sábado, 28 de mayo de 2022
El disco de la semana 277: Amapola del 66 - Divididos
viernes, 27 de mayo de 2022
0512.- Blackbird - The Beatles
Blackbird, The Beatles |
En muy pocos años John Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison habían pasado por muchas cosas, habían tocado la cima con Revolver y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, pero también habían sufrido los sinsabores de la crítica tras el fallido proyecto de Magical Mystery Tour. Según relata el ingeniero de sonido Geoff Emerick en sus memorias sobre el grupo, a su vuelta del viaje de la India, donde habían estado realizando meditación trascendental con el Masharishi Mahesh Yogi en Rishikesh, India, parecían personas diferentes, si antes eran modernos y exigentes, ahora iban desaliñados y descuidados, donde antes había ingenio y buen humor, ahora había irritación y enfado, si antes era divertido estar con ellos, ahora era un sufrimiento ya que siempre estaban enfadados.
Las sesiones de grabación fueron extremadamente difíciles, siempre estaban discutiendo y nunca se ponían de acuerdo, un álbum muy tenso en todos los sentidos. John, Paul, Ringo y George habían ido en busca de la paz interior, pero a su vuelta no se sabe si la encontraron. Un indicador fue cuando empezaron a llegar de su retiro en la India por separado, si antes hacían todo juntos, ahora no iba a ser el caso. A los problemas personales entre el grupo, entre los que también se encontraba la gran pérdida de Brian Eipstein, se le juntaron los problemas en los negocios. El grupo había decidido representarse a sí mismo y además habían creado una empresa llamada Apple Corps, para dar oportunidades a artistas desconocidos. En definitiva, los cuatro chicos de Liverpool, quizás acuciados por la presión, empezaron a llevarse los problemas al estudio. A todo esto hay que sumar que Ringo Starr abandona la banda brevemente en agosto de 1968, que Yoko Ono empieza a irrumpir y asistir a las sesiones de grabación del álbum, algo que molesta a Paul, George y Ringo, que George Martin decide bajarse del barco pidiendo un permiso vacacional, y que Geoff Emerick, el mago de la ingeniería de sonido, harto de tanta presión y ante la dificultad de trabajar en ese tumultuoso ambiente, el 16 de julio de 1968 renuncia y abandona el trabajo de grabación del álbum. Todo se desmoronaba.
En ese ambiente fue creado The Beatles, también conocido como White Album (Álbum Blanco), publicado el 22 de noviembre de 1968 por la propia discográfica del grupo, Apple Records, y grabado entre el 30 de mayo y el 14 de octubre de 1968 en los EMI Studios y los Trident Studios de Londres. La mayoría de las canciones fueron escritas entre marzo y abril de 1968, durante el curso de meditación trascendental que el grupo había realizado en Rishikeshi, India. El álbum consiguió el puesto número uno tanto en las listas del Reino Unido como las de Estados Unidos, y si en un principio recibió críticas mixtas por parte de los críticos musicales, con el tiempo ha sido considerado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. La revista Rolling Stone colocó en el años 2003 este álbum en el puesto número 10 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Irónico que en un clima de tanta tensión externa como interna del grupo, fueran capaces de sacarse una de sus mejores álbumes. The Beatles fue concebido como un doble álbum con 30 temas. Más adelante surgiría la duda en el grupo sobe si quizás hubiera sido mejor haber sacado un LP normal en vez de doble.
Incluido en el este álbum se encuentra la canción llamada Blackbird, escrita por McCartney mientras se encontraba en Escocia. Lo hizo como una reacción a las tensiones que se estaban intensificando en Estados Unidos en la primavera de 1968. La canción es interpretada por Paul en solitario, acompañado únicamente de una guitarra acústica. También se puede oír de fondo un sonido que fue confundido en un principio con un metrónomo. En realidad es el sonido de los zapatos de Paul, que fueron capturados al poner Geoff Emerick un micrófono al lado de estos. El canto de los pájaros fue grabado con una de las primeras grabadoras portátiles de la discográfica EMI.
