#Mes Lenny Kravitz: Lenny en la FNAC de Callao

Comienza el #Mes Lenny Kravitz, y para presentarlo he pensado que no hay nada mejor que recordar una vieja anécdota con él mismo:

Durante la gira de promoción del disco "5" (1998), Lenny Kravitz llegó a Madrid para un concierto al que estuve pensando en ir, pero para el que finalmente no compré entradas (puede que el precio o la designación de Rosario como telonera fueran razones de peso para justificar mi ausencia). Pero el destino quiso que, pese a esa discutible decisión, si que viera finalmente a Lenny Kravitz, más cerca de lo que lo hubiera hecho durante su concierto.

Por aquel entonces, yo trabajaba en la Gran Vía madrileña, y entre el almuerzo y la vuelta al trabajo aprovechaba para dejarme caer por la FNAC de Callao, siempre a la caza de buenos discos y novedades. Y allí estaba yo, absorto en una de tantas búsquedas en la sección de cd's, cuando un hombre afroamericano y su hija se pusieron a buscar a mi lado. Giré la cabeza un segundo para mirarles, y volví a mi entretenimiento favorito mientras me decía a mi mismo: "Vaya, como se parece este tío a Lenny Kravitz".

Dediqué una segunda mirada furtiva al individuo que buscaba cd's a mi derecha, y lo que me dije a mi mismo en esa ocasión fue mucho más rotundo: "¡¡¡Pero que demonios, es Lenny Kravitz!!!". En ese momento, me giré hacia atrás y vi a varias personas, incluido un par de agentes de seguridad de la FNAC, que observaban desde una prudente distancia al astro musical, acompañado de su hija Zoe (que por entonces era solo una niña), y de un tipo con traje (yo), que a buen seguro no encajaba del todo en aquella estampa.

"¡Esta es la mía!", me dije. En aquella época ya había móviles, pero no hablamos ni mucho menos de los smartphones actuales, que han hecho que un "selfie" sustituya a un autógrafo, así que me puse a buscar, rápidamente, algo en lo que el autor de "Fly Away" (su single de éxito del momento) pudiera dejar su rúbrica. Con los nervios a flor de piel, solo encontré una tarjeta de visita de un responsable del área de calidad de mi empresa, con el que había tenido una reunión poco antes de salir a comer, así que la giré para que la firmara en el reverso y me armé de valor:

- "Hola, puedes darme tu autógrafo"? dije, en lo que para mí era un perfecto inglés, y casi perfecto debió ser, porque Lenny me entendió al instante.

- "Por supuesto", contestó educadamente, y claramente habituado a ese tipo de peticiones, mientras con un gesto de la mano me pidió la tarjeta y el bolígrafo que yo ya tenía preparados. Se los di con mi mano temblorosa, y Lenny los tomó con una mano, mientras en la otra llevaba varios cd's que, al parecer, iba a comprarse.

Hasta aquí todo bien, el plan funcionaba a la perfección. Pero entonces me soltó una frase, no muy larga, pero lo suficientemente rápido para que las barreras lingüísticas existentes entre los dos se dispararan al instante, como los mecanismos de cierre automático de las puertas de los coches.

-"¿Perdona, qué...?" le dije sin acabar la frase. No había entendido nada de lo que me había dicho.

El repitió la frase de nuevo, y yo entendí exactamente lo mismo que la vez anterior. Nada. Por fin, el empezó a hacer gestos con las manos, y de pronto comprendí, por suerte para mi gran objetivo, que ¡¡¡Me estaba pidiendo que le quitara la tapa al bolígrafo!!!

Se la quité rápidamente, y Lenny apoyó entonces la tarjeta encima de los cd's, sujetándola con el pulgar para poder firmar con el bolígrafo. Completada por fin la tarea, me devolvió amablemente la tarjeta y el bolígrafo, y me preguntó dónde estaba la sección de hip hop, y pese a haberle entendido esa vez a la perfección, volví a fastidiarla porque, la verdad, no es un  estilo al que yo tenga demasiado afecto. Suelo moverme como pez en el agua en la sección de rock, e incluso en otras secciones como las de blues, jazz y funk, pero en lo concerniente al rap y el hip hop, me tengo puesta a mi mismo una estricta orden de alejamiento.

Le dije que no lo sabía, y entonces Lenny me miró asombrado:

-"¿Pero... no trabajas aquí?", me preguntó extrañado.

-"Ahhh, no", contesté yo, más extrañado aún por la pregunta.

-"OK, gracias", contestó mientras hacia un gesto a su hija, para marcharse a continuación en busca de la maldita sección de hip hop.

Y ahí acabó todo, por mi aversión a un género musical en concreto me perdí la posibilidad de haber sido el guía de Lenny Kravitz por la FNAC de Callao, realizando mi tarea favorita en compañía de uno de mis ídolos. Mientras ambos se alejaban comprendí el motivo de aquel singular equívoco. La tranquilidad con la que me acerqué a mirar discos junto a él, sin enterarme de lo que ocurría a mi alrededor, y el traje y la corbata con el que iba a trabajar cada día a la oficina, fueron los salvoconductos que me llevaron en presencia del astro estadounidense. Mi desconocimiento del hip hop me retiró los permisos y me sacó de la escena. En la foto podéis ver la tarjeta con su firma, que guardé en el cd "5" que había comprado apenas un mes antes, como recuerdo de aquel mágico momento.

Y así fue como llegue a tener a Lenny Kravitz frente a frente, en una conversación tan breve como surrealista, pero una conversación, al fin y al cabo. Un suceso extraño, pero no tanto como que, en aquel concierto, tuviera de telonera a Rosario. Ambas cosas raras ocurrieron realmente, y por si acaso, desde entonces he perfeccionado mi inglés, y tengo controladas las secciones de hip hop de todas las FNAC cercanas. Nunca se sabe, y hay que estar siempre preparado. Entretanto ¡Que comience el #Mes Lenny Kravitz!

0640.- Space Oddity - David Bowie

Space Oddity sería la obra cumbre de cualquier artista, pero si ese artista es David Bowie, entonces tenemos que cubrirnos con el plural y decir de manera más ambigua que es "una de sus obras cumbre". Editada dentro del álbum del mismo título, y lanzada además como sencillo en 1969, desde entonces hasta ahora puedo decir que hay tres momentos que para mí la convierten en (de nuevo soy ambiguo) una de las canciones más grandes, no ya de la historia, que también, sino de mi particular "universo" musical.

El primer momento es la llegada del hombre a La Luna, aunque en aquel 1969 yo aún no había nacido, pero viendo años después reportajes sobre el alunizaje del Apolo 11, que a su vez tomaban imágenes de la cobertura del evento por la BBC, me impresionó que una canción de un artista por entonces aún semidesconocido (hablamos de su segundo álbum, mucho antes de la irrupción de Ziggy) hubiera sido elegida para un acontecimiento tan relevante. Pero claro, no solo es que fuera muy buena, sino que además narraba la odisea de un astronauta (el Mayor Tom) que queda flotando en el espacio, desconectado de toda comunicación con la sala de control de La Tierra.

