después de que The Idiot fuera compuesto principalmente por Bowie, Iggy insistió en tener más control sobre Lust for Life, componiendo el mismo a menudo sus propios arreglos. El disco acabaría convirtiéndose en uno de sus trabajos más icónicos. Si The Idiot marcó un alejamiento del sonido proto-punk de The Stooges en favor de un estilo más enfocado hacia el art rock, Lust for Life es un disco con un sonido muy crudo y más cercano a su antiguo estilo con la banda The Stooges. 

Lust for Life, tras su lanzamiento, recibió poca promoción por parte de RCA, pero eso no impidió que alcanzara el puesto 28 en las listas de ventas de discos del Reino Unido. El disco también fue muy bien recibido por la crítica especializada, destacando la enérgica participación de Iggy y su rol más importante en comparación con The Idiot. Estamos ante un disco menos experimental, donde podemos apreciar estilos como hard rock, proto-punk o new wave. Musicalmente el disco suena muy contundente, gracias a la gran sección rítmica que logran marcar el bajista Tony Sales y su hermano, el baterista Hunt sales, y los guitarristas Ricky Gardiner y Carlos Alomar, que ya tenían muchas tablas habiéndose formado en una banda de rock and roll pura y dura. Iggy demuestra en este disco estar a la altura de las circunstancias, siendo capaz de transmitir su pasión y energía a través de la música y abordando temas como las adicciones a las drogas, la decadencia o las malas decisiones.

Abre la cara A del álbum el tema que da título al mismo, Lust for Life, con un riff de Bowie muy característico y que se inspiró en el código Morse que abría las noticias de American Forces Network en Berlín. La canción trata sobre el estilo de vida que Iggy había llevado como adicto ala heroína. El título fue tomado de la película de 1956 del mismo nombre, que a su vez es una adaptación de la novela biográfica de Irving Stone de 1934 sobre el pintor holandés Vincent Van Gogh. Bowie coescribió la canción con Iggy componiendo la música en un ukelele. El tema fue escrito en un momento en el que ambos artistas estaban tratando de alejarse de sus adicciones. Sixteen es el único tema del disco que fue escrito única y enteramente por Iggy Pop. Some Weird sin es una canción más oscura y con un sonido más pesado orientado hacia el hard rock que nos habla sobre las malas decisiones y sobre las tentaciones que se cruzan en el camino. También trata temas como la decadencia en temas como The Passenger, la cual se inspiró en un poema de Jim Morrison donde veía "la vida moderna como un viaje en automóvil". Fue escrita por Iggy Pop mientras viajaba en el S-Bahn (tren subterráneo) en Berlín. La música fue escrita por el guitarrista Ricky Gardiner, quien había sido miembro de la banda de rock progresivo Beggars Opera. Se encontraba tocando su guitarra, mientras estaba sentado debajo de un árbol cercano a su casa, cuando se le ocurrió la secuencia de acordes del tema. Tonight es el tema que cierra la primera cara, un tema con un ritmo duro que vuelve a la temática sobre el abuso a la heroína, y que fue coescrita por Iggy y Bowie.

La cara B empieza con otro de los cortes optimistas del álbum, Success, canción que emplea la llamada técnica de llamada y respuesta y que nos habla sobre el éxito y su relación con el dinero y la fama, reflexionando sobre las expectativas y los sacrificios que se hacen para alcanzar dicho éxito. Turn Blue vuelve a hacer referencia al abuso de las drogas. No olvidemos que Iggy estaba en proceso de limpiarse del abuso de las mismas. Con casi siete minutos es la canción más larga del disco. Los orígenes de esta canción se remontan a una sesión de grabación fallida de Iggy y Bowie en mayo de 1975 cuando Iggy se encontraba totalmente enganchado a la heroína. Originalmente titulada Moving On, fue compuesta por Bowie, Iggy y por el vocalista, compositor y bailarín Warren Peace. Neighbothood Threat es un tema de corte neo-punk, con un ritmo más amable y melódico donde Iggy nos muestra sus influencias del funk y el soul mientras nos habla de la violencia en las calles y la necesidad de protegerse. Por último, Fall in Love With Me es el corte que cierra este gran disco, el cual surgió de un jam session improvisada de la banda. Para este tema la banda intercambió instrumentos, pues Tony Sales tocó la guitarra, Hunt Sales el bajo y Ricky Gardiner la batería.

