Canciones que nos emocionan: Do They Know It's Christmas?

Tapa del Disco

Do They Know It's Christmas?

Qué mejor que para este día, que hablar de Do They Know It's Christmas? Una de las canciones que fue creada, luego de que uno de sus creadores Bob Geldof reconocido por su actuación en la película the wall de Pink Floyd, este cantante y actor, luego que viera un informe de la hambruna de Etiopía, emitido por la BBC de Londres, Bob (Geldof) reaccionó ante este informe y tuvo la idea de recaudar dinero para estas personas, así que rápidamente llamó a Midge Ure de la banda Ultravox, y compusieron en octubre del 1984 esta canción Do They Know It's Christmas?

Bob Geldof no tardo en promocionar su idea y fue a los estudios de la BBC en noviembre del 1984 junto a Richard Skinner locutor y conductor del programa BBC Radio 1, programa donde difundió su idea, Bob conformaría el Grupo Band Aid, con artistas británicos e irlandeses del momento. 

Si Bob Geldof y Midge Ure, pretendían que este todo listo para la Navidad de ese año, debían darse prisa, por ello el 25 de noviembre de 1984, la canción fue grabada en los estudios Sarm West Studios en Notting Hill, Londres y fue lanzada ocho días después.

Y como un cuento de Navidad fue posible que esta canción logrará alcanzar el número uno de los ranking en Inglaterra, y en otros países. 

Escúchenos la versión original del año 1984. 

Solo por mencionar algunos de los artistas que participaron en el lanzamiento de la canción encontramos a Phil Collins (Genesis), Bob Geldof (The Boomtown Rats), Chris Cross (Ultravox), John Taylor (Duran Duran), Paul Young, Simon Le Bon (Duran Duran)

Simon Crowe (The Boomtown Rats), Keren Woodward (Bananarama), Bono (U2), James "J.T." Taylor (Kool & the Gang), George Michael (Wham!)

Midge Ure (Ultravox), Roger Taylor (Duran Duran), Sara Dallin (Bananarama), Siobhan Fahey (Bananarama), Pete Briquette (The Boomtown Rats)

Francis Rossi (Status Quo), Robert 'Kool' Bell (Kool & the Gang), Dennis J. T. Thomas (Kool & the Gang), Andy Taylor (Duran Duran)

Jon Moss (Culture Club), Sting (The Police), Rick Parfitt (Status Quo), Nick Rhodes (Duran Duran), Johnny Fingers (The Boomtown Rats)

Boy George (Culture Club), Paul McCartney, David Bowie, entre otros.

Contra tapa del disco

Esperemos desde 7dias7notas que tengan unas muy buenas fiestas en familia y amigos, y como nuestros amigos poder seguir disfrutando mucho juntos, esta aventura de 7dias7notas. 

Daniel 

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Canciones que nos emocionan: Inconsciente colectivo

Canciones que nos emocionan: Inconsciente colectivo - Charly Garcia

Si hay algo que nos emociona es la participación de las personas, y si a esa participación le sumamos una de las mejores canciones del Rock Argentino, tenemos una doble combinación de emociones.

Y me toco estar presente en el día de ayer "Domingo 22 de diciembre 2019" de uno de los eventos más emocionantes que he podido ver este año.

Pagina Web: 

https://www.cantargentina.co/

Un evento donde la Red Solidaria de Argentina, organizo que un pueblo completo logre unirse para cantar la canción de Charly Garcia - Inconsciente Colectivo, una verdadera poesía del rock nacional.

Este homenaje a la solidaridad ha logrado unir a más de 300 ciudades de toda la argentina donde diferentes artistas y personas, dieron visibilidad a temas sociales que se están haciendo en el país, logrados en el 2019, como ser: Este año hubo récord de trasplantes: fueron 902, hay 42.000 Bomberos Voluntarios, 11.000 colaboradores dela Alerta Solidario, 14.500 Damas Rosadas en hospitales, 85.000 Scouts en servicio permanente, 540.000 dadores de sangre.

Nada es imposible cuando un pueblo se une, por ello desde 7dias7notas queríamos difundir este evento solidario que sucedió no solo en la ciudad de Buenos Aires, sino que el escenario en este caso fue todo un país, el evento fuer transmitido en streaming a través del canal de Youtube CantaArgentina, donde podrás volver a revivir ese momento.

La música nos une y nos emociona así que gracias a Red Solidaria y a Charly Garcia.

Homenaje a la Solidaridad Argentina #cantargentina

Daniel 

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La música en historias: El primer número 1

Beauty and the Beat, The Go-Go's

     A lo largo de la historia de la música, y en concreto en el rock, afortunadamente el papel de la mujer ha ido ganado protagonismo y cada vez son más las mujeres que nos hacen vibrar y disfrutar de este noble arte.

     Ya en los comienzos, fueron mujeres como Mamie Smith ó Bessie Smith las que empezaron ha marcar el camino en los años 20. En las décadas de los años 30 y 40 seguirían ese camino artistas como la gran Rosetta Tharpe, que llegaría a influir en artistas de la talla de los mismísimos Chuck Berry, Elvis Presley, Little Richard, Johnny Cash ó Jerry Lee Lewis entre otros, ahí es nada. Luego llegarían bandas como The Runaways, que marcaría una época en los 70 y de la que saldrían nada menos que Joan Jett y Lita Ford. Ya en la década de los 80 bandas como Vixen, marcando época dentro del hard rock y el glam metal, en la década de los 90 The Donnas, con claras influencias de The Runaways, y así, hasta llegar a la actualidad, donde cada vez hay mas mujeres dando la talla dentro del rock.
Dentro este elenco de mujeres y bandas dentro del rock, hay una banda que todavía no he nombrado y que fueron pioneras por un hecho, fueron la primera formación que contando en sus filas con sólo mujeres, consiguieron alcanzar el puesto número 1 en las listas de ventas, The Go-Go's.

