domingo, 17 de enero de 2021

David Bowie - Diamond Dogs (Mes David Bowie)


Diamond Dogs - #MesDavidBowie

Estamos ante el sexto disco de David Bowie, es el disco donde David Bowie se encuentra entre el Glam de Ziggy y las nuevas vías de expresión del Bowie pre-soul/funk. 

De entrada sorprendió que, a pesar de estar disueltos los Spiders From Mars, no contara con las habilidades de Mick Ronson en la guitarra. David Bowie asumió el trabajo de guitarrista en casi todos los temas del disco y podemos decir que salió airoso. 

El primer disco de David Bowie sin los Spiders desde 1969 se esperaba con una mezcla de expectativa y escepticismo y el cantante era consciente de ello. Hablamos de los días en que David Bowie se encontraba dentro del círculo Stones; colaboró en los coros y creativamente en el single It’s Only Rock & Roll y se le veía mucho en compañía del andrógino Mick Jagger versión 1973. Por todo esto no es de extrañar ese sonido tan Stones en el tema Diamond Dogs

David Bowie se instaló con su equipo en los Olympic Studios. estamos hablando de octubre de 1973. pero no finalizaria aquí posteriormente continuará las sesiones en los Island Studios y en los Ludolf Studios de Hilversum (Holanda). Los músicos elegidos para darle forma al disco fueron, Herbie Flowers (un habitual en las grabaciones de Lou Reed). Otra novedad fue que Tony Visconti volvió junto a David Bowie, aportando arreglos de cuerda y mezclando el disco. 


Las sesiones se alargaron hasta febrero de 1974. El arte de portada, creado por Guy Peellaert, muestra un híbrido David Bowie/Canino que causó revuelo porque mostraba los genitales del perro de ojos bicolor. El retoque fue inevitable y eso elevó a precios prohibitivos los discos con la portada original. 

Finalmente Diamond Dogs fue lanzado el 24 de mayo de 1974. Cuando le preguntaron a David Bowie su opinión sobre el nuevo disco no dudó en valorarlo "un álbum muy político. Mi protesta … más ‘yo’ que nada de lo que he hecho anteriormente". Con este disco se consumó su abandono del Glam para adentrarse en otros estilos. 

Fue número uno en el Reino Unido y quinto en Estados Unidos, aunque no le faltaron detractores (por ejemplo Rolling Stone le dio apenas dos estrellas y media sobre cinco). Diamond Dogs es un álbum de suma importancia en la carrera de David Bowie, sus guitarras ásperas y empíricas se consideran como protopunks. Diamond Dogs es, a su manera controversial y poco complaciente, un clásico por derecho propio.

Daniel 
Instagram Storyboy


sábado, 16 de enero de 2021

0016: Love me tender - Elvis Presley


0016 La música en canciones: Love me tender - Elvis Presley 

"Love Me Tender" una canción de la autoría de Elvis Presley, que fue interpretada por primera vez en el Show "The Ed Sullivan" el 9 de Septiembre 1956, fue un estreno un tiempo antes de lanzar el single, y un mes antes del estreno de la película. 

Ya se anticipaba que iba hacer un éxito, El Rey (Elvis Presley) había hecho la grabación original de la canción, y el sello discográfico RCA, ya había recibido un millón de pedidos anticipados de ventas, lo que hizo que Love me tender fuera ya disco de oro antes incluso de su lanzamiento. 

Pero Love me tender, fue más que una canción, el estudio 20th Century Fox pronto al estreno de una película interpretada por Elvis Presley, queriendo aprovechar la popularidad de la canción, decide cambiar el nombre original que se iba a llamar "The Reno Brothers", pasara a llamarse "Love Me Tender"

La autoría fue dada a Elvis (Presley) y Vera Matson, pero esto fue por un acuerdo publicitario, pero el autor principal de la letra de la canción fue escrita por Ken Darby (el esposo de Matson), cuando al propio Darby porque había dado la autoría Elvis y su esposa, Darby respondió: "Porque ella tampoco la escribio" 

Pero hablemos de los logros de esta canción, Love Me Tender alcanzó el número uno en las listas de Billboard la semana del 3 de noviembre de 1956 y permaneció en esa posición por 5 semanas, llegando al puesto 11 en el Reino Unido. «Love Me Tender» también alcanzó el número tres por tres semanas en las listas R&B. ​También fue un logro porque «Love Me Tender» sucedió a otro sencillo de Presley, «Hound Dog/Don't Be Cruel» en el número uno. Esto marcó dos eventos importantes en la historia de Billboard. Durante ese tiempo, Elvis alcanza otro récord: mayor tiempo consecutivo en el número uno de un artista (16 semanas).

Love Me Tender, un clásico que también fue interpretado por muchos más artistas, marcando el legado del Rey

Daniel 
Instagram Storyboy


Ruta 77: Las 7 canciones de @AngelPlaza63

 



     Nos hemos despedido en Donostia de nuestros queridos amigos @Argentinosaurix y @Roxyblues a los cuales estamos muy agradecidos por los magníficos momentos que nos han regalado con su compañía, y nos encontramos en el euskotren camino de nuestro próximo destino el cuál no está lejos, la localidad vecina, Bilbao. Allí hemos quedado con nuestro siguiente amigo, Ángel, otro habitual de las tertulias musicales de 7ias7notas, y que atiende al nombre de @AngelPlaza63 en Twitter. 

El viaje transcurre entre charla y charla con mis queridos amigos Chema, Storyboy y Nevermind, un viaje que se me hace muy corto, pues cuando nos queremos dar cuenta llegamos a nuestra parada de destino en Bilbao, San Mamés. Tras recoger nuestro equipaje, compuesto de una pequeña maleta que portamos cada uno, nos dirigimos a la salida de la estación donde hemos quedado con nuestro amigo, y antes de que nos de tiempo siquiera a mirar a los lados, nos saluda efusivamente con lo brazos levantados Ángel, que se encuentra de frente a nosotros a unos 5 metros. Tras darnos los correspondientes abrazos, Ángel nos comenta que al ser ya mediodía, nos tiene preparada una ruta turística por Bilbao, y que el plato fuerte, donde nos mostrará 7 de esos temas que forman parte de su vida, será al día siguiente con la sorpresa que nos tiene preparada. Así que nos pide que le sigamos para que dejemos el equipaje en su coche que tiene convenientemente aparcado, y así poder empezar la jornada turística que nos tiene preparada.