0860.- Baba O'Riley - The Who

"Baba O'Riley" es, junto a "Won't get fooled again" y "Behind Blue Eyes",  la tercera gran pieza de "Lifehouse", el abandonado proyecto de gran ópera rock en la línea de Tommy. Fue el segundo single de "Who's next", y tuvo además el honor de ser la elegida para abrir el disco. En la canción destaca, de nuevo y especialmente, el magistral uso de los teclados, que tejen una tela de araña sonora que acompaña a la perfección a los intensos ramalazos de guitarra de Pete Townshend.

Al final de la canción, poco después de que Roger Daltrey cante la mítica frase "It's only teenage wasteland" (Es solo yerma tierra adolescente) The Who nos sorprenden con la aparición de un ecléctico violín (a cargo de Dave Arbus), demostrando que "Baba O'Riley" es justo todo lo contrario, un terreno fértil de deslumbrante creatividad y maduros frutos musicales.

"Teenage Wasteland" fue precisamente el nombre inicial que planearon para la canción, pero al final se decantaron por "Baba O'Riley", en referencia al compositor minimalista Terry Riley y a Meher Baba, por entonces gurú de Pete Townshend, en lo que es un nuevo rastro de la temática conceptual y de la ópera rock de la que provienen la mayoría de temas del disco, porque la canción "Bargain" comienza curiosamente con una frase de este particular gurú: "Me encantaría perderme para encontrarte".

0859.- Behind blue eyes - The Who

"Behind Blue Eyes" fue escrita por Pete Townshend como la canción principal de su proyecto de ópera rock "Lifehouse", pero cuando The Who abandonó el proyecto, fue incluida junto con otras siete canciones en el disco "Who's next" (1971), y se convirtió en el segundo single publicado para ese álbum. Como single, alcanzó el número 34 en el Billboard Hot 100 estadounidense, y se convirtió en una de las canciones más famosas de la banda inglesa.

La canción se construyó con dos partes diferentes, en lo que supuso uno de los cambios de ritmo más brillantes del disco. En la primera parte, no aparece en ningún momento la batería, en lo que el biógrafo de la banda describió después como "el tiempo más largo que Keith Moon estuvo quieto en toda su vida". Comienza con una guitarra acústica, como único acompañamiento de la voz de Roger Daltrey, y poco a poco van entrando el bajo y las armonías y arreglos. Este primer tramo funciona como balada pausada y suave, y contrasta con el abrupto arranque eléctrico con el que se da paso a la segunda parte de la canción, que muta a un rock vibrante y enérgico con un riff similar al de "Won't get fooled again" (sin duda un rastro de su origen común en la ópera rock "Lifehouse"), hasta que, al final, retoma el esquema acústico y calmado del inicio.

La letra de "Behind Blue Eyes" está escrita desde el punto de vista de Jumbo, el villano de la ópera rock "Lifehouse", mostrando en primera persona su enfado y su angustia ante la soledad y la presión que sentía dentro del argumento de "Lifehouse". El resto de miembros de The Who pensaban que la canción era en realidad un reflejo de la situación personal de Townshend tras el éxito de "Tommy" (1969), agobiado por la presión de ser el miembro de la banda que ideaba los conceptos y escribía las canciones, y al que todo el mundo preguntaba cuál sería el siguiente paso de la banda.

Iggy Pop - The Idiot (Mes Iggy Pop)

"The Idiot" (1977) no fue solo el debut en solitario de Iggy Pop, fue además el primero de los discos creados en colaboración con David Bowie, que hizo las labores de producción y colaboró en la composición de los temas, por la época en la que ambos compartieron piso en Berlín, en un intento de alejarse de la vorágine y las adicciones en las que ambos estaban envueltos. "The Idiot", que toma su nombre de la novela de Fyodor Dostoievsky, está claramente emparentado en sonido con "Low" y Heroes", los dos discos que David Bowie publicó ese mismo año, y es especialmente curiosa la evidente relación entre la portada de este último disco del "Delgado Duque Blanco" y el disco de Iggy, ya que en ambas aparece uno u otro adoptando poses similares, basadas en la pintura "Roquairol" de Erich Heckel.

