La música en historias: Jesucristo Superstar

Ian Gillan

     Ian Gillan es uno de los mejores vocalistas que han pasado por la historia del rock, y aunque es conocido fundamentalmente por su trabajo en Deep Purple, hoy me voy a centrar en una curiosidad que aconteció mientras formaba parte de éste grupo.

     Ian nace en 1945 en Londres (Inglaterra), el abuelo materno de éste era cantante de ópera y pianista aficionado. Uno de los primeros recuerdos musicales de Ian era ver a su madre tocar al piano la pieza Blue Rondo a la Turk. Sus padres se divorcian cuando era muy pequeño. Una de sus primeras influencias y que acabaría marcándole fue Elvis presley. En su jueventud estudió en el instituto Acton County Grammar, siendo compañero de clase del mismísimo Pete Townshend (The Who), pero los estudios los dejó pronto pues al ver una película de Elvis Presley tuvo claro que quería triunfar cómo cantante de rock.

     Tras pasar por bandas de pequeña entidad cómo Garth Rockett and the Moonshiners (su primer grupo) dónde al principio cantaba y tocaba la batería, y Ronnie and the Hightones (posteriormente cambiarían el nombre por The javelins) Ian acabaría sustituyendo al vocalista Andy Ross en el grupo Episode Six, formación en la quepermaneció de 1965 a 1968. Y justo al año siguiente Ritchie Blackmore (guitarrista), Ian Paice (batería) y John Lord (teclista) que no estaban contentos con la dirección del grupo Deep purple acabarían prescindiendo del vocalista Rod Evans y del bajista Nick Simper, y ficharían al bajista Roger Glover y a Ian Gillan como vocalista. A partir de aquí empezaría una fructífera y dorada época para Deep Purple con Ian Gillan como vocalista.

     En 1970, la formación ya había publicado Deep Purple in Rock y Concerto for Group and Orchestra, lo que hacía que el grupo despegara y se consolidara como la gran formación que era. Ese mismo año Tim Rice (famoso autor de letras para musicales  y presentador de radio y televisión, y famoso por haber escrito la letra de los musicales Jesucristo Superstar y Evita. Tim Rice también es el responsable del apartado musical de las películas de Disney Aladdyn y El Rey León) queda impresionado al escuchar la interpretación de Ian Gillan del tema Child in Time por lo que se pone en contacto con él y le pide que realice el papel y la interpretación de Jesús de la ópera Rock Jesucristo Superstar: Gillan acepta y graba sus partes vocales de la ópera en unas tres horas y después de haber ensayado únicamente un par de veces. 

Además de Ian en el papel de Jesús en este disco conceptual, trabajaron el actor y cantante Murray Head en el papel de Judas, la cantante y actriz Yvonne Elliman en el papel de María Magdalena, el vocalista de Manfred man Mike D'Abo en el papel de Herodes, y el cantante Gary Glitter en el papel de uno de los sacerdotes, aunque éste último se acreditó con el nombre de Paul Raven. Todos estos acompañados por una orquesta sinfónica de 56 piezas y 6 músicos más de rock.

     El disco resultó todo un éxito y consiguió dos nominaciones a los premios Grammy además de alcanzar el puesto número uno en la famosa lista Billboard 200. Posteriormente y debido al éxito Tim Rice vuelve a llamar a Gillan y le ofrece el papel protagonista de Jesús en la versión cinematográfica de la ópera rock que iban a realizar, un ofrecimiento que no le quedó más remedio que rechazar pues en esa época Ian se encontraba de gira con Deep purple y le era imposible atender semejante aventura, una lástima. 

0141: With God on Our Side - Bob Dylan

Uno de los ejemplos dominantes de anomalías en la música de Dylan es el papel de Dios en el destino de su país. La noción de que existe un ideal teocrático colectivo y una figura providencial que guía al país da paso a un examen más sombrío del individuo solitario, desprovisto de Dios y de identidad colectiva, vagando por un país que parece haber perdido la capacidad de regenerar al individuo. 

Un ejemplo perfecto de la anomalía de Dylan es su "With God on Our Side" donde toma el tema del destino manifiesto y el papel de la Providencia en la configuración de su país y lo pone patas arriba. Como narrador, Dylan interpreta el papel del inocente estadounidense que hace preguntas y busca la verdad. Afirma que su nombre no es nada y su edad menos; luego informa que proviene del Medio Oeste. Definitivamente es el heredero de Woody Guthrie, nos dice, fue educado para "cumplir" las leyes y creer que su país "tiene a Dios de su lado". En resumen, está diciendo que fuimos educados, educados y condicionados para creer en la versión estadounidense de Irving Berlin. Luego emprende un catálogo Whitmaniano de guerras e injusticias en las que probablemente alguien sintió que Dios estaba de su lado. Reescribe el mito del occidente y la frontera mientras canta cómo la caballería cargó y los indios murieron, pero la razón fue que "el país era joven" y tenía la confianza de tener a Dios de su lado. La ironía en la letra es casi brutal, el insinúa que la excusa para la masacre del indio fue nuestra inocencia, una inocencia protegida por la Providencia, pero luego, en el contexto de toda la canción, descubrimos que eso no es excusa en absoluto: Judas Iscariote probablemente tenía a Dios en su lado.

Dylan ... intenta mostrar que, contrariamente al mito, el poder de Dios en la configuración del destino del país quizás no fue una fuerza regeneradora ni el antecedente para establecer el "trono de la libertad". Era, al contrario, un manto para otra forma de opresión y tiranía. Entonces, ¿qué hace una persona si la mano de Dios se aparta de nuestro destino? Para Dylan, como para Guthrie, la respuesta está en el individuo. Su última estrofa regresa al narrador diciendo que se va (el destino y la razón no están claros) porque está "cansado como el infierno" y se siente confundido. En esta estrofa perpetúa el tema del vagabundo de Woody Guthrie, pero para Dylan ese vagabundo no es el radical populista despreocupado. El narrador "se va" señala los comienzos del tema del individuo alienado que dominará el mito de América en la canción popular durante las próximas dos décadas. Finalmente, finaliza la canción con una nota amargamente irónica al afirmar que, si Dios realmente está de nuestro lado, detendrá otra guerra. Esto, por supuesto, suena vacío a la luz del catálogo de abusos que acaba de relatar.

Disco de la semana 226: Game, Dames and Guitar Thangs - Eddie Hazel

 

Game, Dame And Guitar Thangs

     El 29 de julio de 1977 se publica bajo el sello discográfico Warnes Bros. el único álbum publicado en vida del magnífico gutarrista Eddie Hazel, Game, Dames and Guitar Thangs.

Edward Earl "Eddie" Hazel, más conocido como Eddie Hazel, nace en Brooklyn, Nueva York (Estados Unidos) en 1950. Desde muy pequeño, su madre Grace intenta que su hijo crezca en un entorno más favrable y se lo lleva a New Jersey. Es también a muy temprana edad cuando Eddie se interesa por la guitarra, justo en el momento que su hermano mayor le regala una. 