jueves, 26 de mayo de 2022
0511 - Ob-La-Di, Ob-La-Da - The Beatles
miércoles, 25 de mayo de 2022
0510.- While my guitar gently weeps - The Beatles
Led Zeppelin - In Through the Out Door (Mes Led Zeppelin)
En medio de la grandiosa pero problemática gira norteamericana de Led Zeppelin, Robert Plant recibe la horrible noticia de que su pequeño hijo ha fallecido trágica y repentinamente, el resto de la gira se canceló y Zeppelin se retiraron por un tipo, se volvieron a juntar en 1978 para grabar su último álbum, In Through the Out Door. Lo que entregaron fue un disco muy singular en su carrera, quizás es el más flojo de su discografía, los primeros seis álbumes representan una banda poderosa y enérgica, que experimenta un inmenso crecimiento creativo con cada lanzamiento posterior en Through the Out Door, se nota la apatía y las pocas ganas de seguir.
'In the Evening' suena como si fuera un esfuerzo para crear un
"rock de Zeppelin", pero es en vano, la introducción con un sonido oriental recuerda un poco a 'In
the Light', el sintetizador y la guitarra se fusionan para crear una textura
única durante el riff principal, evitando así que suene demasiado obvio, y el
puente silencioso en medio del solo de guitarra es increíble, incluso el coro
"Oh, necesito tu amor" es terrible, pero el resto de la canción lo compensa.
“South Bound Saurez”, es un pequeño
funky - shuffle latino, con una guitarra igualmente descuidada y voces y letras
poco entusiastas, aunque el piano y la percusión de John Bonham lo redime un
poco... pero estas ya son dos de las siete pistas: ¿estaban tan escasos de
material completo que tuvieron que incluir tales bichos raros?. "Fool in the Rain" es otra
canción extraña de la colaboración Jones/Plant que impulsó este álbum,
inspirada en la música de samba que escucharon durante las transmisiones de la
Copa del Mundo de 1978 que se había llevado a cabo en Argentina, grande una vez
mas el piano de Jones, el riff de Page es por una vez más moderado, la
percusión de John Bonham está perfecta durante toda la canción, esta canción el
último sencillo de Led Zeppelin, llegando al número 21 en los Estados Unidos en
febrero de 1980.
“Hot Dog” es un caso particularmente extraño: es una aproximación mayormente inofensiva del country rock con algunas pistas de guitarra irremediablemente pegajosas y algunas letras cursis de último momento, y aunque su existencia está bien, su inclusión en el álbum es alarmante, puede ser literalmente una de las peores canciones que Led Zeppelin haya grabado. Sin embargo, es completamente obvio que no iban en serio, así que realmente no puedo reprocharles nada. Sin embargo, admito que de vez en cuando pongo esta canción porque y me quedo con que es una canción divertida. “Carouselambra” es la epopeya de In Through the Out Door, y aunque sigue los pasos de 'Achilles Last Stand', 'Kashmir', 'In The Light' y similares, es único en la discografía de Zeppelin por estar totalmente dominado por sintetizadores en lugar de guitarras, de hecho, los acordes de sintetizador de fanfarria amenazan con ahogar las voces (una pena, porque la letra es genial) y los acordes mínimos de guitarra. Sin embargo, Carouselambra se revela como una verdadera epopeya de Zeppelin, abriéndose camino a través de varios movimientos diferentes, una canción intrigante y la señal más clara del álbum de que todavía había energía creativa en el campamento de Zeppelin. “All My Love”, que fue la oda de Robert Plant a su hijo de cinco años fallecido, estamos ante una de las letras que ha hecho nunca, y la música se adapta perfectamente al estado de ánimo: la transición al puente y de regreso en particular (y esa guitarra clásica, Dios mío), donde Bonham se retira y Jimmy Page toca esas maravillosas y discretas curvas, es una de las cosas más hermosas que he escuchado en toda mi vida. En el cierre “I'm Gonna Crawl”, tenemos a Zeppelin manteniéndose fiel a sus raíces de blues mientras continúa mirando hacia el futuro (es decir, está tan dominado por sintetizadores como el resto del álbum), esa introducción de sintetizador 'romántica' es bastante hermosa, al igual que la guitarra desgarradora: suena como si tomara cada parte de La energía de Jimmy Page para hacer que su frágil yo evoque esas melodías... y Robert Plant se adapta bastante bien a su nuevo estilo vocal aquí. En ese sentido, cabe mencionar que Plant suena totalmente diferente aquí que cualquier otro álbum de Zeppelin; tal vez algún tiempo lejos del micrófono permitió que su voz se transformara en este tono más suave y 'maduro'.