El período berlinés de ambos músicos fue sobre todo fructífero en composición e ideas, y en la manera en la que se empaparon de las tendencias musicales alemanas del momento, pero en realidad la mayoría de los discos asociados a esa época no fueron grabados en Alemania. Es el caso de "The Idiot", que en su mayor parte fue grabado en el "Château d'Hérouville", en Francia, y solo algunas sesiones se realizaron en los Musicland Studios, en Munich, en sesiones "vampíricas" que empezaban cuando no quedaba ya rastro de la luz del día.

El disco no funcionó comercialmente como Iggy había imaginado, seguramente porque el público esperaba una continuación del sonido salvaje de The Stooges, en lugar de lo que "The Idiot" contenía, que no era, tampoco, exactamente como Iggy lo describía ("Una mezcla entre James Brown y Kraftwerk"). No lo era porque, en "The Idiot" hay mucho de Kraftwerk y de oscuros arreglos basados en sonidos mecánicos e instrumentos electrónicos, especialmente en temas como "Mass Production", pero poco o nada se distingue en el conjunto que pudiera ser mínimamente asociado al "Padrino del Funk".

La innovación musical fue, en su mayor parte, responsabilidad de Bowie, que compuso buena parte de la música y se encargó de coros, guitarra, piano eléctrico, sintetizadores y saxofón (presente en la excelsa y taciturna "Tiny Girls"), mientras que Iggy dotó a aquellas oscuras estructuras musicales de unas no menos intrigantes letras, escribiendo a medida que su compañero iba creando la música. Así surgieron, por ejemplo, "Sister Midnight" y "China Girl", los dos singles que se publicaron del álbum. Tanto le gustaban a Bowie aquellos dos temas, que el primero (que había escrito con anterioridad junto a Carlos Alomar y que ofreció a Iggy para el disco) fue una pieza habitual de sus conciertos, y no solo llegó a regrabar el segundo para su disco "Let´s dance" (1983), sino que también lo lanzaría como single.

"The Idiot" tuvo una gran influencia en multitud de bandas de post-punk, y en el sonido industrial y gótico que se desarrolló en los años ochenta. Bandas como Joy Division basaron buena parte de su sonido en las enseñanzas que estos dos músicos, adelantados a su tiempo, nos dejaron en cualquiera de los discos mencionados. En "The Idiot", además de los dos singles, hay joyas del calibre de "Nightclubbing", la última de las canciones que se grabaron para el disco, famosa por haber sido incluida en la banda sonora de Trainspotting junto a la célebre "Lust for life". Otros temas relevantes son "Funtime", originalmente titulada "Fun Fun Fun", Baby (a la que Iggy se refería como su "canción de amor" para el disco) o "Dum Dum Boys". 

Con el disco grabado, Bowie y Pop se trasladaron de nuevo a Berlín para que Tony Visconti, que estaba allí para producir el disco de "Heroes", les hiciera el favor de encargarse de las mezclas finales, en una labor que Visconti denominó "de salvamento más que de mezcla creativa". El resultado final fue la joya de art rock y post punk decadente que hoy conocemos, cuyos arreglos podrían considerarse de rock industrial en el sentido más estricto y literal de la palabra, y sin lugar a dudas una creación totalmente adelantada a su tiempo, y una tremenda patada en la boca de los que esperaban una nueva entrega del punk de The Stooges.

0858.- Won't Get Fooled Again - The Who

Tras haber entregado una de sus obras magnas, la intrincada ópera rock de Tommy (1969), The Who se embarcaron en otro megalómano proyecto al que llamaron Lifehouse, una ópera rock futurista que planeaban grabar en vivo, e interactuando abiertamente con el público. La extrema complejidad de la propuesta, y la respuesta negativa del público, más interesado en escuchar los hits anteriores, estuvo a punto de costarles la separación, y tras varios infructuosos intentos, abandonaron ese enfoque, y rescataron varias canciones de Lifehouse para grabar Who's next (1971), su quinto álbum de estudio.