En su juventd conoce al bajsta Billy "Bass" Nelson, con el que hace una gran amistad, y juntos van de aquí a allá tocando en diferentes proyectos. En 1967, George Clinton, que anda buscando músicos de apoyo para tocar con su banda The Parliaments, ficha al Bass Nelson. Es Nelson quien recomienda a Clinton que fiche a Eddie como guitarrista, pero la primera tentativa de ficharle no sale debido a que este ya tiene un compomiso y además se topa con la negtiva de la madre de Eddie. Sin embargo, Clinton, consciente de la calidad de Eddie, no se da por vencido y con la ayuda de Bass Nelson consigue convencer a la madre de Eddie. Eddie pasaría a formar parte de la columna vertebral de Funkadelic, formación que Clinton forma para apoyar a Parliament, banda que deriva de The Parliaments debido a los porblemas legales de derechos que Clinton tuvo sobre el grupo. 

Con Funkadelic, Eddie Hazel se acabará convirtiendo en el más influyente guitarrista del funk, con un sonido basado en rock, hard rock, funk y rock psicodélico, y con un estilo que mezcla con una maestría brutal estilos de artistas como Jimi Hendrix o Sly & the Family Stone entre otros.

Para disfrute de nuestro oídos Eddie, con Funkadelic, nos regaló memorables discos como Funkdelic (1970), Free Your Mind ... and Your Ass Will Follow (1970),  Maggot Brain (1971) y Standing on the Verge of Getting It On (1974), y otras tantas aportaciones en discos como America Eats Its Young (1972) y Cosmic Slop (1973). Sus problemas con las drogas, que acabaron con su vida el 23 de diciembre de 1992, nos privaron de disfrutar durante más tiempo de este genio de las seis cuerdas.

Aunque después de su muerte se han editado varios discos tanto en estudio como en directo a título póstumo, es en 1977 cuando se publica su único álbum de estudio en solitario en vida del guitarrista, Game, Dames and Guitar Thangs, el disco recomendado para esta semana por 7dias7notas.

Para la grabación del disco, basado en un sonido que va desde el funk, el soul y el funk psicodélico y el hard rock, Eddie se rodea de los músicos de la onda de Funkadelic y la Bootsy's Rubber Band, Michael Hamptom, Garry Shider y Glenn Goins a las guitarras, Bootsy Collins, Billy Bass Nelson y Cordel Mosson al bajo, Jerome Brailey y Tiki Fulwood a la batería, Bernie Worrell y Doug Duffey a los teclados, y Linn Mabry, Dawn Silva y Gary Cooper a las tareas vocales. El resultado es un disco que obviamente rebosa sonido P-Funk por los cuatro costados, pues además de la colaboración de los músicos de la banda, el mismísimo Geroge Clinton se involucró en tareas de composición del álbum. Sin embargo tiene la particularidad de contener muchísimo más materia instrumental, no en vano fue un disco concebido para resaltar las magníficas dote de guitarra de Eddie Hazel.

Game, Dames and Guitar Thangs es buen disco, donde podemos disfrutar de versiones como California Dreamin' (grabada por primera vez por The Mamas & the Papas), I Want You (She's So Heavy) (grabada originalmente por los Beatles) y Physical Love (originalmente grabada por la banda de Bootsy Collins, Bootsy's Rubber Band). También nos encontramos con What about It?, escrita por George Clinton y Eddie Hazel, la cual es un remake, una nueva versión instrumental del famoso tema Wars of Armageddon, incluido en el disco Maggot Brain, y dos temas compuestos para la ocasión, Frantic Moment (George Clinton, Bootsy Collins, Bernie Worrell) y So Goes The Story (Clinton, Collins, Hazel). En cuanto al sonido, Eddie se acerca más al relajado ambiente de Parliament en detrimento de la locura psicodélica a la que nos tenía acostumbrados con Funkadelic. 

Game, Dames and Guitar Thangs es un buen trabajo, con una buena producción, donde se nota la mano de Geroge Clinton y de los músicos que colaboran, todos de la órbita del sonido P-Funk, como por ejemplo el sonido de los sintetizadores de Bernie Worrell o el magnífico trabajo con el slap de Bootsy Collins. 

0140: The times they are-a-changing - Bob Dylan

 "Venid senadores, congresistas, por favor haced caso a la llamada". Un amigo de Bob Dylan, al leer estas palabras en unas hojas con canciones y poemas en el apartamento del músico, le preguntó: "¿Qué es esta mierda, hombre?". En su respuesta, Dylan se refirió a aquellos primeros versos de The Times They Are a-Changin como "lo que parece que a la gente le gusta escuchar". Y estaba en lo cierto. En aquellos tiempos, a la gente le gustaban las canciones protesta, y aquella canción se convirtió en un himno de protesta política y de las diferencias entre generaciones.

Publicada en el álbum de Bob Dylan del mismo título, un siempre arisco Dylan renegó del significado que había adquirido para la gente, y defendió que The Times They Are a-Changin había nacido como un sentimiento propio, más que como una declaración de intenciones para el mundo o para una generación determinada. Ya fuera un afilado reflejo de su tiempo, o sólo un aislado y profundo sentimiento personal, lo innegable es que la canción era tan buena, que inevitablemente se convirtió en "lo que a la gente le gustaba escuchar" ¿Y no es eso lo que todos los artistas quieren para sus canciones? No parece que, en el caso de Dylan, ese fuera su objetivo, pero es que el genio de Minnesotta siempre pensó de manera diferente, incluso cuando los tiempos estaban cambiando.

La música en historias: Deep Purple y los fuegos artificiales

 Deep Purple en el National Jazz & Blues Festival en Plumpton (1970)

     Que Deep Purple es una de las mejores bandas de Rock de todos los tiempos es una gran verdad, y que debías tener cuidado si se la jugabas, también....................

     Corría el año 1970, y el grupo, que estaba formado por Gillan, Blackmore, Glover, Lord y Paice , comenzaban a despegar como lo que eran, una súper banda. El 9 de agosto de 1970, Deep Purple formaban parte del cartel del "National Jazz & Blues Festival" que se celebraba en la localidad de Plumpton (Reino Unido), y además iba a ser el grupo encargado de cerrar el festival tocando en último lugar. En ese festival también iba a tocar la banda británica "Yes", la cuál comunicó a los organizadores del evento que bajo ningún concepto tocarían antes que Deep Purple y que serían ellos los que cerrarían el concierto. Los organizadores decidieron mantener el orden, por lo que los penúltimos en tocar serían "Yes" y cerrarían "Deep Purple". Pero los miembro de "Yes" decidieron idear una estrategia para ser los últimos en salir y decidieron llegar tarde y así no tendrían más remedio que salir antes "Deep Purple". Tal y como habían acordado cuando llegó el momento de que la banda "Yes" saliera a escena, esta no estaba, por lo que los organizadores del festival no tuvieron más remedio que obligar a salir a escena a los Purple.
     "Yes" se había salido con la suya......... ó no?. Llegaba el final de la actuación de los Purple, que cerraban con una versión del mítico tema de los Rolling Stones "Paint in Black", y Blackmore en ese momento pidió a uno de sus roadies que vaciara combustible encima de los equipos de sonido, encendió una cerilla, prendió fuego y siguió tocando en medio de las llamas. Los equipos quedaron seriamente dañados, y aunque la organización consiguió reparar algunos, cuando salió la banda "Yes" no consiguió superar esa noche a los Purple, que con ese apoteósico final se habían ganado al público, el cuál pensaba que formaba parte del espectáculo.