El segundo momento llegó en 2011, cuando un par de amigos y yo decidimos juntarnos de vez en cuando a ensayar canciones, creando un grupo al que llamamos los "Telelovers", y a uno de aquellos ensayos llevé como sugerencia Space Oddity. La magia de esta canción nos llevó a tocarla una y otra vez hasta que sonara decente, y a grabarla con el móvil para que aquel momento nunca se perdiera. Aún conservo el mp3 que demuestra que una vez canté las desdichadas aventuras del Mayor Tom, pidiendo que alguien dijera a su mujer que la quería, antes de cortar definitivamente la conexión.

El tercer momento fue, quizá, el más inesperado de los tres. Ocurrió mientras veía la película "The Secret Life of Walter Mitty" de Ben Stiller. El film ya me estaba pareciendo una obra maestra, que recomiendo a todo aquel que no lo haya visto, pero cuando empezaron a sonar las notas de Space Oddity solo puede sonreír ante el momento en el que lo sobresaliente se había convertido en matrícula de honor. La sorpresa fue aún más grande cuando comprobé que, además, se trataba de una versión a duo entre el propio David Bowie y la actriz Kristen Wiig.

Hay muchos más momentos, yo solo he escogido los míos, y os animo a que penséis en los vuestros, y recordéis las situaciones y los lugares en los que esta mágica canción os tocó en lo más hondo. Si pudiéramos juntarlos todos, las combinaciones serían infinitas, como lo es el espacio en el que el Mayor Tom se perdió sin remedio. Nunca una llamada desesperada de auxilio fue tan bella y tan intensa, y por eso esta canción es la obra cumbre (entre las muchas otras cumbres) de la carrera de David Bowie.

0639.- Cotton fields - Creedence Clearwater Revival

La canción fue grabada por primera vez por Lead Belly (Leadbelly), un músico negro genial de la primera mitad del siglo pasado y hace referencia a la vida esclavista, o apenas post-esclavista, de los negros en los campos de algodón (cotton fields). Todo ocurre en esas viejas plantaciones, atrás de su casa, que debió haber sido construida allí para hacer más permanente el trabajo. Ese es su mundo: un mundo restringido en el que su madre lo mecía en la cuna en esos campos de algodón, que eran su vida y su muerte... el mundo en el que su aprendizaje está limitado a saber que "no se puede recoger mucho algodón cuando las vainas están podridas" y saber que no puede distraerse, que tiene que trabajar todo el tiempo, porque si no las vainas se pudren. Es un mundo en el que un negro no puede ganar mucho dinero, un mundo en el que no tiene sentido alejarse (a Arkansas) si todo gira alrededor de esos campos inmensos y ajenos...

Texarkana es una ciudad (antes un paraje) en el límite entre Texas y Arkansas, que toma su nombre de la mezcla de TEXas, ARKansas y LouisiANA, lo cual la sitúa (o la situaba) precisamente en el centro de la actividad algodonera. En realidad esta ciudad queda a alrededor de 30 millas de la frontera de la Louisiana actual, por lo que la ubicación que propone Lead Belly (en Louisiana, a 1 milla de Texarkana) sería imposible en la geografía política moderna. Pero es precisamente ese párrafo el que sitúa la historia entre la época de la esclavitud y el período post-esclavista. Es presumible que el autor de la canción naciese hacia el año 1830, en el que el estado de Louisiana abarcaba un territorio más amplio (antes de la admisión de Arkansas como estado de la Unión, en 1836) y luego explica que los campos estaban (o están) como a 1 milla de "Texarkana", ciudad fundada en 1873, en la unión de los estados de Texas y Arkansas. El autor vivió toda la Guerra de Secesión y ya como hombre libre ha pensado en ganar algo de dinero, lo cual no ha podido hacer. Es un hombre de unos 45 ó 50 años, probablemente nacido esclavo, ahora libre, que vuelve una y otra vez al lugar de su nacimiento. En las estrofas de Lead Belly él pretende huir de ese mundo yendo a Arkansas, pero la gente le dice ¿qué estás haciendo aquí, si tú no eres de aquí...? Su vida está integrada a los campos de algodón de su infancia (frase que repite una y otra vez); ese es su lugar, el lugar donde su madre lo mecía en la cuna...

Las muchas versiones de la canción (como por ejemplo, la más conocida de Creedence) y el ámbito en el cual se realizaron, hacen que su significado haya cambiado con el tiempo y tenga ahora un carácter más simbólico. Así, los "campos de algodón" de Creedence parecen ser una analogía de la vida misma, con la añoranza de la cuna materna, la nostalgia por el lugar de origen y una visión en la que no se puede tomar de la vida cuando ella no nos da los frutos que esperamos (en relación a las vainas podridas). Es de notar que en estas versiones se quitan algunos versos, quizás por considerarlos no referenciales. Contrariamente a lo que nos dice el sonido alegre del blues de Creedence, Cottonfields es una canción que denota la tristeza de una visión limitada de la vida, tal vez con la esperanza (cristalizada ya entre los afrodescendientes americanos) de un futuro con más expectativas.

Mago de Oz - Finisterra #Píldora 5

 

Finisterra sin duda es el disco donde Mägo de Oz alcanzó su plenitud como banda dentro del escenario español inicio su recorrido por Latinoamerica y llamo la atención de nuevos oyentes, además de empezar a dar qué hablar en los medios musicales. El disco se acompañaba de una mini novela escrita por Txus que nos llevaba a 2199, un futuro post apocalíptico en el que una guerra nuclear había devastado todo, el oxígeno era un bien racionado y había surgido una dictadura gobernada por políticos y militares. En este disco percibimos a un Mago de Oz más compacto, con un estilo claramente asimilado por todos y cada uno de los miembros del grupo, la riqueza musical se ve potenciada notablemente por Kiskilla en los teclados y Fernando Ponce en los instrumentos de viento. Fiesta Pagana se lleva los focos en este disco, una obra alucinante, energética, divertida y muy emocional, con ese dueto de tin whistle y violín que da inicio a la canción y ese mitico coro que todos hemos gritado alguna vez. "Los renglones torcidos de dios” es sublime, con una excelente letra, una gran combinación de guitarras machaconas, una bateria que da el tempo perfecto y por encima de todo el sonido folk de violin que es la cereza en el pastel.

Magistral en el aspecto musical y muy bien en las letras, cosa difícil de lograr en un disco conceptual además de las mencionadas hay qyue destacar “El que quiera entender que entienda”, “Hasta que el cuerpo aguante” o “La danza del fuego”.

