jueves, 14 de marzo de 2019

La música en historias: Green Day "Edición Especial Vietnam"


A riesgo de caer en el estereotipo, para esta historia tengo que hacer una referencia previa al mito de que "todos los asiáticos son iguales". Evidentemente no es cierto y es solo un problema de percepción, pero parece que los occidentales tenemos una mayor dificultad para diferenciarlos y nos resultan mucho más parecidos entre sí.

Los estudios parecen demostrar que la razón de este fenómeno es que los occidentales estamos poco preparados para diferenciar a los orientales porque no solemos convivir con ellos. Del mismo modo no sabríamos captar las tonalidades de blanco de los diferentes tipos de nieve, mientras los esquimales lo hacen con facilidad porque forma parte de su entorno habitual.

¿Ocurrirá lo mismo al revés? ¿Somos los occidentales iguales a los ojos de los asiáticos? Aquí empieza esta historia. O más bien hace 12 años en Vietnam, en una diminuta tienda de discos que podríamos denominar como "no oficial".

Estuve un rato buscando discos, y finalmente hice un pack formado por el "Brothers in Arms" de Dire Straits, el "Modern Times" de Bob Dylan y la joya de la corona de mi búsqueda: Una edición especial del "American Idiot" de Green Day en versión doble. En el primer CD estaba el disco tal y como lo conocemos, y el segundo parecía ser un disco de extras o rarezas. Era difícil afirmarlo porque, aunque los títulos de las canciones estaban en vietnamita y en inglés, el conocimiento de inglés del diseñador de los créditos del disco era mínimo y los títulos resultaban muy difíciles de entender.


Ya de vuelta en Madrid, ansioso por escuchar lo que para mí era un preciado tesoro, la primera versión especial extendida de la gran ópera rock del trío estadounidense, fuí directo a reproducir el segundo disco.

¿Y qué pasó entonces? Pues que los Red Hot Chili Peppers tronaron en el reproductor de CDs. Una mezcla de varios temas de su disco "By the Way" en la primera parte del CD, y una segunda tanda formada por temas de "Blood Sugar Sex Magic" grabados con una evidente disminución de volumen y calidad de sonido con respecto al anterior bloque de canciones. Por aquel entonces yo no era un gran experto en los Red Hot Chili Peppers (sigo sin serlo aunque reconozca el "Blood Sugar Sex Magic" y el "Californication" como obras maestras), y el mal inglés en el que estaban reflejadas en la carátula tampoco me ayudó a darme cuenta.

La ilusión del tesoro hallado se me escurrió entre las manos como si fuera arena encontrada en un cofre en el que esperaba haber encontrado oro. Me consuelo pensando que este descubrimiento sigue siendo una joya entre las rarezas de mi colección, aunque sea por motivos más sociológicos que musicales.

Probablemente, nuestro querido falsificador vietnamita no diferenció la voz de Billie Joe Amstrong de la de Anthony Kiedis, como nosotros solo veríamos un color para la nieve. Será que en el fondo "los occidentales somos todos iguales", como los American Idiots de la ópera rock de Green Day, de la que por un instante brillante y efímero tuve una histórica versión doble.

miércoles, 13 de marzo de 2019

Canciones que nos emocionan: Cloud number nine - Bryan Adams

Bryan Adams tiene un estatus un tanto extraño en el mundo de la musica, de origen Canadiense este solista se mueve con una fachada de rockero sin escrupulos de guitarra en mano y termina haciendo unas canciones comerciales a mas no poder pero que acaban enganchando tanto a los de un lado como a los de otros.

La cancion que os traigo hoy fue lanzada en abril de 1999 como el tercer sencillo de su álbum On a Day Like. No es su mejor tema, ni el mas representativo, pero a mi da un buen rollo extremo, me recuerda a ese comienzo de vacaciones viajando a algun lugar con amigos donde vas a ser muy feliz, una cancion de verano lleno de amor y pasion, y es que el ritmo pausado y melodico de la cancion me lleva a eso y aunque la letra no trate precisamente de eso, es lo que a mi personalmente me trasmite y por eso la traigo a esta seccion titulada "Canciones que nos emocionan". El titulo de la cancion "Cloud number nine" hace referencia a una expresion anglosajona que mas o menos quiere decir que estas en un estado de felicidad dichosa.





Clue number one was when you knocked on my door
clue number two was the look that you wore
And that's when I knew, it was a pretty good sign
That something was wrong 
Up on cloud number nine

Well it's a long way up 
And we won't come down tonight
Well it may be wrong but baby it sure feels right

And the moon is out and the stars are bright
And whatever comes is going to be alright
Because tonight you will be mine, up on cloud number nine
And there ain't no place that I'd rather be
And we can't go back but you're here with me
Yeah, the weather is really fine
Up on cloud number nine

He hurt you and you hurt me
And that wasn't the way it was supposed to be
So baby tonight let's leave the world behind
And spend some time up on cloud number nine

Well it's a long way up 
And we won't come down tonight
Well it may be wrong but baby it sure feels right

And the moon is out and the stars are bright
And whatever comes is going to be alright
Because tonight you will be mine, up on cloud number nine
And there ain't no place that I'd rather be
And we can't go back but you're here with me
Yeah, the weather is really fine
Up on cloud number nine

Number nine, number nine, number nine...