Deep Purple en el Festival California Jam (1974)

             Pero esta historia se volvió a repetir cuatro años después. Llega el año 1974, y la banda ha sufrido cambios, Roger Glover fue despedido por Blackmore, e Ian Gillan se marchó de la banda por desavenencias con Blackmore,  llegando para sustituirles Glenn Hughes al bajo y voces, y un desconocido David coverdale para el rol de vocalista principal. Esta formación, que disfruta de uno de los momentos más álgidos de la banda, son contratados para tocar en Estados unidos, en el festival California Jam, en la famosa pista de carreras californiana "Ontario Motor Speedway". La banda que llegó en su propio jet privado, se las prometían muy felices pues era la banda que iba a cerrar el festival, pero en el último momento los organizadores cambiaron el orden del programa dejando el honor de cerrar dicho festival a la banda también británica "Emerson Lake & Palmer". Este hecho fue tomado por los Purple como una humillación, en especial para Blackmore que decidió no salir a tocar. Blackmore al final es convencido de salir a tocar, pero tiene en mente su propia venganza.

     Blacmore pidió a su roadie personal que vaciara gasolina sobre los amplificadores, y cuando llegó el momento en el que la banda estaba tocando el último tema de su repertorio "Space Truckin'", pidió a su roadie que los prendiera fuego, rompió su guitarra sobre los amplificadores, tirando muchos de ellos al foso del escenario. La gente quedó encantada con el show de fuegos y explosiones mientras el resto de la banda seguía tocando. Los que no quedaron muy contentos fueron los organizadores del festival y las autoridades locales. Por cierto, los Purple tuvieron que emprender una espectacular huida en helicóptero para evitar ser detenidos.

     Como decía al comienzo del post, Deep Purple son una de las bandas de Rock más grandes de la historia y con ellos no se juega.



0139: Money - The Beatles

 

La primera curiosidad sobre esta cancion es que es una de las pocas canciones que han publicado/versionado tanto The Beatles como The Rolling Stones. 'Money (That's What I Want)', que apareció en el álbum de los Stones More Hot Rocks (Big Hits and Fazed Cookies) en 1972, aunque la primera vez que los londinenses lo lanzaron en su EP en 1964.  "Money" es una de las 15 canciones grabadas por la banda en su famosa - rechazada - sesión para el sello Decca. El gran éxito de Barrett Strong, un cantante negro de Tamla (por supuesto), que fue el primer gran éxito de este entonces incipiente sello perteneciente a The Motown fue incluido en su segundo álbum de The Beatles, titulado With The Beatles junto a otros dos temas del sello " You Really Got A Hold On Me " y " Please Mr. Postman”.

 

Money cerraba el álbum, y como ocurría en el anterior álbum, Please, please me, era una jugada comercial, la intencion era acabar en todo lo alto y de la misma manera que ocurria con Twist and Shout, aqui se vuelve a cerrar con una canción donde la voz de Lennon se vuelve poderosa en una especie de grito de batalla vigoroso y juvenil, 'Money' es, por supuesto, una pieza de sátira, una especie de encubierto ataque a los mismos valores que, admitámoslo, llevaron a los Beatles al mundo del espectáculo en primer lugar. Los Beatles tomaron el original de Strong y lo bajaron de la clave de F a E, agregaron una voz abrasadora de John Lennon, armonías cercanas de George Harrison y Paul McCartney, y lo convirtieron en una potencia atronadora. Mucho de esto se debió al coro final culminante, impulsado por el bombo de ocho al compás de Ringo Starr, un sonido que pronto se convertiría en característico de la música beat de principios de la década de 1960. El grito de Lennon de "Quiero ser libre" salió del corazón: después de muchos años en la carretera, y a pesar de las promesas de mayores riquezas en la mira, los Beatles anticiparon su éxito sólo por un corto período de tiempo a principios de la década de 1960. La carrera típica de las estrellas del pop en ese momento era de unos pocos años. Cuando parecía que iban a disfrutar de fortunas más duraderas, McCartney contrarrestó el materialismo desesperado de la canción con 'Can't Buy Me Love'.

 

Un grandioso cierre para un álbum del que hemos repasado cuatro de sus canciones y del que sin duda tiene que conocer cualquier amante de la buena música.

La música en historias: Come taste the band - Deep Purple

El décimo disco de estudio de Deep Purple era una auténtica invitación a lanzarse hacia algo nuevo, mostrando a su público un camino desconocido del que ni siquiera ellos parecían conocer el final. Esas dudas sobre el rumbo que estaban tomando se manifestaban ya en la portada, en la que parecieron debatirse entre una imagen del grupo, en su nueva formación (Mark IV) sin Blackmore, o buscar una imagen icónica sobre un fondo blanco, al estilo del plátano de la Velvet Underground & Nico. Y ese tira y afloja les dejó a medio camino, mostrando una copa de vino en la que, en su interior, aparecen los rostros de los cinco integrantes de la banda.

Hay otros signos, más evidentes, de las dudas sobre el nuevo rumbo a tomar. Así, uno de los discos musicalmente más arriesgados de su carrera, en el que abrazan ritmos y tramos instrumentales cercanos al funk, y en el que destaca el sobresaliente trabajo del recién fichado Tommy Bolin a la guitarra, es también uno de los más denostados por los fans más puristas de los Purple, por haber virado hacia canciones mucho más comerciales (en el mal sentido de la palabra). Es esta excesiva carga comercial en algunos temas, y la obvia presencia de Coverdale llevando la voz cantante, la que hace que en algunos tramos el disco parezca más cercano a Whitesnake que a los discos clásicos de Deep Purple.

Discos con los que tampoco sería justo comparar este Come taste the band, que como reconocen los propios miembros de aquella formación, podían haber firmado con otro nombre y haberlo sacado como un (valiente e innovador) trabajo paralelo e independiente de la gran nave nodriza. Compararlo con In Rock o Machine Head sería un excesivo castigo para un disco que, aunque lejos de aquellas obras maestras, por contrapartida entraría sin problema en cualquier lista de los mejores discos de 1975, gracias a temas como Comin' Home, que actúa como efectivo pistoletazo de salida del álbum, uno de los temas en los que el hammond de John Lord encuentra su sitio, entre las brillantes guitarras de Tommy Bolin.

Lady Luck es el primer ejemplo de tema excesivamente encapsulado y comercial, y consigue que las ilusiones generadas por el arranque se desinflen un poco, pero entonces llega Gettin' Tighter y la montaña rusa púrpura vuelve a dispararse a las cotas más altas. El cambio de ritmo a mitad de canción es tan arriesgado como brillante, y la música y coros de ese segundo tramo son más funky que muchos de los temas que llevaron esa etiqueta durante los fructíferos setenta. Un buen ejemplo de las cosas que se atrevieron a hacer, una vez liberados del yugo del cascarrabias de Blackmore, aunque también hay temas en los que se le echa de menos, como en Dealer, un buen tema y un gran trabajo de guitarra solista, pero en el que se añora el toque épico y colorista del malhumorado genio de las seis cuerdas.

I need love parece volver en un primer tramo a una senda excesivamente comercial, pero la propuesta musical de fondo es, de nuevo, arriesgada y enriquecedora, con unos teclados que parecen sacados del decálogo del mismísimo Stevie Wonder, y acompañados de lo que, una vez más, es un ejercicio de guitarra sobrio y generoso. El riff pesado de Drifter nos devuelve a los Purple más duros, hasta que a los dos minutos y medios el tema se parte o y la banda se deja llevar en un tramo con matices de rock progresivo.