Finisterra, te entrega tranquilidad y la agresividad, con altos y bajos muy bien logrados, su duración tal vez es un poco cuestionable, pero sin duda cada parte está en su lugar, finalizando el disco doble de los madrileños de la mejor manera.

0638.- Fortunate Son - Creedence Clearwater Revival

Fortunate Son ("Hijo afortunado"), del disco Willy and the Poor Boys (1969) de la Creedence Clearwater Revival, fue número 14 de ventas en Estados Unidos cuando fue publicada como sencillo, junto con el tema Down on the Corner,​ llegando en poco tiempo a convertirse en disco de oro, y en una de las canciones más representativas del movimiento pacifista que creció en Estados Unidos en respuesta a la guerra de Vietnam, con una curiosa temática amorosa que se inspiró en la relación entre el nieto de Eisenhower y la hija del por entonces presidente Nixon.

Según declaraciones a Rolling Stone de su autor John Fogerty, aquella pareja de "hijos afortunados" podían vivir su amor ajenos a la guerra en la que el país estaba envuelto, porque nunca la vivirían directamente ni serían llamados a filas, mientras que el personaje de la canción es un hombre al que van a reclutar para la guerra de Vietnam, y como no es hijo de un senador, millonario o militar (no es un "hijo afortunado") no le queda otra que marcharse a luchar.

Un mensaje antibelicista tan claro hizo que la canción fuera muy popular durante la guerra, y esa popularidad se ha mantenido hasta nuestros días, siempre asociada a aquel momento histórico a través de las películas, documentales y videojuegos sobre la guerra en los que ha sido incluida, de modo que, casi con toda probabilidad, y si leyendo esto consideras que no la conoces, en cuanto la escuches te darás cuenta de que las has oído cientos de veces, y de que por poder escuchar tranquilamente a la Creedance sin no haber tenido que vivir una guerra, somos todos hijos afortunados.

El disco de la semana 295: The Life Aquatic Studio Sessions - Seu Jorge

The Life Aquatic Studio Sessions (2004) es un disco del músico brasileño Seu Jorge, al que seguramente no habría conocido de no haberme topado con la irreverente película The Life Aquatic de Wes Anderson, protagonizada por Bill Murray, y con un elenco de actores que incluía, entre otros, a Owen Wilson, Cate Blanchett, Anjelica Huston, Willem Dafoe, Jeff Goldblum y... el propio Seu Jorge en un papel secundario pero muy relevante para la banda sonora del film, que incluyó cinco de las canciones de este The Life Aquatic Studio Sessions.

La película fue un fracaso de taquilla, pero acabó siendo una obra de culto, por su irónica y divertida descripción de la lealtad y de la búsqueda de un propósito en la vida, a través de la particular odisea de Steve Zissou (Bill Murray), que decide vengarse de una extraña criatura marina a la que bautiza como "Tiburón Jaguar", que devoró a su compañero Esteban Du Plantier durante el rodaje de su último documental. El film está plagado de momentos brillantes y cargados de trasfondo en sus mensajes, como en la escena en la que, en el estreno del citado documental, un niño le entrega a Zissou una bolsa llena de agua con un caballito de mar dentro, pero la bolsa empieza a perder agua, y Zissou hace una salida triunfal del teatro, haciendo caso omiso de los flashes de los fotógrafos y de la gente que le aclama o le critica a uno y otro lado, mientras avanza con gesto elegante, sosteniendo una copa llena de agua con el caballito de mar a salvo en su interior.

En el capítulo de momentos curiosos del film, hay que destacar también las escenas en las que, durante el viaje en busca del extraño tiburón, el marinero Pelé dos Santos (Seu Jorge), se retira de cuando en cuando con su guitarra a algún rincón del barco, para cantar tranquilo a la luz de la luna, o bajo el sol y la calma de la suave brisa del mar, versiones desnudas de algunos de los mejores temas de David Bowie, cantadas en portugués, y con el único acompañamiento de su guitarra acústica.

Trece son las canciones de Bowie que encontramos en este genial y curioso disco de culto, completado con Team Zissou, la canción que cierra el disco y la única canción original de Seu Jorge, escrita expresamente para el film. En ellas, sorprende que, manteniendo las melodías de las canciones originales, la traducción al portugués de las letras de Bowie no es, ni mucho menos, exacta, tomándose el músico brasileño la libertad de irse alejando o acercando a las letras originales a su antojo, creando con ello momentos de sorpresa en la escucha, lo que añadido al ligero toque a música brasileña que le imprime a los temas, dota a las míticas canciones de Bowie un nuevo y curioso pelaje, a la vez que mantiene las señas de identidad y la esencia de las piezas originales. 

El disco comienza con tres de las cinco canciones que fueron incluidas en la banda sonora oficial, firmada por Mark Mothersbaugh (Devo), y completada con canciones de rock de las décadas de 1960 y 1980, varias piezas instrumentales compuestas por Sven Libaek para la serie de televisión documental submarina Inner Space, y los temas de Seu Jorge. Hablamos de Rebel Rebel, Life on Mars y el "Astronauta de Mármore" (Starman), esta última basada en la adaptación que de la letra de Bowie hizo el grupo brasileño Nenhum de Nós en su versión del tema en 1986. La sencillez y el cuidado con los que Seu Jorge trata e interpreta estos y otros grandes éxitos del Duque Blanco son sin duda el mayor encanto de este disco, aunque la fórmula no encaje igual de bien en todas las versiones. Ziggy Stardust funciona y agrada también al mismo nivel, pero Lady Stardust, Changes y Oh! You Pretty Things empastan menos y por tanto no son tan llamativas como las anteriores.

En Rock N' Roll Suicide, la cuarta de las canciones incluidas en la banda sonora, vuelve la magia que rebosa el concepto de este disco, pero después llega un Suffragette City que pierde toda la fuerza del original en su versión acústico-brasileira. Five Years, la quinta y última elegida para la banda sonora, vuelve a ponernos en postura de reverencia ante la propuesta del músico de Río de Janeiro, y en el tramo final del disco hay espacio para curiosidades como la versión lenta y acústica de un tema tan enérgico como Queen Bitch, canciones más antiguas de Bowie como When I Live My Dream, y una agradable versión de Quicksand a la que le sienta bien el tempo del disco, más cercano al de la canción original que en otras canciones. El disco cierra con Team Zissou, el único tema original de Seu Jorge, pero en la versión para iTunes se ofrecía como bonus track la versión de Space Oddity, convirtiendo a la "Rareza Espacial" de Bowie en la rareza extra de un disco que, ya de por sí, estaba destinado a convertirse, como la película que le daba sentido, en una auténtica obra de culto.