martes, 24 de mayo de 2022
0509.- Back in URSS - The Beatles
Hace más de 50 años, cuando la
Guerra Fría corría el riesgo de volverse nuclearmente caliente, los Beatles
lanzaron una de sus canciones más controvertidas: "Back in the
USSR". ¿Qué inspiró a los Beatles a
escribir la canción? ¿Y qué nos dice la letra sobre su significado original? ¿Estaban
los Beatles haciendo una declaración política prosoviética, o simplemente se
estaban burlando inocentemente del idealismo occidental expresado por la
cultura predominante y sus pares musicales en ese momento? Lo principal es que “Back
In The USSR” reflejó el deseo de The Beatles de volver a ser una banda de
rock'n'roll después de los complejos experimentos de estudio de los años
anteriores. “Chuck Berry una vez hizo una canción llamada “Back In The USA”,
que es muy estadounidense, muy Chuck Berry”, ellos hicieron "Back in the
USSR", que viene desde la perspectiva de un espía ruso, que después de una
estancia prolongada en Estados Unidos, regresa a su hogar en la Unión Soviética
y se entrega a las bromas más rusas: el paisaje helado y hermoso, y la calidez
y los favores de las mujeres rusas. Para ser justos con la gente de 1968,
entendieron la broma “Back in the USSR” era solo una muestra más cruda y
contundente de la audacia que se presenta a lo largo del White album. Otros,
sin embargo, no estaban tan felices, muchos la interpretaron como propaganda
soviética en sí misma, y fueron diana de la ira política santurrona en los EEUU,
Y acusaron a la banda de fomentar el comunismo y simpatizar con el enemigo.
Si bien la concepción de la
canción puede haber sido relativamente sencilla, su grabación fue menos fácil.
Al igual que muchas de las canciones del "Álbum blanco" escritas en
la India, el grupo había grabado una demo de "Back In The USSR" en el
bungalow Esther de George Harrison en
mayo de 1968, poco después de regresar a Inglaterra. Pero cuando llegaron a
grabar la canción en Abbey Road, era a mediados de agosto y las tensiones iban
en aumento. Ringo se sentía descontento con la forma en que iban las cosas.
“Sentí que no estaba con ellos muy bien, y también sentí que los otros tres
estaban muy felices y yo era un extraño”, dijo una tarde. Durante la sesión de
"Back In The USSR", el baterista decidió que ya era suficiente y se
fue, pasando un par de semanas en el yate de Peter Sellers en el Mediterráneo
antes de regresar al redil después de que los demás le aseguraron su importancia.
Grandes éxitos y tropiezos: Lou Reed
lunes, 23 de mayo de 2022
0508.- C'era una volta il west (Hasta que llegó su hora) - Ennio Morricone
Algunos lo consideran como el
compositor más innovador de la música de cine. Y puede que no les falte razón.
Aunque él, un trabajador incansable, reniega del talento. Piensa que el
esfuerzo, el trabajo, el tesón y la entrega es la que te convierte en un
grande. Tampoco le falta razón en ello, pero hay que reconocerle que a su
descomunal filmografía, se le puede sumar una gran popularidad, múltiples
premios (eso sí, el Oscar honorífico) y más de 40 millones de discos vendidos,
26 discos de oro, cinco de platino, un Grammy… Lo que avala que Ennio Morricone
sea, sin duda, uno de los más grandes de la historia.