Love Child es Deep Purple en la piel de Led Zeppelin, hasta que unos efectos de teclados futuristas mal escogidos la derriban un poco del gran pedestal en el que se estaba afianzando. This time around / Owed to "G" es una suave balada que encajaría más en un disco de Queen que en el universo de Deep Purple, y es probablemente el sabor que más desentona en el paladar durante la cata de este disco. La excesiva suavidad dura poco en la garganta, porque You keep on moving tiene la mística y la fuerza de los mejores temas de la época, y cierra el disco con un regusto a trabajo bien hecho, dejándonos con ganas de volver a brindar, hasta apurar la copa que nos invitaban a probar en la portada de Come taste the band.

0138: Till There Was You - The Beatles

 

Till There Was You, The Beatles

     Till There Was You es un tema compuesto por Meredith Willson, famoso flautista, compositor, director, arreglista musical, director de orquesta, dramaturgo y autor estadounidense, y fue grabado por The Beatles e incluido en su segundo álbum de estudio para el Reino Unido, With The Beatles, y en en su disco Meet The Beatles en 1964 para Estados Unidos. El tema fue escrito originalmente por Meredith Wilson para su famoso musical de 1957 The Music Man. 

El tema fue grabado por el grupo en sendas sesiones de grabación efectuadas los días 18 y 30 de junio de 1963 en los EMI Studios de Londres. La versión de los Beatles es interpretada por Paul McCartney, y es acompañado por George Harrison y John Lennon en un duelo de guitarras acústicas tocadas en un estilo español sobre un ritmo de bossa nova imprimido por Ringo Starr. 

El grupo había cantado Till There Was You como parte de su fallida audición para la discográfica Decca Records en Londres el 1 de enero de 1962. El tema fue uno de los cinco, concretamente el segundo, que el grupo interpretó en su primera aparación para el famoso programa de televisión de Estados Unidos Ed Sullivan Show, el 9 de febrero de 1964. El fenómeno de la Beatlemanía acababa de llegar a Estados Unidos, y este era el único de los cinco temas que no era por entonces uno de sus éxitos. Incluyeron el tema, dentro de una estrategia, para atraer a una audiencia mayor que en ese momento estaba sintonizando y viendo el programa. 

La viuda de Meredith Willson, el compositor de Till There Was You, declaró sobre este tema, que le habían reportado muchísimos más ingresos a la herencia de su marido, las regalías de la grabación de los Beatles que la grabación original incluida en The Music Man. 

Un pais, un artista: Lituania - Alina Orlova

Alina es de ascendencia polaca (padre) y rusa (madre). Su padre, un polaco lituano, nació en Lituania y su madre en Voronezh. Más tarde, sus familias se trasladaron a Kazajstán y vivieron en la misma casa. Después del matrimonio se trasladaron a Lituania, a la ciudad de Visaginas que daba servicio a la central nuclear de Ignalina, donde el padre de Alina fue a trabajar. La ciudad tenía una población predominantemente rusa, la familia de Alina hablaba ruso, pero Alina y su hermano fueron enviados a la única escuela de habla lituana de la ciudad. Cuando se le preguntó sobre su origen étnico (en 2010), Alina dijo que definitivamente no se sentía lituana o rusa, pero que su mentalidad era definitivamente báltica. En su infancia fue a una escuela musical especial y tocaba el piano.

Orlova compone sus propias canciones y realiza versiones de versiones de otros músicos. Por lo general, actúa en tres idiomas: lituano, ruso e inglés. La fama de Orlova precedió a su primer álbum de estudio cuando recibió un premio de música alternativa A.LT en su país de origen, mientras que al mismo tiempo también fue nombrada "Revelacion del año 2006". Su canción Nesvarbu fue votada por los lectores de la popular revista juvenil lituana Pravda como el mejor debut del año.

El primer album de Alina no es oficial, "publicado" en 2005 es simplemente una serie de demos, acytuaciones y versiones en vivo de sus canciones. Ya en 2008 salió a la venta Laukinis Šuo Dingo el primer álbum de estudio de la cantante lituana. El título del álbum está tomado de la obra homónima de Ruvim Fraerman, pero el título contiene un juego de palabras: su traducción exacta del lituano es "The Wild Dog is Lost" (mientras que el título del libro de Fraerman sería más correcto para escribir en lituano como Laukinis šuo dingas). La mayoría de las composiciones del álbum se interpretan en lituano, pero la cantante cantó dos canciones en ruso (Sleep and Tired Sun) y varias en inglés (Twinkle, Twinkle Little Star; Love Song; Transatlantic Love) en él Orlova escribe los poemas más maravillosos, tuvo la suerte de nacer con una hermosa voz. "Laukinis šuo dingo" es un álbum imperfecto, algo ingenuo, pero sorprendentemente tierno y conmovedor, lleno de una especie de tristeza frágil y ligera, como una despedida del verano o de la infancia. 

En 2010 publica Mutabor y se basa en el cuento de Wilhelm Hauff "La historia de la cigüeña califa". "Mutabor" es un hechizo mágico mediante el cual una persona puede convertirse en cualquier animal. Alina Orlova comenta el título del álbum de la siguiente manera: “Me gustan las transformaciones, esta es una forma de perder la paciencia. Siempre hay transformaciones en la vida, esto es movimiento ".El álbum se presentó el 9 de septiembre en el club Cosmonaut de San Petersburgo y el 10 de septiembre en la Casa Central de Artistas de Moscú. Presenta una composición más madura y arreglos más sofisticados y profesionales. Donde en "Laukinis šuo dingo" solo hay un piano desnudo, solo ocasionalmente acompañado por violines estridentes, aquí hay arreglos de estudio completos; Aparecen tambores (en "Laukinis" presentado solo en forma de un loop de batería sin pretensiones pero inesperado en "Slepynes"), Orlova (o su productor) no desdeña los efectos especiales electrónicos - como resultado, las comparaciones se vuelven inevitables no solo con Tori Amos y Regina Spektor, pero y con, por ejemplo, Bjork o Kate Bush y realzado por letras surrealistas y una dirección general de fantasía freak-folk. El sabor "eslavo" se ha desvanecido y casi ha desaparecido; por el contrario, el álbum salió con un sentimiento muy "europeo" parece que podría ser un album procedente de Francia o Suecia. En una palabra, si "Laukinis šuo dingo" es la actuación amateur de una chica tan dulce, conmovedora por su ingenuidad e imperfección, entonces "Mutabor" es una obra completamente pensada y profesional. ¿Es esto bueno o malo, y la música de Alinina ha perdido algo de su encanto, junto con esa espontaneidad tan ingenua? No lo sé. Pero el disco es bastante decente.

En 2015 publica 88, en este álbum, la música pop electrónica ha reemplazado el sonido acústico habitual. El álbum incluye diez canciones completamente nuevas en tres idiomas: inglés, lituano y ruso, y Alina hizo la portada ella misma. "88" es un número que simboliza el año de nacimiento de Alina y el doble infinito. En el tercer disco, la chica empezó a sonar más de moda, y, sin embargo, Alina, tal vez, no encaja realmente en este sistema en bucle; tal vez sea más un sentido "bjork": hágalo usted mismo, su propia personalidad como el prisma principal de la creatividad, etc. solo que esta personalidad es bastante común, por supuesto, agradable, dulce, probablemente llena de méritos, pero aún así bastante predecible, y esta eterna pregunta incómoda: ¿puede la música ser simplemente acariciar melodiosamente tus oídos y engrosar tu cerebro? 

