0835-. Dublin - Thin Lizzy

 

Dublin, Thin Lizzy

     Entra en escena el mítico grupo irlandés Thin Lizzy con Dublin, la canción, que en mi humilde opinión, contiene la primera gran letra escrita por Phil Lynott, compositor y alma mater del grupo. En un principio, dicha canción había sido escrita para formar parte del álbum debut de la banda, titulado Thin Lizzy, el cual fue lanzado por el sello discográfico Deram Records el 30 de abril de 1971, pero finalmente fue descartado. El tema sería incluido posteriormente junto a otros tres temas, Remembering Part 2, Old Moon Madness y Thing Ain't Workin' Out Down at the Farm, para formar parte de New Day, un Ep lanzado por el sello discográfico Decca Records el 20 de agosto de 1971. Dicho Ep tuvo apenas repercusión y fue considerado como un tropiezo en toda regla, otro fallido intento del grupo en alcanzar una fama y gloria que se les resistía y que no les llegaría hasta unos años más tarde.

Aunque Thin Lizzy suele ser recordada principalmente como una potente banda de rock precursora incluso de heavy metal y del sonido de guitarras gemelas, en sus orígines tuvo un lado más sentimental y más suave que su compositor Phil Lynott solía mostrar en composiciones como ésta, Dublin, una bella y lenta canción que comienza con una guitarra acústica arpegiada y aumentada con una guitarra eléctrica muy tenue, todo ello a cargo del guitarrista Eric Bell. 

Dublin es un tema intensamente personal y todo un tributo a la ciudad natal de Phil Lynott, Dublín. Aunque el músico realmente nació en cerca de Brimingham y paso sus primeros años a caballo entre Manchester y Dublín, nunca tuvo la más mínima duda de considerarse dublinés e irlandés de pies a cabeza. La canción es una hermosa y triste reflexión de la ciudad que había marcado y moldeado a Lynott. Es corta pero intensa, y llega a capturar cosas como la esencia del lugar, el exilio, el sentimentalismo, la melancolía, la falta de dinero y oportunidades o los hitos locales recordados con cariño. Dublin fue escrita como lo que en realidad es, un poema, y existe una grabación de Lynott recitada como tal, pero con el acompañamiento musical y la voz de Lynott, tal y como fue grabada en el EP, la canción cobra más fuerza.

0834.- The Rolling Stones - Dead Flowers

Incluido en el album Sticky Fingers , 'Dead Flowers' es mencionado como una de las mejores canciones que The Rolling Stones jamás hayan prealizado, incluyendo 'Jumpin' Jack Flash', 'Wild Horses', 'Can't You Hear Me Knocking?' y 'Brown Sugar'. Al igual que esos temas, en 'Dead Flowers' los Stones evocan la calidez y la vitalidad de la música de raíces estadounidense. Aunque, según Jagger, la canción siempre se adaptaba más a la voz de Keith que a la suya.  En una entrevista de 1995 con Rolling Stone, Jagger confesó que siempre le había resultado difícil interpretar 'Dead Flowers'. “Me encanta la música country, pero me resulta muy difícil tomarla en serio”, comenzó. “También creo que mucha música country se canta con la lengua en la mejilla, así que lo hago con la lengua en la mejilla. Lo armónico es muy diferente al blues. No dobla las notas de la misma manera, así que supongo que es muy inglés, de verdad. Aunque ha sido muy americanizado, se siente muy cercano a mí, a mis raíces, por así decirlo”. Una canción cuyo sonido de regreso a las raíces hace eco del sonido de Bakersfield forjado por Merle. Haggard y Buck Owens y también revela la influencia que el pionero del country-rock Gram Parsons tuvo en la banda. Aunque Jagger era un fanático y parece haber escrito la mayor parte de la canción, era claramente Keith Richards quien tenía reverencia por la música country tradicional. Richards canta su excelente armonía cruda en los coros y proporciona ese toque de Telecaster que aparecería en casi todos los futuros discos de los Stones. Mick Taylor atempera sus florituras generalmente de blues con un poco más de flexión de estilo country de lo que había exhibido en grabaciones anteriores. Charlie Watts y Bill Wyman suenan auténticos como una sección rítmica de country, y presidiendo todo está un excelente piano de country tipo Floyd Cramer de Ian Stewart.

El tema lírico de Mick Jagger lo posiciona como un narrador yonqui deprimido que mantiene "una compañía irregular" y critica a un ex que vive la gran vida, una "reina del underground" que se sienta "de nuevo en su Cadillac rosa haciendo apuestas en el día del Derby de Kentucky". En uno de los besos de despedida más memorables de la música pop, el coro declara: "Y puedes enviarme flores muertas todas las mañanas / Por los EE. UU. correo/Dilo con flores muertas en mi boda/Y no me olvidaré de poner rosas en tu tumba". Jagger canta los versos de "Dead Flowers" en la parte inferior de su registro con un acento falso que raya en la sátira. 

El disco de la semana 323: De un pais en llamas - Radio Futura.

De un país en llamas fue publicado en el ecuador de la vida del grupo madrileño, aunque claro está, eso no se sabía el 12 de mayo de 1985 cuando el álbum apareció en las estanterías de las discotiendas e inundaba las programaciones de emisoras de radio y las páginas de revistas. Mucho había cambiado en su sonido y en el entorno de la Movida Madrileña, de la cual Radio Futura fue esencial protagonista durante el cambio de década, y del lanzamiento de su disco debut Música Moderna (1980, EMI-Hispavox), del cual más tarde declararían que había dejado de representarlos. Radio Futura era sin duda una de esas formaciones cuya sola mención se relacionaba con el mencionado movimiento, reconociéndoseles además como uno de los miembros fundadores de dicha corriente. No obstante, su trayectoria musical durante aquellos primeros años fue irregular, llena de contrastes y enfrentamientos con su discográfica que les mantuvo en un prolongado parón a la hora de grabar nuevos temas. ¿A quién le puede apetecer bucear en las miserias ajenas? A un morboso sin remedio, la tasación de este álbum tiene una cualidad casi obscena. No en vano "De un país en llamas" es el disco más inhóspito, violento y agresivo que haya salido de la cabeza y las manos de la banda madrileña. Gracias a las letras que en este disco alcanzan un nivel casi inédito en la historia del rock español. Surrealistas y dolientes, pero también firmadas desde una pluma honesta que cree en valores como la amistad, las letras de Santiago Auserón dan forma a un disco extraño y atípico, repleto de todos los colores, muy latino y muy europeo a la vez. El disco fue grabado en Londres, (una moda de la época), y producido por dos músicos funk: Dunkan Bridgeman y Jo Dworniak, que llenan las composiciones de los madrileños de efectos de sonido, ruidos, ecos y ambientación de claro cariz industrial, que impone un ambiente sinuoso, inquietante y de imaginería urbana, con especial hincapié en la creación de estados de ánimo de desasosiego y temor a una oscura y apocalíptica realidad. 

Su disco más denso y sombrío se abre con "No tocarte" para sentar las bases con ese riff circular y oscuro, quedaba claro el crecimiento. Es un tema rockero con cierto deje funk y la adición de las congas de Danny Cummings que coló influencias de Talking Heads.  "La ciudad interior" es un funk blanco y siniestro se mueve entre la rítmica a lo Frankie Goes to Hollywood, fue el primer single, un tema extraño, con una carencia funk, que le da una acidez y una corrosión casi insoportable, una letra indescifrable que gusta oír, que engancha, y un estribillo violento y aterrador en su crudeza, poco adecuada como single. “El tonto Simon” es una historia sobre la España profunda llena de miseria y estereotipos que denotan la crueldad pueblerina de, espero, otros tiempos, todo ello con un trasfondo de son latino, Santi Auserón ya empezaba a tejer su historia musical futura. Lo mismo ocurre con "El viento de África" (hermana pequeña de "Semilla negra") a ritmo de calipso, o "En el chino". Las letras son, más que nunca, herméticas y brutales, sin concesiones a la comercialidad ni, a veces, a la interpretación. 