     Corría el año 1978, California (Estados Unidos), y cinco mujeres deciden juntarse y formar una banda de rock, Belinda Carlisle (vocalista), Jane Wiedlin (guitarra rítimica y voces), Charlotte Caffey (guitarra solista y teclados), Margot Olaverra (bajo) y Elissa Bello (batería), acababa de nacer The Go-Go's, grupo que si bien empezó tocando punk rock, luego acabaría abrazando estilos como pop punk, pop rock y new wave.

     El grupo tenía muy claro que no querían trabajar con ningún agente ni manager, y tampoco querían que ninguna discográfica les impusiera lo que tenían que hacer. y Así, ellas solas sacan en 1979 una demo de 5 canciones, la demo que marcaría el camino del grupo.
A finales de 1980 la bajista Margot Olaverra es sustituida por Kathy Valentine, que tocaba la guitarra y no el bajo, hecho que no le impide unirse a la banda tocando dicho instrumento. En abril de 1981 The Go-Go's consigue su primer contrato discográfico, la compañía IRS Records, especializada en rock y new wave ficha a la banda.

     The Go-Go's, con el apoyo de la discográfica IRS Records, publica el que sería su primer LP el 24 de julio de 1981, titulado Beauty and the Best. El disco resulta ser un bombazo y en tan sólo seis semanas consigue alzarse con el puesto número 1 en ventas en Estados Unidos, además de conseguir también muy buenas cifras en países como Canada, Australia ó Suecia. aquello fue toda una sorpresa, nadie lo esperaba, The Go-Go's, siendo fieles a sus ideas, y sin mánager acababan de hacer historia, siendo el primer grupo de rock, compuesto exclusivamente por mujeres, que alcanzaba el puesto número 1 en las listas de ventas. Para la historia quedan ya temas de aquel disco como Lust to Love, Our lips Are sealed y We Got the Beat.
En definitiva, Beauty and the Best fue el disco que permitió que este grupo consiguiera el reconocimiento de la industria discográfica, consiguiendo además derribar barreras, colocando a la mujer dentro del rock en el lugar que le correspondía por derecho propio.

Canciones que nos emocionan: Here I Go Again, Whitesnake

     Whitesnake, en 1982 el grupo llevaba ya publicados un EP, Snakebite (1978), 4 álbumes de estudio, Trouble (1978), Lovehunter (1979), Ready An' Willing (1980) y Come an' Get It (1981), y dos álbumes en directo, Live at Hammersmith, editado en 1980 sólo para el mercado japones, y Live...In the Heart of the City, publicado también en 1980 para todo el mundo. Para la edición de Live...In the Heart of the City se utilizó el directo Live at Hammersmith que se había editado solo para el mercado japonés y se incluyeron como las caras 3 y 4 de este doble directo del grupo.

     Ese año David Coverdale, junto a Micky Moody (guitarra), Bernie Marsden (guitarra y coros), Jon Lord (teclados), Ian Paice (batería) y Neil Murray (bajo) se mete en los estudios para preparar el que sería su quinto álbum de estudio. Para la grabación el grupo cuenta con los servicios del guitarrista Mel Galley, quien también hace coros en la grabación del disco. Bajo la producción del maestro Martin Birch el grupo publica en noviembre de 1982 Saints & Sinners.

     Saints & Sinners sería el último trabajo de la formación que tiene un sonido orientado hacia el rock, el blues y el soul, pues a partir de sus siguiente trabajo el grupo haría un sonido más pesado, tirando a un estilo y sonido más comercial dentro del hard rock, sonido imperante en la época sobre todo en el mercado americano, mercado que el grupo acabó conquistando.

     Incluido en Saints & Sinners nos encontramos con otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, Here I Go Again, tema compuesto por David Coverdale y Bernie Marsden. Puede parecer que el tema es una arenga sobre como afrontar las dificultades y desafíos que nos encontramos en la vida, pero en realidad la letra del tema fue compuesta por Coverdale y relata la ruptura de éste con la mujer de su primer matrimonio, Julia, con la que se había casado en 1974.

No, I don't know where I'm goin'

But I sure know where I've been

Hanging on the promises in songs of yesterday

And I've made up my mind

I ain't wasting no more time

Though I keep searchin' for an answer

I never seem to find what I'm lookin' for

Oh Lord, I pray you give me strength to carry on

'Cause I know what it means

To walk along the lonely street of dreams

And here I go again on my own

Goin' down the only road I've ever known

Like a drifter, I was born to walk alone

And I've made up my mind

I ain't wasting no more time

Just another heart in need of rescue

Waiting on love's sweet charity

I'm gonna hold on for the rest of my days

'Cause I know what it means

To walk along the lonely street of dreams

And here I go again on my own

Goin' down the only road I've ever known

Like a drifter, I was born to walk alone

And I've made up my mind

I ain't wasting no more time

But here I go again

Here I go again

Here I go again

Ooh baby, ooh yeah

And I've made up my mind

Ooh baby, ain't wasting no more time

And here I go again on my own

Goin' down the only road I've ever known

Like a drifter, I was born to walk alone

'Cause I know what it means

To walk along the lonely street of dreams

Here I go again on my own

Goin' down the only road I've ever known

     Posterior a la grabación de Here I Go Again, se realizaron dos más, una fue incluida en el álbum homónimo de la banda en 1987, Whitesnake, y la otra fue en 1988 con motivo de la realización de una nueva versión para la radio, tema que por éste motivo fue acortado. Hay  diferencia entre la grabación del tema en Saints & Sinners y las otras dos posteriores, amén de un ligero cambio en la letra, la original conservaba ese estilo blues rock que el grupo venía desarrollando y que dejaría de lado después de este disco, y las otras dos grabaciones fueron dotadas de un estilo más agresivo y pesado, estilo más hard rock, introduciendo además sintetizadores para estas grabaciones posteriores. Llamadme nostálgico pero yo me quedo con la grabación original, ese sonido blues rock que Coverdale imprimer al tema es sencillamente magnífico.

El disco de la semana 157: Kula Shaker - K

La sombra de los Beatles es alargada. Tanto que puede llegar hasta la India, lugar al que un músico de la era del "brit pop" viajó para encontrarse a sí mismo y a la creatividad que creía que le abandonaba. Crispian Mills, sintiéndose estancado con lo que estaba haciendo en el grupo Objects of Desire, comunicó a su amigo y compañero Alonza Bevan y al resto de integrantes de la banda que lo dejaba. Al poco tiempo, comenzó un viaje de peregrinación a La India para encontrarse a sí mismo y comenzar de nuevo.