Hasta ocho de los nueve temas del disco provienen del proyecto Lifehouse, y liberados del complejo hilo argumental de aquella fallida ópera rock conceptual, perfeccionaron hasta tal punto las canciones en el estudio, que terminaron por entregar su mejor disco, y algunos de los singles más relevantes de su carrera. El primero de ellos, "Won't get fooled again" ("No nos engañarán de nuevo"), es además el primer tema que se grabó para el disco, un hit de más de siete minutos en el que manejaron con maestría los sintetizadores, un recurso nada habitual para la banda hasta entonces.

En busca de un nuevo rumbo musical, el órgano y los efectos de los sintetizadores de Pete Townshend toman con fuerza el timón de la canción, mientras Daltrey escupe proclamas que son, a la vez, anti-revolucionarias e instigadoras de la lucha en las calles. Con "Won't get fooled again", eran conscientes de la utopía que se escondía tras las proclamas para cambiar el politizado orden establecido, pero sí que lograron encontrar un nuevo enfoque para su música, y facturar con ello un tema tan épico y descomunal, que cierra en todo lo alto un disco que tiene la grandiosidad y la envergadura de la ópera rock que al final no fue.

0857 - Black Sabbath - Into the void

0857 - Black Sabbath - Into the void

"Into the Void" es una de las canciones más icónicas de la legendaria banda de heavy metal Black Sabbath. Lanzada en 1971 como parte de su álbum "Master of Reality", la canción tiene un sonido pesado y oscuro que es característico de la música de la banda.

La canción comienza con una introducción de guitarra enérgica que establece el tono de la canción. A medida que la canción avanza, la guitarra se une a la batería y al bajo para crear un sonido poderoso y lleno de energía que hace que el oyente se sienta como si estuviera siendo llevado a través de un abismo. La voz de Ozzy Osbourne se destaca en esta canción, proporcionando un contraste emocional al tono pesado y oscuro de la música.

La letra de la canción habla de un mundo distópico y apocalíptico, en el que la humanidad se ha destruido a sí misma y solo queda el vacío. Las letras oscuras y evocadoras se suman al ambiente de la canción y la hacen aún más memorable.

En resumen, "Into the Void" es una canción clásica del heavy metal que es imprescindible para cualquier fan del género. La música y las letras se combinan para crear una experiencia auditiva inolvidable que es un testimonio de la habilidad de Black Sabbath para crear música que resuena con sus oyentes.

Daniel 

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0856-. Children Of The Grave - Black Sabbath

 

Children of the Grave, Black Sabbath

     El 21 de julio de 1971 la banda inglesa Black Sabbath publica su tercer álbum de estudio, Master of Reality. El disco es grabado entre el 7 y el 15 de febrero y el 6 y el 13 de abril de 1971 en los estudios Island de Londres y los Record Plant de Los Ángeles bajo la producción de Rodger Bain, y publicado bajo el sello discográfico Vertigo Records. Durante la grabación y producción del disco, el guitarrista Tony Iommi y el bajista Geezer Butler bajaron la sintonía y la afinación de sus instrumentos, consiguiendo así un sonido más pesado. El disco alcanzó el puesto número 5 en las listas de ventas del Reino Unido, y el puesto número ocho en la lista estadounidense Billboard 200. El disco no fue bien recibido en sus inicios por la crítica, si bien con el paso del tiempo ha sido considerado como uno de los mejores álbumes de heavy metal de todos los tiempos.

Incluído en este disco se encuentra Children of the Grave, una canción que presenta el característico sonido del grupo con ese riff de guitarra con una afinación más baja y una sección rítmica muy pesada y contundente. La canción, que continúa con el mismo argumento y mensaje político, es un alegato contra la guerra al igual que en temas anteriores de la banda, como War Pigs o Electric Funeral. La canción, que se caracteriza por su gran riff pesado de guitarra, nos habla de la juventud y su lucha contra la guerra y la opresión. De hecho la canción fue una de esas que cabrían convirtiéndose en todo un himno para los jóvenes en la década de los 70. Esta canción está considera como una de las mejores de la banda, la revista Kerrang la clasificó en el año 2020 en el puesto número seis de su lista de "las 20 mejores canciones de Black Sabbath", y en 2021 la guía de rock en línea Louder Sound la clasificó en el puesto número cinco de su lista de "las 40 mejores canciones de Black Sabbath". 