Ha querido que quedemos en ese punto porque allí se encuentra nuestra primera parada, el estadio de fútbol de San Mamés, donde juega el equipo de sus amores, el Club Athletic de Bilbao, que tantas tardes de gloria, nervios, risas, y alguna lagrimita que otra le ha hecho derramar, y que está ubicado junto a la ría de Bilbao y frente al Hospital Universitario de Basurto. Después de la magnífica visita guiada que nos hace del estadio y de contarnos la historia del club, del estadio y alguna que otra anécdota, nos dirigimos nuevamente al coche, y tras un corto viaje de unos 10 minutos, dejamos el coche estacionado en los aledaños de la magnífica Plaza Nueva, que está porticada por sus cuatro lados, desde donde entre pintxos típicos y txakoli, Ángel nos sigue contando cosas de su querido Bilbao. Paseamos por las Siete Calles, el núcleo antiguo de la ciudad, visitamos la Catedral de Santiago, un edificio gótico enclavado en el mismo centro del casco viejo, conocemos el Paseo del Arenal, que bordea la ría y delimita el casco histórico con la parte moderna de la ciudad, Visitamos el Guggenheim y el museo de Bellas Artes, dos de las mayores atracciones turísticas de la ciudad. La noche va cayendo a lo largo de la ría, y Ángel nos emplaza a recogernos para dormir, pues hay que estar descansados para lo que nos tiene preparado mañana. Le comento entonces que nos tiene muy intrigados, y que nos lleve entonces a algún alojamiento recomendable donde pasar la noche. Ángel se ríe y dice que ya está gestionado, vamos a dormir en su casa pues tiene espacio de sobra y no acepta un no por respuesta. Agradecidos, nos subimos todos en el coche con destino a su casa a recargar pilas para la jornada que nos espera.

Tras dormir en su casa, nos hemos levantado temprano, aún no sabemos que vamos a hacer, y tras acabar de desayunar, nuestro querido amigo decide poner fín al misterio, vamos a hacer una ruta en moto, cosa que para un motero empedernido como yo no puedo dejar pasar, ¡que emoción!. Nos desvela que la ruta comienza aquí en Bilbao y acaba en Tolosa, y la ruta transcurre por la parte más montañosa de Guipúzcoa, unos 110 km,  con unos puertos con unas extraordinarias panorámicas. El recorrido transcurre por lo que en su día fue la Euskadi rural y de la que ya apenas quedan algunos vestigios en vía de extinción, nuestro amigo no ha dejado nada al azar. En la puerta tiene preparadas 4 Ducati Monster 796 iguales a la suya que ha conseguido para la ocasión, y en las habitaciones nos ha dejado preparados los correspondientes trajes de cordura, botas, guantes, espalderas, etc., pues la seguridad lo es todo, y unos cascos con intercomunicadores que ha enlazado convenientemente para que podamos comunicarnos entre los 5 y por los que podremos escuchar la emocionante banda sonora del viaje que nos tiene preparado. 

Tras escuchar todos atentamente los detalles y recomendaciones de Ángel, que es quien conoce perfectamente la ruta, nos organizamos. Evidentemente nuestro amigo irá en cabeza abriendo ruta, al que seguirán Storyboy, Chema y Nevermind por ese orden, quedándome yo el último para cerrar el grupo atento a cualquier incidencia o percance que pueda surgir. Iniciamos la marcha, salimos de casa de Ángel camino de la autovía A 8 mientras nuestro amigo nos comenta que no vale la pena coger la nacional, pues está tan saturada de tráfico que llega a ser un incordio circular por ella. Casi sin darnos cuenta estamos transitando por Durango mientras nuestro guía de lujo nos cuenta que éste es casi el centro geográfico del País Vasco, que en el centro del pueblo se encuentra una de las mejores esculturas góticas vascas, la cruz de Kurutziaga, y que no podemos dejar de ver el ayuntamiento y los restos de la antigua muralla. 



Estamos saliendo de Durango, y mientras curveamos y vamos disfrutando de una panorámica que va cambiando según nos vamos acercando a Elorrio, Ángel a través de los intercomunicadores nos suelta el primero de esos siete temas que forman y han formado parte de la banda sonora de su vida, no sin antes contarnos que el vinilo donde está este tema es el primer recuerdo que él tiene de estar escuchando rock. Los domingos solía ir a comer a casa de su abuela con quién por entonces todavía convivía su tío, al que le encantaba el rock. Uno de los vinilos que tenía su tío allí era Slayed? de Slade, un vinilo que solía escuchar siempre que iba allí. Entre risas nos comenta que una de las razones de ir todos los domingos a comer allí, además de ver a su querida abuela, era por poder escuchar ese vinilo. Dicho esto se hace un silencio y empiezan a sonar los primeros acordes de Gudby T' Jane, incluido en el citado Slayed?, el tercer álbum de la banda publicado en 1972, y escrito por el vocalista Noddy Holder y el bajista Jim Lea. No podíamos comenzar la ruta musical de mejor manera. Acabado el temazo, es Nevermind quien nos relata que la idea del tema se le ocurrió a Jim Lea mientras el grupo se encontraba de gira por Estados Unidos mientras se encontraba sentado en una piscina en San Francisco, completando la canción en el baño del avión en el que regresaba a casa. Posteriormente Holder completaría la letra. El personaje principal se basó en una mujer real, Jane, que por entonces era copresentadora de un programa de televisión de San Francisco a quien el grupo conoció mientras el grupo se encontraba de gira por el país norteamericano. 



Y así, entre curva y curva, y mientras admiramos los parajes y charlamos de este primer temazo, llegamos a Elorrio, de la cuál Ángel nos cuenta que tiene una de las calles más señoriales de todo el País Vasco, pues es la calle que mayor número de blasones luce en sus fachadas de toda la comunidad. También nos habla de la bonita y pintoresca plaza Gernikako Arbeloa, nos comenta que aquí se encuentra la basílica de la Purísima Concepción, donde se encuentran los restos del único santo vizcaíno, San Valentín, y que no podemos dejar de visitar la zona del ayuntamiento, dotado de una fachada de piedra junto a la que se encuentra una bonita galería que alberga algunas terrazas donde poder disfrutar del buen comer y buen beber. Dejamos Elorrio atrás y según encaramos el puerto de Elgeta, donde vamos a poder sacar más partido de nuestras motos, y mientras admiramos el tupido pinar y los caseríos que recorren el puerto, Ángel suelta el segundo tema, no sin antes comentarnos que el vinilo que tiene este tema es uno de los primero que tuvo, el cual compró con el dinero que iba ahorrando de su paga. Un tema que es interpretado por su querido Bon Scott y que no se cansa de escuchar. De hecho, este disco se lo ha comprado ya tres veces, pues lo raya de tanto escucharlo. A los dos segundos reconozco inmediatamente el tema, Touch Too Much, de AC/DC, ubicado en su álbum Highway To Hell (1979). Tras disfrutar de este auténtico pelotazo comento que no puedo estar más de acuerdo y que es uno de mis temas preferidos también, y Storyboy nos recuerda que este tema también es uno de los preferidos de nuestro querido amigo el Pibe (@Argentinosaurix), y que el tema trata de los excesos, con los cuales la banda australiana estaba más que familiarizada, pues el grupo era conocido también por sus fiestas salvajes. 