"En el Chino", un tema cuya letra parece haberse adelantado más de una década, es un tema nocturno, sobre la peligrosa e incómoda vida en los bajos fondos, con descripciones realistas y conclusiones pesimistas, destaca un sonido de reminiscencias souleras y predominio eléctrico-industrial, otro gran tema. Aun así eso no nos impide gozar de joyas como la magistral y amenazante "Han caído los dos" que ya salva un disco por sí sola. es uno de los momentos de mayor atractivo del disco. Guitarras, congas, batería, bajo y voz entretejen un equilibrio estupendo, dejando que la interesante historia discurra. Estamos ante una descripción del amor un tanto oscura y críptica, pero con poderosas y hermosas metáforas que transforman el amor en una especie de maldición de la que es imposible escapar. Más que una canción de amor es una pesadilla gótica que te atrae de forma hipnótica a la vez que te estremece. “La vida en la frontera", de una contundencia emocional que sólo puede venir de la autenticidad más férrea, finiquita brillantemente este disco en el que se mezclan estilos tan diversos como el funk, los sones latinos, el soul, el rock e incluso influencias del Bowie de la época de "Scary Monsters".

"De un país en llamas" es historia viva del rock español, hijo de una época mágica que poco o nada tiene que ver con la actual. Si alguien no lo conoce, se lo recomiendo sin dudarlo, pues no puede dejar indiferente a nadie este extraño monolito sonico esculpido por esa banda histórica que fue Radio Futura y que hoy me ha hecho más llevadera la reclusión y la labor de limpieza de vinilos.

0833.- Can't you hear me knocking - The Rolling Stones

"Can't You Hear Me Knocking" ("¿No me oyes llamar?") es uno de los temas más brillantes del disco "Sticky Fingers" (1971) de The Rolling Stones, del que quizá se recuerdan más canciones tan icónicas como "Brown Sugar" o "Wild Horses", potentes y acertadas creaciones con una estructura más adecuada para ser lanzadas como singles, y derribar la puerta de las fórmulas radiofónicas con mayor suerte que la del protagonista de la canción, que se pregunta si la persona a la que llama insistentemente no puede oírle, o simplemente ignora sus llamadas.

Con sus más de siete minutos de duración, y su derroche de intensidad instrumental, "Can't You Hear Me Knocking" es seguramente la pieza más interesante y elaborada de "Sticky Fingers", y una de las canciones en las que más se nota la influencia del guitarrista Mick Taylor, que participó en varios de los mejores discos de los Stones, aportando un estilo de tocar que Ron Wood, aunque empaste mucho mejor con la forma de tocar de Keith Richards, nunca llegó a igualar. Ya desde el comienzo, en la intro de guitarra tanto Richards como Taylor afilan sus armas, como antesala del intenso riff con el que Richards hace que la canción sea irrepetible.

Los primeros tres minutos serían perfectamente "radiables", pero la gran virtud de esta canción es, precisamente, no detenerse en el límite de esa fórmula, y lanzarse en picado a una sección instrumental en la que los ritmos latinos de las congas de Rocky Dijon, acompañando a un largo e intenso solo de saxofón de Bobby Keys, le dan un aire de arrolladora jam experimental al más puro estilo Santana, en la que las guitarras de Richards y Taylor siguen descargando de fondo, con el órgano de Billy Preston sumándose generosamente a la fiesta. El colofón lo pone, como ya mencionábamos, el solo de guitarra de Mick Taylor, que quizá, y paradójicamente, duro poco en los Stones por interpretaciones tan brillantes como ésta, con las que llegó a hacer sombra al todopoderoso Richards, que seguramente no estaba dispuesto a que otro guitarrista llamara con más fuerza a la puerta.

​

#MesPearlJam - Vitalogy

 

Vitalogy, Pearl Jam

     Vtalogy, el tercer álbum de estudio de la banda estadounidense Pear Jam, se gestó mientras el grupo se encontraba de gira de apoyo de su disco Vs (1993). El disco fue grabado ente noviembre de 1993 y octubre de 1994 utilizando varios estudios; los Bad Animals de Seattle, los Southern Tracks de Atlanta, los Doppier también de Atlanta, y los Kingsway de New Orleans. La producción corrió a cargo de Brendan O'Brien y del propio grupo, y la compañía discográfica Epic Records se hizo cargo de su edición y distribución, siendo lanzado el 22 de noviembre de 1994. Estamos ante el trabajo más experimental hasta la fecha del grupo, que apuesta por un sonido más diverso, con potentes canciones de rock y baladas, introduciendo además otros elementos estilísticos, acercándose hacia un sonido más enfocado al punk rock y el hardcore y alejándose algo del sonido grunge de sus dos primeros trabajos.

Para tal aventura, la banda decide volver a trabajar con el productor Brendan O'Brien. Muchas de las canciones fueron escritas y grabadas durante la gira de su álbum Vs, en la cual estaban inmersos. El trabajo de grabación de Vitalogy no fue nada sencillo, pues las tensiones internas en el seno de la banda se habían acrecentado. La falta de comunicación y colaboración entre sus miembros y los problemas de salud y adicciones provocan que el peso de las decisiones finales del arduo proceso del disco recaigan en el vocalista principal de la banda, Eddie Vedder. De ahí que la mayoría de las canciones fueran escritas 20 minutos antes de ser grabadas.

Es la propia banda la que identifica Vitalogy como un álbum de punk rock, donde nos hablan en sus letras de las presiones de la fama, la pérdida de la privacidad debido a esta fama y todos los problemas y conflictos que genera esta situación. El título de la canción fue sacado de un libro médico de principios de siglo XX, titulado Viralogy, que Eddie Vedder encontró en una venta de garaje. A partir de ahí el grupo decide enfocar el embalaje del disco como si fuera un libro, el cual contenía notas obsoletas sobre bienestar y salud, así como otras que trataban sobre reflexiones sobre la vida y la muerte. Tras su lanzamiento, el disco debutó en el puesto número 55 de la lista estadounidense Billboard 200, convirtiéndose además en el segundo disco más vendido de la historia de la banda, únicamente por detrás de Vs.

El tema que se encarga de abrir este disco es Go, lanzada como primer sencillo del disco. Aunque figura acreditado a toda la banda, las letras fueron escritas por Eddie Vedder y la música principalmente por el baterista Dave Abbruzzese. Estamos ante un tema con una letra mucho más seria de lo que en principio nos pueda parecer. Animal, con letras escritas por Eddie Vedder y música por Stone Gossard, surgió como una demo instrumental escrita por el guitarrista Gossard. Había quien afirmaba que la canción trataba sobre el odio de la banda hacia los medios, y había quien pensaba que hablaba de una violación en grupo, cuando en realidad, según Gossard representaba todas las luchas por las que pasas tratando de hacer un disco. Not for You, canción escrita por Eddie Vedder y en la cual Mike McCready estrenó una guitarra Rickenbacker de 12 que le había regalado recientemente Tom Petty. Eddie escribió la canción basándose en la juventud, en la cual creía que había algo sagrado y de como estaba siendo vendida y explotada, y de como creía haberse convertido en parte de eso. Tremor Christ, una extraña canción con una melodía muy similar a las utilizadas por los Beatles,  grabada durante una noche en Nueva Orleans, Nothingman, escrita en una hora por Eddie Vedder, según él consiguió capturar el estado de animo que había allí en aquel momento. Según Vedder: "La idea es sobre si amas a alguien y ellos te aman, no te jodas ... porque te quedas con menos que nada". Whiping contiene referencias en su letra al asesinato del Dr. David Gunn, físico originario de Florida, especialista en ginecobstetricia y que estaba a favor del derecho al aborto. La letra de esta canción figura impresa en el arte del álbum como petición hecha a Bill Clinton contra lo que mencionaba como asesinatos de las organizaciones a favor del aborto. Pry, To, en la que podemos escuchar que la letra contiene dos frases que se repiten varias veces: "Privacy is priceless to me" y "Privacy", las cuales son tomadas como una retirada intencional del grupo de su estatus de superestrellas abogando por su privacidad, la cual había quedado denostada desde el éxito de su anterior álbum, Vs. Esta canción contiene un mensaje oculto cuando se toca la canción al revés, al hacerlo se puede escuchar la voz de Eddie Vedder diciendo: "Oh, Pete Townshend, how you saved my life!". 