Well we won't come down tonight
Yeah we won't come down tonight
No we won't come down tonight

Because the moon is out and the stars are bright
And whatever comes is going to be alright
Because tonight you will be mine, up on cloud number nine
And there ain't no place that I'd rather be
And we can't go back but you're here with me
Yeah, the weather is really fine
Up on cloud number nine

Yeah we can watch the world go by
Up on cloud number nine


Pero si bien el titulo es optimista no se puede decir mismo del significado de la letra ya que nos movemos en la raya del desamor y aunque tiene alguna frase interesante se apoya mucho en un estribillo que llega a repetirse en demasiadas ocasiones, imagino que es fruto de que el autor ha encontrado un ritmo casi perfecto con su guitarra que se acopla de forma magnifica, aunque en realidad resulta un poco cansino, pero volvamos al desamor y es que la canción habla de una persona herida que no consigue volver a disfrutar del amor, mientras que su pareja intenta que sea feliz aunque le hayan herido desde el minuto 1 con esa ingeniosa presentación... "La pista número 1 fue cuando tocaste a mi puerta, la pista número 2 fue como lucías, y ahí fue cuando supe que era una buena señal, que algo estaba mal en la nube número nueve..." entonces la canción con su famoso estribillo va en busca de llevarla a esa nube numero nueve donde se es feliz, que ahora es otro momento aunque es consciente de "....Ahora él te hirió y tu me heriste a mí, y ese no era el modo en que se supone que debería ser, así que nena, esta noche deja el mundo atrás, y pasa algún tiempo encima de la nube numero nueve... ". No es la mejor canción, pero es una de las que mejor humor me ponen.






lunes, 11 de marzo de 2019

Canciones que no soporto: Radio Ga Ga, Queen

The Works, Queen


 

   
     En 1984 la mítica banda Queen saca a la luz el que sería su undécimo álbum de estudio, titulado The Works, un disco que se mantuvo en el ránking de las listas británicas durante 93 semanas consecutivas, teniendo también gran éxito e impacto en Latinoamérica. Un disco que contiene exitazos cómo I Want to Break Free, Hard Life, Hammer to Fall y el tema del que voy a hablar en esta ocasión, un tema al que nunca he sabido sacar provecho a la hora de escucharlo pues cada vez que lo escucho mi cerebro entra automáticamente en bucle y lo rechaza constantemente. El tema en cuestión es Radio Ga Ga.

     Radio Ga Ga fue escrita por el batería Roger Taylor como una crítica a las emisoras de radio que se pasaban una y otra vez emitiendo siempre los mismos temas. En esos tiempos la radio todavía no estaba regulada por lo que una empresa podía poseer varias emisoras y así podía disponer a su antojo sin tener apenas competencia.
Según afirmaciones del propio Roger Taylor también se inspiró al ver un día el famoso canal de televisión MTV dándose cuenta de que la mayoría de los niños veían este canal de televisión en lugar de escuchar la radio.

I'd sit alone and watch your light

My only friend through teenage nights

And everything I had to know
I heard it on my radio
You gave them all those old time stars

Through wars of worlds invaded by Mars

You made 'em laugh, you made 'em cry
You made us feel like we could fly (radio)
So don't become some background noise

A backdrop for the girls and boys

Who just don't know or just don't care
And just complain when you're not there
You had your time, you had the power

You've yet to have your finest hour

Radio (radio)
All we hear is radio ga ga

Radio goo goo

Radio ga ga
All we hear is radio ga ga
Radio blah blah
Radio, what's new?
Radio, someone still loves you
We watch the shows, we watch the stars

On videos for hours and hours

We hardly need to use our ears
How music changes through the years
Let's hope you never leave old friend

Like all good things on you we depend

So stick around 'cause we might miss you
When we grow tired of all this visual
You had your time, you had the power

You've yet to have your finest hour

Radio (radio)
All we hear is radio ga ga

Radio goo goo

Radio ga ga
All we hear is radio ga ga
Radio goo goo
Radio ga ga
All we hear is radio ga ga
Radio blah blah
Radio, what's new?
Someone still loves you
Radio ga ga 

Radio ga ga 

Radio ga ga
You had your time, you had the power

You've yet to have your finest hour

Radio (radio)

     El título que Roger le puso al tema originalmente era Radio Ca Ca, que al paracer fue una afirmación que uno de sus hijos, Félix hizo para referirse al hecho de que la radio era mala: "la radio era una caca". A Roger le gustó aquel título, pero no tanto al resto del grupo, por lo que al final lo acabó retocando, resultando ser al final como la conocemos hoy en día, Radio Ga Ga. Sin embargo si nos fijamos bien, en la grabación original de dicho tema podemos escuchar la frase "Ca Ca", todo un guiño al título original. El vídeo de la canción está basado en la famosa película Metropolis de 1926, dirigida por Frit Lang, y para la grabación de dicho vídeo contaron con la colaboración del famoso director de videos musicales David Mallet.

     El tema en cuestión alcanzó el puesto número 2 en las listas británicas y el número 16 en las de Estados Unidos, y también fue catalogada por la crítica como una de las canciones más exitosas e influyentes de los años 80 en parte gracias a su vídeo. Cómo apunte comentar que esta canción fue en la que se inspiró Lady Gaga para ponerse tal nombre artístico.

     Como se puede observar, Radio Ga Ga es un tema que tiene historia, mucha historia, con una velada crítica hacia los medios de entonces que monopolizaban el mercado, un tema que curiosamente acabó siendo unos de los más emitidos por el canal MTV, curioso verdad?

domingo, 10 de marzo de 2019

La música en historias: Hablemos de "Sumo"




EL MANUSCRITO EN LA BOTELLA (PARTE 3)

"¡Hay botellas vacías, de marcas extrañas, las debo haber tomado, uhhhh, que resaca!"

Podría ser eso que decía Calamaro en su mítico Salmón, o que estemos ante una nueva entrega del manuscrito en la botella de nuestro amigo @storyboy, que comenzaba su tercer mensaje con la palabra "SUMO".

"Pues claro que sumas" - pensé. Tus historias sobre la música en Argentina nos enriquecen y nos acercan a cantantes y grupos que muchos en España no conocemos. Como en este caso, con él descubrimos hoy que "SUMO" es un gran grupo con una gran historia.

