Coque Malla - Soy un astronauta más (Mes coque Malla)

Coque Malla, hasta ahora un artista desconocido para mí, y muchos de mis amigos me decían "como que no conoces a Coque Malla, de Los Ronaldos", pero pese a la insistencia de mis amigos, seguía sin conocer su música. 

Así que un buen día, me puse a buscar su música en Youtube, y encontré sus canciones y discos, y realmente pude descubrir un artista realmente versátil, el cual debo decir que me ha sorprendido, por ello tras su primer disco como solista, quisiera destacar una palabras del propio Coque Malla. 

"Fue un trabajo casi pornográfico. Me desnudé completamente. Y la verdad, se pasa mucho frío desnudo. Tuve una mezcla de euforia y melancolía durante todo el proceso. Era mi primer disco sin Los Ronaldos y se juntaron la sensación de libertad absoluta y la de soledad, casi a partes iguales. Contiene una de las mejores canciones que he escrito nunca y que me trae recuerdos muy intensos: NADIE EN LA TIERRA. Al componerlo y escribirlo encontré mi nave y pude volver a casa"

Coque Malla.

Por ello reseñare en esta ocasión su primer disco como solista "Soy un Astronauta más", luego de su paso por Los Ronaldos, como el bien dice, una obra al desnudo, que para mi muestra la esencia de ese rock de los Rolling Stones, será el sonido de esa guitarra a lo Keith Richards, pero con el toque particular que le da Coque Malla. 

Soy un astronauta más, es un disco que tiene 10 canciones las cuales debo decir que me han gustado mucho cada una de ellas, ya que he encontrado en cada una de las canciones pequeñas historias donde el artista en muchas de ellas pone como figura ese amor a las mujeres, lo que me reafirma este amor en un disco posterior llamado Mujeres.  

La mujer sin llave, da el pistoletazo de salida a esta aventura, como una historia intergaláctica de un viaje, junto a una mujer a la que el artista invita en este viaje imaginario, el sonido me recuerda a un rock clásico, a golpe de guitarra y una batería que acompaña. 

Que será de nosotros?, ya lo he dicho, un disco con un canto a las mujeres, y este segundo tema del disco, muestra el poder de las mujeres, ante una posible revolución de las chicas si dejaran de bailar, hipotética reflexión, con la que las mujeres ejercen poder sobre los hombres, la base de este canción mantiene el sonido del rock clásico del primer tema. 

No hay nadie en la tierra, introduce el artista coros para este tema, donde nuevamente el artista poetisa, un sentimiento de soledad o de ser único sobre una tierra vacía, en búsqueda de alguien que entienda que nada a cambiado en él, ya que es el mismo de ayer. 

Paula, me recuerda a esa canciones del rock de los años 60 o 70, una base del más puro rock and roll,  porque se llama Paula esta canción, pero podría decir que Little Richard también hablaba de una mujer pero llamada Lucille, nuevamente el rock and roll y las mujeres primeras en escena. 

Quiero ser como tu, entregado en la garras de los deseos de otra persona, Coque Malla en esta canción debo decir que esta entregado a los deseos de querer ser otra persona, no se si decir que es una balada que de repente explota junto a una guitarra y batería, afirmando el deseo de querer ser otra persona. 

Mentiras, nuevamente el rock and roll marcado en el sonido de este canción, invita a en forma espontanea invita al movimiento de tus pies al ritmo del rock and roll, realmente invita a bailar. 

Rosa's Motel, esta canción me llevo a los lugares comunes de una canción de los Rolling Stones, sera la base de esa batería por detrás que golpea sin cesar en todo momento. 

Aquí me desconcierta el artista, cambia en las últimas canciones de ritmo, no solo con Donde estabais? sino con la siguiente canción Tú y Yo y su última canción del disco Punto Cero, se vuelve más melódico, pero en ninguna de las tres pierde el sentido, en el centro de ellas siempre presente ese amor a las mujeres, y como dije en un principio cada una de las canciones encierra una historia. 

De un perfecto desconocido, debe decir que Coque Malla, con su álbum "Soy un Astronauta más" a pasado a ser de esos artistas que reconocería en cualquier parte por su calidad como músico, ahora si cada vez que me pregunten por Coque Malla, deberé destacar el amor a las mujeres que refleja en cada una de sus canciones. 

Daniel 

Intagram: Storyboy  

Ruta 77 - Los 7 Círculos de Charly (@CatCarlus)

Llega la cuarta entrega de la Ruta 77, la sección que dedicamos a todos los amigos que hemos hecho a través del día a día en nuestro blog. La siguiente persona a la que hemos pedido colaboración se llama Chaly, es multi - instrumentista y según su cuenta de Twitter sus influencias son el reggae, el Funky, el Jazz y los grupos The Police y Radio Futura. Su cuenta de Twitter es @CatCarlus, te invitamos a seguirlo.

Diario de viaje

Las luces del amanecer iluminan la habitación de motel de carretera que nos ha permitido descansar de una noche de concierto, es hora de levantarse y ver que nuevo camino recorrer.

Ya junto al café del desayuno tomo mis apuntes de la noche anterior. Santiago, con sus 7 canciones, nos ha desafiado en este camino que promete ser muy largo, y tras apuntar lo que la memoria me permite sin diferenciar la realidad de la ficción, se me acerca un hombre el cual se identifica con el nombre de Charly, músico de profesión y, como en un cuento de Navidad de Dickens, me dice que ésta cuarta etapa sorprenderá a mis sentidos, porque los caminos nunca son rectos, y me propone que lo acompañe, con una sola condición: Debo acompañarle en su coche, el cual nos espera en la puerta del bar. “No tengas miedo, me dijo, daremos una vuelta, quizás en círculos, quizás podrían ser 7 vueltas, pero no te preocupes”. Y sonriendo, añade: “Los círculos del infiernos eran 9, y yo soy Charly no Virgilio, y aquí los pecados están permitidos”.

Así que me dije a mi mismo, el que no esté libre de pecados que arroje la primera piedra. Llamé a la camarera, pague mi café y acompañe a mi nuevo amigo hacia la puerta, donde nos esperaba su coche, rojo como era de esperar. Todo era realmente muy raro, les debo decir, pero me dejé llevar por mi amigo, que me pidió ajustar mi cinturón de seguridad, porque estábamos por entrar en un tobogán que nos llevaría al primer círculo.

The Beatles, Helter Skelter: Publicado en el décimo álbum de estudio del grupo, The White album, publicado en noviembre de 1968. Composición acreditada a John Lennon y Paul McCartney. en el tema colabora a la trompeta Mal Evans. Grabada en los estudios Abbey Road, siendo el productor George Martin y el ingeniero de sonido Ken Scott. Así nació Helter Skelter, hace referencia a un tobogán en espiral que se puede encontrar en los parques británicos. Paul puso ese título al tema para simbolizar con el tobogán la caída y la decadencia.

Nada mal le dije a mi amigo Charly, quien con una sonrisa me da a entender que el camino aún es largo, me esperan más sorpresas por descubrir, de repente un coche patrulla nos sobrepasa, le digo: "Es la policía", y Charly responde “Vaya si lo es”.

The Police, Every little thing she does is magic

Publicado en el cuarto álbum de estudio del grupo, Ghost In The Machine, en 1981.

Sobre este tema Sting cuenta una anécdota. Cuando se mudo a Londres en 1975 y estaba luchando por hacerse un hueco en el mundo de la música, hizo una audición en un local del barrio londinense de Covent Garden y tocó este tema, pero el del local le dijo que necesitaba éxitos comerciales, no eso que acababa de tocar.