0855 - Black Sabbath - Sweet Leaf

0855 - Black Sabbath - Sweet Leaf

"Sweet Leaf" de Black Sabbath es una canción emblemática del género del heavy metal que fue lanzada en 1971 como parte de su álbum "Master of Reality". La canción comienza con una introducción de guitarra distorsionada y la icónica línea de bajo de Geezer Butler, que establece el tono oscuro y pesado que caracteriza al grupo.

La letra de la canción, escrita por el vocalista Ozzy Osbourne, habla sobre su amor por la marihuana y cómo la hierba lo hace sentir. La letra es bastante explícita en cuanto a su consumo y su efecto sobre el autor, lo que fue bastante controvertido en la época en que se lanzó la canción.

A lo largo de la canción, la guitarra de Tony Iommi y la batería de Bill Ward se unen para crear un sonido pesado y oscuro que se convirtió en una de las marcas registradas de la música de Black Sabbath. La canción tiene varios cambios de ritmo y un solo de guitarra impresionante que muestra la habilidad de Iommi como guitarrista.

En general, "Sweet Leaf" es una canción icónica del heavy metal que ha resistido la prueba del tiempo. Su letra explícita y su sonido pesado la han convertido en una de las canciones más reconocidas y amadas del género. Es un gran ejemplo del talento y la habilidad de Black Sabbath como músicos y su capacidad para crear música innovadora y atemporal.

Disco de la semana 326 - David Gilmour (1978)

"David Gilmour" (1978) es el primer disco como solista del guitarrista, cantante y compositor David Gilmour, relevante miembro de la banda británica Pink Floyd. En el momento de la grabación de este disco, no se había producido aún ruptura alguna en el seno del grupo, y Gilmour seguía siendo miembro activo y de pleno derecho, por lo que este disco de debut era, en realidad, solamente una experiencia paralela sin la ambición de desmarcarse de la nave nodriza.

Grabado en Francia, y situado cronológicamente entre los discos Animals (1977) y The Wall (1979) de Pink Floyd, es un disco que tiene algunas curiosidades relevantes, y del que pese a su indudable calidad, tan solo se publicó un single promocional para la canción "There's no way out of here", lo que no le impidió cosechar posiciones razonables en las listas de ventas (fue nº 17 en Reino Unido y nº 29 en Estados Unidos). Quizá por el hecho de tener que embarcarse en el nuevo y ambicioso proyecto que fue The Wall, las tareas de promoción de "David Gilmour" no fueron todo lo exhaustivas que pudieran haber sido.

Por otro lado, resulta bastante curioso que, aunque el muro fue una obra muy personal de Roger Waters, en la que ya empezó a comerle el terreno a Gilmour como ideólogo y líder de la banda, dos de las canciones que surgieron de las sesiones de éste "David Gilmour" acabaron formando parte del genial disco de Pink Floyd: "Comfortably numb" y "Run like hell", dos temazos de cuya ausencia pocos discos se recuperarían, lo cual habla también en favor de la calidad de "David Gilmour", y quizá explica la sensación o la sospecha de que temas instrumentales como "Mihalis" (que abre el disco y lleva el nombre del bote en el que Gilmour se instaló un pequeño estudio de grabación), "Raise my rent" o "Deafinitely" (que fue cara B del single de "There's no way out of here"), no fueran en realidad rellenos de emergencia para suplir la pérdida de dos temas capitales y difícilmente reemplazables.

Las curiosidades o coincidencias no quedan solamente ahí, sino que, ya puestos a elucubrar, el nombre de la que quedó como canción estrella del disco, y que probablemente sea el mejor y más elegante tema compuesto por Gilmour en su carrera en solitario, da bastante que pensar, porque "There's no way out of here" ("No hay camino fuera de aquí") encaja con la idea de estar rodeado por un muro de incomprensión y aislamiento, y el juego de palabras de "Deafinitely" ("Sordamente") en lugar de "Definitely" ("definitivamente"), nos recuerda inevitablemente al "numb" ("insensible") de "Comfortably numb".

Los guiños, inevitables o forzados, entre su trabajo en Pink Floyd y en solitario, salpican el disco "David Gilmour" en temas como el contundente "Short and Sweet", cuyos ramalazos de guitarra emparentan directamente con la ya mencionada "Run like hell" y el intenso instrumental de "Raise my rent" comienza de manera muy parecida al "Hey you" que vería la luz después en The Wall. Pero dónde más evidente queda reflejado que su labor en Pink Floyd seguía siendo relevante pese al monopolio de Waters es en la excelsa colección de solos de guitarra espaciales y apocalípticos que Gilmour se marca a lo largo del disco, en los que es claramente reconocible su particular estilo y su sello personal, que pondría también poco después en varios de los ladrillos del muro.