Encaramos con las motos la entrada a Bergara, de la que Ángel nos cuenta que merece la pena darse una vuelta por su monumental plaza, y que aquí hasta hace no mucho se fabricaban una de las piezas clásicas de la indumentaria vasca: Los azules de Vergara, unos pantalones de laborar que se usaban hasta hace poco también para el día a día. Dejamos Bergara, y antes de encarar el puerto de Elosu, puerto que transcurre por sombrías galerías de robles y del cual vamos a disfrutar de unas impresionantes vistas arriba, nuestro amigo nos suelta el siguiente temazo, pues quiere que lo disfrutemos mientras atacamos las curvas del puerto. Un tema que él siempre se pone precisamente mientras se prepara para salir en moto, pues le pone las pilas. Mientras curveamos por el puerto suena de fondo Iron Maiden con su Run To The Hills, que gozada!. Acabado el tema, es Chema quien emocinado nos relata que esta magistral composición relata desde varias perspectivas cuando los europeos empezaron a llegar a las costas de América del Norte y empezaron a tener contacto con los indígenas. El primer verso relata la situación desde la perspectiva de los indígenas, el segundo verso lo hace desde la perspectiva de los colonos, y el tercer verso lo hace desde la perspectiva imparcial de una tercera persona. En definitiva, toda una obra maestra incluida en el disco The Number Of The Beast (1982). Cuando quiero darme cuenta estamos bajando este bonito puerto y encarando Azkoitia.



Ángel nos dice que lo más interesante de visitar de esta localidad, Azkoitia, es quizá la basílica de Loiola, una basílica de dudoso gusto arquitéctonico pero que es uno de los grandes centros espirituales el País Vasco. Según vamos abandonando la localidad camino del puerto de Iturburu, empieza a sonar el siguiente tema, Sweet Child O' Mine, de cuál nos comenta que si bien no es fan al 100% de esta banda, este es un temazo y además lo tiene de sintonía en su teléfono móvil. El tema, de Guns & Roses, está incluido en su álbum de 1987 Apetite for Destruction. Curiosamente, Nevermind nos relata que este tema comenzó con un fraseo de guitarra que Slash estaba tocando sin tomar muy en serio, y Adler y Stradlin al oir aquel fraseo se unieron con la batería y la guitarra rítmica. aquello acabó encajando como un guante con un poema que Axl Rose había escrito a su novia y que había titulado Sweet Child Of Mine



No nos hemos repuesto del temazo cuando nos disponemos a encarar con las nobles Ducati's el puerto de Iturburu, dotado de un asfalto en perfecto estado que permite tirar sin miedo y contemplaciones la moto para atacar curva tras curva. Mientras todo esto sucede, Ángel ya ha soltado el quinto de los siete temas escogidos que componen la banda sonora de su vida, un tema que siempre le pone de buen humor, le alegra el día y le anima a no quedarse parado y a hacer cosas. Tiene algo que no puede explicar, pero que siempre le pone las pilas. Éste  tema lo suele poner mucho cuando viaja en coche. El tema en cuestión es Rock & Roll All Night, del grupo Kiss, publicado en su tercer disco de estudio, Dressed To kill (1975). El tema rápidamente se convirtió  en un himno y buque insignia para la formación, de hecho suelen cerrar su concietos con este trallazo. El coro y melodía del tema fue creado por Stanley, mientras que la letra fue compuesta por Simmons. El tema surgió de la necesidad de la banda por crear su propio himno, su grito de guerra, y vaya si lo consiguieron.



Acabamos de descender Iturburu, y en apenas 4 kilómetros nos disponemos a atacar el siguiente puerto, el puerto de Bidania, un puerto que al igual que el anterior, esconde unas vistas espectaculares por los dos márgenes de la vía, y donde el arbolado que nos rodea por ambos lados forma una preciosa galería sobe la carretera. Justo antes de empezar la subida Ángel lanza el sexto y penúltimo tema, no sin antes advertimos que este tema es de su banda preferida, no hay otra igual para él. Esta banda le ha marcado mucho musicalmente, tanto que le gusta todo de ella, y para él, este tema refleja sin duda alguna lo que es el rock, su esencia. Y dicho esto comienza a sonar Rock And Roll de Led Zeppelin, mientras ya nos encontramos en faena atacando las curva y tirando la moto en las curvas de éste bonito puerto. El tema está incluido en el disco Led Zeppelin IV, publicado en 1971 y compuesto por Page, Plant, Bonham y Page. Y como muy bien dice nuestro amigo, este tema capta lo que es la esencia del R&R, pues es un rock and roll acelerado y aderezado por un capa de guitarras muy contundentes. Éste tema esconde también una curiosidad, es uno de los pocos temas donde aparece un músico adicional a la formación, se trata del tecladista de los Rolling Stones Ian Stewart, que participó en la jam-session donde se gestó la canción. 



Vamos dejando atrás Bidania, y según nos vamos acercando a nuestro destino, donde acaba la ruta, Ángel nos comenta que nos tiene preparado como colofón y último tema un grupo de la tierra, los bilbaínos Doctor Deseo. Éste grupo ha formado siempre parte de su vida, y tiene unas canciones tremendas y unas letras alucinantes. Ellos son de Bilbao, él es de Bilbao, y también le gustaría morirse en Bilbao, su tierra, donde si no?. El tema no puede ser otro que Morirse En Bilbao. Mientras suenan los últimos acordes del tema del genial grupo de rock bilbaíno, hacemos nuestra particular entrada triunfal en Tolosa, nuestro destino, y digo triunfal porque hemos disfrutado de una ruta con unas vistas maravillosas, con un compañía excepcional que nos ha hecho de guía de lujo y que nos ha desgranado detalles de la ruta durante la misma, y con una banda sonora muy especial de fondo, la banda sonora de Ángel, que ha querido hacernos partícipes de su gran pasión por la música, su tierra y las motos. Aparcamos las motos en los aledaños del casco histórico, y Ángel nos comenta que ya es la hora de comer y que tiene reservado un lugar ideal para ello. Y así, mientras los cinco vamos paseando por el casco histórico de Tolosa hacia el lugar donde repondremos fuerzas con las viandas, vamos hablando de la maravillosa ruta, los lugares y los parajes que Ángel nos ha descubierto, de los temas elegidos, de las motos con las que hemos disfrutado, se puede pedir más...? Eskerrik Asko @AngelPlaza63 por regalarnos tan maravillosos momentos.

viernes, 15 de enero de 2021

0015: Old shep - Elvis Presley

Old shep - Elvis Presley


Old Shep es una canción escrita y compuesta por Red Foley y Arthur Willis, y originalmente interpretada por Foley, sobre un perro que Foley había tenido cuando era niño. El tema que narra la amistad y el amor que nace entre las personas y las mascotas pertenece al cantante Red Foley, quien dedicó la canción a su perro de la infancia que murió envenenado por su vecino. Lo que nunca imaginó es que, años más tarde, “El Rey” la interpretaría.