La patrulla de la policía se fue alejando, y Charly decidió ponerme a prueba. Aceleró más su coche, diciendo: "Este tercer círculo te va a encantar, es un mundo diferente, escucha no te arrepentirás", y subió el volumen de la radio.

Third world, Reggae Embassador

Third World es una banda de fusión reggae jamaicana fundada en 1973. Su sonido también tiene influencias soul, funky y disco. Publicado en su álbum Serious Business de 1989. A mediados de los años 80, el grupo sufre un cambio de sonido, pasa de un sonido puramente reggae a un sonido con toques más funkys y disco, debido en gran medida al cambiante escenario del panorama musical de la época.

Todo lo que me había mostrado Charly me hacía querer seguir recorriendo cada uno de los círculos que me propusiera. Estaba decidido a todo, mientras sentía que mi pulso se aceleraba aún más.

Steel Pulse, Heart of Stone

Banda de reggae británica fundada en 1975. Pionera del reggae en Gran Bretaña y en Europa.

Curiosidad, fue el primer grupo de reggae no jamaicano en ganar un premio Grammy.

El camino, hasta acá, no me había permitido descubrir por donde estábamos, así que me atreví a preguntarle a mi extraño amigo dónde íbamos, cuál era nuestro destino. Él me respondió: "Te he traído a una ciudad nueva donde no existe un pasado ni un futuro, sino un presente contante, así que del futuro no te debes preocupar".

Radio Futura, La ciudad interior

Radio Futura, fundado en en 1979, compuesto originalmente por los hermanos Santiago Auserón (voz y guitarra) y Luis Auserón (bajo), Enrique Sierra (guitarra solista), Herminio Molero (sintetizadores) y Javier Pérez Grueso (voz y percusión). Uno de sus mejores temas es La ciudad interior, tema con un toque muy funky y bailable.

La ciudad ha quedado atrás, Charly me pregunta si estoy cansado pero, más que cansado, a estas alturas estoy más bien confundido, ¿donde está la gente? Los habitantes de la ciudad parecen haberse ido y, frente a mí, sólo veo terribles monstruos de hormigón y caminos de asfalto. Charly vuelve a acelerar, pero esta vez sin decir nada.

Living colour, Open letter (to a landlord)

Banda de rock fundada en Nueva York en 1984. Tocan varios palos, funk, heavy metal, hard rock, free jazz ó hip hop entre otros. El tema Open Letter está compuesto por el guitarrista Vernon Reid junto con la poeta Tracie Morris. Aborda el proceso de transformación que sufrió el área urbano de la zona del East Village de Nueva York, donde demolieron los edificios antiguos y los vecinos de toda la vida se vieron obligados a abandonar sus casas. En su lugar, construyeron edificios mucho más altos, subiendo los costes y alquileres de la zona, en un claro ejemplo de especulación pura y dura.

Luego de recorrer varios kilómetros, Charle me aclara que estamos en nuestra última curva, y frente a mi se abre un cielo infinito de estrellas que me deslumbra, como una lluvia de polvo de estrellas. Nos dirigimos al último círculo:

Jamiroquai, Rock Dust Light Star

Tema incluido en el séptimo álbum de estudio de la banda británica, titulado también Rock Dust Light Star, publicado en 2010. Jamiroquai es un grupo británico de funk y acid jazz fundado en 1992.

El tema tiene una buena dosis de ritmos funk muy elegantes, donde la guitarra cobra protagonismo y despunta en ciertos momentos del tema, con unas líneas vocales e instrumentales muy cuidadas.

¡Amigo, hasta aquí hemos llegado! me dice Charly, y las luces del bar rebotan sobre la ventanilla del coche, pero ya no es de día. “Es hora de que bajes del coche” me dice. "Yo debo seguir mi camino".
Agradecido por el recorrido, bajo del coche. Charly me dedica un guiño y acelera nuevamente. Véte a saber a dónde le llevara el camino, espero volverle a ver.

La carretera ha cambiado. Se ve más iluminada, la gasolinera está abierta aun, y el bar ya ha puesto el menú para cenar. Seguro la camarera me recordará de la mañana, así que entro al bar y pregunto por ella. Todos se ríen, el barman me dice que allí no tienen ninguna camarera y que le debo el café. Me giro hacia la ventana, y compruebo que en realidad ha vuelto a ser de día, y mi taza de café aún está caliente. Me río y saco del bolsillo unas monedas para pagar mi café. Me pongo las gafas de sol y me acuerdo de Charly. "Gracias" pronunció en voz baja a un cartel en la pared, en el que sale un Cadillac rojo con un extraño hombre al volante. Después salgo del bar, es hora de volver al camino.

El disco de la semana 166: Vista Alegre, Transportes Henández y Sanjurjo

Vista Alegre

     En 1999 Julián Hernández, el líder y fundador de la mítica agrupación viguesa Siniestro Total se junta con Rómulo Sanjurjo, acordeonista del grupo Os diplomáticos de Monte Alto, formación que cantaba en gallego y que tenía influencias de las orquestas típicas de las fiestas de los pueblos, pero también ska, punk o folk, y juntos forman un grupo con un singular nombre, Transportes Hernández y Sanjurjo.

     La formación se gesta cuando Julián participa en las llamadas Jornadas de Lírica y Burla, unas jornadas colectivas musicales que fueron organizadas por el sello discográfico independiente 18 Chulos, un sello discográfico que tiene entre sus fundadores a Javier Krahe, El Gran Wyoming, Santiago Segura, Faemino ó Pablo Carbonell entre otros.
En esas jornadas Julián es invitado a compartir escenario con artistas como los mismos Javier Krahe, Pablo Carbonell, El Gran Wyoming ó Kiko Veneno.



     Para dicha gira Julián se pone en contacto con Rómulo Sanjurjo, por entonces acordeonista de Os diplomáticos de Monte Alto, y le pide que le acompañe en sus actuaciones en dicha gira. El feeling se hace evidente entre ambos, pues empiezan a desarrollar los dos su propio repertorio, empiezan a realizar sus propias actuaciones, y en 2002 publican su primer disco en estudio, Privilegios de tener una vida inútil.

     En 2006 Julián y Rómulo publican su segundo álbum de estudio, Vista Alegre, el disco recomendado para semana 166 de la aventura de 7dias7notas. Un trabajo que al igual que el primer disco, se aleja del típico sonido que caracteriza a la agrupación Siniestro Total y sabrazan estilos como el folk y el blues acústico. Para grabar este disco, Julián y Rómulo se aíslan de todo lo que les rodea y lo graban los dos solos prescindiendo de medios técnicos y musicales, siendo producido por ellos mismos y publicado por la discográfica Discos de Freno. El nombre del disco, si los Beatles publicaron Abbey Road en los estudios de la esa misma calle, Transportes Hernández y sanjurjo graban este trabajo en una calle llamada Vista Alegre, guiño a los de Liverpool? Quizaś.

     Vista Alegre es un disco apoyado principalmente en el acordeón de Rómulo, la voz y la guitarra acústica y la mandolina de Julián, con unas letras que contienen toques de ironía, humor y compromiso social a partes iguales.