Nada mejor que el propio Bowie para ponerle cierre a la reseña de este disco, cuando dijo que: "Si Seu Jorge no hubiera grabado mis canciones en acústico y en portugués, nunca habría escuchado este nuevo nivel de belleza que les ha dado a las canciones". Yo iría incluso más allá y diría que tanto el disco como la película han sido para mí piezas clave con las que restarle drama al guion y a la banda sonora de la vida misma, y por eso las canciones y las escenas de The Life Aquatic están siempre disponibles en un rincón cercano de mi memoria o de mi móvil, para poder volver a ellas siempre que necesite de la calma que da trasladarse mentalmente a la proa de un barco, para escuchar a Seu Jorge cantando el Astronauta de Mármore o Space Oddity, o para tener siempre presente que, cuando las dificultades se agolpen a ambos lados del camino, no hay que desfallecer y hay que asegurarse de llevar siempre contigo lo que de verdad importa, sosteniendo con mano firme la copa para que nuestro particular caballito de mar siga flotando seguro en su interior.

0637.- Midnight Special - Creedence Clearwater Revival

 

Midnight Special, Creedence Clearwater Revival

     En 1969 la banda estadounidense Creedence Clearwater Revival publica Willy And The Poor Boys (1969), considerado por muchos como el mejor disco de la historia de la banda, y razón no les falta, pues podría serlo perfectamente por temas como Down On the Corner, Fortunate Son, la versión de Cotton Fields de Lead Belly o la gran Midnight Special.

Willy the Poor Boys, el cuarto disco de estudio de la banda, es grabado durante el año 1969 en los estudios Wally Heider de San Francisco bajo la producción de John Fogerty, el compositor principal de la banda, y publicado el 1 de noviembre de 1969 bajo el sello discográfico Fantasy. El disco llegó a tener excelentes ventas, además de Estados Unidos, en países como Canadá, Francia, Finlandia, Países Bajos, Noruega y Reino Unido. La revista Rolling Stone, en su edición del año 2020, colocó este magnífico álbum en el puesto número 193 de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

Incluido en este disco se encuentra Midnight Special, una canción folclórica tradicional que se originó entre los prisioneros del sur de Estado Unidos. La canción hacía referencia al tren de pasajeros Midnight Special y su "luz siempre amorosa". La letra de la canción fue grabada por primera vez en forma impresa en 1905 por el sociólogo e investigador del folclore afroamericano Howard Odum. La versión en la que se basó John Fogerty para los arreglos fue la de Lead Belly, una de sus grandes influencias. La canción ha sido grabada por infinidad de artistas ademas de Lead Belly y la Creedence Clearwater Revival, entre los que se encuentran Big Bill Broozy, Sonny Terry & Brownie McGhee, Odetta, Les paul, Peter Seeger, Peter Paul & Mary, Big Joe Turner, Mungo Jerry, Van Morrison, Little Richard, Otis Rush, The Spencer Davis Group, Lonnie Donegan, Eric Clapton y The Louvin Brothers entre otros muchos.

Grandes éxitos y tropiezos Soda Stereo

Éxitos y tropiezos Soda Stereo  

Todos sabemos del éxito de Soda Stereo y para quienes no lo han vivido. Soda Stereo fue una banda argentina de rock alternativo formada en Buenos Aires en 1982 por Gustavo Cerati su líder y guitarrista, Zeta Bosio en bajos y Charly Alberti en batería.

Es considerada por la crítica especializada como la banda de rock más importante, popular e influyente en español de todos los tiempos y una leyenda de la música latinoamericana.

Y esto lo demuestra sus logros, fueron el primer grupo de habla hispana en conseguir un éxito masivo en Latinoamérica y tuvieron un papel muy importante en el desarrollo y la difusión del rock latinoamericano y el rock en español durante las décadas de 1980 y 1990. Durante su carrera, fueron vanguardistas y marcaron tendencia en Latinoamérica, en la que protagonizaron diversos géneros como la música divertida de sus inicios, la new wave, el dark wave, el hard rock, el rock alternativo y el rock electrónico de sus finales.

Dentro de sus éxitos más sonados, esta su segundo álbum de estudio Nada Personal, que contiene una de las 500 mejores canciones del rock iberoamericano por la crítica Al Borde en 2006, que premió la canción Cuando pase el temblor con el puesto 84°, como así también esta dentro de las 100 mejores canciones del rock argentino por Rock.com.ar en 2007 premió la canción con el 74°. 

El video de Cuando pase el temblor fue nominado finalista del 12.º "World Festival of Video and TV" en Acapulco.

Otro gran éxito es su tercer álbum de estudio Signos, que es considerado por la mayoría de los críticos como el segundo mejor álbum de la banda, después de Canción animal, de 1990. En este álbum se destacan canciones como: Signos, Prófugos, El rito y Persiana americana.

Ya establecidos como un grupo de alcance internacional, la Gira Signos que promocionó el disco visitó Argentina, Paraguay, Bolivia, Ecuador, Colombia, Costa Rica, México, Venezuela, Chile y Perú.

Signos es destacado en la historia de la industria discográfica argentina: en 1987 se convirtió en el primer álbum de un artista argentino en ser lanzado en formato de CD. 

Canción animal es el quinto álbum de estudio, y es considerado como el mejor álbum de la banda en toda su carrera, y dejó una huella no solo en el rock argentino sino en todo el continente. Es considerado como uno de los discos más importantes y emblemáticos en la historia del rock en español, apareciendo entre los primeros puestos en múltiples listados de los mejores álbumes del rock en español de todos los tiempos.

El álbum posee un sonido roquero, más duro y sanguíneo que el de los anteriores de la banda, e instrumentalmente cuenta con gran protagonismo de la guitarra eléctrica en riffs y solos. Para hacer Canción animal, la banda se inspiró fundamentalmente en el sonido de las bandas de rock argentinas de los años setenta que habían escuchado durante su adolescencia, como Pescado Rabioso, Vox Dei, Color Humano y Aquelarre. Este cambio de sonido en Soda Stereo pronto influiría en la evolución que tomaría el rock en todo el continente.

Pero todos estos éxitos y muchos más que cosechó Soda Stereo, no evitaron que la banda se separace. 

Todos nos pregúntanos ¿Por qué se separó una de las bandas más importantes del rock en español?

Todavía retumba en los fanáticos de Soda Stereo, las palabras de Gustavo Cerati “¡Gracias… totales!”, que estuvieron acompañadas de un riff de guitarra. Ese momento quedó inmortalizado en el álbum en vivo ‘Último concierto’. Con el paso de los años, sigue la pregunta: ¿por qué se separó la banda más grande de Latinoamérica? 