Pasamos el ecuador del álbum con Corduroy, escrita por Eddie Vedder después de ver a la venta una chaqueta de pana por unos 650 dólares que se parecía mucho a la que había comprado algunos años antes en una tienda de segunda mano y que le había costado unos 12 dólares. Sobre Bugs,de la cual se cree que trata sobre los medios de comunicación, Vedder recordaba: "Antes de entrar al estudio, estaba caminando por una pequeña tienda de segunda mano y encontré un acordeón y toqué algo con él, y luego hablé un galimatías por encima. Recuerdo reirme y decir: Ese es el primer single". Satan's Bed nos habla acerca de resistir las tentaciones que ofrece la fama. En la letra Vedder ridiculiza a las modelos profesionales, poniéndolas como ejemplo del vacío de la gente cuando alcanza algún tipo de fama. Better Man es sin duda uno de los grandes temas de la banda, fue escrita por Vedder antes de unirse a Pearl Jam, cuando todavía era un adolescente, y llegó a interpretarla con su grupo anterior, Bad Radio. En ella,el cantante nos habla de una mujer que se conforma con el hombre que tiene porque no cree que pueda aspirar a algo mejor. Eddie Vedder tenía en mente a su padrastro cuando escribió esta canción. nos vamos acercando al final del disco y suena Aye Davanita, una canción prácticamente instrumental donde una serie de frases se repiten constantemente. el penúltimo tema que suena es Immortality, la gente pensaba que esta canción hablaba sobre la vida y la muerte de Kurt Cobain, sin embargo Eddie Vedder explicaría sobre este tema: "No, eso fue escrito cuando estábamos de gira en Atlanta. No se trata de Kurt. Nada en el álbum fue escrito directamente sobre Kurt, y no tengo ganas de hablar de él, porque podría ser visto como explotación. Pero creo que puede haber algunas cosas en la letra que podrías leer y tal vez respondan algunas preguntas o te ayuden a comprender la presiones sobre alguien que está en un tren paralelo". Este intenso álbum cierra con Hey Foxymophandlemama, That's Me, también conocida como Stupid Mod, la canción más larga del disco con sus más de siete minutos de duración y un ambiente muy perturbador. Definió muy bien la esencia de esta canción un crítico musical al afirmar que se trataba en esencia de feedbacks distorsionados, algo de batería y mezclas distorsionadas de pacientes reales de un hospital psiquiátrico. La canción fue grabada después de que el baterisdta Dave Abbruzzesse dejara la banda, siendo la primera vez que aparece Jack Irons a la batería de manera provisional en aquel momento.

0832 - The Rolling Stones - Wild Horses

0832 - The Rolling Stones - Wild Horses

Wild Horses es una canción escrita por la banda de rock británica The Rolling Stones. Fue lanzado por primera vez en el año 1970 por The Flying Burrito Brothers ya que The Rolling Stones no pensaron que valía la pena grabar la demostración por completo. Posteriormente, The Rolling Stones lo grabaron para su álbum Sticky Fingers de 1971 cuando sintieron que valía la pena reconsiderarlo. También fue lanzado el 12 de junio de 1971 como sencillo, con "Sway" como cara B.

En las notas del álbum recopilatorio Jump Back de The Rolling Stones de 1993, Mick Jagger afirma: "Recuerdo que originalmente nos sentamos a hacer esto con Gram Parsons, y creo que su versión salió un poco antes que la nuestra. Todos siempre dicen que esto fue escrito sobre Marianne, pero No creo que lo fuera; todo eso había terminado para entonces. Pero definitivamente estaba muy dentro de esta pieza emocionalmente". Richards dice: "Si hay una forma clásica en la que Mick y yo trabajamos juntos, esta es. Tenía el riff y la línea del coro, Mick se atascó en los versos. Al igual que "Satisfaction", "Wild Horses" era lo habitual. de no querer estar en el camino, estar a un millón de millas de donde quieres estar".

Originalmente grabada durante un período de tres días en Muscle Shoals Sound Studio en Alabama del 2 al 4 de diciembre de 1969 mientras Albert y David Maysles filmaban la película titulada Gimme Shelter, la canción no se lanzó hasta más de un año después debido a problemas legales. disputas con el sello anterior de la banda. Cuenta con el músico de sesión Jim Dickinson al piano, Keith Richards a la guitarra eléctrica y guitarra acústica de 12 cuerdas, y Mick Taylor a la guitarra acústica. Taylor utiliza la afinación Nashville, en la que las cuerdas EADG de la guitarra acústica se ensartan una octava más alta que en la afinación estándar. Ian Stewart estuvo presente en la sesión, pero se negó a interpretar la parte de piano en la pista debido a la prevalencia de los acordes menores, que no le gustaba tocar.

Daniel

Instagram Storyboy

0831. Brown Sugar - The Rolling Stones

 

Brown Sugar, The Rolling Stones

     A finales de 1969 Mick Jagger, Keith Richards, Mick Taylor, Charlie Watts y Bill Wayman comienzan a trabajar y a grabar de forma intermitente el que supondrá su noveno álbum de estudio. A principios de 1971 el grupo finaliza la grabación del material, publicando el resultado el 23 de abril de 1971. El resultado es Sticky Fingers, una auténtica joya donde la banda se sumerge en los sonidos clásicos como el rock & roll, country, blues ó rhythm & blues. A diferencia de sus anteriores trabajos el grupo se decanta por unas letras más oscuras donde se hacen eco de temas como la esclavitud, las drogas o el sexo interracial. Sticky Fingers es producido por James "Jimmy" Miller, productor habitual del grupo desde Beggars Banquet (1968) hasta Goats Head Soup (1973), y que ha trabajado durante su carrera con gente como Traffic, The Spencer Davis Group, Blind Faith o Motörhead entre otros. El álbum es editado bajo el propio sello discográfico del grupo, Rolling Stones Records, y que era un sello subsidiario de Atlantic Records. Para la grabación del disco, el grupo utilizó material que había grabado previamente en 1969 en los famosos Muscle Shoals Studios de Alabama (Estados Unidos), material que grabaron en la casa de campo de Jagger en 1970 y material grabado en los Olimpyc Studios de Londres, finalizando la grabación de todo el material a principios de 1971.

En cuanto a la portada del disco, fue concebida a partir de un diseño de del artista pop art Andy Warhol para la cuál posó uno de sus modelos habituales, Joe Dallesandro. La portada consistía en unos pantalones vaqueros con una cremallera de verdad que se abría. De la fotografía se encarga Billy Name y del diseño Craig Braun. Esta portada generó polémica y fue censurada en España pues por aquel entonces el país se encontraba bajo la dictadura y el régimen de Franco, siendo sustituida por una portada "Can of Fingers". Para que el disco se vendiera en nuestro país también tuvieron que sustituir el tema Sister Morphine que fue considerado inapropiado y ofensivo, fue sustituido por el tema Let it Rock, una versión en vivo del tema de Chuck Berry.