Amanecer publicado en 2018 estuvo acompañado de un largo período preparatorio. “Mi nuevo álbum es el punto. Con ellos quiero cerrar mi "ciclo juvenil", que me lleva desde hace una década. - dice Alina. - Siento que este período ha pasado. Tienes que hacer algo nuevo. O hazlo de otra manera. O de alguna manera cambiar tu vida por completo ".

0137: All my loving - The Beatles

Incluida en el álbum "With the Beatles" de 1963, All My Loving es una composición inicial de Paul McCartney (al parecer se le ocurrió mientras se estaba afeitando, y trabajó después al piano la melodía que se le había ocurrido), que por el acuerdo entre los dos grandes compositores principales de The Beatles, y la colaboración posterior de John Lennon en el desarrollo de la versión final de la canción, apareció firmada por Lennon & McCartney como el resto de canciones de uno u otro para el grupo.

El propio John Lennon comentó en una entrevista que "por desgracia, Paul escribió All my Loving". El motivo de la desgracia de Lennon era que la canción le pareció muy buena, pero se consoló aportando ideas y partes de guitarra a la composición de McCartney.

Durante la grabación del tema en los estudios de Abbey Road, que requirió de hasta once tomas hasta dar con la versión definitiva de la canción, George Harrison aportó el solo de guitarra, y John Lennon las líneas de fondo de guitarra rítmica, a un tema que McCartney imaginó inicialmente en clave country-western, pero que vio la luz finalmente con un sonido más asequible para el gran público, y jugando con el concepto de "carta canción" que ya los Beatles habían utilizado en "P.S. I love you".

0136: It Won't Be Long - The Beatles

 

It Won't Be Long, The Beatles

     El 22 de noviembre de 1963 The Beatles publican para el Reino Unido su segundo álbum de estudio, With The Beatles. Dicho disco supone un avance tanto en la producción del disco como en las capacidades musicales y vocales de los chicos de Liverpool.

Incluido en el álbum se encuentra It Won't Be Long, tema compuesto por John Lennon, y acreditado como era habitual al propio Lennon y a McCartney. El tema es grabado en una sesión de grabación que se efectuó en dos partes, una por la mañana y otra por la tarde, efectuada por el grupo el 30 de julio de 1963 en los EMI Studios de Londres. 

John Lennon, en la letra, realiza un juego de palabras entre be long (mucho tiempo) y belong (pertenecer). En el tema ya se empiezan a incluir marcas de la casa del grupo, como la llamada y respuesta en forma de "yeah-yeah", y los riffs de guitarra escalonados. 

En una entrevista concedida por John Lennon para la revista Playboy en 1980, afirmó sobre esta canción, que después de que un crítico musical del London Times comentara que It Won't Be Long incluía "cadencias eólicas", la popularidad del tema había aumentado, ya que atrajo a un grupo de público inteligente. También afirmaba que hasta ese día, todavía no sabía lo que era una cadencia eólica. El eólico es también como se conoce a la escala menor natural.

La música en historias: Burn - #MesDeepPurple

 

La música en historias: Burn - #MesDeepPurple

La banda Deep Purple estaba en lo más alto de su carrea, cuando los ánimos internos no eran los mejores, lo que desencadeno que Ian Gillan y Roger Glover dejaran la banda, así que la banda se quedaría con dos perdidas y una de ellas su vocalista.

Esto abría una pregunta, como continuar luego de los éxitos de In Rock, Machine Head y Made in Japan, los integrantes que seguirían en la banda, Ian Paice (batería), Jon Lord (teclados) y Ritchie Blackmore (guitarra), deciden unir a la banda a David Coverdale (quien luego formaría la banda Whitesnake) y a Glenn Hughes (bajista).

Con una banda renovada, el nuevo quintero se puso a grabar a fines de 1973, que estuvieran a la altura de todos los álbumes que ya eran un mito para la banda.

Los nuevos integrantes de la banda sumarian al estilo hard rock de Deep Purple, voces más blues de David Coverdale, y el soul de Glenn Hurghes, estos nuevos estilos harían corto circuito en la creación de un nuevo disco, pero Deep Purple lograría en noviembre de 1973 acabar con ochos canciones que finalmente se editarían en febrero 1974, y saldría a la luz el álbum Burn.

Burn se convertiría en el octavo álbum de la banda británica, y el primer tema del álbum será Burn tema que dio nombre al álbum, un tema rapidísimo en un riff de guitarra épico y duro, donde los vocalistas cambian voces, la batería suena con fuerza, comenzar con un tema así, hace un muy bueno inicio de álbum que da gusto escuchar.

La banda avanza con un funk en su segundo tema Might just take your life, que salió como un single ese mismo año, donde se destaca la voz y los estribillos de la canción, vuelve el toque funk que se mezcla en el tema Lay down, stay down, volviendo a tener el ritmo de la primera canción de álbum, la parte central del tema con el piano, el ritmo y las voces, sumando las voces de Glenn y David, convierte a uno de los temas favoritos de la banda en posteriores giras.

El álbum Burn pasa a tener palabras mayores con Sail away, donde encontramos la participación de David Coverdale con su guitarra hipnótica, mantiene toda la línea del Deep Purple anterior a David y Glenn, recoge los sonidos de blues y hard rock que te hacen mover la cabeza, un solo de guitarra sintetizada, un solo final con slide, todo eso hace que sea un tema soberbio.

You fool no one vuelve una batería rítmica junto al bajo, con un ritmo potente y complejo, las veces de Hughes y Backmore, interpretan a medias este comienzo del lado B de disco.

What´s goin´on here, le falta un poco de punch a lo que veníamos escuchando en las primeras canciones, pero no creo que sea mala, sino que el resto de las canciones del tema muestras la enormidad del álbum, Lord se destaca al piano, la guitarra de Ritchie aporta un toque diferente y Glenn avanza con su voz y estilo.

Mistreated, otro tema muy potente del disco, aunque tema lento y con fuerza sobre la que brilla la voz de Coverdale y fabuloso trabajo de Blackmore, toda la banda en este tema aborda muy bien su papel, las versiones en directo se alargaba todo lo necesario que fuera y lo pidiera el público.

El disco cierra con un tema instrumental A 200, donde se lucen los estilos de Jon Lord con sus teclados y sintetizadores.

Deep Purple re editara el álbum en su 30 aniversario, e incluirá el remix de sus canciones y Coronarias Redig del single que editaron con Might just take your life.

Daniel
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0135: Surfin' Bird - The Trashmen

 

Surfin' Bird, The Trashmen

     Lo primero que me viene a la mente cuando escucho Surfin' Bird es el momento de la película La Chaqueta Metálica en el cual un grupo de periodistas filma a marines de Estados Unidos poco después de una batalla mientras suena este tema de fondo.

En 1962, el grupo de surf rok The Trashmen, compuesto por Tony Andreason (voz y guitarra solista), Dal Winslow (voz y guitarra rítmica), Bob Reed (bajo) y Steve Wahrer (batería), publica Surfin' Bird, su disco debut y uno de los más exitosos de la banda gracias al tema que lleva el título del disco, Surfin' Bird.