Muchas cosas se especularon en su momento, se pensó en la agonía que provocó el álbum ‘Dynamo’ y su gira para promocionar la producción de 1993. La relación entre Gustavo, Zeta y Charly era inestable, se señaló que, tras una gira en Chile, Paraguay, Venezuela y México, Gustavo Cerati abandonó la agrupación y se fue con su pareja, Cecilia Amenábar, a disfrutar la espera de su hijo, por lo que dejó inconclusos conciertos en Estados Unidos y España

La decisión de abandonar la gira aumentó los problemas entre los integrantes de la agrupación, y a partir de ahí salieron a la luz varios reclamos como que Gustavo ganaba más dinero. Más tarde Gustavo respondería. 

“Zeta decía que el grupo debía firmar todas las canciones. Eso me parecía válido, siempre y cuando el esfuerzo fuera compartido, pero cuando soy yo el que está haciendo prácticamente todo, no me parece justo”, expresó Gustavo Cerati a la revista Rolling Stone. 

Así llegó a su fin el ‘sueño’ de Soda Stereo, tras diversos reclamos y declaraciones de los integrantes, Soda Stereo se tomó una pausa durante año y medio. Sin embargo, una tragedia familiar los volvería a reunir, y es que el 4 de julio de 1994, Tobías, el hijo de tres años de Zeta, fue hospitalizado de emergencia. Charly y Gustavo acudieron a apoyar al bajista. 

A los pocos meses, se reunieron en una sala del estudio Supersónico para hablar si todavía podía continuar tocando juntos. Sin embargo, los primeros ensayos fueron catastróficos y tras varios días de intentarlo, lograron mantener una buena comunicación.

De acuerdo con Rolling Stone, en ese momento, cada integrante tenía sus proyectos personales. Gustavo Cerati ya había grabado ‘Amor Amarillo’ tras volverse un fiel seguidor de los ritmos electrónicos del acid house y ambient. Zeta era productor de grupos como Peligrosos Gorriones y Aguirre, mientras que Charly empezaba en los negocios.

Después de su exitoso ‘Sueño Stereo’ y la gira mundial que incluyó su presentación ‘Unplugged’, los integrantes siguieron con sus proyectos personales. Cerati volvió con la banda tras el lanzamiento de ‘Confort y música para volar’, pero nuevamente la banda emprendió una gira llena de altibajos y problemas. 

“En las últimas etapas llegamos a ni hablarnos. Lo hacíamos sólo por medio de personas y para juntarnos a tocar”, recordó Zeta en una entrevista. 

A finales de 1996, Gustavo se reunió con Charly y Zeta para decirles que no estaba seguro del futuro de la banda y les pidió que descansaran por unos meses para ver cómo iban las cosas. Quedaron de verse en febrero para analizar la situación, pero Gustavo Cerati no apareció. 

En marzo, Zeta se enteraría de la disolución de Soda Stereo mediante una declaración a un periódico de Gustavo Cerati. El anuncio oficial de la banda se dio el primero de mayo de 1997. 

La etapa de Soda Stereo concluiría el 20 de septiembre de 1997 en el Estadio River. 

Daniel 

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Hay mucho rock'n roll - Platero Y Tú #MesPlateroyTú

 

Hay mucho rock'n roll, Platero Y Tú

     El 27 de octubre de 2001 Platero y Tú cerraban en la sala La Riviera de Madrid la gira '01, sería la última de la banda. Al año siguiente Fito ofrecía un entrevista ante la prensa donde confirmaba que abandonaba Platero y Tú. A raíz de ahí se disolvía oficialmente la banda. A partir de ese momento Fito continúa grabando con su grupo Fito y Fitipaldis, Uoho pasa a formar parte como miembro permanente de Extremoduro, alternandolo con su faceta como productor para muchos otros artistas, y Mongol y Maguila forman La Gripe. Como despedida, Platero y Tú nos iban a regalar un primer volumen recopilatorio, Hay mucho Rock'n roll, editado en 2002, al que le seguiría un segundo volumen en 2005, con el que se daban por finalizadas las andanzas de uno de los mejores grupos de rock que ha dado el país.

Hay mucho Rock'n roll es una serie de recopilaciones de Platero y Tú, donde buena parte de los temas que la componen están regrabados total o parcialmente y remasterizados. Está formado por dos volúmenes, el primero editado en 2002, el cual además incluía un DVD con los nueve videoclips grabados por el grupo. En 2005 se editaría un segundo volumen, con otro DVD que incluía la grabación del directo ofrecido por la banda en 1997 en la mítica sala Canciller de Madrid. A la vez que este segundo volumen se publicaron dos ediciones alternativas, una de ellas en caja de coleccionistas que contenía ambos volúmenes, y otra resumiendo los temas más conocidos de ambos discos en uno sólo.

Ambos volúmenes contaron con la producción de iñaki Antón "Uoho", que además de ser un gran guitarrista es también un excelente productor, y fueron publicados por el sello discográfico DRO. La mayoría de los temas fueron mejorados a base de pequeños retoques, y el resultado es que hay temas que suenan mucho mejor que las grabaciones originales, como es el caso de Mari Magdalenas o Tras la Barra por ejemplo. Únicamente tres canciones de ambos volúmenes no fueron retocadas, Por Mí, Cigarrito y Somos los Platero, pero fueron remasterizadas. y voy a acabar borracho y Ramón se volvieron a grabar por completo.

Hay mucho Rock'n roll suponía el broche de oro, la despedida perfecta para un grupo que dejaba un importante vacío dentro del panorama rockero nacional. Es cierto que estos dos volúmenes no ofrecían nada nuevo, eran básicamente sus temas de siempre, sus grandes éxitos donde no faltaba ninguno, pero mejorados y con una producción sobresaliente. Un regalo a la altura para todos aquellos fans que habíamos crecido con Platero y Tu. Una despedida a lo grande para un grupo que bien lo merecía. 

VOLÚMEN 1(2002)

1. Voy a acabar borracho
   
2. Bobo
3. Esa chica tan cara
4. Mari Magdalenas
5. El roce de tu cuerpo
6. Tras la barra
7. Por mí
8. Esta noche yo haría
9. Me dan miedo las noches
10. Ramón
11. Rompe los cristales
12. Somos los Platero
13. Hay poco Rock'n Roll
14. Sin solución
15. Cantalojas
16. Si tú te vas
17. Cigarrito

DVD (videoclips)

1. No me quieres saludar
2. Si tú te vas
3. Rompe los cristales
4. Esta noche yo haría 
5. Hay poco Rock'n Roll
6. Juliette
7. Alucinante
8. Al cantar
9. Naufragio

VOLUMEN 2 (2005)

1. Tiemblan los corazones
   
   
   
2. Ya no existe la vida
3. ¿Cómo has perdido tú?
4. Un abecedario sin letras
5. Alucinante
6. Si la tocas otra vez
7. Bebiendo del mismo vaso
8. ¿No hierve tu sangre?
9. Juliette
10. La noche
11. Mire hacia mí
12. Entre dos mares
13. La maté porque era mía 
14. Al Cantar
15. Contaminamos
16. No me quieres saludar
17. Maldita mujer
18. Imanol

DVD (Directo sala Canciller, Madrid, 1997)

1. Somos los Platero
2. No hierve tu sangre
3. La maté porque era mia
4. Mendrugos 
5. Alucinante
6. Desertor
7. Voy a acabar borracho
8. Tras la barra
9. Rock'n'Roll
10. Al cantar

0636 - Down on the Corner - Creedence Clearwater Revival

0636 - Down on the Corner - Creedence Clearwater Revival

Down on the Corner es una canción de la banda estadounidense Creedence Clearwater Revival.