Incluido en este disco encontramos la canción Brown Sugar, compuesta por Jagger y Richards, que comparten la composición de todos los temas excepto dos. El tema fue escrito por Jagger mientras se encontraba en Australia para el rodaje de la película Ned Kelly. En cuanto a la letra es ambigua pues puede que nos esté hablando de las drogas, de una chica ó de ambas cosas. El título del tema, Brown Sugar (Azucar Morena) puede referirse a una muchacha de color o a la heroína. La letra puede parecer alegre, pues describe a un chico blanco rockero teniendo sexo con una chica negra, pero en realidad es una crítica sobre las esclavas africanas que eran vendidas en Nueva Orleans y luego violadas por sus amos. Según Bill Wyman, Jagger se inspiró para escribir la letra en la cantante de color Claudia Lennear, del grupo The Ikettes, el grupo de Ike Turner. La cantante estadounidense Marsha Hunt también se atribuyó que Jagger se inspirara en ella para componer el tema. Ambos se conocieron cuando ella se encontraba en Londres, trabajando para la producción musical Hair y mantuvieron en secreto una relación hasta que se destapó en 1972, y de la que nació la hija de ambos, Karis.

0830 - Paul McCartney - Another Day

0830 - Paul McCartney - Another Day

Paul McCartney grabó Another Day en la ciudad de Nueva York durante las sesiones del álbum Ram de 1971 suyo y de Linda. El sencillo fue un éxito internacional, alcanzando el número 2 en el Reino Unido y el número 5 en los Estados Unidos, y encabezando las listas de éxitos en Australia y Francia. Sin embargo, la canción fue descartada por muchos críticos musicales, quienes la encontraron intrascendente y reflejaba la perspectiva conservadora de Paul McCartney. Además de aparecer en varios álbumes recopilatorios de Paul McCartney, se incluyó como bonus track en las reediciones de Ram de 1993 y 2012. También se incluyó en The 7" Singles Box en 2022.

Another Day fue lanzado el 19 de febrero de 1971 en el Reino Unido, con "Oh Woman, Oh Why" como cara B. Fue el sencillo debut de Paul McCartney como solista. La canción alcanzó el puesto número 2 en el Reino Unido en marzo de 1971 y el número 5 en los Estados Unidos en abril. Fue número 1 en Australia, durante una semana, y en Francia.

Aunque Another Day y Oh Woman, Oh Why no se incluyeron originalmente en el álbum, algunos relanzamientos en CD de Ram tienen una o ambas canciones como bonus tracks. Another Day también ha aparecido en varios de los álbumes de grandes éxitos de Paul McCartney, incluido All the Best! También apareció en las compilaciones de Wings Wings Greatest y Wingspan: Hits and History, aunque la canción es anterior a la formación de la banda. El sencillo se relanzó como parte del Record Store Day de 2012. Se incluyó en las ediciones Special y Deluxe de la remasterización de Ram de 2012. La canción fue incluida en un EP (junto con "Oh Woman, Oh Why", "Junk" y "Valentine's Day") lanzado solo en México.

Paul McCartney ha tocado la canción en vivo varias veces, primero en su gira de 1993 y luego en su gira Out There de 2013.

Daniel 

Instagram storyboy 

829.- Paul McCartney - Too Many people

 La canción de apertura del álbum Ram de Paul y Linda McCartney de 1971 , 'Too Many People', fue un ataque sin ningún tipo de disimulo contra John Lennon y Yoko Ono. Durante muchos años, Paul McCartney se negó a admitir el alcance de las referencias hacia Lennon contenidas en Ram. Lennon respondería en su siguiente álbum con "How Do You Sleep", que también sería interpretado como un ataque directo a Paul.

El ambiente que rodeaba a Paul en esos días lo podemos definir en una palabra: Tormentoso. Se encontraba en medio de litigios judiciales derivados de la separación de los Beatles (el cadáver de la banda aun estaba tibio). El largo proceso legal desembocó en una guerra musical entre Macca y Lennon, y tratándose de una guerra de ‘hermanos’ fue inversamente proporcional al cariño profesado y sentimiento de unidad de antaño entre John y Paul. 

'Too Many People' es una canción, al estilo típico de McCartney, y es en realidad un tema bastante dulce y encantador, por lo que su doble sentido está bien escondido. McCartney no se atrevió a ser tan virulento como lo había sido Lennon. “El primer verso y el estribillo fueron prácticamente toda la ira que pude reunir”, dijo McCartney. “Y cuando hice la voz en la segunda línea, 'demasiados alcanzando un trozo de pastel', recuerdo cantarla como 'piss off cake', como puedes escuchar si pones atención. Nuevamente me estaba vengando de John, pero mi corazón no estaba realmente en eso, es cierto que sentí que John y Yoko les decían a todos qué teniamos que hacer. Y sentí que no necesitábamos que nos dijeran qué hacer. En todo momentos el exito de The Beatles se basaba que cada uno hacia las cosas por su cuenta, libertad y de repente fue "Deberías hacer esto" estaba enojado con eso”. “Es bastante leve; En realidad, no salí con ningún salvajismo”, agregó McCartney. “Es una canción bastante optimista. Realmente no suena tan vitriólico, y si no conocieras la historia, no creo que puedas adivinar la ira detrás de su escritura. Todo fue un poco extraño y un poco desagradable, y básicamente estaba diciendo, 'seamos sensatos'. Lo que realmente nos separó fueron las cosas de negocios, así que tratemos de ser pacíficos. Tal vez… demos una oportunidad a la paz”. En otras declaraciones confesó: "Él estaba predicando mucho y me tenía un poco harto. En una canción escribí: «Demasiada gente predicando». Creo que era la frase, quiero decir, era una puya contra John y Yoko. No había nada más en el disco sobre ellos. Oh, y también la frase «tomaste tu oportunidad y la partiste en dos». Fuera de estas peleas entre los Fab, «Too Many People» es una sibilina y notable canción rock, con notables cambios de acordes, y fantásticos ganchos a la guitarra eléctrica obra de McCartney.  El enloquecido solo de guitarra que finaliza la canción, cortesía del músico de estudio Hugh McCracken que sustituyó a Spinozza, se enlaza con un final country casi demencial en una de las pistas más arriesgadas que grabó nunca el bajista.

Pearl Jam - VS (Mes Pearl Jam)

Si la vaca (Atom Heart Mother) y el cerdo (Animals) son animales musicalmente famosos gracias as Pink Floyd, la oveja más icónica es la de la portada de VS (1993). La actitud marcadamente agresiva con la que intenta morder la valla que la mantiene encerrada, y el nombre elegido para el disco (VS es la abreviatura de "versus", que se traduciría como "contra", usado habitualmente entre los nombres de dos contrincantes en un enfrentamiento o disputa, cómo, por ejemplo, en David vs Goliath) son la mejor tarjeta de presentación de lo que ofrece al oyente el segundo álbum de la banda de Eddie Vedder y compañía.

Ante el desafío de enfrentarse a un segundo disco, tras el masivo éxito del primero ("Ten", 1991), se decidieron por un sonido más áspero y, en ocasiones, mucho más agresivo, y como si quisieran huir de la excesiva repercusión mediática de su antecesor, decidieron no rodar ningún video promocional de los singles de "VS", lo que no impidió que el disco ostentara el récord de vender casi un millón de copias en su primera semana a la venta, y se mantuviera en el primer puesto del Billboard 200 durante cinco semanas. Eran tiempos sin Youtube ni redes sociales, y sin videos que reproducir en la MTV, el éxito de VS se debió principalmente a las emisoras de radio y los pocos bares de copas que, ya entonces, se enfrentaban a la dictadura de la música house, disco y techno, agrupadas todas ellas bajo el término más coloquial de "música chunda chunda".