Surfin' Bird está basado en la combinación de los coros de dos clásicos temas de R&B del grupo de doo-wop The Rivingtons, Papa-Oom-Mow-Mow y The Birds the Word. La canción fue ideada por el baterista Steve Wahrer, y combinaba magistralmente el surf rock con el novedoso y creciente R&B. 

Cuando el tema se convirtió en todo un éxito, The Rivingtons consiguieron obtener los créditos en la composición de la canción, ya que se basaba en dos temas suyos, lo que les reportó grandes beneficios financieros. Sin embargo, los componentes de la banda The Trahsmen aseguraban que escucharon temas de los Rivingtons a través de versiones interpretadas por un grupo de Wisconsin llamado Sorenson Brothers, e insistían en que Surfin' Bird era una grabación original. 

Curiosamente, The Trashmen era originaria de Minneapolis, una zona que poco o nada tenía que ver con el surf rock. La banda se había sentido atraída por el sol y el sonido de California durante un viaje por carretera que habían hecho hasta allí, y decidieron incorporarlo cuando regresaron a casa. 

Las 5 canciones de Deep Purple

Deep  Purple

Todavía recuerdo como si fuera ayer aquel día de mi infancia en el que mi amigo Raul se presentó con aquel cassette doble que traía bajo el brazo y me presentó a Deep Purple. Aunque aquella primera toma de contacto con aquella música me pareció horrible. A día de hoy todavía le estoy y le estaré eternamente agradecido por darme a conocer a aquel horrible grupo.

También recuerdo como si fuera ayer la primera vez que los conseguí ver en directo el 30 de junio de 1994 en el antiguo Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid. en aquella ocasión Ritchie Blackmore había abandonado la formación y Gillan, Lord, Paice y Glover recurrieron a un jovencísimo Joe Satriani, Memorable. El 4 de septiembre de 1996 repetiría la experiencia de ver a mis queridos Deep Purple, esta vez sería en el marco de las fiestas de la localidad de Mostoles (Madrid), donde por el módico precio de 1000 pesetas pude disfrutar de ellos. En esta ocasión la formación estaba compuesta por Gillan, Paice, Glover, Lord y el guitarrista Steve Morse, magnífico guitarrista recién fichado por el grupo y que ha día de hoy sigue dando caña en la banda. Otro concierto memorable.

Con ellos pasé mi adolescencia, crecí y  me hice adulto, han estado en mis penurias y también en mis alegrías, y de hecho es un grupo que sigue acompañándome a día de hoy allá donde voy, no en vano, como he comentado anteriormente, este grupo forma parte de la banda sonora de mi vida. 

Desde 7dias7notas os damos las gracias a todos los que habéis aportado vuestro granito de arena en la elección de las 5 canciones de este grupo, pues sin vosotros no sería posible. Y ya, sin más dilación, Con todos vosotros las 5 canciones de Deep Purple:

     

En quinto lugar con 47 puntos encontramos Strange Kind of Woman, editado en el quinto álbum de estudio de la banda, Fireball en 1971. Este sería el primer disco que Deep Purple situaría en la listas de éxitos británicas. Strange Kind of Woman fue editada como el primer sencillo del grupo y alcanzó el puesto número 8 en las listas británicas UK Charts. La composición del tema está atribuido a los cinco componentes del grupo, Gillan, Glover, Paice, Lord y Blackmore, y el tema hace referencia a un amigo de la banda que tras estar cortejando un tiempo a una mujer que ejercía la prostitución consiguió casarse con ella, pero tres días después de la boda ella falleció. El tema fue escrito por el grupo bajo presión, pues después de haber sacado a la luz el sencillo Black Night en 1970 y que este fuera un éxito, necesitaban seguir en esa línea para mantenerse en lo alto.

Sobre la composición del tema, éste fue compuesto en una casa llamada The Hermitage en el condado de Devon el cuál está situado al suroeste de Inglaterra. Roger Glover durante una entrevista a la revista Metal Hammer en junio de 1988 aseguró que la grabación del tema fue una locura debido a que esa fue una etapa muy loca en el seno del grupo y se dedicaban a realizar sesiones de espiritismo y que además hubo apraciones. Durante los años 70 era habitual que al interpretar el tema en directo Blackmore y Gillan regalaran al público un memorable duelo Guitarra/Voz como el que podemos disfrutar en su disco en directo Made In Japan por ejemplo.

En cuarto lugar con 59 puntos Burn, del álbum titulado también Burn, grabado en Montreux (Suiza) en noviembre de 1973 con el estudio móvil de los Rolling Stones y publicado en febrero de 1974. En éste disco la formación estaba compuesta por David Coverdale (vocalista), Glenn Hughes (bajista y vocalista), Ritchie Blackmore (guitarra), Ian Paice (batería) y John Lord (teclados). Como curiosidad sobre el álbum Burn, éste fue de los primeros que fue anunciado por televisión. Con la incorporación de Coverdale y Hughes se nota la influencia de estos y el disco Burn incorpora sonidos y elmentos funk y soul. El tema Burn en cuestión es un auténtico trallazo con unos riffs muy potentes y contundentes y donde Paice está soberbio a la batería. La autoría del tema está atribuida a los cinco componentes de la banda.

La melodía de la canción está inspirada en el tema de los Gershwin Brothers Fascinating Rythm. El tema trata de una mujer misteriosa y hechizante que llega a la ciudad y empieza a advertir a todo el mundo que el final se acerca, la gente no la cree y además se ríe de ella, hasta que la mujer pronuncia la palabra Burn y la ciudad empieza a ser destruida por las llamas que la mujer lanza contra la ciudad. Podría parecer que la letra está compuesta por Ritchie Blackmore, el cuál sentía fascinación por el ocultismo, la brujería y la edad media, pero no, en este caso el grupo dió un cassette con los temas en los que habían estado trabajando y mandaron al recién fichado (y desconocido entonces para el público) David Coverdale a Inglaterra para que trabajara junto con Glenn Hughes en la letra de Burn.

Este tema también se convirtió en el tema de apertura del grupo en los conciertos desde 1974 hasta 1976.

En tercer lugar con 79 puntos Smoke on the Water, perteneciente a su sexto álbum de estudio Machine Head, grabado en un hotel abandonado, el Grand Hotel de Montreux (Suiza) en diciembre de 1971 y publicado en marzo de 1972. Tema que contiene uno de los riffs más famosos de la historia de Rock. La composición del tema está atribuido a todos los componentes, Gillan, Blackmore, Paice, Lord y Glover. El tema trata el el conocido suceso que ocurrió en el Casino de Montreux el 4 de diciembre de 1971 durante un concierto que Frank Zappa estaba dando allí y donde los miembros de Deep Purple estaban presentes, y estaban allí presentes porque además justo después del concierto de  Frank el grupo tenía programado grabar allí su álbum Machine Head. Los miembros del grupo relatan como una persona que se encontraba sentada justo detrás de Ian Gillan lanzó dos bengalas que impactaron en una de las esquinas del recinto en la parte superior y rápidamente comenzó a prender todo el lugar, también recuerdan como Frank Zappa detuvo inmediatamente el concierto y tanto él como los componentes de la banda estuvieron ayudando a que todo el mundo saliera consiguiendo que la gente lo hiciera de manera organizada, evitando así que ocurriera un desastre aún mayor. Los miembros de Deep Purple al salir de allí estuvieron observando el incendio desde un restaurante cercano desde donde también podían divisar como una capa de humo cubría completamente el lago Leman, más conocido como el lago de Ginebra. Esto le dio una idea al grupo y mientras Roger Glover ideaba el título del tema Ian Gillan se ocupaba de escribir la letra. 