Aunque ya hemos dicho que la música del disco no suponía, ni mucho menos, una ruptura respecto al sonido de Pink Floyd, no es menos cierto que la grabación de este álbum fue una manera de salir fuera del claustrofóbico gigante, y respirar en el exterior, paseando por el campo y pisando la nieve, como parece sugerir la portada del disco y el título de su última canción, la intensa y cambiante "I can't breathe anymore" ("Ya no puedo respirar"), y en ese sentido, en temas en los que se suelta y se lanza a riffs de blues rock repetitivo ("Cry from the street") o incluso se atreve con el piano ("So far away") parece estar liberándose de las restricciones que se encontraba dentro de la banda.

La dinámica tras "David Gilmour" no fue muy diferente en los años siguientes, en los que Gilmour siguió volcándose en Pink Floyd, hasta el punto de que no grabó su siguiente álbum en solitario ("About face") hasta 1984, quedando su disco de debut escondido entre la nieve de su portada y la sombra de los dos discos míticos de Pink Floyd entre los que vio la luz, pero sigue siendo un disco ideal para ponerlo cuando queramos, simplemente, salir fuera y alejarnos por un momento de cualquiera de los muros que habitualmente nos ensordecen y nos vuelven insensibles, a desconectar del mundo y pasar un buen rato escuchando buena música.

0854.- Can you get to that - Funkadelic

Maggot Brain de Funkadelic se lanzó en julio de 1971. Para tener un poco de perspectiva, Carole King y James Taylor dominaron las listas de éxitos durante la mayor parte del mes. Si bien los Isleys, Marvin Gaye e Isaac Hayes llegaron a las listas en julio de 1971, no estaban ni cerca de la cima. Lo más divertido que se encontró en el extremo superior de las listas ese mes fue probablemente "How Can You Mend A Broken Heart" de Bee Gee. Por lo tanto, probablemente sea perdonable que el público en general haya ignorado a Maggot Brain en el momento del lanzamiento, era demasiado para el público de aquellos años. Demasiado funk, demasiado rock, demasiado blues y demasiado soul. En 1971, la banda estaba al borde de la homogeneidad total y al borde de la locura musical, por lo tanto, eran propensos a lanzar uno de los discos de funk-rock más exitosos jamás concebidos. Con "Maggot Brain", Funkadelic abrió una dimensión trippy en un laberinto musical alucinógeno y entregó una colección desgarradora de canciones, increíblemente construidas y dirigidas por el encanto nativo de Clinton. Incluso si hoy el álbum puede parecer demasiado conectado con el sonido del rock clásico, "Maggot Brain" tiene una frescura inusual en su enfoque musical, lo que lo convierte en un viaje a través de una mente creativa conducido por algunos de los mejores músicos del género. Creo que el término "innovación innata" encaja mejor con la música porque Funkadelic provocó una revolución en el sonido y la textura sin desentrañar los ingredientes que constituían su centro musical. Aunque las individualidades vocales e instrumentales de la banda a menudo se encuentran en muchas bandas de funk, la música resultante sigue siendo distinta y no suena como ningún álbum hecho en su época (y después), demostrando un estilo musical maravilloso.

Can You Get To That trasmite unas sensaciones completamente diferente a Maggot Brain, tiene un sonido muy agradable, la música en sí misma te hace mover los pies y mover la cabeza al ritmo de la canción, mientras que el contenido de la letra es fácil de seguir, lo que hace que te atrape cuando la cantas en tu casa, en público, donde sea que estés, sin embargo, las voces en esta pista tienen el sabor que cada pista necesita, las armonías funcionan muy juntas, hay muchas cosas que suceden con ellas, pero se hacen de manera tan simple que no parece desordenado o demasiado potente. Si esta pista fuera una persona, qué buena persona sería. También tiene un coro monstruoso, con alguien con un barítono increíblemente bajo (¿el propio Clinton?) cantando el último verso y dirigiendo el coro preguntando continuamente "Quiero saber" mientras todos los demás preguntan "¿puedes llegar a eso?" El resultado final es una canción que no solo no suena como Funkadelic "normal", sino que realmente no suena como ninguna otra canción que haya escuchado de nadie más, y muy posiblemente la mejor canción de gospel secular jamás grabada, la pena es que no llega a los 3 minutos, necesitamos que el extasis dure mas tiempo!