Old Shep supuso la primera aventura de Elvis sobre un escenario ocurre como parte de su primera etapa escolar. En septiembre de 1941 comenzó el primer grado en la escuela East Tupelo Consolidated, donde sus maestros lo describieron como un alumno «promedio» y hasta le dicen «solitario». Durante su estancia en dicha institución, fue animado a participar en un concurso de canto tras haber impresionado a su maestra durante los rezos matutinos con una interpretación de la canción de estilo country, más tarde en un concurso, llevado a cabo en la Feria anual Mississippi-Alabama el 3 de octubre de 1945, fue donde realizó su primera presentación en público: vestido de cowboy, Presley de apenas diez años de edad se subió en una silla para alcanzar el micrófono y cantó «Old Shep», tema por el cual le habían animado a concursar. Lo curioso de la historia es que Elvis no ganó el concurso, ya que quedó en segundo lugar. De todos modos, la experiencia sobre un escenario le sirvió para perfilar su gusto por la música hacia una carrera musical que -como sabemos ahora- tendría un glorioso final. Tras estos acontecimientos y con este valor sentimental Elvis no dudó en incluirla en su segundo álbum titulado Elvis, por el mismo valor todos deberiamos escucharla y conocer cual fue el primer paso del artista que mas mítica a dado la historia del rock.

El disco de la semana 208: Los Tipitos - Armando Camaleón


El disco de la semana 208: Los Tipitos - Armando Camaleón

Esta semana hemos sacado del arcón de los discos de rock que fueron en cierta forma revelaciones para su época, y el disco que resonaba en el año 2004, era un disco de la banda Los Tipitos, una banda de Rock Alternativo oriundos de la ciudad de Mar del Plata, provincia de Buenos Aires, Argentina.

Una banda de carrera que estaban en al escena del rock desde 1994, y hasta entonces había tenido muy buenas producciones, pero le faltaba a Los Tipitos un paso más para lograr el reconocimiento del publico. 

Luego de editar otros discos que llevaron menos repercusión, sale a la luz "Armando Camaleón", bajo la producción de Pablo Guyot, haberlo elegido a Pablo fue un gran acierto, él sabía cómo lograr que Los Tipitos transformaran sus canciones en verdaderos hits. Willy Piancioli y Raúl Ruffino integrantes de la banda, encontraran en la producción de Pablo la pieza que faltaba para que sus letras lleguen a los lugares desconocidos hasta el momento para Los Tipitos. La banda tenía diez años de vida y seis discos en la calle, y era el momento justo de madures para salir con "Armando Camaleón"

Recorramos cada una de las canciones del disco Armando Camaleón, donde encontraremos el primer corte del disco “Campanas en la noche” (que se convirtió con el tiempo el mayor hit del disco), “Brujería” (primer corte de difusión que eligió la banda) y “En el cielo” estas tres primeras canciones del disco conforman la apertura y presentación perfecta para que te enganche con el disco. Estribillos potentes que quedan grabados en la cabeza de quien los escucha, y estas melodías simples permiten que Los Tipitos popularicen rápidamente sus canciones. 

“Algo”
es una vieja canción de la banda, con otro coro pegadizo, que aparece entre “Sábados blancos”, “Silencio“ y “Por qué”, nuevamente la banda construye un bloque de canciones que pegan más en lo emocional bajando el ritmo, pero no por esa bajada de ritmo escatiman en calidad. La aparición de León Gieco en “Solo figuras”, una de esas canciones que se tocan frente al fogón que tan bien les salen a Los Tipitos, sigue marcando el crecimiento en intensidad del disco. No hay que olvidarse de “Mil intentos”,  y su frase “Tan cansado estoy de oírme y no quiero quedarme callado”.

El disco se despide con tres últimas canciones que son “Habla conmigo”, “Para entender” y “Camaleón”, logrando un excelente resumen de las otras nueve. 

Cada una de las distintas facetas de este disco demuestran la calidad de la producción que hace que sea único en la carrera de Los Tipitos, disco que fue presentado en el Teatro Gran Rex de la Ciudad de Buenos Aires, y les permitió fama y reconocimiento hasta el punto de editar su primer DVD de la banda (TipitoRex, 2006).

Los Tipitos una banda de carrera que llego a lo más alto de su carrera a través de este disco "Armando Camaleón". La banda no llegara a tener nuevamente ese pico de popularidad con los álbumes siguientes, pero lograron acceder a un lugar en la historia del Rock, por ello queremos recomendarte este disco para la que disfrutes. 

Daniel 
Instagram: Storyboy

jueves, 14 de enero de 2021

0014: Cheek to Cheek - Ella Fitzgerald and Louis Armstrong



"En el el cielo, estoy en el cielo",
escuchando a Ella Fitzgerald y Louis Armstrong en "Ella and Louis", uno de los varios discos que realizaron juntos la genial cantante y el virtuoso trompetista en la década de los cincuenta para Verve Records, y que tiene en el tema Cheek to Cheek su pieza más representativa y más conocida. La habéis escuchado en multitud de películas y anuncios televisivos, y en cada una de sus escuchas, la característica voz rota de Louis Armstrong y la aterciopelada garganta de Ella Fitzgerald nos siguen transportando a ese cielo idealizado, que el autor de la canción sintió al bailar "mejilla con mejilla" con su anónimo amor.

Para grabar las canciones que componen el disco, en su mayoría duetos en los que siempre había además espacio para los solos de trompeta de Armstrong, se rodearon del cuarteto de Oscar Peterson, formado por Ray Brown al contrabajo, Herb Ellis a la guitarra, Buddy Rich a la batería y el propio Peterson al piano. Temas como Can't we be friends, Moonlight in Vermont, Tenderly o April in Paris son igualmente destacables, pero fue Cheek to Cheek la que trascendió más allá de las fronteras de una obra conjunta que fue grabada con la delicadeza y virtuosismo de dos monstruos del jazz vocal en estado de gracia.

Para crear la base del disco, Norman Granz (fundador de Verve Records) seleccionó las once piezas, principalmente baladas, para que Fitzgerald y Armstrong añadieran su genial interpretación. El éxito del disco fue tal, que generó hasta dos secuelas posteriores: Ella and Louis again y Porgy and Bess, y las tres obras fueron publicadas posteriormente en conjunto, para hacer las delicias de los seguidores de estos dos grandes intérpretes y de la saga de sus discos a dúo, prolongando al máximo el efecto "cielo" que producía bailar "mejilla con mejilla" mecidos por su música.