La canción narra la historia de la banda ficticia Willy and the Poor Boys, y cómo tocan en las esquinas de las calles para animar a la gente y pedir cinco centavos.

La canción hace referencia a una armónica, una tabla de lavar, un mirlitón, una guitarra Kalamazoo y un bajo de tripa. En una aparición en 1969 en el programa de televisión The Music Scene, la banda interpretó la canción disfrazada de "Willy and the Poor Boys". Stu Cook tocó un bajo, Doug Clifford la tabla de lavar y Tom Fogerty el Kalamazoo, que imitaba la apariencia de la banda tal como aparecen en la portada del álbum.

Billboard describió el sencillo con "un ritmo contagioso de calipso"

Esta canción apareció en su cuarto álbum de estudio, Willy and the Poor Boys (1969). La canción alcanzó el puesto número 3 en el Billboard Hot 100 el 20 de diciembre de 1969. La otra cara, "Fortunate Son", alcanzó el número 14 en las listas de Estados Unidos el 22 de noviembre de 1969, una semana antes de que Billboard cambiara su metodología en doble. golpes laterales

Daniel 

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0635.- Ramble On - Led Zeppelin

 

Ramble On, Led Zeppelin II

      Led Zeppelin II, el disco que consagrará definitivamente a Led Zeppelin, fue grabado en diversas localidades del Reino Unido y de Estados Unidos entre enero y agosto de 1969. El disco fue producido enteramente por Jimmy Page y fue publicado el 22 de octubre de 1969 por el sello discográfico Atlantic Records. Fue el primer álbum de la banda en utilizar las técnicas del ingeniero de sonido y productor Eddie Kramer que en este disco trabajó como ingeniero de sonido y mezclador.

En este segundo álbum se produce una notable mejoría en la producción, se mejoran y perfeccionan los temas acústicos, se siguen utilizando sonidos blues y folk, y el sonido de la guitarra suena mucho más grave, lo que convertirá a este disco en uno de los más pesados de la banda. El disco alcanza un más que notable éxito, alcanzando el puesto número 1 en las listas de ventas de Reino Unido y Estados Unidos, y consiguiendo desbancar de esa posición nada menos que al Abbey Road de The Beatles, el cual llevaba acomodado en esa posición nada menos que once semanas.

El álbum fue concebido durante un periodo muy agitado de la banda, pues durante ese año realizaron cuatro giras por Europa y tres por el continente americano. Esto hizo que cada canción fuera grabada, mezclada y producida en un sitio diferente. Robert Plant afirmaba al respecto que esa etapa fue una locura: "Estábamos escrbiendo los temas en las habitaciones del hotel, y luego debíamos ir a Londres a grabar la parte rítmica, añadir la voz en Nueva York, grabar la armónica en Vancouver y luego, para finalizar la mezcla, volver a Nueva York". Las sesiones de grabación se repartieron entre los estudios Olympic y Morgan de Londres, Inglaterra, los estudios A&M, Quantum, Sunset y Mystic de Los Ángeles, California, los Ardent Studios en Memphis, Tennessee, los estudios A&R Juggy Sound, Groove y Mayfair de Nueva York y en un estudio de Vancouver. 

Incluido en este disco se encuentra Ramble On, acreditada a Page y Plant, las letras fueron escritas por este último, quien se inspiró en la obra de J. R. R. Tolkien, autor de El Señor de los Anillos. Las referencias son al personaje de este libro Frodo Bolsom, cuando va a las profundidades más oscuras de Mordor y se encuentra con Gollum. Robert Plant admitiría más tarde que en cierto modo se entia un poco avrgonzado por las referencias a Tolkien en este tema, ya que no tenía mucho sentido encontrarse una bella doncella en Mordor y Gollum no querría tener nada que ver con ella, pues su única preocupación era el precioso anillo.

0634 - Thank You - Led Zeppelin

0634 - Thank You - Led Zeppelin 

Thank You es el cuarto tema del disco Led Zeppelin II del grupo Led Zeppelin, escrito por Robert Plant y Jimmy Page y editado en el año 1969.

Es una balada lenta que marcó una implicación más profunda de Robert Plant en la composición de canciones, siendo ésta la primera canción cuya letra fue escrita íntegramente por él, si bien las primeras líneas guardan cierta semejanza con "If 6 was 9", de Jimi Hendrix. Robert Robert Plant se la dedicó a su esposa.

Destaca la delicadeza del órgano tocado por John Paul Jones.

 Thank You fue una canción especialmente popular en conciertos en vivo, y tuvo cierto espacio al trabajo de Jones en teclado. Un ejemplo de ello se hace presente en las Led Zeppelin BBC Sessions, que captura una versión tocada en el Paris Theatre, en Londres en 1971.

 En 1992, Robert Plant cantó una parte de Thank You antes de combinarla con Crazy Little Thing Called Love de Queen, en el Concierto en Tributo a Freddie Mercury.

Jimmy Page y Robert Plant revivieron la canción en 1994 en su gira No Quarted Unledded. En ella interpretaron versiones más suaves de sus shows de 1995 a 1998.

Tori Amos ha interpretado, cantado y grabado, esta canción al piano. Y también el grupo inglés Duran Duran también realizó una versión de este tema.

Daniel 

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0633.- What Is And What Should Never Be - Led Zeppelin

Lanzado en octubre de 1969, Led Zeppelin II encabezó la lista de álbumes a ambos lados del Atlántico, en ambos casos reemplazando el álbum The Beatles Abbey Road, recibió numerosos premios y reconocimientos, incluido uno por la portada diseñada por David Juniper. Inicialmente era una fotografía de la división Jasta 11 de la Fuerza Aérea Alemana que estaba dirigida por el Barón Rojo. Sin embargo, Juniper superpuso la cara de los miembros de la banda, el gerente Peter Grant y el gerente de gira Richard Cole en los cuerpos. ¡También puso el rostro de la actriz Glynis Johns como una obra de teatro sobre el nombre del ingeniero Glyn Johns!