     Comienza el disco con A tí te gustaría hacer el indio, Margarita, donde en un tono alegre no dejan de realizar una defensa en pro de los hábitos de las tribus indias como los Sioux o los Cheyennes. Madre Fango, donde nos evocan un blues de raíces acústico, donde la armónica nos traslada desde el principio a la típica mecedora de porche de la tierra del blues. Sentadito y Callado, una crítica política y social a los autoritarismos, y donde es imposible no acordarse del genial Javier Krahe. Hagan Juego es una anecdótica introducción de apenas de 30 segundos que sirve de introducción para La soledad del francotirador, Un emotivo poema que un hombre recita a su rifle. Consumo infantil, Tema con toques bluegrass donde nos hablan de la preocupante escalada de violencia infantil. Llevadme a un bar, tema que con un tono humorístico nos relatan los desesperados lamentos de un ebrio para que le lleven a un bar. Tras la breve pieza recitada La fuerza del amor le llega el turno a Encenderé mi vela, típica canción para corear en una taberna a la que sigue Ámame, soy un liberal, tema cargado de connotaciones políticas.

     El final se va acercando con Palmo de narices, que es la antesala de el último tema, donde el duo se corona, La luz al final del tunel, un tema de casi catorce minutos relatado a modo de historia y dividido en 14 movimientos, donde nos relata las desventuras de un hombre, que arrepentido ante el hecho de morir decide regresar a la vida, maravilloso. Magnífico tema para cerrar un disco más que recomendable, un disco sutíl e irónico, donde el humor se entremezcla brillantemente con la sátira y el compromiso político y social. En definitiva un disco magnífico.

La música en historias: Damon Albarn y Makelele

Damon Albarn es, probablemente, uno de los iconos más relevantes de la música inglesa de las últimas décadas. Ya sea por su dilatada carrera al frente de Blur, por su exitosa propuesta audiovisual paralela a los mandos de Gorillaz, o por sus brillantes y eclécticos movimientos al mando de The Good, the Bad & the Queen y otros proyectos en solitario, se ha convertido en una figura admirada y seguida por miles de fans en todo el mundo. Sin embargo, nada de esto fue suficiente para que, durante una improvisada sesión como DJ a la que fue invitado en un club de Londres, le reconociera uno de los integrantes de su equipo de fútbol favorito.

¿Me pones "Tomber la chemise"?

El propio Damon ha contado la curiosa anécdota, de manera distendida, en alguna de sus entrevistas. Mientras pinchaba discos para que la gente bailara en la pista,  Claude Makelele (por aquel entonces jugador del Chelsea) se encontraba en el área VIP de aquel club. En un momento de la noche, Claude se acercó hasta la cabina del DJ. Damon le vio llegar y pensó, ilusionado, que venía a saludarle, pero en lugar de eso Claude le pidió al oído que le pusiera una canción:

¿Tienes "Tomber la Chemise", de Zebda? ¿Me la puedes poner?

Damon no le entendió y se encogió de hombros, tras lo cual Claude sacó del bolsillo una exagerada propina para persuadirle. 

Seguramente Claude ya se las había visto con DJ's que no hacen caso a peticiones, eso nos ha pasado a todos, y nos hemos quedado con las ganas más de una vez, quizá por no tener el poder adquisitivo de un futbolista de élite, pero nunca habríamos pasado por alto que el tipo que pinchaba discos con aspecto desaliñado, barba de dos días y un diente de oro brillando en una abierta sonrisa, era el autor de "Parklife", "Girls and Boys" o "The Universal", por mencionar sólo algunas de las muchas canciones que harían palidecer a la insustancial petición del pelotero.

Coque Malla en Wizink 15-2-2020 (Mes Coque Malla)

No podía faltar, en el mes de Coque Malla, su esperado retorno al Wizink para traer a su Madrid el espectáculo de ¿Revolución? En la distancia, el recuerdo de su anterior actuación en La Riviera, cerrando su gira "Irrepetible" (ver reseña "La música en historias: Coque Malla "Irrepetible 6-12-2018 en este blog). Y así como aquel concierto fue realmente irrepetible, la duda con el concierto del sábado en el Wizink era si sería realmente una revolución. Tampoco tenía que serlo, si nos atenemos a los interrogantes del título del brillante disco que le tocaba defender a Coque en el escenario del arena madrileño.


Tuve la suerte de acudir al concierto con los dos mayores fans de Coque Malla del mundo mundial, mis dos hijos, que con tan sólo 9 y 12 años se saben todas sus canciones al dedillo, y que iban a presenciar su primer concierto. En el coche, propusieron que cada uno de nosotros adivinara cuál sería la primera y la última canción del concierto. En la primera no tuve ninguna duda, y fuimos varios los que acertamos, no hay mejor manera posible de arrancar la revolución que con la canción que le da comienzo. Los tambores de "¿Revolución?" precedieron a la salida de la banda, que encadeno la canción de arranque con el siguiente tema del disco, un "Solo queda música" que encantó a los reporteros más jóvenes de 7días7notas.



De no ser por la inclusión de "Escúchame" en la que Coque presentó a la banda, reforzada por una sección de metales en la que no faltaba su hermano Miguel Malla, el concierto en este primer tramo habría calcado la primera mitad del disco. "Un lazo rojo, un agujero" es un hit poderoso, convertido ya en un clásico de Coque, y la aparición de Kase O, muy aclamado por el público, levantó al Wizink en el recitado del rap de la canción. Tras marcarse un rapeo extra y marca de la casa, abandonó el escenario para que la banda de Coque atacara las primeras notas de "América", demostrando que las canciones más orquestales del disco funcionan también en directo. El primer tramo, si dividimos el concierto en lo que para mí fueron tres partes bien diferentes, acabó de manera triunfal con "Extraterrestre", recién estrenado single que suena en directo tan brillante como en el disco. Otro de los temas que huele a clásico, y el favorito de mis jóvenes acompañantes.


Tras la ya icónica "Berlín", en el tramo central del concierto abundaron las canciones más introspectivas, brillantes como cualquier otra pero de más complicado encaje en el formato de gran superficie del Wizink. Se notó en el ambiente que canciones como "La carta" o "Todo el mundo arde", separadas por ese otro temazo que es "El último hombre en la Tierra", habrían tenido más impacto en el entorno más intimista de los teatros y salas del resto de la gira.


La atmósfera repuntó con un tema tan redondo como "Me dejó marchar", tras el que Coque presentó a Jaime Urrutia, segundo invitado especial de la noche, con el que cantó a dúo "La sangre de tu tristeza", que volvió a revolucionar a un público agradecido con ese tipo de sorpresas. Reconozco cierta decepción cuando, tras acabar la canción, Jaime abandonó el escenario, pues habría sido el momento de regalarnos ese temazo que es "Polvo cósmico", aprovechando su presencia para hacerla con el recitado del disco. En lugar de ese tema, le llegó el turno a "El gran viaje a ninguna parte", primera de un grupo de canciones de "acústica y taburete" que Coque despachó con soltura y oficio, incluyendo guiños al "Fire" de Bruce Springsteen en el comienzo de "El ángel caído", una brillante e intimista interpretación de "Una moneda" y el ya tradicional final a capella de "Hace tiempo".

El tercer tramo fue una traca final más eléctrica, que arrancó con el escenario a oscuras y un foco de luz blanca enfocando a un Coque muy seguro de sí mismo con la guitarra, atacando un solo de marcados matices blues rock, para enganchar después con el riff stoniano de "Quiero que estemos pegados". La siguiente sorpresa de la noche fue que la cosa no quedara ahí, sino que atacaran otros dos temas más de "Los Ronaldos". Con el público entregado tras la revisión nostálgica de "Guárdalo" y "Por las noches", Coque anunció que "La señal" iba a ser la despedida y cierre de esa gran noche. Que ésto hubiera sido cierto habría sido toda una revolución, pero afortunadamente no desobedeció los cánones establecidos, y tras hacerse de rogar durante unos minutos, regresó al escenario con la banda al completo para los bises finales, en los que comprobamos que "Un árbol", otra de las gemas de ¿Revolución?, suena también brillante en directo. Para este tema, contó con la colaboración en los coros de Fon Román, que había sido el telonero de la velada.