No hay dos sin tres, así que os dejo con @storyboy y SUMO.



Si recorres el barrio porteño del abasto, verás en sus paredes escrito una frase "Luca Vive!", y esa frase no es más que la inmortalidad de un artista del rock nacional que conformó la banda del rock SUMO.La cual nos ocupará este nuevo capítulo del rock nacional.
Pero no debemos comenzar hablando de SUMO, sin antes contar quien era Luca Prodan, un joven de origen italiano nacido en Roma al que la vida lo llevaría a la Argentina, dirán luego que escapando de su fuerte adicción a la heroína, la cual un tiempo atrás fue la culpable de la muerte de uno de sus hermanos.
Ese joven, proveniente de una familia de artistas dedicada al arte oriental, educado en Escocia en la Gordonstown School, donde se habían formado grandes personalidades como el Príncipe de Gales y el Duque de Edimburgo, pero que tenía como gran amor a la música, trabajaría en Londres en la discográfica Virgin, y conocería de cerca a muchísimos artistas y vería surgir las mejores bandas de rock de la época, como así también formaría la idea de crear su primera banda de rock. Todos esos años en Londres, más los excesos de su juventud, llevarían finalmente a Luca a Córdoba - Argentina, y allí conformaria la banda de rock que se llamará SUMO.

Mañana en el abasto

Luca conforma una primera formación para SUMO, acompañado por artistas locales y viejos amigos como Timmy McKern (amigo y manager de la banda), Stephanie Nuttal a la batería, y se sumarían también Ricardo Curtet, Germán Daffunchio y Alejandro Sokol.
Esta formación luego pasaría a modificarse por diferentes cuestiones, y aquí la historia nuevamente es protagonista, Stephanie Nuttal regresa a Londres tras el comienzo de la guerra de Malvinas. Ricardo Curtet deja la banda porque ha sido padre, esto provoca cambios que hace que se sumen nuevos integrantes y pasa a quedar conformada una formación definitiva con Luca Prodan, Roberto Pettinato, Ricardo Mollo, Diego Arnedo, Germán Daffunchio y Alberto Troglio.

Los invito a conocer sus canciones, sus influencias con los géneros reggae, punk, post punk, rock y rock alternativo, escuchemos algo de su música:


Mejor no hablar de ciertas cosas

Yo quiero a mi bandera

Breaking away

Y esto no acaba acá, alcanzarían a tener varios discos de estudio desde sus inicios en 1981 hasta el año 1988, lo que demostrará que SUMO fue y será una de las bandas de rock más influyentes


Álbumes de estudio
Corpiños en la Madrugada (Demo)
Divididos por la Felicidad
Llegando los Monos
After Chabón
Fiebre

El éxito logrado por SUMO será arrasador, pero como dijimos la historia se encargaría de decir que Luca, un joven rebelde que había escapado de su adicción a la heroína, y que cambiaría esta por la adicción a la ginebra, vería su salud deteriorada por esta nueva adicción y agravada por una cirrosis, la cual le provoca la muerte.

Por todo esto se tejeran miles de historias en torno a la vida de Luca Prodan, especialmente sobre sus adicciones y su rebeldía, pero no seré yo quien juzgue lo que fue, yo creo que debemos ver al artista por lo que nos ha dejado, y SUMO ha dejado su marca indiscutible, que hace que esté entre las mejores bandas de rock de la historia.

Luego de la muerte de Luca, SUMO se dividió en dos bandas de Rock que en la actualidad siguen adelante, una de ellas es Divididos y la otra Las Pelotas, una leyenda urbana cuenta que el origen del nombre de ambas bandas nacen de un reportaje a Luca, al que le preguntan si en el futuro veía a los miembros de SUMO divididos, el cual responde, "¿Divididos?, ¡Las Pelotas!"

Por todo esto creo que es verdad que Luca Vive! Y está en  "... un boliche a la esquina a tomar una ginebra con gente despierta..." como dice la letra de la canción "La rubia tarada". Por ello si pasas por el barrio del Abasto, no olvides que Luca vive aún y te lo podrías cruzar.

Amigos, como suelo decir, mis historias del rock están escritas desde la propia imperfección ya que son parte de mi historia y en mi tiempo como espectador.

Daniel
Instagram @Storyboy

sábado, 9 de marzo de 2019

Canciones que nos emocionan: Leave a light on - Belinda Carlisle




Nacida en Los Angeles, California, Belinda Carlysle ha sido quizás para muchos de nosotros la primera gran pelirroja que arranco nuestro sueño placido, dotada de un belleza muy decimononica esta cantante nacida en 1958 iniciaría su carrera como vocalista en un grupo musical llamada “Go-Go´s”, pero debido a su estilo musical, el cual se centraba más en el pop y la New Wave, dejaría el grupo para comenzar en 1985 su carrera como solista. En el año 1986, publicó su sencillo "Mad About You", sacado de su álbum “Belinda”, el cual tuvo un éxito considerable, gracias al cual comenzó a estar muy considerada en el panorama musical. Es al año siguiente cuando lanza al mercado un nuevo álbum “Heaven on Earth” teniendo un gran exito en Reino Unido y Australia. Con su tercer disco Runaway Horses (1989) consigue afianzarse incluso en Estados Unidos que le había sido esquivo hasta entonces, y es en este disco donde encontramos esta maravillosa canción que es "Leave a light on". Si nos paramos a ver el vídeo musical realizado encontramos una estética muy romántica como es la canción, donde podemos observar a la Belinda cantando la canción y caracterizada de distintas maneras y donde su pelo cobrizo destaca con el color del desierto, con una especie de historia de desamor en el desierto y en la mítica ciudad de Las Vegas.
Como curiosidad comentaros que fueron unas de las pocas colaboraciones y trabajos que desarrollo el ex de los Beatles, George Harrison en los años 90, haciéndose cargo de la guitarra en la canción.