El mejor ejemplo que puedo poner, de este particular método de difusión, es el de un solitario bar de rock en Torrevieja, durante unas vacaciones de verano con mis amigos. Lo encontramos de casualidad la primera tarde, y acudimos a él día tras día, a tomar tranquilamente las primeras cervezas, antes de cambiar de tercio y dirigirnos a los abarrotados bares cercanos al paseo marítimo, a los que las chicas acudían embaucadas por los ritmos de la noche, "El tiburón", "La Macarena" o la que en ese momento sonara de Ricky Martin.  Por la compañía femenina se sacrificaban nuestros tímpanos, pero no sin antes haber pasado por ese otro bar, en el que sonaban cosas de AC/DC, Hendrix, The Troggs y algunas generosas raciones de lo que, por entonces, era lo más nuevo de Pearl Jam.

Allí, escuchamos por primera vez "Go", el primer single y la canción con la que comienza el disco, y otros lanzamientos posteriores como "Daughter",  el segundo single y uno de los grandes pelotazos del disco, que en aquel tiempo se convertiría en un auténtico himno de la banda. No faltaba tampoco "Animal", el tercer single, que tenía una agresividad y un ritmo que a nosotros nos llevaba de calle. En orden de lanzamiento, no debería dejar sin mencionar a "Dissident", el cuarto y último single que se lanzó de "VS", pero a decir verdad no recuerdo haberla escuchado en aquel bar, mientras que, por el contrario, la que no faltaba nunca, y la que a la larga se ha convertido también en uno de los estandartes de la banda de Seattle, era la espectacular "Rearviewmirror", que aún hoy me sigue poniendo los pelos de punta cada vez que la escucho, y no puedo evitar las ganas de ponerme a pegar saltos y, si no fuera porque los vecinos me mirarían raro, incluso me atrevería a morder alguna que otra valla, si hiciera falta. Lo cual demuestra que, al final, la oveja le ganó al tiburón la partida, porque ha permanecido en el tiempo con la misma actitud y fiereza con la que enseñaba amenazante los dientes en el mítico disco "VS" de Pearl Jam.

0828.- Uncle Albert / Admiral Halsey - Paul McCartney

"Uncle Albert/Admiral Halsey" fue publicada dentro del álbum "Ram" (1971) de Paul McCartney, y salió a la venta también como sencillo en Estados Unidos, convirtiéndose en el primer sencillo en solitario de McCartney en alcanzar el primer puesto del Billboard Hot 100 estadounidense. Acreditada a Paul y Linda McCartney (que aparece además en los coros), es un claro ejemplo del tipo de canciones que McCartney empezó a hacer en el último tramo de su carrera con The Beatles, jugando con diferentes ritmos y mezclando partes de posibles canciones, como tan magistralmente había hecho en el disco "Abbey Road".

En "Uncle Albert/Admiral Halsey" abundan los efectos de sonido para lograr el efecto paródico y casi cinematográfico que tiene la canción (lluvia, truenos, viento, gaviotas, y hasta un teléfono sonando a la espera de que alguien responda a la llamada), pero lo más impactante son los cambios de ritmo y de melodía, que hacen pensar que, como el propio título indica, estemos ante la fusión de dos canciones bien diferenciadas. La primera estaría inspirada en el tío de McCartney, al que éste recordaba con cariño y añoranza, mientras que el "Admiral Halsey" de la segunda parte estaba inspirado en un almirante estadounidense (William F. Halsey).

Para lograr el efecto nostálgico y clásico que buscaba para la canción, McCartney llamó a su amigo y productor de siempre George Martin, que realizó los arreglos de las partes orquestales, a cargo de la Orquesta Filarmónica de Nueva York, por los que "Uncle Albert/Admiral Halsey" ganó el Grammy al mejor arreglo instrumental con acompañamiento vocal en 1971.

Figuras de los 80: Half Man Half Biscuit

“Esto era Birkenhead en los años 80”, dice Nigel Blackwell (izquierda), la fuerza impulsora detrás de la banda. “No había trabajo y no tenía nada que hacer. Podría haberme convertido en un idiota, una opción popular aquí en ese momento, o divertirme de alguna otra manera. La banda y las canciones que componían nuestro primer disco eran, supongo, de otra manera”.

La banda irrumpió en una escena indie a finales de 1985 con Back In The DHSS, un lanzamiento que no solo se convirtió en el álbum independiente más vendido de 1986, sino también en uno de los mejores álbumes independientes de esa década, la clave fue su sonido único, destartalado, subproducido y con un estilo lírico caprichoso, ingenioso y salvaje. Y a pesar de este éxito la realidad es que fue un álbum que no debería haberse hecho. HMHB son casi tan famosos por su enfoque lánguido para hacer música como por la música en sí.  “Para empezar, no teníamos intención de hacer una prueba, pero conocía a alguien en Vulcan Studios en Liverpool que estaba buscando un conejillo de indias para probar el lugar antes de que se contrataran a las 'bandas adecuadas'. Ahorramos dinero para darnos el capricho, entramos allí e hicimos una prueba con la mayoría de las canciones que se convertirían en el álbum”. Demo en mano, Nigel y el resto de la banda pensaron que sería divertido pregonarlo entre algunos de los sellos discográficos locales. “No pensamos que saldría nada de eso porque las canciones sonaban bastante ásperas y no se parecían a nada más que se estaba grabando en ese momento, muchas de las discograficas quedaron un poco desconcertadas, pero a algunas les gustó. Skysaw en Wallasey dijo que les encantaría lanzarlo, pero aseguraba que era un riesgo financiero o algo así. “Fuimos a ver a Alan Erasmus en Factory, quien prometió escucharlo, lo cual fue amable de su parte porque solo éramos unos chicos que habían aparecido con una demostración. Años después nos enteramos de que Tony Wilson quería ficharnos. Pensó que seríamos una buena banda para tener en el sello, como un antídoto contra la imagen maravillosa, aunque grisácea, de sus otros grupos. Pero cuando se decidieron, ya era demasiado tarde”. La pérdida de Factory resulto el éxito para Probe. En ese momento, la tienda de discos Probe en Liverpool era la meca para cualquier persona apasionada por la música alternativa, su sello discográfico, Probe Plus, operaba desde una habitación encima de la tienda “Estábamos listos para conectarlo todo en ese momento. Si el propietario, Geoff Davis, hubiera dicho que no, probablemente lo habríamos dejado. Pero no lo hizo. Al día siguiente se puso en contacto y dijo que quería hacerlo”. 

Escribe lo que sabes es una de las máximas de la vida, y es algo que Nigel se tomó muy en serio, el mundo de Back In The DHSS es visto a través de los ojos de una persona aburrida, cuyo cerebro ha sido deformado por la exposición excesiva a la televisión basura. Es un mundo en el que el jugador de bolos de Middlesex Fred Titmus sorprende a la gente en el parque local, donde la última moda de baile es la adopción de la postura ridícula del árbitro de billar Len Ganley y del tren de Trumpton, con su conductor drogado. “Traté de escribir letras sobre las relaciones y el amor, pero terminaron sonando como un montón de tonterías. Mis días en ese entonces, como muchos muchachos de mi edad, los pasaba frente a un montón de televisión de mierda, viendo fútbol y fumando, así que eso es sobre lo que escribí”. En lugar de otra canción con emociones sobre el amor no correspondido o la rabia contra la injusticia política (después de todo, esto era en los años 80), lo que encontraban fue a alguien despotricando sobre cómo el 99 por ciento de las estereotipos se parecen al hombre heterosexual de Benny Hill, Bob Todd. Las letras ingeniosas de Nigel y sus agudas observaciones también fueron inquietantemente proféticas, burlarse irónicamente de una cultura de celebridades, Back In The DHSS ahora parece casi visionario. Musicalmente la energía y la baja fidelidad que impregna todo el álbum es parte de su encanto y canciones como Fuckin' 'Ell, It's Fred Titmus y Venus In Flares siguen siendo irresistiblemente pegadizas. “Cuando escuchas el primer álbum hoy y lo comparas con otras bandas a mediados de los 80, suena realmente subproducido. Pero creo que eso fue parte de por qué a la gente le gusta”.