Creo un genero musical con el spaguetti-Western
y sus trabajos en películas como El bueno, el feo y el malo o La muerte tenia
un precio le subieron al cielo, pero aun faltaba la traca final, Sergio Leone iba
a grabar otro spaguetti-western y en esta ocasión con el mayor presupuesto que
nunca había tenido, con estrellas absolutas como Henry Fonda, Jason Robards,
Charles Bronson y Claudia Cardinale, Leone le preparó el terreno a Morricone
para que compusiera la mejor partitura posible sobre un western que era casi
más que un western, era la muerte del propio género, la modernidad y la vida
llegando a un lugar de muerte y de pistoleros vestidos de negro de la mano de
una mujer fuerte. Esa muerte y ese nacimiento, y esa mujer en concreto, fue el
motor y la inspiración de Morricone para la música de C'era una volta il west,
una elegíaca partitura tan hermosa como triste, tan épica e implacable (esa
armónica) como tierna, tan reveladora como réquiem. Gracias otra vez a Edda
Dell'Orso, el tema principal sobrevuela el metraje y las imágenes en los
momentos culminantes como un ángel que anunciara algo, tal vez el propio
destino de sus protagonistas. Es posible que sea complicado decirlo y
asegurarlo (teniendo en cuenta de donde venían y lo que vendría después), pero
aquí, en C'era una volta il west, estuvo y está la cima de Leone y Morricone.
Que es como decir una de las cimas de la propia Historia del cine.
La partitura de Morricone es
probablemente mi partitura musical favorita de todos los tiempos. Morricone
nunca deja de capturar a la perfección la trama y el escenario de la película,
y convertirlos en algo tan memorable como la propia película. El trabajo innovador
de Morricone siempre ha tenido mucho que ver con el atractivo general de las
películas en las que ha compuesto la música, proporcionando a cada una su
propia banda sonora única. La banda sonora presenta leitmotivs que se
relacionan con cada uno de los personajes principales de la película, así como
con el espíritu del oeste norteamericano.
domingo, 22 de mayo de 2022
Led Zeppelin - Physical Graffiti (Mes Led Zeppelin)
0507.- S.F Sorrow was born - The Pretty Things
sábado, 21 de mayo de 2022
0506.- Voodoo Chile - Jimi Hendrix
Voodoo Chile, Jimi Hendrix |
El 25 de octubre de 1968 se publica el tercer y último álbum de The Jimi Hendrix Experience, titulado Electric Ladyland. Sería el último trabajo donde Jimi hendrix colaboraría con el bajista Noel Redding y el baterista Mitch Mitchell. Concebido como álbum doble, es grabado entre los Olympic Studios de Londres y los Record Plant de Nueva York entre julio y diciembre de 1967, enero de 1968, y abril y agosto de 1968, bajo la producción del mismo Jimi hendrix, y publicado el 25 de octubre de 1968 por el sello discográfico Reprise Records y para Europa por Polydor Records.
La grabación del álbum no estuvo exenta de problemas. Después de una complicada gira por Escandinavia e Inglaterra, Hendrix decidió regresar a Estados Unidos. Frustrado por las limitaciones de las grabciones comerciales, decidió crear un moderno estudio de grabación en Nueva York en el que no tuviera ninguna limitación a la hora de expandir su particular visión musical. La construcción de este estudio, llamado Electric Lady, tuvo numerosos problemas y no fue terminado hasta mediados de 1970, por lo que Hendrix acabó grabando gran parte de Electric Ladyland en The Record Plant estudios. Los disciplinados hábitos de trabajo de Hendrix se habían vuelto erráticos, a los que se sumaban unas sesiones interminables y que los estudios solían estar llenos de gente sin nada que hacer más que adular al genial guitarrista. Todo esto hace que Chas Chandler renuncie como mánager de Jimi Hendrix en mayo de 1968.
Incluido en este álbum se encuentra el mítico Voodoo Chile, considerada como una jam de estudio, escrita por Jimi Hendrix, y cuya duración, con casi 15 minutos, hace que sea la más larga grabada en estudio por el guitarrista. La canción está basada en el tema de blues Rollin' Stone de Muddy Waters, pero con letra y música originales. El tema se grabó en los Record Plant estudios de Nueva York, después de una jam sesión nocturna en la que participaron además de Hendrix, Mitch Mitchell a la batería, Steve Winwood al órgano y Jack Casady al bajo.