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Canciones que nos emocionan: Midnight Train To Memphis - The Steeldrivers

 

The Steeldrivers


     El 15 de enero de 2008, bajo el sello discográfico Rounder Records, se publica The Steeldrivers, el primer álbum de estudio de la banda de bluegrass The Steeldrivers, la cual en ese momento se encuentra integrada por Richard Bailey (banjo), Mike Flemming (bajo, voz), Tammy Rogers (violín, voz), Mike Henderson (mandolina) y Chris Stapleton (guitarra, voz). 

     El disco obtiene una buena valoración de la crítica y también una gran aceptación del público, alcanzando en Estados Unidos el puesto número 57 en la lista Billboard Country Albums. El grupo obtiene también una nominación a los premios Grammy como mejor interpretación de Country de un dúo ó grupo por el tema incluido en el disco Blue Side Of The Mountain.

Incluido en el álbum encontramos otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, Midnight Train To Memphis, escrito y compuesto por Mike Henderson y Chris Stapleton. Chris Stapleton posteriormente vuelve a coger el tema y lo graba para incuirlo en su disco en solitario From a Room: Volume 2 (2017). Stapleton manifestaba al respecto que ese tema pertenecía a su antigua banda The Steeldrivers, y que una vez que dejó la misma el siguió manteniendo el tema en su repertorio pues le encantaba tocarlo en vivo, por lo que pensó que era un tema que debía volver a grabar. 

     Líricamente, el tema trata de un personaje que nos relata en primera persona como se encuentra en la cárcel cumpliendo una condena de 40 días por una multa que no ha podido pagar, y durante todos los días que allí pasa puede escuchar el sonido lejano de un tren que pasa por allí cerca. 

Well, judge looked down, gave me forty days
Instead of the fine that I could not pay
Said "Walk right, you'll soon be home
Cross the line, you'll be on your own"
Forty days of shotguns and barbed wire fences
Forty nights to sit and listen
To the midnight train to Memphis
Well now, whistle blows when the sun comes up
Head to floor, keep your big mouth shut
Eat your breakfast on the ground
Work like hell till the sun goes down
Forty days of shotguns and barbed wire fences
Forty nights to sit and listen
To the midnight train to Memphis
Well now, then for the jury, ten for the judge
Twenty more to forget my grudge
When I get to thirty-nine
That's the longest day in a prisoner's mind
Forty days of shotguns and barbed wire fences
Forty nights to sit and listen
To the midnight train to Memphis
Midnight train to Memphis
Midnight train to Memphis
Oh, Midnight train to Memphis

miércoles, 13 de enero de 2021

0013: Don't Be Cruel - Elvis Presley

 

Don't Be Cruel, Elvis Presley


     El 2 de julio de 1956, durante unas sesiones de grabación de los estudios RCA en Nueva York, Elvis Presley graba entre otros temas Don't Be Cruel, Hound Dog y Any Way You Want Me. El 13 de julio de 1956 aparece publicado bajo el sello discográfico RCA victor, el tema Don't Be Cruel como cara B del sencillo Hound Dog, tema del que ya hemos hablado anteriormente. 

Para la grabación de Don't Be Cruel, Elvis cuenta con la participación de los músicos de sesión Scotty Moore a la guitarra, Bill Black al bajo y D. J. Fontana a la batería y coros. El tema rápidamente alcanza el puesto número 1 en las listas de ventas en Estados Unidos, convirtiendo el sencillo que contenía los temas Hound Dog / Dont' Be Cruel en el único sencillo de la historia en el que sus dos lados alcanzan el puesto número 1 en las listas de ventas.

El tema está acreditado a Elvis Presley y al famoso cantante, pianista y compositor afroamericano Otis Blackwell. En navidad de 1955, a Otis las cosas no le iban muy bien por entonces, pero sigue escribiendo canciones nuevas, consiguiendo vender seis de ellas a una editorial por 25 $ cada una. A esta editorial le gustan tanto las composiciones que le ofrecen un trabajo a tiempo completo, Otis acepta de inmediato. Al poco tiempo a Otis le comunican que hay una estrella de rock emergente llamada Elvis Presley que quiere trabajar con el y sus composiciones, pero le imponen una condición, tenía que ceder el 50 % de las regalías de los temas. Otis en un principio se niega, de ninguna manera quiere renunciar a la mitad de un trabajo que es completamente suyo, pero sus amigos logran convencerle, la mitad es mejor que nada. Más tarde se supo que no era Elvis quien quería y gestó ese suculento acuerdo por los derechos de los temas, fue su mánager el coronel Tom Parker. Don't Be cruel se convirtió en uno de los éxitos más grandes de Elvis, y Otis trabajó con Elvis asiduamente y compuso más temas de éxito para él.

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David Bowie - Aladdin Sane (Mes David Bowie)



¿Quién va a querer a Aladdin Sane?

El alter ego que sustituyó a "Ziggy Stardust" en el siguiente disco triunfal de David Bowie, después de que "matara" al mítico personaje de "The Rise and fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars" era un reflejo de las preocupaciones del artista por lo que él interpretaba como una tendencia hereditaria en su familia a sufrir problemas mentales. El miedo que sentía a que los problemas que sufría su hermano fueran hereditarios, y que por tanto pudieran afectarle a él en algún momento, tuvo su personificación e en la figura del icónico "Aladdin Sane", en realidad un juego de palabras para definir a "un muchacho demente" ("A lad insane").

El cambio de personaje trajo consigo, también, una evolución en el sonido de Bowie, que aunque siguió inmerso en el explosivo glam rock que había caracterizado su anterior obra, las canciones de Aladdin Sane dejaron entrever claros tintes stonianos y una innovadora tendencia a la teatralidad y el vodevil, en una combinación que resultó de lo más fresca y efectiva. La mayor luminosidad de la música no afectó a unas letras que volvieron a ser tan sexuales, ambiguas y decadentes como en entregas anteriores.Buena prueba de ese nuevo enfoque "stoniano" es el arranque del disco con Watch that man, pieza marcadamente rockera y revestida con potentes coros, en la que la guitarra de Mick Ronson dibuja brillantes trazos, acompañada del efectivo colchón rítmico que forman la batería, el bajo y, sobre todo, el piano de Mike Garson, que brilla omnipresente a lo largo y ancho de todo el disco, y que tiene su punto de máximo esplendor en Aladdin Sane, tanto en la manera en que da vigor al tema en su parte más ortodoxa, como en la brillante parte de improvisación final, en la que sus dedos vuelan sobre las teclas para dibujar, en clave de jazz experimental, la locura que atormenta al personaje, que en el estribillo se pregunta: ¿Quién va a querer a un muchacho demente?.