Después de su lanzamiento, y su ascenso en las listas independiente fue conscuencia entre otras cosas por la defensa por parte de John Peel (a menudo se refería a la banda como un tesoro nacional), esto ayudó a convertir lo que podría haber sido un lanzamiento discreto en algo que tuvo un impacto transformador en la banda. “El éxito fue un shock. Pasé de dar vueltas por la casa, ver la tele y jugar con la música a tener que hacer conciertos de repente. Así que fue un caso de 'joder, tenemos que empezar a ser una banda de verdad'. “No es que realmente lo hayamos logrado. Ni siquiera creo que luciéramos como una banda adecuada. Solíamos aparecer en los conciertos y los promotores asumían que éramos los roadies. Nuestro bajista incluso conducía la furgoneta”. Otro problema que creó el álbum (y que ha perseguido a la banda desde entonces) es la forma en que comenzaron a encasillarse como un grupo de comedia o novedad. “Al principio no me molestó porque éramos algo nuevos en todo esto, pero con el paso del tiempo comenzó a irritarme. No puedo decirte cuántas veces a lo largo de los años me han preguntado si escribí esa canción John Kettley Is A Weatherman, incluso ahora, los folletos de nuestros conciertos de vez en cuando dicen cosas como; 'ven a ver esta banda loca', es obvio que no tienen idea de quiénes somos realmente, de hecho, es algo sobre lo que bromeamos”.

Inevitablemente, el éxito del álbum creo una ansiedad por querer más, durante un tiempo, la banda obedeció y siguió con el maravilloso EP Trumpton Riots, que entregó otra porción de magia HMHB, pero aunque se pensaba que estaban a punto de abrirse paso, Nigel eligió ese punto para tomarse un largo descanso. “Algunas personas en la prensa pensaron que nos habíamos separado, pero no fue así. Fue más bien un año sabático. Back In The DHSS cambió mi vida por completo hasta el punto en que ya no disfrutaba estar en una banda. Odiaba hacer concierto tras concierto y todo se estaba convirtiendo en una tarea.  Además, el primer álbum tardó cinco años en hacerse, no sucedió de la noche a la mañana. En la música, la gente espera que saques un segundo álbum de inmediato, fácilmente podría haber hecho doce canciones, pero ¿cuál es el punto si no son canciones que consideras buenas? Finalmente regresaron con McIntyre, Treadmore & Davitt de 1991 y han seguido lanzando álbumes esporádicamente desde entonces. Pero para muchos fanáticos es el álbum debut el que ocupa un lugar especial en sus corazones. Curiosamente, sin embargo, no es un sentimiento compartido por Nigel. “Las canciones son buenas, pero no es como si las mirara con un cariño antinatural. Tocamos I Hate Nerys Hughes hace un tiempo y realmente lo pasamos genial, así que obviamente todavía son agradables de tocar pero, en realidad, no soy nada sentimental con ellos. Eran lo que sentí en ese momento, pero he escrito otras cosas desde entonces. Es un buen álbum, la gente lo disfrutó, y todavía lo hace, y eso es lo suficientemente bueno para mí”.

El disco de la semana 322: Devorador de corazones - La Portuaria

El disco de la semana 322: Devorador de corazones - La Portuaria

Amigos del rock, como cada vienes ponemos a vuestra disposición una recomendación de un disco, en este caso les traemos una banda Argentina, que salto a la fama en la década de los noventa. Estamos hablado de la banda La Portuaria, que es una banda con un sonido fusión, que incorporó ritmos hispanos sobre una base fuertemente influenciada por el jazz y el R&B. Un sonido alternativo que la banda supo muy bien explotar, y toda esa fuerza queda reflajada en su tercer álbum Devorador de corazones. 

Este álbum Devorador de corazones es el tercer álbum de estudio de la banda argentina La Portuaria, que editado en 1993. El álbum obtuvo un éxito mucho más masivo que su álbum anterior. La influencia del hot jazz y de la música de fusión latina es más perceptible, gracias al impulso dado por la canción "Selva" su corte de difusión del álbum, que obtuvo un Disco de Oro pocos meses después de su lanzamiento.

La banda antes de lanzar Devorador de corazones había lanzado Rosas Rojas de 1989 y Escenas de la vida amorosa, en 1993 y como contamos llegaría el gran suceso para La Portuaria con el lanzamiento del álbum Devorador de Corazones. Su corte de difusión “Selva” fue, el mayor hit de la banda. Y dentro de la movida conocida como World Beat, la banda de Diego Frenkel, líder de la banda desarrollaba una fusión entre lo latino con el jazz, dando una interesante mezcla. Además de “Selva” también se desprenden otros buenos temas como “Nada es Igual”, la hermosa "En la punta de un cabo", una interesante versión de "Zamba de mi esperanza" o “Devorador de Corazones”. Sin tanta repercusión “Nena de la Lluvia” es otra interesante composición. El álbum aborda diferentes estilos, desde el jazz con “Jam sesión”, el ska con “Portuaria Mix” o el pop “En la punta de un cabo”. Esa combinación de estilos caracterizó a esta buena banda que se mantendría en la escena del rock argentino durante gran parte de la década de los noventa.

Una banda por descubrir que esperamos que te guste.

Daniel 

Instagram storyboy 

0827-. The Back Seat of My Car - Paul & Linda McCartney

 

The Back Seat of My Car, 
Paul & Linda McCartney

     Ram es el primero y único álbum acreditado a Paul y Linda McCartney, publicado en 1971 por el sello Apple Records. El disco fue grabado entre le 16 de octubre de 1970 y el 1 de marzo de 1971 en los Columbia Studios de Nueva York y los Sound Recording Studios de Los Ángeles, fue producido por Paul y Linda y publicado el 17 de mayo de 1971. El personal que colaboró en la grabación del disco además de la paraja, fueron los quitarristas David Spinozza y Hugh McCracken y el baterista Denny Seiwell. El lanzamiento de Ram coincidió con el periodo de tensión que había entre Paul y sus antiguos compañeros de banda en The Beatles, existiendo de por medio un arduo proceso legal para la disolución de los Beatles. El disco en un principio obtuvo una crítica desfavorable por una gran parte de la crítica especializada, sin embargo llegó a alcanzar unas cifras muy buenas tanto en el Reino Unido como fuera de dicho país, y con el tiempo ha sido calificado como uno de los mejores álbumes en solitario de Paul, aunque fuera grabado junto a su por entonces esposa, y también ha sido reconocido como uno de los primeros discos de la historia del llamado género indie pop.

Incluido en este disco se encuentra The Back Seat of my Car, escrita por Paul McCarteny, canción que se encarga de cerrar el disco. La canción llegó a ser lanzada después como sencillo, llegando a alcanzar el puesto número 39 en las listas de ventas del Reino Unido. Estamos ante una optimista balada que mezcla partes de piano y orquesta con secciones de rock. Paul comenzó a escribir este tema, cuando todavía era miembro de The Beatles, en un intento de componer la clásica canción de amor estadounidense bajo la temática de conducir con la chica que amas. Más concretamente, la canción fue un proyecto que quedó inacabado durante unas vaciones que Paul estaba dissfrutando junto por entonces su novia Maggie McGivern en Cerdeña en 1968. Según el propio Paul, esta canción se inspiró en los largos viajes por carretera que él y Linda solían hacer cuando The Beatles se estaban separando. La mayor parte de la canción es una balada a piano, pero alterna de forma magistral secciones orquestales y otras secciones de rock inspiradas en el rock and roll de los años 50, del cual Paul era una gran seguidor.

0826 - The Doors - Love her madly

0826 - The Doors - Love her madly

Love Her Madly es una canción de la banda de rock estadounidense The Doors. Fue lanzado en marzo de 1971 y fue el primer sencillo de L.A. Woman, su último álbum con el cantante Jim Morrison. Love Her Madly se convirtió en uno de los mayores éxitos de los Doors;  alcanzó el puesto número once en la lista de sencillos Billboard Hot 100 y alcanzó su mejor posición, y en el número tres en Canadá.