Voodoo Chile puede parecer una simple jam improvisada, nada más lejos de la realidad, y sobre esto Jack Casady comentaba: "No era tan simple, había una estructura completa en la canción, por lo que era una canción extendida en la que podías improvisar. Tomamos instrucciones a través del lenguaje de la interpretación. Jimi pudo experimentar con su habilidad y con efectos para crear una atmósfera. Voodoo Chile tiene un sonido espeluznante que te coloca en un mundo diferente". Voodoo Chile se convirtió en la base de Voodoo Child (Slight Return), tema de unos 3 minutos de duración que fue grabado por el trío The Jimi Hendrix Experience, el cual también aparece en Electric Ladyland, y que a la postre se convertiría en una de las canciones más conocidas de Hendrix.
viernes, 20 de mayo de 2022
0505 - All Along the Watchtower - Jimi Hendrix
El disco de la semana 276: Dummy - Portishead
Imagínate tu salón convertido en un bar, un salón con una sensual cantante de jazz en un escenario, tenuemente iluminado, con humo de cigarrillo llenando el aire formando una nube brumosa, estamos en los años 50 y seguramente llueve fuera, tus pupilas ven en blanco y negro, andas inclinado sobre tu bebida, porque algo terrible acaba de suceder, nadie sabe porque pero estás triste…. de repente suenan las primeras notas de este álbum, (¿musica electrónica en los años 50? Estas pirado narrador) y te das cuenta que la banda sonora de la desesperación.
Portishead está compuesto por 3
personas: la cantante Beth Gibbons, el programador/sampler/mezclador Geoff
Barrow y el guitarrista/bajista Adrian Utley, juntos han creado una oda a la
soledad, sombría, deprimente, desesperanzadora, pero eso no impide que sea
absolutamente hermoso en todos los aspectos posibles. Este álbum, de 1994,
popularizó un género que se conoció como “trip hop”que se caracteriza por
ritmos, samples y paisajes sonoros de hip-hop downtempo, no es fácil de
explicar, pero Portishead fue pionero, junto con el grupo Massive Attack, cuyos
álbumes estelares Blue Lines y Protection utilizan el mismo estilo. Lo que Air
hizo por el ambiente modernista de penthouse de los años 60, Portishead lo hizo
por el ambiente noir de principios de los 60, ambos grupos actualizando esas
sensaciones para los habitantes de los 90, mientras exploraban algunos de los
colores de tono posibles dentro del género de la música electrónica. La voz de
Beth es una parte sobresaliente del álbum, es enfermizamente dulce a veces, y a
menudo te da la impresión de que está de luto, suplica y se lamenta, nunca es agresiva,
siempre suave y gentil, algo nuevo surge en cada escucha, pero está claro cómo
todo se une para crear hermosos paisajes sonoros arremolinados.
Arranca con "Mysterons", se titula apropiadamente porque 'misterioso' es la mejor manera de describir este disco. El tempo lento, las texturas suaves y, en particular, las ondas martenot, parecidas a alienígenas, formaron una atmósfera de otro mundo, Gibbons se presenta como una criatura emocionalmente fracturada tanto en la letra como en su voz directa, en contraste con la percusión de estilo militar, mientras el sintetizador chirriante, agrega una verdadera sensación de espeluznante. "Sour times", es un cambio de ritmo, agregando guitarras tintineantes y pasajes de guitarra al estilo bond, esta canción sobre el desamor, un sentimiento más siniestro que esperarías de una canción de ese tema, con unos estribillos muy desconcertantes, con una percusión traqueteante y gobernando el sample de bajo y guitarra vibrante de Lalo Schifrin. No es una combinación que pensarías que encontrarías en una canción de amor y una canción de asesinato al mismo tiempo, pero ahí lo tienes. Cuando Beth canta ese coro, es como el canto de una mantis religiosa que pronto te devorará la cabeza durante la cópula. ¿Estará triste por eso o es porque siempre está triste?. No es que eso importe en absoluto cuando tu tráquea se ahogue con tu lengua cortada. "Strangers" es la primera canción excelsa, el descenso de ese pungi en los primeros cinco segundos, que en realidad es una muestra de Weather Report, siempre me hace pensar en un extraño pájaro animado mientras se muestra su vida moviéndose de un vuelo feliz a una prisión de zoológico, su rostro y ojos entrecerrándose en una mirada demoníaca como se llenan de furia roja y vengativa, recortando los tambores justo antes de que azote tu garganta, y luego el ritmo real simplemente te engulle por completo, con ese zumbido antiséptico que impulsa la mayor parte de la canción, incluso esas inquietantes partes suaves de guitarra y voz que suenan como si estuvieran siendo grabadas al otro lado de un almacén.