What Is and What Should Never Be es el tema que sigue a continuación después del trallazo de apertura Whole Lotta Love, escrita por Plant, es una canción muy dinámica que alterna versos silenciosos con un coro muy explosivo mientras Plant canta sobre llevar a una hermosa doncella al castillo, aunque más tarde confesaría que la canción trata sobre una relación que tuvo con la hermana pequeña de su esposa. En cuanto a la producción se hace un uso liberal del estéreo mientras las guitarras van y vienen entre canales, y las voces se escalonaron durante la parte de los gritos de Robert Plant.

Brillantemente episódico y extrañamente (para Led Zeppelin , al menos) psicodélico, delinea las dos caras de este grupo como pocas otras pistas individuales: un momento folk y reflexivo, todo está expresado en esta rareza trippy del momento. Claramente asombrado por la tecnología de grabación recién descubierta de la época, Robert Plant incursiona con voces desfasadas, mientras que la guitarra de Jimmy Page se mueve de un lado a otro todo el espectro estéreo. Aún así, eso no quita nada del tema oscuramente intrigante y bastante incestuoso que recorre la canción, comenzando con un breve coqueteo susurrante antes de que Plant simplemente estalle, luego, así como así, Page los lleva de regreso a un ambiente contemplativo. Lo maravilloso en ese momento, es la delicadeza y la reserva emocional que utiliza John Bonham . 

Correos - Platero y Tú #MesPlateroyTú

Correos - Platero y Tú artista del mes #MesPlateroyTu 

Vamos con un álbum de la banda bilbaína Platero y Tú, que para mí ha escrito una de las páginas más memorables en la historia del rock vasco y español, alcanzado tres discos de oro y un legado que perdurará por siempre. 

Como su álbum Correos, publicado en octubre de 2000, que supuso el capítulo final de esa gran trayectoria de Platero y Tú.

“Dos y dos son cuatro, y cuatro los Platero” dice la canción Cigarrito, la canción que abría el álbum Correos, el último álbum de la banda, y tan esperado por sus seguidores tras casi tres años sin nuevos lanzamientos. 

Esos cuatro de los que hablaba Cigarrito no podían ser otros que la voz de Adolfo Cabrales (Fito), la guitarra de Iñaki Antón, con Juantxu Olano al bajo y Jesús García con la batería. 

Se trataba del octavo trabajo del grupo en apenas diez años. 

Este álbum con su portada emulando a un paquete de envío y con los cuatro integrantes de la banda como sello, Correos no fue distinto a sus otros álbumes, después de su lanzamiento en el mes de octubre del año 2000, la acogida de sus fans, cada vez más numerosos, llevó a Platero y Tú con su álbum Correos a ser  Disco de Oro de la mano de canciones que se convirtieron en éxitos como Cigarrito, Entre dos mares (que  Fito con los Fitipaldis, la incluiría en su álbum “Fitografía") y Humo de mis pies. Este álbum fue grabado en el estudio La Casa de Iñaki que era propiedad del guitarrista de la banda, contaba entre sus canciones con la colaboración de músicos de la talla de Robe Iniesta de Extremoduro o José Alberto Batiz. 

Si bien es cierto que el disco mantiene la línea rockera que definía al grupo, tuvo algunos detractores que no reconocían en este álbum a los Platero y Tú de principios de los noventa, especialmente en los versos de canciones como Caminar cuesta arriba o Qué demonios!, más introspectivos y, quizá, algo menos provocadores. 

La gira de presentación de Correos, que terminaría siendo la última, ya que Fito anunciara que abandonaba el grupo para continuar su carrera en solitario y le siguiera Iñaki Antón para ingresar por completo en Extremoduro donde ya había trabajado de forma esporádica durante los últimos años. 

Sería, por tanto, la última gira de Platero y Tú y para la posteridad sólo quedaría su legado y varios recopilatorios. Platero y Tú, de las calles de Bilbao a iconos del rock. 

Platero y Tú han marcado a fuego ese rock español que ya hemos mencionado por ello se merecían estar entres las banda del mes #MesPlateroyTu. 

Daniel 

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0632.- Whole lotta love - Led Zeppelin

Whole Lotta Love es la canción con la que arranca Led Zeppelin II (1969), el segundo álbum de Led Zeppelin, y uno de los singles de la banda en ese año en los Estados Unidos (en aquella época, el grupo no publicaba singles en el Reino Unido), con Living Loving Maid (She's Just a Woman) en la cara B. Es una explosiva mezcla de rock y blues eléctrico, con una gran interpretación vocal por parte de Robert Plant y, sobre todo, un riff de Jimmy Page para la historia.

Mucho se ha hablado de las licencias que los grupos de la época, y en especial Led Zeppelin, se tomaban a la hora de tomar ideas de viejos temas de blues para la creación de las suyas propias. En el caso de Whole Lotta Love, hay partes de la letra que están sacadas de la canción de Willie Dixon "You Need Love", grabada por Muddy Waters siete años atrás. Small Faces la grabaron también como versión en 1966, con el nombre de You Need Loving, y en 1969 llegó el turno de los Zeppelin, que no acreditaron a Dixon en la canción, y en un juicio celebrado por los derechos en 1985 tuvieron que reconocer su autoría parcial en el tema y compensarle con un pago por los beneficios obtenidos por la canción.

Mas allá de los conflictos por la mayor o menor inspiración en el tema de Dixon,  lo que es innegable es que estamos ante una de las mejores canciones de la banda, la número 75 entre las mejores canciones de todos los tiempos según la revista Rolling Stone, y el mejor riff de guitarra de todos los tiempos para los oyentes de la BBC Radio 2 en 2014. El riff fue lo primero que compusieron para la canción, a partir de una grabación de treinta segundos que Page mostró al grupo en el verano de 1968, a partir de la cual fueron construyendo el resto de esta monumental canción.

Solange - A Seat at the Table. Píldora #4

Es posible que la reconozcas por sus carreras temporales con Destiny's Child, o por cualquiera de sus 3 álbumes anteriores, que abarcan fechas de lanzamiento entre 2002 y 2012. Lo más probable es que, si no conoces a Solange, conozcas al menos a su hermana superestrella, Beyonce. Pero Solange había dejado en claro en sus primeros pasos que no era solo una copia de su hermana, su estilo musical, su imagen y energía reflejaban a una artista que todavía intentaba encontrar una voz y buscaba algo más grande. El atractivo de A Seat at the Table esta en su radicalidad, muestra cómo Solange se desarrolló como persona y se enorgullecía de cada aspecto, no solo tiene una carga política, también es increíblemente personal para ella y su familia, con sus padres apareciendo y compartiendo sus experiencias y aprendizajes de las injusticias raciales, un disco con más de 21 pistas y menos de una hora de duración, logra esto al colocar una breve pista de interludio entre casi todas las canciones. Estos interludios contienen mensajes importantes de personas cercanas a Solange, incluidos sus propios padres.