Al no poder grabar allí, el grupo se trasladó al Grand Hotel de Montreux y grabaron allí el álbum Machine Head usando el estudio móvil de los Rolling Stones. Allí nació el tema Smoke on The Water, un tema que fue grabado entre el 6 de diciembre y el 21 de diciembre de 1971 y que relataba los sucesos que acontecieron en el Casino de Montreux apenas unos día antes. El riff de guitarra fue ideado por Ritchie Blackmore. A Ritchie le gustaba mucho la música renacentista y un día viendo un documental de la BBC sobre las Esposas de Enrique VIII se le ocurrió el riff. Dicho riff  está grabado en una escala modal medieval y fue grabado con una guitarra Fender Stratocaster. El grupo jamás pensó que este tema fuera a convertirse en un éxito, de hecho este tema se popularizó un año después de su publicación cuando salió editado como sencillo en el mercado estadounidense.

En segundo lugar con 102 puntos Child in Time, publicado en el cuarto álbum de estudio de la banda, In Rock en junio de 1970. Tema que ya reseñamos en 7dias7notas cuando hablamos del disco In Rock de Deep Purple. Cómo ya comenté en aquel momento John Lord solía tocar en su teclado el tema Bombay Calling del grupo Its A Beautiful Day, los demás, Gillan, Blackmore, Paice y Glover pensaron que éste era un tema sobre el que podrían trabajar, después de unos cuantos arreglos surgiría Child in Time, un tema que quería reflejar el estado de ánimo que había en ese momento en la sociedad, por eso escogieron la temática de la Guerra Fría. 

Sobre éste tema siempre se ha especulado que en el directo Made in Japan, publicado en diciembre de 1972, durante su interpretación se escucha lo que parece ser un disparo, el grupo siempre ha desmentido que allí se produjera disparo alguno y que lo que realmente suena en la grabación es el sonido producido por los teclados de John Lord. 

Y la clara ganadora elegida por vosotros con 136 puntos es Highway Star, incluida en su sexto álbum de estudio Machine Head, publicado en marzo de 1972. anteriormente ya comenté que éste disco fue grabado en el Grand Hotel de Montreux, en Suiza, ya que la intención del grupo de grabarlo en el Casino de Montreux se fue al traste al arder éste por completo el 4 de diciembre de 1971.

La composición del tema está atribuida a sus cinco componentes, Gillan, Glover, Lord, Blackmore y Paice, y habla del amor de un hombre por su coche de gran potencia, un coche que no tiene rival y que puede con cualquier otro que se le ponga por delante. El tema fue ideado exactamente el 13 de septiembre de 1971 cuando el grupo se encontraba en el autobús de camino a Portsmouth (Inglaterra) donde tenían su siguiente concierto, su canción de apertura en los directos por entonces era Speed King y ya estaban un poco cansados de tocarla, así que se pusieron manos a la obra y se sacaron de la manga Highway Star, y esa misma noche en Portsmouth la tocaron en directo. El tema fue evolucionando en sus directos hasta que fue grabado definitivamente para Machine Head en diciembre de 1971. 

Hay quien considera este tema como el primer tema de la historia del género musical llamado Speed Metal, un subgénero del heavy metal que resultó de la fusión del hardcore punk y el NWOBHM (Nueva ola del heavy metal británico), un género donde dos de sus máximos exponentes son Motorhead y Metallica. El sólo de teclado de John Lord está inspirado en Bach y Gillan suele improvisar en los conciertos la letra del tema. 

 6- Lazy 43 p

 7- Hush 37 p

 8- Black Night 26 p

 9- Perfect Strangers 22 p

10- Mistreated 21 p

11- Space Trucking 17 p

12- Soldier of fortune 13 p

13- When a Blind Man Cries 13 p

14- Knocking at Your Back Door 12p 

15- Stormbringer 10 p

16- Fireball 8 p

17- Rat Bat Blue 8 p

18- You Fool no One 8 p

19- The Mule 7 p

20- Demons Eye 6 p

21- Woman From Tokio 6 p

22- A Gypsy's Kiss

23- Sometimes I Feel Like Screaming 5 p

24- Holy man 4 p

25- Help 4 p

26- Lady Double Dealer 4 p

27- Living Wreck 4 p

28- Mandrake Root 4 p

29- Maybe I'm a Leo 4 p

30- Painter 4 p

31- Shield 4 p

32 Bloodshucker 3 p

33- Flight of a Rat 3 p

34- Hard Loving Man 3 p

35- Kentucky Woman 3 p

36- Love Don't mean a Thing 3 p

37- Speed King 3 p

38- Anthem 2 p

39- Anya 2 p

40- Coming Home 2p 

41- Mary Long 2 p

42- Picture of Home 2 p

43- Sail Away 2 p

44- Under a Gun 2 p

45- Gettin' Tighter 1 p

46- Lady Luck 1 p

47- Place in the Line 1 p

48- Wasted Sunsets 1 p

49- You Keep a Moving 1 p

0134: Surfer girl - The Beach Boys

Nos enfrentamos al tercer álbum del grupo The Beach Boys que iba a empezar a marcar las características del grupo y su pieza fundamental, salvo dos temas tradicionales, Brian Wilson compone todas las canciones del disco (rarísimo en 1963, los Beatles también lo harían con “A hard day’s night” un año después, pero era muy poco habitual), pero, además produce el disco. Con 21 años tiene absoluto control sobre su obra, caso único en la época. ”Brian es los Beach Boys, nosotros somos sus mensajeros”, dijo Dennis tiempo después.

El disco se abre con la excelsa Surfer Girl, una canción de una belleza increíble que se eleva aún más por las extraordinarias armonías del grupo, la voz de Brian y el arpa tocada por la hermana de Mike, un clásico imprescindible dentro de la discografía del grupo, y una osadía, cuando todos el mundo demandaba hits para que la juventud surfer de California la cantara y disfrutara, Wilson, ni corto ni perezoso ofrece una balada en un movimiento de maestro que marca un atrevimiento relevante y una ambición distinta y ya casi desatada de Brian Wilson por darle una personalidad a la banda basada en la belleza melódica. Wilson pasó de cantar 'Cuckoo clock' en su primer álbum de forma no tan pulida y como excepción a cantar tres canciones en su segundo álbum 'Surfin' USA', transformándose en segundo vocalista de la banda de forma más clara exhibiendo un estilo vocal será directamente excelente, así 'Surfer girl' completa el circulo y sitúa de forma completa al Brian Wilson que veremos crecer de aquí en adelante como el líder absoluto del grupo. Este tema también es de su sola autoría y cumple con todos los requisitos estilísticos y melódicos para definir y resolver un estilo propio para el grupo, las armonías del final son de otro planeta e invitan al escuchante a reconocer a Wilson como un cantante excepcional que se está tomando el protagonismo de la banda.