"It could be sweet" puede ser un cambio de estilo inesperado, no te esperas este cambio de estilo y eso hace mella, pero buen, siempre es maravilloso escuchar esa hermosa y suave voz, acompñada de pasajes de teclado tiernos y cálidos y una batería minimalista. Ella es la estrella, ella hace suya la canción y te puedes recrear en algo mas clásico de lo esperado, un poquito de calma no viene mal. "Wandering star", es probablemente la canción más triste hasta el momento, aunque es triste, lo es de la manera más hermosa posible y no puedo pensar en ninguna canción con una mejor línea de apertura que "Por favor, ¿podrías quedarte un rato para compartir mi dolor?..." El zumbido del bajo, un tono digital plano y muerto, se siente como una pieza de maquinaria que te ha estado manteniendo con vida... en el momento en que te das cuenta de que nunca volverá a funcionar. "It's a Fire" no estaba en la lista de canciones de la versión europea, no es que sea mala ni nada por el estilo, incluso aquí puede brillar mucho mas el sol, pero es demasiado sol para la mitad de este álbum, entiendo que pudieran pensar que necesitaríamos un respiro.jueves, 19 de mayo de 2022
0504 - In the Heat of the Morning - David Bowie
miércoles, 18 de mayo de 2022
Led Zeppelin - Presence - (Mes Led Zeppelin)
Presence, Led Zeppelin |
El año 1975 fue un año muy importante para Led Zeppelin, pues con la publicación de Physical Graffiti, pues este trabajo está considerado como uno de los mejores de la banda, y además le sirve para afianzarse y coronarse como una de las mejores bandas de rock de la historia. Sin embargo cuando todo iba sobre ruedas, el grave accidente automovilístico sufrido por Robert Plant en la isla griega de Rodas corta en seco la acelerada dinámica de trabajo del grupo. Desde el accidente el grupo se mantiene en segundo plano hasta la difícil y larga recuperación de Plant, la cual se produce a finales de 1976.
El siguiente álbum de estudio de la banda, Presence, es concebido tras las lesiones sufridas por Plant en el citado accidente automovilístico. Un accidente que obligó a posponer la gira mundial que el grupo tenía planeada para 1975 y 1976. Durante ese periodo de convalecencia Plant lo pasó en Malibú (California), y el cantante y Jimmy Page escribieron material de sobra para poder empezar a trabajar en el siguiente álbum de estudio de la banda, empezado a trabajar con dicho material en el Hollywood's SIR Studio de Los Ángeles, California.
Dicho disco es grabado en los Musicland Studios de Múnich, Alemania durante tres semanas, concretamente entre noviembre y diciembre de 1975, con Plant en una silla de ruedas debido a su convalecencia. Tanto Plant como Page habían planeado que Presence supusiera la vuelta a la simplicidad y la espontaneidad tras los complejos discos anteriores. Es el único disco de la banda que no incluye pistas acusticas ni teclados, a excepción de Candy Store Rock, que contiene una sutil pista audible de guitarra acústica en el canal izqierdo. El disco es producido por Jimmy Page y Peter Grant y publicado el 31 de marzo de 1976 por bajo el sello discográfico Swan song Records, el cual había sido creado por Led Zeppelin en 1974 con la finalidad de poder trabajar sin la presión que ejercían los potentes sellos discográficos.