Para la siguiente canción, era inevitable llegar "Hasta el final", sin importar si eso estaba bien o mal, y dejar abiertas las ventanas para que entrara el último soplo de aire, en forma de una de esas canciones sin las que no podemos vivir. Con "No puedo vivir sin ti" se acabó lo que se daba, y se cumplieron los pronósticos que hicimos en el coche. Y con el "Revolution" de The Beatles sonando de fondo, la banda hizo las tradicionales reverencias de agradecimiento al público, fundidos en el abrazo que se merece el trabajo bien hecho.

Coque Malla - Termonuclear (Mes Coque Malla)

En el mes de Coque Malla me toca enfrentarme a uno de los discos que más valora el propio autor y que fue fruto de una ruptura que dejó noqueado al artista, es por eso, que nos vamos a encontrar a lo largo del álbum toda una serie de cuadros dolorosos y desoladores que tienen un puntito de esperanza y supervivencia, vamos todo lo que viene a ser una ruptura amorosa cuando uno de los dos protagonistas aun siente por su sangre el latido de ella o el.

Arranca el álbum con “Despierto” y con una solemnidad y trascendencia marcada por el violin con el que, solo su melodía, nos sumerge en un estado de expectación absoluta, lejos del rock que hasta ahora había desparramado anteriormente, una voz cansada y que no se cansa de alargar las palabras dejando entrever una languidez extrema, mientras un pequeño acorde de piano la acompaña repetidamente. Una canción para que te ronde la cabeza en esas noches que como el titulo estas Despierto y la melancolía te carcoma por dentro, un dolor que al final se acaba convirtiendo en esperanza, en deseo de seguir adelante y de que nada cambien. A continuación, toma el mando la canción que da título al álbum “Termonuclear” una canción en pasado, cuando podías gritar al cielo la felicidad, cuando te sentías gigante y dominabas todo lo que te propusieras, pero mientras la cautela está presente, y en la canción esta la fuerza de la unión, el poder derribar cualquier cosa, mientras mi mano agarre fuerte la tuya, y aunque esa mano un dia desaparecio, la certeza de que aun podemos con todo. De nuevo nos encontramos con un tono sombrio en la canción, lánguido y casi lastimoso que nos traslada a ese estado de desesperanza que mantiene viva la esperanza, es otro buen tema, quizá demasiado parecido al primero. Cierra la primera trilogía “Puede ser”, con un inicio más común ya que es la guitarra la encargada de sacar el dolor, el dolor que expresa con la letra Coque Malla, la incertidumbre hace presa de su persona y sin llegar a entender lo que esta sucediendo, sin querer da crédito, quiere darse una oportunidad a la esperanza. El lamento se ha intensificado mientras juega con la guitarra.

Se pone más intimista con “Una moneda”, una canción cercana al pop para el tema mas corto del disco, no son más que apenas dos minutos y medio, donde la voz juega con una guitarra, donde se da una pausa, tanto en la canción, como en el dolor, se ha vuelto más optimista en el tono de canción, no en la temática, donde sigue presente el destino y el portazo que le ha dado en forma de incertidumbre. Con “La carta” se nos transforma en juglar que va recitando su epopeya de desamor y dolor, con cierta teatralidad nos sumerge en su dolor y en su tono podemos descubrir como por primera vez en el álbum saca la rabia para expresar un sentimiento ante el que no puede resistirse, por primera vez toma riendas las acciones para desde la rabia para construir su nuevo yo, escupe a todo aquel que quiera escucharle. Con “El barco” se monta en una canción de reivindicación propia, algo muy importante en la vida, quererse a uno mismo tras un fracaso amoroso y ha llegado el momento, por primera vez en el disco de quererse uno mismo, y lo hace nuevamente desde la rabia, desde la incontrolable necesidad de cuidarse, por primera vez, es quizás uno de los mejores temas que mezcla la dureza de la voz con la parsimonia a partes iguales, desde la tranquilidad de por primera vez desde el ocaso, saber lo que tiene que hacer uno.

Con "Despierta" todo es melancolía, una canción de amor ensoñado, bucolica, cual musical de los años 60, nos traslada a un hipotetico lugar donde los sueños se han hecho realidad, una acompañamiento musical brillante, para uno de los mejores temas del disco. "Lo intenta" es casi una cancion juglar, festiva dentro del dolor, un cuento, una nana para adultos, una cancion infantil llena de realidad, es casi todo y nada de eso, porque el desamor esta de nuevo presente aunque no lo quiera inocular de forma que no duela. Finaliza el album con "Dejate llevar" con un comienzo que parece que nos va a meter en un tema totalmente pop, pronto la guitarra interrumpe el tema para hacerse con el mando, acompañado de la voz.

Termonuclear es un disco para disfrutar con el sentido del corazon, meterse de lleno en los sentimientos de lleno que nos trasmite sin un apice de descanso, mientras sentado en penumbra en el sillon, miras la foto de aquella que pudo ser, y que sabes que ya nunca sera.... bravo Coque!

Resultados canciones favoritas extranjeras de 1974.

Un año de una calidad extrema este que se nos presenta en 1974, donde multitud de grupos y cantantes sacan a relucir toda su creatividad y en el mundo de la música no dejan de bullir nuevos talento e ideas para sumar y nunca restar. Ante toda la magnitud del talento sobresale David Bowie que ha colocado 3 temas en el TOP 10, pero como veremos a continuación la nómina de artistas es variopinta y sobresaliente

10.- Barry White - You Are The First, My Last, My Everything. Empezamos con Barry White, al artista nacido en Texas pero que desarrollo su carrera en Los Angeles. Encarcelado de adolescente descubrió a Elvis Presley y tuvo la convicción de que quería dedicarse a la música, aunque si estilo esta bastante alejado del de Elvis. Tras su paso por varios grupos, en 1973 inició su carrera en solitario y basto un solo año para editar esta magnífica pieza que en un principio fue escrita 20 años como una pieza Country pero que Barry White le dio su toque personal y genuino convirtiéndola en un éxito absoluto en las discotecas.

9.- Leonard Cohen - Chelsea Hotel nº2. El poeta de la ciudad, el Canadiense que emigro a Estados Unidos seguro de su potencial como escritor, se encontró realizando una música que era idolatrada en aquellos años 70, quiso idolatrar con este tema a las mujeres en general, con la particularidad de que esta dedicada a Janis Joplin a la que conoció y con la que tuvo un breve romance precisamente en el hotel que hace referencia el título. Ojo a esta frase demoledora que podemos escuchar en la canción… "Te arreglaste, dijiste: 'Bueno, no importa. Somos feos, pero tenemos la música'". La cancion es otra de las grandes baladas que se marca Cohen, recitando su texto de amor con una leve guitarra gira a su alrededor.

8.-Queen - Killer Queen. El grupo ya se había hecho un hueco en el panorama musical británico, empezaban a ser venerados y su tercer álbum iba a ser el del despegue final y como cancion de presentación esta Reina asesina, que no deja de ser en palabras del propio Mercury todo aquel que se cree clase alta que mira por encima del hombro a los demás y que al final no dejan de ser una prostituta asesina con el resto de la gente. Esta cancion esta catalogada como la que provoco el giro absoluto y acertado de Queen en su estilo musical, habían pasado de ser una banda de rock duro a hacer algo cargado pero de otro estilo. Personalmente me parece uno de los temas mas teatrales de la banda, con ese cambio en el registro vocal de Mercury.