Volvió, tiempo después, con el zurrón lleno de ideas e influencias de la música y la cultura hindú, e ilusionado hasta el punto de llamar de nuevo a Alonza Bevan y reflotar el grupo bajo el nombre de The Kays, que poco después pasaría a llamarse definitivamente Kula Shaker, en homenaje al rey Kulashekhara, uno de los doce santos del sur de la India. Cuando resultaron ganadores del concurso "In the City" para nuevos talentos (compartiendo el premio con unos desconocidos Placebo), se abrió ante ellos la oportunidad de grabar su primer disco con Columbia Records. Junto a las evidentes influencias musicales que a Mills proporcionó aquel viaje, en las canciones de su disco de debut también quedó patente su predilección por los Beatles. Por relevancia e influencia, los de Liverpool son un género en sí mismos, como el blues o el soul, y su sombra sigue siendo muy alargada.


"K"

Lo primero que nos llega de un disco, al tenerlo entre las manos, es la portada. Es como una tarjeta de presentación, la primera impresión, el primer beso. No debería ser relevante para juzgar lo que vendrá después, porque lo que importa realmente es la música, pero puede ser también un indicio o una ventana abierta a lo que estará por venir. La portada de "K" es un guiño claro al "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", aunque sustituya los retratos de famosos por dibujos de personajes con nombres o apellidos con la letra K, cómo John Kennedy, Karl Marx, Gene Kelly, Katherine Hepburn, Kareem Abdul-Jabbar, Krishna o King Kong, entre otros. Hasta los objetos que aparecen en el resto del conjunto siguen esa regla, como lo demuestra la kettel (tetera) que aparece a la izquierda del collage.


K es precisamente eso, una mezcla de diferentes estilos y sonidos muy dispares, pero la fuerza de las canciones hace que todas las piezas encajen en un brillante conjunto. El disco arranca con Hey Dude, y aunque el título de nuevo nos lleva hacia los Beatles,  no guarda ningún parecido con el "Hey Jude" de Paul McCartney. Estamos ante el primer tema con el que se dieron a conocer antes de grabar el disco, y uno de los temas más potentes por su efectiva combinación de ritmos, que van del pop rock britpopero a cierto sabor a salmos hindúes en las estrofas y en el modo de cantar de Mills, todo ello salpicado de ramalazos de guitarras wah wah y un estribillo con mucho gancho.

Tras este efectivo arranque, el disco irá alternando entre los temas más guitarreros, en los que Mills da rienda suelta a su afición por los riffs con sonido wah wah y el uso del slide (Knight on the town, Smart Dogs, 303), con la mística y la psicodelia de temas en los que juegan con evocadoras líneas de piano e instrumentos indios como el sitar y la tambura (Temple of Everlasting light, Magic Theatre o el breve instrumental Sleeping Jiva). Las referencias hindúes se hacen más evidentes en las geniales Govinda y Tattva, los dos temas del disco que tienen la letra, total o parcialmente, en sánscrito.

Tattva nos sirve también para introducir el bloque de temas claramente influenciados por los Beatles.  La canción tiene dos tramos muy diferenciados, por un lado el mantra de matices psicodélicos recitado en sánscrito,  y por otro un tramo que bebe directamente de las fuentes de los temas alegres y desenfadados de los primeros años de la dupla Lennon-McCartney. En este grupo de canciones "estilo Beatle", entraría tambien la evocadora Into the Deep y la melódica Start all over.

No son los Beatles la única influencia clara o reconocida, la joya Grateful when you're Dead / Jerry was there es, como el juego de palabras de su título indica, un homenaje a la psicodelia y la mística de los Grateful Dead, además de ser musicalmente uno de los momentos más excelsos del disco, tanto en un primer tramo en el que las guitarras se desatan y echan humo al ritmo de la rotunda batería. El segundo tramo gira radicalmente hacia el rock progresivo, gracias a los matices de los teclados y la guitarra.

El disco cierra con Hollow Man parts I & II, uno de los temas más largos y desarrollados del disco. Hollow Man I tiene, a su vez, dos tramos completamente diferentes, primero en forma de semi-instrumental al piano, y después con la entrada de la guitarra acústica y un registro de voz que recuerda a George Harrison, y con la explosión de guitarras posterior. La referencia del título a las dos partes de la canción puede llevar al error de concluir que estos dos tramos diferentes son Hollow Man I y Hollow Man II, respectivamente, cuando en realidad Hollow Man II no es más que una frase que aparece tras más de 10 minutos de pista en silencio. Se trata de una grabación de A.C. Bhaktivedanta Swami Prabhupada, fundador de la "Sociedad Internacional para la conciencia de Krishna". Lo que entendemos se concibió como una sorpresa o mensaje oculto, se convierte en una primera escucha en una incómoda y excesivamente larga espera, que acaba en decepción al no encontrar, al final del camino, la segunda parte del tema que parecía esperarnos oculta.

Después de un disco tan plagado de cambios de ritmo y con tantos sonidos étnicos apareciendo generosamente por diferentes rincones de cada una de las canciones, ¿qué más queríamos encontrar en la pista oculta? Es precisamente un proverbio de la India el que mejor lo explica: "Cuando todo está perdido, aún queda la esperanza". ¡Queríamos más!