Take my hand
Tell me what you are feeling
Understand
This is just the beginning 

Although I have to go
It makes me feel like crying
I don't know when I'll see you again 

Darling leave a light on for me
I'll be there before you close the door
To give you all the love that you need
Darling leave a light on for me
'Cause when the world takes me away
You are still the air that I breathe 

I can't explain I just don't know
Just how far I have to go
But darling I'll keep the key
Just leave a light on for me 

Yes I know
What I'm asking is crazy
You could go
Just get tired of waiting
But if I lose your love
Torn out by my desire
That would be the one regret of my life 

Just like a spark lights up the dark
Baby that's your heart.

Es para el que escribe una preciosa canción de desamor, un grito de desesperanza por el amor al que te quieres rendir y que no consigue hacerte visible, una verdadera luz para atraerlo. Y es que el comienzo es ya desolador.... " Aunque que tenga que partir, lo que me pone al borde de las lágrimas, es no saber cuando te volveré a ver....."..... y con ese estribillo que nos deja boquiabiertos .... "Mi amor, deja una luz encendida para mí, estaré allí antes de que cierres la puerta, para entregarte todo el amor que necesitas, mi amor, deja una luz encendida para mí porque aunque el mundo me aparte de ti, tú seguirás siendo el aire que respiro" que nos lleva a un final eterno y esperanzador.... "Como una luz radiante sobre la oscuridad, así es tu corazón".  En su contra podriamos decir que a pesar de la guitarra de George Harrison, es un tema que abusa de la percusion y de una estetica un tanto tramposa, aun asi es una muy buena cancion ochentera para que gobierne sobre nuestro coche mientras conducimos de noche al encuentro del amor....






viernes, 8 de marzo de 2019

El disco de la semana 118: Rancid - And out come the wolves



Los años 90 fueron una época brillante de la música que no ha sido suficientemente reconocida, o al menos así me lo parece, aunque puedo estar influido por el hecho de ser la época que más intensamente viví la música como adolescente y universitario. Tanto en los largos e intensos fines de semana en los bares de Getafe, como en las partidas de mus en las explanadas de hierba de la Universidad Autónoma, el intercambio de influencias y recomendaciones musicales era constante.

En esa época explotaron varios fenómenos musicales de corta duración pero de gran intensidad, que dejaron discos míticos para la historia. Hablamos de los años de coexistencia del grunge (Nirvana, Pearl Jam, Soundgarden, Smashing Pumpkins) con el brit pop (Blur, Oasis, Pulp, Suede), el heavy rock de mega grupos como Guns and Roses o Metallica, y lo que se denominó el resurgir o la segunda oleada punk (Green Day, Offspring, NOFX, Rancid). Pocas épocas de la música tienen un elenco de grupos y discos tan relevantes, salvo los reconocidos años 60-70 de los Beatles, Stones, Zeppelin, Deep Purple, Pink Floyd o los Who.

Otras bandas coetáneas tuvieron mayor reconocimiento mediático, el Dookie de Green Day o el Smash de Offspring son discos míticos de la época, pero el tercero en discordia y el auténtico tapado de este podio es el "Out come the wolves" de Rancid. Un discazo de principio a fin o una colección de himnos punk basados en influencias de Clash, Pistols o Ramones, con una buena dosis de ska en algunos de los temas.

Rancid comenzaban a abrirse paso en el mundo de la música y a llamar la atención de las grandes discográficas, que iniciaron una carrera frenética y una presión agobiante para convencerles de que ficharan por una de ellas. El grupo decidió acabar firmando por un sello independiente (Epitaph Records) y aislarse para grabar el disco, mientras "fuera se acercaban los lobos" (título del disco basado en un poema de Jim Carroll, recitado por la banda durante la canción "Junkie Man" y que hace referencia a esa presión de los lobos ejecutivos de las discográficas ansiosos por hincarles el diente y chuparles la sangre).

Y así facturaron los 19 temas del disco. Canciones de no más de tres minutos en el mejor de los casos, urgencia punk combinada con la calidad de las interpretaciones de los músicos, con mención especial para el bajista, que construye líneas imaginativas y de brillante ejecución en todos los temas, con independencia de que en algunos de ellos esté más enterrado por las fieras guitarras y en otros se le de la relevancia y primer plano que su habilidad merece. Todo ello combinado con los arquetipos punk clásicos, con voces que parecen haber grabado los temas después de una larga noche de fiesta y unos coros que son más de barra de bar que de escuela de canto.

Es un disco que se recuerda principalmente por sus singles ("Time Bomb", "Ruby Soho"y "Roots Radicals" son auténticos himnos de la banda en sus conciertos) pero del que podría destacarse prácticamente cualquier canción. Temas como "Olimpia WA", "Lock, step and gone" o "Avenues and Alleyways" con sus "oy oy oy" al más puro estilo AC/DC son temas que te levantan del asiento, y eso es aplicable a la mayor parte del resto. No hay respiro, salvo en la breve calma de los temas ska salteados a lo largo del disco, como es el caso de la mencionada "Time bomb" o la brillante "Old Friend".

No podían faltar las crestas (en la icónica portada que es en realidad un homenaje a otra mítica foto de un EP de Minor Threat) y los imperdibles que hicieron famoso al punk. Aunque en realidad lo que son imperdibles son los discos tan grandes que ha dejado el género, desde la primera oleada del "Never mind the bollocks" de los Pistols o el "London Calling" de los Clash, hasta la segunda de este "And out come the wolves".

Estamos ante una banda que entregó aquí su obra cumbre e irrepetible. O mejor dicho imperdible. Igual disgusto me llevaría si perdiera este disco que si perdiera alguno de los grandes discos punk de finales de los 70.