Wilson ha declarado a lo largo de los años que fue la primera canción que compuso, era tanto su amor por la música que nunca estaba lejos de un piano, pero en realidad como declaro más tarde, escribió la canción mientras conducía en dirección a un puesto de perritos, de repente la melodía se le metió en la cabeza y la dibujo por completo sin la ayuda de un instrumento, me la canté a mí mismo, ni siquiera la canté en voz alta en el auto. Cuando llegué a casa ese día, terminé la canción, escribí el puente, armé las armonías y la llamé 'Surfer Girl'. Más tarde confesaría que para crear la melodía se inspiró en "When You Wish Upon A Star", de la película de Disney Pinocho. A pesar de que es una canción de amor y sobre una chica, Wilson nunca ha confesado en quien se inspiró para realizar el tema, todos sospechamos que fue en su novia por aquel entonces Judy, pero él ha dejado claro una y otra vez que está dedicada a todas las chicas surfistas que disfrutan encima de la tabla.

Disco de la semana 225: Definitely Maybe - Oasis

En la fría y gris Manchester de finales de los ochenta, unos adolescentes hermanos Gallagher ven pasar el día a día en un humilde barrio obrero, sin saber muy bien que rumbo tomar en la vida. El mayor (Noel) convence al pequeño (Liam) para ir a ver un concierto de los Stone Roses. Ellos no lo saben, pero con esa decisión sin importancia acababan de sembrar la semilla para la creación de Oasis. Noel (el instigador) quedó impresionado con la destreza de John Squire a la guitarra, pero lo curioso es que Liam (el reacio) vuelve del concierto absolutamente fascinado por la manera en la que Ian Brown se manejaba en el escenario, y completamente decidido a montar un grupo.

Noel no tarda en enrolarse en un grupo llamado The Inspiral Carpets, con los que se sube a la furgoneta y se marcha de gira por los pubs de toda Inglaterra, mientras Liam sigue nadando en la monotonía del deprimido barrio de Manchester, solo mitigada por las visitas al estadio del Manchester City, por entonces el equipo pobre de la ciudad. Sobrevive con el subsidio de desempleo, y cuando puede no pierde la ocasión de ir a rayar los coches de los jugadores del Manchester United, hasta que encuentra por fin la ocupación que estaba buscando, y se hace vocalista de un grupo local llamado The Rain, que para no coincidir con otro grupo del mismo nombre cambian al poco tiempo su nombre por el de Oasis.

Cuando Noel regresa de la gira de los Inspiral Carpets, acude a ver el primer concierto del grupo de su hermano, y según sus propias declaraciones: "Les dije que lo que hacían era una mierda, pero que Liam valía como frontman de la banda". Noel se ofrece entonces a escribirles canciones, y no tarda en pasar a formar parte de la primera formación de Oasis, definitivamente comandada por los dos hermanos Gallagher. Definitivamente, o quizás, tal y como reza el título del que sería su primer y mejor disco, en su momento el álbum de debut de un grupo inglés más impactante desde el Nevermind the Bollocks de los Sex Pistols, con el que además comparte algunas similitudes, como que antes de la publicación del disco ya se rodaran muchas de las canciones en el circuito de conciertos local, y se publicaran varios singles que después formarían parte del disco.

Es el caso, por ejemplo, de Live Forever, la canción que Noel interpretó para el resto como ejemplo de lo que podía aportar si le incluían en el grupo, o Columbia, rotundo tema interpretado ya en el primer concierto de Oasis en el que tocaron juntos los dos hermanos, antes de meterse a un local de ensayo a preparar el resto de canciones del disco. En aquel local de ensayo, empiezan a pulir temas como Rock and Roll Star (el primer fogonazo con el que abrirá el disco), o Up in the sky, temas que pronto formaran también parte de las primeras actuaciones en el circuito de pubs de Manchester, y de la maqueta que grabaron de aquellas primeras sesiones, que incluía  temas como Bring it on down, Married with children o Digsy's dinner. Todos ellos serían parte de lo que después sería Definitely Maybe, una vez conseguido su primer contrato discográfico con el sello Creation.

Con el flamante contrato bajo el brazo, la banda vuelve al local de ensayo y genera nuevos temas como Cigarettes & Alcohol y Shakermaker. Las melodías van surgiendo, pero les cuesta encontrar las letras adecuadas para las nuevas canciones, y para ello contaron con la inesperada ayuda de Elsa, el perro del ingeniero de sonido, que tenía problemas estomacales y no paraba de soltar unos terribles pedos, como si se hubiera tragado un tubo de Alka-Seltzer. Eso les dio las primeras frases de Supersonic, el primer sencillo y uno de los temas estrellas del disco (Conozco a una chica llamada Elsa, adicta al Alka-Seltzer")

El segundo sencillo fue Shakermaker, que nació con polémica por su parecido con el tema "I'd like to teach the world to sing" de los New Seekers para un anuncio de Coca-Cola. De hecho, Noel coló en la letra el slogan de aquel anuncio de veinte años atrás ("Me gustaría comprarle al mundo una Coke") y se negó a modificarla, a riesgo de perder los royalties en una posible denuncia. A este single le siguió Live Forever, convirtiéndose al instante en una de las canciones más relevantes del grupo. Y aún hubo cuerda para otro single más, Cigarettes & Alcohol, y para la publicación de Whatever, otro gran éxito que finalmente no formó parte del disco, salvo en algunas ediciones especiales en las que se le incluía en un disco sencillo adicional dentro del álbum.

Definitely Maybe fue un rotundo éxito de crítica y ventas, y un chorro de aire fresco para el underground británico, en una era dominada por el grunge procedente de Estados Unidos. La crítica elogió la energía y fortaleza del álbum, que combinaba brillantes estructuras melódicas con una producción que saturaba las múltiples guitarras hasta crear un consistente muro de sonido, basado en una acelerada amalgama de rock, pop, punk y psicodelia. La actitud y las inflexiones en la voz de Liam recordaban, una vez más, al Johnny Rotten de Nevermind the Bollocks, al tiempo que se basaban en su admirado Lennon.

En conjunto, un disco directo, valiente e intenso, con guitarras más pesadas que las de otros grupos relevantes de la época como Blur o Suede, y con menos ínfulas artísticas. Dónde otros se esmeraban en pintar sobre lienzo, los Gallagher derribaban la puerta y lo salpicaban todo, repartiendo brochazos a diestro y siniestro, a golpes de guitarra, melodías pegadizas y potentes coros de estadio, que no tardaron en desatar la locura mediática alrededor del disco, alimentada además por el descaro y la chulería de las declaraciones de los díscolos hermanos, que arremetían verbalmente contra todo lo que se les pusiera por delante, en una actitud que les encumbró y, a la vez, les acabaría condenando, porque acabó siendo más ruidosa que las propias canciones, y cuando en discos posteriores rebajaron la intensidad y el brillo de sus propuestas, tenían ya demasiados enemigos esperando a machacarles.

A día de hoy, ambos han desarrollado una correcta trayectoria en solitario, aunque nunca a la altura de Definitely Maybe o What's the Story (Morning glory), sus dos discos clave. Algo esperable, porque ya sabíamos que, fuera de un Oasis, lo que nos espera es una larga travesía por el desierto, hasta el día en que dos hermanos se sienten frente a un par de cervezas y arreglen sus diferencias definitivamente. O sólo quizás.