La potada y el libreto del álbum son dignos de análisis, pues fueron creados por Hipgnosis, que era un colectivo de diseño gráfico creado en Inglaterra en 1968, y que habían trabajado para otras bandas como Pink Floyd, Genesis o Black Sabbath entre otros. En portada y libreto se muestran imágenes de personas interactuando con una especiede obelisco negro. Dentro del libreto, al artefacto se le conoce simplemene como "El Objeto". El título del álbum, Presence, se encuentra en la carátula frontal del álbum y en relieve, al igual que el logo de la discográfica del grupo, "Swan song", y se encuentra en la carátula trasera del disco. El llamado "El Objeto" representa la fuerza y la presencia del grupo y sus miembros, John Bonham, John Paul Jones, Jimmy Page y Robert Plant, y como elllos y su música era tan poderosa que no necesitaban estar en la portada. Con ello pretendían hacer reflexionar a la audiencia del significado real de la música. Para el fondo de la portada se elegió un puerto totalmente artifical instalado en el Centro de Exhibiciones Earls Court de Londres, Reino Unido. En el interior del disco hay imágenes, también diseñadas por Hipgnosis, que fueron creadas para parecer algo que aparecía en la revista National Geographic, donde aprecen varios escenarios, y donde siempre está presente "El Objeto". La contraportada muestra otra escena, concretamente una clase donde se encuentran una maestra y aparentemente dos de sus alumnos y donde no pude faltar otra vez la presencia de "El Objeto" que se ecuentra en forma de un dibujo en la pared. La niña alumna aparece también en la portada de House Of The Holy.
Abre la cara A el tema más largo del álbum, Achilles Last stand, con una duración de poco más de 10 minutos y acreditada a Page y Plant. La temática de la canción trata del héroe mitológico Aquiles. Plant tenía un gran interés por la mitología griega. Según cuenta el mito, Aquiles fue sumergido en el río Styx para hacerlo inmortal. Su madre lo sujetó del talón dejando esa parte sin sumergir y por lo tanto vulnerable. París lo mató en la Guerra de Troya al clavarle una flecha en dicho talón. Plant escribió la letra en uno de sus viajes por Marruecos, Grecia y España, y se inspiró también en la poesía de William Blake, autor que estaba leyendo en aquel momento. La música se inspiró en las tradiciones flamenca y marroquí. For Your Life, es unaa canción que se hace notable al tener varios riffs que se siguen unos a otros y se superponen. En este tem Jimmy Page tocó una Fender Stratocaster de 1962 que le había regalado Gene Parsons. Las letras fueron escritas por Plant y expresan su descontento con la vida desenfrenada que rodeaba el mundo del rock. También hacían referencia, como afirmara más adelante, a un amigo suyo que tuvo problemas con las drogas. Royal Orleans es el tema que cierra la cara A, el único tema del álbum escrito por los cuatro miembros del grupo. La canción se basa en un hotel de que había en la ciudad de Nueva Orleans y donde le gustaba mucho pasar el tiempo al grupo, y trata sobre un tipo que recoge a una drag queen, pasa la noche con ella, y descubre a la mañana siguiente que esta persona es un hombre. Los cuatro miembros del grupo solían frecuentar los bares de ambiente gay en Nueva Orleans ya que les resultaban mucho más divertidos y nadie les solía molestar para pedirles autógrafos.
La cara B comienza con Nobody's Fault But Mine, escrita por Page y Plant y basada en una pieza tradicional de blues que fue grabada por primera vez por Blind Willie Johnson en la década de los años 20. En la versión del grupo le fueron agregados unos versos adicionales escritos por Plant. Sobre el significado de la canción hay varias teorías, una sostenía que trataba sobre la floreciente adicción a la heroína de Page, otra decía que era comparable a la canción "Hellbound On My trail" de Robert Johnson, en el sentido de que Plant lamentaba un supuesto trato de Led Zeppelin con el diablo, y había una tercera vertiente que sostenía que Plant en esta canción se disculpaba por la canción "In My Time Of Dying", de la cual dijo después de su accidente que nunca volvería a cantar jamás. Candy Store Rock, canción que tiene y combina de forma brillante hard rock, funk y rock and roll. La canción se inspiró en el rock de principios de los años 50 y Plant reunió en las letras partes de canciones de Elvis presley. La banda escribió este tema en apenas una hora en un estudio de Alemania, el motivo, la presión que tenían para terminar el álbum Presence, ya que los Rolling Stones necesitaban grabar en dicho estudio. Hots On For Nowhere salió como una versión alternativa de la canción Custard Pie, incluido en Physical Graffiti (1975). En el tema vuelve a tener inspiración en el funk. Robert plant escribió la letra en Malibú mientras se recuperaba del accidente automovilístico, y la banda escribió el resto en los citados Musicland Studios de Munich y ante la premura por acabar el disco rápidamente para liberar el estudio para que pudiera ser usado por los Rolling Stones. En la letra Plant, aparte de reflejar su situación por el accidente, también se hacía eco de su frustración con Jimmy Page y su mánager Peter Grant, de quienes Plant estaba convencido de que no eran sensibles con su estado en ese momento. Cierra la cara B y por tanto el álbum Tea for One, tema que tiene una duración de algo más de 9 minutos, siendo la segunda más larga del disco. La canción fue compuesta en la línea de "Since I'Ve Been Loving You ", del álbum Led Zeppelin III (1970), canción que era una de las favoritas del grupo para tocarla en los conciertos. Robert Plant escribió la canción mientras se encontraba en un hotel de Nueva York el sólo tomándose un té. Contiene una letra muy reflexiva este blues lento, y en él Plant mostraba la soledad que sentía al estar constantemente en la carretera con motivo de los viajes y las giras. Una de las razones de la banda por las que estaban mucho tiempo fuera de Inglaterra con tanta frecuencia para hacer giras y grabar era la de evitar pagar impuestos allí.