7.- Aerosmith - Train kept a rolling. A pesar de que Steve Tyler llevaba dando bandazos en el mundo de la musica varios años, la banda se formo 2 años antes, y a principios de 1973 editaron un álbum producido y grabado de manera precipitada que no tuvo casi eco en el mundo musical, a pesar de que tuvo una gran recpecion critica. Para su segundo álbum tenían que preparar algo mejor y contaron con la colaboración de Jack Douglas que les ayudo a redefinir ese sonido tan característico del grupo. El álbum incluia esta versión de la cancion original del grupo británico The Yardbirds y que convierten a su sonido resultando una de las canciones más representativas de Aerosmith. Un buen tema.

6.- David Bowie - Rock and roll suicide. Los primeros versos de la canción están inspirados en un poema de Manuel Machado, cuyo primer verso es «La vida es un cigarrillo...». Perteneciente al álbum de 1972 titulado The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, el gran éxito del álbum provoco que se sacaron multiples del álbum llegando a sonar este tema en 1974, donde tuvo su carrera popular. Concebida en términos de chanson Francesa. Una cancion muy estimada por el autor ya que según él pudo jugar con distintos estilos musicales. La cancion es de una grandiosa intensidad a medida que va sonando, otra gran obra de Bowie

5.- Bob Dylan - Forever Young. Incluida en el álbum Planet Waves un disco grabado con The band, el grupo que había acompañado durante los primeros años a Bob Dylan cuando el estilo del cantautor se tornó en eléctrico, eran los últimos años de The Band y Bob Dylan recirrio de nuevo a ellos y creo esta cancion sobre la paternidad convirtiéndose en uno de los buques insignia del cantante y versioneada posteriormente por muchos artistas como Joan Baez (1976), Diana Ross (1984), The Pretenders (1994), o Meat Loaf (2003). Chrissie Hynde de The Pretenders dijo sobre la canción: "Tiene una letra tan hermosa. Me encanta. Es el orgullo de nuestra generación. La canción es genial".

4.- Bad Company - Can´t get enought. Estamos ante la canción que más alto a llegado del grupo y ese merito se multiplica cuando esta incluida en su primer álbum, que lleva el mismo titulo que el grupo. La cancion es una buena muestra de lo que podía dar de si el sonido del grupo, el tema fue escrito por el guitarrista Mick Ralphs, quien no se daba saciado con el amor/sexo que le ofrecía su pareja. Curiosamente Mick ya había escrito el tema cuando se encontraba en su anterior grupo Mott The Hoople, pero éste fue rechazado bien por el grupo o la discográfica, cuando lo mostró a su nueva banda, a Paul Rodgers y compañía le encantó y la grabaron. Este tema fue grabado en el famoso Ronnie Lane Mobile Studio (LMS), que fue uno de los primeros estudios de grabación sobre ruedas que hubo.

3.- David Bowie - Diamond Dog. El octavo álbum de David Bowie fue lanzado en este año, justo detrás de su exitoso The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, la portada del álbum era una pintura de Bowie como mitad hombre, mitad perro. Esta canción nos presenta al personaje posterior a Ziggy Stardust, Halloween Jack, un gato realmente genial que vive en la cima de un rascacielos abandonado de Manhattan en una ciudad post-apocaliptica. Una cancion muy influenciada por las guitarras de The Rolling Stones. Es una cancion bastante complicada y un sonido bastante alejado de lo que nos tenia acostumbrado Bowie, de hecho, el tema pasó prácticamente desapercibido, fue pasado el tiempo cuando la cancion tomo la fama y el aprecio del que ahora tiene.

2.- Lynyrd Skynyrd.- Sweet home Alabama. Estamos sin duda ante una de las canciones del grupo y uno de los temas que mejor representan el rock sureño que esta banda tan bien ha sabido crear a lo largo de los años. La banda de Florida, escribió este tema, sobre sus impresiones de Alabama y como un homenaje a los músicos de estudio en Muscle Shoals Sound Studios , donde grabaron desde 1970 hasta 1972, también fue como respuesta a dos composiciones de Neil Young: "Southern Man" y "Alabama", las cuales incluyen los temas del racismo y la esclavitud en el sur de los Estados Unidos, donde le contestaban al señor Young que en Alabama también había cosas buenas. De hecho, Neil Youg y Los chicos de Lynyrd Skynyrd acabaron haciéndose amigos y llegaron a compartir escenario. Estamos ante un himno al que en clave local la banda Siniestro Total realizó una versión dedicada a Galicia, Miña terra galega.

1.- David Bowie.- Rebel Rebel. Incluida en el álbum Diamond Dogs, esta cancion trata sobre un niño que se rebela contra sus padres usando maquillaje y ropa de mujer pegajosa. Fue una canción definitoria de la era "Glam Rock". Caracterizado por la ropa femenina y los espectáculos de teatro escandalosos, Glam era grande en Inglaterra a principios de los años 70. Bowie tuvo el mayor éxito de los glam rockeros.

El disco de la semana 165: Izzy Stradlin and the Ju Ju Hounds - Izzy Stradlin and the Ju Ju Hounds

Dicen que no hay nada cómo unas cuántas cañas entre amigos para tomar decisiones arriesgadas. En algún momento de la cuarta o quinta caña, alguno de ellos dirá aquello de: "A que no hay bemoles a hacer esto", golpeando la barra del bar con el vaso. Inevitablemente, alguno del resto acabará recogiendo ese guante, con otro sonoro golpe a la barra del bar. Alguien podría pensar que eso debió ser lo que ocurrió con Izzy Stradlin, guitarrista de la formación clásica de Guns and Roses, y compositor de muchos de los temas de la banda, cuando tomó la decisión de abandonar el transatlántico en el que viajaba junto a Axl Rose, Slash y Duff McKagan, para embarcarse en un proyecto en solitario que le haría empezar prácticamente de cero.

Sin embargo, en un análisis más profundo, salen a la luz razones de más peso, como la difícil convivencia con los grandes egos de la banda, el desigual reparto de las ganancias que le plantearon al llegar a la cresta de la ola, un estilo de vida excesiva que empezaba a querer dejar de lado y, sobre todo, sentir que sus contribuciones con la guitarra quedaban siempre enterradas bajo las capas de guitarras de Slash. Teniendo en cuenta todo esto, se entiende que no fue una decisión impulsiva dar el brillante salto al vacío que es "Izzy Stradlin and the Ju Ju Hounds", su disco de debut en solitario.



IZZY STRADLIN AND THE JU JU HOUNDS (1992)


Una vez Izzy saltó por la borda, remó hasta la orilla más cercana y puso rumbo a su localidad natal (Lafayette, Indiana), dónde se aisló por un tiempo, para componer un puñado de temas con los que conformar un álbum. Una vez los tuvo, comenzó a enrolar a la tripulación del que iba a ser su nuevo barco. Y así, se fueron uniendo el bajista Jimmy Ashhrust (Broken Home, Buckcherry), Charlie Quintana (Batería de Cruzados y otros grupos punk, que había colaborado también con Bob Dylan), Ian McLagan (teclista de The Faces) y el guitarrista Rick Richards (Georgia Satellites), que junto a Izzy dieron al disco un marcado sabor a blues y rock and roll stoniano. No tuvo la repercusión comercial que hubiera merecido ésta cuidada colección de enérgicos temas de rock, y pasó de las multitudinarias giras de los Guns a defender su disco en pequeños locales, pero en términos de calidad superó por varios cuerpos de diferencia a la práctica mayoría de los discos posteriores facturados por sus ex-compañeros.