La canción fue escrita por el guitarrista de la banda, Robby Krieger, que escribió Love Her Madly durante el período del donde Jim Morrison afrontaba un juicio en septiembre de 1970. Compuso la música mientras experimentaba con una guitarra de doce cuerdas, y se inspiró para escribir la letra de sus problemas y peleas con su entonces novia y luego esposa Lynn. Ray Manzarek ha dicho que el título de la canción fue tomado de la línea de Duke Ellington We love you madly, un eslogan que pronunció a la audiencia al final de sus conciertos.

Según el productor de The Doors, Paul A. Rothchild, Love Her Madly fue la canción que instigó su salida del L.A. original. Sesiones de mujeres, con Rothchild descartando la canción como "música de cóctel". Por el contrario, Krieger ha afirmado que "Riders on the Storm" era la canción a la que se refería Rothchild. Tras la salida de Rothchild del proyecto, los Doors optaron por autoproducir el álbum, en asociación con el ingeniero Bruce Botnick.

El lado B del sencillo, "You Need Meat (Don't Go No Further)", es la única grabación de estudio lanzada por los Doors durante el mandato de Jim Morrison con el grupo que presenta la voz principal del teclista Ray Manzarek. También es uno de los tres lados B de los Doors que no pertenecen al álbum, los otros dos son "¿Quién te asustó?" (cara B de "Wishful Sinful") y la relativamente rara pista posterior a Morrison "Treetrunk" (cara B de "Get Up and Dance"). "(You Need Meat) Don't Go No Further" tuvo su primer lanzamiento oficial de álbum en la compilación Weird Scenes Inside the Gold Mine, y posteriormente se incluyó en la caja de Perception de 2006 y como bonus track en la reedición de 2007 de L.A. Mujer.

Daniel 

Instagram storyboy 

0825-. Riders on the Storm - The Doors

 

Riders on the Strom, The Doos

     El 19 de abril de 1971 la banda estadounidense The Doors publica su sexto álbum de estudio, LA Woman. El disco es grabado entre diciembre de 1970 y enero de 1971 en Los Ángeles, California (Estados Unidos), bajo la producción del mismo grupo y del ingeniero de audio y productor estadounidense Bruce Botnick. Elektra Records sería el sello discográfico encargado de la publicación y distribución de este álbum.

El grupo había alcanzado el éxito comercial la alabanza de la crítica en 1969, pero durante gran parte de ese año fueron incluidos en la lista negra de las listas de reproducción de radio, y sus reservas de conciertos habían disminuido debido a que su cantante, Jim Morrison, había sido acusado de blasfemias y exposición indecente en un concierto en Miami, Florida. En septiembre de 1970 Morrison fue condenado por dicho incidente, y poco después del veredicto el grupo ingresó en los estudios Susnset Sound Recorders de Los Ángeles para la grabación de lo que daría lugar a su siguiente álbum, LA Woman. Incluido en éste álbum se encuentra Riders on the Storm, canción de la que se cree fue el detonante para la salida del productor Paul A. Rotchild y la llegada de Bruce Botnick, algo que fue corroborado en su momento por el componente del grupo Robby Krieger y que fue desmentido por el propio productor. 

Esta fue la última canción que grabó Jim Morrison, pues luego se marchó a Francia, donde falleció unas semanas después. La canción fue lanzada como sencillo en junio de 1971, poco antes de la muerte del cantante. La canción es interpretada a menudo como un relato autobiográfico de la vida de Morrison. El se consideraba a sí mismo como un Rider on the Storm (Jinete en la tormenta). La alusión al "Asesino en el camino" es una referencia a un guión que escribió llamado The Hitchhiker (An American Pastoral), donde Morrison iba a interpretar el papel de un autoestopista que emprende una ola de asesinatos. La letra se puede intepretar como la representación del miedo recurrente de Morrison, que en un viaje en coche con sus padres, atravesando el desierto, vió un coche tirado en la cuneta tras un accidente. Personificó el impacto de aquella escena en la figura del asesino, que en esta ocasión hacía autostop en la carretera.

Al parecer el tema  evolucionó a partir de una jam session cuando la banda estaba tocando "Ghost Riders in the Sky", una canción sobre vaqueros de Stan Jones de 1948, que luego sería grabada por infinidad de artistas. El grupo trajo a los bajistas Marc Benno y Jerry Scheff para tocar en el álbum. Fue a Scheff a quien se le ocurrió la línea distintiva de la canción después de que Manzarek le tocara lo que tenía en mente en su teclado.

Pearl Jam - Ten (Mes Pearl Jam)

 

Ten fue el primer LP oficial de Pearl Jam lanzado el 27 de agosto de 1991. Actualmente, el álbum se ha convertido en el más vendido de Pearl Jam y está en muchas listas de los mejores álbumes de todos los tiempos. Originalmente, Pearl Jam se llamó Mookie Blaylock en honor al famoso jugador de baloncesto, pero decidió cambiar el nombre de su banda y llamar a su primer álbum Ten en referencia al número de camiseta de Mookie Blaylock. El lanzamiento de Diezayudó a Pearl Jam a convertirse en una banda clave en la Explosión Grunge de Seattle junto con Nirvana, Alice In Chains y Soundgarden. Aunque parte de Grunge Explosion, el álbum debut de Pearl Jam es más rock alternativo que grunge.

 

 

Ten comienza tranquilo con "Once", se inicia con un ritmo ambiental lento acompañado de un ligero tamborileo, leves ruidos del murmullo de Vedder y pequeños ritmos a un lado que pronto desaparece con el sonido de la guitarra y la intensidad de la bateria. El bajo está justo en la mezcla y los instrumentos son bastante limpios, el solo de guitarra tiene una entrada y una salida muy interesante. Me gusta la voz de Vedder aunque tiene un sonido irregular, pero es extremadamente poderosa mientras grita quejumbrosamente durante los versos. La canción alcanza el clímax dos veces debido al solo del interludio, así como cerca del final debido a que Vedder repite el título de la canción. "Once" tiene algunas buenas cualidades de rock alternativo, pero es especialmente bueno como canción de apertura. Continua con “Even Flow" que se ha convertido en un clásico de los fans, y sin duda, merece serlo. Abre de inmediato con un gran ritmo de guitarra de rock alternativo seguido de algunos ritmos constantes combinados con un ambiente funky. No es demasiado agresiva y tiene una atmósfera más tranquila que "Once" influenciada por la voz más relajada de Vedder. Un buen sencillo de Rock Alternativo pero quizás demasiado prolongado. "Alive" hubiera sido mejor apertura que "Once", la voz de Eddie suena increíble en esta pista, las partes de guitarra son bastante limpias y el comienzo del solo es impresionante se está trabajando mucho mas la ejecución de cada parte, incluso la batería (el punto débil del álbum) se presenta en la canción con más claridad. Alive cuenta una historia de incesto en parte autobiográfica y en parte de ficción, así como la madre de Vedder que le revela cuando era un adolescente que quien él pensaba que era su padre era en realidad su padrastro y que su verdadero padre biológico estaba muerto, esto se descubre en las letras. “Why Go” comienza con algunos tambores pesados ​​y un bajoque rápidamente se convierte en un ritmo de rock funky de guitarra distorsionada seguido de la voz pesada e insegura de Vedder. Los versos son ligeros, principalmente con la voz de Vedder dirigiendo la canción hasta el curso donde el ritmo funky regresa con la guitarra. "Black" tiene una entrada suave, con unas letras muy potentes, en realidad, se pone muy poco esfuerzo a lo largo de la mayor parte de la canción, un poco de percusión ligera y un trabajo básico de guitarra constituyen la mayor parte de la canción. Aún así, sigue siendo una de las favoritas de los fans, probablemente porque la canción contiene un clímax perfecto al final con el delicado piano que se desvanece junto con la distorsión de guitarra de fondo, así como el débil "do do do do doo doooo" de Vedder . "Jeremy" puede ser fácilmente la canción más famosa de Pearl Jam y no es del todo por la canción. La mayoría de nosotros conocemos el video y si no, estoy seguro de que puedes encontrar a alguien que lo haga, "Jeremy" diré que es una canción sobrevalorada, pero eso se debe principalmente al video. Una canción bastante suave con una guitarra firme y una percusión suave y consistente combinada con una pandereta tenue. La canción está prácticamente dirigida en su totalidad por Vedder contando la triste historia de Jeremy y tiene un final excelente a medida que la guitarra se intensifica con un ritmo de percusión más rápido combinado con los gemidos que se desvanecen de Vedder.