Dicen que si recuerdas los 60 es que no los viviste. Aplicado a los 90, diría que si los viviste y no recuerdas discos como éste, quizá deberías olvidar esa década de tu vida porque no parece que la aprovecharas demasiado...

jueves, 7 de marzo de 2019

La música en historias: El primer disco de Heavy Metal de la historia

Humble Pie



     En esta ocasión vamos a hablar del grupo Humble Pie y el curioso hecho de que fuera denominada la primera banda de Heavy Metal de la historia por parte de la crítica de la época.

     Steve Marriot (vocalista y guitarra) decide abandonar el famoso grupo The Small Faces y se junta con Peter Frampton (guitarrista) que provenía del grupo The Herd, con Greg Ridley (bajista) que provenía del grupo Spooky Tooth y con Jerry Shirley (batería) que había formado parte de Apostolic Intervention. Juntos forman Humble Pie y deciden alejarse del sonido psicodélico que imperaba a finales de los años 60 para hacer un sonido más basado en el rock, hard rock, blues rock y folk rock.

     Fichan por el sello Immediate, sello en el que estaban los Small Faces, y editan su primer disco, As Safe as Yesterday en 1969, grabado enteramente en una casa rural perteneciente a Steve Marriot, un álbum que consiguió gran exito en Inglaterra. Fruto de ese éxito deciden ese mismo año editar su segundo trabajo llamado Town and Country. Es entonces cuando el sello Immediate quiebra y el grupo cambia de discográfica, fichando por A&M Records. Para entonces Marriot ya se ha hecho con las riendas del grupo y empieza a meter un sonido más duro y pesado a los trabajos del la banda, sonido que se vería reflejado en sus siguientes trabajos, el tercer disco en estudio Humble Pie (1970) y el cuarto Rock On (1971), y también en su primer trabajo en directo, un dóble álbum en vivo llamado Rockin' the Fillmore (1971).

     En 1969, la crítica especializada, más concretamente la revista Circus ya había agrupado a Humble Pie junto a bandas como Black Sabbath, Deep Purple o incluso Cream dentro del creciente y novedoso movimiento que denominaron Heavy Metal, denominado así por la densidad y pesadez de su sonido. Ese mismo año el famoso periodista, músico y crítico John Peel, de la BBC, cataloga a Humble Pie como la primera banda de Heavy Metal de la historia, y lo hace no basándose en su sonido, lo hace basándose a la cantidad de volumen utilizado de sonido por el grupo para sus interpretaciones.




     Puede que Humble Pie fuera la primera banda de Heavy Metal de la historia, o puede que no, pues sobre este hecho podríamos debatir largo y tendido, pero hay dos hechos que están claros, el primero es que el grupo indudablemente fue de los primeros, y el segundo hecho es que Humble Pie si tiene el honor de tener el primer disco de la historia catalogado como Heavy Metal, pues en su disco Rockin' the Fillmore, álbum doble grabado en 1971, fue el primero en el que apareció en su contraportada una pequeña etiqueta dónde señalaba "Heavy Metal".


miércoles, 6 de marzo de 2019

El Navegador del Rock: Oasis: What's the story Morning Glory

¿Quieres visitar los lugares que aparecen en las portadas de los discos del rock?
Este es tu navegador:

BERWICK STREET: WHAT'S THE STORY (MORNING GLORY)



Los hermanos Gallagher buscaron con su segundo disco, aparte de afianzar su carrera musical tras el excelente "Definitely Maybe", generar un fenómeno social como el de la portada del "Abbey Road" de sus admirados Beatles. Querían que la portada que eligieran se convirtiera en lugar de peregrinaje de fans, ávidos de hacerse fotos emulando a las personas que aparecieran en ella.

No lo lograron completamente, no deja de ser un lugar curioso de visitar si eres un fan del grupo de Manchester, pero no tuvo el calado del mítico paso de cebra de los cuatro magníficos. Y eso que la calle Berwick está situada en un enclave más céntrico que el de los estudios Abbey Road. Situada en pleno barrio del Soho londinense, replicar la foto de la portada tiene además su dificultad porque la calle, despejada para la portada, no tiene el aire peatonal que le dieron a la foto. Para evitar el tráfico, la foto se hizo de madrugada, y con el tratamiento posterior parece que esté hecha durante el día.

El encargado de crear el diseño del disco fue Brian Cannon, y es además una de las tres personas que aparecen en la portada, de las cuales ninguna era integrante de la banda. Contar con Liam o Noel seguramente habría ayudado a conseguir el fallido objetivo de darle mayor relevancia al lugar, pero por alguna razón no se hizo así. Cannon es la persona que está de espaldas en primer plano, cruzándose con un segundo personaje que es Sean Rowley, un conocido locutor de la BBC. El tercer personaje está al fondo en la acera de la izquierda, sosteniendo en alto lo que podría ser una copia del disco, es el productor del disco Owen Morris.

Aunque el paso del tiempo ha hecho que las tiendas de la calle hayan ido desapareciendo, sustituidas por otros negocios, la curiosidad más interesante para nosotros es que, en esa misma acera de la izquierda, una tienda de discos muestra orgullosa una foto de la portada del disco en su escaparate, con la leyenda "You are here" ("Estás aquí") y una flecha indicando el lugar en el que la tienda puede verse en la foto.

Para llegar y hacer la obligada foto, y opcionalmente pasar un rato en la tienda de discos, nada mejor que partir de la céntrica y turística Oxford Street, dejando atrás Oxford Circus, y caminar por la acera de la derecha en dirección Norte hacia el Soho. Al cabo de unos minutos, Berwick Street aparecerá a la derecha, y hacia la mitad de la calle estaréis en la portada del disco que nos trajo "Wonderwall", "Don't look back in anger" y "Champagne Supernova", entre otros buenos temas.



lunes, 4 de marzo de 2019

La música en historias: Número uno a título póstumo

Otis Redding




     Otis Redding nació en Madison (Wisconsin) el 10 de diciembre de 1941, cantante, productor, compositor, cazatalentos, es considerado como uno de los más grandes cantantes de la historia de la música Soul y de Rhythm and Blues, no en vano fue apodado "King of Soul".