0853-. Maggot Brain - Funkadelic

 

Mggot Brain, Funkadelic

     Para hablar de Funkadelic inevitablemente tenemos que hablar de su fundador, George Clinton. George nace en 1941 en Kannapolis, Carolina del Norte (Estados Unidos). A finales de los años 50 George que era copropietario de una barbería en New Jersey, decide fundar en la parte de atrás de la misma un grupo de música para entretener a los clientes, en la parte de atrás de esa barbería nacería The Parliaments. Al principio hacían un sonido doo-woop (género que nació mezclando básicamente los géneros R&B y góspel), pero durante la década de los 60 van evolucionando en su forma de enender y hacer música hasta acabar desarrollando un sonido único basado en el soul y el funk. Además de hacer un sonido único, también se empiezan a inclinar por unas letras más ocuras.

Durante los 60, George encuentra empleo en la potente discográfica Motown records, empleo que compatibiliza con el grupo The parliaments. En 1967, con el sello discográfico Revilot Records graba su primer éxito con The parliaments, llamado (I Wanna) Testify, tema con el que consiguen una gran acogida en las listas de ventas. Con motivo del éxito del single George decide iniciar una gira, para la cuál se lleva a The Parliaments y además crea una banda de acompañamiento para que respalde al grupo durante dichas gira. Sin embargo justo en ese momento, cuando empieza a despegar George, se ve envuelto en una batalla contractual con Revilot Records y pierde los derechos del grupo. Lejos de desanimarse y para poder seguir en la brecha George cambia el nombre a toda aquella formación (The parliaments y la formación de apoyo) que había fichado para la gira y la llama Funkadelic.

 Y así nace Funkadelic, una banda que además se aleja del sonido doo-woop, que se inspira en Jimi Hendrix y Sly & the Family Stone, y mezclan en sus composiciones soul, funk y rock psicodélico. Posteriormente refundaría a los extintos The parliaments llamándolos Parliament, y así George grabaría y haría innumerables giras cons sus grupos parliament y su banda hermana Funkadelic. Todo esto daría lugar al denominado sonido P-funk, un sonido bailable a la vez que psicodélico y con tintes rockeros.

El 12 de julio de 1971, la banda de George Clinton, Funkadelic, publica su tercer álbum de estudio, Maggot brain. El disco fue grabado entre 1970 y 1971 en los estudios United Sound Systems de Detroit bajo la producción de George Clinton, y publicado el 12 de julio de 1971 por el sello dicsográfico Westbound Records. Este disco se mueve entre estilos como el funk psicodélico, funk rock, R&B, acid rock o soul progresivo. Maggot Brain llegó a alcanzar el puesto 108 en la list US Pop Chart y el top 20 en la lista R&B Charts, ambas de Estdos Unidos, sin embargo no llegó a alcanzar las listas del Reino Unido.      

Incluido en este álbum se encuentra una obra maestra, el tema que da título al disco, Maggot Brain, acreditado a George Clinton y Eddie Hazel, el guitarrista que se encarga de ponernos los sentimientos a flor de piel con su interpretación.

Después de esta breve introducción, el tema se sumerge en un instrumental de guitarra de más de 10 minutos espectacular, y  fue grabado por el grupo y por Gorge Clinton cuando todos se encontraban bajo los efectos del LSD. Según el propio George Clinton el título del tema Maggot Brain (cerebro de gusano) hace alusión a un estado mental al cuál se llega con la ayuda de las drogas. El guitarrista de este tema es Eddie Hazel, uno de los pioneros y más influyentes guitarristas del género funk. Para la grabación del tema George Clinton rodeó en el estudio de amplificadores a Eddie, dejando al resto de la banda en un segundo plano y le dijo: "Ahora quiero que toques como si te acabaras de enterar de que tu madre ha muerto", y en otro momento hacia la finalización del tema le dijo "Y ahora quiero que lo hagas como si te acabaras de enterar que esta viva". El tema se grabó en una sola sesión, lo que da una idea de la calidad del gran guitarrista que era Eddie. El resultado no puede ser otro que una obra maestra.