"Don't Wish Me Well", es un frenesí de sintetizadores en cámara lenta, la música retrocede y permite a Solange llevar a cabo su mejor interpretación vocal en un disco lleno de ellos, el efecto emocional combinado, culmina en un baño de lamentos ininteligiblemente hermosos. Todo este álbum es delicadeza, musica tierna y elegante de R&B muy bien producido lleno de alma y calidez sincera puesta en él, pero al mismo tiempo tiene mucho que decir, ya que sirve como una pieza de denuncia racial muy interesante. Cranes in the sky, es una sus mejores canciones, letra potente, tan suave pero confiada en su ejecución con tantos pequeños detalles que sobresalen en la parte instrumental... Me encanta lo sincera y personal que percibimos en esta canción, sin ninguna grandiosidad innecesaria.

A Seat at the Table es impresionante, una declaración temáticamente unificada y musicalmente aventurera sobre el dolor y la alegría de la feminidad negra y Solange se retrata a sí misma como una mujer que realmente se ha convertido en sí misma.

0631-. Sugar Mama - Taste

Sugar Mama, Taste

     En 1966 un jovencísimo rory Gallagher crea el power trío The Taste, que después de algún que otro cambio terminará desembocando en Taste, formado por él a la guitarra y voz, Richard "Charlie" McCracken al bajo y John Wilson a la batería. Con este magnífico power trío, y a pesar de su corta vida, acabará marcando una época, llegando a tocar en el mítico Festival de la Isla de Wight en 1970, donde comparte cartel gente de la talla de Jimi Hendrix, Leonard Cohen, The Who, Emerson, Lake & Palmer, The Moody Blues o Sly Stone ente otros. En 1969 Taste debuta con su primer álbum de estudio, Taste.

El disco, una combinación de blues con potente blues rock que por momentos puede llegar a sonar a hard rock, es grabado durante el mes de agosto de 1968 en los De Lane studios de Londres bajo la producción de Tony Colton y publicado el 1 de abril de 1969 por la discográfica Polydor para el mercado europeo y Atco para el mercado estadounidense.

Incluído en este álbum se encuentra Sugar Mama, un tema estándar tradicional de blues que cuenta con los arreglos de Rory Gallagher. Si bien es difícil saber quien es el autor original de Sugar Mama, sus orígenes se remontan al artista de blues y country Yank Rachell, quien grabó el 6 de febrero de 1934 el tema Sugar Farm Blues. Tampa Red grabaría posteriormente también en 1934 dos versiones de Sugar Mama Blues en 1934, poco después de la grabación de Rachell.  Luego llegaría Sonny Boy Williamson I, a quien se asocia y se suele acreditar la autoría del tema Sugar Mama, la cual grabó en 1937. Sonny Boy fue uno de los primeros colaboradores de Yank Rachell. Más tarde llegarían innumerables versiones, John Lee Hooker, BB King, Led Zeppelin, Howlin' Wolf, Fleetwood Mac y Otis Spann son algunos de los artistas, como Taste, que realizaron versiones de este genial blues tradicional.

El disco de la semana 294: Blackout - Scorpions

 

Blackout, Sorpions

     A finales de 1981 y depués de cerrar dicha gira exitosa, Scorpions decide regresar a Alemania para preparar y grabar el que sería su octavo álbum de estudio Blackout. El grupo se mete en los Dierks Studios de colonia (Alemania) propiedad de Dieter Dierks que además sería el productor del disco.

Durante la grabación del disco sucedió un hecho que puso en peligro la grabación el disco e incluso la continuidad del grupo. El vocalista Klaus Meine empezó a tener problemas en su voz que le impedían mantener su registro y mantener tonos altos, llegando incluso momentos en los que no podía ni pronunciar palabra. Klaus preocupado por los problemas de su voz decidió acudir a un médico, el cuál tras valorarle le dijo que no tenía solución y que lo mejor que podía hacer era cambiar de profesión. Klaus hundido y frustrado por el diagnostico decide reunir a la banda y les plantea la posibilidad de renunciar al grupo para que buscasen otro vocalista. Sobre éste hecho Rudolf Schenker siempre afirmó que nunca se les pasó por la cabeza reemplazar a Klaus y que esperarían el tiempo que hiciera falta para que éste se recuperara, no importaba si el disco se retrasaba o incluso si la banda se tenía que separar, pues tenían muy claro que Scorpions sólo seguirían con Klaus Meine como vocalista, al que consideraban una pieza fundamental del grupo.

Animado por el apoyo de sus compañeros Klaus decide buscar una segunda opinión médica, y para ello acaba viajando a Austria y se pone en manos de un doctor que estaba especializado en tratar a varios cantantes de ópera. Después de dos cirugías vocales y un riguroso y metódico entrenamiento pudo volver a trabajar con sus compañeros, consiguiendo además después del tratamiento tener una voz mucho más cristalina y un rango vocal mucho más amplio.

Así nace Blackout, el octavo disco de estudio y uno de los mejores trabajos del grupo germano. El disco es grabado en los Dierks Studios de Colonia durante el año 1981, bajo la producción del mismo Dieter Dierks, y publicado el 29 de marzo de 1982 por el sello discográfico Harvest/EMI y unos días más tarde por el sello Mercury Records únicamente para el mercado norteamericano. La portada del disco fue obra del artista austriaco Gottfried Helnwein, y se trata de un autorretrato de él mismo, donde se le ve utilizando una bandana en su cabeza y tenedores en ambos ojos. El álbum tuvo un gran éxito nada mas ser lanzado en Europa, y en Estados Unidos llegó a alcanzar el puesto número 10 en la lista Billboard 200.

Un disco redondo de los alemanes en el que podemos disfrutar de temas como el cañero Dynamite, el trallazo inicial de Blackout, uno de los temas buque insignia de la banda y que fue compuesto por el grupo tras una fiesta en la que estuvieron con los guitarristas KK Downing y Glenn Tripton de Judas Priest y los chicos de Deff leppard y en el que tras la misma Schenker sufrió un apagón (blackout en inglés) al no recordar nada a partir de cierto momento de la noche; la gran Can't Live Withoutn You con una apertura y un riff de guitarra es brutal, tema dedicado a los fans. La letras fueron escritas por Klaus Meine y la música fue obra de Rudolf Schenker, un tema que trata sobre las bandas de rock y sobre que no pueden vivir sin sus fans; o la clásica No One Like You, otro de los grandes iconos y éxitos de la banda que logró alcanzar el puesto número 1 en la famosa lista Mainstream de Estados Unidos. Curiosamente el tema originalmente fue compuesto primero en alemán y modificado y traducido posteriormente al inglés. Al igual que el tema anterior, obra de Meine y Schenker, y la temática trata sobre un hombre que perdió a su amor y como trata de recuperarla. 

Blackout forma ya parte de los grandes clásicos del heavy metal, un disco que hay que escuchar al menos una vez en la vida.