Tras el vigoroso arranque de los dos temas anteriores, Bowie se permite en Drive-in Saturday el lujo de homenajear a la música doo wop y el cine de los años 50, en concreto las películas sobre amores adolescentes en los auto-cines al aire libre. Es uno de los temas del disco que más ha perdurado en la memoria de sus fans, estando presente en la mayor parte de recopilatorios de sus mejores temas. Es sólo un brillante alto en el camino de rock vigoroso y de efectivos estribillos, retomado inmediatamente después en temas como Panic In Detroit y Cracked Actor.

El disco entra entonces en el tramo más teatral y cabaretero con Time, pieza clave por su brillante estructura dramática y sus grandilocuentes coros. Una joya oculta e infravalorada de su extensa e interesante discografía, como lo es también The Prettiest Star, más sencilla y menos pretenciosa, y dotada de una melodía dulce y elegante y unos coros que retoman el guiño doo wop que ya había introducido en Drive-in Saturday.

Prueba de su aparente homenaje o acercamiento a la música de los Rolling Stones, es la versión que incluye del Let's spend the night together de "sus satánicas majestades", en la que de nuevo intenta transmitir cierta locura en la interpretación, dotándola de mayor velocidad. Pese al esfuerzo, el tema palidece comparado con el original, y da la sensación de transitar por un camino que podría haberse evitado, para haber tirado directamente por un atajo hacia las dos obras maestras con las que David Bowie despide uno de los mejores discos de su carrera.

La primera de ellas es The Jean Genie, el auténtico hit atemporal del álbum, con un icónico riff de guitarra y un rotundo estribillo, y Lady Grinning Soul es la excelsa rubrica final de unos músicos en estado de gracia y explorando terrenos musicales en el límite entre el rock y esquemas más clásicos, encabezados por el sublime piano de Mike Garson, acompañando a la perfecta ejecución vocal de un Bowie que logra hacer de la demencia un arte, y que sea fácil rebatir la pregunta que Aladdin Sane se hacía a sí mismo: ¿Quién no va a querer a un muchacho demente si es capaz de hacer discos como éste?

martes, 12 de enero de 2021

0012: Hound Dog - Elvis Presley

 

Hound Dog, Elvis presley


     En 1952, la famosa dupla compuesta por el letrista Jerry Leiber y el compositor Mike Stoller componen y escriben un blues de doce compases llamado Hound Dog. El tema es grabado por primera vez por la cantante de blues Big Mama Thornton en agosto de 1952 y publicado en febrero de 1953 por el sello discográfico Peacock Records. Hound Dog se convierte en el único tema de éxito de Big Mama Thornton, vendiendo más de 500.000 copias y permaneciendo unas 14 semanas en las listas estadounidenses de R&B. De este tema se han grabado más de 250 versiones, y nos vamos a centrar en la más conocida y que más éxito tuvo, la realizada por Elvis Presley.

A principios de 1956 Elvis Presley comienza una gira por el medio de oeste de Estados Unidos, y durante aquella gira tiene la oportunidad de asistir a conciertos de Freddie Bell and The Bellboys en Las Vegas. Freddie Bell había lanzado una versión de Hound Dog en 1955, una versión que a Elvis le fascinó. El grupo realizaba una especie de versión cómica del tema, con una letra que difería algo de la original grabada por Big Mama Thonton. Elvis graba, bajo el sello discográfico RCA Victor, su versión de Hound Dog en julio de 1956 usando la misma letra que habían utilizado Freddie Bell and The Bellboys. El tema con el paso del tiempo se ha convertido en una de los sencillos más vendidos de todos los tiempos, y la revista Rolling Stone lo sitúa en el puesto número 19 de su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. 


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Un país, un artista: Colombia - Kraken

 

Kraken


     Nos adentramos en lo años 80 en Colombia, y tanto las discográficas como las emisoras de radio empiezan a presar atención a los nuevos grupos de rock en español que van emergiendo. Dentro de esta nueva ola de grupos que empiezan a a hacerse se encuentran Compañía Ilimitada, Pasaporte, Ekhymosis, 1280 Almas, Darkness, La Pestilencia (máximo exponente del punk en esa época), Aterciopelados, y el grupo al que vamos a dedicar nuestra sección, Kraken, banda de hard rock y heavy metal fundada enMedellín, Colombia, que tuvo un gran auge en su país natal, en Hispanoamérica y llegó a sonar fuerte en Estados Unidos, México, argentina, Canadá, Perú, y en Europa, siendo  España uno de los países europeos donde más se extendió. 

Para hablar de Kraken tenemos que detenernos en la figura de Elkin Ramírez, un cantante que tene su primer contacto con la música a los 16 años, y entre sus influencias se ecuentran grupos como Black Sabbath, Gotthard, Iron Maiden, DIO, Judas Priest, Mötorhead y Barón Rojo, y clásicos como Puccini, Schubert, Mozart, Beethoven y Wagner. Todos ellos marcarán en el futuro su forma de enender tanto la vida como la música y su forma de componer. Elkin comienza como cantante en 1981, y va forjando su estilo en grupos como Lemon Juice, Hertz, Kripzy, y posteriormente Ferrotrack. Es a finales de 1983 cuando Elkin es invitado a cantar en un grupo que se dedica a versionar temas de grupos reconocidos. Los músicos que conforman la agrupación en ese momento son Hugo Restrepo (guitarra), Jorge Atehortua (bajo), Jaime Tobón (guitarra rítmica) Gonzalo Vásquez (batería), y el recién incorporado Elkin Ramírez (voz).



El 18 de junio de 1984 nace oficialmente la banda Kraken, la cual tiene ya un repertorio propio, y la banda tiene una curiosidad, las composiciones del grupo son en español. El 22 de setiembre de 1984 la banda, que va dando pasos para afianzarse, da un concierto de lanzamiento de la banda en su Medellín natal, concretamente en el teatro Lux de Manrique, ante unas 1200 personas. Al año siguiente, 1985, el guitarrista Jaime Tobón abandona la formación, siendo sustituido por Ricardo Posada, siendo los cambios de componentes en el grupo, una tónica general durante la trayectoria del mismo, siendo el único que se matiene en el mismo hasta su fallecimiento Elkin Ramírez. El grupo sabe que tiene que tiene que ir quemando etapas, y mientras sigue forjándose con uno directos llenos de intensidad, garra y fuerza, tienen claro que su objetivo pasa por componer sus propios temas. Y así nacen sus primeros temas, Nada ha cambiado aún, Todo hombre es una historia, y Muere libre. Cuando se quieren dar cuenta, se encuentran tocando en 1986 en la Plaza de Toros de Medellín, junto al grupo brasileño Santuario, donde los 6.000 asistentes ya cantan y corean los temas inéditos de Kraken. No han grabado todavía ningún disco y grabaciones piratas de sus temas circulan por todo el país como si de un virus se tratase, y además ya cuentan con un gran número de fans que convierten a la banda en ese momento en una de las más representativas de Colombia.