El disco comienza con Somebody Knockin', un tema con cierto parecido al "Somebody put something in my drink" de los Ramones, pero llevado a terrenos más rockeros y elaborados. La voz y la guitarra de Stradlin nos recuerdan, en éste y en muchos de los temas, a su admirado Keith Richards, no en vano los Rolling Stones ya eran una influencia importante para la mayoría de los miembros de los Guns. Como curiosidad, en este tema aparece como invitado especial Craig Ross, el guitarrista y mano derecha habitual de Lenny Kravitz.


Pressure Drop arranca como una pieza de afilado e inmediato punk rock, para virar después hacia un final instrumental de más pausa y de sorprendente cadencia reggae. Le sigue Time Gone By, uno de los temas lentos del disco, con aires del Bob Dylan de la época más folk y acústica, y aderezado con arreglos de palmas y mandolinas. Pero es a partir de Shuffle it all cuando este Ju Ju Hounds despega y, en líneas generales, cada tema irá elevando cada vez más el nivel. Todas las piezas encajan en este tema de manera armoniosa, pero si hay que destacar algo por encima del resto me decantaría por el poso que el órgano Hammond deja en este brillante pieza de blues rock. La voz de Stradlin de nuevo nos traslada al Keith Richards más clásico. 

Bucket O’ Trouble se queda en un tema algo anecdótico, por su corta duración y su marcado carácter punk. De nuevo las influencias del punk de los 70, que tanto gustaban a los Guns, hacen aquí aparición. Un buen tema, pero si consideramos este disco como un clásico injustamente olvidado, es más por las canciones que juegan con el blues rock, el uso del Hammond y el slide en las guitarras. Temas como la soberbia Train Tracks, una de las mejores piezas del disco, y probablemente la canción en la que las guitarras mejor muestran el talento y actitud de estos músicos.

El segundo tema lento llega con How Will It Go,  trayendo de nuevo bajo el brazo la cuidada combinación de guitarra acústica y eléctrica, y el aderezo de la mandolina. Es apenas un breve respiro, para pasar a Cuttin' the Rug, otro de los bombazos del álbum, pieza de puro rock clásico y heredera de las grandes canciones de guitarras gemelas. La banda sigue en todo lo alto en Take A Look At The Guy, versión de un tema de Ron Wood, y segunda colaboración especial del disco, ya que el propio Wood canta y toca la guitarra junto a Izzy y los Ju Ju Hounds. La segunda parte del tema es musicalmente brillante, uno de los momentos más álgidos del disco.

El cierre del álbum llega con Come On Now Inside, pieza de blues en el que guitarra y piano llevan la voz cantante. En este tema, los teclados son a cargo de Nicky Hopkins, el último invitado en unirse a la fiesta. La segunda parte de la canción lleva el nombre de Morning Tea, una jam de percusión con aires étnicos que funciona como "tema escondido" para dar un pintoresco cierre a un disco muy completo, pero que no aporta realmente a una canción que ya ha brillado previamente con el slide de las guitarras y el toque sureño de los teclados.

Resumiendo, Izzy Stradlin entregó, en el ya lejano 1992, un primer disco en solitario en el que mostró todo el talento que permanecía oculto tras la enorme maquinaria de caos y egos encontrados de los Guns and Roses. Cuentan que a Stradlin, además de los motivos ya comentados, le empujó a dejar el grupo despertarse un día en el sillón de una casa desconocida, y no recordar dónde estaba y cómo había llegado allí. Quizá ese día, en algún momento de soledad, abrió una cerveza y golpeó con fuerza la botella contra la mesa, diciéndose a si mismo: "¿A que no hay bemoles a hacer un disco de rock clásico de calidad, en el que pueda hacer lo que me de la gana?". Izzy aceptó su propio reto, y el siguiente golpe sobre la mesa fue el disco Izzy Stradlin and the Ju Ju Hounds.

Historia del rock and roll: 32.- Otis Redding y Sam Cooke

OTIS READING

Otis Ray Redding Jr. (9 de septiembre de 1941 - 10 de diciembre de 1967) nació en Dawson, Georgia, y fue el cuarto de seis hijos. Canto en la escuela secundaria Ballard-Hudson mientras que los domingos ganaba dinero interpretando canciones góspel para la emisora de radio Macon WIBB, donde ganó un premio de 5 dólares durante 15 semanas consecutivas. A los 15 años, Redding dejó la escuela para ayudar económicamente a su familia; su padre había contraído tuberculosis y a menudo era hospitalizado, dejando a su madre como la principal fuente de ingresos de la familia. Trabajó como cavador de pozos, como asistente de estación de gasolina y ocasionalmente como músico. El despegue de Redding se produjo en 1958 en "The Teenage Party", del disc jockey Hamp Swain, un concurso de talentos en los teatros locales Roxy y Douglass. Johnny Jenkins, un guitarrista prominente localmente, estaba en la audiencia y, se dio cuenta que la banda de acompañamiento carecía de habilidades musicales. Redding cantó "Heebie Jeebies" de Little Richard y pronto fue invitado a reemplazar a Willie Jones como líder de Pat T. Cake y los Mighty Panthers, con Johnny Jenkins. Redding fue contratado por los Upsetters cuando Little Richard abandonó el rock and roll en favor de la música góspel. A los 19 años, Redding conoció a Zelma Atwood, de 15 años, en The Teenage Party. Dio a luz a su hijo Dexter en el verano de 1960 y se casó con Redding en agosto de 1961. A mediados de 1960, Otis se mudó a Los Ángeles con su hermana, Deborah, mientras que los hijos de Zelma y Otis se quedaron en Macon, Georgia. En Los Ángeles, Redding escribió sus primeras canciones, incluyendo "She's Allright", "Tuff Enuff", "I'm Gettin 'Hip" y "Gamma Lamma" (que grabó como single en 1962, bajo el título "Shout Bamalama" )

Miembro de Pat T. Cake y los Mighty Panthers, Redding recorrió el sur de los Estados Unidos en una serie de escenarios que aceptaban músicos afroamericanos durante la era de la segregación racial, que se prolongó hasta principios de la década de 1960. Johnny Jenkins dejó la banda para convertirse en el artista destacado de los Pinetoppers, el representante de Atlantic Records Joe Galkin mostró interés y alrededor de 1962 le dijo que fuera al estudio Stax en Memphis. Redding condujo a Jenkins a la sesión, ya que este último no tenía carnet de conducir. La sesión con Jenkins, acompañado por Booker T. & the MG's, fue improductiva y terminó temprano, a Redding se le permitió entonces interpretar dos canciones. La primera fue "Hey Hey Baby", y el jefe de estudio Jim Stewart pensó que se parecía demasiado a Little Richard. La segunda fue "These Arms of Mine", con Jenkins en el piano y Steve Cropper en la guitarra. Más tarde, Stewart elogió la actuación de Redding y dijo: "Todos estaban preparándose para irse a casa, pero Joe Galkin insistió en que le escucháramos a Otis. Había algo diferente en su balada, realmente vertió su alma en ella. "These Arms of Mine" y otras canciones de las sesiones de 1962-1963 se incluyeron en el álbum debut de Redding, Pain in My Heart, " That's What My Heart Needs " y "Mary's Little Lamb" se grabaron en junio de 1963. Posteriormente Cropper y Redding escribieron "Chained and Bound", "Come to Me" y "That's How Strong My Love Is" que se incluyeron en el segundo álbum de estudio de Redding, The Great Otis Redding Sings Soul Ballads., lanzado en marzo de 1965. Ese verano, Redding y el equipo del estudio arreglaron nuevas canciones para su próximo álbum. Diez de las once canciones fueron escritas en un período de 24 horas el 9 y 10 de julio en Memphis. El álbum, titulado Otis Blue: Otis Redding Sings Soul, fue lanzado en septiembre de 1965.