Historia del rock and roll: 24.-Stevie Wonder

Stevland Hardaway Morris nació el 13 de mayo de 1950. Su nacimiento fue seis semanas antes de tiempo, lo que, junto con la atmósfera rica en oxígeno en la incubadora del hospital, desarrollo la retinopatía del prematuro (ROP), una enfermedad en la cual el crecimiento de los ojos se paraliza y hace que las retinas se desprendan, quedándose ciego. Cuando Wonder tenía cuatro años, su madre dejó a su padre y se mudó a Detroit con sus hijos. Comenzó a tocar instrumentos a una edad temprana, como piano, armónica y batería.
En 1961, cuando tenía 11 años, Wonder cantó su propia composición, "Lonely Boy", para Ronnie White of the Miracles; White luego llevó a Wonder y a su madre a una audición en Motown, donde Berry Gordy hizo un contrato a Wonder con el sello Tamla de Motown. Antes de firmar, el productor Clarence Paul le dio el nombre de Little Stevie Wonder. Grabó un disco tributo a Ray Charles y un álbum instrumental titulado Jazz Soul de Little Stevie, donde ya escribió dos canciones. Ambos álbumes tuvieron poco éxito

A finales de 1962, cuando Wonder tenía 12 años, se unió a Motortown Revue, recorriendo los teatros de todo Estados Unidos que aceptaban artistas negros. En el Teatro Regal, Chicago, su actuación de 20 minutos fue grabada y lanzada en mayo de 1963 en el álbum Recorded Live: The 12 Year Old Genius, el sencillo "Fingertips", fue lanzado en mayo, y se convirtió en un gran éxito, fue número 1 en el BillboardHot 100 cuando Wonder tenía 13 años, lo que lo convirtió en el artista más joven en encabezar la lista, sin embargo sus siguientes grabaciones no tuvieron éxito, su voz estaba cambiando a medida que envejecía, y algunos ejecutivos de Motown estaban pensando anular su contrato de grabación. Sylvia Moy persuadió a Berry Gordy para que le diera otra oportunidad quitando el "Little" de su nombre, y trabajo junto a Wonder para publicar "Uptight (Everything's Alright)" que se convirtió en un éxito a los que sumo "With a Child's Heart" y "Blowin 'in the Wind", una versión de Bob Dylan, co-cantada por su mentor, el productor Clarence Paul. También comenzó a trabajar en el departamento de composición de Motown, componiendo canciones tanto para él como para sus compañeros de discográfica.

En 1968 grabó un álbum de canciones instrumentales de soul / jazz, en su mayoría armónicos solos, bajo el título Eivets Rednow , que es "Stevie Wonder" escrito al revés. El álbum no obtuvo mucho éxito en las listas de éxitos estadounidenses, no obstante, logró obtener varios éxitos entre 1968 y 1970, como "My Cherie Amour", "I Was Made to Love Her" y "Uptight (Everything's Alright)", que fueron co-escritos con Henry Cosby.

En septiembre de 1970, a la edad de 20 años, Wonder se casó con Syreeta Wright, una compositora y ex secretaria de Motown. Wright y Wonder trabajaron juntos en el próximo álbum, “Where I'm Coming From” en donde trataban de "denunciar los problemas sociales del mundo" y con la idea de que las letras "significaran algo". Fue lanzado aproximadamente al mismo tiempo que What's Marvin Gaye's What's Going On . Como ambos álbumes tenían ambiciones y temas similares, se han comparado; en una revisión contemporánea de Vince Aletti en Rolling Stone, Gaye's fue visto como exitoso, mientras que Wonder's fue visto como un fracaso debido a la producción "autocomplaciente y abarrotada", letras "indistinguibles" y "pretenciosas", y una falta general de unidad y flujo. Al cumplir 21 años el 13 de mayo de 1971, permitió que su contrato de Motown expirara.

Durante este período, Wonder grabó de forma independiente dos álbumes y firmó un contrato con Motown Records. El contrato de 120 páginas fue un precedente en Motown y le dio a Wonder una tasa de privilegios mucho más alta de las que nunca había tenido un artista con lo que regresó a Motown en marzo de 1972 con el álbum Music of My Mind . A diferencia de la mayoría de los álbumes anteriores en Motown, que generalmente consistía en una colección de singles, lados B y covers, Music of My Mind fue una declaración artística de larga duración con canciones que fluyen juntas temáticamente. Las letras de Wonder trataban temas sociales, políticos y místicos, así como temas románticos. Ya a finales de 1972, lanzo el éxito “Superstition", que es uno de los ejemplos más distintivos y famosos del sonido del teclado Hohner Clavinet. También presentó "You Are the Sunshine of My Life", Wonder comenzó a viajar con los Rolling Stones. La gira de Wonder con los Stones también fue un factor detrás del éxito de "Superstition" y "You Are the Sunshine of My Life".

El 6 de agosto de 1973, Wonder sufrió un grave accidente automovilístico mientras estaba de gira en Carolina del Norte, cuando un automóvil en el que viajaba golpeó la parte trasera de un camión. Esto lo dejó en coma durante cuatro días y resultó en una pérdida parcial de su sentido del olfato y una pérdida temporal del sentido del gusto. A pesar del revés, Wonder volvió a aparecer para una gira europea a principios de 1974- El álbum doble con extra EP Songs in the Key of Life fue lanzado en septiembre de 1976. Con un estilo extenso, una ambición ilimitada y, a veces, líricamente difícil de comprender, el álbum fue difícil de asimilar para algunos oyentes, pero es considerado por muchos como el disco de mayor calidad de Wonder y uno de los álbumes más reconocidos y exitosos en la historia de la música pop donde destacan "I Wish" y "Sir Duke”.

En la década de 1980, Wonder logró sus mayores éxitos y subió su fama. En 1982, lanzó una retrospectiva de su trabajo de la década de 1970 con el Musiquarium original de Stevie Wonder , que incluía cuatro nuevas canciones: el clásico funk de diez minutos "Do I Do" (que contó con Dizzy Gillespie), "That Girl”, "Front Line", (una narración sobre un soldado en la Guerra de Vietnam que Wonder escribió y cantó en primera persona), y "Ribbon in the Sky", una de sus muchas composiciones clásicas. También obtuvo un éxito No. 1 ese año en colaboración con Paul McCartney en su himno a la armonía racial, "Ebony and Ivory".