La banda viene pisando fuerte, y esto no pasa desapercibido, por lo que a finales de 1986 consigue publicar su primer sencillo, compuesto por los temas Todo hombre tiene una historia y Muere libre. Para la grabación del mismo les imponen una condición, tienen que aportar 500 firmas de personas comprometidas en comprar otras tantas copias. La banda conseguirá vender mas de 10.000 copias. Todo esto hace que el grupo haga las maletas y salga y comience a tocar fuera de Medellín. A comienzos de 1987 graban su segundo sencillo compuesto por los temas Escudo y espada y Soy real, del cual venden unas 7.500 copias. Todos esto hace que su sello discográfico, Codiscos, que tiene ciertos miedos y reservas debido a la poca tradición que hay por entonces por el hard rock y el heavy metal, se tire al charco y por fín publique su primer disco de estudio de larga duración, Kraken I, compuesto por 8 temas entre los cuales se encuentran los 4 lanzados anteriormente como sencillos, y donde predomina el heavy metal. El disco irrumpe como un torbellino en una Colombia donde predomina la música popular, salsa, vallenato, merengue, etc., La banda consigue vender en pocos meses más de 150.000 copias en el país y se convierte en la primera banda de este estilo en tener una gran aceptación y aparecer tanto en televisión como en la radio. 

La banda va como un tiro y en 1988 realizan su primera gira nacional por el país, tocando en ciudades como Bogotá, Manizales, Pereira, Armenia, Cúcuta, Cali y Medellín entre otras. La banda sabe lo que necesita para crecer, y se rodea de un reresentante y mánager, de asesores de imagen, equipos de fotografía, marketing y patrocinadores, y a pesar de la retirada de su guitarrista lider, Ricardo Posada, para proseguir sus estudios universitarios, esto no impedirá a la banda seguir creciendo y meterse en el estudio para preparar su segundo álbum de estudio. 



Con un disco a sus espaldas y una gira nacional, la banda ya se ha consolidado como la banda más influyente del género y una de las más importantes de colombia. Pero la banda también crece y se enriquece musicalmente, pues en su segundo álbum de estudio, Kraken II, publicado en diciembre de 1989, el grupo también se adentra en el metal progresivo. Tanto la música como las letras son mucho más elaboradas y cuidadas, y el grupo además incluye teclados a su sonido. El resultado, por primera vez en Colombia un tema heavy metal, Vestido de cristal, incluido en este segundo trabajo de la banda, se convierte en número 1 de ventas en las listas colombianas. El grupo sigue dando los pasos adecuados para afianzarse, que seguirán con la publicación de su tercer disco de estudio, Kraken III, pulbicado en septiembre de 1990. El grupo además del heavy metal, y como ya demuestran en su anterior trabajo, en éste siguen explorando otros géneros como el metal progresivo y el rock progresivo, convirtiendo este tercer disco en el más consistente y maduro de la formación. Todo esto le vale al grupo para realizar a finales de 1991 su primer concierto fuera del país, concretamente en la localidad venezolana de Poliedro de Caracas, ante unas 20.000 personas.

La banda durante este tiempo ha sufrido inconvenientes con la retirada y cambio de algunos de sus componentes, pero ha sabido superarlos y en noviembre de 1993 nace Piel de cobre, su cuarto álbum de estudio. El grupo vuelve a la senda del sonido heavy metal, pero las letras, compuestas por Elkin Ramírez, se centran en acontecimientos mitológicos y culturales que marcaron las principales culturas prehispánicas (Maya, Azteca e Inca), y agregan instrumentos propios de esas culturas. Este disco requirió un profundo estudio por parte de la banda de las costumbres y dialectos de las culturas prehispánicas que duró unos dos años. El disco resulta ser un gran éxito y se cuela en el top 10 de la lista internacional Wold Chart hispanoamericana. 

El grupo, fiel a su inquietud, publica en 1995, El símbolo de la huella, donde siguen explorando sonidos, y donde demuestran influencias de jazz y blues, y se adentran en sonidos menos comunes como el Adult Oriented Rock o el Soft Rock. El disco curiosamente apenas tiene repercusión en las emisoras de radio nacionales, pero con el paso del tiempo se convierte en un clásico de la banda y parte indispensable de su repertorio. Ese año Jorge Atehortua, miembro fundador y amigo inseparable de Elkin, se retira de la banda volutariamente, por lo que a comienzos de 1996 Elkin audiciona y ficha a nuevos músicos para continuar con las giras. Esta etapa se hace dura, pues entre 1994 y 1996 la banda realiza mś de 100 conciertos, y mientras tienen que ir venciendo dificultades y audicionar a la vez a nuevos músicos, por lo que los rumores de el final de la banda crecen como la espuma.

Dichos rumores quedan disipados con la nueva formación que monta Elkin Ramírez y que durará hasta 2003. Elkin, consciente de que las discográficas se suelen quedar la mayoría de los ingresos, funda a mediados de 1998 su popio sello independiente, Athenea Producciones, y fija la sede de la banda en Bogotá. A finales de 1999 se publica Una leyenda del rock, con un sonido orientado al heavy metal, el álbum se compone de dos partes diferenciadas, una primera que comprende los 5 primeros temas que fueron compuestos, grabados y producidos de forma independiente por el grupo en un estudio particular de Medellín, y otra parte compuesto por tres temas elaborados en formato digital. Uno de sus temas, Frágil al viento, se lanza como segundo sencillo y alcanza el número 1 no sólo en Colombia, también en Ecuador y Venezuela, y la banda es invitada a tocar por primera vez en Ecuador, donde tiene una gran acogida.