Redding fue uno de los primeros artistas de soul en actuar para el público del rock en el oeste de los Estados Unidos. Su actuación recibió elogios de la crítica, incluido Los Angeles Times , y se hizo un hueco en la cultura popular. Bob Dylan asistió a la presentación y le ofreció a Redding una versión alterada de una de sus canciones, "Just Like a Woman". A finales de 1966, Redding regresó al estudio Stax y grabó varias pistas, incluyendo "Try a Little Tenderness”, esta canción había sido previamente interpretada por Bing Crosby y Frank Sinatra, y los editores intentaron sin éxito evitar que Redding grabara la canción desde una "perspectiva negra".

En 1967, Redding actuó en el influyente Festival Pop de Monterey como acto de clausura fue invitado gracias a los esfuerzos del promotor Jerry Wexler. Hasta ese momento, Redding todavía actuaba principalmente para audiencias negras. En ese momento, "no se lo había considerado un artista comercialmente viable en el mercado blanco estadounidense", sin embargo ofreció una de las actuaciones más eléctricas de la noche y la actuación que más disfruto el publico, "su actuación en Monterey Pop fue, por lo tanto, el paso natural de la aclamación local a la nacional, ... el punto decisivo en la carrera de Otis Redding ”. Su interpretación incluyó su propia canción "Respect" y una versión de "Satisfaction" de los Rolling Stones.  Redding volvió a grabar en Stax una nueva canción fue "(Sittin 'On) The Dock of the Bay", que fue escrita con Cropper mientras estaban con su amigo, Earl "Speedo" Simms, en una casa flotante en Sausalito. A su esposa Zelma no le gustaba su melodía atípica. El equipo de Stax también estaba insatisfecho con el nuevo sonido; Stewart pensó que no era R&B, mientras que el bajista Donald "Duck" Dunn temía que dañara la reputación de Stax. Sin embargo, Redding quería reivindicar su estilo musical y pensaba que era su mejor canción, intuía que podía ser un verdadero éxito y termino la canción con el característico silbido que todos conocemos.

En 1967, la banda viajaba de gira en el avión Beechcraft H18 de Redding. Aunque el clima era malo, con fuertes lluvias y niebla, y a pesar de las advertencias, el avión despegó. A cuatro millas (6.4 km) de su destino en Truax Field en Madison, el piloto llamó por radio para pedir permiso para aterrizar. Poco después, el avión se estrelló contra el lago Monona. El miembro de Bar-Kays, Ben Cauley, el único sobreviviente del accidente, estaba durmiendo y se despertó justo antes del impacto, dijo que lo último que recordaba antes del choque era desabrocharse el cinturón de seguridad, con lo que salió despedido cayendo en el agua helada, donde pudo agarrar cojín del asiento para mantenerse a flote. Al no saber nadar, no pudo rescatar a los demás. La causa del accidente nunca fue determinada. Las otras víctimas del accidente fueron cuatro miembros de los Bar-Kays: el guitarrista Jimmy King, el saxofonista tenor Phalon Jones, el organista Ronnie Caldwell y el baterista Carl Cunningham; su ayuda de cámara, Matthew Kelly; y el piloto, Richard Fraser. El cuerpo de Redding fue recuperado al día siguiente cuando se buscó en el lago. La familia pospuso el funeral del 15 al 18 de diciembre para que más personas pudieran asistir. El servicio tuvo lugar en el Auditorio de la Ciudad de Macon. Más de 4.500 personas vinieron al funeral, desbordando la sala de 3.000 asientos. Lanzamientos póstumos y grabaciones propuestas y apariciones en televisión.

"(Sittin 'On) The Dock of the Bay" fue lanzado en enero de 1968. Se convirtió en el único sencillo de Redding en alcanzar el número uno en el Billboard Hot 100 y el primer sencillo número uno póstumo en la historia de las listas estadounidenses. Vendió aproximadamente cuatro millones de copias en todo el mundo y recibió más de ocho millones de aviones. El álbum The Dock of the Bay fue el primer álbum póstumo en alcanzar el primer lugar en la lista de álbumes del Reino Unido.

SAM COOKE

Nacido como Samuel Cook en Clarksdale, Mississippi, en 1931 es por todos conocido como Sam Cooke ya que en 1957 agregó una "e" al final de su nombre símbolo de un nuevo comienzo en su vida. Fue el quinto de ocho hijos del reverendo Charles Cook y su esposa, Annie Mae. Se mudó a Chicago en 1933. Comenzó su carrera con sus hermanos en un grupo llamado Singing Children a la edad de seis años. Se hizo conocido por primera vez como cantante principal de Highway QC cuando contaba con 14 años. En 1950, Cooke reemplazó a RH Harris como cantante principal del grupo de The Soul Stirrers. Su primera con él de cantante fue en 1951,"Jesus Gave Me Water", su primer sencillo pop / soul fue "Lovable" (1956), una nueva versión de la canción gospel "Wonderful". Había un estigma considerable contra los cantantes de gospel que tocaban música secular y trataron de disimular su nombre. sin embargo, no engañó a nadie: la voz única de Cooke se reconocio fácilmente. En 1957, Cooke apareció en The Guy Mitchell Show de ABC. Ese mismo año, firmó con Keen Records. Su primer éxito, "You Send Me", y pasó seis semanas en el número 1 en la lista Billboard R&B.

En 1961, Cooke comenzó en su propio sello discográfico, SAR Records, la discográfica pronto incluyó a los Simms Twins, los Valentinos (que eran Bobby Womack y sus hermanos), Bobby Womack y Johnnie Taylor . Como la mayoría de los artistas de R&B de su tiempo, Cooke se centró en los singles, fue un prolífico compositor y escribió la mayoría de las canciones que grabó. A pesar de lanzar en su mayoría sencillos, lanzó un muy bien recibido LP con toques de blues en 1963, Night Beat , y su álbum de estudio más aclamado por la crítica, Ain't That Good News, en 1964. En 1963, Cooke firmó un contrato de cinco años con Allen Klein para administrar Kags Music y SAR Records y lo convirtió en su gerente. Klein negoció un acuerdo de cinco años (tres años más dos años de opción) con RCA en el que una compañía holding, Tracey, Ltd, nombrada en honor a la hija de Cooke, propiedad de Klein y administrada por JW Alexander, produciría y poseería las grabaciones de Cooke. RCA obtendría derechos de distribución exclusivos a cambio una comisión y pagos por las sesiones de grabación.

Cooke murió a la edad de 33 años el 11 de diciembre de 1964, en el Hotel Hacienda, en 9137 South Figueroa Street, en Los Ángeles, California. Según los informes la causa fue un tiroteo durante un secuestro en el motel, la policía encontró el cuerpo de Cooke, vestido solo con una chaqueta deportiva y zapatos, pero sin camisa, pantalones o ropa interior. Había sufrido una herida de bala en el pecho, que luego se determinó que le había perforado el corazón. La gerente del motel, Bertha Franklin, dijo que le disparó en defensa propia después de que irrumpió en su oficina y la atacara. El registro oficial de la policía indica que Franklin le disparó mortalmente, ella dijo que Cooke había entrado furioso en la oficina, llevando puesto nada más que un zapato y una chaqueta deportiva y exigiendo saber el paradero de una mujer que lo había acompañado al hotel, Franklin dijo que la mujer no estaba en la oficina, pero Cooke, enfurecido, no la creyó y la agarró violentamente, exigiéndole nuevamente saber el paradero de la mujer. Según Franklin, ella forcejeó con Cooke, los dos cayeron al suelo, se levantó rápido y corrió a buscar un arma, disparando contra el cantante en defensa propia porque temía por su vida. Otra testigo llamada Elisa Boyer le dijo a la policía que había conocido a Cooke esa noche y que había pasado la tarde en su compañía. Ella dijo que después de que salieron juntos de un club nocturno local, ella le había pedido repetidamente que la llevara a su casa, pero él la llevó en contra de su voluntad al Motel donde en una de las habitaciones del motel, Cooke la obligo a pasar la noche, y que estaba segura de que la iba a violar. Según Boyer, cuando Cooke entró al baño por un momento, rápidamente agarró su ropa y salió corriendo de la habitación, con los nervios, también había recogido la mayor parte de la ropa de Cooke por error huyendo del motel, dijo que fuera y lejos del Motel se volvió a poner la ropa, escondió la ropa de Cooke y fue a una cabina telefónica y llamó a la policía. Tras estas declaraciones se declaró que la muerte fue accidental y en defensa propia sin ser acusada de homicidio ninguna de las dos mujeres