En 1984 tuvo el lanzamiento del álbum de la banda sonora para The Woman in Red. El sencillo principal, "I Just Called to Say I Love You", fue un éxito, ganó un premio de la Academia del cine a la mejor canción, Wonder aceptó el premio en nombre de Nelson Mandela y posteriormente fue prohibido en todas las radios sudafricanas por el Gobierno de Sudáfrica. También apareció en la armónica en el single de Eurythmics, "There Must Be an Angel (Playing with My Heart)" y "I Guess That Why That Call It the Blues" de Elton John. Participó en un dúo con Bruce Springsteen en el sencillo benéfico "We Are the World", tocó la armónica con John Denver en la canción "If Ever". En 1987, apareció en el álbum Bad de Michael Jackson, en el dueto "Just Good Friends". Michael Jackson también cantó un dueto con él titulado ". Este fue un sencillo de menor éxito, al igual que "Skeletons" y "You Will Know".

En la década de los 90 Wonder continuó lanzando nuevo material, pero a un ritmo más lento. Entre sus otras actividades, tocó la armónica en una canción para el álbum tributo de 1994 KISS My Ass: Classic KISS Regrooved; cantó en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Verano de 1996; colaboró en 1997 con Babyface en "How Come, How Long", una canción sobre violencia doméstica que fue nominada para un premio Grammy; y tocó la armónica en el "Brand New Day" de Sting de 1999.

Ya en el siglo XXI, Wonder continúa grabando y actuando; aunque principalmente apariciones ocasionales y actuaciones de invitados, hizo dos giras y lanzó un álbum de material nuevo, A Time to Love de 2005 . Sus apariciones más importantes fueron actuar en la ceremonia de apertura de los Juegos Paralímpicos de Invierno de 2002 en Salt Lake City, el concierto Live 8 de 2005 en Filadelfia, el espectáculo previo al juego para el Super Bowl XL en 2006, la Celebración Inaugural de Obama en 2009 y la ceremonia de apertura de los Juegos Mundiales de Verano de Olimpiadas Especiales 2011 en Atenas, Grecia. Cantó en el funeral de Michael Jackson en 2009, en el funeral de Etta James, en 2012, y un mes después en el funeral de Whitney Houston.

Wonder, es una figura destacada de la música popular durante la segunda mitad del siglo XX, ha registrado más de 30 éxitos en los diez mejores de EE. UU. Y ganó 25 premios Grammy, así como un premio a la trayectoria. También ganó un Premio de la Academia a la Mejor Canción y fue incluido en los salones de la fama del Rock and Roll y los Compositores. También ha sido galardonado con el Premio Polar Music. La revista de música estadounidense Rolling Stone lo nombró el noveno mejor cantante de todos los tiempos. En junio de 2009 se convirtió en el cuarto artista en recibir el Montreal Spirit Festival Spirit Award.

Canciones que nos emocionan: Mejores que el original IV

Preparando la cuarta edición de "Mejores que el original", nos preocupaba que pareciera que somos detractores del gran Bob Dylan, nada más lejos de la realidad, pero con este ejercicio la verdad es que estamos descubriendo que son varios los casos en los que sus grandes canciones han tenido una versión 2.0 que las ha llevado a una dimensión superior. Y de nuevo en esta entrega, no tenemos más remedio que poner sobre la mesa que el Mr Tambourine Man de los Byrds creció en instrumentación y empaque comparado con la desnuda versión primigenia de nuestro más que merecido Nobel de Literatura.


Por supuesto es sólo una opinión con la que podéis no estar de acuerdo, y que os guste la primera u otra versión más que la de los "pájaros", cómo en su momento la famosa dupla de compositores Leiber / Stoller no se emocionaron con el "Hound Dog" de Elvis Presley, pero a nosotros la versión de Elvis nos parece más potente que la de Big Mama Thornton, destinataria original del trabajo, que dicho sea de paso facturaron muchos de los éxitos del Rey.

Más claro parece el caso del "I love Rock and Roll", al que Joan Jett dió fama mundial con apenas unos pocos y sencillos acordes. Pocos recordarán a los autores de la versión original, llamados The Arrows (las flechas). Con ese nombre, es una paradoja del destino que fuera otro grupo el que diera en la diana con su canción. En realidad poco importa, "nos gusta el rock and roll" en cualquiera de sus versiones.


 Y cerramos con  el "I got a line on you" de Blackfoot, que nos aventuramos a considerar mejor frente a la creación original de Spirit. Lo decimos así, breve y al grano, porque de nuevo pisamos un terreno movedizo. Es todo cuestión de gustos y, ya se sabe, para gustos están los colores. En lo relativo a la música, la paleta de colores es tan grande que caben todas las opiniones.

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La música en historias: Guitarras gemelas

     Que me gusta la música es un hecho, no puedo pasar un sólo día sin ponerme mi ración de música. con el tiempo mis gustos, como en la vida, han ido evolucionando, si bien el instrumento que más me ha gustado, desde bien pequeño es la guitarra eléctrica. Hace ya mucho tiempo que descubrí a una de mis bandas favoritas, Thin Lizzy, fue amor a primera vista, luego llegarían Lynyrd Skynyrd y The Allman Brothers Band entre muchas otras. Una de las razones de este flechazo con estas bandas fue su sonido, apoyado en los guitarristas, los cuales tocaban las mismas armonías a la par, lo que se conoce como twin guitar ó guitarras gemelas. Este artículo va dedicado a todas esas bandas que apostaron por ese sonido y que han hecho historia en el mundo del rock.

     Es inevitable comenzar este recorrido por Wishbone Ash, banda que se formó allá por el año 1969 en Devon, Inglaterra, que comenzaría su andadura con Andy Powell (guitarra y voz), Ted Turner (guitarra y voz), Martin Turner (bajoy voz) y Steve Upton (batería y percusión). Wishbone Ash está considerada como la primera que se inició el arte de las guitarras gemelas y quien popularizó este arte. Curiosamente, siendo una banda inglesa, a mediados de los 70 acabó cruzando el charco a Estados Unidos, pues allí consiguió más popularidad que en su propia tierra. Por su formación, que sigue dando guerra a día  de hoy, han pasado una gran cantidad de músicos excelentes.