"Oceans" es una joya porque es una melodía corta perfecta con instrumentación pesada. Comenzando con una breve guitarra suave, la canción continúa con una acumulación constante de bombos y apacibles gemidos de canciones de cuna, hay una parte que también contiene un ambiente tribal que refleja los misterios de la naturaleza. "Porch" nos traslada desde los apacibles "Océanos" hasta todo lo contrario, el infierno, tiene una letra contundente para comenzar y rápidamente se convierte en un torbellino de un ritmo con la letra escupida de Vedder en el primer verso. Justo en el medio, la canción se ralentiza hasta convertirse en un maravilloso solo de guitarra llevado a un ritmo lento. Sin embargo, lo que se ralentiza, una vez más se acelera, como si el comienzo volviera a convertirse en un torbellino con los gritos de Vedder para ayudarlo. "Garden" tiene un buen ritmo lento con Vedder hablando en suaves murmullos, suave y apacible, hasta que el curso se desarrolla con el estruendo de la guitarra eléctrica y la pesada batería de fondo, también tiene un clímax intenso al final con un buen solo. El problema es que tiene todas las características correctas, pero le falta algo, se parece demasiado a las otras pistas sin nada único que lo respalde. "Deep" es una guitarra eléctrica lúgubre con ritmos pesados ​​y una guitarra líder muy fuerte. La voz de Vedder también es increíblemente quejumbrosa y poderosa, lo que ayuda con el estado de ánimo de la canción, pero creo que carece de sustancia como pasa con "Garden", son un relleno. La última canción del álbum es "Release" una gran canción que se tambalea en la marca de los nueve minutos. Comienza con algunos breves gemidos de fondo de Vedder con una guitarra lenta y relajante y los ritmos más constantes, la canción, se recupera muy lentamente con una guitarra más fuerte y una batería más aparente. Llega al clímax con Vedder susurrando aullidos en un ritmo y ritmo que se desvanece. La canción comienza de nuevo, pero completamente diferente. Ahora la canción tiene ritmos ambientales y sonidos que son copias directas del comienzo de "Once". El ruido ambiental pronto se mezcla con los bombos de "Oceans" hasta que la canción se desvanece por última vez a los nueve minutos.

 

Ten es un álbum justo, ni un exito considerable ni un doloroso error garrafal. A medida que Pearl Jam exploraba nuevos terrenos, su material se volvió mucho más interesante, más variado y original y menos cargado de instrumentación excesiva y meticulosamente producida. El tercer y posiblemente mejor esfuerzo de estudio de Pearl Jam, Vitalogy , marcaría el final de su incursión en la escena 'grunge' de principios de los 90 y el comienzo de una banda que finalmente logró el sonido que siempre debería haber tenido. Y aunque muchos tienen sentimientos considerablemente más sentimentales hacia el debut de Pearl Jam, no es un álbum que deba ser proclamado como la obra maestra que los fanáticos incondicionales de la banda afirman que es. Sin embargo, el debut de Pearl Jam es una escucha agradable y es imprescindible para cualquier joven rebelde.

0824.- L.A. Woman - The Doors

"L.A. Woman" da título al último disco de The Doors con Jim Morrison, publicado en 1971, y es una de los himnos imperecederos que nos dejó la banda angelina. Grabada en el local de ensayo de The Doors en Santa Mónica Boulevard (Los Ángeles), es un tema largo (casi 8 minutos) y con cambios de ritmo y progresiones de acordes bastante complejos, lo que hizo que el grupo solo la interpretara completa en una ocasión en Dallas, en el que a la postre sería su penúltimo concierto.

Con la excusa o hilo conductual de la vida de una mujer de Los Ángeles, la letra (inspirada en el libro "La ciudad de la noche" de John Rechyes) es en realidad una descripción de la sórdida vida en la gran urbe estadounidense, que más allá de la percepción de ser un lugar lleno de "chicas en bungalows de Hollywood" o "afortunadas señoritas en la ciudad de la luz", es un reducto de "ángeles perdidos", en el que se puede "Conducir por sus suburbios, dentro de su tristeza" o por "Callejones de medianoche" por los que "vagan Policías en coches" y están llenos de "bares de topless". Morrison se enmascara a sí mismo como el trovador de la historia, refiriéndose a un tal "Mr. Mojo Risin", en realidad un anagrama de "Jim Morrison".

Como ocurriera también con "Hyacinth house" y otras canciones del disco "L.A Woman", Morrison grabó la parte vocal en el baño del estudio, debido a la reverberación de aquella habitación, y aunque la mayor exigencia vocal de "L.A Woman" pone mucho más de manifiesto el deterioro que el constante abuso del alcohol y el tabaco estaban produciendo en sus cuerdas vocales, la canción se beneficia de la voz rasposa y desgarrada del cantante, que transmite a la perfección la tristeza y la soledad de una anónima mujer de Los Angeles, ocultas tras el brillo de las luces de los bares, en los sucios callejones de la noche, magistralmente descritas por Morrison cuando canta a voz en grito: "Nunca vi a una mujer tan sola"

0823.- Hyacinth House - The Doors

"Hyacinth House" está incluida en el álbum L.A. Woman (1971), el último disco de The Doors con Jim Morrison, que fue el responsable de las letras, mientras que la música corrió a cargo de Ray Manzarek, que tomo prestadas partes de la "Polonesa en la bemol mayor, Op. 53" de Frédéric Chopin para el solo de órgano. El título hace referencia a la mitología griega, en concreto al personaje de "Hyacinth" ("Jacinto"), una bella amante del dios Apolo, que según el mito, la mató accidentalmente durante un concurso de lanzamiento de disco. Tras su muerte, y a partir de su sangre, Apolo creó la planta del jacinto.

Existen particularidades que hacen de esta canción una "rara avis" dentro de aquel disco. Mientras que el resto de temas de L.A. Woman fueron grabados en 8 pistas, "Hyacinth House" fue registrada en una grabadora de cinta de solo 4 pistas, y la voz de Morrison se grabó en el cuarto de baño del estudio, para lograr la acústica deseada. Irónicamente, la letra de la canción menciona precisamente un cuarto de baño ("Veo que el baño está libre, como si alguien estuviera cerca, estoy seguro de que alguien me sigue"), pero tiene una profundidad lírica que va mucho más allá de lo que pudiera parecer en una primera escucha, y es en realidad una continuación del lúgubre y fatalista mensaje de "The End", la mítica canción de su álbum de debut ("The Doors, 1967"), en la que Morrison hacía referencia a un premonitorio final, que acabaría encontrando en la bañera de un hotel de París.

Desde esa perspectiva, el mensaje de un hombre en el baño, intuyendo una extraña presencia, adquiere una profundidad inquietante y premonitoria. La conexión con "The End" es aún más evidente al seguir escuchando: "¿Por que tiraste la Sota de Corazones? Era la única carta de la baraja que me quedaba por jugar... Y lo diré otra vez, necesito un nuevo amigo: El final". Sin duda, "Hyacinth House" es una de las canciones más extrañas y tristes compuestas por Morrison, pero también una de las más profundas e intensas.