Coque Malla - Canta a Ruben Blades (Mes Coque Malla)

Coque Malla es un rockero, es un rebelde, le ha dicho adiós a papa e incluso nos ha llamado Idiota, parece estar mas cercano al punk antisistema que al angelito que podíamos ver en algunas de sus interpretaciones en el cine, pero a este hombre de corazón duro, de guitarra y batería, de alarido y sentencia, hubo un momento que le hizo click cierto tipo de imagen, cierto tipo de música que en ningún momento hubiéramos pensado que lo podíamos emparejar con él.

Nos encontramos en la segunda década del siglo XXI, Los Ronaldos hicieron su última aparición a finales de la década anterior y Coque Malla ha decidido labrarse una carrera en solitario, con algunos conceptos que dejo abandonados en el grupo de su vida, pero con nuevos sonidos e ideas que le bullían en la cabeza, ha publicado 3 discos en solitarios, de una calidad musical incuestionable, pero quizás, pero aparentemente no con el éxito de fama que había tenido con su grupo anteriormente, pero él sigue adelante, es feliz con lo que hace, nada le impide entregarse a nuevas sensaciones. Pero el tenía una sensación que le bullía por dentro desde hace muchos años, concretamente desde 1990 cuando pudo ver en concierto a Ruben Blades, desde entonces la admiración por el cantautor Panameño ha ido creciendo, ha seguido sus pasos, se ha machacado toda su discografía, pero el click salta en 2011, Blades se encontraba de gira por Madrid y no iba a perder la oportunidad de disfrutarlo y es allí donde se le ocurre que él tiene que hacer algo al menos que se parezca, y que tiene que darle las gracias de alguna manera, y empieza a buscar músicos que conozcan ese estilo y a embaucarlos en un proyecto que difícilmente tendrá una salida comercial pero si de satisfacción personal, artística y espiritual, no necesita más, los valientes, Pablo Navarro al contrabajo, Luis Guerra al piano, Juan Viera en la conga, Yuvisnei Aguilar con el timbal y Roberto Pacheco y Santiago Cañada con los metales. Y es así como se dedica durante el verano de 2012 a realizar una serie de actuaciones en el café Gijon de Madrid y para satisfacción propia realizan sus grabaciones, un sueño hecho realidad, un pasito mas que su corazón cumple.

Fue tres años después cuando decide publicar esas grabaciones, con el título de “Canta a Ruben Blades” una buena muestra de aquellos conciertos en los que recorrió la discografía del autor panameño, desde sus inicios, hasta sus éxitos más sonados. Escuchar el álbum es una delicia absoluta, empezando por “El cantante” de la que Andres Calamaro ya hizo su versión, es de admirar el tono tan sentimental que Coque le da en su versión, la reivindicativa “Camaleón”, nos embelesa con la historia tan divertida y picaresca de “Decisiones”, una especie de rap “GDBD” muy social, disfruta de los primeros ecos de la salsa intelectual con “Pablo Pueblo”, estremecerse con el homenaje a su país titulado “Patria”, esa maravilla titulada “Ligia Elena” una historia de amor que rompe con los prejuicios sociales que rondaban la época en la que fue escrita, para llegar al éxtasis al escuchar “Pedro Navaja” con ese toque tan Coque Malla que le da en la vocalización. Un disco para disfrutar de una faceta nueva del bueno de Coque Malla.

Coque Malla - Sueños (Mes Coque Malla)

Dentro del #MesCoqueMalla, en el que estamos haciendo reseñas de discos, documentales, películas y conciertos, faltaba una dedicatoria en el apartado de "Canciones que nos emocionan". Puestos a solucionar "faltas", cuando surgió la idea de dedicar un mes a un artista lo primero que pensamos fue que cada uno haría la reseña de uno de sus discos, pero en 7días7notas somos 4, por lo que un disco suyo quedaría sin reseñar.

El descartado fue "Sueños", segundo disco de Coque Malla en solitario, hoy en día una rareza descatalogada del que puedo presumir de tener un CD original en formato disco-libro. Y por aquello de matar dos pájaros de un tiro, hoy la canción que nos emociona nos da pie a hablar de aquel disco, una mirada introspectiva y de difícil primera escucha, basada en los sueños y pensamientos del artista madrileño, en retazos de subconsciente convertidos en canciones (las 9 del disco) o poemas (los que conforman el libro). La música que acompaña a las letras del disco es igualmente introspectiva, y según el productor Suso Sáiz, crearon un disco al que algún día le gustaría darle una revisión y un lavado de cara, porque esconde mucho más de lo que muestra.

"Sueños" es, en definitiva, un puñado de canciones al buen nivel compositivo habitual, pero que conforman un disco que, salvo en puntuales momentos más enérgicos o eléctricos (canciones como "Mi asesina" "El faro" o "El sombrero" son brillantes), no consigue escapar de la dificultad de su carácter onírico y taciturno. Y es así hasta que llega "El final", un tema de cierre que musicalmente es totalmente diferente al conjunto del disco. Si tengo que describir "El final" en el contexto de un disco enfocado en los sueños, diría que es el primer café de la mañana. La noche ha podido ser prolífica en ideas, sueños y pensamientos, y Coque los reflejó perfectamente en este particular disco, pero "El final" es el necesario subidón de la cafeína y de la reparadora ducha, el despertar enérgico al nuevo día.

Es también la esperanza del resurgir, de una salida de las sombras de la noche, y Coque hace ese tránsito en la letra de manera brillante. De los descorazonadores mensajes iniciales: "No he vivido nunca un duelo, pero he cruzado los espejos, y ya se que no hay nada que encontrar", a la contradicción entre la letra del estribillo: "Se parece mucho al final" y los esperanzadores coros que la acompañan en el último tramo: "¡Y ahora vamos a empezar!" Como si de una premonición se tratase, el nuevo comienzo y la luz al final del camino llegaron justo después en forma de resurgimiento comercial ("No puedo vivir sin tí") y con la entrega de un tercer disco sobresaliente ("La hora de los gigantes").

Tengo la sensación de que Coque no se ha prodigado demasiado en directo con esta canción. Quizá considere que, como ocurre con el café, no es bueno abusar de su repetida ingesta, pero yo personalmente echo de menos el sabor de una canción que es amarga y dulce a la vez. En el concierto final de la gira de "Mujeres" en el Circo Price, después de tocar ese disco al completo con todas las artistas que participaron en él, dedicó media hora final a tocar algunos temas escogidos de otros discos. Cuál sería mi sorpresa, cuando la banda atacó las notas de "El final", y aquel momento se convirtió en inolvidable, como si en una agradable conversación con buenos amigos, alguien apareciera con una inesperada y humeante taza de buen café.