     Quicksilver Messenger Service, banda de rock psicodélico formada en 1965 y originaria de San Francisco, es otra formación que elevó a cotas muy grandes el arte de las twin guitars. El grupo permaneció en activo hasta su disolución en el año 1979. En el año 2006 se juntarían para la celebración del 40 aniversario de la formación, y permanecerían activos hasta junio de 2019, debido al fallecimiento de unos de sus fundadores, Gary Duncan a los 72 años de edad. Aunque no obtuvo tanto éxito como otras bandas de la zona de San Francisco, gran parte de la crítica considera que este grupo fue el que mejor supo plasmar el estilo, el sonido y la actitud de la época de la zona de San Francisco.

     Poco se puede decir de The Allman Brothers Band, la formación de rock sureña fundada en 1969 y originaria de Jacksonville. Esta formación tenía muy claro el estilo de sonido que quería, basado en dos percusionistas y las armonías de dos guitarristas con la condición de iguales, Duane Allman y Dickey Betts que hicieron maravillas juntos. Memorable ya el álbum en vivo At Filmore East (1971), para mí uno de los mejores directos de rock que se han editado jamás, y donde el grupo hace extremecernos de pura felicidad con sus temas alargados a modo de jam session.

Dickey Betts & Duane Allman

No podemos irnos de Jacksonville sin hablar de la otra banda de rock sureño de referencia, Lynyrd Skynyrd, formada en 1964. Gary Rossington, Allen collins, Ed King, Steve Gaines ó Rickey Medlocke son algunos de los guitarristas que han pasado por la formación y nos han deleitado con sus armonías a la par y sus duelos. Estos chicos nos hicieron regalos maravillosos, como Free Bird, tema que contiene uno de los mejores duelos de guitarras de rock de la historia.

     De jackconville, cuna del rock sureño por excelencia es también la formación Molly Hatchet, fundada en 1972, banda que tomó el nombre de una supuesta prostituta llamada así que se dedicaba a asesinar a sus clientes decapitándolos y mutilándolos.
Es curioso que Jacksonville, cuna del rock sureño, sea también por derecho propio cuna del arte de las guitarras gemelas, con grupos como el referido Molly Hatchet, The Allman Brothers Band y Lynyrd Skynyrd.

     De Florida, aunque no de Jacksonville, sino de Tampa, es la formación The Outlows, fundada en 1972. Cómo no podía ser de otra forma, yteniendo en cuenta su lugar de procedencia,  el grupo se especializa en el rock sureño y el country. La formación original que inició esta aventura con The Outlaws estaba integrada por los guitarristas Frank Guidry, Hughie Thomasson y Hobie O'Brien, el baterista David Dix y el bajista Phil Holmberg.

                                                                                                                             

     De momento, todas las bandas que llevamos enumeradas son originarias de Estados Unidos, exceptuando a la formación inglesa Wishbone Ash, que acabarían teniendo más éxito en Estados Unidos que en su propia tierra. Cruzando otra vez el charco a tierras europeas es inevitiable hablar primero de la formación irlandesa y liderada por Phil Lynott, Thin Lizzy, el grupo que mejor supo explotar en la zona europea el recurso de las guitarras gemelas. Memorables son los duelos que nos regalaron las duplas Scott Gorham / Brian Robertson y Scott Gorham / Gary Moore.

     Nos vamos a adentrar dentro del género metal, porque las guitarras gemelas, como todo en la vida, evolucionaron y fueron adopatadas por el género heavy metal. Es éste género además, actualmente, donde más se utiliza este recurso guitarrero. La primera banda dentro de este género que nos viene en mente es inevitablemente Judas Priest, la formación procedentede Birmingham, Inglaterra, fundada en 1969 y que nos dejó riffs increíbles de la mano de su pareja de guitarristas más famosa, Glen Tipton y K. K. Downing. No olvidemos que Judas Priest en sus inicios comenzaron haciendo versiones de grupos entre los que se encontraba Quicksilver Messenger Service. 

     Siguiendo con el heavy metal, no puede faltar Iron Maiden, fundada en 1975 por el bajista Steve Harris. En sus inicios serían los guitarristas Adrian Smith y Dave Murray los encargados de las twin guitars, posteriormente Adrian Smith abandonaría la formación, siendo sustuido por Janick Gers. En 1999 Adrian Smith volvería a la banda, quedando ésta conformada por tres guitarristas, Murray, Gers y el propio Smith. Puede que tenga algo que ver y haya influenciado en el sonido de Iron Maiden el hecho de que estos ingleses hayan nombrado como una de sus principales influencias y referencias al grupo irlandés Thin Lizzy.

Adrian Smith, Dave Murray & Ja

     También en el género del metal, pero adentrándonos en el power metal y el speed metal, nos encontramos a Helloween, la formidable banda originaria de Hamburgo, Alemania. Para los anales de la historia quedan ya discos suyos como Keeper of the seven Keys part I y Keeper of the seven Keys part II, donde Kai Hansen y Michael Weikath nos dan un clínic de cómo cómo doblar melodías a unas velocidades vertiginosas.

     Desde 7dias7notas queremos rendir tributo a todas esas bandas que a lo largo de la historia nos han deleitado y a las que nos siguen deleitando con este recurso llamado twin guitars, ó como a mi me gusta llamar, el noble arte de las guitarras gemelas.

La música en historias: El día que Charly Garcia voló

El día que Charly Garcia volo

Amigos de rock, hoy sábado me levante con ganas de contarles una historia, y es una de las grandes  anécdota que nos ha dejado Charly Garcia. 

Para quienes no han escuchado de él, Charly García es un referente del rock argentino, y latinoamericano, con una gran carrera artística, quien fuera integrante de Sui Generis, banda que hemos contado en nuestro blog. 

Pero esta vez no me detendré en contar la inmensa carrera de Charly Garcia, sino el día que decidió volar desde un noveno piso de un hotel en la ciudad de Mendoza - Argentina. 

Eran los primeros días del mes de Marzo del año 2000, casi 20 años de esta hazaña se están cumpliendo, cuando Charly Garcia pregunto "Cuánto tiene la pileta?", gritó al joven bañero desde la terraza del hotel Aconcagua."Tres metros de hondo...", contestó Lucas Rodríguez, siete pisos más abajo. Y García se tiró sin escuchar el final de la frase del bañero "...pero recién la están llenando", y se decidió volar. 