0503.- Village Green - The Kinks
En muchos sentidos, The Kinks son
un anacronismo, a menudo iban contra la corriente musicalmente, las letras de
Ray Davies siempre prestaron atención el estilo de vida británico, pero de una
manera casi como la de una niñera, era pintoresco, pero tenía un buen ojo para
los detalles, a menudo fantasioso, pero siempre elocuente y rara vez
predecible. Combinado con el llamativo estilo de guitarra de su hermano Dave
(¿el guitarrista 'punk' original?), The Kinks tenían un sonido único e
inconfundible. El álbum The Kinks Are Village Green Preservation Society se
presenta como una especie de breves ensoñaciones, cada una de las cuales
proporciona los detalles suficientes para transmitir un sentimiento particular,
el álbum se abre como un libro emergente de recuerdos del pasado, presente y
futuro en un orden desordenado. Hay fantasías infantiles e historias de terror
("Phenomenal Cat" y "Wicked Annabella"), recuerdos de la
juventud (Do You Remember Walter?), visiiones sobre el paso de la contemplaciones
abstractas sobre la transición de la vida (Last of the Steam Powered Trains) y
objetivos ("Big Sky"), todo incluido en una sensación cinematográfica
para mejorar cada sensacion.
Nos vamos a detener en Village Green, una buena canción en
términos de nostalgia, el comienzo es muy pintoresco que recuerda a los
palacios antiguos y su aspecto clásico, un aspecto que contrasta teniendo en
cuenta el concepto del álbum. Se nota un muy buen dominio de los instrumentos,
ya que realmente exhiben un buen sonido de épocas pasadas y ambientes clásicos,
la melodía melódica está muy conseguida porque ajustan el tono de voz, dando a
la canción su musicalidad y atractivo especial, además en la parte del coro la
percusión está perfectamente coordinada para darle un tempo un poco más rápido,
brindando un ritmo lo suficientemente interesante como para darle un atractivo
musical realmente relevantes. Es la pista orquestal más exuberante presente,
con clavicémbalos, trompetas y un oboe que desentrañan la pintoresca belleza de
la humilde campiña, Davies narra desde la perspectiva de la desilusión rota
después de que la llamada de la gran ciudad resulta insatisfactoria,
enfocándose en los elementos que extraña tras su paso por la ciudad: el rocío
de la mañana, el aire fresco, una iglesia, un viejo roble. Luego revela su
relación con Daisy, la amó y la abandono. Las cosas se ponen crudas cuando se
burla de los turistas que se maravillan ante la misma singularidad que recuerda
con tanto cariño antes de afirmar con indiferencia que Daisy se casó con un
tendero local. Aunque la canción termina con la imagen de que, a su regreso, él
y Daisy "tomarán té, se reirán y hablarán sobre el parque del
pueblo", la forma melancólica en que se interpreta y canta la canción te
da la pista que solo se quedara en eso y que todo lo que ha tenido lo ha
perdido por completo.