     Fue uno de los artistas que contribuyó al esplendor de la famosa casa discográfica Stax Records. Otis dejó la escuela a la edad de quince años para ayudar a su familia, y pronto empezó a trabajar para Little Richard en la banda que le acompañaba en sus conciertos, The Upsetters.

     En 1962 le ficha el sello Stax Records, debutando con el álbum Pain in May Heart, consiguiendo rápidamente la popularidad entre el público afroamericano, aunque poco a poco iría extendiendo esa popularidad entre todo el público. 

     En 1967 la famosa revista Melody Marker le nombra mejor cantante del año, consiguiendo así desbancar ni más ni menos que a Elvis Presley que había ganado dicha mención los nueve años anteriores. Ese mismo año actúa en el Festival internacional de Monterrey, y lo hace acompañado por la famosa formación de respaldo  del sello Stax, Booker T & The MG's.

     Una de las cosas que hicieron famoso a Otis fue la forma de interpretar los temas, con esa voz rasgada y aterciopelada que tenía, lo que le hacía único, siendo capaz de enternecer al público con sus baladas y de volverles locos con sus temas más movidos.

     Otis Redding tuvo el triste honor de ser el primer artista que conseguía un número uno en las famosas listas Billboard estadounidenses. Ese mismo año 1967, Otis publica su álbum The Dock of the Bay, pero no tuvo tiempo de disfrutar del éxito, pues el 10 de diciembre de 1967, la avioneta en la que viajaba tuvo un accidente en la localidad de Madison (Wisconsin) que le costaría la vida. El disco lo había grabado muy poco antes de ese fatal accidente.

     Ese disco contenía una canción, la famosa "(Sittin on) The Dock of the Bay", que le catapultarían a título postumo al número uno de las listas Billboard Hot 100 y Billboard R&B. El disco también consiguió ser el primero en copar el número uno en las listas del Reino Unido a título postumo. Este fatal hecho no sólo supuso la perdida de uno de los mejores artistas de la historia del Soul y Rhytm & Blues, también supuso el inicio de la decadencia del famoso sello Stax Records, que haría que esta compañía tuviera que reconvertirse para dar un nuevo impulso en los años 70.

domingo, 3 de marzo de 2019

Canciones que nos emocionan: Angel caido - Antonio Vega

No cabe duda que Antonio Vega es uno de los mitos del Pop Español, desaparecido a una corta edad nos ha dejado obras de una calidad indudable, mezclando lo comercial con ese punto interior que tanto le atormentaba y que segun él mismo lo retratan a gritos. Huyendo quizás de lo mas comercial que todos conocemos hoy les invito a emocionaros con un tema del disco Anatomia de una ola publicado en 1998: Angel Caido




Con un par de guitarras que se entremezclan y con su voz doliente, Antonio Vega nos canta una historia de arte, una historia dedicada a la obra de Vicent Van Gogh pero tambien a su personalidad un tanto extraña que ha sido comparada a la del mismo autor, incluso en palabras de él "...esta canción es una declaración de hasta que punto me siento identificado con muchos aspectos de la vida y personalidad de Van Gogh.....”.


Veo en el pincel
amarillenta luz, la del café
Aires del campo que respiran lienzos y papel

Lámpara de alcohol
estrella quieta de tu habitación
“…El cielo con las manos”
dejó de ser una expresión


 Oculto tras el girasol
anida un sueño de impotencia
Culpable y fiel a tu dolor
Violado por el ángel caído que
vive en el pincel
Peinando trigo, desgarrando piel
Pintando autorretratos
y así poderse conocer

 Hijo del color
que en el silencio ahogó su propia voz
Señor del mundo en el que hoy vivimos tú y yo

Oculta en sombras de farol
se agita oscura la conciencia
Culpable,  fiel a tu dolor
Violada por el ángel caído que
vive en el pincel
peinando trigo y desgarrando piel…

Encontramos muchisimas referencias a los cuadros que pinto Van Gogh... amarillenta luz, la del café espejo de su obra Terraza de café por la noche o  Lámpara de alcohol
estrella quieta de tu habitación   en referencia al cuadro "cafe de noche" y la similitud de esas lamparas con las estrellas que pintaba.   Oculto tras el girasol  Para esta frase no hace falta mas palabras, metafora de su cuadro mas famoso y de como la fama encontrada una vez de su muerte oculta la existencia atormentada. Pero la cancion no es solo unas referencias a sus cuadros mas o menos poetica, sino que indaga en su personalidad atormentada "anida un sueño de impotencia
Culpable y fiel a tu dolor" .... " en el silencio ahogó su propia voz ".... " Culpable,  fiel a tu dolor "  pero en si al final la cancion es una pura delicadeza de sencillez y sentimiento. Disfruten de este Angel Caido, metafora de Vicent Van Gogh y del propio Antonio Vega.








sábado, 2 de marzo de 2019

Grupos emergentes: SEÑORNADYE en la sala Siroco

Señornadye en la sala Siroco

     
     En 7dias7notas tuvimos el placer de entrevistar hace algo más de un mes a Señornadye y desde entonces teníamos muchas ganas de verles en directo, algo que la noche del viernes día 1 de marzo fue posible gracias a su manager Davinia quién hizo posible que pudiéramos estar presente en la mítica sala madrileña Siroco.