Creo que entre las grandes cosas que ha hecho este artista, vale la pena no solo reconocer su música, que deberíamos tener un capitulo aparte para su reconocimiento, pero esta linda anécdota vale la pena contarla, y el mismo Charly Garcia en una entrevista con NatGeo contó los motivos que lo llevo hacer esta locura. 

La genialidad de Charly no tiene limite, luego de lanzarse a la piscina se publico el disco de Sui Generis "Sinfonías para adolescentes" donde Charly compuso dos de las canciones inspiradas en el salto, "Me tire por vos" y "Noveno B".   

Gracias Charly por estos momento que nos gustan tanto.

Daniel 

Instragram: Storyboy

El disco de la semana 156: Laura Cox - Hard Blues Shot

Hard Blues Shot, Laura cox Band

     Laura Cox cuando tenía sólo 14 años hizo una nueva amistad, una amistad que se volvería durareda e inseparable, se hizo amiga de la guitarra. Esto fue  en el año 2005, en 2008 empieza a colgar en las redes sociales versiones de temas clásicos del rock cómo AC/DC, ZZ top, Dire Straits ó Guns 'n Roses entre otros muchos. laura, a base de colgar estas versiones fue generando multitud de visitas y suscriptores en sus redes sociales, llegando a generar millones de visitas en los videos colgados en Youtube y generando cientos de miles de seguidores tanto en Youtube cómo en Facebook, lo que le ha llevado a consagrarse como una de las youtubers más productivas y con mayor éxito de ésta plataforma social. Reseñar que gracias a su frenética actividad de difusión de sus covers y trabajo en las plataformas y redes sociales recibe la felicitación y halagos del mismísimo Joe Bonamassa.

     En 2013 Laura decide dar el salto y decide lanzarse al ruedo y crear su propia banda de rock, para ello ficha al guitarrista Mathieu Albiac, al bajista Ludovic Ossard y a Pascal Robert a la batería, acaba de nacer Laura Cox Band, grupo que basa su sonido en el hard rock, southern rock, blues y country entre otros. Influenciada en artistas de la talla de AC/DC, Airbourne, Aerosmith, Blackberry Smoke, ZZ Top, Pat Benatar, Lita Ford y Susan Tedeschi entre otras muchas, Laura comienza su andadura fogueandose donde hay que hacerlo, encima del escenario.

     En 2014 la formación publica su primer single, que incluye el poderoso tema rockero Cowboys and Beer en la cara A, y Come and Get Me en la cara B, también con un sonido muy contundente. En 2015, al año siguiente la formación de Laura Cox Band sufre cambios, el bajista y el batería son sustituidos, quedando la formación finalmente así, Laura cox (voz y guitarra), Mathieu Albiac (guitarra), Francois C. Delacoudre (bajo) y Antonin Guerin (batería).

     Y llegamos al año 2017, y con todo de cara, la formación Laura Cox

Actuando en Barcelona

Band publica su primer álbum de estudio bajo el sello de la discográfica Verycords, titulado Hard Blues Shot, un contundente trabajo donde nos sumerge en sonidos como el hard rock, blues rock, southern rock ó el country. Laura no inventa nada, pero lo cierto es que nos deja un disco muy bueno donde sabe aprovechar más que bien y explotar todas las influencias de los artistas que durante su trayectoria ha ido adquiriendo.

     Sumergidos en el disco, el primer tema que nos encontramos es Hard Blues Shot, que da también título al álbum, un trallazo que hace que nos levantemos de golpe del asiento y se nos dispare la adrenalina. tiene un toque muy AC/DC. Excelente trabajo de Mathieu Albiac con la guitarra rítmica.

Le sigue The Australian Way, tema donde vuelven a notarse las influencias de AC/DC, Quizás el título sea hasta un guiño a la formación austrliana. Laura y sus chicos dotan al tema de un sonido más duro y pesado, puro hard rock.

Good ol' Days, en este tema nos sorprenden con un giro en la propuesta de sonido, y se sacan de la manga un tema con puro sabor a southern rock.

Too Nice for Rock n' Roll, tema donde se entremezclan el hard rock con el rock sureño y toque bluseros por momentos. Muy destacable el trabajo vocal de Laura, que si ya nos ha dejado claro que es una magnífica guitarrista, también tiene mucha calidad en el trabajo vocal.

Morning road, donde vuelven a sumergirnos en el rock sureño. Se notan aquí las influencias de ZZ Top.

Laura Cox Band 

Barefoot in the Countryside, y cuando creíamos que ya les habíamos cogido el punto al grupo nos sorprenden con este tema. comienza con un toque bluegrass, con banjo y mandolina, y según va avanzando el tema, éste va transformándose en una potente tema de rock sureño. Brillante la mezcla, para mí el mejor tema por la arriesgada propuesta de la mezcla de bluegrass con southern rock.

Take Me Back Home, el tema más pesado del disco, vuelven a cambiar de tercio y nos regalan un tema de corte metalero. Brillante la introducción del sólo de guitarra, y brillante la batería que realiza un trabajo espectacular aquí. Por si no fuera poco Laura vuelve a brillar no sólo con su guitarra, también con su voz. No hay duda ya de la gran calidad de estos cuatro músicos, son muy buenos.

If Youm Wanna Get Lou (Com to the Show), otro de los cortes más pesados del disco, con un ritmo vertiginoso, la sección bajo/batería marca el ritmo mientras Albiac y Laura hacen diabluras con las guitarras. Laura sigue rayando a gran nivel  con su vozvoz.

Going Down, tema que va en la línea de anterior, cargado de intensos riffs de guitarras.

13, es el tema que cierra el disco, Laura nos regala una sentida balada acústica donde juega con el idioma, y alterna versos en inglés y francés. No hace falta nada más, pues ella llena todo el espacio con su guitarra y su voz.