El grupo se da cuenta de que tiene un problema, cada vez parecen mayor número de grabaciones caseras tomadas por sus seguidores en los conciertos, por lo que Elkin toma la determinación de realizar grabaciones de la banda en directo, y así nace su primer directo, Kraken en vivo: Huella y camino, publicado en 2002, y el cual recoge la extensa gira que el grupo comienza en abril de 2002 y que finaliza a finales de 2002 por tierras colombianas además de tocar en la localidad venezolana de Valencia. Con este disco la banda gana un Disco de Oro gracias a las suculentas ventas generadas. A finales de 2004 se embarcan en un proyecto llamado Kraken filarmónico, una serie de 3 conciertos dados junto a la Orquesta Filarmónica de Bogotá, y acabará con la publicación del disco Filarmónico en 2006. A principios de 2006 la banda ya había sido invitada a tocar en dos de los principales festivales de rock argentinos, Cosquín Rock y Gessell Rock, y en 2007 realizan una serie de coniertos en Ecuador y Estados Unidos, cerrando ese año con una gira por cinco ciudades colombianas acompañados del grupo argentino Rata Blanca

En 2008 se publica y comercializa en Colombia y México un disco tributo a Kraken, llamado Tributo internacional a Kraken, un disco con 30 temas grabados por grupos de Colombia, Iberoamérica y España. En 2009 publican su séptimo disco de estudio, Humana deshumanización, con el que celebran sus 25 años en activo, y donde incluyen temas conocidos de la banda que no tenían versión en estudio todavía, como Amnesia y Extraña predicción. En 2013 la banda además de trabajar en material para su siguiente trabajo celebran su 30 aniversario con varias actividades, donde una de las más destacadas es la presentación de su Filarmónico acompañados de la Orquesta Nueva Filarmónica y el Coro Filarmónico de Bogotá, y del que se edita un DVD llmado Kraken 30 años: La fortaleza del titán

El 10 de septiembre de 2016 se publica el octavo y último álbum de larga duración en estudio de la banda, Sobre esta tierra. Un disco que se retrasó bastante debido a los problemas de salud de su líder Elkin, quien en junio de 2015 se somete a una operación para extraerle un tumor en el cerebro, y a partir de entonces es sometido a constantes procedimientos de recuperación y quimioterapia. El 24 de diciembre de 2016 ingresaba en la Clínica las Américas producto de complicaciones asociadas al tumor maligno del que estaba siendo tratado, y desgraciadamente fallecía el 29 de enero de 2017 en su Medellín natal. Numerosos artistas y agrupaciones se manfiestan tras la muerte de Elkin para agradecere el gran legado musical que ha dejado el artista, entre los que se encuentran, Aterciopelados, Juanes, Tres de Corazón, La Pestilencia, Ángeles del Infierno y Mago de Oz entre otros muchos. 

Tras la muerte del líder de Kraken, Elkin Ramírez, es su hijo, Andrés Ramírez quien se encarga buscar nuevo vocalista, Roxana Restrepo, para que la banda no pare y continúe con el legado de su padre, quien cantó más de una vez "Mi voz no ha muerto, solo ha tomado un nuevo aliento..."

lunes, 11 de enero de 2021

0011: Blueberry Hill - Fats Domino

 

En el año 56, Fats Domino ya conocía las mieles del éxito con alguno de sus trabajos previos, como Ain't that a shame (1955) pero es probablemente con este disco, y en concreto con el tema Blueberry Hill, con el que conquistó la cima de las listas de ventas del momento, gracias a su peculiar estilo sonoro, un "rock and roll cadencioso y pausado, con generosas y genuinas gotas del ambiente de taberna y desfile propios de su querida Nueva Orleans.

Años más tarde, a partir de los sesenta, su estrella se fue poco a poco apagando, aunque él nunca dejó de estar activo, con publicaciones circunscritas a la escena local y apariciones periódicas en los Festivales de Jazz de Nueva Orleans, dónde permaneció hasta que, en 2005, el huracán Katrina le obligó a abandonarla. Las aguas desatadas a punto estuvieron de llevárselo, pero se aferró con fuerza a la vida y a la tierra removida de aquella vieja "colina de arándanos", publicando incluso en 2006 un nuevo álbum, Alive and Kicking (Vivo y golpeando o, adaptado al refranero castellano, Vivito y coleando), cuyas ventas se destinaron a la conservación de la cultura de Nueva Orleans.

Venerado y versionado por artistas de la talla de Paul McCartney o Led Zeppelin, sirva este trocito de música en canciones para mostrar también nosotros nuestro humilde reconocimiento a un músico que encontró su libertad "en la colina de arándanos, cuando te encontré a tí. La Luna se quedó inmóvil, en la colina de arándanos, y así se mantuvo, mientras hacías realidad mis sueños. El viento soplaba en los sauces una dulce melodía, pero todas esas promesas que nos hicimos nunca se hicieron realidad. Y aunque hoy estamos separados, tu sigues siendo parte de mí, porque tu fuiste mi sentimiento, en aquella colina de los arándanos".

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domingo, 10 de enero de 2021

0010 La música en canciones: Be-bop-a-Lula - Gene Vincent

0010 La música en canciones: Be-bop-a-Lula - Gene Vincent 

Para la historia de esta canción comenzaremos hablando de su autor Eugene Vincent Craddock cuyo nombre artístico era Gene Vincent fue un cantante del genero de rockabilly, cuyo principal exito no es ni más ni menos que Be-bop-a-Lula, cuando en la primavera de 1956 logra junto a The Blue Caps, conformaban Gene Vincent & The Blue Caps.


Se podría decir que la letra de “Be-Bop-A-Lula”, principalmente no es una complejidad en el gusto musical, pero su historia esta llena de controversias o versiones según quien la cuente. Oficialmente, el manager de Gene Vincent, Bill "Sheriff Tex" Davis, es el coguionista, pero el sheriff Tex, un inteligente hombre de 40 años de Connecticut, parece una fuente poco probable de una joya tan ingenua. 

La historia que suena más a verdad acredita a un joven llamado Donald Graves, un amigo que Gene Vincent hizo en un hospital de veteranos de Portsmouth, Virginia. Vincent, llegada la primavera de 1955 sufriría Gene Vincent una fuerte lesión en una pierna en un accidente de motocicleta. 

Esa lesión lo llevaría al hospital por más de un año, donde un paciente recuerda a Vincent y Graves trabajando en las instalaciones para componer la canción que eventualmente se convertiría en un clásico. Sin embargo, cuando la cinta de demostración de Gene Vincent llegó a Capitol Records la primavera siguiente, el Sheriff Tex había comprado a Graves su participación en "Be-Bop-A-Lula", supuestamente por solo $ 25 Dólares.

Pero no fue la brillantez obvia de "Be-Bop-A-Lula" lo que hizo que esta canción se convirtiera un un éxito, sino el asombroso parecido entre la voz de Gene Vincent y la de Elvis Presley lo que explica la velocidad con la que Capitol atrapó a Vincent y lo llevó a sus estudios. 

De hecho, cuando Vincent y sus Blue Caps grabaron "Be-Bop-A-Lula" el 4 de mayo de 1956, fue con un lado "B" con una canción ahora en gran parte olvidada llamada "Woman Love". Sin embargo, tan pronto como los disk jockeys comenzaron a "voltear" el sencillo debut de Vincent, "Be-Bop-A-Lula" se convirtió en un éxito, subiendo al número 7 en las listas de éxitos y vendiendo más de 2 millones de copias en su primer año de lanzamiento.

"Be-Bop-A-Lula" un clasico en la historia del Rock and Roll, que fue incluso cantada por el mismo Elvis (Presley) y muchos más artistas.

Daniel 
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