     Un concierto donde tocaban dos bandas, donde el primer turno fue para la banda de rock Erratas, que dejó a los presentes con un buen sabor de boca. Finalizado el concierto de Erratas, le tocó el turno a Señornadye, y uno a uno sus integrantes fueron compareciendo en el escenario de la sala Siroco la cual se encontraba llena, para enchufar y preparar sus instrumentos, Efren con su bajo, Nerea ajustando la batería, Eduardo y virginia con sus respectivas guitarras, Pablo con su teclado y Daniel con su guitarra acústica. 

     Mientras dan los últimos retoques antes de comenzar el concierto podemos observar que allí arriba en el escenario se palpa muy buen rollo, pues como nos comentaban en la entrevista entre ellos existe mucha complicidad pues pertenecen a la misma pandilla desde jóvenes. Una complicidad que los allí presentes pudimos corroborar nada más arrancar con el primer tema, "El día de navidad". Transcurre el segundo tema "Jamás estuvo azul", y ya hemos podido apreciar que estos chicos tienen un directo muy bueno, y cuando tocan su tercer tema "Color de luna", un magnífico rock & roll, ya tienen a toda la sala viajando a la misma luna y rendida a sus pies. Y uno a uno se van sucediendo los temas, "La gente es mierda", "El golpe de gracia", y "La sombra". Mediado el concierto Dani se arranca con la armónica en "Morfina", una balada muy buena donde Virginia se marca un solo más que respetable. Le siguen "Crujo" y "ojitos tristes" y el concierto va llegando a su fín, pero no sin antes escuchar "Hermano", tema con el que ganaron una edición del festival Carrefest. Y como todo tiene un final, y delante de un público totalmente entregado y contra la voluntad de este, tuvieron que finalizar el concierto, cosa que hicieron tocando el último tema de la noche "Todo tiene un precio".




     Señornadye son más que un grupo de músicos que se han juntado para hacer música, son un grupo de amigos con una gran complicidad y compenetración en el escenario, con un sonido en directo muy bueno y cuidado, y si a eso le sumamos las buenas composiciones que traían bajo el brazo el resultado no podía ser otro. Además, anoche hubo un público totalmente entregado al que se le pusieron Los ojitos tristes al final del concierto porque Señornadye no iba a tocar más esa noche.


viernes, 1 de marzo de 2019

El disco de la semana 117: Orianthi - Heaven In This Hell

Heaven in this HellH- Orianthi





     Hace algunos años ya (sin poder especificar mucho más pues para las fechas soy bastante malo) andaba yo enfrascado e inmerso en la plataforma digital Youtube viendo videos musicales de artistas de aquí y allá cuando por casualidad acabé viendo uno grabado  durante la celebración del Festival Summer Sonic de Japón en el año 2010. Dicho festival tiene la peculiaridad de celebrarse de forma simultanea en varias ciudades de Japón. Pues bien, el video en cuestión era una versión del famoso tema Voodoo Child de Jimi Hendrix interpretado por una tal Orianthi, y la cuestión es que aluciné con aquel video, ¿Quién era Orianthi?, ¿Cómo podía ser que no hubiera tenido noticias de su existencia antes?, ¿Podía esa guitarrista haber aparecido de repente como cual éxito de verano? Pues no, porque a esas alturas el currículum de orianthi era poco menos que impresionante.


      Orianthi Panagaris, de ascendencia griega, nace en Adelaida (Australia) en 1985, Su padre tocaba en una banda de música griega, por lo que era habitual que hubiera instrumentos musicales en casa, hecho que no pasa desapercibido para Orianthi y a los tres años ya es capaz de tocar el piano, la guitarra acústica a los seis  y la guitarra eléctrica a los 11. Es cuando tenía once años que ve a  Carlos Santana tocando en Adelaida y Orianthi queda maravillada con el espectáculo por lo que le pide a su padre que le compre una guitarra eléctrica pues ella quiere ser como Santana, y su padre accede, después se compra montón de videos de Carlos Santana y a base de rebobinar y rebobinar se aprende todos sus solos de guitarra. 
Influenciada por los discos de su padre entre los que se encuentran guitarristas de la talla de Jimi Hendrix, Eric Clapton, Stevie Ray Vaughan o Carlos Santana entre otros, pero también influenciada por guitarristas de la talla de Steve Vai, Joe Satriani y Aldi Meola entre otros, se da cuenta de una peculiaridad que tienen todos ellos en común, todos ellos también son compositores, por lo que desde ese momento ella  decide que también debe componer. 

     Orianthi que tiene claro que su futuro pasa por ser guitarrista, se centra en la música y ya con 14 años toca en varios grupos tanto en Francia como en Inglaterra, y ya con 15 años consigue telonear a Steve Vai, el cuál a partir de ese momento siempre ha estado ahí apoyando a la genial guitarrista australiana. 
Carlos santana vuelve a Adelaida para dar un concierto cuando Orianthi tiene 18 años, y el hermano de Carlos que había escuchado algunas cosas de Orianthi organiza una pequeña jam session entre ella y Carlos, y como consecuencia de aquello Carlos acaba invitando a Orianthi a tocar con el en ese concierto, compartiendo escenario con el durante unos 35 minutos.