     Laura Cox Band es una interesante banda de rock francés liderada por la magnífica guitarrista que le da nombre, y ha sabido acompañarse de músicos de gran calidad. Recientemente, el 8 de noviembre salió a la luz en formato CD y digital su nuevo trabajo, Burning Bright, el cuál estamos deseando ya hincar el diente., y donde esperamos que este magnifico cuarteto siga su evolución y no se pierdan en el camino, pues con Hard Blues Shot ya nos han dejado claro que de calidad van sobrados.

Laura Cox Band

Historia del rock and roll: 23.- Marvin Gaye

Marvin Pentz Gay Jr. el 2 de abril de 1939, en Washington hijo de un pastor de Iglesia, fue el segundo de cuatro hermanos. Comenzó a cantar en la iglesia cuando tenía cuatro años; su padre a menudo lo acompañaba al piano. Gaye y su familia formaban parte de una iglesia pentecostal conocida como la Casa de Dios. Tuvo una infancia difícil, debido a los malos tratos que recibía de parte de su padre. A los 11 años tuvo una actuación escolar que le empujo a dedicarse a la música. En 1956, Gaye, de 17 años, abandonó la escuela secundaria y se alistó en la Fuerza Aérea de los Estados Unidos como aviador básico. Decepcionado por tener que realizar tareas domésticas, fingió una enfermedad mental y fue dado de alta poco después. Después de su regreso, Gaye y su buen amigo Reese Palmer formaron el cuarteto vocal The Marquees. El grupo grabó varias canciones para Chess en 1959, incluida la canción "Mama Loocie", que fue la primera grabación vocal principal de Gaye.

El grupo se disolvió y Gaye se mudó a Detroit, donde firmó con Tri-Phi Records como músico de sesión, tocando la batería en varios lanzamientos de Tri-Phi. Gaye actuó en la casa del presidente de Motown, impresionado Berry Gordy le ficho para su discográfica. Lanzó su primer sencillo, "Let Your Conscience Be Your Guide", en mayo de 1961, con el álbum The Soulful Moods of Marvin Gaye , un mes después, pero fue un fracaso comercial. Sighio intentándolo llegando a actuar en el Teatro Apollo en junio de 1963. Más tarde, en octubre, Tamla edito el concierto en vivo, "Can I Get a Witness" se convirtió en uno de los primeros éxitos internacionales de Gaye. En 1964, Gaye grabó un exitoso álbum que incluían "Once Upon a Time" y “What's the Matter With You Baby". Después de obtener un dueto exitoso, "It Takes Two" con Kim Weston, Gaye comenzó a trabajar con Tammi Terrell en una serie de duetos, en su mayoría compuestos por Ashford y Simpson, que incluyen "Ain't No Mountain High Enough" o "Your Precious Love" iniciando una senda de éxito absoluto.

En octubre de 1967, Terrell se derrumbó en los brazos de Gaye durante una actuación en Farmville, Virginia. Posteriormente, la llevaron al Hospital Comunitario Southside de Farmville, donde los médicos descubrieron que tenía un tumor maligno en el cerebro. El diagnóstico puso fin a la carrera de la cantante que pasó repetidamente por el quirófano, Gaye quedó devastada por la enfermedad de Terrell y se desilusionó con su carrera discográfica. Finalmente Tammi Terrell murió de cáncer cerebral el 16 de marzo de 1970, Gaye asistió a su funeral y después de un período de depresión, decidió cambiar su vida buscando otras ocupaciones.

El 1 de junio de 1970, Gaye regresó a Hitsville, EE. UU., donde grabó su nueva composición "What's Going On", después de presenciar un acto de brutalidad policial en un mitin contra la guerra en Berkeley. Al escuchar la canción, Berry Gordy rechazó su lanzamiento debido a que sentía que la canción era "demasiado política" para la radio. Gaye respondió haciendo huelga desde la grabación hasta que el sello lanzó la canción en 1971 teniendo un enorme éxito y provocando la grabación de un álbum con plenos poderes, temas como, "Mercy Mercy Me (The Ecology)" y "Inner City Blues" llevaron al autor a recibir nominaciones en los Grammy

En 1973, Gaye lanzó el álbum Let's Get It On . Su canción principal se convirtió en el segundo sencillo número 1 de Gaye en el Hot 100. Posteriormente, el álbum vendió más de tres millones de copias. Más tarde, el álbum fue aclamado como "un disco incomparable en su pura sensualidad y energía carnal". Otros singles del álbum incluyeron "Come Get to This", que recordaba el sonido del alma Motown de Gaye de la década anterior, mientras que el sugerente "You Sure Love to Ball" alcanzó un éxito modesto, pero recibió una promoción tibia debido al contenido sexualmente explícito de la canción. El último proyecto de dúo de Marvin, Diana & Marvin, con Diana Ross, obtuvo éxito internacional a pesar de los estilos artísticos contrastantes. Con el siguiente álbum de estudio de Gaye, I Want You , se embarcó en su primera gira europea en una década, comenzando en Inglaterra. A principios de 1977, Gaye lanzó el álbum en vivo, Live at the London Palladium , que vendió más de dos millones de copias gracias al éxito de su canción de estudio, "Got to Give It Up", que se convirtió en un éxito número 1.

En diciembre de 1978, Gaye lanzó Here, My Dear , durante ese período, Gaye desarrolló una grave dependencia y adicción a la cocaína y se enfrentó a varios problemas financieros y empezó una época de graves problemas personales. En 1982 ficha por la Columbia de CBS, el primer sencillo, "Sexual Healing", fue lanzado el 30 de septiembre de 1982 y se convirtió en el mayor éxito profesional de Gaye, Sexual Healing le ganó a Gaye sus dos primeros premios Grammy, había vuelto de saborear las mieles del éxito, pero el 1 de abril de 1984, mientras Gaye estaba en su habitación, su padre Marvin Gay Sr. le disparó a Gaye en el corazón y luego en su hombro izquierdo, el último disparo a quemarropa. Minutos antes, los dos hombres habían estado peleándose cuando Gaye intervino en una pelea entre sus padres. El primer disparo resultó ser fatal. Gaye fue declarado muerto a la 1:01 pm, después de que su cuerpo llegó al Centro Médico del Hospital de California, un día antes de lo que habría sido su 45 cumpleaños.