0852 - The Allman Brothers Band - Statesboro Blues

0852 - The Allman Brothers Band - Statesboro Blues

"Statesboro Blues" es una canción clásica de blues interpretada originalmente por Blind Willie McTell en 1928. Sin embargo, la versión más conocida de la canción es la de The Allman Brothers Band, que aparece en su álbum de 1971 "At Fillmore East".

La versión de The Allman Brothers Band es una interpretación frenética de la canción, con un riff de guitarra desgarrador y un solo de guitarra lleno de pasión y energía. El vocalista principal, Gregg Allman, canta la letra con una voz rasgada y emotiva que transmite la angustia y el dolor de la letra.

La letra de la canción habla de la ciudad de Statesboro, Georgia, y de la vida difícil que llevan sus habitantes. McTell escribió originalmente la canción sobre su propia experiencia en la ciudad, donde vivió durante varios años como músico ambulante. La letra habla de la pobreza, la desesperanza y la tristeza que se encuentran en la ciudad.

La versión de The Allman Brothers Band de "Statesboro Blues" se ha convertido en un clásico del rock sureño y del blues, y es una de las canciones más representativas de la banda. Su interpretación emocional y poderosa ha inspirado a muchos músicos a lo largo de los años y sigue siendo una de las mejores versiones de la canción original.

Daniel 

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0851-. Whipping Post - The Allman Brothers Band

 

Whipping Post, The Allman Brothers Band

     En julio de 1971 entraba en escena uno de los mejores álbumes en vivo de todos los tiempos, y los encargados de semejante maravilla no iban a ser otros que The Allmn Brothers Band con su Live At Fillmore East. El material de dicho directo  fue recopilado de tres presentaciones en vivo que el grupo realizó entre el 12 y 13de marzo de 1971 en el mítico local Fillmore East, ubicado en la ciudad de Nueva York, el cual estaba dirigido por el célebre promotor Bill Graham. Dicho trabjo contó con la producción del ingeniero de grabación y productor estadounidense Tom Dowd, quien se movió durante su carrera en estilos tan dispares como el soul, jazz, rock, pop o blues. El disco fue publicado el 6 de julio de 1972 bajo el sello discográfico Carpicorn Records, sello discográfico fundado por Phil Walden y Frank Fenter, y que está muy ligado a los orígenes del llamado rock sureño. En el año 2004 dicho disco fue seleccionado para su conservación en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, y considerado "cultural, histórica o estéticamente importante" por el Registro Nacional de Grabaciones de dicho país.

Incluido en este disco encontramos Whipping Post, un tema que fue compuesto y publicado originalmente en su álbum debut, The Allman Brothers Band en 1969, y que incluyen en este directo con una versión de algo más de 22 minutos de duración. La interpretación de este tema en el aĺbum en vivo esta considerada por la crítica como una de las mejores interpretaciones de rock en vivo jamás realizada y recogida en vinilo, y además de convertirse en uno de los temas más populares del grupo, ayudó a que la repuación y la fama del mismo creciera. La magistral escalda de dramatismo intensificado y marcado por las geniales guitarras gemelas de Duane Allman y Dickey Betts, con secciones por momentos jazzísticas, hacen de éste un tema magistral.

Whiping Post fue compuesta por Gregg Allman, y la letra, que está escrita en un sentido metafórico, trata de una mujer malvada que ha traicionado a un hombre el cuál esta atado a un poste y está esperando su castigo. Gregg escribió este tema una noche sobre una tabla de planchar utilizando cerillas quemadas, pues en ese momento en mitad de la noche no fue capaz de encontrar un lápiz o bolígrafo y la escribió sobre la citada plancha. El tema se convirtió en un clásico en sus conciertos, tocándola además siempre a modo de Jam Session para evitar que el tema sonara igual dos veces. Una vez Gregg Allman fue preguntado cómo se le había ocurrido componer temas como Whipping Post donde las progresiones no tenían nada que ver con el blues o el rock & roll típico, a lo que respondió que realmente no sabía lo que estaba haciendo y que simplemente lo hizo.