     En 2006 sale su primer disco, Violent Journey, donde da muestras de su gran calidad como guitarrista y cantante y de sus dotes para la composición. En 2009 edita su segundo trabajo llamado Believe, el cuál tiene bastante éxito. Ese año  y paralelamente a ese trabajo con su segundo álbum Orianthi realiza una audición para ser guitarrista de Michael jackson en los conciertos que se iban a celebrar en el O2 arena en Londres de su espectáculo This is It, siendo fichada por el mismísimo Michael para esos conciertos que lamentablemente jamás se llegaron a celebrar, si bien se pueden ver videos en las diferentes plataformas digitales de los ensayos. De hecho uno de los temas de su disco Believe, God Only Knows está compuesto a la memoria de Michael jackson y de
una amiga de Orianthi fallecida con apenas 25 años de edad.
En 2010 edita su tercer disco, Believe II, y un año después es contratada por Alice Cooper como guitarrista principal para su gira de conciertos. Sobre este hecho hay una anécdota, pues mientras Orianthi era la guitarrista de gira de Alice, Prince, el genio de Minneapolis estuvo mucho tiempo detrás de ella intentado ficharla, de lo que Alice se quejaba amargamente pues decía que para que quería Prince, el cuál es ya un guitarrista excepcional una guitarrista como Orianthi, pues no le hacía falta.
En 2014 realiza varias actuaciones con Richie Sambora, con el que repite en el año 2017 y saca un disco bajo el nombre de RSO llamado Rise. En 2018 volvió a tocar para Alice cooper. Además de todo esto ha tenido tiempo para colaborar asiduamente con gente cómo Z Z Top, Steve Vay, Eric Clapton, Carlos Santana ó Prince entre otros.
     A la vista está de que a estas alturas el curriculum de Orianthi Panagaris es impresionante para la edad que tiene.

     Después de esta extensa introducción nos vamos a centrar en el disco elegido para esta semana el cuál me he saltado a propósito, Violent in This Hell, publicado en el año 2013, se trata del cuarto disco editado en solitario por Orianthi, producido por Dave A. Stewart (Cofundador del mítico grupo Euritmiths)al que conoció cuando coincidieron en una gala benéfica y  que además aporta su guitarra rítmica para la grabación de este álbum. Un disco que se mueve entre el pop y el rock, con un buen equilibrio entre calidad y comercialidad, con algunas temas en una línea más pop-rock y otros más rockeros con tintes bluseros. Once temas donde Orianthi se involucra en la composición en todos ellos.



     Heaven in This Hell, es el tema que da título al disco, compuesto por Orianthi, Dave, John Feldman (cantante grupo Ska-punk Goldfinger) y el productor canadiense Gavin Brown, es un tema en una línea muy rockera, muy interesante la parte final donde acaba el tema con una guitarra acústica a la que pusieron unas cuerdas de nylon, pues Orianthi quería que el final del tema "flotara" cómo si estuvieran en el cielo.

     You Don't Wanna Know, escrita en Nashville entre Orianthi, Zac Maloy y Clint Lagerberg, tema que trata de un chico que no juega limpio con su chica, pero resulta que ella está haciendo lo mismo. Tema basado en un riff de guitarra que va creciendo cada vez hasta hacerse más potente, adornado magistralmente con un banjo que le da color al tema. Es otro de los temas más rockeros y una de las joyas de este disco

     Fire, seguimos en la línea más rockera del disco, compuesto por Orianthi y Dave, se trata de un blues con raíces muy sureñas, un tema del que Orianthi recuerda que aunque muchos de sus temas van en una línea más pop siempre acaba volviendo al blues, y tratar de escapar del blues es como "tratar de escapar del diablo". La colaboración al violín corre a cargo de la excepcional violinista Ann marie Calhoun la cuál ha colaborado también con Steve Vay y Dave Matthews.


     If U Think That U Know Me, es el primer tema donde viramos hacia una línea más pop, pero no por ellos menos interesante. Compuesta entre Orianthi y Dave, es una canción dedicada a los fans, que siempre están ahí, son los que van a verte, los que te escriben, los que nunca fallan.


     How do You Sleep?, compuesta también por orianthi y Dave, magnífica balada con tintes bluseros. La música es como una terapia para Orianthi, y una de las cosas que más le llenan es recibir mensajes de gente que dice que su música le ha ayudado en los momentos dificiles, lo que le da mucha más fuerza y ganas para seguir escribiendo y tocando. Es sin duda otra de las joyas del disco, Sentaros y disfrutar.

     Frozen, tema que fue un gran éxito como single, tema que cuenta con la armónica de Jimmy 'Z' Zavala, el cuál tocó durante varios años con Euritmiths. En un principio el tema era acústico, pero Orianthi creía que le faltaba algo y decidió meterle un sonido más pesado y eléctrico, todo un acierto.

     Rock, es un tema con un sonido más Country, y como Orianthi confesaba, decidió escribir este tema así pues pensaba que era lo correcto en ese momento, ya que sus inclinaciones musicales son muy variadas y no se cierra a nada.

     Another You, compuesta por Orianthi junto a Blair Daily y Bobbie Huff, es un tema en una líena más pop con toques country, una agradable canción que habla sobre el amor.

     How Does That Feel?, tema compuesto entre Orianthi y Dave, comienza como un blues - jazz para ir virando según coge velocidad y acabar siendo una pieza muy rock. Muy interesante la evolución del tema, empezando de una forma para acabar de otra completamente diferente.


     Filthy Blues, compuesta entre orianthi y Dave, es un blues sucio donde Orianthi a pesar de tener relaciones que no funcionan y siempre acaba con todas ellas siempre le queda su relación con el Blues, el Blues siempre vuelve a ella.

     If You Were Here With Me, tema que compuso Orianthi al observar a una pareja de ancianos que andaban por la calle cogidos de la mano mientras había niños pequeños a su alrededor, tema que da esperanzas, porque el amor aunque  puede ser temporal también puede ser para siempre como en el caso de los dos ancianos. Canto a la esperanza del amor.

     Heaven in This Hell es en definitiva un disco muy bueno, con una guitarrista excepcional, pero que también es capaz de hacer una composiciones muy buenas y sin olvidar que tiene una gran voz, elemento que cuida tanto como la guitarra. Orianthi es por derecho
propio una guitarrista que incluyo dentro del selecto grupo de guitarristas que además de ser magistrales son capaz de llegarnos al corazón y transmitirnos sentimientos y remover nuestro alma.